Барокко что значит: Барокко — это… Что такое Барокко?

что это такое, стиль картин, эпоха раннего в живописи и искусстве, примеры скульптуры, элементы художников, хаус

В переводе с итальянского языка, barocco – «странный, удивительный, причудливый». Стиль барокко зародился в период становления монархического строя правления в Италии. Он получил широкое применение в области изобразительного искусства, скульптуры, музыки и архитектуры. Его призванием стало прославление могущества церкви и аристократического общества того времени. Барокко смог выразить новое представление о безграничности и многообразии окружающего мира, его единстве и драматичной изменчивости, пробудил интерес к стихиям природы.

История возникновения барокко – новая эпоха в Европе на смену Возрождению

Именно в Италии на смену Высокого Возрождения возник барочный стиль (16-й век). Не смотря на тяжелое политическое положение страны, где господствовали иностранцы (испанцы и французы), Италия продолжает оставаться культурным центром Европы. В этот период итальянцы не могли позволить себе выстраивать новые шикарные замки (романские или готические, как он назывался ранее, по стилю) .

Появление барокко позволило создавать иллюзию богатства, обходясь без дорогостоящих материалов.

Активное развитие культуры началось по причине недостатка средств. Возведение шикарных палаццо было не по карману знати и представителям церковной власти, но они все же нуждались в подтверждении собственной состоятельности и мощи. Высшие сословия обратились за помощью к искусству – появившееся направление их возвышало и за счет этого набирало все большую популярность.

Витиеватость узоров и массивность дерева в стиле барокко

Черты и особенности стиля

Для направления барокко присущи контрастность образов и их динамичность, совмещение иллюзорных форм и реальности, великолепие композиций. В интерьерах и экстерьерах построек применяются скульптурные элементы, рустованные колонны, волюты и раскреповки, а также пилястры. Нередко можно было встретить развернутые колоннады значительных масштабов. Стиль барокко от маньеризма унаследовал тенденцию поражать воображение. Это можно наблюдать в сложных купольных формах, выполненных в виде многоярусных конструкций. К отличительным чертам также относится использование кариатид, атлантов и маскарон.

Тенденции вычурности и напыщенного богатства также можно проследить еще в стиле Викторианской эпохи.

Кариатиды, атланты и маскароны

Интерьер

В моду барочного интерьера широко входят необычные композиции ассиметричных рисунков декора, изображения вогнутых и выпуклых форм. Четко выражены вертикальные линии колон и членений горизонтального типа, что присуще еще и колониальному стилю.

Стиль барокко идеально сочетается с интерьером помещений значительного размера – многообразные украшения и мебельные гарнитуры занимают невероятно большое пространство комнаты.

На фото представлен один из ярчайших примеров интерьера в направлении барокко.

Интерьер в стиле барокко

Мебель

Мебель в стиле барокко – уникальное произведение искусства, поэтому она использовалась чаще всего для создания интерьерной композиции помещения. Мягкие гарнитуры (диваны, кресла с деревянными ножками, стулья) обивались дорогостоящими материалами насыщенных оттенков. Гигантские шкафы из дерева украшались резными гравировками и однотонными рисунками. Очень популярны были громадные кровати с нарядными навесами, с которых струились вниз красочные покрывала. Гостиным помещениям во времена барокко уделялось особое внимание – в шикарных залах принимали гостей и устраивали балы.

Мебель в стиле барокко

Оформление стен

В интерьере барокко использовалась настенная роспись. Высокие мраморные стены были покрыты крупными многоцветными изображениями, дополненными обильной позолотой и фресками на потолках. А картины невероятных размеров и обрамленные богатыми рамами (с позолотой или лепниной), довершали общую композицию невероятного великолепия.

Изображения на стенах в стиле барокко описывали сцены из мифологических сказаний.

Классическое представление барокко в современном интерьере

Оформление полов

Мраморный пол служил гармоничным контрастом общему интерьеру гигантских залов. Он оформлялся в виде плиток, расположенных в шахматном порядке. Цветовая палитра не отличалась особенным разнообразием – использовались однотонные цвета. На фото выше можно и просмотреть, как оформлялись полы в стиле барокко.

Живопись

К характерным особенностям становления живописи в барочный период относятся:

  • Броская цветовая палитра.
  • Динамичность композиции.
  • Пышность «плоских» форм.

Яркие примеры картин эпохи барокко можно наблюдать в творчестве Рубенса («Распятие», «Страшный суд», «Битва греков с амазонками») и Караваджо («Больной Вакх», «Отдых на пути в Египет», «Призвание апостола Матфея»).

“Страшный суд”, Рубенс

Архитектура и ее представители

Отличительными чертами архитектуры барокко стали текучесть криволинейных и сложных форм, а также невероятный размах стилистического пространства. Изобилие скульптурных творений декорируют фасады здания церквей и соборов.

Во многих странах стиль барокко в архитектуре получает огромную популярность. Только во Франции он был не настолько выражен – к барочным памятникам даже употребляется термин «классицизм».

Классицизм – это направление в искусстве (17-19 вв). Характеризуется возвращением к античному искусству и культуре, которая считалась идеальным образцом.

Неоценимый вклад в области архитектуры внесли:

  • Донато Браманте – основоположник барочного зодчества.
  • Джакомо Делла Порта, Карло Мадерна и Доменико Фонтана – архитекторы раннего периода барокко.
  • Франческо Брромини – представитель радикального зодчества.
  • Сантино Солари – создал первый барочный собор в Зальцбурге.

Архитектура барокко

Скульптура

Лоренцо Бернини

Органически присущей частью искусства барокко являлась скульптура. Самым знаменитым скульптором 17-го столетия был признан Лоренцо Бернини. Его наиболее популярные работы на мифологическую тематику:

  • Плутон (бог подземного царства), похищающий Прозерпину.
  • «Экстаз святой Терезы» – алтарная группа, расположенная в одном из храмов Рима.
  • Аполлон (бог света), преследующий нимфу Дафну, которая чудесным образом превращается в дерево.

На фото изображена скульптура в стиле барокко, выполненная из дерева. Именно этот материал преобладал при создании скульптур, а для большей реалистичности с хрустальной срезкой и стеклянными глазами.

Мода

Эпоха барокко развивается во времена правления Людовика XIV (2-я половина 17-го века), когда при дворе царил безукоризненный этикет. Законодателем модных тенденций в Европе была Франция, и другие страны строго следовали французским направлениям в моде.

Для европейских нарядов характерна невероятная пышность, дополненная многочисленными украшениями.

Модные веяния барокко

Платья прекрасных дам видоизменились – в отличие от эпохи Раннего Ренессанса они были на китовом усе. Наряд книзу юбки плавно расширялся, а сзади платья прикреплялся шлейф. Глубокий вырез декольте открывал плечи, а вошедшие в моду высокие прически покрывались косынками и чепчиками из тонкой ткани.

Мужчины носили длинные кафтаны, украшенные кружевами и красочными бантами. Высокие ботфорты носили исключительно во время военных походов или в полях. В гражданской же обстановке представители сильного пола носили туфли. Обувь украшалась аграфами (пряжки), но со временем более популярными стали банты.

Головы кавалеров покрываются элегантными париками, распускающимися кудрявыми локонами по плечам и торчащими вверх. Как женщины, так и их кавалеры стали использовать косметику в непомерном количестве. Лица и парики тщательно напудривались. Кроме того, появились мушки – они придавали яркий контраст невероятной белизне кожи.

Пример нарядов времени барокко можно наблюдать на фото.

 

Искусство: художественные картины в барочном стиле

И.С. Бах

В самом конце эпохи ренессанса появляется музыка барокко, которая становится предшественником культуры классицизма. Наблюдается противопоставление инструментов и голосов, солистов и хора, а также сочетание форм значительных масштабов. Возникают инструментальные жанры, а ведущее положение занимают опера, жанры кантаты и оратории.

Известные музыканты и композиторы:

  • Ч. Бернелли, Г. Рейтер, И.И. Фукс, Д. Фантини, У.Г. Руэ, И.Г. Вюлькен – знаменитые трубачи.
  • И.С. Бах, Ф. Джеминиани, Жан-Батист, А. Вивальли, С. Шейд – известные композиторы.

Человек

Люди эпохи барокко считали естественным поведением проявление бесцеремонности, дикого невежества и даже самодурства. Женщины придерживаются безукоризненной белизны кожи и очень дорожат ею. Они украшают свои головы замысловатыми прическами и появляются в высшем обществе в элегантных туфельках на невысоких каблучках.

Олицетворением мужского идеала становится “джентельмен” – образ спокойной, мягкого, уравновешенного мужчины. Усы и бороды теперь сбривают, напудривают парики, пользуются парфюмом. Споры между представителями сильного пола проявляются в дуэлях.

Именно во время барокко начинают появляться элегантные салфетки и вилки, что относится к изысканности столового этикета.

Бог представляется людям не как спаситель человеческих душ, а как Величайший Архитектор, сотворивший мир подобно часовому механизму.

В столицах европейских государств открываются научные сообщества и многочисленные Академии наук. Исаак Ньютон в 1689 году создает труд под названием “Математические начала натуральной философии”, а также открывает “Закон всемирного тяготения”. Карл Линнец публикует в 1735-м году известную работу по систематизации биологии “Система природы”. Галилей доказывает предположение о том, что Земля вращается вокруг Солнца. Начинается период открытия новых земель и парусники невероятных размеров путешествуют по просторам мировых океанов.

Символы литературы: искатели удивительных приключений и предприимчивые путешественники (Барон Мюнхаузен, Робинзон Крузо, Гулливер). Нормой в художественной лексике считаются иносказания.

Иллюстрация “Путешествия Гулливера”

Виды обоев для стен: как их правильно подобрать и как правильно поклеить.

Какими бывают современные серванты для гостиной читайте в этой статье.

Состав ламината: https://trendsdesign.ru/materialy/napolnye-pokrytiya/laminat/laminat-sostav-osnovnye-osobennosti-pokrytiya.html

Краткий видео-обзор на стиль Барокко

Выводы

Век барокко возник в 16-м столетии и приобрел широчайшую популярность на территории Западной и Восточной Европы. Этот период развития культуры и искусства принято считать предвестником победоносного шествия «цивилизации Запада». Производной стиля барокко считается рококо – более спокойный и утонченный стиль в интерьере на фоне своего предшественника. Так же читайте об архитектуре Ампир.

Рекомендуем также прочитать что это неоклассика.

Эпоха барокко | История искусства

Охота на бегемота и крокодила. Рубенс

В конце 16-го - начале 17-о века искусство Ренессанса в Западной Европе сменилось новым направлением "барокко". Слово "барокко" в буквальном переводе с итальянского означает "причудливый", "вычурный".

Зародилось барокко в Италии, в конце 16 века. Зрителя поражают яркость чувств, порывистость, страстность этого искусства, его преувеличения и излишества полны неожиданностей. Барокко покорило всю Европу.

Архитектура

Родиной архитектуры барокко стал Рим. Новый стиль утвердился прежде всего в церковном зодчестве, а затем и в архитектуре дворцов. Построенные ранее церкви украшали элементами барокко, в основном - интерьер. Сооружения в стиле барокко ослепляют пышностью, роскошью. Здания богато украшены, часто без меры, разнообразными деталями: это богатый, лепной, с завитками, орнамент, портики, галереи со статуями атлантов и кариатид. В интерьере дворцов сглаживаются углы потолка и стен, они украшаются богатыми росписями, лепниной, позолотой. Помещения украшаются гобеленами, статуями, зеркалами. Разноцветные полы, хрустальные люстры, изящная мебель на тонких изогнутых ножках дополняют убранство дворцов.

Типичной для архитектурного барокко представляется архитектура Рима в 17 веке.

Фонтан Треви в Риме. Николо Сальви. (1732 -1762)

Мастера барокко порывают со многими художественными традициями Возрождения, с его гармоничными, уравновешенными объемами. Архитекторы барокко включают в целостный архитектурный ансамбль не только отдельные сооружения и площади, но и улицы, которым они придают строго прямолинейные очертания. Начало и конец улиц непременно отмечены какими-либо архитектурными или скульптурными акцентами. Огромное значение приобретают обелиски и фонтаны.

На смену статуе как организующему площадь началу приходит обелиск с его устремленностью ввысь, а еще чаще - фонтан, обильно украшенный скульптурой. Блестящим примером барочных фонтанов были фонтаны Бернини: фонтан Тритона на площади Барберини и фонтаны Четырех рек и Мавра на площади Навона.

В эпоху раннего барокко не столько были созданы новые типы дворцов, вилл, церквей, сколько усилен декоративный элемент: интерьер многих ренессансных палаццо превратился в анфиладу пышных покоев, усложнился декор порталов, много внимания барочные мастера стали уделять внутреннему двору, дворцовому саду. Особого размаха достигла архитектура вилл с их богатым садово-парковым ансамблем. Парк обильно украшают гроты, балюстрады. скульптуры, фонтаны.

Джакомо делла Порта. Церковь Иль Джезу в Риме.Фасад (1573 - 1584)

Скульптура

Неотъемлимой частью архитектуры в эпоху барокко была скульптура. Она украшала фасады и внутренние помещения. Скульптуры барокко были декоративным дополнением к архитектуре зданий. Парки украсились скульптурными группами на античные сюжеты; на площадях появились памятники властителям, многочисленные статуи оживляли фонтаны и лестницы.

Скульптуры барокко беспокойны, порывисты, живописны. Люди - в развевающихся одеяниях или обнаженные - представлены в вычурных, неестественных позах. Пышные драпировки, вычурные жесты, бесчисленные детали придают статуям извилистые и неопределенные очертания.

Барокко: краткая характеристика стиля. Новости компании. Тел.: +38 (044) 253-14-98

Архитектура барокко всегда ассоциировалась с дворцовым и королевским стиле, хотя с итальянского языка переводится как «странный» и «причудливый». Стиль барокко пришел на смену эпохе Ренессанса и стал своеобразным протестом против канонических правил и правильных форм, правивших в то время.

История возникновения архитектуры барокко

Родиной барокко стала Италия, а именно Ватикан, ведь именно там появилось первое строение, выполненное в этом причудливом и странном стиле. Речь идет о величественном ансамбле – дворе Бельведер, воздвигнутом в самом сердце Ватикана. Его создателем стал гениальный архитектор дизайнер того времени – Донато Браманте. Хотя многие и утверждают, что двор Бельведер с его спокойной и уравновешенной архитектурой мало чем напоминают классический стиль барокко, все же именно этот ансамбль послужил толчком к развитию и созданию нового стиля.
Последователями Браманте были Джакомо да Виньоло и Микеланджело, который считается основателем стиля барокко.

Характерные черты архитектуры барокко

Изначально барокко создавался как церковный стиль, чтобы показать людям всю красоту и заворожить невероятным размахом строений. Позже этот стиль унаследовали королевские дворцы и загородные резиденции.

Главной идеей стиля барокко является создание сложных и неправильных форм, сливающихся в единое целое. Частое чередование выпуклых и вогнутых линий создает интересный эффект, а также замысловатую игру света и теней. Кроме этого, для архитектуры барокко характерно использование скульптур, пилястр, колонн, а также маскарон – мраморные головы животных или людей в анфас.

Звание дворцового стиля барокко оправдывает использованием сложных декоративных элементов гипсовой лепнины, фресок, витражей, массивных предметов мебели и элементов декора. В качестве цветовой палитры для барокко характерно использование золотых, красных, белых и светлых цветов и оттенков.

Подчеркнуть стиль барокко возможно и при помощи отделочных материалов: натуральный камень, гранит, мрамор, полудрагоценные камни, позолота – все это неотъемлемые элементы стиля.

Гений барокко

Джованни Лоренцо Бернини создал невероятные шедевры, которые легли в основу стиля барокко. Современники видели в его творениях слишком много театральности, хотя сам творец говорил о себе, что смог сделать мрамор гибким, как воск и объединил скульптуру с живописью.

Главная идея барокко

Главной идеей стиля барокко является поражение сознания людей, ведь, чем больше человек ошеломлен, тем больше это барокко!


что это за стиль и где найти его примеры в Петербурге

Приход к власти Елизаветы Петровны ознаменовали эпоху возвращения страны к петровским традициям и культурного подъёма. Младшая дочь Петра I отлично справлялась с войнами, просвещением империи и освоением Сибири. При ней строились огромные пышные дворцы как символ авторитета государственной власти. Архитектура середины XVIII века активно прославляла на весь мир могущество Российской империи.

Стиль елизаветинского барокко отказался от строгих фасадов и западноевропейских форм. Императрице были ближе пышные формы, золотая отделка, яркие детали. В эту эпоху в архитектуру вернулись и древнерусские черты – крестово-купольная схема и луковичные пятиглавия.

Читайте также:

Готика в Петербурге: топ-10 зданий с элементами средневекового стиля

Главным творцом при дворе и любимцем императрицы стал архитектор Бартоломео Растрелли. Он умело использовал на фасадах колонны, украшал окна и проёмы полукруглыми навершиями с богатым декором. Внутренне пространство у Растрелли насыщенно окнами и зеркалами, которые придают помещению ещё больший масштаб.

Растрелли оказался и выдающимся инженером, применив в большинстве своих построек каменные платформы – ростверки на сваях. Они уходили глубоко в землю и равномерно распределяли нагрузку, что позволяло строить все эти огромные здания на болотистых петербургских почвах.

Большой петергофский дворец
 

Изначально на этом месте стояли небольшие палаты, построенные при Петре I. Растрелли в 1745-1752 годах увеличил их на один этаж и сделал частью центрального корпуса дворца, созданного по мотивам Версаля. Вместо скромных флигелей была построена церковь с пятью куполами. В обработке фасадов архитектор оставил мотивы оригинальных петровских палат: пилястры, русты, кованные решетки. Новый рисунок появился на капителях, картушах и рельефном орнаменте деталей. Общая длина фасада достигла 268 метров.

Интерьеры большого дворца везде были украшены золочённой деревянной резьбой. При этом в декоре была использована живопись. В залах и кабинетах большую роль играли зеркала и наборные паркеты. Полностью отделка была завершена в 1755 году.

Среди самых эффектных и роскошных помещений выделяется парадная лестница. В её отделке Растрелли применил едва ли не все возможные средства декорирования: масляная живопись плафона, темперная роспись стен, резьба по дереву, кованый металл и лепнина. Стоит также обратить внимание на танцевальный зал. Он имеет фальшивые зеркальные окна-обманки, их изобилие создаёт эффект многократно умноженного пространства.

Архитектор: Франческо Растрелли

Год постройки: 1755 год

Фото: Instagram / @andrei_mikhailov
 

Екатерининский дворец в Пушкине
 

В марте 1752 года Растрелли приступил к реконструкции дворца, существовавшего со времён Екатерины I в Царском селе. Елизавета Петровна сочла его слишком старомодным и маленьким для официальной императорской летней резиденции. Хотя небольшой дворец уже несколько раз расширяли, но каждый раз этого было недостаточно.

Растрелли оправдал ожидания императрицы и воздвиг огромное здание. На одну только отделку фасада длинной 325 метров ушло более ста килограммов золота. Официальное открытие состоялось 30 июля 1756 года, гости были абсолютно поражены размерами дворца.

Внешне дворец покрасили в классические цвета барокко: белый и небесно-голубой. На фасаде появились колонны, лепнина и фигуры атлантов. В северной части здания возвышается церковь с пятью золотыми куполами.

Внутри размах Растрелли стал ещё больше, один только Тронный зал во всю ширину здания вызывает полный восторг. Зал площадью 860 кв. метров выполнен единым пространством без дополнительных опор. Самым известным помещением дворца стала Янтарная комната, изготовленная в начале XVIII века в Пруссии. Её подарил король Фридрих Вильгельм I в 1716 году Петру I.

Во время Великой Отечественной войны Царское село было оккупировано: дворец практически полностью разрушен, 80% интерьеров утрачены, а Янтарная комната бесследно исчезла. Восстановление Большого дворца продолжается и сейчас, на данный момент завершена реконструкция 32 помещений из 58.

Архитектор: Франческо Растрелли

Год постройки: 1756 год

Фото: Instagram / @andrei_mikhailov, @golovdinov
 

Зимний дворец
 

Главной работой Растрелли стало здание официальной зимней императорской резиденции. Это был уже пятый по счёту Зимний дворец в Петербурге, он же стал последним. Его строительство было закончено уже после смерти Елизаветы Петровны. Принимал работу 6 апреля 1762 года Пётр III, но внутренняя отделка на тот момент ещё не была завершена.

Растрелли проработал в России почти полвека, он занимался возведением трёх из пяти императорских резиденций: Зимнего дворца для Анны Иоанновны в 1735 году, временного здания на Невском в 1755 году и нынешнего для Елизаветы Петровны. Последний стал на долгое время самым высоким зданием Петербурга и включал в себя 1,5 тыс. комнат. Общая площадь дворца была около 60 тыс. кв. метров.

Это был настоящий город в городе: внутри Зимнего были жилые зоны, парадные залы, церкви, театр и музей. Для обслуживания здесь размещались аптека с лабораторией, квартиры служащих, кухни и кладовые, конюшни и манеж. По особому указу Елизаветы Петровны, в 1745 году ко двору выслали котов. Они получили статус «охранников картинных галерей» и с тех пор так и живут в здании Зимнего дворца.

С приходом к власти Екатерины II Растрелли был отстранён от дальнейшей работы над дворцом. Роскошное барокко уже устарело и уступило место сдержанному классицизму. Внутреннюю отделку дворца проводили архитекторы Юрий Фельтен, Жан Батист Валлен-Деламот и Антонио Ринальди. Новая императрица сама распределяла назначение залов и приказала обустроить для себя библиотеку, кабинет, будуар, две спальни и уборную.

В 1764 году Екатерине II подарили 317 картин из Берлина. Их разместили в уединённых апартаментах дворца, получивших французское название «Эрмитаж». Именно эта коллекция положила начало собранию одного из самых больших музеев мира.

Архитектор: Франческо Растрелли

Год постройки: 1762 год

Фото: Instagram / @andrei_mikhailov
 

Никольский морской собор
 

Площадь, на которой был построен собор, изначально была плацом моряков русского флота. Территория вокруг неё была застроена одноэтажными казармами. В 1743 году в центре была построена небольшая деревянная церковь, освящённая в честь Николая Чудотворца, который традиционно считается покровителем плавающих и путешествующих. Греческие купцы передали в дар храму византийскую икону святителя Николая.

В июле 1752 года Елизавета Петровна подписала указ о возведении нового каменного собора на месте обветшалого здания. Об этом императрицу просил лично князь Михаил Голицын. Проект был поручен архитектору Адмиралтейств-коллегии Савве Чевакинскому.

Массивный двухэтажный храм представляет в плане равноконечный крест. У собора пять глав с золотыми куполами. Фасад раскрашен в ярко-голубой цвет. Рядом с церковью в 1755-1758 годах была построена изящная четырехъярусная колокольня. Три её нижних яруса украшены колоннами, а верхний венчает купол с тонким шпилем.

К 1756 году начались работы по отделке храма. Фасады украсили коринфскими колоннами, пилястрами, лепными наличниками и скульптурой. Красоты зданию добавляют балконы с узорными коваными решётками. Все работы были завершены в 1762 году и 20 июля уже в присутствии Екатерины II был освящён престол верхней церкви. Грандиозное здание вмещает в себя почти 5 тыс. человек. Главная святыня собора – икона святителя Николая с частицей мощей по сей день находится в нижнем храме.

Архитектор: Савва Чевакинский

Год постройки: 1762 год

Фото: Instagram / @liliya_belaya_photo, @golovdinov
 

Смольный собор
 

На месте Смольного собора при Петре I располагались дворы, поставлявшие смолу для строительства кораблей. Рядом был выстроен дворец, в котором росла Елизавета Петровна. Когда она взошла на трон, то хотела в старости постричься в монахини и в тишине и покое завершить свои дни. Для возведения монастыря было выбрано место, где императрица провела своё детство.

Проект традиционно был поручен Растрелли, в комплекс монастыря должны были войти храм с церквями и колокольней, а также институт для девушек из дворянских семей. Торжественная церемония закладки состоялась 30 октября 1748 года в присутствии императрицы. К 1751 году были закончены подготовительные работы и заложены фундаменты. Благодаря щедрому финансированию строительство велось с большим размахом. Но с началом семилетней войны всё сильно замедлилось, а после смерти Елизаветы Петровны и совсем прекратилось.

После отъезда Растрелли из России в 1762 году дальнейшей работой занимался Юрий Фельтен. Из-за нехватки средств отказались от строительства колокольни и внутренней отделки собора. Он стоял недостроенным почти 70 лет, пока Николай I не приказал закончить дело, иначе храм бы просто развалился. Проект был завершён Василием Стасовым за три года. Общее время строительства собора составило 87 лет.

Стены оштукатурили и окрасили, колонны и цоколи пилонов облицевали белым искусственным мрамором. Фасад нижней части собора по стилю больше напоминает дворец, нежели храм. Собор создаёт необычную иллюзию его размеров: по мере приближения он визуально уменьшается, при этом не теряя величественности.

Архитектор: Франческо Растрелли

Год постройки: 1835 год

Фото: Instagram / @alexsandrkonovodov, @paveldemichev

Искусствоед.ру – сетевой ресурс о культуре и искусстве

Просмотры: 108 330

В основу стиля Барокко, сложившегося в Италии в конце 16 века, легли религиозные идеи Контрреформации: на Тридентском Соборе было объявлено, что человек может воспринять догматы христианства только через мистическое озарение. Основные черты барочных произведений — эмоциональная выразительность, насыщенность движением, сложность композиционных решений, — создавали у зрителя особый духовный настрой, способствующий единению с Богом. Слово «barocco» в переводе с итальянского означает «странный», «причудливый». Оно появилось позднее, как знак удивления буйной фантазией мастеров этого стиля. Вёльфлин впервые определил барокко как живописное, настроенное на глубину, склонное к открытой форме, предпочитающее атектоническое начало и некоторую неясность.

Для художественной культуры барокко характерно стремление найти красоту в дисгармонии, асимметрии, нескончаемом взаимопереходе форм. Здесь намеренно используются диспропорция, диссонанс и другие нарушения порядка. Главная цель, которую ставит перед собой художник: ошеломить, потрясти воображение зрителя. Эта цель достигается через передачу страстного движения, напряженной борьбы противоположностей, резких контрастов. Текучесть формы обеспечивается специальными художественными приемами: сложными метафорами, аллегориями, анаморфозами (неожиданными переходами одного образа в другой).

В переводе с итальянского «barocco» означает «причудливый», «странный». В средневековой логике этим термином обозначились неправильные умозаключения, логические ошибки. В Португалии аналогичным словом «perola barroca» назывался жемчуг неправильной (овальной) формы. В искусстве его стали применять к различным отступлениям от классических канонов. Первые элементы нового стиля обнаружились в Италии в конце XVI в. Родоначальник – один из «титанов» Возрождения – Микеланджело Буонаротти. В его поздних творениях: скульптурах, олицетворяющих времена суток капеллы Медичи и фреске с изображением Страшного Суда в Сикстинской капелле, — появляются мотивы мучительной скорби и безысходности.

Огромная суггестивная сила барокко стала причиной того, что оно было взято на вооружение католической церковью в движении контрреформации. Его распространению способствовал Орден иезуитов («Общество Иисуса»), которому была поручена борьба с протестантизмом всеми доступными средствами. Иезуитские учебные заведения – коллегии и семинарии – монополизировали образование в католических странах. Благодаря их поддержке идеология и практика барокко утвердилась в странах Западной Европы, не принявших Реформацию: Италии, Испании, Франции, Австрии, Польше и т.д.

Барокко — первый подлинно общеевропейский язык искусства и архитектуры. Возникнув в рамках католицизма, он не может быть вписан в рамки одной конфессии, одной политической системы или одной национальной культуры.

Архитектура

Фасад Мадерна
Италия

В архитектуре наибольшего внимания заслуживают итальянские мастера — ведь именно в их творчестве ярче всего проявилась главная особенность барокко — стремление к созданию ансамбля.

Центром архитектурного барокко стал г. Рим. Первым сооружением этого стиля была церковь Иль-Джезу (1575), построенная архитекторами Джакомо да Виньоли и Джакомо делла Порта для Ордена иезуитов. На фасаде двухъярусного здания использованы волюты, дающие эффект плавного перехода от верхнего яруса к нижнему.

Интерьер характеризуется обилием декоративных деталей, которые задерживают внимание вошедшего в храм, предваряя его восприятие свода. Таким образом символизируется трудность перехода от земной суеты и страстей к небесному блаженству.

Особенно выделяются Карло Мадерна (1556 — 1629), Франческо Борромини (1599 — 1667) и Джан Лоренцо Бернини (1598 — 1680). Именно Карло Мадерна мы обязаны сегодняшним видом Собора святого Петра. К зданию, которое возвёл Микеланджело, Мадерна добавил гигантский притвор с западной стороны. Таим образом, весь храм стал базиликой и приобрёл стремительное движение к подкупольному пространству, где находится могила святого Петра.

Работы по преобразованию Собора продолжил Бернини. С 1657 по 1663 он создавал своё гениальное творение — площадь перед Собором. Это была главная площадь католического мира. Множество паломников из разных стран собиралось и собирается на ней в праздничные

Площадь собора св. Петра

дни, чтобы увидеть Папу. По сути, это не одна, а две площади. Первая, в виде трапеции, сформирована галереями, отходящими от Собора. Второй Бернини придал форму овала. Она обращена к городу и охвачена колоннадами, как двумя огромными руками. В симметричных точках овала расположены фонтаны, а между ними стоит обелиск, помогающий ориентироваться на огромной площади. Это не просто слова — хорошо известен своеобразный эффект площади святого Петра: проходя по ней посетитель периодически ощущает утрату координат. Кроме того, в средокрестии Собора Бернини установил огромный киворий высотой 29 м. Этот колосс на 4-х витых колоннах с имитацией в бронзе тяжёлых складок драпировок потрясает всякого вошедшего в храм.

Церковь Сан-Карло алле Куатро Фонтане

Абсолютным шедевром Франческо Борромини является церковь Сан-Карло алле Куатро Фонтане. Для неё был выделен маленький и неудобный участок на перекрёстке. По углам небольшого храма расположены 4 фонтана (отсюда название церкви). Стена фасада то прогибается, то выступает вперёд, и кажется, что плотная масса камня меняется на глазах. Композиция основана на продуманных сочетаниях выпуклых и вогнутых поверхностей стен, а всё вместе создаёт динамичный, живописный, и вместе с тем логичный образ.

Самые зрелые черты стиль барокко приобрел у Франческо Борромини (церковь Сан-Карло у четырех фонтанов) и Лоренцо Бернини (церковь Сант-Андреа аль Квиринале). Сложились его отличительные признаки:

1. Овальная форма планов и вообще преобладание криволинейных очертаний в зданиях: полукруглый фронтон, волнообразный фасад, характерная декоративная деталь – волюта, соединяющая верхний и нижний ярусы здания.
2. Витые колонны, создающие эффект напряженного движения:
3. Фонтаны, как часть архитектурного ансамбля.
4. Перегруженность декоративными деталями: пышной лепниной, скульптурами и росписями.
5. Иллюзионистские эффекты, создающие впечатление бесконечного пространства, размывающие грань между кажущимся и реальным и др.

Все эти детали имеют символическое значение. Криволинейные очертания, волюты и волнообразность символизируют преображение материи. Тяжелое каменное сооружение как бы на глазах меняет свой облик. Сложная символика выражена и в отдельных архитектурных памятниках. Пространство перед церковью св. Петра в Риме имеет очертания ключа, напоминая о том, что церковь есть ключ к Царствию Небесному.

Испания

Говоря об архитектуре Испании того времени, следует отметить, что в ней сочетались средневековые черты с барочными. Особенно ярко новые веяния отразились в декоративном оформлении зданий — так называемый стиль «платереско» («чеканный», «узорчатый»). В этом стиле строили Мартин

Собор Святого Иакова в Сантьяго-де-Компостела

Виллареаль, Алонсо Кано и другие. На рубеже 17 — 18 веков ясность и ювелирная точность платереско сменились предельной насыщенностью декоративными деталями и пристрастием к обильным украшениям на фасадах. По имени архитектора Хосе Бенито Чурригера  и его братьев (1665 — 1725) этот стиль получил название «чурригереск». Созданный ими стилевой вариант характеризовался особо пышным декором фасада. Он оказал влияние на латиноамериканскую архитектуру (мексиканское «ультрабарокко»). В этом стиле был построен знаменитый собор города Сантьяго де Компостела. Его архитектор, Фернандо Касас де Новоа, использовал такое обильное декоративное убранство, что башни храма кажутся скульптурными произведениями, а не архитектурными.

Франция

Во Франции барокко более строгое, без излишеств. Вершиной французской архитектуры 17 века стал Версаль. Кроме Версаля, следует отметить например, собор Дома Инвалидов, построенный Жюлем-Ардуэном Мансаром (1646 — 1708). Этот храм стал важной высотной точкой Парижа — его тяжеловесный купол значительно изменил панораму города.

Англия

Великобритания в 17 веке была одним из крупнейших центров европейской архитектуры. Однако большинство английских построек было связано не с барокко, а с иным стилем — классицизмом. Поэтому здесь присутствуют те произведения английских архитекторов, где присутствуют отдельные черты барокко. Безусловно, это Собор святого Павла, построенный Кристофером Реном (1632 — 1723). Нужда в строительстве храма возникла после того, как пожар 1666 года уничтожил старый лондонский собор. Главный фасад нового собора украшен двухъярусным портиком со сдвоенными колоннами и фронтоном. Как и в соборе святого Петра в Риме, в здании Рена есть внутренний купол и внешний, рассчитанный на вид издалека. Чтобы удержать тяжёлый фонарь купола, архитектор придумал конусовидную конструкцию из кирпича между внутренним и внешним куполом. Для 18 века это было уникальное инженерное решение. Важным произведением английского барокко стала Библиотека Рэдклиффа (архитектор Джеймс Гиббс, 1682 — 1754). Она представляет собой 16-гранное в плане сооружение, окружённое колоннадой из сдвоенных колонн.

Дворцово-парковые ансамбли представлены таким памятником английской архитектуры 17 века, как Вилла в Чизвике, созданная Ричардом Бойлом Бёрлингтоном (1695 — 1753), аристократом и покровителем искусств. Вилла повторяет «Ротонду» Палладио, но её фасады не одинаковы. Садовый фасад украшен портиком с фронтоном, к которым ведёт очень сложная и изысканная лестница. Парк, созданный для этого ансамбля Уильямом Кентом (1684 — 1748) — один из первых образцов английского пейзажного парка.

Германия и Австрия

В Германии и Австрии архитектурное барокко развивалось почти так же бурно, как и в Италии. Здесь необходимо отметить пышные экстатические творения братьев Азам, Фишера фон Эрлаха и других немецких и австрийских авторов. Дворцово-парковые ансамбли представлены  таким замечательным ансамблем, как Епископская резиденция в Вюрцбурге (архитектор Бальтазар Нойман, 1687 — 1753). Это огромный дворец с 4-мя внутренними дворами и очень длинным фасадом — 167 м. В интерьере дворца поражает монументальная и изысканная парадная лестница. И жемчужина немецкого барокко — Цвингер, парадная резиденция курфюрстов Саксонии. Ее создал Маттиас Даниэль Пеппельман (1662 — 1736). Ансамбль возвели у крепостного рва, где в Средние века держали диких животных (по-немецки zwinger означает «клетка для зверей»). Обширный двор, где проходили празднества, с трёх сторон окружён двухэтажными павильонами, соединёнными галереями с застеклёнными арками.

Скульптура

В скульптуре внимание прежде всего привлекают итальянские и испанские архитекторы. Барочным скульптором «par excellence» является Джан Лоренцо Бернини. Широко известно его утверждение: «Я сделал мрамор гибким как воск». И действительно, такие работы, как «Экстаз святой Терезы», «Аполлон и Дафна», «Похищение Прозерпины» свидетельствуют о виртуозном мастерстве скульптора. Он шлифует мрамор, заставляет его играть множеством бликов, передавать тончайшие нюансы: фактуру ткани, блеск глаз. В скульптурах Бернини достигают апогея динамика и дематериализация формы. Он мог соединять в одном произведении мраморы разных цветов и позолоченную бронзу, достигая полной иллюзорности и предельной живописности скульптуры.

В отличие от Бернини и других итальянских скульпторов, воплощавших в своих произведениях некую идею, испанские мастера стремились прежде всего к правдоподобию до мельчайших деталей. В их работах натурализм сочетался со страстностью. Очень распространённой скульптурной формой в Испании было «пасо» (шаг, шествие) — группа, представляющая библейскую сцену. Пасо носили по городу во время праздников. Их делали из дерева, раскрашивали, на фигуры надевали одежду и приклеивали настоящие волосы. Наиболее известные мастера — Грегорио Эрнандес (около 1576 — 1636) и Педро де Мена (1628 — 1688), — соединяют в своё творчестве жёсткий натурализм и обострённую эмоциональность в передаче духовного состояния.

Французские скульпторы, творившие в условиях абсолютизма, любили эффектные, выразительные решения, монументальные формы, торжественность и пышность. Франсуа Жирардон (1628 — 1715), ученик Бернини, подчёркивает в своих работах не драматизм, а красивую композицию. Антуан Куазево (1640 — 1720) даёт психологически тонкие характеристики героев, используя такие барочные приёмы, как неожиданные позы, свободные движения, пышные одеяния. Французская скульптура 17 века соединяет в себе черты классицизма и барокко.

Поражает своей пышностью скульптура немецкого барокко. Основные её черты — парадность, экспрессивность, избыточность деталей, тонкое чувство материала и усложнённость композиций. Всё это как нельзя лучше проявилось в произведениях Андреаса Шлютера.

Живопись

В живописи, гравюре и рисунке Европы были большие и малые мастера барокко. В Италии это болонские академисты — братья Карраччи, Гверчино, Сальватор Роза, — верившие в существование вечного идеала красоты. Их взгляды легли в основу академической системы образования. Известен сонет, приписывающийся Агостино Карраччи, в котором излагаются взгляды академистов:

Кто стремится и хочет стать хорошим живописцем,
Тот пусть вооружится рисунком Рима,
Движением и светотенью венецианцев
И ломбардской сдержанностью колорита,
Манеру мощную возьмёт от Микеланджело,
От Тициана передачу натуры,
Чистоту и величие Корреджиева стиля
И строгую уравновешенность Рафаэля.

(Пер. А. Аристовой и С. Всеволожского)

Во Франции мы видим явление крестьянских живописцев — Луи Ленена (1600/1610 — 1648) и Жоржа де Ла Тура (ум. 1652). Картины Ленена продуманны и упорядочены по композиции, строги по колориту. Его герои полны достоинства и внутреннего покоя. На полотнах Ла Тура, благодаря особому художественному приёму (противопоставлению тёмного пространства и потока яркого света) заурядные события превращаются в мистические и таинственные. Представлено и творчество Клода Лоррена (1600 — 1682) — основоположника французского пейзажа.

Из немецких живописцев того времени самым талантливым был Адам Эльсхеймер (1578 — 1610). Его творчество повлияло на многих современников яркостью колорита, оригинальным подходом к сюжетам, смелыми экспериментами в изображении света.

Но на первый план в области живописи и графики выходят мастера Испании, Голландии и Фландрии. В Испании 17 век называется золотым веком живописи. И действительно, именно в эту эпоху жили и творили такие замечательные художники, как Хусепе Рибера (1591 — 1652), разрабатывавший тему страданий и мученичества; Франсиско Сурбаран (1598 — 1664), чьи многочисленные циклы из жизни святых погружают нас в тайну мистического общения человека с Богом, и Бартоломео Эстебан Мурильо (1618 — 1682) — деликатный и искренний художник, своими образами вызывавший умиление у современников.

Но, конечно, самым выдающимся испанским живописцем эпохи барокко был великий Диего Родригес де Сильва Веласкес (1599 — 1610). В искусстве достижения иллюзии реальности он следовал испанской национальной традиции. Но, в отличие от вышеперечисленных художников, иллюзорность у Веласкеса принимает не религиозно-мистический, а простонародно-бытовой оттенок. Его поздние картины поражают мастерством композиции и невиданной ранее свободой пространственного мышления и обыгрывания темы «картина в картине». Мастер писал блестящие психологические портреты, с поразительной глубиной проникая во внутренний мир своих героев. Папа Иннокентий Десятый назвал свой портрет кисти Веласкеса «слишком правдивым». Парадные портреты художника скорее скрывают внутреннюю жизнь героя, демонстрируя аристократическую сдержанность. Но именно они позволяют во всём блеске развернуть живописное мастерство — зритель обнаруживает головокружительные заливки жидкой краски, непринуждённые движения кисти, вольно переливающиеся открытые цвета, смелые опыты с цветными тенями… В своём творчестве Веласкес соединяет духовное богатство с редким техническим мастерством.

Во Фландрии, где господствовали испанцы, и в Голландии, которая стала независимой, тоже наблюдался небывалый расцвет изобразительного искусства. «Королём художников и художником королей» называли фламандца Питера Пауля Рубенса (1577 — 1640). В его антверпенской мастерской безостановочно кипела работа — среди заказчиков Рубенса числились не только дворяне и богатые купцы, но и королева Франции Мария Медичи, испанская королева Изабелла… Он подарил миру около 3 тысяч картин и множество рисунков. Работам художника свойственны необыкновенная любовь к жизни и энтузиазм. Они отличаются удивительной изобретательностью построений, сверканием ярких тонов.

Рубенс достиг изумительного совершенства и лёгкости в искусстве владения кистью — и этим поразил романтиков. Вот как написал о нём Эжен Делакруа: «…он подражал Микеланджело, но так, как только он умел подражать! Он был переполнен величайшими образцами, но следовал тому началу, которое носил в самом себе… Он имеет смелость быть самим собой… Я дуюсь на него порой! Я ссорюсь с ним из-за его грузных форм, из-за недостатка изысканности и изящества… Но даже промахи Рубенса не ослабляют впечатления от его картин, до того они проникнуты совершенно особым свойством истинной смелости… Рубенс гораздо родственнее Гомеру, чем многие античные мастера. У него был сходный гений по самому своему духу…». Художник ценил живописную ткань тициановской традиции, но разрушал то величавое равновесие, которое было ей свойственно. Освоив всё неповторимое богатство итальянской живописи, художник, по сути, основал фламандскую школу.

Славу этой школы составляют утончённые портреты Антониса Ван Дейка (1599 — 1641), простодушно-грубоватые жанровые произведения Якоба Йорданса (1593 — 1678), горькие и язвительные картины Адриана Браувера (1605/1606 — 1638).

Вершиной голландской школы было творчество Рембрандта Харменса ван Рейна (1606 — 1669). О его произведениях Эжен Делакруа сказал: «правда — самое прекрасное и редкое на свете». Можно утверждать, что Рембрандт был самым необыкновенным и загадочным мастером 17 века. В молодости он быстро приобрёл репутацию вундеркинда. За свои портреты, в которых он схватывал выражения лиц, погружая их трепетную светотень, Рембрандт получал неплохие гонорары. Художник счастливо женился, у него появились ученики. Однако уже в начале 1640-х годов его живопись становится слишком необычной для голландских бюргеров. Вот как пишет Эжен Фромантен о картине Рембрандта «Ночной дозор»: «Рембрандту надо было изобразить роту вооружённых людей. Не было ничего проще, как показать нам, что они собираются делать; но он выразил это так небрежно, что даже в самом Амстердаме до сих пор ничего не могут понять. Он должен был придать фигурам портретное сходство — оно сомнительно; изобразить характерные костюмы — они большей частью фантастичны; создать живописный эффект — но этот эффект оказался таков, что картина стала неразрешимой загадкой. Страна, место, время действия, сюжет, люди, вещи — всё исчезло в бурной фантасмагории палитры… странности фигур, и их внезапное появление среди полной темноты — всё это случайный результат эффекта, задуманного вопреки правдоподобию, осуществлённого вопреки всякой логике». Недоумение вызывала слишком вольная трактовка портретов и нехарактерный для Голландии интерес к евангельским и библейским сюжетам. Умирает любимая жена Рембрандта, исчезают ученики и заказчики, тает богатство. В конце концов, художник становится банкротом и переселяется в еврейское гетто. В работах последних лет Рембрандт достигает величайшей человечности. Его «ночной мир» пронизан, по выражению Вальтера Беньямина, «непредумышленными смыслами». Картины мастера изобилуют световыми вспышками и потоками, полупрозрачными сгустками и материальными уплотнениями, принимающими вид предметов и фигур. Художник создаёт яркие и запоминающиеся образы стариков, женщин, влюблённых, отцов и детей. Великий Рембрандт умер в 1669 году, пережив своего сына Титуса. Мистические свойства материи его произведений, несомненно, составляют ещё одну грань стиля барокко.

Что касается офортов Рембрандта, то в них оригинальность индивидуального стиля художника проявилась еще сильнее. Свет и тень создают в них поистине ирреальное, мистическое ощущение. Штрихи образуют густую трепещущую сетку и вибрируют серебристым или золотистым цветом, создавая особую атмосферу.

Вторым великим голландским художником эпохи барокко был Ян Вермеер Делфтский (1632 — 1675). Перед его работами у зрителя возникает смешанное чувство восхищения и беспомощности. Всё ясно и понятно, но, в то же время, драгоценная световоздушная живопись Вермеера придаёт художественному пространству загадочный оттенок. Если у Рембрандта материальность исчезает и растворяется в свете и тьме, то у Вермеера, наоборот, подчёркивается материальная значимость каждого предмета. Писал Вермеер очень медленно и оставил потомкам всего около 40 картин. Он тщательно накладывал мелкие плотные мазки, завершая работу лёгкими, незаметными касаниями кисти.

Кроме этих двух гигантов нидерландской живописи в эпоху барокко в Голландии жили и творили Фрас Халс и так называемые «малые голландцы»: Герард Доу (1613 — 1675), Адриан ван Остаде (1610 — 1685), Габриэль Метсю (1629 — 1667), Герард Терборх (1617 — 1681) и другие. Они разрабатывали различные вариации бытового жанра, причём особенно любимой темой стали сцены «весёлого общества». «Малые голландцы» были наблюдательны, порой остроумны и умели нравиться публике.

Гравюра

В гравюре представлены, в основном, работы тех же мастеров, что и в живописи. Но есть там и такие мастера, которые стали известны именно как гравёры. Таков, например, голландец Херкюлес Сегерс (1589/1590 — 1638), много сделавший для развития техники цветного офорта. Каждый его лист — неповторимое, оригинальное произведение искусства. В ночных пейзажах яркие блики образуют на тёмном фоне сложный рисунок и создают иллюзию серебристого мерцания лунного света, а грандиозные ландшафты вызывают космические ассоциации.

Французский рисовальщик и гравёр Жак Калло (1592 — 1635) узнал славу ещё при жизни — его эстампы печатались большими тиражами и продавались во многих городах Европы. Замечательно изображал Калло массовые сцены со множеством мелких фигурок. В общую композицию прихотливо вплетаются бродяги, комедианты, разбойники. На одной из гравюр Калло Тенирс насчитал 1138 человек, 45 лошадей и 137 собак. Дерзкий гротесковый стиль художника отразился не только в изобразительном искусстве, но и в литературе — одна из самых знаменитых книг Э. Т. — А. Гофмана называется «Фантазии в стиле Калло». На весь мир прославился своими гравюрами и рисунками Джованни Батиста Пиранези (1720 — 1778). Он создал сотни гравюр с видами Рима, проектов воображаемых зданий и архитектурных фантазий. Самой загадочной была его серия «Тюрьмы» — одни видели в них изображение ада, другие — наркотические галлюцинации, третьи — театральные декорации. Сам себя Пиранези называл «венецианским архитектором», и хотя за всю свою жизнь он построил всего лишь одно здание, заслуживает такого названия, ибо оказался родоначальником «бумажной архитектуры». Фантастические образы гравёра оказали столь большое влияние на князя В. Одоевского, что тот вывел образ Пиранези в своём романе «Русские ночи», и вложил тому в уста следующую тираду: «Духи, мною порождённые преследуют меня: там огромный свод обхватывает меня в свои объятия, здесь башни гонятся за мною, шагая верстами… иногда заключают они меня в мои собственные темницы, опускают в бездонные колодцы, куют меня в собственные мои цепи».

Отдельного упоминания заслуживают и такие гравёры и рисовальщики, как Абрахам Блумарт (1564 — 1651), Стефано делла Белла (1610 — 1664), Карел Дюжарден (1622 — 1678), Жорж Лаллеман (ок.1580 — ок.1640).

Заключение

Барокко экспериментально и исполнено здравого смысла. Оно мистично и рационально, иронично и серьёзно, виртуозно и естественно. Нередко встречаются в барочной архитектуре опыты с пространством и движением, массой и цветом. Излишества и декоративная преизбыточность интерьеров дворцов может вызвать упрёки строгих эстетов. В парках и садах встречаются нам павильоны с причудами, зловещие гроты, фонтаны со странными фигурами и чудищами. Барокко регулярно сбивает зрителя с толку. В архитектуре и скульптуре, живописи и гравюре, глаз перестаёт различать большое и малое, далёкое и близкое, лёгкое и тяжёлое, материальное и имматериальное. Барочные мастера словно специально подчёркивают неуловимость и неподотчётность человеку стихий и субстанций, несоразмерность мира и людей.

Искусство барокко тесно связано с рождением принципиально нового способа мышления, с появлением научной картины мира. Именно в 17 веке Галилей демонстрирует изумлённой общественности виды новых небес, с их многочисленными звёздами и планетами. Это и подобные ему открытия приводят не только к ужасу и трепету перед затерянностью человека в просторах космоса, но и к желанию осваивать новые пространства. После Кеплера у астрономов не возникало сомнений в подвластности физической вселенной измерению, и та же картина наблюдалась в биологии, географии, химии, медицине.

Стиль барокко — порождение нестабильной эпохи. Художники расшатывают прежние представления о том, каким должно быть искусство. Они осваивают новые темы и мотивы, способы выражения, хотят увидеть невидимое и запечатлеть невозможное. Как бы мы ни относились к искусству барокко, мы должны осознавать, что именно оно стало первым стилем Нового Времени. В нём — ключ к пониманию искусства дня сегодняшнего.


Д. Харман.

Вконтакте

Facebook

Twitter

Google+

LiveJournal

Одноклассники

Мой мир

«Миру нужно больше людей, которые ищут мысли, а не деньги»

InnerVIEW — первая масштабная попытка взглянуть на современное искусство изнутри. В формате интервью-бесед ведущие театральные режиссеры, продюсеры, композиторы, менеджеры, кураторы, исполнители, музыканты, художники, драматурги и писатели делятся с шеф-редактором «Вашего Досуга» Inner Emigrant своими взглядами на профессию и размышлениями о происходящих тенденциях. Гостями уже были Максим Диденко, Кристоф Рок, Всеволод Лисовский, Ильдар Абдразаков, Томас Остермайер, Максим Виторган, Анатолий Васильев, Патрик де Бана, Владислав Наставшев, Виталий Полонский и Антониос Кутрупис, Жан-Даниэль Лорье, Мартин Жак, Филипп Григорьян, Марк Галеотти, FC Bergman, Стефан Брауншвейг, Шейла Мецнер, Анатолий Белый, Фредерик Бегбедер, Борис Юхананов, Том Оделл, Иво Димчев, Хайнер Геббельс, Алиса Хазанова и Светлана Захарова.

Двадцать шестым героем стал один из самых известных контратеноров мира. Он родился в Загребе в 1976 году, с 1987 по 1992 выступал в составе Венского хора мальчиков, а в 1992 году начал сольную карьеру. Ее поворотным моментом стало исполнение партии Нерона в опере «Коронация Поппеи» Монтеверди, за которую он был удостоен титула «Лучший молодой певец». Широкий резонанс получили проекты, связанные с исполнением забытых и редко звучащих сочинений Вивальди. Сегодня его имя известно даже тем, кто поверхностно интересуется вокальной музыкой.

В ближайшие дни он даст сразу два концерта в Москве. 8 декабря в Концертном зале им. П.И. Чайковского он выступит в концертном исполнении оперы «Неистовый Роланд» Вивальди. А 12 декабря совместно со скрипачом Юрием Ревичем, в рамках «Декабрьских вечеров» в Пушкинском музее, даст концерт английской музыки XVIII века «Музыкальная интервенция».

Макс Эмануэль Ценчич (МЦ) рассказывает в интервью Inner Emigrant (IE) о грядущем выступление, музыкальной критике, выборе репертуара, а также делится впечатлениями от России и российской публики.

Источник: пресс-служба Московской Филармонии

IE Макс, в декабре у вас будет выступление с Юрием Ревичем. Почему вы согласились на этот концерт? Как вы познакомились с Юрием?

МЦ Я познакомился с ним в Вене много лет назад, он живет в Вене. Поэтому, когда он предложил мне принять участие в концерте, я согласился. Мне интересен выбор материала, было бы здорово исполнить британскую музыку XVIII века.

IE Ваша программа называется «Музыкальная интервенция». Можете рассказать подробнее, что это значит? Чего ждать слушателям?

МЦ Это сюрприз. Людям придется прийти, чтобы узнать, что это значит.

IE В совместной программе вы будете солировать наравне со скрипкой. Два самых высоких голоса — сочетание непростое. Для вас такое решение — вызов? Это будет соревнование? Подчинение? Или партнерство?

МЦ Я не знаю, надеюсь, что это точно не будет соревнованием. Понимаете, исполнять музыку – это своего рода общение, установление коммуникации. Ты не можешь играть музыку без оглядки на своих партнеров. В музыке важно работать сообща.

IE Вы начинали с Вивальди, Монтеверди и Генделя. В последнее время вы все чаще обращаетесь к композиторам, которые известны намного меньше. Чем вызван такой интерес?

МЦ Я часто пел в операх да Винчи и Порпоры. Я специализируюсь на неаполитанской школе 18 века. Мой основной интерес – в этой музыке. Потому что я считаю, что в искусстве необходим очень яркий и богатый набор выразительных средств. Мне важно, чтобы в современном, глобазированном мире, мы не забывали о культурном наследии прошлого. Поэтому я стараюсь внести свой вклад в исполнении музыки XVIII века. Я думаю, что альтернативное понимание оперной программы – это очень важно. Потому что в последние 100 лет мы исполняем более-менее одни и те же оперы. И я думаю, что опера – это не только развлечение, но еще и образование. Если у публики есть музыкальное образование, они лучше понимают и чувствуют оперу. Поэтому, если узнать музыку XVIII века, то можно больше услышать в Чайковском или в Альбане Берге или в Рихарде Штрауссе. Слушатель начинает лучше понимать музыкальную эволюцию оперного жанра. Я думаю, что это именно то, что интересует меня — исторические взаимосвязи и эволюция музыки. Почему музыка XVIII, XIX и XX веков такая, какая она есть?

IE Вы часто работаете с русскими музыкантами. Прежде выступали с Максимом Емельянычевым, пели с Юлией Лежневой, при этом имеете возможность работать с лучшими мировыми музыкантами. На ваш взгляд, есть ли что-то, что отличает музыкантов из России? Может быть, особенности школы?

МЦ Вы знаете, я не очень заинтересован в том, что касается разных школ. Меня интересуют талантливые люди, одаренные люди — те, с которыми я мог бы обменяться творческой энергией. И я думаю, что талант не привязан в географии, к какому-то региону или стране. Я думаю, что талант – это универсальная вещь, встречающаяся по всему миру. Талантливые люди есть в Африке, в Южной Америке, в Европе, в Азии. То, что объединяет всех – это то, что талант не дается просто так. Ты не можешь быть просто гением и наслаждаться этим. Тебе нужно работать, чтобы раскрыть свой талант. Это больше похоже на обязанность. То, чем я заворожен, в случае Юлии Лежневой или Юрия Ревича – это то, как много они работают. Мы все много работаем, чтобы раскрыть наши таланты. Если бы мы просто сидели в кофейне и говорили о том, как мы талантливы, мы не были бы талантами. Но мы работаем много, со страстью. И эта страсть, которую мы вкладываем в музыку, и уважение, которое мы испытываем друг к другу, дают хороший результат. Я очень люблю работать с талантливыми люди, потому что они сверх-профессиональны. Я работал с людьми со всего мира и для меня нет границ. Есть только люди, сумасшедшие, как и я, которые много работают и влюблены в музыку. Конечно, мы хотим, чтобы публика была довольна, но, в первую очередь, нам важно не разочаровать саму музыку.

IE Читаете ли вы то, что пишет о ваших концертах пресса? Или пользователи социальных сетей?

МЦ Нет, очень редко читаю. Иногда, правда, читаю. Но, вы понимаете, критика – это то, что пишут люди, высказывающие свое мнение о том, как они увидели или услышали. А у меня нет желания нравится всем, я знаю, что это невозможно. Это то, чего требует наша профессия. Артист должен быть храбрым, выходя на сцену, чтобы сделать что-то, чего не сделают другие. Сомнение в себе и страх – это часть работы артиста. И преодоление этого страха – очень важный момент. Иногда, критика бывает очень полезна. Хороший критик – это тот, который говорит правду, при этом вдохновляя артиста исправить что-то. Поэтому иногда я читаю критику и стараюсь найти что-то, что я мог бы улучшить в своих выступлениях. Но иногда не очень профессиональные критики хотят одного – уничтожить артиста. И в такие моменты нужно быть готовым не обращать на это внимания. Проблема критики – это очень тонкая линия между тем, чтобы вдохновить артиста или наоборот, расстроить его. Нужно постоянно чувствовать эту линию.

Источник: пресс-служба Московской Филармонии

IE Вы часто даете концерты и имеете возможность работать с лучшими оперными режиссерами. Где вам комфортнее? Исполнители часто говорят, что концертные исполнения дают больше свободы.

МЦ Нет, я не согласен. Я предпочитаю участвовать в постановках. Потому что я заворожен постановками: светом, костюмами декорациями. Мне это важно.

IE Есть ли что-то, что вы никогда не сделаете на сцене?

МЦ Ну, до сих пор я не сталкивался с такой проблемой. Никто не просил меня ни о чем таком. Но я думаю, что люди немного боятся меня, и им страшно просить меня сделать что-то из ряда вон.

IE Оперные спектакли с вашим участием часто транслируются, записываются на видео. Что вы думаете о таком способе распространения? Опера теряет или приобретает?

МЦ Я думаю, что это очень здорово. Люди, которые не могут позволить себе билет или живут далеко, могут посмотреть оперу на своей ноутбуке. Я думаю, что такого должно быть больше. В интернете так много бесполезного мусора, а в мире происходит множество культурных событий. Мы могли бы транслировать гораздо больше, чем сейчас. И транслировать поменьше глупостей.  

IE А у вас возникает какое-то дополнительное волнение, когда вы узнаете, что спектакль будет записан для потомков, что его увидят миллионы?

МЦ Да, конечно, я волнуюсь, но в конце концов – это часть рабочего процесса. Я не схожу с ума из-за этого.

IE Вы специализируетесь на барочном репертуаре. Во времена барокко люди слушали музыку своих современников, спорили, ругались. Как по-вашему, то что сегодня мы слушаем музыку прошлого — это хорошо?

МЦ Да, конечно. Как я уже сказал раньше, для того чтобы лучше понимать современную музыку, мы должны знать музыку старинную. Если вы читаете современную литературу, то вы, как минимум, должны знать Пушкина и классику. Для того, чтобы понимать современную литературу, нужно знать классику. А если вы читаете только современную и не читали Шекспира или Достоевского, то вы что-то упустите. Я думаю, что более широкое знание музыки стоит в том числе и на том, чтобы знать старинную музыку.

IE Не думаете ли вы, что такая популярность барокко сегодня — это поиск тишины и уединения в громком и атакующем мире?

МЦ Нет, я так не думаю. Я уверен, что популярность барочной музыки связана с тем, что прежний музыкальный репертуар стал слишком однообразным. В последние десятилетия люди поют одни и те же оперы, и теперь публика устала от этих повторений и готова к чему-то новому. У барочной музыки есть свой шарм: это что-то новое, незнакомое. При этом публика не готова рисковать и увлекаться современной музыкой. Потому что в современной музыке ты никогда не знаешь, будет ли она хорошей или нет. С барочной музыкой сложно ошибиться, она более надежна. Поэтому любовь к барокко – это естественное желание расширить репертуар.

IE Многие отмечают, что музыка барокко — лекарство для души. Вы считаете, что музыка может лечить? Вам комфортно в роли врача?

МЦ Мне сложно говорить о тех чувствах, которые возникают у публики, когда они слышат музыку. У каждого есть какие-то свои индивидуальные реакции, и я уважаю каждую из них. Если кто-то говорит, что музыка барокко – это лекарство для души, или что классическая музыка – это лекарство, или даже рок-музыка, поп-музыка, то это то, как музыка должна в идеале работать. Музыка – это что-то, что пробуждает эмоции. Поэтому я понимаю людей, которые так думают.

Источник: пресс-служба Московской Филармонии

IE Нет ли у вас желания обратиться к репертуару современных композиторов? Вы за кем-то из них следите?

МЦ Я редко обращаюсь к современной музыке. Последний раз это было в Вене, несколько лет назад. Через два года я буду петь в современной опере в Париже. Так что, время от времени я исполняю современную музыку, где-то раз в 10 лет (смеется).  

IE Для многих бывает откровением узнать, что большие академические музыканты для души слушают популярную музыку. У вас есть какое-то постыдное удовольствие?

МЦ Удовольствие – есть, а постыдного нет.

IE И кто в вашем плейлисте?

МЦ Ох, вы знаете, сейчас со всеми этими Spotify и Deezer, ты просто включаешь программу и позволяешь ей выбирать музыку. В основном это такая музыка для хорошего настроения: от Дэвида Гетты до Рианны.

IE У вас очень много очень красивых дисков. При этом считается, что век дисков остался далеко позади. Зачем сегодня продолжать выпускать CD?

МЦ Потому что сегодня те диски, которые ты выпускаешь, попадают на стриминговые платформы.

IE Оперный жанр часто считают элитарным, искусством для избранных, с очень дорогими билетами. Что вы об этом думаете?

МЦ Не знаю, как вы, а я не встречал господина Марка Цукерберга, господина Безоса и прочих великолепных людей на концертах академической музыки. Обычно, люди, которые ходят в оперу – это средний класс, а мультимиллиардерам нет никакого дела до оперы. Они проводят свой досуг на яхтах, на больших закрытых курортах, на тусовках в Сан-Тропе – это их мир, но не опера. В оперу ходит обычный средний класс. Люди, которые платят основные налоги, а не Amazon, и не Apple. Абрамович выбирает Монако, а не оперные дома. Оперу содержат рабочий и средний классы – это основные налогоплательщики. А так как государство не способно полностью компенсировать стоимость билетов, возникают высокие цены на билеты. Сегодня 50% бюджета оперы – это продажа билетов. И опять-таки, средний класс – основная аудитория оперных домов. Поэтому я резко выступаю против людей, которые говорят, что опера – это искусство для элит. Они ничего не понимают ни про оперу, ни про элиту. Есть большая разница между тем, чтобы принадлежать к интеллектуальной элите и к финансовой. И сейчас наш мир управляется именно финансовой элитой, а не интеллектуальной. Интеллектуалы – нищие по сравнению с миллиардерами, средний класс становится все беднее. А опера – это искусство для тех, кто открыт миру, кто является или хочет стать интеллектуальной элитой. Я думаю, миру нужно больше таких людей, которые ищут мысли, а не деньги.  

IE В последнее время в России очень большие вопросы вызывает использование на концертах мобильных телефонов — начинаю запрещать проносить их в зал. Есть и люди, которые считают, что мобильный телефон — уже неотъемлемая часть жизни, ее партитуры. Что вы об этом думаете? Вам сильно мешают кашель и телефонные звонки? Вы бы запретили?

МЦ Я думаю вполне достаточно предупреждать людей о том, чтобы они выключили свои телефоны – и это уже делается везде. Конечно, мне не нравится, когда во время исполнения звонят телефоны. У меня был случай, когда почти весь зал достал свои смартфоны и все снимали мое исполнение первой арии. Где-то 40 человек. Это было самое странное выступление в моей жизни.

IE А как вы относитесь к тому, что после выступления люди не аплодируют, а снимают вас на видео или фотографируют?

МЦ После выступления они могут делать что пожелают.

Источник: пресс-служба Московской Филармонии

IE Вы признавались, что самым любимым русским композитором для вас является Римский-Корсаков. Можно узнать почему? В России он, к большому сожалению, не слишком популярен.

МЦ Мне нравится то, как он использует народные мотивы и превращает их в страстный симфонический звук. Мне нравится в нем экзотика. Когда я слушаю Римского-Корсакова, я чувствую глубину и силу Северной Европы и Азии, Урала. Эти картинки, которые возникают у меня в голове, очень сильные и эмоциональные. Мне это нравится.

IE Вы относительно часто выступаете в России. Что можете сказать о русской публике? Она отличается от европейской?

МЦ В России очень хорошая публика. Я чувствую, что люди очень образованны, что они слушают внимательно. Такая внимательность к музыке мне очень нравится.

IE Многие ваши коллеги отказываются от выступлений в России по политическим причинам. Вы считаете, что искусство вне политики? Или просто любите риск?

МЦ Послушайте, я не политик, поэтому не буду делать никаких политических заявлений. Мне кажется, политическая обстановка не должна мешать искусству. Если у нас есть глобализация денег, то нам необходима глобализация искусства. Есть ли политические причины или нет, но деловое сотрудничество с Россией продолжается. Некоторые европейские банки продолжают работать в России, нефтяные компании всего мира работают в России. Почему тогда я не должен ехать в Россию? (смеется). Я не вижу смысла в том, чтобы заострять внимания на политических вопросах.

IE А есть ли у вас любимые места в Москве или Петербурге? Куда вы обязательно пойдете, если приедете с визитом?

МЦ О да. Мне нравится ГУМ.

IE Почему? Что вам нравится в ГУМе?

МЦ Там много вещей, которые мне нравятся (смеется).

IE Когда Лев Толстой уходил из Ясной Поляны, он взял с собой одну книгу – «Братья Карамазовы» Достоевского. Оказавшись на его месте сегодня, что бы вы взяли с собой?

МЦ В каком смысле?

IE Что бы вы взяли на необитаемый остров?

МЦ Ох, это очень сложно. Я – человек города. Не могу представить себя на необитаемом острове. 

Источник: пресс-служба Московской Филармонии

ЧИТАЙТЕ ТАКЖЕ:

Бесплатные трансляции мировых спектаклей и концертов в декабре 2019

Концерты Джойс Дидонато, Тугана Сохиева, опера «Снежная королева» и другие события.

30 ноября 2019

Юрий Ревич: «Особенность русской души в музыке — это искренность»

Молодой скрипач — о путешествиях, доступности искусства и о том, что классическая музыка — это не скучно.

27 ноября 2019

Ильдар Абдразаков: «У российского зрителя самый правильный вкус»

О работе заграницей, карьере режиссера, собственном фестивале и встречах с Трампом и Уиллисом.

2 апреля 2019

Даниэле Гатти: «Традиция не должна превращаться в наручники»

С выдающимся дирижером нашего времени поговорила Наталия Сурнина.

8 октября 2019

Театральность искусства эпохи барокко | Статья в журнале «Молодой ученый»



Барокко — европейское искусство XVII-XVIII веков. Его центром была Италия, откуда оно распространилось в другие европейские страны. Барокко возникло в неспокойную эпоху, когда в результате религиозных войн, многочисленных социальных и экономических потрясений люди усомнились в ренессансном представлении о разумно устроенном мире и о человеке как существе, живущем в гармонии с Богом и природой. Термин «барокко» поначалу нес в себе негативную коннотацию как нечто причудливое, чрезмерное, противоречащее классической эстетике. Вероятно, его этимология восходит к португальскому «perolabaroco» — жемчужина неправильной формы, со смещенным центром тяжести.

Пристрастие ко всему театральному пронизывает всю жизнь и искусство этой сложной, противоречивой эпохи. Испанский поэт Кальдерон де ля Барка в своей аллегорической пьесе «ElGranTheatrodelMundo» («Великий мировой театр»), изданной впервые в 1645 году, представил мир как сцену: перед Богом-отцом и его небесным двором люди действуют как актеры; пьеса, которую они играют — их собственная жизнь; их сцена — это весь мир. Согласно сюжету пьесы Кальдерона, любой человек, будь он королем или нищим, появляясь на «сцене» этого «театра» получает «реквизиты», соответствующие его «роли», то есть общественному положению. «Актер» выходит на сцену жизни «через одну дверь — «колыбель» и покидает ее через другую — «могилу». В этот момент «актеры» возвращают свои знаки различия («реквизиты») и узнают, насколько удачно они сыграли свою роль — когда падает занавес, остаются лишь четыре последних вещи: смерть, страшный суд, рай и ад» [5, c. 11]. Их символическому изображению была посвящена вся эпоха барокко и сюжеты ее произведений.

Для этого времени были характерны парадная роскошь и помпезная формальность, пафосные жесты и высокопарное красноречие. Все виды искусств эпохи барокко подчиняются принципу театральности. Интерьеры, переполненные зеркалами и позолотой, напоминают пышные кулисы. В искусстве барокко все, как в театре, подчинено главной цели, которая «пульсирует в каждой жиле и воплощает в себе страстную волю к волшебной иллюзии, которая сильнее, чем действительность, к гипнотическому очарованию, к магии этого цветного и яркого мира» [6, c. 466].

Как в театральной постановке, в барокко происходит синтез отдельных искусств: декорации рисуют похожими на архитектурные сооружения, среди них помещают скульптуры. Во главу угла теперь ставятся не практические соображения, а создание сильного эмоционального эффекта, зрелищность и выразительность. Гениальным режиссером этого театра становится кавалер Бернини — архитектор, скульптор, поэт, механик и режиссер придворных празднеств в одном лице, диктовавший стиль этой эпохи благодаря своей неисчерпаемой изобретательности.

В отличие от более сдержанной эстетики Ренессанса, барокко ставит на первый план человеческие эмоции. Эта эпоха не столько восхищается совершенством природы, отображаемом в произведении искусства, сколько обращается к человеческой душе, которую оно всеми средствами стремится потрясти. «Барокко не боится изобразить такие жизненные явления, которые отвергла бы гораздо более сдержанная эстетика Ренессанса: нищету, болезнь, старость и смерть. Оно любит экстравагантное и уродливое, как более правдивое, сильное и эмоциональное» [3, c. 122]. Это искусство обращается в первую очередь к чувствам зрителя: его динамика, театральный пафос, пышность, избыточность форм стремятся произвести впечатление, убедить, вызвать душевное волнение.

Поэтому оно зачастую воспринимается нашими современниками как чересчур экзальтированное, витиеватое и напыщенное. Так, итальянский философ Бенедетто Крочи жаловался в 20-е гг. XX века на недостаток «субстанции» барокко. Согласно его мнению, барокко — это «игра, гонка за средствами, могущими произвести сильное впечатление на зрителя. В результате барокко, несмотря на свои поверхностную живость и теплоту, кажется холодным, и, несмотря на богатство красок, форм и их комбинаций, производит впечатление пустоты» [5, c. 7].

Многие подобные предрассудки касательно барокко существуют и сегодня. Стиль барокко связывается в нашем сознании с чем-то избыточным, слишком преувеличенном и искусственным. Во всех произведениях барокко, даже при изображении сюжетов из священной истории, присутствует нарочито эстетический компонент, вызывающий у наших современников сомнения в искренности религиозного чувства. Эту «потребность в утрировании, по всей видимости, можно понять только из глубоко игрового содержания творческого порыва. Чтобы от всего сердца наслаждаться и восхищаться Рубенсом Вонделом, Бернини, нужно начать с того, что не следует воспринимать их формы выражения совершенно “всерьез”» [2, c. 290-291].

Тем не менее, кажущиеся безудержность и отсутствие чувства меры барочного искусства не должны скрывать из виду то обстоятельство, что оно было подчинено строгим схемам. В барокко строится новое отношение между произведением искусства и зрителем. Если ранее искусство было призвано вызывать восхищение красотой изображаемого, а положение зрителя по отношению к произведению искусства было подобно его отношению к действительности, то теперь, как отмечает У. Гезе, на первый план выходит новое понимание отношений между ними. В XVII веке «в представлении художника присутствует дуализм зрителя и произведения искусства, которое более не есть объективный факт, а средство, побуждающее к действию» [7, c. 276]. Оно должно использовать средства риторики, убеждая зрителя, вызывая в нем определенные чувства.

Подобно тому, как церемониал влиял на отношения между людьми, так и риторика определяла строение речи или литературного произведения. Риторика или «искусство правильной речи» представляет собой своего рода вехи для коммуникации между говорящим и слушающим и влияет на восприятие сказанного. Считалось, что при обращении к публике всегда следует строго соблюдать форму и стиль, однако желательно применять средства, усиливающие эмоциональное воздействие. Патетическая манера изображения должна вызывать чувство сопереживания. Как удачная речь, так и пьеса, картина или скульптура должны «радовать и волновать» своих зрителей и слушателей.

Также и архитектура подчинялась правилам риторики. Так, было точно установлено, какие архитектурные «средства пафоса» могли быть использованы при строительстве здания церкви, фасада замка или композиции площади. В архитектурной планировке дворца сценографическая диспозиция играла важную роль. Восприятие строения начинается на парадной лестнице и далее при дальнейшем движении зрителя вглубь здания действует архитектурная режиссура: «подобно тому, как в хорошей речи слушатель движется от одного смыслового эффекта к другому, так и здесь выстроены зрительные эффекты, постепенно раскрывающиеся для посетителя. Так же как диспозиция внутри помещения служит иерархическому структурированию придворной жизни, так и фасад здания обращен к зрителям с целью произвести на них впечатление или вызвать благоговение перед хозяином дворца» [5, c. 11].

Парадные лестницы дворцов и замков представляли собой своего рода сценические площадки для общественных выходов — там происходила встреча гостей, а парадная лестница и вестибюль играли роль кулис. К тому же они несли в себе драматургический и нарративный потенциал: пока посетитель неспешно поднимался по лестнице, перед ним разворачивались сюжеты потолочной росписи.

Помимо сценической игры церемониальных приветствий барокко знало еще ряд подобных «театральных постановок» высокого символического значения. Каждый акт общественной жизни становился пышной церемонией, а персона властителя — воплощением дарованного Богом величия. Наиболее полно этот принцип был воплощен Людовиком XIV, который правил при своем дворе подобно Юпитеру, Аполлону или освещающему всё и всех солнцу. «Античные и раннехристианские источника предоставляли материал, на котором основывался данный топос: так, Вергилий в своей «Буколике» описывает приход нового золотого века под правлением короля-солнце. Во времена Константина, первого христианского императора, это пророчество связывали с приходом Сына Божьего. В Новое время солнечный миф стал государственной утопией, а именно, у Томазо Кампанеллы в его «Городе солнца» (1602). Дальнейшая его коннотация связывается с богом солнца Аполлоном Мусагетом, предводителем муз» [4, c. 138]. Поддержка искусства и науки, всеобщая гармония и мир становятся лейтмотивом изображения барочных владык в живописи, скульптуре и литературе.

Весь дневной распорядок Людовика XIV сравнивался с ходом солнца по небосклону. Каждое его действие: от ритуального «lever» до «coucher», обеды, приемы, прогулки по саду становились символическим актом, метафорой божественной эпифании. Очень важным актом было «lever» — пробуждение и одевание короля, которое должно было соответствовать восходу. Проходили часы, пока Людовик XIV не покидал постель и не был полностью одет. Двор присутствовал при каждом действии; близость к королю была подобна близости к светилу. Вся обстановка Версаля как резиденции абсолютистского властителя была призвана служить этому сценарию. Каждое помещение дворца было предназначено для определенного театрального действа. Не менее чем дворец, был важен и парк, который со своими деревьями, скульптурами и фонтанами представлял собой идеальную сцену для дворцовых праздников, которые длились по нескольку дней. Людовик XIV с юных лет сам выступал как танцор в придворном балете, исполняя, в том числе, роль Аполлона.

Никакая другая эпоха не отмечала более роскошных праздников, чем барокко, длившихся по нескольку дней и объединяющих в себе сценические и изобразительные искусства в гигантское общее произведение. Идеальными кулисами были декорированные мифологическими сюжетами парадные залы, а также дворцовые парки с фонтанами, которые с помощью иллюзионистских трюков превращались во все новые сцены. На несколько дней весь двор переселялся в мир богов и героев. Однако эти роскошные празднества разоряли государственную казну.

Праздновало и простонародье, на время получая, таким образом, возможность выхода из тягостной повседневности. Невзрачные городские улицы украшались по поводу официальных государственных праздников, дней святых, процессий и ярмарок. Здесь устраивались театральные представления: шуты и комедианты отпускали свои грубоватые шутки и являли собой оборотную сторону изысканного придворного общества.

Из средневековой традиции берет такое начало такое событие, как торжественный въезд короля в город. Для него писались сценарии и сооружались особые временные постройки — по большей части деревянные триумфальные арки. В этой постановке демонстрировалась модель «идеального мира, где добро побеждает зло, вера — неверие, порядок — хаос. Конечно, в центре этой гармонии всегда стоял король, любимец богов и сам подобный богу, действия которого одновременно являли собой действительность и символический акт» [4, c. 139].

Городское пространство было частью сложной инсценировки, кулисами, перед которыми разыгрывался целый спектакль, дающий образ идеального мира, в котором участвовали все виды искусств. Государственные визиты, коронация монарха, его свадьба, рождения детей и сама смерть праздновались в подобающих случаю декорациях. Так же зрелищно проходили и церковные праздники — процессии на пасхальной неделе или праздник тела Христова. Используемые на языке зрительных образов аллегории сакральной и профанной природы были понятны даже для неграмотного простонародья.

Вообще, символические действия, языковые и художественные метафоры, риторические образы были в гораздо большей степени понятны человеку барокко, чем сегодняшнему. Как отмечает Е. Клукерт, метафорические способности и образное мышление было более выражено в эпоху барокко, чем в настоящее время. С помощью эмблем можно читать замысел авторов жанровых картин, как правило, заключенные в них поучение и мораль. «Эмблемы могут быть использованы как помощники в интерпретации барочного изобразительного искусства. Их понимание не вызывало затруднений у современников, т. к. они, как правило, сопровождались девизом и подписью» [8, c. 429].

Причиной подобной тяги к театральности является то обстоятельство, что в мире, потрясаемом социальными конфликтами, войнами и религиозным противостоянием, участие в огромном величественном спектакле давало определенное ощущение стабильности. «Церемониал, режиссерские указания в этом мировом театре являлись отражением высшего, установленного самим Богом порядка. Все виды искусств: живопись, скульптура, театр играли двойную роль: они служили тому, чтобы производить впечатление на подчиненных, ослеплять их великолепием могущества и одновременно быть проводником определенной идеологии. Они представляли собой театральные кулисы и создавали иллюзию совершенно устроенного мира» [5, c. 7].

К тому же, в подобной страсти к театральности кроется, по мнению Э. Фиделя, неосознанное желание защититься от наступающего рационализма Нового времени. Стремлением рационализма было подчинить все проявления действительности единовластному господству разума. Благодаря этому в душе современного человека возникла зияющая бездна, разрывающая его. В эпоху средневековья все еще было истинно, ясно, богоугодно: мир как действительность веры. Мир в реализме становился все серее и компактнее, все безбожнее и эгоистичнее, человек — все более одиноким.

Поэтому для защиты от рационализма оно пытается схитрить: как бы не принимая реальность всерьез, начинает с ней играть. «В барокко вся жизнь подчиняется формуле «как если бы». Для человека барокко все происходящее скрывается за прекрасной иллюзией, фикцией. Он играет с действительностью, подобно тому, как талантливый актер играет со своей ролью, мастер фехтования играет со своим партнером: действительность не может повредить ему, так как он знает, что она — фантом, маска, фальшивый слух, ложь; он только делает вид, что принимает ее всерьез» [6, c. 482].

Таким образом, барокко включает в себя эстетизацию бытия, проживая его как игру, воспринимая мир как театр, а человека — как актера, получившего при рождении определенные «реквизиты» — знаки своего состояния. Все искусство этой эпохи служит созданию роскошного, эмоционально насыщенного стиля, создающего своего рода кулисы для главных актеров эпохи — светских и церковных владык. Придворный церемониал воспринимается как отражение установленного самим Богом порядка, воплощающего идеальный мир, полный волшебных иллюзий, защищающих человека от беспощадной реальности.

Литература:

  1. Поликарпов В. С. Лекции по культурологи. [Электронный ресурс]. URL: http://www.gumer.info/bibliotek_Buks/Culture/Polikar/20.php (дата обращения: 21.09.2015).
  2. Хейзинга Й. Homo ludens. М.: Аст, 2004.
  3. Чеснокова Л. В. Противоречивость искусства эпохи барокко // Альманах современной науки и образования. 2016. № 1. С. 121-125.
  4. Borngässer B. Architektur des Barock in Frankreich // Die Kunst des Barock. Architektur, Skulptur, Malerei (hrsg. von R. Toman). Potsdam: Tandem, 2009. S. 122-151.
  5. Borngässer B., Toman R. Einleitung // Die Kunst des Barock. Architektur, Skulptur, Malerei (hrsg. von R. Toman). Potsdam: Tandem, 2009. S. 6-11.
  6. Friedel E. Kulturgeschichte der Neuzeit. München: Beck, 1999.
  7. Geese U. Skulptur des Barock in Italien und Zentraleuropa // Die Kunst des Barock. Architektur, Skulptur, Malerei (hrsg. von R. Toman). Potsdam: Tandem, 2009.
  8. Kluckert E. Emblematik // Die Kunst des Barock. Architektur, Skulptur, Malerei (hrsg. von R. Toman). Potsdam: Tandem, 2009.

Основные термины (генерируются автоматически): барокко, произведение искусства, XVII-XVIII, вид искусств, идеальный мир, искусство этой, парадная лестница, сам Бог порядка, символический акт, человек барокко.

Определение барокко Мерриам-Вебстер

ба · рок | \ bə-ˈrōk , ba-, -ˈräk, -rȯk \

1 Изобразительное искусство : , относящиеся к стилю художественного выражения, преобладающему, особенно в 17 веке, или имеющий характеристики стиля, который обычно отмечен использованием сложных форм, смелым орнаментом и сопоставлением контрастирующих элементов, часто передающих ощущение драмы движение и напряжение барочный собор барокко музыка и литература период барокко

2 : характеризуется гротескностью, экстравагантностью, сложностью или яркостью. поистине барочный саботаж - Г.Н. Шустер

3 драгоценных камней : неправильной формы жемчужина барокко

Изобразительное искусство : стиль барокко или период его расцвета

Искусство и архитектура барокко | Определение, характеристики, художники, история и факты

Искусство и архитектура барокко , изобразительное искусство, проектирование и строительство зданий, возникшие в эпоху истории западного искусства, которая примерно совпадает с 17 веком.Самые ранние проявления, которые произошли в Италии, относятся к последним десятилетиям 16-го века, в то время как в некоторых регионах, особенно в Германии и колониальной Южной Америке, определенные кульминационные достижения барокко не произошли до 18-го века. Произведение, которое отличает период барокко, стилистически сложное, даже противоречивое. В целом, однако, в основе его проявлений лежит желание вызвать эмоциональные состояния, обращаясь к чувствам, часто драматическим образом. Некоторые из качеств, наиболее часто ассоциируемых с барокко, - это величие, чувственное богатство, драматизм, жизненная сила, движение, напряжение, эмоциональная яркость и тенденция к стиранию различий между различными искусствами.

Популярные вопросы

Откуда взялся термин

Барокко ?

Термин Baroque , вероятно, происходит от итальянского слова barocco , которое философы использовали в средние века для описания препятствия в схематической логике. Впоследствии это слово стало обозначать любую искаженную идею или инволютивный процесс мышления. Другой возможный источник - португальское слово barroco (исп. barrueco ), используемое для описания жемчужины несовершенной формы.В художественной критике слово Baroque пришло для обозначения чего-либо необычного, причудливого или иным образом отклоняющегося от правил и пропорций, установленных в эпоху Возрождения. До конца 19 века этот термин всегда подразумевал странное, преувеличенное и чрезмерно украшенное. Только в новаторском исследовании Генриха Вельфлина Renaissance und Barock (1888) этот термин использовался как стилистическое обозначение, а не как термин тонко завуалированного злоупотребления, и была достигнута систематическая формулировка характеристик стиля барокко.

Каковы особенности искусства и архитектуры барокко?

Произведение, выделяющее период барокко, стилистически сложное и даже противоречивое. Например, течения натурализма и классицизма сосуществовали и смешивались с типичным стилем барокко. В целом, однако, в основе его проявлений лежит желание вызвать эмоциональные состояния, обращаясь к чувствам, часто драматическим образом. Некоторые из качеств, наиболее часто ассоциируемых с барокко, - это величие, чувственное богатство, драматизм, динамизм, движение, напряжение, эмоциональная яркость и тенденция к стиранию различий между различными искусствами.

Как возникли искусство и архитектура барокко?

Три широких течения оказали влияние на искусство барокко, первой из которых была Контрреформация. Борясь с распространением протестантской Реформации, Римско-католическая церковь после Тридентского собора (1545–1563 гг.) Приняла пропагандистскую программу, в которой искусство должно было служить средством стимулирования общественной веры в церковь. Возникший стиль барокко был одновременно чувственным и духовным. В то время как натуралистическая обработка сделала религиозный образ более доступным для среднего прихожанина, драматические и иллюзорные эффекты использовались, чтобы стимулировать преданность и передать великолепие божественного.Вторая тенденция заключалась в объединении абсолютных монархий: дворцы в стиле барокко были построены в монументальном масштабе, чтобы продемонстрировать мощь централизованного государства, явление, которое лучше всего было продемонстрировано в Версале. Третья тенденция заключалась в расширении интеллектуальных горизонтов человека, вызванном развитием науки и исследованиями земного шара. Это породило новое ощущение человеческой незначительности (особенно чему способствовало смещение Земли по Копернику из центра вселенной) и бесконечности природного мира.Пейзажные картины, на которых люди изображены в виде крошечных фигур на обширном пространстве, свидетельствуют об этом меняющемся осознании условий жизни человека.

Какие художники ассоциируются со стилем барокко?

Аннибале Карраччи и Караваджо были двумя итальянскими художниками, которые помогли открыть барокко и чьи стили представляют, соответственно, классицизм и реалистичность. Художница Артемизия Джентилески была признана в 20 веке за свое техническое мастерство и амбициозные исторические картины.Джан Лоренцо Бернини, чьи достижения включали проект колоннады перед базиликой Святого Петра в Риме, был величайшим из скульпторов-архитекторов эпохи барокко. Упорядоченные картины Николя Пуссена и сдержанная архитектура Жюля Ардуэна-Мансара показывают, что импульс барокко во Франции был более сдержанным и классическим. В Испании художник Диего Веласкес использовал мрачный, но мощный натуралистический подход, который имел лишь некоторое отношение к мейнстриму живописи в стиле барокко.Тем временем этот стиль в ограниченных масштабах проник в северную Европу, особенно на территорию нынешней Бельгии. Величайшим мастером этого испанского в основном римско-католического региона был художник Питер Пауль Рубенс, чьи бурные диагональные композиции и полнокровные фигуры являются воплощением живописи в стиле барокко. Однако искусство в Нидерландах более сложное. Обусловленные реалистическими вкусами покровителей из среднего класса, такие выдающиеся мастера, как Рембрандт, Франс Хальс и Иоганнес Вермеер, оставались в значительной степени независимыми от барокко в важных отношениях, но многие художественные тексты, тем не менее, приравнивают их к стилю.Однако барокко оказало заметное влияние на Англию, особенно на архитектуру сэра Кристофера Рена.

Чем стиль рококо отличался от барокко?

Стиль рококо зародился в Париже около 1700 года и вскоре был принят во Франции, а затем и в других странах, в основном в Германии и Австрии. Как и стиль барокко, рококо использовалось в декоративном искусстве, дизайне интерьера, живописи, архитектуре и скульптуре. Его часто называют завершающей фазой барокко, но стиль отличается от своего предшественника интимным масштабом, асимметрией, легкостью, элегантностью и обильным использованием изогнутых естественных форм в орнаменте.Живопись в стиле рококо во Франции, например, началась с изящных, мягко-меланхоличных картин Антуана Ватто, завершилась игривыми и чувственными обнаженными фигурами Франсуа Буше и закончилась свободно написанными жанровыми сценами Жана-Оноре Фрагонара. Живопись французского рококо в целом характеризовалась беззаботным, беззаботным обращением с мифологическими темами и темами ухаживания, представлением семьи как предмета, богатой и тонкой манерой письма, относительно легкой тональной тональностью и чувственной окраской.

Происхождение термина

Термин барокко, вероятно, в конечном итоге произошел от итальянского слова barocco , которое философы использовали в средние века для описания препятствия в схематической логике. Впоследствии это слово стало обозначать любую искаженную идею или инволютивный процесс мышления. Другой возможный источник - португальское слово barroco (исп. barrueco ), используемое для описания жемчужины неправильной или несовершенной формы, и это употребление до сих пор сохранилось в термине ювелира жемчужина барокко .

В искусствоведении слово «барокко» стало использоваться для описания чего-либо необычного, причудливого или иным образом отклоняющегося от установленных правил и пропорций. Этот предвзятый взгляд на стили искусства 17-го века с небольшими изменениями поддерживался критиками, от Иоганна Винкельмана до Джона Раскина и Якоба Буркхардта, и до конца 19-го века этот термин всегда подразумевал странный, гротескный, преувеличенный и чрезмерно украшенный. Только в пионерском исследовании Генриха Вельфлина Renaissance und Barock (1888) термин барокко использовался как стилистическое обозначение, а не как термин тонко завуалированного злоупотребления, и была достигнута систематическая формулировка характеристик стиля барокко.

Три основных тенденции эпохи

Три более широких культурных и интеллектуальных тенденции оказали глубокое влияние на искусство барокко, а также музыку барокко. Первым из них было появление Контрреформации и расширение ее владений как в территориальном, так и в интеллектуальном плане. К последним десятилетиям XVI века изысканный придворный стиль, известный как маньеризм, перестал быть эффективным средством выражения, и его непригодность для религиозного искусства все больше ощущалась в художественных кругах.Чтобы противостоять набегам Реформации, Римско-католическая церковь после Тридентского собора (1545–1563 гг.) Заняла пропагандистскую позицию, в соответствии с которой искусство должно было служить средством расширения и стимулирования общественной веры в церковь. С этой целью церковь приняла сознательную художественную программу, произведения искусства которой будут вызывать у верующих откровенно эмоциональный и чувственный призыв. Стиль барокко, возникший из этой программы, парадоксальным образом был одновременно чувственным и духовным; в то время как натуралистическая обработка сделала религиозный образ более доступным для среднего прихожанина, драматические и иллюзорные эффекты использовались, чтобы стимулировать благочестие и преданность и передать впечатление великолепия божественного.Таким образом, церковные потолки в стиле барокко растворялись в живописных сценах, которые представляли для наблюдателя яркие виды бесконечного и направляли чувства к небесным заботам.

Получите подписку Britannica Premium и получите доступ к эксклюзивному контенту. Подпишитесь сейчас

Вторая тенденция заключалась в консолидации абсолютных монархий, сопровождавшейся одновременной кристаллизацией выдающегося и могущественного среднего класса, который теперь стал играть роль в покровительстве искусству. Дворцы в стиле барокко были построены в расширенном и монументальном масштабе, чтобы продемонстрировать мощь и величие централизованного государства, явление, которое лучше всего демонстрируется в королевском дворце и садах Версаля.И все же в то же время развитие рынка картин для среднего класса и его стремление к реализму можно увидеть в работах братьев Ленена и Жоржа де Ла Тур во Франции и в различных школах голландской живописи 17-го века. (Подробное обсуждение этого феномена, см. Rembrandt van Rijn.)

Третья тенденция заключалась в новом интересе к природе и общем расширении интеллектуальных горизонтов человека, вызванном развитием науки и исследованиями земного шара.Это одновременно породило новое ощущение как человеческой незначительности (особенно чему способствовало смещение Земли по Копернику из центра вселенной), так и неожиданной сложности и бесконечности природного мира. Развитие пейзажной живописи 17-го века, в которой люди часто изображаются в виде крошечных фигур в обширной природной среде, свидетельствует об этом меняющемся осознании условий жизни человека.

Что такое музыка барокко? - Музыка барокко

Что такое «барокко» и когда было барокко?

Произведенный от португальского barroco , или «жемчужина необычной формы», термин «барокко» широко использовался с девятнадцатого века для описания периода в музыкальном искусстве Западной Европы с 1600 по 1750 год.Сравнение некоторых величайших шедевров истории музыки с деформированной жемчужиной может показаться нам сегодня странным, но критикам девятнадцатого века, применявшим этот термин, музыка эпохи Баха и Генделя казалась чересчур орнаментированной и преувеличенной. Давным-давно избавившись от уничижительных коннотаций, «барокко» теперь стало просто удобной ловушкой для одного из самых богатых и разнообразных периодов в истории музыки.

Помимо создания самой ранней европейской музыки, знакомой большинству из нас, включая «Канон» Пахельбеля и «Времена года » Вивальди, эпоха барокко также значительно расширила наши горизонты.Принятие теории Коперника XVI века о том, что планеты не вращаются вокруг Земли, сделало Вселенную намного больше, а работа Галилея помогла нам лучше познакомиться с космосом. Благодаря достижениям в области технологий, таким как изобретение телескопа, то, что считалось конечным, казалось бесконечным. Великие мыслители, такие как Декарт, Гоббс, Спиноза и Локк, занимались большими вопросами существования. Такие гении, как Рубенс, Рембрандт и Шекспир, предлагали уникальные перспективы через свое искусство.Европейские страны все больше и больше вовлекались во внешнюю торговлю и колонизацию, что привело нас к непосредственному контакту с частями земного шара, которые ранее были незнакомы. А рост нового среднего класса вдохнул жизнь в художественную культуру, которая долгое время зависела от прихотей церкви и двора.

В начало

Кто были крупнейшими композиторами эпохи барокко и откуда они?

Многие из известных личностей первой половины периода барокко родом из Италии, в том числе Монтеверди, Корелли и Вивальди.(К середине восемнадцатого века наше внимание смещается на немецких композиторов Баха и Генделя.) Многие формы, отождествляемые с музыкой барокко, возникли в Италии, включая кантату, концерт, сонату, ораторию и оперу. Хотя Италия сыграла жизненно важную роль в развитии этих жанров, новые концепции того, что значит быть нацией, усилили императив «национального стиля». Различия между народами часто слышны в музыке того периода, не только в том, как была сочинена музыка, но и в традициях исполнения; особенно очевиден был контраст между Италией и Францией.Хотя может показаться, что некоторые страны претендуют на большую часть нашего опыта музыки барокко сегодня, тем не менее, каждая нация сыграла свою роль. Когда музыканты и композиторы путешествовали по всей Европе и слушали музыку друг друга, новые соглашения, с которыми они столкнулись, произвели на них тонкое впечатление. Вот некоторые из самых известных композиторов того периода:

Италия: Монтеверди, Фрескобальди, Корелли, Вивальди, Доменико и Алессандро Скарлатти

Франция: Куперен, Люлли, Шарпантье и Рамо

Германия: Преториус, Шайн, Шайдт, Шютц, Телеман, Гендель и Бах

Англия: Перселл

В начало

Какова философия музыки барокко?

Хотя одна философия не может описать 150 лет музыки со всей Европы, несколько концепций важны в период барокко.

Вера в музыку как мощный инструмент коммуникации

Одно из основных философских течений в музыке барокко связано с интересом эпохи Возрождения к идеям Древней Греции и Рима. Греки и римляне верили, что музыка - мощный инструмент общения, способный вызвать у слушателей любые эмоции. В результате возрождения этих идей композиторы все больше осознавали потенциальную силу музыки и культивировали веру в то, что их собственные композиции могут иметь аналогичные эффекты, если они правильно подражают древней музыке.Как французский ученый-гуманист Артус Томас описал перформанс конца шестнадцатого века,

.

Я часто слышал, что сьер Клоден Ле Жен (который, не желая никого пренебрегать, намного превзошел музыкантов прошлых веков в своем понимании этих вопросов), что он спел аранжировку (которую он сочинил по частям) ... и что когда этот аффект репетировали на частном концерте, он заставил джентльмена взяться за оружие и начать ругаться вслух, так что казалось невозможным помешать ему напасть на кого-то: после чего Клоден запел еще один звук ... джентльмен такой же спокойный, как и раньше.Это подтвердили мне несколько человек, которые были там. Такова сила и сила мелодии, ритма и гармонии над разумом.

В 1605 году итальянский композитор Клаудио Монтеверди фактически определил «первую» и «вторую» практики: в первой гармония и контрапункт преобладали над текстом; во втором случае необходимость выразить значение слов превзошла любую другую озабоченность. В эпоху барокко доминировал дух второй практики - использование силы музыки для общения.

Реалии меценатства
Любое обсуждение художественной философии композитора эпохи барокко должно хотя бы немного сдерживаться реальностью его жизни. В наше время художники часто зарабатывают на жизнь, создавая именно то искусство, к созданию которого они стремятся. Соответственно, мы часто думаем о художнике - и о степени его художественного вдохновения - как о отправной точке для произведения искусства. Однако на протяжении большей части эпохи барокко композиторы зарабатывали на жизнь написанием музыки только в том случае, если им посчастливилось получать зарплату в политическом или религиозном учреждении.Таким образом, музыкальные потребности этого учреждения продиктовали музыку, которую создавал композитор. Бах написал количество кантат, которое он написал, например, не обязательно потому, что он нашел форму вдохновляющей, но из-за литургических требований Лейпцигской церкви, в которой он работал. Если смотреть в этом свете, музыка в стиле барокко может стать захватывающим окном в историю.

В начало

Каковы особенности музыки барокко?

Новый интерес к драматическим и риторическим возможностям музыки породил множество новых звуковых идеалов в период барокко.

Контраст как драматический элемент
Контраст - важная составляющая драматургии композиции в стиле барокко. Различия между громким и мягким, соло и ансамблевым (как в концерте), разными инструментами и тембрами играют важную роль во многих композициях в стиле барокко. Композиторы также стали точнее относиться к инструментам, часто определяя инструменты, на которых должна исполняться пьеса, вместо того, чтобы позволять исполнителю выбирать. Также стали популярны такие блестящие инструменты, как труба и скрипка.

Монодия и появление бассо континуо
В предыдущие музыкальные эпохи музыкальное произведение, как правило, состояло из одной мелодии, возможно, с импровизированным аккомпанементом, или из нескольких мелодий, играемых одновременно. Лишь в эпоху барокко понятия «мелодия» и «гармония» стали по-настоящему артикулироваться. В рамках усилий по подражанию старинной музыке композиторы стали меньше сосредотачиваться на сложной полифонии, которая доминировала в пятнадцатом и шестнадцатом веках, и больше на едином голосе с упрощенным аккомпанементом, или монодии.Если музыка была формой риторики, как указывают писания греков и римлян, необходим сильный оратор - а кто лучше для этой работы, чем вокальный солист? Новое слияние между выражением чувств и сольным исполнителем ярко и ясно прослеживается в предисловии Монтеверди к Combattimento di Tancredi e Clorinda из его Восьмой книги мадригалов (1638), в которой он пишет: «Мне показалось что главных страстей или привязанностей в нашем уме три, а именно гнев, невозмутимость и смирение.Лучшие философы согласны с этим, и сама природа нашего голоса с его высокими, низкими и средними частотами говорит об этом ». Самые ранние оперы - прекрасная иллюстрация этой новой эстетики.

Наряду с акцентом на единую мелодию и басовую линию пришла практика bassocontino , метод нотной записи, в котором мелодия и басовая линия записываются, а гармонический заполнитель указывается в виде стенографии. Как объяснил итальянский музыкант Агостино Агаццари в 1607:

Так как, наконец, был найден истинный стиль выражения слов, а именно, путем наилучшего воспроизведения их смысла, что лучше всего удается одним голосом (или не более чем несколькими), как в современной музыке различными способами. способные люди, и поскольку в Риме постоянно практикуется концертная музыка, я говорю, что нет необходимости делать партитуру ... Баса с его знаками гармонии достаточно.Но если бы мне сказали, что для исполнения старых произведений, полных фуги и контрапунктов, баса недостаточно, я отвечу, что вокальные произведения такого рода больше не используются.

Поскольку бассо континуо, или основательный бас, оставался стандартной практикой до конца периода барокко, эту эпоху иногда называют «эпохой основательного баса».

Различные инструментальные звуки
Музыка барокко, которую игнорировали на протяжении десятилетий, за последние пятьдесят лет стала все более популярной.В рамках этого нового интереса ученые и музыканты потратили бесчисленные часы, пытаясь выяснить, как музыка могла бы звучать для публики 17 и 18 веков. Хотя нам никогда не удастся точно воссоздать перформанс, их работы выявили несколько основных различий между барочными и современными ансамблями:

pitch: В 1939 году современные оркестры согласились настроиться на a ’= 440 Гц (нота A с частотой 440 циклов в секунду), которая заменила ранее более низкий тон (a’ = 435 Гц), принятый в 1859 году.Однако до 1859 года стандарта высоты тона не существовало. Таким образом, нота, на которую настраивались ансамбли в стиле барокко, в разное время и в разных местах сильно различалась. В результате музыка, записанная в партитуре, могла бы звучать на полтона ниже, чем то, как она традиционно исполняется сегодня. Стремясь учесть это несоответствие, многие ансамбли барокко корректируют свою настройку в соответствии с исполняемым репертуаром: a '= 415 Гц для музыки позднего барокко, a' = 392 Гц для французской музыки, a '= 440 Гц для ранней итальянской музыки и' = 430 Гц для классического репертуара.

тембр: В то время как большинство инструментов в ансамбле в стиле барокко знакомы, есть несколько выдающихся участников, которые больше не используются в современных ансамблях. Клавесин был основным клавишным инструментом (и важным членом группы континуо), а инструменты, важные в 16-17 веках, такие как лютня и виола, все еще использовались. Вариации инструментов, которые все еще популярны сегодня, также придали ансамблю в стиле барокко другое звучание. Струнные инструменты, такие как скрипка, альт и виолончель, использовали струны из живота, а не обернутые металлом струны, на которые они нанизываются сегодня, например, придавая им более мягкий и сладкий тон.

техника исполнения : партитура в стиле барокко содержит мало (если вообще есть) информации о таких элементах, как артикуляция, орнамент или динамика, поэтому современные ансамбли должны делать свой собственный осознанный выбор перед каждым выступлением. Механические различия между барочными и современными инструментами также предполагают, что старые инструменты звучали бы иначе, поэтому ансамбли, такие как Музыка барокко, часто корректируют свою технику, чтобы учесть это. Поскольку барочные и современные смычки структурно отличаются, например, струнные исполнители, использующие современные смычки, часто используют более мягкую атаку на струне и крещендо и диминуэндо на более длинных нотах.В трактатах о перформансах 17-го и 18-го веков также подразумевается, что вибрато для пальцев (техника, в которой струнный исполнитель качает пальцем по струне для обогащения звука) использовалось умеренно для выразительных моментов, в то время как смычковое вибрато (волнообразное движение смычка) было вообще предпочтительнее.

В начало

Какие музыкальные формы определили эпоху барокко?

В то время как формы из более ранних эпох продолжали использоваться, такие как мотет или особые танцы, интерес к музыке как форме риторики вызвал развитие новых жанров, особенно в области вокальной музыки.Многие формы, связанные с эпохой барокко, прямо вытекают из этого нового драматического импульса, особенно опера, оратория и кантата. В инструментальной музыке идея контраста и стремление создавать масштабные формы породили концерт, сонату и сюиту.

Вокальная музыка

Opera: Драма, которая в основном поется в сопровождении инструментов и проводится на сцене. В операх обычно чередуются речитативных речитативных песен, которые развивают сюжет, и арии, песни, в которых персонажи выражают чувства в определенных точках действия.Также часто включаются хоры и танцы. Появление этого жанра на рубеже XVII веков часто связывают с деятельностью группы поэтов, музыкантов и ученых во Флоренции, известной сегодня как Florentine Camerata. Первой из сохранившихся опер была « Дафне » Якопо Пери, основанная на либретто Оттавио Ринуччини и исполненная во Флоренции в 1598 году; Самая ранняя опера, исполняемая до сих пор, - это « Орфей » (1607) Клаудио Монтеверди. Сюжеты первых опер взяты из греческих мифов, что отражает тесные союзы жанра с попытками воссоздать музыку и драму древних культур и исполнялись исключительно в аристократических кругах для приглашенных гостей.

Когда в 1637 году в Венеции открылись первые публичные оперные театры, жанр был изменен в соответствии с предпочтениями публики. Сольные певцы приобрели статус знаменитостей, и в результате больший акцент был сделан на арии. Речитатив стал менее важным, а хоры и танцы практически исчезли из итальянской оперы. Сказались и финансовые реалии частой постановки оперных постановок. Захватывающие сценические эффекты, связанные с оперой при дворе, были сильно преуменьшены, а либретто было построено с использованием стандартных сценических приемов.К началу 18 века (особенно в Неаполе) стали очевидными два поджанра оперы: opera seria , в которой основное внимание уделялось серьезным предметам, и da capo aria , и opera buffa , в которой была зажигалка. , даже комический тон и иногда используются дуэты, трио и более крупные ансамбли. Итальянская традиция оперы постепенно доминировала в большинстве европейских стран. Однако в конце 17 века во Франции уроженец Италии Жан-Батист Люлли и либреттист Филипп Кино создали уникальную французскую версию оперы, известную как tragédie-lyrique .

Оратория: расширенная музыкальная драма с текстом на религиозную тематику, предназначенная для исполнения без декораций, костюмов или действий. Первоначально оратория означала молитвенный зал, здание, расположенное рядом с церковью, которое было спроектировано как место для религиозных переживаний, отличных от литургии. Хотя в репертуаре мотетов и мадригалов имеются прецеденты конца шестнадцатого века, оратория как отдельный музыкальный жанр возникла среди превосходной акустики этих пространств в начале 1600-х годов.К середине 17 века оратории исполнялись во дворцах и публичных театрах и становились все более похожими на оперы, хотя тематика, разделение на две части (а не три действия) и отсутствие постановочного действия по-прежнему выделяли их. Некоторые из композиторов, связанных с этим жанром в Италии, включают Джокомо Кариссими, Алессандро Скарлатти и Антонио Вивальди. Популярность оратории росла и в других частях Европы. В протестантской Германии драматическая музыка, написанная для использования в лютеранской церкви, постепенно соединилась с элементами оратории, особенно с включением небиблейских текстов.Кульминацией страсти оратории, как ее стали называть, стали великие произведения И. С. Баха. Другие известные примеры за пределами Италии включают английские оратории Джорджа Фридриха Генделя, который популяризировал этот жанр в Лондоне в результате неприязни англичан к итальянской опере. Такие произведения, как Мессия , Израиль в Египте и Иуда Маккавей , остаются фаворитами публики и по сей день.

Кантата: расширенное произведение, состоящее из последовательности речитативов и стандартных пьес, таких как арии, дуэты и припевы.Возникнув в начале 17 века в Италии, кантата зародилась как светское произведение, написанное для сольного голоса и бассо континуо, скорее всего, предназначенное для исполнения на частных общественных собраниях. Многие из этих произведений были опубликованы, что свидетельствует о том, что они были исполнены как профессиональными музыкантами, так и любителями. К середине века кантаты стали публиковаться реже, что свидетельствует о том, что выступления все чаще исполнялись профессионалами. К концу 17 века кантаты начали включать арию da capo aria и часто имели оркестровое сопровождение.Среди основных композиторов итальянского жанра кантаты - Луиджи Росси, Антонио Чести, Алессандро Страделла, а в первой половине 18 века - Алессандро Скарлатти, Гендель, Бенедетто Марчелло и Иоганн Адольф Хассе. За пределами Италии расширяющийся жанр лютеранского мотета начал включать многие элементы итальянской кантаты, особенно техники драматического выражения, такие как речитатив и ария. Многие кантаты Баха демонстрируют широкое влияние их итальянских коллег.

Инструментальная музыка

Соната : Используется для описания нескольких типов произведений в эпоху барокко, термин «соната» чаще всего обозначает произведение в нескольких частях для одного или нескольких инструментов (чаще всего скрипок) и bassocontinuo; Сонату для двух скрипок или других высоких инструментов плюс бас обычно называли трио-сонатой.К 1650-м годам сонаты часто классифицировались как сонат da chiesa («церковные сонаты»), обычно состоящие из четырех частей, чередующихся между медленным и быстрым темпом и исполняемых в церкви, или сонат da camera («камерная соната»). , который состоял из серии танцев, родственных сюите. Примеры обоих типов можно найти в работах Корелли конца 17 века. В 18 веке Телеман, Бах и Гендель написали множество сонат по образцу сонат Корелли da chiesa .Рост популярности сольных сонат для клавишных инструментов начинается в конце периода барокко, в том числе для органа (Бах) и клавесина (Гендель, Доменико Скарлатти). Среди других известных примеров сольных сонат - сочинения Баха для скрипки и виолончели без аккомпанемента.

Concerto : Произведенный из итальянского Concerto (объединить, объединить), концерт принял несколько форм в эпоху барокко. До начала 18 века концерт был просто композицией, объединяющей разноплановый ансамбль, состоящий из голосов, инструментов или того и другого.Священные произведения для голосов и инструментов часто назывались концертами, тогда как подобные светские произведения обычно назывались arie (арии), кантатами или musiche . В то время как крупномасштабные духовные концерты можно найти в произведениях Клаудио Монтеверди, гораздо более распространены более интимные композиции для одного-четырех голосов, континуо и дополнительные сольные инструменты. В Германии прекрасные примеры священного концерта можно найти в произведениях Иоганна Германа Шайна, Михаэля Преториуса, Самуэля Шайдта и Генриха Шютца (особенно в его Kleine geistliche Concerte или «Малых священных концертах» 1636–39).

Позже, в семнадцатом веке, концерт начал принимать свое современное определение: произведение, состоящее из нескольких частей, для инструментального солиста (или группы солистов) и оркестра. Взяв за основу канцоны и сонаты конца шестнадцатого и семнадцатого веков, в которых с большим эффектом использовались контрастирующие группы инструментов, в Concerto Grosso небольшая группа солистов чередуется с более крупным ансамблем. Произведения Корелли, особенно его соч. 6, представляют собой, пожалуй, самые известные образцы концерто гроссо конца 17 века.В то время как работы Корелли копировали в 18 веке, особенно в сочинении Генделя. 6, многие образцы концертного гроссо 18-го века показывают возрастающее влияние сольного концерта (например, Бранденбургские концерты И. С. Баха).

Самым распространенным типом концертов в 18 веке был сольный концерт, в котором использовался один инструмент в отличие от ансамбля. Самым плодовитым композитором сольного концерта был Антонио Вивальди, который написал около 350 и установил стандартную трехчастную форму концерта (две быстрые внешние части, одна средняя часть в более медленном темпе).Хотя большинство сольных концертов было написано для скрипки, были также популярны концерты для трубы, а также концерты для виолончели, гобоя, флейты и фагота. В 1730-х годах Гендель написал 16 органных концертов, и примерно в то же время Бах также написал несколько концертов для клавесина (большинство из них - аранжировки уже существовавших произведений).

Сюита: Основанная на традиционном парном танце эпохи Возрождения, сюита была первой многодвижущейся работой для инструментов. По сути, сюита представляла собой серию танцев в одной тональности, большинство или все они состояли из двух частей.Примерно в середине 17 века в Германии последовательность аллеманд, куранте, сарабанда и жига стала относительно стандартной, хотя часто добавлялись другие танцевальные движения, такие как дополнительные аллеманды или куранты, бурре, гавоты и менуэты. Большинство сюит также начиналось с вступительной части, такой как прелюдия, увертюра или фантазия. Для многих композиторов эпохи барокко разные танцы олицетворяли определенные характеры. В своей книге Der volkommene Capellmeister (Полный музыкальный руководитель), 1739, немецкий теоретик Иоганн Маттезон привел список характеров каждого танца: менуэт был «умеренной веселостью», гавот - «ликующей радостью», бурре - «удовлетворенностью» и т. Д. courante «надежда», сарабандское «амбиции» и жига могут означать целый ряд эмоций, от гнева до легкомыслия.Сюиты в стиле барокко звучали как для солирующих инструментов, так и для оркестра; те, что написаны для одного или двух мелодических инструментов и континуо, иногда называют сонатой да камера. Французские сюиты для клавишных иногда называют ordres (как в произведениях Франсуа Куперена, который вставил множество не танцевальных движений, включая вызывающие воспоминания зарисовки персонажей суда.

В начало

Каково было посетить концерт в эпоху барокко?

В наше время поход на концерт - это событие.Мы слышим рекламу по радио или видим объявление в газете; приобретаем билеты; мы идем в концертный зал и сидим тихо, пока не пришло время аплодировать. В эпоху барокко подобные публичные концерты были редкостью. Многие из самых известных композиций в стиле барокко исполнялись в церквях на службе, в рамках частного концерта или праздника в доме богатого мецената. Однако в течение периода барокко публичные выступления стали более распространенными, особенно в жанрах оперы и оратории, и наши современные концертные традиции начали объединяться во многих европейских городах.Как описал Роджер Норт выступление в одной из самых ранних серий концертов, организованных в Лондоне в 1670-х годах:

Первая попытка была неудачной: проект старого [Джона] Банистера, который был хорошей скрипкой и театральным композитором. Он открыл темную комнату в трактире «Белые монахи»; наполнил его столами и сиденьями, а для музыки сделал боковой ящик с занавесками. Иногда консорт, иногда соло скрипки, флажеолета, бас-виолы, лютни и песни all’Italiana , и такие разновидности отвлекали компанию, которая платила за вход.Один шиллинг за штуку, звоните, сколько хотите, платите по счету и Добро пожаловать, господа .

Появление публичных концертов сделало растущий средний класс важным источником дохода для музыкантов. К концу барокко эта социальная группа стала музыкальным покровителем, почти таким же могущественным, как церковь или двор.

В начало

Что пришло после периода барокко?

К середине восемнадцатого века идея музыки в стиле барокко как формы риторики подверглась критике.Музыка обладала удивительно мощной способностью выражать даже самые сложные концепции - но только в ее самой «естественной» форме, которую эпоха барокко якобы запутала. Как сказал Иоганн Адольф Шайбе о И. С. Бахе в 1737 г.,

г.

Этот великий человек вызвал бы восхищение у целых народов, если бы он сделал больше удобства, если бы он не убрал природный элемент в своих изделиях, придав им пухлый и запутанный стиль, и если бы он не омрачил их красоту чрезмерным количеством Изобразительное искусство. Поскольку он судит по своим пальцам, его пьесы чрезвычайно трудны для исполнения; ибо он требует, чтобы певцы и инструменталисты могли делать со своим горлом и инструментами все, что он может играть на клавире, но это невозможно ... Тургидизм привел [его] от естественного к искусственному, а от возвышенного к мрачному. ; и ... восхищаются тяжелым трудом и необычными усилиями, которые, однако, используются напрасно, поскольку противоречат природе.

Стремление Шайбе к ясности и простоте исполнения намекает на серьезное изменение музыкальной эстетики: на протяжении всей его обличительной речи окончательным арбитром вкуса является не Платон или Аристотель, а в конечном итоге сами слушатели и исполнители. Этот новый акцент на прямом мелодическом выражении и ясной музыкальной архитектуре указывает путь к классическому периоду, эпохе Моцарта и Гайдна.

В начало

Эпоха барокко в Новое время

Хотя период барокко закончился более 250 лет назад, его следы можно услышать повсюду.Некоторые из самых влиятельных и любимых композиций регулярно исполняются в концертных залах, а множество записей делают барокко доступным по запросу. Многие из музыкальных жанров, которые все еще используются сегодня, такие как оратория, концерт и опера, возникли в тот период. Композиторы двадцатого века, такие как Ральф Вон Уильямс, Игорь Стравинский и Бенджамин Бриттен, отдали дань уважения барокко в своих произведениях. Его влияние можно услышать даже за пределами области художественной музыки: свободное движение между соло и группой в джазе иногда сравнивают с музыкой барокко, а фрагменты Баха и Вивальди часто появляются в соло гитаристов хэви-метала.А дух барокко - непоколебимая вера в способность музыки влиять на жизнь людей - навсегда изменил историю музыки.

В начало

определение барокко по The Free Dictionary

ba · roque

(bə-rōk ′) прил.

1. также Барокко Of, относящийся к стилю в искусстве и архитектуре, развитый в Европе с начала 17 до середины 18 века, или характерный для него, подчеркивающий драматический, часто напряженный эффект и типичный для смелых, изогнутых форм. , сложный орнамент и общий баланс разрозненных частей.

2. также Барокко Музыка Of, относящаяся к стилю композиции, процветавшему в Европе примерно с 1600 по 1750 год, отмеченному выразительным диссонансом и сложным орнаментом, или характерная для него.

3. Экстравагантный, сложный или причудливый, особенно в орнаменте: «барочный, закодированный язык постструктурной правовой и литературной теории» (Венди Каминер).

4. Необычной формы: жемчуг барокко.

н. также Барокко

Стиль или период барокко в искусстве, архитектуре или музыке.


[французский, от итальянского barocco, несовершенный жемчуг и от португальского barroco.]


ba · roque'ly нареч.

ba · roque'ness n.

Словарь английского языка American Heritage®, пятое издание. Авторские права © 2016 Издательская компания Houghton Mifflin Harcourt.Опубликовано Houghton Mifflin Harcourt Publishing Company. Все права защищены.

барокко

(bəˈrɒk; bəˈrəʊk) n ( часто капитал )

1. (Архитектура) стиль архитектуры и декоративного искусства, который процветал по всей Европе с конца 16 до начала 18 века, характеризовался обширным орнамент

2. (Классическая музыка) музыкальный стиль 17-го века, характеризующийся широким использованием глубоких басов и орнаментов

3. (Art Terms) любой богато украшенный или сильно орнаментированный стиль

adj

4. (Исторические термины) обозначающий, относящийся к барокко или относящийся к нему

5. (Ювелирные изделия) (из жемчуга) неправильной формы

[C18: с французского, с португальского barroco грубая жемчужина или жемчужина несовершенной формы]

Словарь английского языка Коллинза - полное и несокращенное, 12-е издание, 2014 г. © HarperCollins Publishers 1991, 1994, 1998, 2000, 2003, 2006, 2007, 2009 , 2011, 2014

ba • roque

(bəˈroʊk)

прил.

1. ( часто кап. ) или обозначающий стиль архитектуры и искусства начала 17 - середины 18 века, характеризующийся криволинейными формами, пышным декором, формами, предполагающими движение, и драматическим эффектом.

2. ( иногда кап. ) музыкального периода, следующего за Ренессансом, или относящегося к нему, примерно с 1600 по 1750 год.

3. экстравагантно богато украшенный характер или стиль: письмо в стиле барокко.

4. неправильной формы: жемчуг барокко.

н.

5. ( часто кап. ) стиль или период барокко.

6. жемчужина неправильной формы.

[1755–65; <Французский <Португальский barroco, barroca жемчужина неправильной формы (неизвестного происхождения)]

Random House Словарь колледжа Кернермана Вебстера, © 2010 K Dictionaries Ltd. Copyright 2005, 1997, 1991, Random House, Inc.Все права защищены.

барокко

богато украшенный вид искусства или орнамента. - барокко, прил.

См. Также: Архитектура, искусство

-Ologies & -Isms. Copyright 2008 The Gale Group, Inc. Все права защищены.

барокко

1. Музыкальный стиль, характеризующийся орнаментом и использованием контрапункта. Эпоха барокко длилась около 150 лет, начиная с 1600 года с первых попыток оперы и заканчивая в 1750 году смертью великого мастера Иоганна Себастьяна Баха.

2. Европейская мебель семнадцатого и начала восемнадцатого веков с замысловатым орнаментом с широкими скруглениями - важной особенностью.

Словарь незнакомых слов от Diagram Group Авторские права © 2008, Diagram Visual Information Limited

Что такое музыка барокко? - Определение, история, характеристики и композиторы - Видео и стенограмма урока

История музыки барокко

Вместе с великими инновациями эпохи Возрождения появились новые инструменты и новые способы создания этих инструментов.Наиболее заметными из них были пиано , предшественник современного пианино, а также действительно превосходные скрипки, созданные семьей Страдивари. Независимо от инструмента, теперь доступен более широкий диапазон музыки, и композиторы стремились использовать это в своих интересах.

Кроме того, 1600 год ознаменовал период социальных потрясений в Европе. Римско-католическая церковь, когда-то объединенная в большей части Европы, была расколота протестантской Реформацией , которая создала различные протестантские конфессии по всей Северной Европе.Католическая церковь, стремясь вернуть себе былое влияние, вскоре стала поощрять музыкантов и композиторов писать произведения, которые могли бы понравиться массам.

Однако период барокко был связан не только с религией. Действительно, именно в этот период музыкальной истории родился один из величайших жанров в западном каноне - опера , сочетающая музыку с драматургией. В этот период были созданы и другие типы композиций, такие как концерт, соната и кантата.

Характеристики музыки в стиле барокко

В отличие от всего, что мир видел до ее создания, музыка в стиле барокко имеет множество особенностей, которые помогают пометить произведение как барокко. Три важных особенности - это акцент на верхних и нижних тонах, акцент на многослойных мелодиях и увеличение размера оркестра.

  1. Композиторы эпохи барокко уделяли большое внимание верхним и нижним тонам или партиям, которые должны исполняться басом и сопрано. Это часто оставляло музыкантам, которые играли между этими диапазонами, импровизировать свои собственные работы.
  2. Композиции
  3. в стиле барокко также в значительной степени сосредоточены на многослойных мелодиях , что означало, что одни и те же ноты часто повторялись в композиции, хотя и игрались разными музыкантами. В результате музыка, которая изначально была написана для обучения игре на музыкальном инструменте, вскоре стала такой же популярной, как и концертные произведения.
  4. Различные части в данном музыкальном произведении теперь означали, что размер оркестров существенно вырос за этот период. Композиторам, например, требовалось несколько скрипок во многих пьесах.Кроме того, доступные типы инструментов сделали неизбежным такой рост оркестра.

Композиторы эпохи барокко

Некоторые из самых известных композиторов в истории появились в период барокко. Особого внимания заслуживают три: Бах, Гендель и Монтеверди.

Иоганн Себастьян Бах - несомненно, самый известный композитор периода барокко и один из самых известных композиторов всех времен. При жизни его больше считали органистом, но с тех пор он прославился своей композиторской работой.

Джордж Фридрих Гендель написал свой величайший труд, Мессия , в качестве музыкального контраргумента Англиканской церкви против католической церкви. Сегодня он остается одним из самых известных произведений периода барокко и сам по себе является прекрасным образцом работы в стиле барокко.

В отличие от протестанта Генделя, Клаудио Монтеверди был католическим священником, но прежде всего его помнят за написание некоторых из первых опер в истории, а не за его религиозную музыку.Эти произведения основаны на рассказах о героях из греческой и римской мифологии, что делает их беспроигрышным вариантом в религиозно заряженной среде.

Краткое содержание урока

Подобно деформированной жемчужине, от которой стиль получил свое название, Музыка в стиле барокко представляет собой крайнее украшение. Наслаивая мелодии, исполняемые как на верхних, так и на нижних тонах музыки, можно получить богатство, которое действительно могло бы звучать достаточно небесно, чтобы изменить мнение людей о религии.Однако с тех пор его больше всего помнят по операм, которые открыли композиторам совершенно новый музыкальный стиль.

Музыка барокко

Музыка барокко: определение, история, характеристики и композиторы
Музыка барокко - это сильно украшенный стиль музыки, пришедший из эпохи Возрождения.
Возрождение принесло с собой новые и улучшенные инструменты, и композиторы захотели их использовать.
Чтобы конкурировать с протестантской Реформацией, католическая церковь поощряла композиторов писать эту новую музыку.
В музыке барокко были три важных особенности: акцент на верхних и нижних тонах; акцент на многослойных мелодиях; увеличение размера оркестра.
Иоганн Себастьян Бах был более известен в свое время как органист.
Джордж Фридрих Гендель написал Мессию как контраргумент против католической церкви.
Клаудио Монтеверди был католическим священником; его в первую очередь помнят за то, что он написал некоторые из первых опер.

Результаты обучения

После изучения деталей этого видеоурока вам будет легко:

  • Предоставить описание музыки в стиле барокко и определить период, в течение которого она имела место
  • Анализировать историю музыки барокко
  • Изучить особенности музыки барокко
  • Список известных композиторов эпохи барокко

Что означает «барокко»? | Национальный трест

Театральный стиль

Искусство барокко поражало чувства и поражало зрителя характерными театральными линиями, массой материалов и яркими цветами.

Скульптура Бернини Аполлон и Дафна, Баха Бранденбургские концерты и библиотека Radcliffe Camera в центре Оксфорда - все это яркие примеры драматического преувеличения, усиленного движения и сильного тонального контраста, которые вносят свой вклад в культовую театральность механизма.

Английское барокко

Стиль барокко оказал сильное влияние на британское искусство, архитектуру и культуру. Однако преувеличенные формы итальянского барокко часто были слишком показными для сдержанного вкуса британцев.

Более изысканный жанр, известный как английское барокко, начал развиваться к концу семнадцатого века. Специфический для Британии, стиль был гораздо более сдержанным, чем его итальянский аналог, и сохранял классическую сдержанность.

Английское барокко наиболее заметно в архитектуре, где его популяризировал сэр Кристофер Рен после великого лондонского пожара. Хотя архитектура английского барокко была намного проще, чем архитектура континентального барокко, она была столь же тяжелой, чувственной и декоративной.

Сэр Джон Ванбру был движущей силой архитектуры английского барокко, и его Зал Ситон Делаваль является прекрасным примером этого стиля.

Арт

Искусство барокко доминировало в визуальной культуре семнадцатого века. Возникнув в Риме, он распространился по Европе с помощью участников Гранд-тура.

Исследуя многие из тех же аллегорических тем, что и эпоха Возрождения, искусство барокко отличается от своего предшественника своей преувеличенностью, богатством и театральностью.

Искусство барокко отличается драматическими линиями и массой богатого материала. Его чувственную привлекательность можно увидеть в искусстве, архитектуре, театре и музыке по всей Европе, и сегодня в Великобритании существует множество ярких примеров.

Увидеть барокко у нас

Что такое архитектура барокко?

На первый взгляд, архитектура барокко напоминает строительную технику эпохи Возрождения. Однако архитекторы в стиле барокко были явно более театральными. Они намеренно изменили классические элементы, чтобы здания были более эффектными и вызывающими воспоминания.

Что такое архитектура барокко?

Архитектура барокко - это очень роскошный стиль строительства, дизайна и искусства, который зародился в Италии в 17 веке и распространился на остальную Европу и, в конечном итоге, на США. Он характеризуется чрезвычайно детализированными формами, мрамором, крупномасштабным декором, и яркие цвета. Стиль барокко должен был олицетворять славу Римско-католической церкви.

Картины и скульптуры в стиле барокко стали неотъемлемой частью зданий в Италии и по всей Западной Европе.По сути, архитекторы рассматривали такие структуры, как церкви, как большие скульптуры, а не коробку с прямоугольными стенами и традиционными формами зданий.

История

Архитектура барокко началась в Италии.

В целом архитектура барокко развивалась в ответ на бурный период, начавшийся в 16 веке. Власти хотели использовать архитектуру и искусство как способ продемонстрировать силу, богатство и известность. Нигде это не проявляется более ярко, чем в ответе католической церкви на протестантскую реформацию.

В это время религиозные лидеры могли влиять на культуру и формы искусства, ставшие знаменитыми. Для католической церкви самым важным способом сохранить это влияние было создание грандиозных церквей и соборов.

Художники и архитекторы по заказу начали возрождать представления о красоте и реализме эпохи Возрождения, только на этот раз в еще более изысканной и экстравагантной манере. В период барокко художники создали несколько новых техник, призванных вызывать эмоции и преданность.

Затем этот стиль распространился по Европе и Южной Америке.

После того, как Папа и другие католические правители начали строительство, этот стиль быстро распространился по Европе и Южной Америке из-за колонизации. Архитектура барокко отсутствует в Северной Америке, потому что континент в то время только колонизировался.

Архитектура барокко имеет тонкие различия в зависимости от страны. По мере того как стиль барокко стал популярным, места изменили основные характеристики в соответствии с их повесткой дня и образом жизни.В большинстве случаев здания сильно декорированы и включают элементы, которые кажутся необычными и даже незаконченными.

Двумя известными образцами архитектуры барокко являются церковь Санта-Сусанна и дворец Казерта в Италии.

Характеристики

Различить стили архитектуры может быть непросто, особенно когда строители используют формы из разных стилей. Ищите эти ключевые элементы в архитектуре барокко.

  • Большие купола или купола .Эти купола обычно располагались в центре здания.
  • Изысканные мотивы и украшения. Детали невероятно замысловаты, что добавляет пространству экстравагантности и сакральности.
  • Скульптура позолоченная внутри и снаружи. Статуи были сделаны из гипса или мрамора и имели контрастные цвета и текстуры.
  • Привлекающие внимание функции. Это могут быть изогнутые стены, расписные потолки, сводчатые потолки, колонны, скульптуры, арки, ниши, фонтаны, прокрутки, сломанные фронтоны и т. Д.Многие из этих элементов создают ощущение движения, известное как динамизм.
  • Мансардная крыша двускатная. Этот кровельный элемент является ключевым элементом архитектуры французского барокко и был использован во многих замках и загородных особняках.

Интересные факты

Архитектура барокко частично пересекается с архитектурой эпохи Возрождения.

Эпоха Возрождения произошла между 1400 и 1600 годами, а затем последовал период барокко. Таким образом, архитекторы в стиле барокко адаптировали классические формы как из эпохи Возрождения, так и из римлян.Например, базилика Святого Петра - это церковь в стиле барокко в Ватикане, ее черты вдохновлены эпохой Возрождения.

художников и архитекторов эпохи барокко были мастерами света.

Период барокко - один из первых случаев, когда художники обращали пристальное внимание на свет. Отделка была выбрана исходя из того, как будет отражаться свет. Кроме того, они включили области интенсивного света и темноты, чтобы показать контраст и создать драматизм. Вы можете увидеть этот эффект в областях зданий, которые намеренно оставлены темными, а также на картинах.Этот эффект известен в мире искусства как Chiaroscuro.

Архитектура барокко и колониализм тесно связаны.

Европейский колониализм помог финансировать некоторые из богатств зданий в стиле барокко. В частности, в Испании и Франции колониальные деньги помогали правителям строить тщательно продуманные дворцы и особняки, чтобы продемонстрировать свою власть.

Существуют разные стили и периоды архитектуры барокко.

Эстетику барокко можно разделить на два стиля: полное барокко и сдержанное барокко.Первый был более распространен в юго-западной Европе в течение первого века периода барокко. Сдержанное барокко было замечено в северо-западной Европе в период позднего барокко с 1675 по 1725 год.

Слово барокко означает несовершенный жемчуг.

Период барокко был назван столетиями позже с намерением запечатлеть крайнее богатство и драматизм эпохи. Термин «барокко» имел в виду некоторые роскошные жемчужные броши того времени.

Таким образом, архитектура барокко - это театральный стиль строительства, который зародился в Италии в 17 веке.Структуры в стиле барокко были преимущественно церквями, особняками и дворцами и предназначались для демонстрации богатства, власти и стремления к красоте.

About Author


alexxlab

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *