Барокко французское: Французский барокко – HiSoUR История культуры – Французское барокко: возникновение стиля, черты

Французский барокко – HiSoUR История культуры

Французское искусство XVII века обычно называют барокко, но с середины до конца 17 века стиль французского искусства демонстрирует классическую приверженность определенным правилам пропорции и трезвости, нехарактерным для барокко, как это практикуется в Южной и Восточной Европе в течение того же периода.

Название Grand Siècle (Grand Century) обозначает во Франции семнадцатый век, который является одним из самых богатых периодов в истории этой страны. Впервые используется для описания царствования Людовика XIV (1661-1715), историография теперь применяет его к более длительному периоду, охватывающему весь семнадцатый век и исходивший от царствования Генриха IV – который видит восстановление королевской власти и конец войн религии – до смерти Людовика XIV, то есть с 1589 по 1715 год. В этот период, отмеченный монархическим абсолютизмом, царство Франции доминирует или, в противном случае, долгое время отмечает Европу благодаря своей военной экспансии и ее вечной войне, усиливая культурное влияние. Во второй половине века суды Европы в поисках радиации, княжеские или королевские, берут за образец «Короля Солнца» и его атрибуты. Язык, искусство, мода и французская литература распространяются по всей Европе. Очень влиятельное влияние Франции, которое также будет означать весь восемнадцатый век.

Стиль Людовика XIII
В начале 17-го века в суде Мари Медичи и Людовика XIII продолжали процветать тенденции позднего манерства и раннего барокко. Искусство из этого периода показывает влияние как с севера Европы (голландская и фламандская школы), так и с римских художников Контрреформации. Художники во Франции часто обсуждали достоинства между Питером Паулем Рубеном (фламандским барокко, сладострастными линиями и цветами) и Николасом Пуссеном (рациональный контроль, пропорция, римский классицизм).

В то время была также сильная школа Караваджо, представленная в этот период картинами Жоржа де ла Тур. Жалкие и бедные были представлены почти голландской манерой в картинах трех братьев Ле-Нэйн. В картинах Филиппа де Шампейна есть как пропагандистские портреты министра Людовика XIII кардинала Ришелье, так и другие более созерцательные портреты людей в секте Янсениста.

Жилая архитектура
Тем не менее, при Людовике XIV барокко, как это практикуется в Италии, не было во французском вкусе (знаменитое предложение Бернини о перепроектировании Лувра было отвергнуто Людовиком XIV.) Благодаря пропаганде, войнам и великим архитектурным работам Людовик XIV запустил обширную программу, разработанную для прославления Франции и его имени. Версальский дворец, первоначально крошечный охотничий домик, построенный его отцом, был преобразован Людовиком XIV в чудесный дворец для праздников и вечеринок. Архитектор Луи Ле Вау, художник и дизайнер Чарльз Ле Брун и ландшафтный архитектор Андре Ле Нотр создали чудеса: фонтаны танцевали; блуждающие гуляки обнаружили скрытые гроты в садах.

Первоначальный импульс для этой трансформации Версаля, как правило, связан с частным замком Во-ле-Виком, построенным для министра финансов Людовика XIV Николаса Фуке. Предлагая щедрый праздник для короля в недавно законченной резиденции в 1661 году (Ле Брун, Ле Вау, Ле Нотр, поэт Ла Фонтен, драматург Мольер были под патронажем Фуке), министра обвинили в незаконном присвоении средств и приговорен к пожизненному заключению. Архитекторы и художники под его покровительством были поставлены на работу в Версале.

Суд Людовика XIV
В этот период министр Луи Жан-Батист Кольбер установил королевский контроль над кустарным произведением во Франции; отныне Франция больше не будет покупать предметы роскоши из-за рубежа, но сама установила бы стандарт качества. Этот контроль был также замечен в создании академии живописи и скульптуры, в которой сохранялась иерархия жанров в живописи («самая благородная», согласно Андре Фелибиену в 1667 году, являющаяся историей живописи), сильное использование живописной риторики и строгое чувство приличия в предмете.

Обстановка и дизайн интерьера от этого периода называют стилем Людовика XIV; стиль характеризуется весомой парчой красного и золотого оттенков, толстоочищенным гипсокартоном, большими скульптурными буфетами и тяжелым мрамором.

В 1682 году Версаль был преобразован в официальную резиденцию короля; в конце концов был построен Зал Зеркал; другие мелкие замки, такие как Большой Трианон, были построены на территории, и был создан огромный канал с гондолами и гондольерами из Венеции.

Благодаря его войнам и славе Версаля Луи стал в известной степени арбитром вкуса и силы в Европе, и оба его замка и этикета в Версале были скопированы другими европейскими судами. Тем не менее сложные войны в конце его долгого правления и религиозные проблемы, возникшие в результате отзыва Этника Нанта, сделали его последние годы темными.

искусства
Именно в этот период искусство процветало во Франции во всех областях, в контексте мира, найденного после войн религии конца XVI века и утверждения абсолютной власти короля. Если итальянское барокко влияет на французских художников, семнадцатый век видит рождение французского художественного словаря, заимствованного из классицизма и ссылок на древний стиль, который постепенно будет влиять на европейский масштаб. Со второй половины семнадцатого века Париж заменил Рим как художественную столицу Европы, роль которой не уйдет до двадцатого века. Французские модели распространяются по всей Северной Европе в конце века, например, особняк между внутренним двором и садом, который действительно развивается из Парижа на протяжении всего столетия, французские сады, установленные для Андре Ле Нотр, мебель стиля Людовика XIV или великие королевские резиденции европейских судов, построенные по образцу Версальского дворца.

Купол Инвалидов в Париже, пример классической французской архитектуры.
На протяжении века искусство во Франции воплощено великими деятелями во всех областях искусства. Политический контекст благоприятствует этому подражанию: художественный контроль очень живой, будь то королевский, церковный или частный. Коллекция произведений искусства, ранее неразвитых, распространяется в аристократических кругах, королевские коллекции значительно обогащаются, особенно при Людовике XIV. Суверены проводят крупные кампании по планированию городов, особенно в Париже, которые должны быть в состоянии конкурировать с Римом и другими крупными европейскими столицами, такими как Мадрид и Лондон. Создаются дворцы, создаются большие королевские площади, строятся мосты и больницы. Лувр и Тюильри значительно расширены под Генрихом IV, Людовиком XIII и Людовиком XIV.

Тридентская контрреформация и последующее возрождение благочестия после разделения войн религии привели к строительству или реконструкции церквей в стиле барокко или классики. Их наборы являются неисчерпаемыми источниками работ для художников и скульпторов. В семнадцатом веке они будут часто формироваться в Риме, который является тогда художественной столицей Европы, прежде чем вернуться во Францию, где они импортируют последние стилистические новинки. Это случай Симона Вуэ, возвращение которого в Рим в 1627 году является важной датой эволюции живописи во Франции. Французская школа Каравагеске родилась в Риме в 1610-х годах, а также Вуэ, замечательная фигура Валентина де Булонь. Два величайших художника века Николас Пуссен и Клод Лоррен выполняют почти всю свою карьеру в Риме, но оказывают значительное влияние на французскую живопись за всю свою жизнь.

Во Франции Париж становится художественной столицей, привлекающей художников со всей страны, но несколько провинциальных фокусов отличаются своей живостью, как Тулуза, Лион и Лотарингия, где Жорж де Ла Тур, один из самых оригинальных представителей Караваджо. В Париже художники, столь же разнообразные, как братья Ле-Нэйн, Филипп де Шампейн, Эустаче Ле Сьюр, Чарльз Ле Брун, великий декоратор дворцов Людовика XIV, Пьер Мигнар и Гиацинт Риго, самый востребованный портретист в конце, работают , века.

Стиль Людовика XIII
В начале 17 века конец маньеризма и начало барокко во дворе Марии де Медичи и Луиса XIII совпали. Искусство этого периода показало влияние с севера Европы как с голландской, так и фламандской школ, а также с римскими живописцами контрреформации. Среди художников были дискуссии между сторонниками Рубенса (цвет, свобода, спонтанность, барокко) и сторонниками Николаса Пуссена (рисунок, рациональный контроль, пропорция, римский классицизм). В начале века каравагизм также выделялся, живописная тенденция под влиянием Караваджо и которая имела самый большой экспонат во Франции с Жоржем де ла Тур с его картинами, освещенными свечами.

Подобно тому, как тенебризм был успешным в провинциальной Франции, классицизм укоренился во дворе и в Париже, между аудиторией аристократов и высшей буржуазией. В французском классицизме времен Людовика XIII доминировали фигуры двух художников, которые работали в Риме: Николас Пуссен и Клаудио Лорена, и в свою очередь были в значительной степени подвержены влиянию классицизма Аннибале Карраччи и его последователей. Из последних особенно выделяются ландшафты, которые влияют на романтизм. И Пуссен, и Лорена удовлетворили все вкусы французских коллекционеров, особенно Ришелье и Мазарино, которые приобрели свои работы.

Другой художник, который также развивал свою карьеру в Риме, но чьи работы были приобретены во Франции, был Гаспард Дугет. В Париже работали Лоран де Лай и Жак Стелла.

Во французском дворе портрет также культивировался, особенно в этот момент работа Филиппа де Шампейна, культивировавшего как простой, интимный портрет большого психологического проникновения, так и придворного, в котором они представили себя королям и великим деятелям с все их великолепие. Обычно вырезанный портрет стоит с такими принадлежностями, как колонны или шторы. В картинах Ф. Де Шампейна есть два портрета Людовика XIII, тройной портрет кардинала Ришелье и портреты членов янсенистов, группа, к которой он принадлежал с 1645 года.

красивый слог
В середине века господство было аттика, стиль отличался своеобразными изысканностями. Представляют эту тенденцию: Эустаче Ле Сьюр, Себастьян Бурдон, Николя Шаперон и Николас Лойр.

Это ток, который произошел в основном в Париже. Они писали от имени покровителей, как церкви, так и мирян.

Актики предпочитали представлять темы классической древности, рассматривая их драгоценным образом. Композиции просты, но в них включены сложные коды и символы, которые утонченные комиссары знали, как расшифровать.

Персонажи появляются в спокойном, расслабленном, статическом отношении. Они были одеты элегантно, с одеждой, которая складывалась и волнилась в классической манере. Жесты были нежными, выражения холодными.

Преобладает рисунок на цвет, являющийся этой мягкой тональностью, как серый или розовый. Единственный цвет с определенной интенсивностью – синий.

Они наклеены на склеенные ткани непосредственно на французской доске.

Суд Людовика XIV
Хотя с некоторым предшественником Николас Пуссен стал художником суда. Большая часть его жизни была проведена в Риме. Кардинал Ришелье приказал ему вернуться во Францию, чтобы удерживать эту должность около года, умирая в 1665 году. Пуссен является автором трактата «Выражение страстей».

Во время правления Людовика XIV классицизм отождествлялся с «великим вкусом», самым влиятельным человеком был Чарльз Ле Брун, аттик в юности, который обозначал официальный стиль того времени. Хотя инициатором считается Саймон Вуэ, бывший tenebrist, несомненно, Le Brun академическая фигура par excellence, и кто лучше знал, как защитить художественный идеал Короля Солнца. Он был назначен Первым живописцем короля в 1664 году и руководил работой Версаля.

Создание в 1648 году Королевской академии изящных искусств под эгидой кардинала Мазарини сыграло важную роль в создании официальных художественных линий на службе монархии.

Благодаря Академии и орденами короля Людовика XIV для украшения Версальского дворца классицизм сделает эту тенденцию официальным движением Франции и окажет большое влияние на поколение французских живописцев и остальной Европы.

Пьер Мигнар, преемник Ле Бруна, следовал той же тенденции, но с большей щедростью.

Академия установила иерархию жанров в живописи, занимая последнее место пейзажа и являясь самым благородным из жанров в истории живописи. Это использовало очень яркую живописную риторику и строгий смысл того, что считалось достойным.

В 1672 году Ле Брун выступает за линию (Пуссен) в ущерб цвету (Рубенс). Таким образом, он дает характер и нормализует классический стиль, работа Пуссена символизирует достоинства ясности, логики и порядка, принципы академизма.

На портрете суда были показаны Гиацинт Риго и Николас де Ларгильер. Этот, и Жан Жувенет олицетворяют последние моменты этого течения.

Стиль
Как и в других дисциплинах, классицизм в живописи стремится к идеалу совершенства и красоты, вдохновленному тем, что считается тогда добродетелями древности.

Изготовлены фресковые композиции, особенно для украшения куполов, а масла на холсте меньше обычного размера барочной живописи.

Картина выбирает благородные темы и предпочтительно вдохновлена ​​античностью или греко-римской мифологией. Тем не менее, религиозные картины также были частыми. Портрет также культивируется, начиная с царского, в щедрых аранжировках и следования за дворянами и буржуа, которые хотели, чтобы их изображали.

Наконец, пейзаж приобретает большое значение, рассматривается как «итальянский стиль», то есть взгляды со зданиями в перспективе и придающие большое значение свету. Художники записали естественный, но затем воссоздали эти пейзажи в своих исследованиях, используя их в качестве украшения для мифологических сцен.

Композиция и рисунок должны иметь приоритет над цветом и концепцией соблазнения чувств. Композиции закрыты, стремясь к схеме пирамиды, с центрированными фигурами; он не представлен реализмом, а скорее идеализированы персонажи. Они позируют, спокойно, избегая принудительных или преувеличенных поз, столь характерных для барокко.

В скульптуре фигуры Жака Саразина, Франсуа Ангиера появляются в первой половине века. Под Людовиком XIV выделяются Пьер Пьюджет, который также является художником и архитектором, а Франсуа Жирардон и Антуан Койсевокс, которые работают над великими орденами короля в Версале и Париже вместе с Мартином Дежардином, голландского происхождения. В архитектуре Саломон де Броссе, Жак Лемерсье и Франсуа Мансар развивают словарь классической французской архитектуры, найденный в замках и особняках, которые они строят для короля и аристократии. Под Людовиком XIV любимыми архитекторами короля являются Жюль Хардуин-Мансар и Луи Ле Вау.

Французское влияние также проявляется и в других искусствах: дизайнер садов Андре Ле Нотр создает каноническую формулу французского сада, который быстро распространяется по всей Европе. Французская мебель становится образцом, благодаря творчеству краснодеревщика Андре-Чарльза Буля. Известные граверы, такие как Жак Калло и Абрахам Боссе, а также известные ювелиры со всей Европы, сделали Grande Argenterie от Louis XIV, к сожалению, всего через несколько лет после его создания, чтобы покрыть военные расходы. Король.

Искусство гобелена снова разразилось во Франции в семнадцатом веке благодаря созданию Королевской мануфактуры гобеленов. Королевская академия живописи и скульптуры была основана в 1648 году и позволила централизовать художественное творчество в королевстве, санкционируя эволюцию статуса живописцев и скульпторов, воспринимаемых уже не как простые мастера, а как настоящие практики либеральных искусств, как люди из писем или ученых. Во второй половине века Париж заменил Рим как сердце европейских художественных дебатов, а в архитектуре модель дворца Версаля и французская частная особняк, особенно для внутреннего декора, имеют длительное влияние в Европе.

Некоторые из самых известных архитектурных достижений Grand Siècle – это Версальский дворец, замок Во-ле-Виком, комплекс Инвалидов, площадь Вогезов, площадь Вандом, квадратный двор и колоннада Лувра, а также как Pont Neuf в Париже. Военная архитектура воплощена в нововведениях Вобана, который укрепляет побережье и границы страны через сеть цитадели и фортов, спроектированных рационально в клетчатом узоре.

Декоративное искусство

Стиль Людовика XIII
Стиль Людовика XIII отражает многочисленные испанские, фламандские и итальянские влияния, лишенные «национального» характера, которые позднее утверждал «Луис XIV», или французский французский («французский вкус»), характерный для прошлого века (стиль «Renacimento»).

Он характеризовался прямыми линиями, которые придают ему суровый вид, иногда закаленный декоративным богатством. Ноги обычно находятся в форме колонны, они поднимаются из квадрата châssis à boules, хотя большинство из сохранившихся примеров имеют фронтон в балюстрадах или à décor tourné, с энтузиазмом («скобкой») в форме H, с передними ногами, соединенными наверху декоративной арматурной перекладиной. Среди другой мебели шкафы в эбеновом стиле выделяются, с простыми линиями, квадратной и массивной структурой. Украшение выгравированных листьев и цветов сопровождает сцены религиозных или мифологических тем, с небольшим заметным облегчением. Декоративное изобилие обозначает происхождение фламенко, которое воспроизводится местными ремесленниками. Ввоз итальянской продукции кардиналом Маццарино привел к подражанию роскоши среди дворянских дворян, которые привлекали иностранных мастеров. Знаменитый голландский краснодеревщик Пьер Голле и итальянцы Доменико Куччи и Филипп Каффери работали в Лувре. Француз Жан Масе де Блуа, прошедший подготовку в Нидерландах, работал в Короне и создал французскую школу маркетри, в которой впоследствии выступил Андре Чарльз Боул.

Стиль Людовика XIV
Стиль Людовика XIV характеризовался все более роскошной мебелью, но вопреки прежним стилям не был вдохновлен архитектурой. Дискета («прибор»), богато украшенная штукатуркой и инкрустациями, была пронизана архитектурой. дерева и буржуазного («буржуазного»), в массивном лесу, симметрия была абсолютной и показной. Источники мотивов были итальянскими и старыми (Rome victorieuse, gracieuse, Jules César и т. Д.). Панно обладал характерным стилем: их можно было отливать в четырех углах, в верхних и нижних углах, или даже в цитресах. ноги были сделаны в балясинах или консолях. Антресоты пошли от формы в H к форме в X. Маркетри знала важное развитие с маркетоном Буль (Андре-Чарльз Боул).

Сочетание барочной (триумфальной и величественной) и классической эстетики (торжественной и героической) стиль Людовика XIV считался особенно подходящим для выражения абсолютизма Бурбонов. Он достиг своего зрелости между 1685 и 1690 годами под руководством Чарльза Ле Бруна, который руководит оформлением галерейных гл. («Зеркальной галереи») Версаля и Кольберта, который в 1662 году купил для короны производство Гобеленов, где организует под названием «Производство Royale des Meubles de la Couronne» производство мебели, предназначенной для королевских резиденций, идеальный пример реального производства «колбертиста».

Работа Boulle свидетельствует о превосходстве, достигнутом мастерством и изготовлением шкафов времени. Приняв идеальный стиль Ле Бруна, с классическим репертуаром, он создал мебель, в которой выражалось величие («величие»), которое предназначалось. Его техника, крещенная его именем, обозначает тип маркетри, состоящий из écaille de tortue («черепаха») из латуни, эмали и слоновой кости. Характерна вибрация света на поверхности, а также большое разнообразие гальветов и комнат мебели и богатства материалов.

На рубеже веков композиции Буля были пронизаны стилем великого декоратора Джин Берена, который вместе с Пьером Лепоре привнес новый оттенок декоративного искусства, освободив их от торжественного классицизма, которого требовал Ле Брун, и развиваясь в направлении стиль Регентства (теперь в период рококо).

Наиболее характерной мебелью стиля Людовика XIV была фаутуй («кресло»), а также кровати, консоли (с двумя или тремя рядами ящиков, модель, созданная в 1690-е годы), столы, зеркала, гауридоны (круглые доски с штативы) из мелколесной и позолоченной древесины, также называемой факерами) и большими шкафами (прямоугольный план, выступ и сложное литье). Бюро – это эволюция кабинета с одним из лучших примеров в бюро Мазарини.

Садоводство и озеленение
Французский сад или «à la française» (jardin à la française), 18 из которых сады Версаля, Vaux-le-Vicomte и Chantilly (все от André Le Nôtre) являются яркими примерами, были моделью садоводства, напротив английских сад.

шантильи
Большим успехом был трактат Антуана Джозефа Дезальера д’Аргенвиля, «La Téorie et la pratique du jardinage», «О любви» и «Приключения 1709, 1713 и 1732 гг.».

Музыка
Его не следует путать с музыкальным классицизмом, хронология которого позже (конец восемнадцатого и начала девятнадцатого).

Литература и философия
Французская литература исключительно жива на протяжении всего семнадцатого века. В частности, театр, который был слаборазвитым в эпоху Возрождения, находится в полном разгаре с трагедиями Пьера Корнеля и Жана Расина, комедий Мольера и создания Комеди-Франсезы. Поэзия процветала особенно в первой половине века с Агриппой д’Обинье, Тоофилем де Виау и Франсуа де Малхербе. Роман является большим успехом у La Princesse de Cleves г-жи де ла Фейет, но также и комических произведений Пола Жорье д’Арре и Л’Астри и Пола Скаррона. Царство Людовика XIV отмечено авторами, чьи самые знаменитые писания с тех пор считались в каждом жанре классиками французского языка и литературы: «Фонтан» и его «Басни», «Боссет» и его похороны, Николя Буало и его поэтическое искусство, определяет классический идеал века, Расин, который приносит классическую трагедию до наивысшей степени совершенства, Мольера для комедии и Чарльза Перро с его рассказами, которые фиксируют французскую устную традицию. Среди мемориалистов, которые поставили портрет времени, – кардинал де Рец, мадам де Севин и Сен-Симон. Самые известные моралисты – Ла Бруйер со своими персонажами и Ла Рошфуко с его Максимами. Французская философия занимает видное место в Европе благодаря возрождению картезианской мысли. В дополнение к Декарту, это время Паскаля, Мерсенна, Гассенди и Пьера Бейля.

Версаль, модель для Европы
Во второй половине века Людовик XIV установил суд за пределами Парижа в районе, созданном его отцом недалеко от столицы Версаля. Он постепенно расширил первоначальный замок и создал огромные сады с нуля, чтобы стать крупнейшим королевским дворцом в Европе, символом монархического абсолютизма и французской власти. Влияние Версальской модели заметно с конца XVII века и на протяжении всего восемнадцатого века: тип большого дворца, погруженного в парк на окраине столицы, воспроизводится всеми европейскими государями: дворец Казерта для короля Неаполя, Сан-Суси в Потсдаме для короля Пруссии, Петергофа для царя России и т. Д. Влияние не только архитектурное: образ жизни и французский лейбл тоже имитируются.

Если французское культурное влияние имеет решающее значение в Европе в восемнадцатом веке во всех областях, подкрепленное духом Просвещения и непрекращающейся жизненной силой искусства, Франция постепенно конкурирует на политическом и военном уровнях, так что термин «Великий Siècle» не применяется Для него. Семнадцатый век и царство Людовика XIV были воздвигнуты как образец времен Людовика XV и считались золотым веком, временем, когда Франция добровольно заявляет о себе на всех уровнях, культурных как политических и военных.

Французское барокко: возникновение стиля, черты

Свое развитие французское барокко получило в эпоху Возрождения. В этот период церковь обрела наивысшую власть, что не могло не сказаться на архитектуре — стиль использовался преимущественно при строительстве католических храмов и дворцов. Направление претерпевало изменения во времена правления разных королей.

Французское барокко

История возникновения стиля

Изначально барокко зародилось в Италии. В стране, где вся власть была сосредоточена в руках папы римского, все строительные объекты возводились по его приказу. Под влиянием папы архитектурные сооружения утратили выверенность, гармоничность и четкое соотношение пропорций. Появились наслоения сложной пластики, массивные детали. Капеллы приобрели характерную для Средневековья базиликальную — протяженную — форму. Так, черты раннего барокко можно заметить в римской церкви Иль-Джезу.

Данного стиля придерживался Лоренцо Бернини. Впервые он выстроил церковь с фасадом, имеющим форму гигантского портала. В дальнейшем архитектор соорудил величественную колоннаду, украсив ею собор Святого Петра. Возле храма появилась площадь в форме трапеции с примыкающими к ней портиками и полукруглыми колоннами.

Центрическая композиция в это время была заменена глубинной фронтально-осевой. Особое внимание уделялось фасаду. В зданиях, спроектированных Мадерной, фронтальная стена имела высоту 45, а ширину — 115 м. Кокошники здесь сооружены в несколько ярусов. Благодаря разделению фасадов на 3 части пилястрами образовался ордер с прямоугольными формами.

Архитектура барокко во Франции

Барокко пришло во Францию из Италии в середине 17 века. Здесь архитектурное направление развивалось под влиянием империализма. На протяжении всего семнадцатого столетия, во времена правления Людовиков, стилю были присущи одновременно строгость и помпезность. В отличие от других стран Европы, во Франции барокко активно развивалось наравне с классицизмом, что придало направлению новые черты. Одновременно французские архитекторы продолжали копировать детали, свойственные эпохе Античности.

Архитектура барокко

Барочный стиль впервые использовал французский архитектор Саломон Деброс, построивший для Марии Медичи, матери короля Людовика XIII, Люксембургский дворец. Широкий центральный вход венчал купол, а по бокам были сооружены павильоны. Характерной для французского шика особенностью стала высокая мансардная крыша наклонного типа. Вокруг дворца в саду были установлены фонтаны.

В 1624 г. Лемерсье, вдохновленный архитектурой Рима, начал работу над строительством Лувра. Чтобы расширить старый внутренний двор комплекса, архитектор соорудил павильон. Под руководством Лемерсье было расширено западное крыло дворца. Стиль барокко особенно просматривается во фронтальной выступающей части часовой башни.

В 1624 г. Людовик XIII отдает распоряжение построить дом в своей резиденции неподалеку от столицы. Охотничий замок — каменное сооружение П-образной формы — был преобразован архитектором Ле Роем по приказу Людовика XIV. Версальский домик стал роскошным дворцом, где король проводил шумные вечеринки и балы. Преобразился и окружающий здание ландшафт: повсюду были выстроены танцующие фонтаны, установлены скрытые гроты.

Позднее замок в Версале был расширен. Так, появились боковые крылья на южной и северной сторонах здания. При создании декоративных украшений использовались лепнина с позолотой, бронза. Зеркальный зал — яркий символ французского стиля барокко — стал основной достопримечательностью дворца. Вдохновленные красотой замка мастера со всей Европы начали конструировать подобные сооружения в своих странах — аналогичные комплексы были построены по приказу прусского короля и русского царя.

Окончательно архитектурное направление во Франции закрепилось благодаря Мансару. Работа мастера — замок Мезон-Лафит, сооруженный неподалеку от Парижа, — имеет типичные французские черты. Фасады с просматриваемыми барочными элементами выстроены в классическом стиле.

Французское барокко в жилых пространствах

Роскошные дворцы в Париже вдохновили французских дворян — архитекторы начали получать заказы на строительство загородных домов и особняков для зажиточных горожан. Повсюду были выстроены дома одинаковых размеров с фонтаном посередине. Использовался барочный стиль и при возведении площадей и садов.

Жилое пространство

Сейчас увидеть черты барокко можно:

  • в католических церквях с дверями и окнами, во много раз превышающими рост человека;
  • в убранстве интерьеров старинных зданий.

Для обустройства жилого помещения в соответствии с данным стилем необходимо приобрести мебель с дорогой отделкой с золотым или бронзовым покрытием, гипсовые статуи или скульптуры. Высокие арочные проемы и окна дополнят интерьер.

Во всем внутреннем убранстве комнаты должен преобладать цвет золота, им можно окрасить зеркальные рамы, аксессуары, элементы декора. Для контраста можно использовать как темные, так и светлые оттенки. Уместные предметы декора — картины эпохи Ренессанса, подсвечники.

Стены в таком помещении должны быть рельефными. Рекомендуется использовать лепнину, сооружать ниши, колонны. Объем помогут создать гипсовая отделка, текстильные обои. Разрешается использование лепнины в сочетании с фресками, позолоченными элементами — не нужно бояться перегрузить интерьер, поскольку стиль подразумевает богатое убранство и роскошь во всем.

Пол по цветовой гамме должен контрастировать с общей композицией. Здесь можно использовать натуральный или искусственный паркет с имитацией древесины. Также пол в барочном стиле нередко выкладывается мраморными или каменными плитками, сверху можно расстелить ковер с красивой росписью и кистями.

Окна должны пропускать достаточное количество света. Визуально расширят пространство и сделают его более привлекательным высокие зеркала. В качестве светильников могут использоваться массивные люстры с лампами в виде свечей.

Французское барокко — особенности развития стиля (стр. 1 из 3)

Вторую половину ХVII века именуют «стилем Людовика ХIV» – это самый пышный, репрезентативный «большой стиль», барокко на французский лад, более упорядоченное, академическое, не столь церковное, сколь светское; барокко в синтезе с классицизмом.

В ХVII веке Версальский двор гремел, был эталоном роскоши и вкуса во свей Европе. Здесь задавались празднества и балы неслыханного великолепия. С этого времени французский язык, французские моды и манеры начали становиться предметом подражания во всех европейских столицах.

К концу ХVII века французская придворная живопись и ее представители также получили признание во многих странах Европы. Созданный ими стиль вошел в моду при дворах европейских монархов. Но к тому времени, когда французский «большой стиль» вышел на европейскую арену, породившие его годы расцвета абсолютизма были уже позади.

В конце 1680-х годов в стране разразился финансовый кризис. Истощенные налогами города, пришедшее в полный упадок сельское хозяйство, пустая государственная казна — таким было к концу века состояние еще недавно самой блестящей в Европе монархии. По свидетельству очевидцев, Франция напоминала в это время госпиталь, переполненный больными и уминающими от голода. В такой обстановке рушились надменные идеалы уходящего в прошлое царствования. Все реже вспоминали о былом всесилии дряхлеющего монарха, о прошлых победах и былом могуществе Франции.

В 1715 году после более чем полувекового царствования умер Людовик ХIV. Регентом при пятилетнем наследнике престола был назначен Филипп Орлеанский. Процесс разложения французской монархии стремительно продолжался и при новом правителе, с той только разницей, что атмосфера удручающей скованности версальского двора сменилась разгулом, оргиями и полным падением нравов при парижском дворе регента.

Если Людовик ХIV говорил: «Государство – это я», то Людовику ХV принадлежит не менее выразительная сентенция: «После нас – хоть потоп». Уже одно сравнение этих крылатых фраз показывает, в какую сторону изменился колорит времени. Нравы стали откровенно нестрогими, вкусы – прихотливыми, формы – легкими и капризными.

Эта среда была рассадником стиля рококо. Но придворная среда не сама сформировала этот стиль – она подхватила и приспособила к своим вкусам то, что носилось в вечереющем воздухе Европы ХVIII века. Европейский мир изживал свои последние сословно — патриархальные иллюзии и рококо звучало как прощальная элегия.

По сравнению с барокко рококо принесло с собой далеко не только жеманность и прихотливость. Оно освободилось от риторической напыщенности и отчасти реабилитировало естественные чувства, хотя и в балетно-маскарадном костюме.

Это было в духе времени. Теперь уже не в Версале, а в столичных особняках аристократов и крупных буржуа задавали тон в светской жизни, в литературе и искусстве. Обитателей этих особняков еще восхищало, но уже мало трогало и интересовало пышное великолепие полных театрального величия и искусственных страстей произведений «большого стиля».

Единственным в то время художником, которому суждено было подняться выше образного языка своей эпохи и возродить французскую живопись в годы застоя, был Антуан Ватто (1584-1721).

Около 1702 года в мастерской бездарного живописца и оптового торговца рассчитанными на невзыскательный вкус картинами появился застенчивый и замкнутый семнадцатилетний юноша. За несколько грошей, койку на чердаке и миску супа он вместе с другими такими же нищими, как и он, учениками писал целыми днями дешевые копии. В свободные от работы часы он выходил на городские улицы и там без устали рисовал с натуры.

В 1703 году, уже в Париже, Ватто перешел к своему первому столичному учителю – Клоду Жилло. Жилло писал эскизы театральных декораций. И здесь вкусы учителя и ученика, очевидно, совпали. Впечатления от ярмарочного театра Ватто сохранит на долгие годы, и они лягут в основу многих произведений художника. В 1707 году Ватто переходит к новому учителю Клоду Одрану, живописцу высокой профессиональной культуры и тонкого художественного вкуса, где и началась настоящая учеба Ватто.

Благодаря тому, что Одран был хранителем собранной в Люксембургском дворце части богатейших королевских собраний, молодому Ватто открылся доступ к сокровищам коллекции. Много времени проводил Ватто в залах дворца, изучая и трудолюбиво копируя произведения выдающихся живописцев многих европейских школ.

Ватто никогда не волновало, будут ли куплены его работы. Он превыше всего ценил свою творческую независимость и презрительно относился к деньгам. Как отмечал один из современников художника, «он всегда писал, что ему вздумается, и не любил заказных сюжетов».

Далеко не все созданные художником произведения известны нам. Но достаточно назвать около трехсот картин и несметное множество рисунков, которые в последнее время приписываются Ватто, чтобы представить себе неизбывную творческую энергию, поразительную трудоспособность и продуктивность мастера, прожившего столь короткую жизнь (Ватто болел туберкулезом).

Поражает новизна, самобытность, широкий диапазон образных, эмоциональных и живописных решений, большое разнообразие сюжетов. Ватто можно считать основоположником рококо в живописи, и его творчество лучше всего показывает, какого рода человеческие открытия таило в себе это «мотыльковое» искусство.

Трудно представить художника более обаятельного в своей неподдельной грациозности, чем Ватто. Прежде всего – это шедевры утонченной живописи, настоящий праздник для глаза, но такого, который любит нежные, неяркие оттенки и сочетания. Ватто писал мельчайшими бисерными мазочками, ткал волшебную сеть с золотистыми, серебристыми и пепельными переливами.

Особой утонченностью передачи сокровенных душевных состояний отмечен признанный шедевр мастера – «Жиль» (Париж, Лувр). На необычном для Ватто большом холсте (почти два метра в высоту) написан в полный рост популярный персонаж итальянской комедии масок – наивный, доверчивый неудачник Жиль. Одетый в нелепый белый балахон, он застыл в потерянной, безвольной позе, глядя на зрителя печальным, вопрошающим взглядом. Жиль у Ватто беззащитен и бесконечно одинок. Рядом с ним его коллеги актеры, но им нет дела до их товарища.

Известные нам страницы биографии Ватто позволяют думать, что Ватто, подобно его герою, чувствовал себя одиноко и неприютно в чуждом ему суетном спектакле жизни. Образ Жиля не имеет аналогий в живописи ХVIII века. Ему не было в то время равных не только по сложности эмоционального состояния образа, но и по крайне неординарному живописному решению. Мельчайшие, полупрозрачные мазки золотистого, лилового и серо-розового цвета покрывают белый балахон Жиля, сливаясь, они создают оригинальный, присущий только палитре Ватто, жемчужно-белый тон и придают белому цвету необычную для него живописную выразительность. Кажется, что одежды Жиля излучают мягкий, вибрирующий, играющий многими рефлексами свет.

Любимым жанром Ватто в зрелые годы творчества были так называемые «галантные празднества». Представленные в этом жанре галантные дамы, кавалеры и влюбленные пары проводят время в роскошных, украшенных фонтанами и статуями парках, наслаждаются природой, ведут тихие задушевные беседы, музицируют, танцуют или поют под звуки гитар и мандолин. Ватто снова, как и в случае с театральными сюжетами, не был оригинален в выборе жанра. Изображение развлекающихся светских дам и кавалеров можно было встретить в начале века в картинах других художников и в популярных в то время гравюрах «мод и нравов». Но то, что писал Ватто, решительно отличалось от бездумных сюжетов его современников. В этом нас убеждает одна из самых известных галантных композиций мастера – «Паломничество на остров Цитера» (Париж, Лувр).

В 1717 году картина была представлена Ватто в Академию. Написанная на выбранный самим художником сюжет, она не вписывалась ни в один из признанных Академией жанров. Неоспоримые даже для академиков высокие достоинства произведения заставили жюри нарушить традицию и вместо звания «художника исторического жанра», которое присваивалось всем живописцам при вступлении в Академию, дать Ватто звание «мастера галантных празднеств». В тридцать три года Ватто стал известнейшим художником Парижа.

Персонажи Ватто запечатлены в тот момент, когда они собираются отплыть в царство Венеры, на зачарованный остров, где царит вечная, ничем не омраченная любовь. В плавном, замедленном ритме, будто во сне спускаются влюбленные пары к ожидающей их у берега золотой ладье. Ни одно открыто выражающее чувства движение, ни одно яркое цветовое пятно не нарушают выдержанную в полутонах эмоциональную и живописную в полутонах канву картины. Едва уловимые оттенки настроений, задумчивая мечтательность и загадочная меланхолия, которыми Ватто наделил пилигримов любви, привносят в картину нотки элегической грусти. В такой же мечтательно-элегической тональности написан пейзаж – окутанные зыбким светом дали, неподвижные деревья с солнечными бликами на ажурной листве, спокойная водная гладь.

В зрелой и законченной образной форме проявился совершенный художественный вкус Ватто, его исключительная способность придавать тончайшую эмоциональную окраску цвету. Последнее было важным, обновившим язык французской живописи открытием.

Тема «галантных празднеств» нашла отражение во многих работах Ватто. Чаще других вспоминаются «Общество в парке» и «Праздник любви» из Дрезденской картинной галереи, эрмитажные «Пейзаж с водопадом» и «Затруднительное предложение», «Елисейские поля» из лондонской коллекции Уоллес. Вместе с художником снова и снова возвращаясь в созданный в этих произведениях какой-то особый мир поэтической мечты, нельзя не почувствовать, что мир этот с каждым разом становится все более печальным и меланхоличным.

Французское барокко | СТИЛЬ БАРОККО

Стиль барокко, характеризующийся насыщенными цветами и богатым дизайном, преобладал во Франции в течение 17 века. Многие королевские здания были построены в этом стиле. В середине (а скорее, ближе к концу) французское барокко было вытеснено неоклассицизмом.

 

Многие из музыкальных форм, которые развивались в эпоху барокко, появились в тот период и во Франции. Доминирующий композитор французского барокко — Жан Батист Люлли (итальянец по происхождению). Он был придворным композитором Людовика XIV и определял направление и стиль французского искусства. После смерти Люлли два других композитора, Жан Филипп Рамо и Франсуа Куперен, были крупными композиторами французского барокко.

Два основных художника французского барокко — Никола Пуссен и Жорж де Ла Тур. Никола Пуссен считается одним из основателей классицизма. Жорж де Ла Тур, вдохновляемый Караваджо, использует в своих картинах технику светотени. Также видные представители французского барокко — братья Ленен, которые писали картины из жизни бедных слоев населения.

Французская архитектура в эпоху барокко отличалась изысканными дворцами и искусно сделанными садами. Во второй половине 17-го века был построен Версальский дворец, в котором размах барокко соединен с рациональностью классицизма. Также в эпоху барокко был расширен Лувр. Определяющим архитектором был Жюль Ардуэн-Мансар, который разработал часть Версальского дворца и ряд других известных зданий.

Французское барокко определял Людовик XIV во время своего правления. Личный композитор солнечного короля (Люлли) и выдающийся архитектор (Мансар) впоследствии определили основные характеристики французского барокко. Также придворным художником короля был Шарль Лебрён, который получил титул «Первый королевский живописец».

Поделитесь с друзьями!

Французское барокко

В Париже при Генрихе IV были построены многочисленные дворцы, окружавшие площади со стоявшими на них статуями короля. Спокойствие стиля и однообразность строений отличало французское барокко от крикливых испанских особенностей архитектуры, и от ориентированного на нужды церкви барокко в Италии, католическая столица которого и стала основательницей нового стиля.  Во Франции были наиболее известны архитекторы Жюль Ардуэн-Мансар, Луи Лево, Франсуа Мансар и другие.

Архитектор Франсуа Мансар смог создать единое здание, хотя оно и имеет три отдельные части. Фасад замка украшен фронтоном и рядами парных колонн.

↑ Замок Мезон. Париж (1642-1646 гг.)
По приказу Генриха IV особое внимание при перестройке города уделили первым королевским площадям. Их окружали дома и арки. Каждый выходящий на площадь дом имел пристройку-мансарду.

Королевская площадь. Париж ↑

Парные колонные, украшенные каннелюрами были характерны для французского барокко. Пролеты между ними оставлялись широкими для организации подъездов к дворцам, и обзора из окон.

↑ Парные колонны
Людовиком были отвернуты предложения итальянский зодчих, и перестройку дворца он передал французским архитекторам. Огромные парные колонны в виде колоннады проходят вдоль его стен.    
Восточный фасад Лувра ↑

Начиная от основания колонн, и оканчивая верхней частью купола церкви, в ней присутствует стремление вверх, к отрыву от земли. Аттик размещен между барабаном и основным куполом церкви.

 ↑ Церковь Дома инвалидов. Париж (1680-1707 гг.)
Мансар был архитектором этой церкви, которая должна была разместиться между крыльями Дома инвалидов. Самой впечатляющей частью здания стал, несомненно, огромный купол церкви.                                     

План церкви Дома инвалидов ↑

Обычно в строениях Франции тех лет можно было встретить особенно крупные консоли, имевшие вид валюты, или свитка. Они не служили для поддержки здания, а являлись частью декора.

 ↑ Консоли
Такие окна были обычным явлением для крыш построек в стиле барокко. Они вырезались в форме круга, или овала.                                                         

Слуховое окно ↑

 

Сохранить

Отличие французского барокко от итальянского. Литература барокко во Франции. История появления стиля

Литература барокко во Франции

Барокко во Франции приняло особую форму. Образы кошмаров и ужасов почти не затронули ее литературы. Мотивы трагического надрыва, душевного надлома зазвучали, пожалуй, только в некоторых трагедиях Расина («Аталия») под влиянием мрачной философии янсенизма, преподанной ему в школе Пор-Рояля, да в «Мыслях» Паскаля. Барокко проявилось в поисках особой иллюзорной действительности, далекой от грубой и жестокой реальности.

В 1610 г., когда были еще свежи воспоминания о кровавых днях религиозных войн, в тот самый год, когда религиозный маньяк вонзил нож в живот Генриха IV и Франция ждала новых смут, писатель Оноре д»Юрфе напечатал свой роман «Астрея» и увел читателя в Галлию IV. века, страну чудес, рыцарей и нимф, прекрасных пастушков и пастушек, фей, весталок и галантной любви. Герой романа, идеальный влюбленный Селадон, стал предметом воздыханий и кумиром читательниц.

В 1649 г. появилась первая книга романа Мадлены Скюдери «Артамен, или Великий Кир», а позднее вышел из печати и второй ее роман «Клелия». «Великий Кир» был тотчас же переведен на английский, немецкий, итальянский и арабский языки. Его издатель разбогател. Во всех своих романах Мадлена Скюдери описывала «страну нежности», ослепительно прекрасную, экзотическую даль, где прекрасные люди, прекрасные чувства, прекрасные нравы.

Мадлена Скюдери составила «Карту страны нежности с подробным ее описанием», включив ее в роман «Клелия». Здесь деревушка Любезные услуги, которая находится на пути из Зарождающейся дружбы до Нежной признательности. Нужно пройти через Стихотворные приятства, чтобы попасть в городок Нежное уважение. Путь к нему — Дорога дружбы — продолжителен. Тот, кто заблудится, окажется у озера Равнодушия. Здесь протекает река Сердечная склонность, впадающая в Опасное море, а за ним Неведомые страны и т.д. Насколько модны были подобные карты, можно судить по тому, что в том же 1654 г. некий аббат Д»Обиньяк составил «Карту страны Кокетства».

Литература этого типа была названа прециозной. Что требовали ее создатели от искусства? Максимального удаления от низменной действительности и в выборе сюжетов, и в системе поэтических образов, и в языке. Ничто не должно напоминать грязную, низкую правду жизни. От средневековья они взяли аллегорическую условность. — «Роман о розе» стал образцом для прециозных «карт нежности». От времен раннего феодализма, милых их сердцу времен, они взяли рыцарский роман и лирику с культом дамы, изящной куртуазности и политического космополитизма. От недавних времен кризиса гуманизма, кризиса, порожденного феодально-католической реакцией, — изящную, далекую от политических треволнений пастораль. Особый, далекий от обычной разговорной речи лексикон, гиперболы, антитезы, метафоры и перифразы — вот язык прециозной поэзии. Утонченная цветистость и замысловатость речи проникала и в жизнь, и в частную переписку, и это стало общеевропейской модой; непосредственный источник прециозности во Франции — Италия и Испания.

Испанский дипломат Антонио Перес в таких выражениях обращался, например, к лорду Эссексу в одном из своих писем: «Милорд, и тысячу раз милорд, не знаете ли вы, отчего бывает затмение луны и солнца? Первое — от противостояния земли между луной и солнцем; второе — от противостояния луны между солнцем и землей. Если между луной, то есть моей изменчивой, меня влекущей к гибели судьбой, и вами, моим солнцем, поместить Отсутствие (ибо отсутствие между разлученными друзьями есть то же, что затмение луны) или если между землей, то есть моим бедным телом и вашей благородной ко мне благосклонностью, поместить мою судьбу, разве не будет моя душа тосковать, разве не окажется она в царстве теней?» и т.д. В таком духе писали государственные деятели.

Если поэт Гонгора оказывал влияние на французов своими стихами из-за Пиренеев, то итальянец Марино непосредственно в самой Франции. Он был приглашен маршалом Кончини ко двору Марии Медичи, жены Генриха IV и матери Людовика XIII. В Париже он впервые опубликовал свою знаменитую поэму в 1623 г.1. Он с пренебрежением третировал грубоватую французскую поэзию, насмехаясь над старым Малербом, поэтом «столь сухим». Двор покровительствовал итальянскому поэту. К нему потянулись молодые поэтические силы страны.

Итальянские сонеты стали обязательным элементом поэзии и проникли даже в живую речь салонов.

Кстати, о салонах. Это интереснейшее и значительное явление в культурной жизни Франции XVII столетия, оказавшее позднее свое влияние и на другие страны.

Основательницей знаменитого салона прециозников, осмеянного Мольером в его комедии «Смешные жеманницы», была итальянка по происхождению, в девичестве Джулия Савели, в замужестве де Вивон. В доме царило увлечение итальянской и испанской поэзией. Марино посвящал цветистые мадригалы ее дочери — Катерине де Вивон, будущей маркизе де Рамбуйе. Престарелый Малерб поддался общей моде и начал воспевать прелести «несравненной Артенис» (анаграмма имени Катерина). Дочь маркизы Юлия продолжила в третьем поколении дело, начатое ее бабкой.

Особняк на улице святого Фомы близ королевского дворца Лувра, в котором жила маркиза Рамбуйе, соперничал с двором. Здесь собирались гордые аристократы-оппозиционеры — Конде, Конти, герцог Ларошфуко, Бюсси, Граммон и другие. Здесь не только предавались усладам поэтических грез в соответствии с утонченными вкусами прециозников, здесь и жизнь свою старались подчинить правилам прециозной морали. Юлия Рамбуйе до тридцати восьми лет не выходила замуж, держа на расстоянии своего воздыхателя Монтозье, который в течение тринадцати лет с неизменным постоянством ждал ее руки.

Однажды он преподнес ей альбом, украшенный цветами, нарисованными кистью знаменитого художника Робера. Девятнадцать знаменитых поэтов тогдашней Франции внесли в него свои сонеты, под каждым цветком аллегорически воспевая прелести Юлии. Среди них Годо, Скюдери, Шаплен, Коллете и даже Пьер Корнель, подписавший свои мадригалы «обожаемой Юлии» под лилией и гиацинтом.

Салон маркизы Рамбуйе бы

Барокко во французской литературе 👍

Глава 4. Пьер Корнель и классицизм

4.3. Барокко во французской литературе
Наряду с классицизмом в первые десятилетия века во Франции развивается барокко. Оно не доходит такого расцвета, как в Испании, но снискало своих поклонников. Главный отличительный признак французского

барокко кроется в его строгой привилегированности.

Французское барокко несло в себе черты аристократические: это было прециозное, изысканное барокко и низовое – простое барокко.
В прециозности барокко были и положительные черты развития общества: во-первых, были открыты многочисленные аристократические салоны, которые выполняли роль образовательных центров; во-вторых, прециозное барокко распространяло влияние на развитие культуры; в-третьих, данное направление принимало участие в зарождении литературного вкуса.
Однако идеология аристократии, которая не несла демократического начала, одновременно

с развитием искусства, литературы в то же время задерживало ее естественный ход, т. к. требования изысканности доходили порой до курьезных случаев, обыкновенных культурных вычурностей. В этот период развивалось прециозное барокко в лирике, прозе.
Известны имена Венсана Вуатюре, Оноре де Юрфе. В большей степени развивалось низовое барокко. Тому есть причины.

По тематике, содержанию поэзия и проза низового барокко была вольнодумной, сатирической, аллегорической, в определенной степени демократической. Творчество Шарль Сореля, Поль Скаррона, Антуана Фюретьера, Сирано де Бержерака, особенно его роман “Государство Солнца”, Дени Вераса и его роман “История севарамбов” в полной мере доказывают дух вольнодумства и художественной свободы низового барокко.
В произведениях писателей сказалась историческая и политическая нестабильность: это борьба кардинала Ришелье за власть с королем Людовиком XIII, правление Анны Австрийской, регентши короля Людовика XIV, а на самом деле правление фаворита королевы кардинала Мазарини, здесь и мятежность народных масс, война с Испанией, вплоть до 1659 г. и вступление на престол Людовика XIV, провозгласившего: “Государство – это я!”. Именно в этот период наступает “золотой век” французской литературы, это был период во многом свободный в художественных поисках.

About Author


alexxlab

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован.