Барокко декоративно прикладное искусство: декоративно -прикладное искусство

декоративно -прикладное искусство

     В области декоративно-прикладного искусства барокко наиболее интересной представляется мебель, отличающаяся тяжеловесностью форм и прихотливым орнаментальным декором. В Испании распространение получили кресла и стулья на точеных ножках с высокими спинками, обитые кожей с тисненым орнаментом, который часто дополнялся росписью золотом. В Германии вошли в моду массивные двустворчатые гамбургские шкафы на ножках в форме шаров с мощными карнизами и «лучковым» фронтоном посередине. Во Фландрии невероятно фантастического вида орнамент – ормушль (от нем. ohrmuschel – ушная раковина) использовался в отделке спинок кресел и деревянных панелей. Мебель постепенно приобрела настолько сложные криволинейные очертания, что вместо резного декора использовались бронзовые накладки.

Вошли в моду также шкафы, секретеры, столики, криволинейные поверхности которых украшали рисунком из кусочков шпона различных пород дерева, имеющих свою окраску и рисунок. Этот новый вид декора – деревянная мозаика, появившийся впервые во Флоренции, а за тем в Германии и Франции, называется маркетри (от франц. marqueterie – «испещренный знаками»).

      Одним из проявлений стиля барокко в декоративно прикладном искусстве стали изделия из богемского хрусталя, поскольку техника стеклянной резьбы наибольшее развитие получила в Южной Германии и Чехии, территория которой когда-то называлась Богемией. Сырье для стекла добывали из золы деревьев, отчего второе его название – лесное стекло. Это стекло было абсолютно прозрачным и толстостенным, поэтому его гранили, как драгоценные камни, и получали резные, сверкающие алмазными гранями изделия, названные за их блеск хрусталем.

Из богемского хрусталя делали ограненные бокалы и большие кубки в виде перевернутого колокола с точеными ножками, а также люстры и зеркала.

      Стены интерьеров в эпоху барокко затягивали дорогим глазетом – тканью с вплетенными в рисунок золотыми и серебряными нитями, брюссельскими шпалерами с бахромой и кистями. Их своеобразие заключалось в соединении изобразительных композиций с обилием фигур, декоративных драпировок и пышных бордюров из букетов, фруктов и птиц. Самые знаменитые брюссельские шпалеры были созданы по картонам Рубенса, и вместе с усложнением изобразительных композиций, с их по-рубенсовски барочным великолепием, усложнился и бордюр, дополнившийся архитектурными деталями: витыми колоннами, карнизами, картушами, гирляндами из плодов.

      Русский барочный интерьер – это некий единый декоративный поток, необычайное богатство декора в его барочно-рокайльных тенденциях, с капризным изяществом рисунка, прихотливостью общей композиции и нарядностью решения, сказавшихся буквально во всех видах и технике: в мебели, в только что родившемся отечественном фарфоре, в тканях, не говоря уже о живописи и скульптуре.

      К сфере декоративно-прикладного искусства следует отнести отечественную мозаику середины восемнадцатого столетия, производством которой мы обязаны усилиям М.В. Ломоносова. Его многочисленные опыты со стеклом привели к получению смальт необычайной интенсивности и красоты цвета, незнакомых уже в этот период и западноевропейскому искусству. Несколько тысяч  опытных плавок предшествовало изобретению Ломоносовым смальт, не уступающих по красоте итальянским в лучшие периоды расцвета. Свои опыты он производил в Усть-Рудице под Петербургом, где создал первую мозаичную фабрику, из которой в 50-60-е годы вышел ряд собственных работ Ломоносова (например, мозаичный портрет Петра Первого).

      Мы можем назвать, по существу, единственный памятник, представляющий пример блестящего синтеза русского барокко 30-х годов XVIII века в культуре, — так называемую Сенацкую залу здания Двенадцати коллегий, построенного Трезини.

      «Сенацкий зал» украшают декоративные рельефы в стиле барокко (потолок, стены, камин), переходящие иногда в горельеф (помимо живописного плафона и семи живописных панно на стенах). Декоративный пышный рельеф в центре каждой из стен изображает балдахин, поддерживаемый летящими гениями. Богато декорированы и два камина: лепная корзина с цветами, как и ваза с языком пламени, окаймлена орнаментом из волют. Обнаженные женские фигуры фланкируют камины в их верхней части. Семь аллегорических картин во втором ярусе зала представлены в лепных барочных рамах, углы которых украшены головками амуров. Такие же головки амуров и гирлянды украшают небольшие поддуги, при помощи которых создается плавный переход от стен к потолку, представляющему собой как бы одну большую лепную раму, в которую вставлен живописный плафон.

Углы потолка украшены лепным орнаментом, фигурками амуров и аллегорическими женскими фигурами. Часть скульптуры была позолочена, часть оставлена белой, что придавало «Зале» особую праздничность и торжественность. Барочно-рокайльная архитектура серtдины XVIII века как бы срастается со скульптурой, с этим богатейшим декором из гирлянд и веков цветов и  плодов, листьев и ветвей.

 

 

Декоративное искусство Западной Европы XVII века. Барокко

Декоративное
Декоративное
искусство
искусство Западной
Западной
Европы,
Европы, 17
17 век,
век,
БАРОККО.
Декоративно
прикладное
искусство этого
времени
совершенно не
похоже на то что
мы с вами изучали
до этого. Ни
своими формами ,
ни орнаментом,
ни цветом.
Но суть декора ( т.е. украшения) остается та же:
выявлять подчеркивать роль людей, их отношения в
обществе.
• БАРОККО (от итал. barocco – причудливый,
странный) – один из больших стилей.
Главенствовал в архитектуре и искусстве
европейских стран конца 16- середины 18 в.
Родина барокко — Италия
В парадных
интерьерах
барокко царит
великолепие.
Отделка стен,
дорогая мебель,
изысканные вещивсе было
направленно на
возвеличивание
короля, выше
которого не было
ни кого в
государстве.
Расписные потолки раздвигающие пространство сверху; стены,
украшенные нарядными гобеленами и зеркалами; застывшие
в воздухе великолепные хрустальные люстры, отражающиеся
в зеркале паркетных полов с причудливым орнаментом.
Обилие лепнины с позолотой
Парадная мебель
имела
тяжеловесные
формы, богатый
декор, диваны и
кресла с
причудливой
формой спинок,
подлокотников и
ножек
обтягивались
гобеленовыми
тканями и
выглядели очень
нарядно
Причудливые по форме
канделябры с горящими
свечами , а также
огромное количество
изделий из серебра и
золота ещё более
усиливали впечатление
блеска и парадности в
интерьере дворца.

Костюм ЛюдовикаXIV
Роскошь и красота костюма говорили
о процветании Франции.
Ларжильер. Портрет Людовика XIV и его наследников.
Король и члены его семьи носили одежду из парчи,
отделанной золотом
Французские дамы одевались с особым вкусом.
Они демонстрировали своё положение в обществе
при помощи костюма.
Домашнее задание:
• Создать эскиз костюма придворной знати.

Декоративно-прикладное искусство западной Европы XVIII в. • Размышления дизайнера

Как художественное направление рокайльное искусство сложилось к середине XVIII столетия. Культура этого века получает в наследство от предыдущего столетия особое эстетическое сознание, в котором художественный вкус важнее многих других качеств человека. Высокоразвитый вкус, с точки зрения рококо, — характеристика высокообразованного и утонченного человека.

Он, прежде всего, предполагал умение отличать прекрасное в природе и искусстве; знание того, по каким законам возможно искусственное воссоздание природы, а также умение глубоко наслаждаться художественным произведением.

Искусство должно быть похоже на природу, и наоборот. Если для барочных эффектов необходима вся гамма эмоциональных состояний (от радости до трагедии), то для наслаждающегося рококо — лишь изысканно тонких, изящных.

Для художественного языка рококо слово «изящный» ключевое. Оно характеризует красоту очертаний предметов, их соразмерность, отточенность формы, изысканность, элегантность внешнего вида, грациозность движений. В манере мастеров рококо есть виртуозная легкость и тонкость исполнения, найденная мера между изысканностью и простотой. Современники называли рококо «стилем Людовика XV», отмечая тем самым эпоху его возникновения (1715—1774).

Слово «рококо» произошло от французского «рокайль», что значит искусственный грот, раковина, хрупкая, тонко расчлененная асимметричная природная форма. Можно сказать, что рококо является декоративным продолжением стиля барокко. Тем не менее это немного не так.

Барокко был стилем абсолютизма. Пышность, помпезность и мощь — вот ключевые слова, которые могли бы охарактеризовать это направление. Индивидуальное, камерное является краеугольным камнем стиля рококо. Внешне стиль мало отличается от предыдущего.

Но ломаность линий барокко компенсировалась объемом, размером самой формы. Линии рококо, где бы они ни присутствовали, будь то ножки стола и стула, ручка кофейника или двери, создаются как бы на надломе. Все немного «хочет» упасть, продемонстрировать себя с лучшей стороны. Все предметы «смотрят» на себя в зеркало, интересуясь, «как там я? Не плохо ли выгляжу?» В противовес парадности и масштабности барокко в интерьерах рококо появляется больше утонченности и интимности.

Аристократический «мятеж» против грубой реальности сказывался в том, что естественной тектонике, естественным свойствам материалов и пропорциям предпочитались атектоничность, иные, чем в натуре, пропорции, отвергались законы силы тяжести. Хрупкие столики и пуфы стоят на тонких, загнутых книзу ножках. Как раз те части стульев, которые являются несущими и по логике вещей должны быть наиболее устойчивыми и крепкими, имеют вид неустойчивый и облегченный.

Орнамент.

Уже в конце XVII в. орнамент начинает приобретать все большую легкость. В начале XVIII в. доминирует построение орнаментальной композиции из прямых и округлых линий, сходящихся под прямым углом. Акантовый лист становится все тоньше, трельяж широко распространяется как один из излюбленных мотивов. Львиные маски и спокойные юношеские лица все чаще заменяются легкими консольками с женскими головками, изогнутыми в грациозном повороте.

Популярен ажурный или рельефный С-образный орнамент. Розетка поражает беспорядочностью своих прорезных лепестков с капризным нагромождением форм. После 1725 г. в декоре чаще встречаются новые мотивы, характерные для стиля рококо. Стиль рококо — чисто декоративный стиль интерьера, объявивший войну всякой ясной конструктивности.

Орнамент рокайль не подчеркивает архитектонику зала, членение стен и потолка. Наоборот, он как бы стремится нарушить его структуру, лишить ее логики и ясности восприятия. Первым и непременным свойством этого декора является его асимметричность, наклонная ось в композиции. Раковина играет в этой орнаментике главенствующую роль. Она не рассматривается больше как широкий сплошной волнистый веер. Края ее глубоко прорезаны, она почти распадается на отдельные лепестки.

К началу века такая раковина превращается уже в пальметту, а в искусстве рококо — в некий совершенно условный ор- пимент, так называемый рокайль. Акантовый лист отходит на второй план. Его место занимают свивающиеся тонкие листья. В своих асимметричных изгибах они переплетаются с рокайлями, вместе с ними обвиваются вокруг огромных стенных зеркал, вокруг спинок, ручек и сидений изысканной мебели.

Иллюзия этого непрерывного плавного потока еще поддерживается тем, что в мебели и в других предметах прикладного искусства отрицается прямая линия. В своем отвращении к прямой линии декор неукоснительно разрушает форму. Бронзовые часы, стенники, канделябры — все состоит из извивающихся разорванных форм, которым часто трудно дать определенное название.

Тем не менее искусство рококо открывает новые, невиданные красоты: отрицая симметрию, оно создает своеобразное равновесие, отрицая привычный ритм, создает новые, не менее изысканные ритмы, отрицая прямую линию, заставляет любоваться красотой линий изогнутых. Стремление изумить, поразить воображение привело мастеров рококо к активному использованию разнообразных материалов: темного дуба, оживленного раскрашенным штуком, латуни, черепахи, перламутра, мрамора, эмали, слоновой кости.

Были созданы искусственные материалы: бисер, стеклярус; разработана богатая палитра цветного золота четырех оттенков: красного, белого, зеленого, лимонного. Предпочтение отдавали лимонному и сочетанию зеленого с белым. Внимание к материалу, умение показать его с самой выгодной стороны, обыграть его естественную красоту характерны для лучших ювелирных изделий.

Мебель.

Прикладное искусство, однако, создавало вещи, которыми можно было пользоваться. В этот период в моду входят восточные, прежде всего, китайские, мотивы. Изящные по форме, украшенные тонким, изысканным декором, художественные изделия китайских мастеров отлично гармонировали со стилем, процветавшим при европейских королевских дворах.

Первые китайские образцы были завезены в Европу торговыми судами вест-индских компаний еще в начале XVII в. В середине XVIII в. увлечение «китайщиной», коллекционирование фарфора и лаков, подражание китайским образцам достигает апогея. Братья Мартэн выпускают изящную, декорированную китайскими мотивами мебель в технике черного лака. Ведущим центром французской, да и всей европейской художественной мебели этого периода был Париж.

После 1743 г. вошло в правило ставить клеймо мастера или цеха на особенно качественные предметы мебели. Эта форма защиты качества продукции была последним отголоском цехового строя. Во второй половине XVIII в. парижские цехи — «Корпорация столяров и чернодеревцев» — объединяла около 1200 мастеров-мебельщиков. Фантазии мастеров-краснодеревщиков была предоставлена полная свобода.

Мебельщики потворствовали вкусам заказчиков, придумывая всевозможные формы и типы изделий, способных удовлетворить любую потребность и прихоть человека во всех случаях жизни. Столы, например, отличались огромным количеством разновидностей: столики-тумбы, вырастающие из изголовья кровати; столы в спальне, столы на колесиках для подачи пищи, кофейные, карточные, столы для игры в шашки, для цветов, будуарные столы и многое-многое другое.

Особым разнообразием отличались стулья. Существовало множество типов табуретов и скамеечек всевозможных форм, высоты и стилей. Мебель эпохи Людовика XV, в особенности сундуки и настенные часы-консоли, прекрасно вписывались в причудливые формы и рокайльные узоры интерьеров в стиле рококо.

В XVIII в. в Италии происходит возрождение техники маркетри, пережившей свой расцвет еще в XVI в. Самым талантливым мастером, специализировавшимся на инкрустации ценных пород дерева слоновой костью, был Пьетро Пиффетти (1700—1777), работавший при Савойском дворе. С 1760-х годов на работы краснодеревщиков Венеции и Генуи заметное влияние оказывает английский стиль мебели, известный под названием «чиппендейл».

Керамика.

Подлинным переворотом в истории западноевропейской керамики стало изобретение в начале XVIII в. немецким химиком Иоганном Бетгером фарфора. Вскоре в саксонском городке Мейсене была открыта мануфактура, начавшая производить один из самых ценных фарфоров в мире — мейсенский. Фарфор из Мейсена прославился своими изящными сюжетными статуэтками, сервизами, вазами, туалетными приборами, псевдокитайскими изящными безделушками — разрисованными фигурками китайских мандаринов, лодочками и пагодами. Во Франции керамическое дело также переживает подъем.

Изданный Людовиком XV в 1759 г. эдикт, предписывавший отправить в переплавку сервизы из золотых и серебряных блюд, способствовал появлению сервизов из фаянса, а затем и фарфора. Фаянсовые изделия самых изящных форм, украшенные великолепными росписями, выпускают в Марселе (в мастерских вдовы Перрена) и в восточных районах Франции (в Нидервиллере, Страсбурге и Люнвилле).

Однако истинным законодателем мод в производстве керамики со второй половины XVIII в. стал французский севрский фарфор, который выпускался на мануфактуре в Севре с 1756 г. Предшественницей этого предприятия была небольшая мануфактура в Венсене в пригороде Парижа, основанная Людовиком XV в 1738 г. и переведенная позднее в Севр. Венсенский фарфор отличался высоким мастерством отливки фарфоровых цветов в стиле рококо.

Покровительницами Севрской мануфактуры являлись также фаворитки короля мадам Дюбарри и мадам де Помпадур, имя которой получил один из классических цветов севрского фарфора «роз Помпадур». К работе в Севре были привлечены талантливые художники и скульпторы: Франсуа Буше, Клод Дюплесси. Севрские мастера великолепно работали как с глазурованным фарфором, так и с бисквитом. Цветочный декор был их излюбленным мотивом украшения — необыкновенной красоты букеты, корзины, венки. Статуэтки из бисквита стали визитной карточкой севрского фарфора.

Особый расцвет, который переживает традиционное для Испании производство керамики, был связан с необходимостью обеспечивать керамическими изделиями заморские колонии. Старая мануфактура в Талавере постоянно наращивала объемы производства. Если в XVII в. основным источником декора были итальянские образцы, то в XVIII в. возросло влияние восточного искусства. На мануфактурах в Манисесе, возле Валенсии, возрождается производство керамики с люстром.

В 1727 г. граф де Аранда основал в Алькоре, возле Валенсии, поточное производство фаянсовой посуды, наняв для этой цели триста работников, в том числе французов, итальянцев и голландцев. Благодаря мастерам-керамистам, выписанным им из Мустье, в Испании получили распространение орнаментальные мотивы в манере Берена. На фабриках Тала- веры, Манисеса и других городов Каталонии создавали поли- хромные изразцовые панно, сюжетные и орнаментальные, широко применявшиеся во внутреннем и внешнем декоре дворцов и церквей.

Ткачество.

Общие перемены в декоративном оформлении интерьеров рококо изменили характер шпалер. Во Франции в XVIII в. открывается ковровая мануфактура, возглавляемая Удри. Стремясь к точному воссозданию живописных оригиналов, фабрики использовали в работе огромное — более 1200 — количество тончайших цветовых оттенков. Были созданы серии ковров, получивших название «алентуры» (от франц. «окружение, обрамление»), Алентуры имитировали картину в деревянной раме, висящую на узорной ткани. Вокруг рамы располагались гирлянды цветов, фигурки амуров.

Необычайного расцвета в это время достигло искусство резьбы по слоновой кости. Его наиболее известным центром во Франции был город Дьепп, где изготовлялись отличавшиеся удивительной тонкостью исполнения миниатюрные скульптуры и портреты, барельефы, табакерки, флаконы.

Металл.

Выдающихся результатов достигли французские мастера золотых и серебряных дел. К сожалению, мало что сохранилось в самой Франции, так как большая часть таких изделий была отправлена в переплавку. В 1750 г. в Париже работали около пяти сотен мастеров-ювелиров, лучшими среди которых были Тома Жермен (1673—1748) и Франсуа-Тома Жермен (1726—1791).

Это была та область прикладного искусства, где формы рококо усваивались с особой легкостью. Не меньшим спросом пользовались и мастера сварочных работ, необходимых для изготовления лестничных и балконных решеток, ворот и оград с ажурными узорами.

Одним из самых процветающих видов прикладного искусства Испании было производство изделий из металла, достигшее в XVIII в. той же славы, какой оно пользовалось в XVI столетии. В полумраке церквей поблескивали замечательные решетки из кованого позолоченного железа или бронзы с фантастическим барочным плетением, служившие оградой для капелл. В произведениях серебряных дел мастеров наряду с литьем по-прежнему широко применялась техника чеканки.

В середине XVIII в. в Англии была мода на серебро. Стремясь сделать изделия из этого драгоценного металла доступными для более широкой публики, шеффилдский мастер Томас Боулсовер изобрел в 1742 г. технику покрытия изделия серебряными пластинами, получившую название «шеффилдская пластина».

На рубеже XVII и XVIII вв. в уже сложившемся облике европейских ювелирных украшений появляется новый элемент — алмаз, ограненный особым способом и названный бриллиантом, в переводе — «сверкающий». Светоносный бриллиант становится основным акцентом изделия, его достоинства ярче выявляются в сочетании с цветными камнями и общей легкостью конструкции.

Важным элементом формообразования ювелирных изделий XVIII в. были мотивы цветочных композиций. Это были довольно сложные украшения, целиком составленные из цветов и листьев, выполненные из драгоценных камней, золота, серебра. Некоторые украшения-букеты подобраны из ярких и сочных по цвету камней: аметистовые тюльпаны, рубиновые розы, аквамариновые ромашки, бирюзовые незабудки.

Среди изумрудных листьев можно рассмотреть гранатовую гусеницу, бабочку с агатовыми прозрачными крылышками, мушку из халцедона. Букеты привлекают свежим и неповторимым разнообразием каменных цветов. Ювелиры XVIII столетия в своих работах широко использовали приемы литья и чеканки, ручной и машинной (гильошировка) гравировки, применяли матовое и блестящее золото, а также золото зеленого, желтого и красного цветов, опалесцирующие эмали, перламутр, гравированный и гладкий, с локальными накладками и мозаичный.

К концу XVIII столетия капризные, доведенные до крайнего перенасыщения формы начинают постепенно «успокаиваться», в искусстве начинают преобладать более строгие и упорядоченные формы, тяготеющие к античным первоисточникам, к простоте и ясности. Можно сказать, что стиль рококо стал апогеем, завершающим стилем абсолютистских монархий. Все последующие художественные течения будут отображением республиканских правлений.

 

музей русского декора и интерьера • Интерьер+Дизайн

Всероссийскому музею декоративно-прикладного и народного искусства исполняется 35 лет. В честь юбилея обновлена постоянная экспозиция «Декоративно-прикладное искусство России XVIII – первой трети XIX века».

Все выставленные предметы объединены в блоки: тематические, стилистические (от петровского барокко до бидермайера) и типологические. Каждый предмет погружен в контекст времени, стиля, развития декоративно-прикладного искусства и не утрачивает своей особой характеристики.

Центральные темы новой экспозиции: «Эпоха перемен: рубеж XVII–XVIII веков», «примитивы XVIII века», «классика русского XVIII века», представляющая эпоху от Петра до Павла в высоких образцах придворного искусства. Темы «русский ампир» и «в комнатах» демонстрируют две грани культуры первой трети XIX века – парадный имперский стиль и становление культуры частной жизни. В то же время произведения можно посмотреть и в привычном ряду – по видам искусства, выделяя мебель, художественный металл, стекло, фарфор, керамику, камнерезное искусство, кость и бисер.

Кружка. Заводы Демидовых. Урал. 1761 г. Латунь, медь, выколотка, чеканка, лужение. Сундук-скрыня и сундучок-теремок двухярусный. Конец XVIII в. Русский Север. Холмогоры. Дерево, железо, цветная бумага, слюда, просечка, ковка.

Нельзя пропустить уникальные церковные предметы: Крест-мощевик и Панагию (XVII в.), выполненные в дорогостоящей на тот момент технике эмали по скани. В числе наиболее ранних экспонатов – сундуки с металлической оковкой, чернильницы. Прекрасный образец парадной металлической посуды для сервировки стола — латунные кружки уральского завода Демидовых. Среди хитов —  два стеклянных, темно-синих кубка с вензелями «EML» и «WGS» Императорского стеклянного завода, редкий пример расписных изделий XVII–начала XIX веков. Латинские вензели на кубках принадлежат шведскому посланнику Вернеру Готтлобу фон Швениру.  

Кубок с крышкой и с вензелем EML. Из парных кубков с вензелями EML и WGS. С.-Петербург. Императорский стеклянный завод. Стекло темно-синее (кобальтовое) прозрачное, выдувание, шлифование, роспись золотом, цировка. 1790-1800-е гг.

Среди уникальных предметов русской дворцовой мебели XVIII-XIX веков особый интерес представляют шахматный и ломберный столики в технике маркетри. Среди экспонатов первой половины XIX века обращают внимание две редких по качеству горки в стиле «жакоб». Тому же времени принадлежат и кресла по проекту Осипа Бове, каминные часы «Минин и Пожарский» парижского бронзовщика Пьера-Филиппа Томира.

Часы каминные «Минин и Пожарский». Скульптурная композиция выполнена по модели памятника «Гражданину Минину и князю Пожарскому от благодарной России» И. Мартоса. 1820-1830-е гг. С.-Петербург. Бронза, литье, чеканка, золочение, красный мрамор. Бове И.О. Кресло. Первая четверть XIX в. Пара кресел Бове происходит из интерьерного ансамбля парадной гостиной дома князя Гагарина на Новинском бульваре.

Главное новшество: экспозиция оснащена табличками с QR кодами, которые позволят всем  посетителям узнать еще больше  исторических, технологических и эстетических подробностей.

Тарелка из сервиза ордена Св. Апостола Андрея Первозванного (Андреевский сервиз). 1778–1780 гг. Автор эскиза росписи Г. Козлов. Завод Ф. Гарднера. Фарфор, роспись надглазурная, позолота. Поднос «Спасение Петром I тонущих рыбаков на Ладожском озере». 1820–1830-е гг. Лакирная мастерская Я. Морозова в г. Нижний Тагил (Урал). Железо, масло, лак, роспись, трафарет, серебряный припорох, ковка, просечка. «Похищение Елены. Парис ведет Елену на корабль». Декоративная интерьерная пластина. Железо, лакировка, печать. XIX в.

Декоративно-прикладное искусство России второй половины XVIII века: фарфор, бриллиантовые украшения и мебель в стиле барокко | Я рисую этот мир

В XVIII декоративно-прикладное искусство России расцветает. Активно используется стиль барокко, который проявляется в украшении дворцов золотой резьбой. Традиции подобного украшения восходят к XVII веку. Но в XVIII веке содержание резьбы — другое, светское: цветы, амуры, раковины, фигуры женщин и пр.

Очень часто создателем мебели для дворцов XVIII векам выступает Растрелли. Распространение получают туалетные столы, комоды, декоративные небольшие столики. Их украшают рельефной резьбой и золотят. Мебель окрашивают белым зеленым и цветом слоновой кости, применяют роспись цветами. Обивку мебели делают из бархата, вышивки, шпалеры.

Диван крашеный с золотом. 2я четверть XVIII в. Обивка — зелёный шторф, 128х178х65. Санкт-Петербург. Государственный Эрмитаж

Диван крашеный с золотом. 2я четверть XVIII в. Обивка — зелёный шторф, 128х178х65. Санкт-Петербург. Государственный Эрмитаж

С приходом нового классицистического стиля в 1770-1780х в интерьерах, мебели и посуде появляются античные мотивы. Позолота и цветовая гамма становятся более спокойными. Формы мебели в этот период просты и лаконичны. Мягкость еще сохраняется, уже выделяются перпендикулярные линии. Появляются новые виды мебели: столик для игры в карты, рукоделия и пр.

Материалом для мебели служили местные породы дерева: липа, берёза, дуб, ясень, груша, орех, карельская берёза, а так же привозная древесина красного дерева, амаранта.

Так же техника маркетри (составлении из кусочков цветной древесины орнамента и целых картин на поверхности деревянных предметов) достигла больших высот в тот период.

Доски для набойки тканей. XVIII век. Москва. Государственный Исторический музей

Доски для набойки тканей. XVIII век. Москва. Государственный Исторический музей

Особенно активно во второй половине XVIII века развивалась текстильная промышленность в Москве, Иванове, Ярославле и Владимирской губернии. Создавали льняные полотна со сложным переплетением и узорами. Производились шелковые ткани для платьев и декоративный текстиль.

Шелковая шаль. 2я половина XVIII века. Набойка. Хлопчатобумажная ткань. Москва. Государственный Исторический музей

Шелковая шаль. 2я половина XVIII века.Набойка. Хлопчатобумажная ткань. Москва. Государственный Исторический музей

Церковное облачение. Деталь. Шелк. 2я половина XVIII века. Ручное узорное ткачество. Москва. Государственный Исторический музей

Церковное облачение. Деталь. Шелк. 2я половина XVIII века. Ручное узорное ткачество. Москва. Государственный Исторический музей

К концу XVIII столетия российский фарфор становится на одном уровне с европейским. Императорский завод в Петербурге успешно продолжает работу. Там был создан один из наиболее значительных сервизов — Арабесковый для придворных приёмов. Девять настольных фигур этого сервиза прославляют присоединение Грузии и Крыма Екатериной II. С тех пор фарфоровая скульптура на многие десятилетия стала излюбленным украшением интерьеров.

Предметы из собственного сервиза императрицы Елизаветы Петровны. 2я половины XVIII века. Фарфор, плоская резьба, золочение. Санкт-Петербург. Государственный Эрмитаж

Предметы из собственного сервиза императрицы Елизаветы Петровны. 2я половины XVIII века. Фарфор, плоская резьба, золочение. Санкт-Петербург. Государственный Эрмитаж

Производство цветных стёкол — значительное достижение в области цветного стекла. В росписях золотом и серебром использовались мотивы бантов, гирлянд, звёзд, вензелей: они спокойно и плавно подчёркивают пластичные объемы сосудов.

Кубки. Середина XVIII века. Бесцветное стекло. Шлифовка, гравировка. Санкт-Петербург. Государственный Эрмитаж.

Кубки. Середина XVIII века. Бесцветное стекло. Шлифовка, гравировка. Санкт-Петербург. Государственный Эрмитаж.

В середине XVIII века начинается расцвет ювелирного искусства в России, который будет длиться на протяжении столетия. Украшения создаются из изумрудов, бриллиантов, сапфиров, рубинов, живописных эмалей, золота, серебра, платины и сплавов.

Мастера — ювелиры в совершенстве владели огранкой. Чтобы усилить игру камня, мастера находили специальные техники монтировки деталей и их подвижного закрепления. Создаются невероятной красоты украшения такие как: серьги, кольца, табакерки, пуговицы, пряжки для башмаков.

Пояс с пряжкой. 2-я половина XVIII века. Серебро, позолота, литье, чеканка. Длина 77, ширина — 1,8. Москва, Государственный Исторический музей

Пояс с пряжкой. 2-я половина XVIII века. Серебро, позолота, литье, чеканка. Длина 77, ширина — 1,8. Москва, Государственный Исторический музей

В конце столетия больших успехов достигают мастера серебряного дела, создавая сервизы простой и четкой формы под стать современным требованиям. На серебряных стаканах мастера Великого Устюга воспроизводят с гравюр изображения античных сцен, побед русских войск.

Брошь-букет. Середина XVIII века. Золото, Серебро, бриллианты, изумруды, розы, стекла. 5,7х4,0ю Москва. Государственный Исторический музей

Брошь-букет. Середина XVIII века. Золото, Серебро, бриллианты, изумруды, розы, стекла. 5,7х4,0ю Москва. Государственный Исторический музей

Стальные изделия мастеров из Тулы (шкатулки, подсвечники, пуговицы, пряжки, табакерки) — выдающееся явление в прикладном искусстве того времени. Мастера используют воронение металла для создания оттенков зеленого, синего, лилового, а так же соединяют гладкую светлую сталь с украшениями в виде граненых кусочков.

Во второй половине XVIII века на Урале находят месторождение мрамора и вишнево-розового орлеца, на Алтае — разноцветных яшм, пестрых брекчий, порфиров, на Байкале — лазуритов. На Алтае начинает работать Локтевская фабрика по обработке камня (1787 г.), продолжает работу Петергофская (1723 г.) и Екатерининская (1730е гг.). По эскизам архитекторов камнерезы искусно оттачивали камни, передавая их сказочную красоту в полную силу. В основе многих проектов для каменных изделий, обелисков и ваз лежали античные формы.

Кресло стальное. Тула. 1743 г. 88х69х47. Санкт-Петербург. Государственный Эрмитаж

Кресло стальное. Тула. 1743 г. 88х69х47. Санкт-Петербург. Государственный Эрмитаж

О дальнейших этапах развития русского декоративно-прикладного искусства я расскажу в следующих статьях. Подписывайтесь, чтобы не пропустить!

#искусство #исторические факты #история россии #история искусства #посуда #мебель #фарфор

Открытый мастер-класс кружка ИЗО и ДПИ «Барокко» — СДК «РОМАНЦЕВО»

15 мая в 12-00 МБУК «СДК «Романцево» и библиотека-филиал №21 приглашают всех желающих на открытый мастер-класс кружка изобразительного и декоративно-прикладного искусства «Барокко».

Декоративно-прикладное искусство — раздел изобразительного искусства, охватывающий создание художественных изделий, имеющих утилитарное и художественное назначение. Это собирательный термин, условно объединяющий два рода искусств: декоративное и прикладное.

Предметы прикладного искусства: мебель, утварь, посуда, ювелирные изделия оказываются художественно-выразительными в основном благодаря эстетическому совершенству своей формы: красоте силуэта, пропорциям, изяществу линий, мастерской обработке материала,а затем художественному оформлению . Тогда как декоративным произведениям: росписям стен , декоративным скульптурным рельефам, мелким статуэткам, гобеленам, вышивкам, коврам, резным украшениям и т. д. изначально присущи изобразительные, сюжетные композиции или орнаментальные украшения.

Находить вдохновение в простых вещах, создавать искусство из малого, видеть красоту в повседневном научат открытые мастер-классы.
Творите с удовольствием. А специалисты Дома Культуры вам в этом помогут.

Мы ждём всех каждую субботу в 12-00 по адресу: Московская обл., г.о. Подольск, пос. Радиоцентра Романцево, д. 10

Занятия проводятся с соблюдением всех санитарных норм. Вход строго в маске.

Занятие бесплатное.
Возраст 12+

Следите за новостями в наших группах:
https://vk.com/club66271069
https://www.instagram.com/sdk_romancevo/
http://sdkromancevo.ru/
https://www.facebook.com/groups/914594461955432…
https://www.youtube.com/channel/UC_382SbB7Ilu5Rbvh57T..

Оставить отзыв или предложение по работе нашего Дома культуры можно, пройдя по ссылке: http://sdkromancevo.ru/contacts/

#культураидётквамвгости #культураидетквамвгости #романцево #сдкроманцево #русскиймузейобрядовибыта #lifemuseum #мастеркласс #handmade #рукоделие #декор

Сценарий урока Декоративно-прикладное искусство Западной Европы 17 века

ТЕМА УРОКА: «Одежда говорит о человеке. Декоративно-прикладное искусство Западной Европы XVII века (эпоха барокко)»

Наша цель: 

Познакомить со значением одежды и основных элементов костюма в эпоху барокко;выяснить, какова была роль декоративного искусства в жизни общества Западной Европы 17 века в эпоху барокко;воспитывать нравственно – эстетическое отношения к миру, искусстве, культуре;развивать творческую фантазию, интерес к искусству и его истории.Оборудование, материалы:презентация;музыкальный ряд: музыка И.Баха;раздаточный материал: куклы-шаблоны;салфетки на парты;наглядность;словарики.ХОД УРОКА:Организационный момент: — Здравствуйте ребята!

II. Вступительная беседа:

И сегодня я хочу вас пригласить на необычный урок. Мы с вами отправимся в путешествие в одну из удивительных эпох.

Шорох платьев, люстр сиянье,Кавалеров обаянье.Светом блещет яркий зал:Приглашает всех на бал.Так прекрасны нынче дамы.Встали друг за другом в пары.Только скрипки зазвучали, Сразу все затанцевали.И изящны и легки.

— Ребята, скажите, пожалуйста, как вы думаете, о чём сегодня мы будем говорить на нашем занятии?

(ответы детей: о костюме средневековья, о дамах, кавалерах, о балах)

— Мы сегодня с вами познакомимся с Декоративно – прикладным искусством Западной Европы XVII века. И давайте сейчас мы мысленно перенесёмся в XVII век в эпоху барокко. Вам должно быть интересно, как и в каких условиях жили люди более 400 лет назад.

III. Новый материал:

Но прежде несколько слов об этом времени. В середине XVII века неограниченная власть во Франции принадлежала королю Людовику XIV, который в период своего царствования мог произнести: «Государство – это я!» Именно поэтому вторую половину XVII века именуют «стилем Людовика XIV». Это стиль «барокко» — самый пышный, чрезвычайно парадный, декоративный, чопорный стиль.(записать в словарик). Он просуществовал весь XVII век.

Дворец барокко версальский королевский двор, резиденция Людовика XIV, находившийся недалеко от Парижа. Его убранство и декор представляли собой эталон роскоши и великолепие для всей Европы. Посмотрите, какое великолепие царит в парадных интерьерах дворца! Здесь преобладают яркие цвета, позолота, парадность и пышность. Вся поверхность была заполнена мрамором, резьбой, зеркалами, гобеленами, декоративной живописью, великолепными хрустальными люстрами. Вся эта пышность дополнялась тяжеловесной, богато декорированной мебелью.

Жизнь версальского дворца напоминала спектакль и складывалась из бесконечных празднеств. Главным действующим лицом был король – солнце. С этого времени французский двор стал занимать господствующее положение в моде. Парадность, праздничность, нарядность, величественность, пышная декоративность, буйная фантастичность – вот черты, которые присуще в костюме барокко.

Парадный костюм короля отличался чрезмерной роскошью и пышностью. Одежду шили из парчи, отделывали золотом, украшали драгоценными камнями, один из его костюмов имел около 2 тысяч алмазов и бриллиантов . Здесь мы видим короля Людовика XIV, он изображён при всех государственных регалиях: не нём подбиты горностаем плащ из роскошной ткани с лилиями бурбонов на сине-голубом фоне, широкие пышные панталоны, на ногах – белые шёлковые чулки и светлые туфли, украшенные узким бантом на высоком каблуке. Эта мода, кстати, была введена Людовиком XIV, который отличался невысоким ростом.

Посмотрите, как выглядела модная одежда того времени под названием «жюстокОр», что означает «точно по телу» — длинный приталенный кафтан, с широкими манжетами на рукавах, под него надевали камзол.(записать в словарик) Жюстокор шили из дорогой ткани, украшали золотой и серебряной вышивкой. Эта одежда была «по привилегии», появляться в жюстокоре можно было только с позволения короля. Дополняют костюм широкая шляпа — треуголка с пышными перьями, шёлковые чулки белого, голубого, красного цвета, галстук, завязывающийся бантом и парик, оставивший заметный след в истории моды. Парик был обязательной принадлежностью светского костюма того времени. Также важным аксессуаром мужского костюма была широкая перевязь с богатой отделкой, на которой носили шпагу и перчатки. Количество украшений у придворной знати строго регламентировалось, чем выше было социальное положение, тем богаче была отделка и украшения костюма. Банты считались украшением их прикрепляли десятками, как к женской , так и к мужской одежде. Характерной деталью костюма привилегированного сословия являлись воротники разных конфигураций. Это и круглые многослойные гофрированные воротники и различные кружевные воротники. Они считались дорогой частью одежды.

Женский костюм выглядел необычайно красочно, декоративно, форма его держалась на жёстком каркасе. Торжественные придворные платья шились из тяжёлых дорогих тканей: бархата, атласа, парчи, богато украшались отделкой. Женщины носили одновременно два платья. Юбку верхнего платья шили со шлейфом, длина которого была строго регламентирована. Через разрез юбки верхнего платья была видна нижняя юбка, сшитая из другой ткани. Она отделывалась воланчиками, часто чёрными кружевами, которые считались модными. Женские платья, перегруженные декоративной отделкой, выглядели настоящей драгоценностью. Дополнением к костюму служили изящные бархатные туфельки, великолепные веера, кружевные перчатки, которые считались предметом роскоши, длинная трость и зонтик.

Прелестные головки женщин украшали изысканные высокие причёски из уложенных рядами локонов, которые возвышались над лицом на 50 — 60 см. Или прически, состоящие из локонов и крахмальных наколок, крепивших на каркасе и украшенных цветами, лентами и кружевом.

Чёткие разграничения в одежде были и у военных. Во Франции мундиры одних родов войск отличались от других по покрою, цвету ткани, форме головных уборов. Но и костюм генерала отличался от офицерского обилием кружев, оборок, огромными перьями на шляпе.

Одежда крестьян была проста и мало подвержена моде. Мужчины поверх рубахи одевали куртку, на голову – войлочную шляпу, носили широкие удобные штаны, и обувь из толстой кожи. Женщины носили юбку, кофту, рукава, которой засучивали до локтя и цветной корсаж на шнуровке. Волосы прочёсывали на пробор, а косы укладывали корзинкой на затылке.

Ну что, теперь вы понимаете, что костюм это не просто одежда. Декор помогает выявлять роли людей в обществе, понимать, кто они. И сегодня роль декоративно – прикладного искусства ничуть не уменьшилась. Люди одеваются по –разному: в торжественных случаях надевают одни одежды, в будни – другие, а на отдых – третьи. Декор вносит порядок в жизнь человеческого общества, строит общение людей. Так в любом обществе с древних времен и до наших дней.

Вот мы и познакомились с декоративно – прикладным искусством эпохи барокко. Увидели сколько было роскоши, изящества, великолепия во дворцах того времени. И как вы, я думаю, заметили, у нас имеется своя бальная зала. Но вот кого в ней не хватает?

(ответы детей: дам, кавалеров)

Я думаю, мы должны это исправить и заполнить наш зал танцующими парами. А вот это уже будет ваша задача на уроке. Каждому из вас я дам куклу – шаблон : девочке – даму, мальчику – кавалера. Вам необходимо выполнить работу в цвете. Используя все полученные знания на уроке, вы должны их применить в своей работе.

IV. Практическая работа

Дети самостоятельно выполняют работу в цвете.

— А сейчас, ребята, мы немножко отдохнём и разомнемся, проведем физкультминутку.

V. Закрепление материала.

— Ребята, о чем мы сегодня говорили на уроке?

(о декоративно-прикладном искусстве Западной Европы 17 века)

— Так, что же такое стиль барокко?

(баро́кко (итал. barocco — «причудливый», «странный», «склонный к излишествам»)

— Как выглядели дамы и кавалеры в 17 веке?

(их одежда была очень богато, роскошно декорирована)

— Ребята, рассматривая иллюстрации того времени к каким жанрам изобразительного искусства их можно отнести?

(портрет, бытовой жанр, исторический жанр)

Ну, что наши дамы и кавалеры готовы. Располагаем их в нашем зале и любуемся своей работай. Молодцы, ребята! У вас получилась коллективная работа под названием «Бал во дворце». Спасибо вам за ваше творчество и внимание не уроке!

Выставление оценок.

Если Вы являетесь автором этой работы и хотите отредактировать, либо удалить ее с сайта — свяжитесь, пожалуйста, с нами.

Контекст и значения в искусстве барокко: Социальный мир художника: Обзор

       Период барокко принес волну перемен для художников, которые пользовались беспрецедентной социальной и творческой свободой. Художники, работавшие в стиле барокко, использовали свои работы для повышения своего статуса в обществе. Раньше искусство классифицировалось как ремесло, но во времена барокко это изменилось, поскольку художники часто начали изображать себя дворянами и классифицировать свою работу как научное занятие.Это было особенно верно в католических областях, где была распространена институционализация искусства, что отделяло искусство от других «ремесел». Академии живописи и другие художественные дисциплины возвысили художников до уровня ученых. Академии возникли по всей Европе, одна из самых известных — во Франции; в этой академии учились подающие надежды и доминирующие художники с голландским наследием и образованием. Автопортрет был наиболее распространенным способом для художника показать свой статус. Изображения с тщательно продуманными декорациями и научными одеждами отличают художников от простых людей, представляя их как представителей знати.Период барокко позволил художнику подняться по всей Европе; это было видно на общественном уровне через институционализацию искусства. Работы, созданные в этот период, также отражают этот сдвиг, поскольку личность и статус художника были в центре внимания в портретах той эпохи.
     Помимо социальной мобильности художников этого периода, барокко допускало расширение художественной тематики. Эта творческая лицензия была уникальной для барокко, поскольку произведения не должны были быть сосредоточены на значимых фигурах или повествованиях.Художники, которые преследовали «обычные» образы, в основном работали в Голландской республике, потому что зарождающаяся капиталистическая система создала спрос на разнообразную тематику. Хотя голландские произведения искусства часто основывались на банальных образах, они также служили комментарием к текущему состоянию общества. Таким образом, роль художника эпохи барокко вышла за пределы акта творчества и вместо этого оказалась в социальной сфере. С расширением нового арт-рынка появилась новая порода художников-любителей. Гильдии увидели в этом притоке угрозу своей с трудом заработанной монополизации мира искусства.Они считали, что эти художники-любители с их массовым производством и использованием некачественных материалов обесценивают статус художественного производства в обществе. Однако даже гравюру можно считать интеллектуальным занятием, выходящим далеко за рамки простого ремесла. Когда художники взяли на себя новую роль социальных комментаторов; они выражали свое недовольство, вводя строгие правила для сдерживания развивающейся практики, и выражали свое мнение художественными средствами.

Джанлука Паччиони Минимал/барокко: искусство и дизайн

Сокровенное и полное путешествие в мир Джанлуки Паччиони, скульптора, дизайнера и мастера декоративно-прикладного искусства.

Эта книга представляет собой исследование художественного мира Джанлуки Паччиони, от закулисья его мастерской в ​​Милане до его невероятного дома-студии, а также готовых проектов и инсталляций под открытым небом. Это также касается его вдохновения, которое черпается из смеси итальянского классицизма и японского минимализма с примесью французского декоративного стиля семнадцатого века.
 
Сначала в Париже, где Паккиони стал скульптором в 1990-х годах, а затем в Милане, его родном городе, его ателье постоянно кует скульптуры и мебель ограниченного выпуска, производимую для международных клиентов.Как пионер в мире искусства и дизайна, его подход к искусству экспериментальный и инновационный, и с годами он перешел от железа к нержавеющей стали, а его последние работы были сделаны из литой бронзы, полудрагоценных камней и мрамора.

Федерика Сала — независимый куратор и консультант по дизайну. Оливье Габе — искусствовед и директор Музея декоративного искусства в Париже. Альберто Кавалли   – генеральный директор Cologni Foundation for Métiers d’Art. Клио Лаво — куратор FILAF, Международного фестиваля художественной книги и кино в Перпиньяне.

  • Дата публикации: 28 сентября 2021 г.
  • Формат: Твердый переплет
  • Категория: Искусство — Отдельные художники — Монографии
  • Издатель: Риццоли
  • Размер отделки: 11 x 14-1/2
  • Страниц: 336
  • Цена США: 95 долларов.00
  • CDN Цена: $135,00
  • ISBN: 978-88-918321-0-8

Автор Книжная полка: Оливье Габе

Идеи для урока искусства в стиле барокко

Художественный стиль барокко, господствовавший в XVII веке, отличался напряжением, эмоциями и экспрессией.Он использовал детали и свет, чтобы создать настроение и передать сообщение через произведение искусства. Познакомьте студентов-художников со стилем барокко в искусстве и побудите их создавать свои собственные произведения искусства, используя техники той эпохи.

1 Рисование жестами

Используйте этот урок на уроках рисования с четвертого по двенадцатый класс. Покажите учащимся изображения картин эпохи барокко. Обратите внимание на выразительное и динамичное изображение людей на картинах. Поговорите о том, что использование движения и выражения передает зрителю.Простой жест может изобразить гнев, замешательство, радость, страсть или печаль. По очереди предложите учащимся позировать в центре комнаты, делая жесты. Попросите класс нарисовать жестом одноклассника, используя карандаш, чтобы сделать набросок человека. Угадайте, какое чувство модель изображает этим жестом.

2 Моральная дилемма

Многие произведения искусства эпохи барокко затрагивали вопросы морали и этики. Покажите классу несколько примеров искусства барокко, которые, кажется, передают послание или моральное чувство.Обсудите, что художник пытается передать через искусство. Обсудите, как современная реклама посылает сообщение, например, в кампаниях против наркотиков и алкоголя, а также в политических кампаниях. Попросите учащихся составить собственное моральное послание, вырезав кусочки из журнальных страниц, чтобы сделать коллаж. Обсудите, какое сообщение передает коллаж и как он это делает.

3 Торт в стиле барокко

Используйте этот урок для продвинутых студентов-художников, которые ранее посещали уроки керамики.Покажите классу изображения скульптуры и архитектуры периода барокко и обсудите особенности искусства того времени. Предложите учащимся работать в парах или группах. Попросите их нарисовать план торта, который они могут построить из глины, включив стиль барокко с симметрией, колоннами и декоративными деталями. Учащиеся создают торт из глины и керамических инструментов, а затем обжигают глину в печи. Украсьте торт аксессуарами, например, бисером, в духе эпохи барокко.

4 Теневой автопортрет

Попробуйте эту технику автопортрета с учащимися средних и старших классов.Художники эпохи барокко подчеркивали контраст между светом и тьмой, добавляя тени или яркие места в свои произведения. Предложите учащимся изучить портреты различных художников эпохи барокко, таких как Рембрандт и Вермеер, обращая внимание на использование света в картинах. Поговорите о том, какие чувства передает использование света в каждой картине. Попросите учащихся создать автопортрет в этом стиле, используя краски, пастель, уголь или карандаш.

Шкатулка для народного творчества от Bergsma с ангелами в стиле барокко, совами в стиле декоративно-прикладного искусства и другими предметами для продажи на 1stDibsА. Бергсма из Фрисландии, Нидерланды. Ранее в этом году мы приобрели ряд предметов в местном музее в Северной провинции Фрисландии, и эта уникальная коробка — еще одна из уникальных вещей, которые мы приобрели тогда. Эта большая, значимая и очень декоративная шкатулка украшена удивительными украшениями, вырезанными вручную, и вместе они раскрывают удивительный дизайн и навыки резьбы этого отмеченного наградами голландского художника/ремесленника. В одном из других наших списков у нас есть награда, которую он получил в 1906 году на Всемирной выставке в Милане, Италия.Эту шкатулку он создал позже (около 1940-1950 гг.), и в ней есть элементы декоративно-прикладного искусства, амстердамской школы и барокко. Из текста «Тиетье Бергсма, родился 14 мая 1914 года в Миннертсгеа» мы знаем, что он посвящен рождению его дочери, и мы считаем, что это был подарок на один из ее дней рождения. Геральдический герб или герб в центре принадлежит Баррадилу, столицей которого когда-то был Миннертсгеа. Этот герб не может быть более голландским, потому что сверху вниз он представляет местное географическое положение, суша-дамба-море.Некоторым может показаться, что крылатые ангелы вырезаны грубо, но это потому, что они были сделаны так, чтобы они выглядели точно так же, как они были вырезаны в эпоху барокко. Именно в ту эпоху впервые был представлен этот герб Баррадила (между 1620 и 1660 годами). Скульптуры птиц Arts & Crafts идеально вырезаны, как если бы они были сделаны другими мастерами-резчиками в 1910-х годах, когда, конечно же, родилась Титье. Эта резная и очень декоративная шкатулка отличного качества с богатой социальной и культурной историей и глубоким смыслом может использоваться для самых разных целей.Как вы можете видеть на наших изображениях, он идеально чистый внутри и имеет несколько практичных отделений. Наша цена на этот уникальный предмет антиквариата ручной работы включает в себя идеальную упаковку и доставку по всему миру из нашего магазина до вашей двери всего за 4 дня. Максимальная ширина x глубина x высота: 14,1 x 11,75 x 4,5 дюйма. У нас есть страсть к уникальному, к качеству, к стильному, но практичному и к мастерству прошлых лет. Ваши покупки будут очень хорошо упакованы, и мы с нетерпением ждем возможности обслужить вас (снова).Вы можете делать покупки во всех наших 1000+ списках, нажав кнопку с надписью «Просмотреть все у продавца».

Asya Kozina Ремесла замысловатые барочные парики из бумаги




5 Asya Kozina ремесел замысловатые барочные парики из бумаги
Все изображения любезно предоставлены Asya Kozina

Русский художник Асья Козина Канал мотивы, костюмы и эстетики характеристики различных исторических периодов времени и воссоздает их с помощью бумаги. Недавняя серия «бумажных париков в стиле барокко» от kozina воссоздает дикие прически женщин и мужчин викторианской эпохи с использованием индивидуально изготовленных листов, тщательно скрученных и уложенных в локоны с идеальной химической завивкой. скульптурные композиции, такие как цветы, листья и исключительно замысловатый парусник, деликатно помещены в массу экстравагантных бумажных волос, добавляя концептуальным композициям ощущение фантазии и причудливости. «Меня всегда восхищали исторические парики, особенно эпохи барокко», — говорит Козина. «это искусство ради искусства, эстетика ради эстетики — никакого практического смысла, но они прекрасны». в этом случае бумага помогает выделить основную форму и не зацикливаться на ненужных деталях».


скульптурные композиции, такие как цветы, листья и замысловатый парусник, изящно размещены в каждом парике


скульптурные бумажные локоны придают ощущение фантазии и причудливости концептуальным композициям


скрученные бумажные копии туго закрученные пряди причесок в стиле барокко


специально изготовленная бумажная шаль сопровождает модель, одетую в парик из среды .эффектно вылепленные головные уборы и замысловатые одежды были тщательно вылеплены из бумаги и надеты моделями. «Они сами по себе очень экстравагантны и футуристичны», — говорит Козина о традиционной одежде. «Мне пришлось создать свою версию этих нарядов с преувеличением, а белая бумага подчеркнула их форму, цвет и ненужные детали». головные уборы искусно изготовлены, чтобы имитировать стиль традиционной одежды


наряды имеют геометрические формы и вырезы из бумаги голова модели, одетая в искусно сделанную бумажную одежду 

nina azzarello I designboom

01 февраля 2016 г. из нескольких родственных направлений мысли в середине 19 90–159-го 90–160-го века.Это был прежде всего ответ на социальные изменения, инициированные промышленной революцией, начавшейся в Великобритании и пагубные последствия которой впервые проявились там. Индустриализация переместила большое количество рабочих из рабочего класса в города, которые были плохо подготовлены к притоку новоприбывших, загнав их в жалкие ветхие дома и заставив их выполнять опасные, тяжелые работы с долгим рабочим днем ​​и низкой оплатой. Города также регулярно загрязнялись от множества новых заводов.

Такие критики, как писатель Джон Раскин и архитектор Огастес Уэлби Нортмор Пугин, выступали против этих проблем индустриализации. Они противопоставили его пороки готической эпохе до эпохи Возрождения, которую они рассматривали как идиллический период благочестия и высоких моральных стандартов, а также здоровой, зеленой окружающей среды. И для Раскина, и для Пугина существовала тесная связь между моралью нации и формой ее архитектуры, а готика для них символизировала пик человеческого развития.

Генезис: Уильям Моррис

Искрой движения искусств и ремесел стала Великая выставка 1851 года, первая всемирная ярмарка, проходившая в Лондоне. Основная критика выставленных промышленных объектов заключалась в буйстве ненужных украшений без особого внимания к полезности. Молодым и состоятельным приверженцем комментариев Раскина был Уильям Моррис, ученик архитектора эпохи готического возрождения Джорджа Эдмунда Стрита. Моррис также вращался в тех же кругах, что и художник Эдвард Бёрн-Джонс и художники-прерафаэлиты, в том числе Данте Габриэль Россетти, все из которых были очарованы средневековым искусством и природой.В 1861 году Моррис вместе с Бёрн-Джонсом, Россетти, Филипом Уэббом, Фордом Мэдоксом Брауном, Чарльзом Фолкнером и Питером Полом Маршаллом основал фирму декоративно-прикладного искусства Morris, Marshall, Faulkner & Co., которая специализировалась на дизайне обоев с естественными изображениями.

В 1859 году Моррис поручил Уэббу спроектировать дом для своей семьи в Лондоне, названный соответственно «Красный дом» из-за насыщенного цвета кирпича. Его крутые крыши, L-образный асимметричный план и нависающие карнизы напоминают готический стиль, а кирпич создает простой, пешеходный штрих, что способствует его всеобщему признанию в качестве первого здания искусств и ремесел.Жилые дома, рассматриваемые практикующими искусства и ремесла как оплот против суровых условий индустриализации, возрождающая духовная гавань и средоточие традиционной семейной ячейки, стали типом зданий, наиболее тесно связанных с движением (довольно интересное явление, поскольку большинство люди ассоциируют «искусства и ремесла» с предметами ручной работы).

Фирма Морриса росла на протяжении 1860-х и 1870-х годов, особенно когда Моррис получил важные заказы на дизайн интерьера, например, для St.Джеймсовский дворец (1866 г.) и Зеленая столовая в Музее Южного Кенсингтона (ныне Виктории и Альберта) (1866-68 гг.). Он также расширил ассортимент производимых предметов, включая мебель, такую ​​​​как знаменитый «стул Морриса», текстиль и, в конечном итоге, витражи. В 1875 году Моррис, чьи отношения с Россетти особенно ухудшились (частично из-за романа Россетти с женой Морриса), выкупил своих партнеров и реорганизовал фирму в Morris & Co. к машинному производству, создавая произведения очень высокого качества, которые, как в конечном итоге Моррис надеялся, вдохновят кустарное производство среди рабочего класса и принесут удовольствие их трудам, тем самым создав своего рода демократическое искусство.Сам Моррис стал участвовать в каждом этапе производства товаров компании, тем самым возродив идею о том, что дизайнер или художник должен руководить всем творческим процессом, в отличие от механического разделения труда, которое все чаще использовалось на большинстве фабрик. Он также возродил использование органических натуральных красителей. Однако использование ручного труда и природных источников стало чрезвычайно трудоемким, и Моррис был не совсем против использования механического производства. Тем не менее популярность работ Морриса в Великобритании, континентальной Европе и Соединенных Штатах значительно выросла, особенно после открытия нового магазина на Оксфорд-стрит, 449 в 1877 году с обученным профессиональным персоналом.

Моррис, изучивший каллиграфию в 1860-х годах, всегда интересовался книгопечатанием и рукописями. В 1891 году он основал Kelmscott Press для печати изданий Джеффри Чосера и Раскина, среди прочих, в том числе 23 его собственных произведений, таких как бессвязный утопический роман «Новости из ниоткуда », в изысканно оформленных томах, не уступающих художественным достоинствам. средневековых рукописей, хотя Kelmscott Press закрылась через год после смерти Морриса в 1896 году.

Движение искусств и ремесел: концепции, стили и тенденции

Общества, сообщества и выставки

Успех Морриса и его упор на народные и сельские образы вдохновили многих других на создание коллективных ассоциаций, в которых сотрудничали группы художников и ремесленников. дизайны в различных средствах массовой информации. В 1882 году Артур Хейгейт Макмердо основал The Century Guild, группу, целью которой было сохранение ручной работы и подлинности художника, чьи работы включали мебель, витражи, изделия из металла, декоративную живопись и архитектурный дизайн.Гильдия получила признание благодаря нескольким выставкам на протяжении 1880-х годов, прежде чем была распущена в 1892 году. Точно так же в 1884 году Эглантайн Луиза Джебб основала Ассоциацию домашнего искусства и промышленности, которая финансировала школы и организовывала маркетинговые возможности для сельских общин, чтобы поддерживать их за счет кустарного производства кустарного промысла; за пять лет он вырос до 450 классов, в которых работало 1000 учителей, обучающих около 5000 учеников.

В 1887 году в Лондоне было создано Общество выставок искусств и ремесел, давшее название движению, первым президентом которого стал Уолтер Крейн.Там состоялась его первая выставка в ноябре 1888 года в Новой галерее. Цели заключались в том, чтобы «[игнорировать] различие между изобразительным и декоративным искусством» и позволить «рабочему получить звание художника». Первые две выставки, в которых преобладало декоративно-прикладное искусство и подкреплялась большим выбором работ Morris & Co., имели финансовый успех. После перехода к трехлетнему циклу, начиная с 1893 года, выставки Общества служили для привлечения внимания общественности к движению искусств и ремесел и оказались критически важными успехами в новом столетии, хотя к 1920-м годам сохранялись организационные проблемы и антипатия организации к машинное производство в конечном итоге обречено на провал.

Архитектура и разнообразие средств массовой информации

Отчасти потому, что искусство и ремесла представляли собой всеобъемлющую философию жизни, а не отдельный эстетический стиль, его сфера охвата распространялась практически на все аспекты декоративно-прикладного искусства, дизайна и архитектуры. Было очень мало дизайнеров Arts & Crafts, особенно среди архитекторов, чья работа не соединяла несколько различных медиа. Филип Уэбб, Чарльз Фрэнсис Аннесли Войси, Уильям Летаби, Чарльз Роберт Эшби и Ричард Норман Шоу иллюстрируют эту целостную тенденцию. не был затронут искусством и ремеслами.

В архитектуре движение «Искусство и ремесла» не развилось в один конкретный строительный стиль, но можно увидеть во множестве направлений. Однако типичное здание «Искусства и ремесла» может быть классическим американским бунгало — крепким, квадратным, односемейным жилищем в один или два этажа с выдающимся крыльцом, отличающимся шатровой крышей с широкими нависающими карнизами, поддерживаемыми толстыми балками. . Как в Великобритании, так и в Соединенных Штатах простота, неприукрашенность и грубая эстетика искусств и ремесел смешались с различными стилистическими предпочтениями — королева Анна, Истлейк, Тюдоровское возрождение, стиль палки, испанское колониальное возрождение, и готическое возрождение является наиболее заметным.В Великобритании Движение Гарден-Сити и городские компании, такие как Порт-Санлайт, часто использовали такие «гибридные» стили, основанные на искусстве и ремеслах, в своих проектах жилья.

Связь с модерном

Одним из стилей, который, в частности, имел много общих теоретических и визуальных качеств с искусством и ремеслами, был модерн, который частично возник из искусства и ремесел в Европе в конце 1880-х годов. И искусство и ремесла, и ар-нуво делали упор на природу и утверждали, что готический стиль был источником вдохновения; оба охватывали всю широту различных отраслей искусства с упором на декоративное искусство и архитектуру и их способность физически изменять всю среду обитания человека; и визуально оба стиля использовали сельскую домашнюю эстетику с использованием грубо обтесанного камня и дерева.

Трудно полностью отнести многих дизайнеров к движению Arts & Crafts или работающим в стиле модерн. Генри ван де Вельде, Чарльз Ренни Макинтош, Уилл Брэдли и множество других художников и архитекторов — лишь немногие из тех художников, которые, по разным описаниям, находятся за этой границей, которая остается довольно неясной. Многие художники в стиле модерн даже открыто признали свой долг перед произведениями и философией Уильяма Морриса. В то время как искусство и ремесла подчеркивали простоту и считали машину глубоко проблематичной, ар-нуво часто использовал сложность и новые технологии, иногда до такой степени, что маскировал правду о материалах для визуального эффекта.Ар-нуво также опирался на гораздо более широкую стилистическую базу, чем искусство и ремесла, находя вдохновение в барокко, романском стиле и рококо, а также в исламских и восточноазиатских источниках наряду с готикой. Само его название «Новое искусство» говорило о международных попытках изобрести стиль для 20 90–159-го 90–160-го века вместо отказа от условий современной жизни. Таким образом, ар-нуво также в меньшей степени, чем искусство и ремесла, ассоциировалось со способностью полностью изменить взгляды и социальные нравы, а скорее часто использовалось для украшения и очарования зрителя в мечтательный мир удовольствия, иногда окрашенный экзотикой.

Распространение в Соединенных Штатах

Британские искусства и ремесла были известны в Соединенных Штатах с 1860-х годов, и их идеи свободно распространялись через газеты и журналы на протяжении 1880-х и 1890-х годов. Ключевой датой стал 1897 год, когда в апреле в бостонском Копли-холле началась первая выставка американского искусства и ремесел, на которой было представлено более 1000 предметов, созданных 160 мастерами, половина из которых были женщинами. Его успех породил в конце июня Общество искусств и ремесел, посвятившее себя «развитию и поощрению более высоких стандартов в ремеслах» с упором на «необходимость трезвости и сдержанности» в дизайне, наряду с «должным вниманием». внимание на отношение между формой объекта и его использованием.Чарльз Элиот Нортон, профессор истории искусств Гарвардского университета, был первым президентом SAC. Что не менее важно, в том же году в Hull House в Чикаго под эгидой Джейн Аддамс было организовано Общество искусств и ремесел с простым названием. продукт Прогрессивного движения, функционирующий как инструмент для обучения новых иммигрантов полезным навыкам, чтобы обеспечить себя

Еще до этого коллективистский дух искусств и ремесел задел жилку амбициозных американских реформаторов.В 1895 году Элберт Хаббард, начитанный и словоохотливый бывший продавец мыла, посетивший Англию и глубоко упившийся идеями Уильяма Морриса, основал реформаторское сообщество ремесленников в Ист-Авроре, штат Нью-Йорк, под названием Ройкрофт. В течение следующих двадцати лет группа Хаббарда, состоящая из мастеров по металлу, мебельных мастерских, кожевников и (конечно) печатников и переплетчиков, станет одним из самых ярых представителей движения в Америке вплоть до его смерти на Lusitania в мае 1915 года.Подобные известные утопические сообщества, сосредоточенные вокруг искусств и ремесел, возникли в таких местах, как Долина Роуз, штат Пенсильвания, и колония Бердклифф в Вудстоке, штат Нью-Йорк. В 1907 году производитель мебели Густав Стикли основал школу ручного труда для мальчиков под названием «Ферма ремесленников» в Парсиппани, штат Нью-Джерси, в качестве экспериментальной, иммерсивной среды искусств и ремесел. семья в здания вместо этого.

Корпоративная культура

В отличие от своих британских коллег, многие из американских практиков и защитников Движения искусств и ремесел руководствовались явно капиталистическим стремлением, рассматривая простую эстетику искусств и ремесел как способ облагородить нового потребителя. массовое общество, созданное индустриализацией конца 19 90-159-го 90-го 160-го века с неким нравственным влиянием, которое создало бы чувство социальной гармонии.Хаббард и Стикли, чьи проекты мебели продавались как по почте, так и через его выставочный зал в Нью-Йорке, много сделали для продвижения этой идеи: Хаббард через свой журнал The Fra , а Стикли через свой журнал под названием The Craftsman , который в конечном итоге дал Arts & Crafts популярное альтернативное прозвище «Стиль ремесленника». Такие издания якобы были основаны с намерением пропагандировать простой образ жизни, честное использование материалов в рукоделии и независимый дух в дизайне и строительстве для простого человека, но их явной целью было продвижение продукции соответствующих издателей.Одновременно с таким отношением главные деятели американского Движения искусств и ремесел полностью восприняли машину как преимущество для массового производства и, следовательно, более высокую прибыль, а не помеху для качества.

Коммерциализация искусств и ремесел в Соединенных Штатах лучше всего проявляется в крупных корпорациях, которые производили и продавали свои изделия в больших количествах, хотя этот аспект не уменьшил их ценности на рынке коллекционеров даже сегодня. Студийные гончарные мастерские, такие как Rookwood, Greuby Faience, Marblehead, Teco и Overbeck, являются одними из самых известных имен в этом отношении, чьи изделия часто известны исключительно по прозвищам их компаний, что снижает — по крайней мере до недавнего времени — идентичность и кредит, данный дизайнерам и отдельным производителям и декораторам.То же самое изначально имело место в коммерческой Newcomb Pottery, входящей в состав художественной школы при одноименном женском колледже Тулейнского университета в Новом Орлеане. Другие более мелкие гончарные предприятия, такие как Eagle в Арканзасе (производители Niloak) и Bybee в Кентукки, представляют иногда очень региональный характер дизайна Arts & Crafts. Тем не менее, навыки некоторых людей в их собственной практике, таких как слесарь Дирк ван Эрп и керамист Эрнест Батчфельдер, оба в Калифорнии, демонстрируют разнообразный характер искусств и ремесел в Соединенных Штатах.

Политика

Как реакционному художественному движению, выросшему из социальных комментариев и выступавшему за реформы, Движению искусств и ремесел было суждено быть связанным с политикой. Сам Моррис был самым значительным деятелем искусств и ремесел как стойкий социалист и антиимпериалист, основавший Социалистическую лигу в 1884 году и защищавший всемирную рабочую революцию, читавший публичные лекции по Великобритании и редактировавший газету Лиги, Commonweal .В 1880-х годах Моррис провел больше времени в качестве политического активиста, чем в качестве дизайнера, хотя его репутация поэта предшествовала ему при жизни, что, по крайней мере, частично объясняет, почему в его некрологах 1896 года почти не упоминаются его политические взгляды. Многие из коллег-художников Морриса, такие как Уильям Летаби и Уолтер Крейн, также были видными социалистами.

В то время как они восхищались и продвигали желание Морриса вернуть радость как художественному, так и ручному труду, приверженцы American Arts & Crafts в значительной степени игнорировали или отвергали политические взгляды Морриса.Хаббард и Стикли, например, не делали секрета из своих капиталистических амбиций и рекламировали свою работу для растущей аудитории среднего класса как дополнение, а не как реакцию против экономической системы, созданной индустриализацией. Заявленная Хаббардом похвала Моррису, Раскину, Льву Толстому и другим, которая к 1910-м годам превратилась в яростную защиту свободного предпринимательства и американской изобретательности, вызвала у него много критики за «продажу». Движение в Соединенных Штатах также неоднозначно относилось к гендерным вопросам: хотя среди его практиков и защитников было много женщин, в том числе несколько выдающихся, таких как Джейн Аддамс и архитектор Джулия Морган, лишь немногие женщины-художницы в области искусств и ремесел получили значительное признание во время своего существования. жизни, а некоторые даже были ограничены видом труда, который им разрешалось выполнять в творческом процессе.В Newcomb Pottery в Новом Орлеане, специально предназначенном для женского художественного образования, только гончару-мужчине (обычно Джозефу Мейеру) разрешалось бросать сосуды, которые раскрашивали студентки.

Более поздние разработки — после Движения искусств и ремесел

Альтернативные названия

В частности, в Соединенных Штатах движение искусств и ремесел известно под несколькими другими названиями, наиболее известным из которых является стиль ремесленника, популяризированный Густавом Стикли (и, более того, мебель, производимая конкурирующими мебельными фирмами его братьев), как рекламировалось в его журнале The Craftsman , издаваемом между 1901 и 1916 годами.«Американский ремесленник» часто в просторечии используется для обозначения бунгало и связанных с ними домов, вдохновленных декоративно-прикладным искусством. Термин «стиль миссии» или «мебель миссии» также по-прежнему часто используется, первоначально предназначенный для описания стула, сделанного А.Дж. Forbes в 1894 году для Сведенборгианской церкви Сан-Франциско, но популяризированный в 1898 году Джозефом МакХью, нью-йоркским производителем мебели, в связи с простой обстановкой испанских миссий в Калифорнии. Часто существует значительное совпадение между испанской колониальной эстетикой и искусством и ремеслами, особенно на американском Западе.С другой стороны, следует отметить, что разговорное использование термина «Искусство и ремесла» в отношении личной деятельности, связанной с хобби, и розничной торговли не имеет никакого отношения к официальному Движению искусств и ремесел.

Упадок и распространение

Несколько факторов способствовали упадку движения искусств и ремесел в 20 веке. В основе его упадка лежала неотъемлемая проблема ручного труда — трудоемкого — легко производить в больших количествах и достаточно дешево, чтобы охватить массовую аудиторию.Моррис так и не смог разрешить этот парадокс, поскольку его целью было создание демократического искусства для масс, и со временем он часто ворчал, что его фирма обслуживает почти исключительно богатых клиентов. Проблемы не были уникальными для его компании, так как многие другие специалисты по искусству и ремеслам по обе стороны Атлантики были вынуждены перейти на машинное производство, часто со снижением качества, чтобы остаться на плаву, а некоторые просто вышли из бизнеса. Многие кооперативные художественные колонии, особенно в США, обнаружили, что такое коллективное предприятие, основанное на ручном труде, больше не может быть устойчивым в долгосрочной перспективе.Наконец, как и многие другие движения, искусство и ремесла пали жертвой меняющихся вкусов: на заре нового века появилось вновь обретенное уважение к традиционному неоклассицизму — возрождение эдвардианского барокко в Британии и движение «Красивый город» в США. из которых в значительной степени означал конец Движения искусств и ремесел как основного явления после Первой мировой войны . .Компания Eagle Pottery, которая производила гончарные изделия Bybee на юге Америки, переживала свои лучшие годы в 1930-х годах, а гончарные мастерские Newcomb College и Teco продолжали производство до начала 1940-х годов. Общество выставок искусств и ремесел до сих пор существует в измененной форме как Общество мастеров-дизайнеров и периодически проводит выставки. Как и многие движения в дизайне и архитектуре — и даже в большей степени, чем большинство других — эстетика искусств и ремесел продолжает влиять на дешевые, высоко коммерциализированные линии продуктов, особенно с использованием искусственных и синтетических материалов, которые сегодня часто продаются в универмагах и других магазинах.

Наследие

Идея ремесла и видимость руки художника как центрального принципа творческого производства, как это поощрялось Движением искусств и ремесел, оказались источником вдохновения для многих художников, дизайнеров и коллективных движений в Европе и Северной Америке. часто в то же время, когда процветали сами искусства и ремесла. В Шотландии Чарльз Ренни Макинтош и школа Глазго иногда объединяются с другими дизайнерами искусств и ремесел. Многие сторонники ар-нуво цитировали Уильяма Морриса как человека, оказавшего большое влияние на их работы, и это движение особенно восхищали в Австрии и Германии, где школы дизайна, основанные на ручном ремесле, колонии художников, подобные той, что в Дармштадте, и спланированные города-сады вторили принципам Искусство и ремесла и объявили его своим прямым предком.Так было в случае с Баухаузом, основанным Вальтером Гропиусом в 1919 году, который, возможно, пошел дальше и продемонстрировал отчетливо социалистические тенденции, которые заставляли школу неоднократно переезжать до ее закрытия в 1933 году.

Введение пейзажной живописи в искусство барокко — Видео и стенограмма урока

Пейзажи в стиле барокко

Появление пейзажного искусства произошло в 17 веке в Нидерландах. Такие художники, как Рембрандт ван Рейн, Якоб ван Рейсдал, Ян ван Гойен, Людольф Бахуйзен и Саломон ван Рейсдал, начали реалистично смотреть и рисовать мир природы через призму барокко.Они стремились запечатлеть драматизм окружающей их действительности. Им хотелось изобразить детали земли, моря и неба во всей их красоте и сложности. Они хотели изобразить движение мира с его кружащимися цветами, интенсивным взаимодействием света и тени и постоянной энергией. Они углублялись в тайны природы, раскрывая одни тайны мира и оставляя другие в неизвестности. Их работы эмоциональны, даже страстны, поскольку они стремились оживить на своих полотнах леса, деревни, облака, дороги, моря, ветряные мельницы, холмы, замки и луга.

Пейзажи с самого начала пользовались огромным успехом. Многие люди в Нидерландах процветали в 17 веке и жаждали произведений искусства. Все, от торговцев и лавочников до моряков и сапожников, ценили и покупали пейзажи, которые приносили мир природы в их дома.

Галерея пейзажей

Теперь давайте рассмотрим некоторые из этих пейзажей. Начнем с картины Рембрандта ван Рейна «Мельница ».Ветряная мельница стоит в центре под все более грозовым небом. Тьма сгущается по картине по мере приближения бури, контрастируя с яркостью более светлого неба, отражающегося в воде и лопастях ветряной мельницы. Художник намеренно размыл свои линии, чтобы запечатлеть угасающий свет, и зрители едва могут разглядеть действия фигур на переднем плане и деревьев за водой. Мы можем почти видеть, как облака движутся, когда они накатывают, и эффект заставляет нас броситься в укрытие, прежде чем нас намочит внезапный ливень.

Погода кажется намного лучше на картине Джейкоба ван Рейсдала Речной пейзаж с замком на высокой скале . Здесь художник делает акцент на реалистичных деталях. Обратите внимание на пушистые облака, летящих птиц, высокие деревья с отчетливыми листьями и ветвями, скалистые стены утесов и легкую рябь на воде. Элементы, созданные человеком, кажутся почти единым целым с миром природы. Изломанные дорожки петляют по холсту. Небольшой фахверковый коттедж справа, кажется, вырос так же естественно, как одно из деревьев.Даже замок красиво сливается с деревьями и холмами. Рейсдал выбрал приглушенные цвета, которые по-прежнему выражают богатство света и тени, и он немного размыл свои линии, чтобы сделать сцену более нечеткой и, следовательно, более естественной.

Давайте посмотрим на еще одну картину Якоба ван Рейсдала. Водопад — очень драматичное произведение. Деревья на заднем плане, кажется, могут качнуться на ветру в любой момент. Кажется, что вода движется, падая каскадом на скалы.Белая пена порогов резко контрастирует с темными скалами, и зрители почти чувствуют, как брызги воды падают вниз.

Наша следующая картина — « Речная сцена » Яна ван Гойена. Полусвет заката или рассвета падает на воду и облака, освещая их, а также шпиль церкви и парусник на заднем плане, большое дерево в центре и рыбаков с сетью слева на переднем плане.Большая часть остальной картины окутана тайной. Зрители могут только разглядеть дома, стоящие вдоль берега, лошадей и повозки, едущие по дороге, и несколько лодок, возвращающихся на берег или только собирающихся уплыть. Нам кажется, что если мы просто подождем достаточно долго, возможно, свет заливает сцену, и мы сможем видеть более четко.

Людольф Бахуизен поднимает драму и действие на высший уровень в Корабли, садящиеся на мель во время шторма .Море и облака почти живые и очень угрожающие, поскольку волны подбрасывают корабли, как игрушки. Бакуйзен запечатлел драматизм сцены в резких контрастах света и тьмы, удивительных деталях, таких как снасти кораблей, а также в интересных формах и изгибах волн и облаков. Где кончается небо и начинается море? Мы не можем точно сказать.

В нашей последней картине, Вид на Девентер с северо-запада Соломона ван Рейсдала, море изображено гораздо спокойнее.Вода рябит на ветру, который наполняет паруса лодок и хлещет их флагами. Небо с его вздымающимися облаками занимает более половины картины, но внимание привлекают и такие детали, как рыбаки, ставящие сети, участки травы, растущие на мелководье, шпили городских церквей и ветряные мельницы, а также скот. вход в воду для прохладного питья. Некоторые из этих элементов неразличимы, потому что видны издалека, но все они хорошо вписываются в общую композицию пейзажа.

Итоги урока

Давайте повторим.

До 17 века художники изображали мир природы как фон для своих основных сюжетов, а пейзаж был лишь фоном для фигуры или события, которое художник хотел изобразить. Настоящие пейзажей , изображающие мир природы как центральный предмет живописи, были разработаны в 17 веке в Нидерландах.

Такие художники, как Рембрандт ван Рейн, Якоб ван Рейсдал, Ян ван Гойен, Людольф Бахуйзен и Саломон ван Рейсдал, начали смотреть и рисовать мир природы реалистично и через призму барокко.Характеристики пейзажной живописи эпохи барокко включают драматизм, детализацию, сложность, движение, завихрение цветов, интенсивное взаимодействие света и тени, энергию, темноту и эмоции.

Мы рассмотрели несколько пейзажей, которые демонстрируют эти характеристики: Мельница Рембрандта ван Рейна , Речной пейзаж с замком на высокой скале Якоба ван Рейсдала и Водопад , Речная сцена Яна ван Гойена , Людольф Бак Корабли, севшие на мель во время шторма , и Саломон ван Рейсдал Вид на Девентер с северо-запада .Потратьте некоторое время на детальное изучение этих картин, чтобы еще больше оценить чудеса пейзажного искусства 17-го века.

Результаты обучения

Когда вы закончите, вы сможете:

  • Объяснить рост ландшафтного искусства
  • Перечислите некоторые характеристики пейзажной живописи
  • Опишите художественный стиль барокко
  • Вспомните некоторых известных художников-пейзажистов 17 века и их работы
.

About Author


alexxlab

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован.