Барокко особенности живописи: Барокко в живописи: картины художники представители

Барокко — Стиль барокко в живописи

Одной из самых ярких и понятных характерных черт барочной живописи является ненавязчивая и «свободная» манера письма, в том числе выбор сюжетной линии и манера ее подачи. Так, наряду с библейскими и мифическими сюжетами («Призвание святого Матфея» или «Медуза Горгона», «Блаженство святого Франциска» или «На пути в египетские земли» — Караваджо Микеланджело; «Поклонение пастухов», «Подношение Церере, богине урожая» — Йорданс Якоб), полноценное место занимают портреты, сцены из жизни знати и крестьян и даже пейзажи, например «Зимний пейзаж» и «Две водяные мельницы» Рейсдала Якоба.

Каждый этап развития социума и культуры, как в зеркале, отражается во всех направлениях искусства. Основные черты, отличающие один стиль от другого, прослеживаются не только в произведениях великих мастеров — композиторов, архитекторов, художников, но в свою очередь занимают место в повседневной жизни обывателей, их поведении, в том числе в политике.

Так, конец XVI века, как начало эпохи просвещения и разума, променадов и огненных утех, фейерверков, балов – маскарадов, прогулок на лошадях и всего того, что доставляло массу удовольствия вельможам в противовес голоду и нищете простого люда, — известен под звучным именем «Барокко». Италия, XVI — XVII века. Барокко… Появление этого «непонятного» и «склонного к излишествам» стиля было предсказуемо, на смену рациональному приходит иррациональное, вымышленное и непредсказуемое течение. После Возрождения с его одухотворенностью, научным подходом и «правильным» зерном возникло Барокко – легкое и непринужденное, с яркими картинками и фантастическими сюжетами, контрастами добра и зла, земного и поднебесного, тени и света. И так, своим появлением новое течение в искусстве обязано Италии и ее великим мастерам, сумевшим поломать былые стереотипы в живописи. Обращаясь к переводу слова «Барокко», нельзя однозначно определить его смысл: в итальянском barocco означает «причудливый» или «странный», в португальском perola barroca — это «жемчужина с пороком».
Однако замысел авторов известных полотен, а яркий пример тому картины Караваджо и Рубенса, говорит сам за себя – это динамика изображения, обязательное светлое пятно главного персонажа, пестрота палитры и броскость сюжета.

Караваджо Микеланджело. Призвание Святого Матфея. 1599-1600

Караваджо Микеланджело. Медуза Горгона. 1598-99

Караваджо Микеланджело. Блаженство Святого Франциска  1606 

Караваджо Микеланджело. На пути в египетские земли. 1597

Йорданс Якоб. Поклонение пастухов. 1615

Йорданс Якоб.  Подношение Церере, богине урожая. 1618-20 

Рейсдал  Якоб. Зимний пейзаж. 1670  

Рейсдал  Якоб. Две водяные мельницы и открытый шлюз. 1650

Несмотря на параллельное развитие искусства Барокко в разных странах и наличие схожести основных приемов письма картин, в период XVI – XVII веков в живописи четко наметились разные направления, некоторые из них носят теперь созвучные названия с основоположниками той или иной манеры изображения полотен. Например – караваджизм, — течение в итальянской живописи, характерное контрастной игрой тени и света, наличием полумрака и «угрюмой» обстановки или болонский академизм, как полная противоположность караваджизму, с его традиционными красками, более понятными сюжетами и строгостью. Помимо аллегорических повествований, как упоминалось выше, не меньшее внимание уделялось пейзажному жанру, получившему название «ведута». Несомненно, портретная живопись не оставалась в стороне, и направление Барокко затронуло этот жанр в полном объеме, получив воплощение в парадных портретах французских мастеров Шарля Лебрена, Симона Вуэ и Иасента Риго. Наряду с вымышленной помпезностью и плавностью линий и деализированных героев среди произведений того времени, как противопоставление, были картины с более скупыми красками и резкими линиями. Это творения испанских художников. Пример тому полотна Сурбарана, Веласкеса и Рибера. Это смешение реальности и вымысла, аскетичного и телесного, где-то смешного или, наоборот, угрюмого.

Историки объясняют стремление испанских живописцев разбавить барочную фантазию более приземленным и реальным политическим и экономическим упадком самой Испании. В то время как ее искусство переживало «Золотой век» становления. Опираясь на богатство живописи эпохи Барокко, следующее поколение художников позаимствовало не только манеру письма картин, приемы наложения грубых мазков и плавных переходов в сглаженную текстуру, палитру «грустных» оттенков в контрасте с радужным колоритом, но также ту смелость, с которой художники в своих работах объединяли телесные радости и трагизм бытия в единое целое, в то, что называется единством жизни.

Искусство барокко

Искусство барокко стало художественным отражением противоречий раннебуржуазного периода европейской культуры. Подчеркивая сложную атмосферу времени, барокко соединило в себе, казалось бы, несоединимые элементы. Основные черты барокко отразили его дуализм. Черты мистики, фантастичности, повышенной экспресии, декоративность удивительно уживаются в нем с трезвостью и рассудочностью, с истинно бюргерской деловитостью. Стиль барокко легко узнается в очертаниях архитектурных сооружений, в изысканной вычурности линий в скульптуре и живописи, в пышности, декоративности, аллегоричности фасадов и интерьеров зданий, в напыщенности языка прозы и поэзии. Совмещая иллюзорное и реальное,
барокко
является в целом стилем, который отражал преимущественно систему ценностей, идеалов и вкусов дворянства, в первую очередь той его части, которая сохраняла еще известные прогрессивные тенденции. Поэтому этот стиль развивался прежде всего в тех странах, где сохраняли свои позиции феодальные отношения и католическая церковь. Церковное искусство, собственно и было типичным «барокко» в узком смысле этого термина. Зародившись на рубеже XVI-XVII вв. в Италии, барокко распространяется затем в Испании, Португалии, Фландрии, а позднее в Австрии, Англии, Германии, Скандинавии, Новом Свете и России. Динамизм барочной скульптуры, противостоящей спокойствию и мощи скульптуры Ренессанса, вызывает чувство восхищения своей легкостью. Для искусства барокко важно было не столько тело как таковое, сколько его движение. Если у скульпторов классической Греции и у художников Возрождения боги, пусть идеализированные, изображались как люди, то у мастеров барокко боги оставались богами («Аполлон и Дафна», «Экстаз св. Терезы» Л. Бернини). В архитектуре барокко сохранялась масштабность и гармоничность сооружений, характерных для искусства Возрождения, но в то же время мастера барокко порывают со многими художественными традициями Ренессанса, с его гармоничностью и уравновешенными объемами. Более пышным становится архитектурный декор, усиливается пластическая выразительность. В парадных интерьерах архитектура сливается с многоцветной скульптурой, лепкой, резьбой; зеркала и росписи иллюзорно расширяют пространство, а плафонная живопись создает иллюзию разверзшихся сводов. Фасады зданий приобретают роскошную, причудливую пластику.
Барокко тяготеет к ансамблю, к организации пространства: городские площади, дворцы, лестницы, фонтаны, парковые террасы, бассейны, городские и загородные резиденции строятся на принципе синтеза архитектуры и скульптуры, подчиняясь общему декоративному оформлению и архитектурному замыслу, придавая им пышный, парадный и изысканный вид. Таковы ансамбли Верхний Бельведер в Вене, лестницы на пл. Испании в Риме. В живописи преобладают виртуозные, декоративные композиции на религиозные, мифологические или аллегорические сюжеты и парадные портреты. Натюрморт и пейзаж, как самостоятельные жанры, равно как и жанр анималистический, дополняют картину развития изобразительных искусств эпохи. Барокко предпочитает живописное пятно, массу, светотеневые контрасты, с помощью которых и создается форма. Барочный стиль нарушает принципы линейной перспективы, разработке которого отдали столько сил и энергии художники раннего Возрождения, чтобы усилить глубинность, иллюзию ухода в бесконечность. Идеализация образов, безудержные гиперболы сочетаются в живописи барокко с бурной динамикой, оптическими эффектами, реальность — с фантазией, религиозная страсть — с подчеркнутой чувственностью.
В Италии творили братья Карраччи, Л. Бернини, А. Маньяско, Дж. Б. Тьеполо, М. Караваджо, в Испании расцвет живописи барокко связан с именами Эль Греко и Б. Мурильо, некоторые черты барокко проступали в реалистической живописи X. де Риберы и Ф.Сурбарана. Во Фландрии рожденное революцией миропонимание внесло реалистические начала в творчество П. П. Рубенса, А. ван Дейка, Я. Йорданса. В Голландии реализм проступал сквозь барокко в творчестве Ф. Хальса, Рембрандта. В литературе искусство барокко вдохновлялось идеей разума, продолжая в этом направлении ренессансные традиции, но оно уже не верило в силу, в закономерность прогресса. Человек — песчинка в вихре истории, его жизнь полна трагических случайностей. Такова ведущая нить, в частности испанской барочной литературы, нашедшая выражение в лирике Л. Гонгоры, пьесах П. Кальдерона, итальянца Дж. Марино. Барочная литература построена на контрасте. Появляются реалистические произведения, описывающие новый «мир денег» («Буржуазный роман» А. Фюретьера).
Получает развитие жанр литературной сказки (Ш. Перро). Возрождается басня (Ж. де Лафонтен).

В музыке барокко гораздо рельефнее и непосредственнее, чем в других видах искусства, сказывалось переплетение различных по своим истокам идейно-художественных принципов. Этот стиль в музыке отличается, с одной стороны, стремлением к глубокому отображению внутреннего мира человека, к драматизму и синтезу искусств (опера, оратория, кантата), с другой — к освобождению от союза со словом (развитие инструментальных жанров). В русле барокко зародился оперный жанр. Как и в литературе, барочный стиль в музыке отличается своей манерностью, «капризностью», витиеватостью (А. Вивальди). Он особенно ярко проявился в итальянской музыке (Дж. Габриели, М. А. Чести, Дж. Фрескобальди).

Время барокко — время взаимодействия различных видов искусства, когда «поэзия понималась как говорящая живопись, а живопись как немая поэзия». Это было время театрализованных церемоний, высокопарных од, витиеватых речей, аллегорий и гипербол, эмблем и метафор. Во всем жило иносказание.

Осознание несовершенства действительности, стремление противопоставить ей идеальный образ мира, соответствующий современным представлениям о разумном мироустройстве, вызвали к жизни рождение второй стилевой системы — классицизма.

 

 

 

 

 

Итальянская живопись эпохи барокко: яркие представители

Эпоха Возрождения подошла к концу. Наступил XVII в., ставший новым этапом в истории западноевропейского искусства. Укреплялись национальные государства Европы, на смену умирающему феодальному строю шел капитализм. Нарастало недовольство народных масс своим положением. К политической власти рвалась крепнущая буржуазия. В странах с развитой промышленностью и торговлей (Англия и Голландия) буржуазные революции завершились победой нового общественного строя. Борьба с феодализмом была направлена и против католической церкви, стоявшей во главе реакционных сил.

В эту сложную эпоху складывалась новая культура, давшая миру великих ученых — Галилея, Лейбница, Ньютона, философов — Бэкона, Спинозу, Декарта, писателей — Шекспира, Сервантеса, Мольера.

Развивалось и изобразительное искусство, высшие достижения которого связаны главным образом с такими странами, как Италия, Испания, Голландия, Фландрия и Франция.

Главным стилевым направлением в искусстве этой эпохи стало барокко, родившееся в Италии в конце XVI в. Название «барокко» буквально означает «странным», «причудливым». Именно эти эпитеты удивительно соответствуют особенностям нового стиля, сохранявшего свою популярность в искусстве Западной Европы до середины XVIII в. Барокко свойственны такие черты, как страстность и яркость чувств, взволнованность, доходящая до преувеличения, парадная торжественность и пышность.

Правители и католическая церковь стремились использовать его в своих интересах, пропагандируя с помощью искусства свою силу и мощь и укрепляя в народе веру. Именно поэтому искусство барокко было наиболее развито в странах с католической религией.

В то же время в этом стиле выразились и прогрессивные представления о многообразии и изменчивости мира, а человек предстает как сложная личность со своим миром глубоких чувств и переживаний.

Живопись в искусстве барокко занимала особое место. В ней эпоху появились новые жанры и темы. Теперь художники использовали для своих произведений не только религиозные и мифологические мотивы, но и темы, связанные с реальностями окружающей жизни.

Некоторые исследователи разделяют живопись барокко на три части в зависимости от того, кто был ее заказчиком: церковную, придворную, буржуазную. Церковная живопись характерна для Испании, придворная свойственна Фландрии, а буржуазная — Голландии, которая в то время имела наиболее прогрессивный общественным строй.

Мастера барокко использовали в своих произведениях в основном теплые оттенки и плавные цветовые переходы, умело применяли светотеневые эффекты и контрасты светлых и темных тонов. Их картины отличаются напряженным драматизмом; позы героев неустойчивы, жесты и движения резки и преувеличенно выразительный Возведенные к небу очи святым и мучеников, невероятно изогнутые тела персонажей в мифологических композициях должны были усилить впечатление от изображенного на полотне и заставить зрителя сопереживать героям.

Живопись Италии

В Италии, на родине барокко, в XVII в. переживала расцвет фресковая живопись. Большой известностью пользовалась семья художников Карраччи, создавших множество стенных росписей на античные мотивы в Риме и Болонье. Лодовико Карраччи и его двоюродные братья Аннибале и Агостино Карраччи основали в 1585 г. в Болонье мастерскую-академию, где проводили обучение молодых художников по собственной программе, которая была направлена на создание монументально-торжественного искусства. Среди учеников академии особо выщелялись Гвидо Рени и Доменикино, работавшие в Риме в начале XVII в.

Микеланджело да Караваджо

Значительное место в итальянской живописи рубежа XVI-XVII вв. занимает творчество Микеланджело да Караваджо. Родился в 1573 г. в Ломбардии. Художественное образование получил в Милане. Поселился в Риме в начале 1590-х гг. Живописец пользовался покровительством кардинала дель Монте. В 1606 г. во время игры в мяч Караваджо поссорился с одним из участников развлечения и убил его на дуэли. Скрываясь от правительства, художник вынужден бежать в Неаполь, а затем — на остров Мальта. После ссоры с одним из представителей местной знати ему пришлось уехать на Сицилию. В 1608-1609 гг. Караваджо скрывался от наемных убийц в Сицилии и Южной Италии. В Неаполе художнику не удалось избежать нападения, во время которого он был ранен. В 1610 г. Караваджо отправился по морю в Рим, надеясь на прощение Папы, но, не добравшись до конечного пункта, ограбленным перевозчиками, умер от малярии.

Бунтарский дух Караваджо проявился и в его творчестве. Стремившийся к правде, художник в религиозных и мифологических композициях изображает людей из простонародья. Таковы герои его ранних работ («Маленький больной Вакх», ок. 1591; «Вакх», 1592-1593), в которым слащаво-красивые герои академического искусства уступают место образам простых итальянцев с характерными чертами лица (миндалевидным разрез глаз, полные губы, темные шелковистые кудри). Реальность персонажей подчеркивается деталями натюрморта: цветами, фруктами, музыкальными инструментами. Интерес к натюрморту заметен во многих работах Караваджо. В 1596 г. художник исполнил одну из первых в истории европейской живописи композиций в этом жанре — «Корзину с фруктами».

Стремясь к достоверности, Караваджо всегда изображает в своих произведениях реальную жизнь, какой бы грубой и беспощадной она ни была («Жертвоприношение Авраама», 1594-1596; «Юдифь и Олоферн», 1595-1596). По свидетельствам современников, живописец, приглашенным на выставку античным статуй, остался равнодушен к их холодной красоте и, указав на толпы людей вокруг, сказал, что именно они, простые современники, вдохновляют его. В доказательство своих слов художник остановил проходившую мимо цыганку и написал ее предсказывающей судьбу молодому человеку. Так появилась знаменитая «Гадалка» (1595).

Своих героев Караваджо ищет на улицах, в маленьких тавернах, в богемной среде. Он пишет игроков, музыкантов («Игроки», 1594-1595; «Лютнист», 1595).

В зрелые годы Караваджо обращается к монументальному искусству. События Священной истории для церквей Сан-Луиджи деи Франчези и Санта-Мария дель Пополо он изображает так же реалистично и правдиво, как и жанровые сцены. Заказчики были недовольны этим: полотно «Апостол Матфей с ангелом» церковь не приняла, т. к. внешность святого показалась ей грубой и неприличной. Художнику пришлось писать другую картину.

Микеланджело да Караваджо. Лютнист. 1595 г.

Настоящими шедеврами стали две монументальные композиции Караваджо: «Положение во гроб» (1602) и «Успение Марии» (1605-1606). Последнее произведение из-за реалистичности изображения смерти Богоматери было отвергнуто заказчиком — римской церковью Санта-Мария делла Скала. Художник трактует тему вознесения Марии как простую жизненную драму: смерть обычной женщины оплакивают ее родные и близкие.

Картина «Положение во гроб» отмечена глубоким трагизмом, но в то же время ее отличают сдержанность и правдивость, нет в ней преувеличенной экспрессии и экзальтации, свойственным живописи многих художников эпохи барокко. Изображая мертвого Христа и скорбно застывших вокруг него людей, художник стремится передать идею героической смерти и делает это убедительно и реалистично.

Жизненные невзгоды и постоянные столкновения с церковью приводят к усилению трагического звучания в произведениях Караваджо последних лет жизни («Бичевание Христа», 1607; «Семь деяний милосердия», 1607).

Большое внимание итальянский мастер уделяет передаче освещения: действие в его произведениях происходит обычно в полутьме, сноп света, идущий из глубины, пересекает пространство полотна (т. н. подвальное освещение). Многие художники XVII в. использовали в своих работах этот прием, придающий драматизм изображению.

Творчество Караваджо оказало большое влияние не только на итальянских, но и на иностранных художников, работавших в Риме. Последователи живописца распространили его манеру, получившую название «караваджизм», по другим европейским странам.

Большинство итальянских караваджистов не достигли вершины славы великого мастера. Среди них можно выделить работавших в первой половине XVII в. Бартоломео Манфреди, Орацио Джентилески, Джованни Серодине, Джованни Баттисту Караччолло по прозвищу Баттистелло. В начале своего творческого пути караваджизмом увлекались Рубенс, Рембрандт, Вермер, Веласкес, Рибера.

Большой популярностью в XVII в. в Неаполе пользовался Сальватор Роза, чье имя связывают с появлением в живописи романтического пейзажа.

Сальватор Роза

В 1615 г. в доме землемера и архитектора Витантонио Розы в небольшом городке Аренелла близ Неаполя родился мальчик. Назвали его Сальватором. Из окон ветхой усадьбы Казаччио открывался чудесным вид на Неаполь и вулкан Везувий. Вокруг селения было немало местечек, очаровывающих своей красотой: высокая скала Сан-Эльмо, крепость Борго ди Аренелла, возведенная во времена правления Карла V, холмы Вомеро и Позилиппо, остров Капри, побережье Неаполитанского залива с прозрачно-голубыми водами. Все эти образы позднее найдут полное отражение в картинах Сальватора Розы. С ранних лет будущий художник на маленьких клочках бумаги пробовал запечатлеть взволновавшие его картины природы.

Заметив в сыне стремление к знаниям, науке и искусству, родители решили определить его в иезуитскую коллегию конгрегации Сомаска, расположенную в Неаполе. Там Сальватор Роза получил разностороннее образование: занимался классической литературой, изучал грамматику, риторику, логику. Кроме всего прочего, получил музыкальное образование, научился играть на арфе, флейте, гитаре и даже пробовал сочинять небольшие музыкальные произведения (известны написанные им серенады-донцеллы). Некоторые серенады пользовались такой огромной популярностью у неаполитанцев, что те распевали их и днем, и ночью под окнами своих возлюбленным.

Спустя некоторое время Сальватор Роза оставляет коллегию и возвращается в родной городок Аренеллу, где знакомится с местным художником Франческо Фраканцано, бывшим учеником пользовавшегося в те дни необычайно большой популярностью испанского мастера живописи Хусепе Риберы. Увидев картины Франческо, Сальватор делает несколько копий с них, за что и заслуживает похвалу от Фраканцано, сумевшего разглядеть в юноше талант настоящего художника и посоветовавшего ему всерьез заняться живописью.

Начиная с этого момента Роза много рисует. В поисках новым образов он отправляется путешествовать по Абруццким горам. В это время появляются пейзажи с изображениями долин Монте-Саркио с потухшим вулканом, гротов Палиньяно, пещеры Отранто, а также развалин древних городов Канузии и Брундизии, руин арки и амфитеатра Беневенто.

Там же, в Абруццких горах и Калабрии, молодой художник встретил бродяг-разбойников, среди которых находились и те, кто был изгнан из общества «добропорядочным» людей за свободолюбивые, смелые мысли. Обличье этих бандитов настолько сильно потрясло Сальватора, что он решил запечатлеть их в своем альбоме. Их образы были использованы затем в поздних композициях уже зрелого мастера (здесь уместно вспомнить гравюру из сюиты «Каприччи», где показано пленение юноши разбойниками во главе с атаманшей), а также нашли свое отражение в картинах, изображающих батальные сцены.

Путешествие было плодотворным и значимым для развития пейзажного творчества молодого живописца. Во время странствий он делал множество зарисовок с видами итальянской природы. Перенесенные затем на картины, эти ландшафты необычайно реалистичны, живы, естественны. Создается впечатление, будто бы природа лишь заснула на какой-то миг. Кажется, через секунду все оживет, подует легкий ветерок, заколышутся деревья, защебечут птицы. В пейзажах Розы заключена огромная сила, особая экспрессия. Фигуры людей и постройки, являясь частью единого целого, гармонично сочетаются с картинами природы.

Первая выставка Сальватора Розы прошла в Неаполе. Одним из тех, кто заметил и по достоинству оценил работы молодого художника, был знаменитый мастер монументальной живописи Джованни Ланфранко, купивший для себя на выставке несколько пейзажей.

В середине 30-х гг. XVII в. Сальватор Роза переезжает в Рим — столицу мирового изобразительного искусства, где царствуют барокко и классицизм. Именно в Риме Роза знакомится с творчеством таких крупных мастеров живописи, как Микеланджело, Рафаэль, Тициан, Клод Лоррен. Их манера письма во многом повлияла на становление творческого метода и художественно-изобразительной техники Розы. Наиболее заметно это в картинах с морскими пейзажами. Так, «Морской порт» написан в лучших традициях К. Лоррена. Однако молодой художник идет дальше учителя. Его пейзаж — естественный и конкретный: идеальные, скорее даже абстрактные образы Лоррена заменены здесь фигурами обыкновенных рыбаков из Неаполя.

Спустя несколько месяцев Роза, тяжело заболев, покидает пышную и прекрасную столицу Италии. Возвращается обратно лишь в 1639 г. Летом этого года в Риме проводили карнавал, на котором Роза выступил в роли странствующего актера под маской Ковиелло (плебея, не смирившегося со своей судьбой). И если другие Ковиелло изо всех сил старались как можно больше быть похожими на настоящих крестьян, то Роза превосходно обыграл свою маску, сочинив целый спектакль и показав поющего и играющего на гитаре, веселого, не унывающего ни при каких обстоятельствах и жизненным невзгодах молодого человека. Карнавальное действо проходило на Пьяцца Навона. Сальватор Роза с небольшой группой актеров выезжал на повозке, богато украшенной цветами и зелеными ветками. Успех Розы был огромным.

После завершения карнавала все сняли маски. Каково же было удивление окружающих, когда обнаружилось, что под личиной крестьянина скрытался не кто иной, как Сальватор Роза.

После этого Роза решил заняться актерским ремеслом. Недалеко от Порта дель Пополо в одной из пустующих вилл он открывает свой театр. Содержание пьес, ставившихся под руководством Розы, искусствоведам и историкам не известно. Однако существуют факты, говорящие сами за себя: после премьеры спектакля, в котором актеры высмеяли придворный театр под руководством известного в то время архитектора и скульптора Лоренцо Бернини, кто-то нанял убийц для Розы. Они подстерегали его возле дома.

К счастью, покушение не состоялось — молодой человек остался жив. Однако в силу этих обстоятельств он вынужден был вновь уехать из Рима.

Ответив на приглашение кардинала Джованни Карло Медичи, Роза отправляется во Флоренцию. Здесь художник создает
знаменитый «Автопортрет».

Полотно отличается своеобразием исполнения. Молодой человек, представленный на портрете, кажется несколько угловатым. Однако в нем чувствуются кипучая энергия, необычайная по силе воля и решительность. На картине юноша опирается на доску с надписью на латыни: «Avt tace, Avt Loqver meliora silentio» («Или молчи, или говори то, что лучше молчания»). Эта надпись звучит как сквозная мысль всего художественного произведения и одновременно как кредо молодого человека, изображенного на полотне (а значит, и самого живописца).

Художник мастерски владеет игрой света и тени. Выразительность изображения достигается именно эффектом тени, резко и порой даже неожиданно переходящей в светлые пятна.

Не случайно фигура молодого человека расположена на фоне вечернего неба: образ гордого, независимого юноши в темных одеждах выделяется на светлом фоне, а потому становится ближе и понятнее зрителю.

В том же ключе созданы и известные сатиры Розы, среди который особое место занимают «Поэзия», «Музыка», «Зависть», «Война», «Живопись», ставшая своего рода гимном молодого литератора и художника. Здесь автор говорит о том, что живописцы, являясь служителями одной из сестер искусства — художественно-изобразительного творчества, должны хорошо разбираться в истории, этнографии, точных науках. Стиль Розы в поэзии, равно как и в живописи, проявился во всей его полноте. Его стихи энергичны, порывисты, эмоциональны и в некоторых местах чересчур грубы и резки. Они являются своеобразным противопоставлением сложившейся в то время в литературе жеманной и искусственно-театральной манере построения и звучания стихотворный форм.

Сальватор Роза. Автопортрет. Ок. 1640 г.

Во Флоренции Сальватор Роза оставался до 1654 г. Дом его, по воспоминаниям современников, был тем местом, где постоянно собирались самые известные люди: поэт Р. Джамбатисти, живописец и литератор Ф. Бальдинуччи, ученым Э. Торричелли, профессор Пизанского университета Дж. Б. Риччиарди.

Одной из центральных в искусстве барокко быта идея «учить зрителя или читателя ненавязчиво, поучать посредством прекрасного». Следуя этому негласному правилу, художники создавали полотна, при взгляде на которые у зрителя возникали совершенно определенные ассоциации, вызывающие в памяти образы литературных героев. И наоборот, по мнению литераторов периода барокко, поэтическое произведение должно быть таким, чтобы по его прочтении перед глазами читателя представали живописные, яркие и красочные картины.

Почти все художественно-изобразительное творчество Розы основано на созданных им литературных образах. Именно так были написаны многие картины на сказочные сюжеты и полотна с батальными сценами, возникшие после создания сатир «Ведьма» и «Война».

Полотно под названием «Ложь» является хорошей иллюстрацией к стихотворению «С лица снимаю своего румяна я и краски». Заметно здесь и сходство главного героя картины с самим автором. Сальватор Роза демонстрирует прекрасное владение живописной техникой в передаче мимики и жестов. Сюжет построен на эпизоде, в котором два актера ведут беседу за кулисами театра после спектакля. Тон всему произведению задают необычные переходы света в тень и использование красок определенного цвета (темно-коричневым фон, желтоватые одежды актера символизируют ложь и обман). Особое значение приобретает взгляд одного из актеров, устремленный не на собеседника, а куда-то в сторону. Человек как будто пытается спрятать свои мысли от товарища.

Основную мысль полотна можно определить ставшими своеобразным девизом для искусства барокко словами У. Шекспира, сказавшего, что люди — актеры на театральных подмостках жизни. Главным приемом художественного изображения действительности и человека в театральной постановке является обман. Отсюда и идет в картине Розы связь понятия лжи с образом драматического актера, надевающего во время представления маску.

Мысль о возможности существования сверхчеловека, наделенного многими способностями, ярче всего проявляется у Сальватора Розы в портретах. Таковым является «Мужской портрет» («Портрет бандита»), на котором перед нами предстает человек с острым, пронизывающим, проницательным взглядом и застывшей на губах язвительной улыбкой. Этот образ нельзя назвать определенно однозначным. Есть в глазах бродяги что-то настораживающее и предупреждающее нас, зрителей, о сильном, решительном и гордом характере этого человека, эмоции которого могут прорваться и выйти наружу в любой момент. Портрет бандита оказывается сложнее открытого и несколько романтично настроенного юноши с полотна «Автопортрет». Двусмысленность в толковании образа возникает за счет особого сочетания и расположения на полотне света и тени. Необычайно яркая выразительность портрета достигается мастерским владением живописной техники и использованием контрастным красок (темная шляпа и светлый фон, белая сорочка и черная шуба).

Искусствоведы утверждают, что «Мужской портрет» — тот же автопортрет. Здесь автор, как профессиональный актер, пробует себя в роли бандита, каждую секунду готового вступить в борьбу со своими врагами. Современники писали, что и здесь (так же, как в «Автопортрете») во многом проявляется характер самого художника — бунтаря с решительным и сильным характером. Герой картины — уже не абстрактный персонаж, а реально существующий человек, в душе которого кипят бурные страсти.

Творчество Сальватора Розы является начальным этапом формирования и развития новой живописной формы — пейзажа-картины. Произведения, построенные подобным образом, соединяют элементы, реально существующие в обыденной жизни и вымышленные.

Особенно интересна и показательна работа Розы под названием «Пейзаж с мостом», хранящаяся в настоящее время в галерее Питти во Флоренции. На полотне представлен небольшой пейзаж с мостом и сразу же поднимающейся за ним в виде арки высокой скалой. Два путника едут по дороге. Они, видимо, заблудились в незнакомом для них месте. Спрашивают дорогу у какого-то оборванца. Вдали за скалой скрываются две фигуры. Солнце зашло за облако. У моста темно, из-за каждого куста или камня могут напасть на прохожего разбойники, скрывающиеся от правосудия и в одиночку ищущие правду.

Пожалуй, таковым может быть истолкование сюжета картины. Впечатление тревоги, некой двусмысленности создается в ней благодаря мастерскому владению художником техникой сочетания светлых пятен и теней. Солнечным свет, хорошо видным вдали, на заднем плане композиции, постепенно сменяется на полотне тенью, мраком, вызывая у зрителя тягостные ощущения и предчувствие опасности.

Изображенный на картине мост, а также арка-скала, уходящая ввысь, смена света и тени — все придает пейзажу необычайный динамизм, вдыхает в него жизнь.

Современники художника не раз говорили о присутствии и преобладании романтических элементов в творчестве Розы. Есть они и в «Пейзаже с мостом»: светлая, утонувшая в лучах солнца долина и темные, мрачные, полные тревожного ожидания скалы возле моста.

Часто природа оказывается в общей композиции доминантой. Причем этот элемент является значимым для оживления картины и создания определенного настроения и ассоциаций у зрителя. В картине «Испуг» особая выразительность достигается путем слияния человеческих фигур и природы в единое целое. Люди выступают здесь как неотъемлемая часть мира живой природы.

Особое настроение в пейзаже создается контрастом света и тени, в результате чего в картине появляются места, как бы вы-хваченные из мрака световым лучом. Ощущение беспокойства вызывается также и определенным положением фигур. Разворот тел, мимика и жесты людей, используемые художником, экспрессивные, густые краски вызывают у зрителя ощущение тревоги и надвигающейся опасности.

В настоящее время это полотно хранится в галерее Питти во Флоренции.

Сальватор Роза является создателем и такого вида пейзажа, как философский. Ярким примером служит знаменитым «Лесной пейзаж с тремя философами». Природа здесь не только задает тон общей композиции, но и выражает чувства, эмоции, душевное состояние трех мужчин, ведущих спор, быть может, о смысле земной жизни и ежедневной человеческой суете. Необычайная экспрессия выражена гнущимися под ветром могучими деревьями, стремительно движущимися вперед тучами, почти полностью закрывшими прозрачное небо, жестикулирующими людьми, пытающимися что-то доказать друг другу. Динамика и особая эмоциональность заданы в картине резкой сменой светлым и темным пятен.

Смелая, подчас даже несколько резковатая, волнующая зрителя манера письма Розы (контраст света и тени, детали пейзажа, яркая экспрессия общей композиции) была позднее продолжена в искусстве художниками-романтиками.

Тем же тревожным и мятежным характером отличаются и почти все натюрморты, созданные Розой. В Италии того времени большой популярностью пользовались картины-натюрморты Паоло Порпора и Джузеппе Рекко. Их полотна привлекали зрителей почти ощутимой реальностью выведенных образов. Создавалось впечатление, будто бы цветы, рыбы, фрукты не нарисованы, а просто перенесены на стену, приклеены к ней, настолько живыми они казались.

Следуя принципу искусства барокко (олитературивание произведений изобразительного искусства), Сальватор Роза создавал натюрморты, полные философского содержания. Постоянными объектами его внимания были древние книги в обветшалых переплетах, разнообразные музыкальные инструменты, нотные сборники, приборы для наблюдений за звездами и почти всегда — череп, символизирующий напрасную суету земной жизни — Vanitas (с лат. «суета сует») .

Сальватор Роза считается мастером в изображении батальных сцен. Выписывать битвы он научился в мастерской Аньелло Фальконе (1607-1656). На полотнах Фальконе невозможно найти героев главных и второстепенным. Все образы составляют единое целое и подчинены одной задаче: созданию реальной картины, передающей без каких-либо преувеличений характер той или иной битвы.

Та же манера свойственна и Розе. Его обращение к теме батальным сцен связано с ведением странами Западной Европы войны, названной позже Тридцатилетней.

Театр военным действий у Сальватора Розы необымайно выразителен и, как правило, располагается до самого горизонта на фоне разрушенных, застывших в молчании архитектурных построек (башен, дворцов, храмов) и прозрачно-голубого неба, местами закрытого еле заметными для глаз белыми облаками. Контраст чистого неба и поля, на котором разворачиваются драматические события с участием объятых ненавистью друг к другу людей с искаженными от боли или злобы лицами, еще более оттеняет и заостряет вечную для человечества тему бессмысленности и трагизма войны.

И здесь художник выступает как замечательный мастер, в совершенстве владеющий искусством сочетать свет и тень. Лучи света, выхватытая из мрака отдельные человеческие фигуры и лица, делают общую композицию выразительной, необымайно эмоциональной и динамичной.

Одной из самых интересных картин признана «Битва», изображающая сражение между отрядами повстанцев и регулярной испанской армией в период восстания под предводительством Т. Мазаньелло. Существует мнение, что Сальватор Роза участвовал в этом восстании. Предположение возникло в связи с тем, что на полотне, в левом углу, изображен сам художник. Догадка, помимо визуального сравнения, подтверждается еще и надписью на доспехах этого воина: «Saro» (Salvator Rosa).

Однако категорически утверждать участие Розы в восстании искусствоведы все же не могут. По мнению биографов, Сальватор Роза отсутствовал в это время в Неаполе. Он был во Флоренции и оттуда следил за страшными событиями, происходящими в большом городе. Необходимо заметить также, что художник целиком и полностью разделял взгляды повстанцев. И для того, чтобы хоть как-то выразить свое отношение к событиям и восставшим, решил изобразить себя в батальной сцене.

В 1649 г. Сальватор Роза уезжает из Флоренции и отправляется в Рим, где поселяется на Монте Пинчио, находящейся на Пьяцца делла Тринита дель Монте. Из окон дома открывался замечательным вид на собор Св. Петра и холм Квиринал. По соседству с Розой жили известные в те дни художники Никола Пуссен и Клод Лоррен, а недалеко от дома живописца находилась вилла Медичи.

Со времени появления Сальватора Розы во Флоренции жители улицы Монте Пинчио разделились на два лагеря. Одну группу возглавлял молодой человек аскетичного вида, Никола Пуссен. Другой, в которой были знаменитые музыканты, певцы и поэты, руководил Роза.

Одну из комнат своего дома Сальватор Роза превратил в мастерскую. Стены ее украшали авторские работы живописца. Мастер постоянно работал, создавая полотна различного содержания: на религиозные, мифологические и исторические темы. Его кредо было — постоянная работа, совершенствование техники. Он всем говорил о том, что «звездная болезнь» (как сказали бы сейчас наши современники) может погубить даже самый сильный и яркий талант. А потому, даже после того как к мастеру пришла слава и всеобщее признание, необходимо продолжать работать над собой и своими произведениями.

В поздний период творчества Сальватор Роза часто обращается к библейским и античным сюжетам. Для художника здесь оказывается наиболее важным передать самый дух того времени и его особенности. Мастер старается как бы возродить, вернуть к жизни все то, что существовало задолго до тех, чья жизнь послужила источником возникновения сказочно прекрасных и поучительным историй.

Таковыми являются достаточно известные полотна «Справедливость, спустившаяся к пастухам» (1651) , «Одиссей и Навсикая», «Демокрит и Протагор» (1664), «Блудным сын».

Картина «Справедливость, спустившаяся к пастухам» написана по известному сюжету «Метаморфоз» Овидия. На полотне взгляду зрителя предстает богиня Справедливость, дарящая пастухам меч и весы правосудия. Основную мысль полотна можно определить так: истинная справедливость возможна только среди простым людей.

«Одиссей и Навсикая», «Демокрит и Протагор» быти написаны Сальватором Розой после приезда из Венеции, где он познакомился с полотнами венецианских живописцев (в том числе и Паоло Веронезе, в лучших традициях которого и созданы названные выше работы).

Сальватор Роза. Морской пейзаж. Фрагмент

В картине «Блудным сын» сюжет, по сравнению с евангельской притчей, оказывается несколько упрощенным и приземленным. Так, герой представлен как простой неаполитанский крестьянин. Нет здесь и пышного окружения: блудным сын обращается к Богу в окружении баранов и коровы. Огромные размеры полотна с изображением несколько видоизмененной сцены вызывают ощущение издевки и сарказма по поводу того, что считается в обществе хорошим вкусом. Роза выступает здесь как продолжатель идей реализма, становление которого начинается с творчества Микеланджело да Караваджо.

С 1656 г. Сальватор Роза приступает к работе над циклом, состоящим из 72 гравюр, получившим название «Каприччи». Образы, выведенные на этих листах, — крестьяне, разбойники, бродяги, солдаты. Некоторые детали гравюр характерны для раннего творчества Розы. Это позволяет говорить о том, что, вполне возможно, в цикл вошли зарисовки, сделанные еще в детстве, а также во время путешествия по Абруццким горам и Калабрии.

Великий мастер живописи, поэт, замечательный актер и постановщик драматических спектаклей ушел из жизни в 1673 г.

Ярким представителем романтического течения в итальянской живописи XVII в. был Алессандро Маньяско, работавший в Милане и Флоренции. Он писал портреты, композиции на мифологические и религиозные сюжеты, но любимыми его жанрами были пейзажи и бытовые сцены.

Художника привлекают образы бродячих музыкантов, солдат, цыган, комедиантов. Большой интерес представляет цикл картин на тему монастырской жизни («Трапеза монахинь», «Похороны монаха»). Обычная, ничем не примечательная жизнь монастыря превращается у Маньяско в мрачную комедию. Гротескные фигуры монахов и монахинь непомерно вытянутый пропорции деформированы, а жесты и позы преувеличенно экспрессивны. Пустоту серой монастырской действительности подчеркивает колорит, выдержанный в темно-коричневых и зеленоватых оттенках.

Большое место в живописи мастера занимает пейзаж. Художник изображает мрачные руины, темные лесные чаши и морские бури. В природной стихии как будто растворяются гротескные человеческие фигуры, придающие ландшафтам фантастический вид («Пейзаж с прачками»; «Горный пейзаж», 1720-е; «Проповедь св. Антония Брешианского»; «Морской пейзаж», 1730-е). Несмотря на иронию, присутствующую в изображениях людей, глядя на картины, зритель испытывает чувство жалости к монахам, музыкантам, бродягам, населяющим причудливый мир живописи Маньяско.

Рококо в живописи: особенности стиля

Дорогие друзья, посетители и  постоянные читатели блога!

Хочу спросить, а волнует ли вас веселый и загадочный стиль Рококо? Знаете ли вы, что стиль считается самым легкомысленным, так сказать, «с легким ветерком в голове» из всех стилей в истории искусства, по словам критиков того времени? 

Мне же кажется, что среди всех стилей искусства он занимает особое место. Кстати, не только потому, что я ему очень симпатизирую! Согласитесь, само журчащее название «Рококо» уже обеспечивает часть успеха, оно интригует и запоминается.

Как всегда, законодательницей мод в искусстве выступила Франция. Именно там, в первой половине XVIII века, начал развиваться стиль Рококо, стиль легкости, изящества и беззаботности. А название «Рококо» производное от французского слова rocaille, что означает «скальный», также может переводиться как ракушка, коралл, обломки скал.

Причем тут ракушки, — спросите вы? А потому что изначально Рококо появился в декоре, а визитной карточкой стал завиток в виде морской раковины, самым ярким элементом композиций декора! А уже затем появились затейливые орнаменты, всякие милые глазу S-образные завитушечки.

Мебель с завитушками в стиле Рококо

Надо отметить, что эпоха Рококо — это стремление к свободе и непринужденности, освобождение от канонов и требований. То есть уход от стиля Барокко, который тогда находился в расцвете. А главной идеей Рококо является красота, идиллия, отказ от проблем и реальности, такая счастливая красивая жизнь.

Появление стиля Рококо в искусстве было закономерным. Как это часто бывает, публика пресытилась излишней пышностью, вычурностью и тяжеловесностью Барокко. И вот в начале XVIII века в декоре парковых павильонов появилось нечто новое, легкое и непринужденное.

На фото:
Слева — Франсуа Буше «Завтрак» 1739 г, на картине можно увидеть элементы интерьера того времени
Справа — неизвестный художник, на картине аристократка в одежде того времени

Стиль Рококо в живописи

А дальше все очень просто: появился спрос на подобные украшения, а затем и мода. С этого момента стиль Рококо стал активно распространяться по странам Европы. Что же касается видов искусства, то наиболее ярко он проявился в архитектуре и живописи.

Архитектура Рококо с игривостью противостоит строгой симметричности и парадности сооружений Барокко. Построенные в эпоху Рококо дворцы и храмы и сейчас радуют изысканностью форм, приветливостью и веселой красотой. Чаще всего, в этих сооружениях почти полностью отсутствуют прямые линии.

Как, это же архитектура, — скажете вы? Просто все эти линии старательно замаскировывались растительными орнаментами, плавными изгибами, кокетливыми карнизами и другими затейливыми элементами.

Архитектура в стиле Рококо

Но еще более ярко стиль Рококо выразился в декоре интерьеров! Сложные лепные узоры, завитки, гирлянды – все это создавало впечатление сказочной роскоши и живописной легкости. Картину интерьера дополняли многочисленные зеркала и хрустальные люстры.

Интерьеры эпохи Рококо

Для оформления в стиле Рококо кроме традиционных пастельных тонов, часто использовались золотистые и жемчужно-серебристые оттенки. Что и сказать, интерьер получался роскошный, даже сказочный! Помещение, украшенное таким декором, казалось изнутри невероятно красивой шкатулкой.

Чем отличается Рококо от Барокко?
  • Самое главное отличие стилей, это их происхождение. Искусство Барокко в своем начале религиозное,  так как основным заказчиком картин была церковь, а Рококо — чисто светское, аристократическое. Ни правительство, ни церковь не покровительствовали в подъеме стиля Рококо
  • Для Барокко характерна масштабность, монументальность и строгая симметричность. А Рококо напротив – изящный, построен на асимметрии.

Примеры картин эпохи Барокко и Рококо

  • Барокко свойственны темные, контрастные, яркие цвета. А Рококо, будто бы играючи, все поменял: для него характерны мягкие цветовые переходы и светлые пастельные тона.
  • Стиль Барокко создает театральность и торжественность, а Рококо – мягкую утонченность и галантность.

Характерные черты стиля Рококо в живописи

Основоположником Рококо в изобразительном искусстве стал французский живописец Жан Антуан Ватто (Antoine Watteau). Вначале он копировал картины фламандских мастеров, а со временем нашел свою тему в живописи. Он стал писать милые легкие картинки из жизни аристократов, и это было началом нового галантного жанра. А затем и нового стиля в живописи – Рококо.

Картины Рококо живописца  Жана Антуана Ватто

Картины Рококо наполнены, как сейчас сказали бы, няшностью. Полный уход от проблем современного мира и жестоких реалий, только идиллия и наслаждение жизнью. Элегантно одетые персонажи, находящиеся на фоне красивой природы, играющие, отдыхающие – традиционный сюжет картины Рококо.

В эпоху Рококо художники постоянно находились в поиске особенных изысканных оттенков. Были модными неестественные цвета, которых практически не встречалось в природе. Так вот, некоторые редкие оттенки даже получали милые названия за свою красоту.

Например: «голубиная шейка» (понятно, что голубой цвет), а вот как выглядел «цвет потерянного времени» или «цвет бедра взволнованной нимфы» даже догадаться сложно! Кстати, cuisse de nymphe émue (бедро взволнованной нимфы) считается бледно-розовый цвет, и даже есть розы с таким чудесным  названием! 

Картина Рококо и роза «cuisse de nymphe émue»   

На заметку: Франсуа Буше, автор пасторального жанра и живописец Рококо, считал, что природа несовершенна, к тому же часто природному сюжету недостаточно освещения. Поэтому он добавлял изумрудные, розовые и бирюзовые оттенки, делая  свою живопись яркой и радостной.

Примеры картин Франсуа Буше (François Boucher)

Слева — «Венера, утешающая Амура» («Venus Consoling Love»), 1751г.
Справа —  «Птичья клетка» («La cage d’oiseaux»), 1750г.

Картины Рококо Франсуа Буше

На заметку: Стиль Рококо иногда называли «стилем Помпадур». Почему? Да потому что мадам де Помпадур, фаворитка короля Людовик XV , была настоящей иконой стиля того времени! Маленькие, почти кукольные, ручки и ножки, изящная обувь, эротичное декольте, складочки, рюшечки, розочки, бантики… Такой она предстает на картинах художников того времени.

На фото: Франсуа Буше «Портрет мадам де Помпадур)

Стиль Рококо в живописи — Франсуа Буше

А знаете ли вы, кто сделал Францию центром культуры, искусства и моды? Именно король -солнце, как его называл французский народ, Людовик XIV! Со времен рассвета стиля Барокко на территории Франции все и началось, потом засветил поярче «культурный маяк» и последователь трона-  Людовик XV. Так с легкой руки короля, Франция до сих пор считается центром искусства и моды…

Еще одна особенность стиля Рококо в живописи – это отношение к внешнему виду персонажей. Герои картин все как на подбор румяные, нежные и холёные. Причем, это касается не только дам, но и мужчин. Стало модным иметь румяный вид, что подразумевало крепкое здоровье и молодость. Именно в этом был секрет стиля: неувядающая молодость и красота!

На фото: 
Элизабет Виже-Лебрен, «Портрет мадам Дюбарри» 1782г.
Густаф Лундберг, «Портрет Франсуа Буше» 1741г.

Рококо в живописи

Кстати, как вы думаете, кто рисует больше, мужчины или женщины и почему? Читайте мою статью с примерами, надеюсь, она вам понравится. А здесь вы можете почитать об малоизвестных художницах Франции, например, об Элизабет Виже-Лебрен, чья картина находится выше.

Вот и получается, что Основная идея Рококо в живописи — запечатлеть  вечную молодость и красоту! В картинах персонажи как бы изящно убегали от реальности, показывая всем своим существованием радостную беззаботность.

Как ни странно, но характерной чертой Рококо в живописи также является… эротика. Получилось, что в это время было полностью пересмотрено отношение к обнаженному телу. Художники еще со времен античности писали обнаженную натуру, но теперь в этих картинах добавился привкус соблазна и сладострастия.

Кстати, именно это служило темой для критики шедевров французских живописцев Франсуа Буше и Жана Оноре Фрагонара. Уж слишком откровенными и манящими выглядели молодые дамы на картинах этих художников!

На фото: 
Слева —  Фрагонар «Девочка играющая с собачкой» 1770г.
Справа — Франсуа Буше «Геркулес и Омфала» 1731г.

«Манящие» картины в стиле Рококо

Критики того времени осуждали не только картины, но и все направление в целом. Они считали, что стиль несерьезен и безвкусен. Многие отмечали, что стиль Рококо несет распущенность в массы и не имеет эстетики …. Только вечная моложавость, беззаботность и любовь! Это критики того времени высказывали свое мнение по поводу стиля, а сейчас, современные критики искусства оценивают стиль совершенно иначе!

Кстати, стиль Рококо имеет популярность и в современной моде, и даже отражается в картинах многих современных художников

Стиль рококо в современной моде

В моей творческой деятельности есть совершенно разные картины, написанные в разных стилях, жанрах и направлениях. В том числе имеются и картины в современной интерпретации стиля Рококо. Выставляла их на выставке современного искусства во Франции.

Я заметила, что к картинам современного Рококо проявляется интерес, возле них задерживаются и задают вопросы. Поверьте, для творческого свободного художника это хороший знак, чтобы и дальше проводить эксперименты в картинах!

Картины Рококо в современной интерпретации

В картинах на фото выше, помимо краски, я использовала натуральные стразы, для ожерелья, папье маше для головного убора и нижней части платья, а также маленькие кусочки зеркала. В таком виде картина выглядит куда интереснее, ведь живопись и микс медиа на холсте относится к новым направления в искусстве!

Видео для размышления:  Зачем нам нужны картины и По какому принципу мы  их выбираем?


Друзья, чтобы статья не затерялась среди множество других статей в интернете, сохраните ее в закладках. Она всегда будет под рукой, если вы захотите к ней вернуться!

Задавайте ваши вопросы внизу в комментариях, обычно, я отвечаю быстро на все вопросы

Живопись барокко: история, характеристика, стили

История живописи барокко, характеристика, тенебризм, караваджизм. MAIN AZ INDEX – AZ АРТ-ДВИЖЕНИЙ

Деталь измузея Прадо Святой Троицы (1635 г.) , Мадрид. Хосе Рибера.Пример из учебникакатолического искусства контрреформации 17 века , призванный поощрять благочестие ивдохновлять верующих.

Содержание

или Избиение младенцев царем Иродом .Тем не менее, Рубенс также занимался некоторыми новыми темами, такими как этот портрет своей невестки или этот прекрасный пейзаж.

Франция: Пуссен и Лоррен

Темы мифа и пейзажа привлекли еще большее внимание во Франции, где Пуссен создал несколько прекрасных картин на тему греческих мифов, таких как Триумф Нептуна и Амфитрита и эта картина Пастухов Аркадия . Обратите внимание, как тень на каменной гробнице представляет как настоящие тени, накладываемые светом, так и метафорическую тень смерти.

Тем не менее, на мой взгляд, величайшим вкладом Франции в живопись барокко был Лоррен, пейзажи которого остаются одними из самых красивых из когда-либо созданных. Обратите внимание на то, что человеческая фигура больше не находится в центре внимания картин, а скорее является частью декораций. Особенно это видно на его картинах с изображением моря.

Голландия: Рембрандт

Итак, мы увидели, как барочное мастерство света и тени было применено к новым предметам, когда этот новый стиль распространился по Европе.Это распространение на новую тему достигло своего апогея в Голландии под кистью величайшего из всех художников эпохи барокко, Рембрандта.

Рембрандт объединяет все описанные нами черты барокко в один гений. В Рембрандте мы становимся свидетелями мастерства света, тени и реализма. Мы видим религиозные темы, такие как Пир Валтасара и Иосиф, обвиненный женой Потифара . Мы также видим нетрадиционные предметы, такие как картина урока анатомии, эти пейзажи и даже натюрморты.

Краткое содержание урока

Этими пейзажами, картинами с фруктами и т. П. Рембрандт и его коллеги-художники в стиле барокко завершили переход от человеческой формы, которая так зациклилась на художниках эпохи Возрождения. Игра света и тени могла быть столь же драматичной на кожуре апельсина, как и на лице нашего спасителя. Эти картины напоминают нам, что захватывающая дух красота не относится ни к небесам, ни к мифу, ни даже к человеческому облику.Красота повсюду, если только уметь ее запечатлеть.

Результаты обучения

После того, как вы закончите это видео-урок, вы должны уметь:

  • Определить стили света и тени в стиле барокко
  • Укажите на некоторые из основных тем стиля барокко
  • Признать работы великих художников эпохи барокко, включая Рембрандта, Рубенса, Караваджо, Веласкеса и Лоррена

Живопись в стиле барокко | Основные гуманитарные науки

Введение

Сводная таблица

Краткое содержание живописи в стиле барокко
Раннее барокко
ок.1600-25
Высокое барокко
ок. 1625-75
Позднее барокко
ок. 1675-1725
Рококо
ок. 1725-1800
реалистическое барокко: Караваджо динамическое барокко: Рубенс
реалистическое барокко: Рембрандт, Веласкес
классицизм: Пуссен
наследников мастеров высокого барокко Буше
Светская живопись барокко
пейзаж Ruisdael
жанровая живопись Vermeer
натюрморт Шарден
портрет Галс

Общие характеристики

Искусство барокко характеризуется динамизмом (чувство движения), которое дополняется экстравагантными эффектами (например.грамм. сильные изгибы, богатая отделка, яркое освещение; см. западная эстетика). Полноценная эстетика барокко ( полное барокко ) была принята в южной части Западной Европы, в то время как северная часть Западной Европы пришла к компромиссу между классическим барокко ( сдержанное барокко ). Главное исключение из этого обобщения — Фландрия, которая охватывала «полное барокко» (см. «Распространение барокко»).

Следовательно, можно ожидать, что живопись в стиле барокко будет содержать динамическую композицию (см. «Визуальная композиция»).Однако это не всегда так; иногда, вместо того, чтобы использовать заранее заданную эстетическую структуру (динамическую композицию), художники эпохи барокко просто составляли сцены так, как они появляются в реальном мире (или, в случае воображаемых сцен, как они правдоподобно появляются в реальном мире). Этот подход можно охарактеризовать как реалистичное барокко , в отличие от динамического барокко .

Еще раз: живопись эпохи барокко можно разделить на динамическую картину в стиле барокко, картину (с динамической композицией) и картину в стиле реалистического барокко, картину (с реалистичной композицией).Первую можно рассматривать как потомок итальянской живописи эпохи Возрождения (которая сосредоточена на общей композиции), а последнюю — как потомка живописи эпохи Возрождения Низкие страны (которая сосредоточена на реалистичном изображении непосредственного физического мира).

Идеализм против фотореализма

Эстетика реалист в стиле барокко идет дальше реалистичной композиции: в ней также присутствует фотореализм . (Только в эпоху барокко живопись достигла уровня физического реализма, который можно с полным основанием назвать «фотореалистичным».Контрастный подход — идеализм , который преобладал в живописи эпохи Возрождения и был в целом продолжен динамичными художниками эпохи барокко .

Идеализм является логическим следствием эстетики классицизма , который в основном озабочен общим балансом и гармонией композиции (а не точными деталями). Хотя классическая живопись вполне реалистична, отдельные элементы и текстуры, тем не менее, часто упрощаются , поскольку они имеют второстепенное значение.Следовательно, элементы классической композиции (например, человеческие тела и лица, элементы ландшафта) приобретают аналогичный общий вид, поскольку они идеализированы (т.е. когда неровные и негармоничные аспекты реального мира сглаживаются).

Повторюсь: реалистическая живопись в стиле барокко включает фотореализм (уровень физического реализма, приближающийся к реальному миру), в то время как динамическая живопись в стиле барокко обычно демонстрирует идеализм (в котором реальный мир упрощен до идеализированных общих черт).Первое качество происходит от живописи Нижних стран , второе — от итальянского искусства .

Sky потолочные фрески

Когда сцена нарисована с достаточным физическим реализмом (особенно глубиной перспективы ), это дает наблюдателям иллюзию «смотрящего через» нарисованную поверхность на сцену за ее пределами; это известно как иллюзионистическая картина . Самая впечатляющая традиционная форма иллюзионистской живописи — это фреска потолка , которая возникла в эпоху Возрождения, а затем достигла своей кульминации в эпоху барокко.Помимо неба, облаков и солнца, эти фрески обычно наполнены парящими фигурами и богатыми декоративными элементами, что делает их, пожалуй, самыми роскошными образцами эстетики динамичного барокко 12

Основная статья

Раннее барокко

ок. 1600-25

Основоположником эстетики реалистического барокко был Караваджо, самый влиятельный художник периода раннего барокко, и художник, установивший тенебризм (яркое освещение сцены из темноты) как общую черту реалистической живописи барокко. .Учитывая его усиливающий драматизм эффект, тенебризм во многом является эффектом барокко (см. «Западная эстетика»). Влияние этого эффекта можно увидеть в «Музыкантах», одном из самых известных нерелигиозных произведений Караваджо, и в «Призыве святого Матфея», возможно, его шедевре.

Караваджо вызвал много споров своим смелым принятием реальности. В религиозных картинах, например, он столкнулся с массовым сопротивлением его изображениям библейских фигур с реалистичными телами и чертами лица; это знаменует собой резкий отход от идеализма эпохи Возрождения , в котором фигуры, как правило, мускулистые и молодые, а лица безупречны.Более того, в творчестве Караваджо часто фигурирует бедняк, человека и места; Зов святого Матфея , например, происходит в захудалой таверне. C87, E47, H837

Терминология нижних стран

Историческое обсуждение региона, известного как Низкие страны , может сбивать с толку из-за двусмысленной терминологии. Этот регион состоит из двух основных частей: Нидерланды (на севере) и Бельгия (на юге). Нидерланды стали независимой страной ок.1600 г., а Бельгия обрела независимость в девятнадцатом веке.

В период позднего средневековья в Нидерландах находилось маленькое процветающее государство с экономикой, основанной на торговле и производстве. Самым сильным из них был Фландрия , который лежал в основном в северной Бельгии. При обсуждении истории до ок. 1600 г. весь регион Низких стран часто называют «Фландрией».

Между тем, термин Нидерланды буквально означает «Нидерланды».До ок. 1600, «Нидерланды» также использовалось для обозначения всего региона Низких стран.

Терминология нижних стран
при обсуждении истории…
до ок. 1600 ок. 1600-1800 после ок. 1800
регион Низких стран известен как Нижние страны, Нидерланды, Фландрия Нижние страны
северная половина известна как Нидерланды
южная половина известна как Фландрия Бельгия

Прибл.1600, северная часть Нидерландов стала независимой страной Нидерландов. Таким образом, после ок. 1600, термин Нидерланды обычно ограничивается этой страной. Термин Фландрия , однако, часто все еще применяется к южным Нидерландам до девятнадцатого века, когда была образована нация Бельгия .

Возвышение светской живописи

Наряду с Италией, самым новаторским регионом западной живописи в эпоху барокко была Нидерланды .Действительно, семнадцатый век был голландским золотым веком , необычайным расцветом (особенно для такой маленькой страны) искусства, науки и глобальной торговой империи. Экономическое процветание породило большой средний класс со здоровым аппетитом к искусству.E52, G382, H854

На протяжении средневековья и эпохи Возрождения в западном искусстве повсеместно доминировали христианские темы (и, в меньшей степени, классическая мифология). Это господство продолжалось бы на протяжении всей эпохи барокко, если бы не Реформация , которая обратила большую часть Европы в протестантизм.В протестантских народах религиозные и мифологические образы категорически не приветствовались . Более того, протестантизм (который предписывал суровую, простую жизнь) был несовместим с богатством динамичной эстетики барокко. E46, F326

Таким образом, в странах протестантской Европы (включая Нидерланды) художники не могли зарабатывать на жизнь ни религиозным искусством, ни динамичным искусством барокко . С точки зрения эстетики, это привело к тому, что протестантские художники приняли реалист в стиле барокко ; по содержанию светских, (нерелигиозных) предметов.

Золотой век Нидерландов, наконец, поднял светскую живопись на уровень , равный религиозной и мифологической живописи в Европе. Светскую живопись можно разделить на четыре основных типа: пейзаж , жанровая картина , натюрморт и портрет . Ранняя разработка всех четырех типов произошла в эпоху Возрождения , .E46, F319, H854

.

Пейзаж можно определить как «картину, в которой окружающая среда является основным предметом; фигуры отсутствуют или второстепенны».(Морской пейзаж и городской пейзаж часто сгруппированы как особые типы ландшафта.) Натюрморт изображает коллекцию объектов (часто цветов, фруктов и / или посуды), обычно выбранных для приятного смешения цветов. и текстуры. Жанровая картина — изображение повседневной жизни.

Самым выдающимся пейзажистом эпохи барокко был Якоб ван Рейсдал , а ведущим художником жанра барокко Ян Вермеер .Оба были голландскими художниками, чьи карьеры приходились в основном на эпоху высокого барокко. В то время как натюрморты также процветали в голландский золотой век, самым известным художником натюрморта в стиле барокко, вероятно, является французский художник Жан Шарден периода рококо.

Наконец, золотой век Нидерландов дал начало естественному портрету , который запечатлел спонтанную, естественную позу и выражение лица. Этот подход постепенно появлялся на протяжении всего Возрождения, когда жесткая формальность (которая характеризует самые ранние портреты эпохи Возрождения) медленно смягчилась .Выдающимся портретистом эпохи барокко был Франс Хальс .F327, H854

Высокое барокко

ок. 1625–1675

Рембрандт ван Рейн, реалист в стиле барокко, часто считается величайшим из всех голландских художников. Рембрандт воспринял тенебризм , но более мягко и атмосферно, чем Караваджо. Его ведущие работы включают «Ночной дозор» (его шедевр) и «Аристотель с бюстом Гомера». E54, F335, H857,6

Диего Веласкес, еще один художник-реалист в стиле барокко, считается величайшим художником Испании.7 Его шедевр — Las Meninas («Фрейлины»), в котором представлены члены испанского двора.

Питер Пауль Рубенс, величайший художник эпохи барокко Фландрии, часто считается выдающимся художником эстетики динамичного барокко (хотя он также работал в реалистическом барокко) .1 Его стиль часто описывают как живописный , что означает, что он отдавал предпочтение свободным, выразительным мазкам цвета перед четко очерченными формами. (Художник, который предпочитает четко очерченные формы, сначала нарисует эти формы, а затем аккуратно закрасит линии рисунка; это линейный стиль , живопись , противоположность живописному стилю.)

Самыми известными произведениями Рубенса могут быть два запрестольных образа: «Поднятие креста» и «Снятие с креста». Его дар динамизма также хорошо подошел для сцены охоты .

В то время как живопись в стиле барокко процветала во Франции, многие художники предпочли продолжить стремление к классицизму . Среди них был величайший французский художник эпохи барокко Николя Пуссен, чьим шедевром является «Аркадские пастыри». Пуссен был настолько влиятельным человеком, что вплоть до появления современного искусства его стиль (резко линейный) широко считался идеальной моделью французской живописи.E62, H865-68,4

Французский классицизм охватил не только фигурную живопись, но и пейзаж . Однако полученные изображения были не реалистичными, а воображаемыми классическими пейзажами , в которых местность и ее особенности расположены уравновешенно и гармонично. Действительно, эквивалентные работы были созданы динамичными художниками эпохи барокко: воображаемые динамичные пейзажи барокко , расположенные в динамичной, диссонансной манере, часто с неспокойной погодой и резко изогнутыми дорогами и реками.

Позднее барокко

ок. 1675-1725

Величайшие художники эпохи барокко относятся к периоду высокого барокко . Различные стили и предметы живописи высокого барокко продолжали процветать в течение позднего барокко в кистях многих менее известных преемников .

Рококо

ок. 1725-1800

Последней фазой барокко был рококо , в котором были сохранены изгибы и динамизм барокко, но его тяжелая драма смягчила до легкого игривого стиля.Веселые сюжеты, светлые цвета и изящные изгибы — все это типичные черты искусства рококо. Самым культовым художником рококо является Франсуа Буше, чьи работы включают картины, керамику и гобелены; его шедевр — Рождение Венеры. C95, G378,9

1 — «Период барокко (искусство)», Британская энциклопедия. По состоянию на май 2009 г.
2 — «Караваджо (итальянский художник): Главное», Британская энциклопедия. По состоянию на май 2009 г.
3 — «Караваджо, Микеланджело Меризи да», Колумбийская энциклопедия.По состоянию на май 2009 г.
4 — «Искусство и архитектура барокко», Энкарта. По состоянию на май 2009 г.
5 — «Барокко в искусстве и архитектуре», Колумбийская энциклопедия. По состоянию на май 2009 г.
6 — «Рембрандт Харменс ван Рейн», Колумбийская энциклопедия. По состоянию на май 2009 г.
7 — «Веласкес, Диего Родригес де Сильва и», Колумбийская энциклопедия. По состоянию на май 2009 г.
8 — «Rococo Style», Encarta. По состоянию на май 2009 г.
9 — «Стиль рококо (дизайн)», Британская энциклопедия. Проверено в мае 2009 г.
10 — «Живопись: живопись итальянского барокко», Энкарта.Проверено в мае 2009 г.
11 — «Живопись: живопись французского барокко», Энкарта. По состоянию на май 2009 г.
12 — «Западная живопись: барокко», Британская энциклопедия. По состоянию на июль 2009 г.
13 — «Ле Брюн, Шарль», Британская энциклопедия. По состоянию на июль 2009 г.
14 — «Живопись», Британская энциклопедия. По состоянию на июль 2009 г.
16 — «Испанское искусство и архитектура», Колумбийская энциклопедия. По состоянию на июль 2009 г.

Основы искусства барокко | Искусство мужественности

Это часть II из серии, разработанной для ознакомления читателей с простыми основами некоторых из основных периодов западного искусства в надежде дать вам что-то сказать на следующем свидании в музее и более глубоко оценить искусство в общем.Первая часть посвящена основам искусства эпохи Возрождения.

Основы искусства барокко


Период времени: 1600s-1700s

Справочная информация: Когда Мартин Лютер написал свои 95 тезисов в 1517 году, он положил начало движению, которое навсегда изменило мир: протестантской Реформации. Его критика католической церкви и аргументы в пользу таких вещей, как верховный авторитет Священного Писания и оправдание только верой, распространились по всей Европе через печатный станок, сделав новообращенных и основав новые протестантские деноминации.

В ответ католическая церковь начала собственное внутреннее реформирование, чтобы устранить коррупцию и четко определить свои доктрины и теологию. Эта контрреформация нашла свое самое важное выражение в Тридентском соборе, созванном папой Павлом III в 1545 году. Хотя Совет предпринял шаги по реформированию внутренних злоупотреблений, он не попытался пойти на компромисс с протестантами в вопросах доктрины; вместо этого Церковь решительно подтвердила истинность позиций, на которые напали протестанты.Это наполнило католическую веру новой энергией и уверенностью.

Но менее известным следствием Трентского совета было его влияние на искусство.

Частью реформы церкви было просвещение ее членов, помогая им больше узнать о своей вере. Это была непростая задача, поскольку большинство людей в то время были неграмотными. Совет Трент объявил, что искусство должно использоваться для объяснения глубоких догм веры всем, а не только образованным. Для этого религиозное искусство должно было быть прямым, эмоционально убедительным и мощным, предназначенным для зажигания духовного воображения и воодушевления зрителя на большее благочестие.

Новые деноминации, такие как кальвинисты, считали, что церкви и церковные службы должны быть простыми, упрощенными делами. Но Совет утверждал, что Богу величия и силы следует поклоняться с помощью ритуалов, церемоний и церквей, соответствующих этим божественным качествам. Это утверждение красоты и грандиозности проявлений веры нашло свое отражение в искусстве барокко.

На что обратить внимание в искусстве барокко:

  • Изображения прямые, очевидные и драматичные.
  • Пытается привлечь зрителя к участию в сцене.
  • Изображения кажутся физически и психологически реальными. Эмоционально напряженный.
  • Экстравагантные декорации и украшения.
  • Эффектное использование цвета.
  • Драматические контрасты между светом и тьмой, светом и тенью.
  • В отличие от искусства эпохи Возрождения с его четко очерченными плоскостями, где каждая фигура расположена изолированно друг от друга, в искусстве барокко есть непрерывное наложение фигур и элементов.
  • Общие темы: грандиозные видения, экстазы и обращения, мученичество и смерть, яркий свет, напряженные психологические моменты.

Примеры:

Экстаз Святой Терезы , Джованни Лоренцо Бернини, 1652. Общей темой художников барокко был чудесный момент, когда божественное встречается с земным, священное вторгается в мирское. Святая Тереза ​​была мистической монахиней, которая записала опыт, в котором ангел спустился и пронзил ее внутренности пылающей стрелой божественной любви.Боль была сильной, но сладкой и привела ее в экстаз перед Богом. Также демонстрируется использование света в стиле барокко; деревянные лучи эффектно спускаются вниз и освещаются окном с желтыми панелями над скульптурой.

Преобразование на пути в Дамаск , Караваджо, 1601. Караваджо, пожалуй, мой любимый художник любого периода, и это моя любимая его картина. Изображен момент, когда Савл (который вскоре станет Павлом) переживает переживание обращения по дороге в Дамаск.Мы снова видим барочную тему божественного, внезапно вторгающегося в земную сферу. Караваджо был мастером использования тени и света, чтобы усилить драматизм и значение своих картин. Здесь Божий свет сбил Саула с лошади, и его руки вытянулись в форме воронки, чтобы принять свет. Между тем человек и лошадь, которые символизируют обычный земной мир и не обладают полным опытом, находятся в тени.

Распятие Святого Петра , Караваджо, 1601 .В отличие от идеализированных, благородных, классических человеческих форм, любимых художниками эпохи Возрождения, Караваджо предпочитал рисовать сцены и людей такими, какими их мог бы видеть глаз, включая естественные недостатки. Он не чувствовал, что картина должна быть сентиментальной, чтобы быть сильной, вместо этого полагая, что внутренняя природа сцены, красноречие, запечатленное в реальных позах фигур, были эффективными с педагогической точки зрения. Его картины были настолько реалистичными, что посетители иногда отвергали их как слишком «вульгарные». На этой картине св.Петра распинают. Он попросил повесить его на кресте вверх ногами, чтобы не подражать своему Господу. Божественный свет сияет на Петра, в то время как лица римлян скрыты тенями. Питер кажется намного тяжелее, чем можно было бы ожидать — трое мужчин изо всех сил пытаются поднять его, что символизирует тяжесть их преступления.

Четыре континента , Питер Пауль Рубенс, 1615. Питер Пауль Рубенс был ведущим художником Контрреформации и привнес энергию, чувственность и драматизм искусства барокко не только в религиозные произведения, но и в исторические произведения. и мифологические темы (а иногда и сочетание всех трех).На творчество фламандского художника повлияло как его образование в Антверпене, так и поездка в Рим, элементы, которые стали мастерским синтезом стилей Ренессанса и барокко. В Четыре континента вы можете увидеть черты барокко ярких цветов, телесности и перекрывающихся фигур. Символизируя распространение католической церкви по всему миру, изображение четырех континентов в виде женщин было общей темой в искусстве Контрреформации, особенно в церквях иезуитов. Склонность Рубена к изображению женщин с мясом на костях привела к известному прилагательному «Rubenesque» для описания полных женщин.

Снятие с креста , Рембрандт, 1634 год. Хотя Рембрандта, пожалуй, больше всего помнят за его портреты, он также был мастером барочного живописца пейзажей и религиозных сюжетов. Во всех своих картинах и офортах он стремился к «величайшему и наиболее естественному движению». В его «Снятие с креста » мы снова видим подпись в стиле барокко эмоциональной сцены, усиленной драматическим использованием света и тени. Свет сияет на теле Христа, верных женщинах, которые стояли рядом с ним, и на саване, в котором он вернется к жизни.

Мои любимые Рембрандты — это его серия «Философ», на которую мне, вероятно, не нужно указывать, а свет и тень блестяще используются:

Философ в медитации

Философ с открытой книгой

Философское чтение

Основы искусства Серия
Эпоха Возрождения
Период барокко
Период романтики

Искусство барокко — основные художники и живопись периода барокко

Период барокко возник после периодов искусства Возрождения и маньеризма.Он принес с собой новые взгляды на жизнь, искусство, религию и культуру. Стиль барокко отошел от суровых элементов протестантского стиля. Католическая церковь поддерживала развитие барокко с его истоками в Риме, Италии и, в конечном итоге, в европейских странах, таких как северная Италия, Франция, Испания, Португалия, Австрия, южная Германия и Россия. Ниже мы обсудим этот декоративный и причудливый период искусства года.

Исторические основы: когда был период барокко?

Период барокко начался с конца 1500-х до начала 1700-х годов и был широким и разнообразным по всей Европе.Его принципы экстравагантности, витиеватости и украшенных деталей были изображены в различных культурных средах, таких как живопись, архитектура, скульптура, литература и музыка. Это был период возрождения искусства и культуры, уходивший глубокими корнями в религиозные структуры и силы Западной Европы того времени, которая была католической церковью, а в настоящее время именуется Римско-католической церковью.

Искусство барокко любого вида было неразрывно связано с католической церковью. Фактически, Церковь сообщала, как должно выглядеть искусство, чтобы оказывать желаемое влияние на людей.Он был создан, чтобы внушать величие и трепет людям, которые его испытали, и стал совершенно новым чувственным опытом.

Католическая церковь поддержала стиль барокко, потому что он нуждался в новом и живом подходе, чтобы снова вдохновить и воодушевить простых людей, а также соединить их с Церковью и ее величием. После войны и конфликтов, последовавших за Реформацией, это было освежающим возрождением для Церкви.

Движущие силы этого можно считать пропагандистскими, поскольку они использовали способы визуального представления и коммуникации (живопись, архитектура, скульптура) для поддержания доверия и авторитета католической церкви.

Чтобы понять прогресс, который искусство барокко принесло искусству и культуре, нам нужно взглянуть на исторические основы, лежащие в основе этого периода.

Реформация: Католическая церковь и протестанты

Период барокко возник в результате значительных политических и религиозных потрясений в Европе, таких как Реформация между протестантами и католической церковью в 1500-х годах. Хотя Реформация могла начаться с многих других религиозных деятелей до Мартина Лютера (немецкий монах, священник и богослов), многие научные источники указывают на него как на катализатор Реформации, которая привела в движение эти события.

Мартин Лютер известен своей публикацией под названием « 95 тезисов », которую он написал в 1517 году из-за опасений по поводу различных сомнительных действий католической церкви. Его опасения касались прежде всего того, что Церковь (при Папе Льве X) продавала индульгенции, также известные как полные индульгенции, людям, чтобы собрать деньги на строительство базилики Святого Петра в Ватикане в Риме.

Индульгенции были почти как сертификаты, гарантирующие людям, что они попадут на Небеса и проведут меньше времени в Чистилище, если они предложат пожертвования Церкви, сделают доброе дело, посетят определенное место или прочитают молитву.В данном случае финансовые пожертвования помогли Папе Римскому построить базилику. Мартин Лютер не соглашался с такой процедурой, поскольку считал, что никому не нужно платить за свое место на Небесах. Кроме того, у него были другие более глубокие опасения по поводу церкви и ее позиции по различным религиозным вопросам, связанным с католическими таинствами.

Начало текста первого издания немецкой версии 95 Тезисов 1557 г .; Мартин Лютер, общественное достояние, через Wikimedia Commons

В это время Мартин Лютер преподавал нравственное богословие в Виттенбергском университете, а также был проповедником.Он слышал об информации о продаже индульгенций и о проповедях, которые читал недалеко от Виттенберга другой проповедник по имени Иоганн Тецель, немецкий проповедник-доминиканец, который также был Великим уполномоченным по индульгенциям.

Мартин Лютер отправил « 95 тезисов » архиепископу Майнца, который в то время был Альбертом Бранденбургским, чтобы проинформировать его о происходящем. Он также повесил его на дверях церкви в Виттенберге, что было обычной практикой.Наличие печатного станка позволило Мартину Лютеру сделать многочисленные копии своей публикации. Фактически, сотни были напечатаны в Германии, а также переведены на немецкий с латыни. Документ в конечном итоге попал в руки многих уважаемых интеллектуалов.

Это было в 1521 году, когда Мартин Лютер вступил в серьезные разногласия с церковью, поскольку он не отказывался от своих взглядов, когда его об этом просили. Из-за этого он был изгнан церковью и считался «печально известным еретиком» в Вормском эдикте г., провозглашенном императором Карлом V.

После поворота событий после Реформации, которая, как полагали, закончилась либо во время Аугсбургского мира в 1555 году, либо во время Вестфальского мирного договора в 1648 году, католическая церковь сформировала Контрреформацию. Это началось с 1545 по 1563 год с Тридентского совета. Трентский совет состоял из множества собраний, на которых рассматривались различные вопросы и процедуры, существующие в Церкви и ее системах.

Протестанты против контрреформации

Контрреформация также вызвала новые события в искусстве и духовности.Протестанты стремились избавиться от многих религиозных образов католической церкви, считая их слишком экстравагантными. Некоторые реформисты жестоко уничтожили религиозные образы католической церкви, известные как иконоборчество. Протестанты считали, что религиозные изображения должны изображать только Иисуса или изображения креста в соответствии с протестантскими ценностями.

Католическая церковь считала, что религиозные образы обладают большой силой в ответ на суровые стили протестантизма. Более того, во время событий Трентского Собора было решено, какие религиозные образы будут приемлемы или нет.«Пасторальная роль» искусства считалась основной целью религиозных образов, что означало, что художники могли изображать истории страданий Христа, распятия и многих святых, связанные с библейскими историями. Члены совета установили строгие правила, согласно которым все изображения не должны содержать идолопоклоннических намеков.

За этим последовали новые художественные стили и взгляды, отраженные в религиозных образах, более известные как период барокко.

Жемчужина с дефектами: определение барокко

Поняв значение термина «барокко», мы получим больше контекста о том, что олицетворяло и чем было искусство барокко.Искусство, развитое в то время, было визуальным результатом и достижением, порожденным более глубокими историческими, социальными и политическими проблемами в Европе. Несомненно, это была эпоха открытий, новых концепций и техник в мире искусства, а значит, и достижения.

Термин барокко понимался в различных контекстах. Это французское слово, но его корни восходят к португальскому barocco, , что означает «испорченная жемчужина». Этот термин относился к ювелирным изделиям еще в 1500-х годах.Его использовали для описания формы настоящего жемчуга.

Существуют и другие определения этого термина, относящиеся к философии, в частности к логике или аристотелевской логике. Как латинский термин, baroco , он использовался для помощи в запоминании силлогизмов, которые использовались в формулах дедуктивного мышления. Некоторые ученые и философы применяли это слово за пределами школы логики, например, Мишель де Монтень определил его как «причудливое и бесполезно сложное».

La Visite à la grand-mère («Визит к бабушке», ок.1645-1648) Луи Ленена; Луи Ленен, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Жан-Жак Руссо, философ и музыкант 1700-х годов, описал музыку барокко как дисгармоничную в Dictionnaire de musique («Словарь музыки», 1768), заявив: «Музыка барокко — это то, в чем смешана гармония. , перегруженный модуляциями и диссонансом. Песня тяжелая и неестественная, интонация сложная, движения скованные. Казалось бы, этот термин происходит от baroco Логиков ».

Генрих Вельфлин, историк искусства из Швейцарии, описал «барокко» в контексте художественного стиля в своей публикации Renaissance und Barock (1888). Каким бы образом этот термин ни определялся на протяжении веков, основная сущность, безусловно, передает ощущение несовершенства, замешательства и, возможно, даже беспорядка и красоты.

Это очевидно в стиле барокко, будь то живопись, скульптура, архитектура, музыка или литература.Ниже мы подробнее рассмотрим, что такое искусство барокко.

Что такое искусство барокко?

Искусство барокко было создано выдающимися художниками, архитекторами и скульпторами, которые принесли визуальную силу искусства в массы. Для периода барокко было много важных фигур. Например, такие художники, как Караваджо, который изображал сильный реализм в своих картинах, братья Карраччи и их Болонская школа, которые стремились отойти от искусства маньеризма (художественный период после Возрождения), и Джакомо Делла Порта, итальянский архитектор .Мы рассмотрим этих художников и их вклад в стиль барокко более подробно ниже.

Характеристики и приемы искусства барокко

Что отличает период барокко от эпохи Возрождения и последующих периодов маньеризма, так это его ориентация на большую живость в его предметах и ​​абсолютный реализм. Некоторые источники также описывают это как сосредоточение внимания на моменте, когда происходит событие, или, иначе, на «действии» или драме. Предметом были религиозные и библейские повествования в соответствии с указаниями католической церкви.Они будут варьироваться от изображений Девы Марии, различных Святых до различных историй из Библии.

Кроме того, картины в стиле барокко характеризовались использованием ярких цветов, нанесенных с завитками и широкими мазками, что указывало на движение и эмоциональную интенсивность. Этот стиль живописи был сосредоточен на изображении больших пространств света и открытости, что также было замечено в архитектуре, например, церкви с обширными пространствами в центре здания, увенчанными куполами (куполами или квадратными венчающими конструкциями над крышей). чтобы больше света проникало в здание.

Светотень

Chiaroscuro — итальянский термин, означающий «светлый-темный». Он фокусируется на определении контрастов в живописи. Эта техника началась в период Возрождения, но именно то, как Караваджо использовал ее, стало популярной характеристикой периода барокко. С сильным акцентом на темное и светлое в его композициях, зритель почти становится частью события, изображенного на картине.

Примером может служить произведение Караваджо «Зов св.Матфея (1599 — 1600), где мы видим правый перст Христа, указывающий на святого Матфея. Свет и тень на стене от падающего солнечного света отражаются прямо рядом с указательным пальцем Христа.

Призвание святого Матфея (1599-1600) Караваджо; Караваджо, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Тенебризм

Тенебризм — еще одна техника, использовавшаяся несколькими художниками эпохи барокко, популяризированная и, как полагают, была основана Караваджо.Хотя он похож на chiaroscuro , он в основном фокусируется на более темных областях картины. Термин происходит от итальянского слова tenebroso , которое, в свою очередь, происходит от латинского tenebra , что означает «тьма». Другие слова, относящиеся к этому термину, мрачны и загадочны. Он стремился создать так называемый эффект «прожектора», также называемый «драматическим освещением».

Quadro Riportato

Quadro Riportato в переводе с итальянского означает «несущая картина», и он использовался в качестве техники, с помощью которой художник рисовал то, что выглядело как рамка вокруг картины, которая состояла бы из серии картин, представленных в виде фрески.Эту технику использовал один из предшественников периода барокко Аннибале Карраччи. Это видно на фреске «Любовь богов» (1597 — 1600) на потолке дворца Фарнезе.

Карраччи «Триумф Вакха и Ариадны », изображенный в центре фрески «Любовь богов» (1597–1600) на потолке дворца Фарнезе; Аннибале Карраччи, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Иллюзионизм: Trompe l’Oeil and Quadratura

Идея «открытия» пространств в картинах была значительной частью искусства барокко, так как это также давало ощущение оптической иллюзии, когда нарисованное изображение выглядело трехмерным.Создание этой трехмерности было известно как trompe l’oeil , что в переводе с французского означает «обмануть глаз».

Мы можем видеть это на многих фресках в церквях и картинах периода барокко. Однако он начался не в этот период искусства, и его можно найти еще в 1800-х годах. Фактически, эта техника использовалась уже в некоторых греческих фресках, а также в далеком будущем с такими художниками, как Сальвадор Дали, который использовал эту технику в своих сюрреалистических картинах .

Художники

в стиле барокко использовали другую перспективную технику, называемую quadratura , которая изображает изображения, которые выглядят как части реальной архитектуры и намеренно нарисованы как продолжение реальной архитектуры. В этом методе для точного применения использовались теории, основанные на архитектурной перспективе.

Известные художники эпохи барокко

Ниже мы рассмотрим лишь горстку известных художников эпохи барокко, включая выдающихся художников, архитекторов и их здания, а также скульпторов и их скульптуры.Однако это не исключает многих других шедевров, созданных в период барокко, и того, что они внесли в этот период искусства и культуры.

Картины в стиле барокко

картин в стиле барокко были обнаружены повсюду по всей Европе, и мы увидим картины из Италии, Франции, Испании, Фландрии, Голландии, Англии и Германии. Многие художники обладали другими творческими качествами, которые делали их не только художниками, но и скульпторами, рисовальщиками, рисовальщиками и архитекторами.

Мы увидим, что между многими из этих художников существует много пересечений, поскольку каждый из них черпал вдохновение из многих источников в то время, включая стили выдающихся мастеров периода Возрождения, таких как Микеланджело, Тициан и Рафаэль.

Аннибале Карраччи (1560 — 1609)

Аннибале Карраччи был пионером в живописи в стиле барокко вместе со своим братом Агостино Карраччи (1557–1602) и их двоюродным братом Людовико Карраччи (1555–1619).Они хорошо известны тем, что основали Болонскую школу искусств (1590–1630), первоначально называвшуюся Accademia dei Desiderosi , которую они позже изменили на Accademia degli Incamminati («Академия прогрессистов»).

Это был поворотный момент для искусства Италии, поскольку оно отошло от стилей, называемых реализмом и маньеризмом. Аннибале Карраччи стремился изобразить в своих произведениях элементы классицизма и натурализма. Он использовал стилистические теории перспективы и пропорции High Renaissance , чтобы усилить эстетическую и натуралистическую привлекательность.Его помнят как реалистичного стиля с крупными мазками.

Его работы производили живое впечатление и были написаны в натуральную величину и в полный рост, чтобы создать более глубокую эмоциональную связь со зрителем. Кроме того, он использовал технику иллюзии, поскольку его картины почти приглашали зрителя стать частью предмета с его реалистичными изображениями, часто религиозными фигурами и пейзажами. Примеры включают Piet à (1585) и Воскресение Христа (1593).

Pietà (1585) Карраччи; Аннибале Карраччи, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Микеланджело Меризи да Караваджо (1571 — 1610)

Караваджо был революционным художником своего времени и вел более противоречивый образ жизни, участвуя в многочисленных преступлениях. Он начал свое художественное обучение маньеризму в Риме, но со временем отошел от этого стиля и принял более натуралистический подход. Он стал популярным художником благодаря своему новаторскому стилю живописи и использованию сюжета.

Караваджо писал из окружающего мира и часто сочетал повседневные образы со священными фигурами. В каком-то смысле он преодолел разрыв между нормой жизни и священным. Он сделал святых людьми, и некоторые источники ссылаются на концепцию «духовного народничества», в которой он сделал священное религиозное искусство доступным для обычного человека с улицы.

Божественное уже не было далеким от идеала совершенства, что соответствовало тому, что католическая церковь хотела от искусства во время Контрреформации.

Многие из великих примеров картин Караваджо включают Призвание Святого Матфея (1600), Мученичество Святого Матфея (1600), Распятие Святого Петра (1601), Смерть Девы (1606) ), и Бичевание Христа (1607), среди многих других. Вы можете заметить радикальный реализм Караваджо в его картине « Смерть Девы, » (1606), которая подверглась критике за изображение Матери Марии.Мертвая дева на этой картине — Мать Мария, но художник изобразил ее безжизненное тело просто еще одной женщиной — можно подумать, что это просто умерла еще одна женщина.

Morte della Vergine («Смерть девственницы», 1606) Караваджо; Караваджо, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Караваджо подчеркивает естественность этой композиции с помощью различных элементов, таких как простота ее одежды, ее руки и ноги, кажущиеся опухшими, и простота сцены и мужчин вокруг ее тела, оплакивающих ее.Единственное свидетельство того, что она святая фигура, — это тонкий нимб вокруг ее головы. Караваджо открывает зрителю всю сцену на переднем плане, а различные скорбящие, казалось бы, создают фон на заднем плане, заставляя зрителя находиться там с мертвым телом Матери Марии.

Кроме того, мы видим использование резкого контраста темного и светлого во многих картинах Караваджо. Его использование техники светотени стало отличительной чертой его работ.Это также повлияло на многих других художников по всей Европе и стало явлением под названием карраважизм.

Артемизия Джентилески (1593 — 1656)

Артемизия Джентилески была известной художницей эпохи барокко. Ее помнят за использование таких техник, как кьяроскуро , второе место после Караваджо. Она также изобразила многих женщин из библейских историй, сцен изнасилования и различных сражений за власть, а также подчеркнула роль женщины в мужском мире, поскольку в то время в мире искусства в основном доминировали мужчины.Ее сцены отражали реализм, который мы так часто видим у многих мастеров барокко.

Некоторые из ее популярных работ: Susanna and the Elders (1610), Danae (1612) и Judith Slaying Holofernes (c. 1620), динамическое произведение искусства, также выполненное Караваджо. В версии Джентилески « Джудит, убивающая Олоферна » (ок. 1620) мы увидим, как художник больше сосредотачивается на женщинах, убивающих мужскую фигуру, который занят борьбой, в то время как двое прикалывают и начинают обезглавливать.

Giuditta che decapita Oloferne («Юдифь, обезглавливающая Олоферна», 1611–1612) Джентилески; Артемизия Джентилески, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Действие этой композиции происходит, так сказать, в разгаре момента, поскольку мы также замечаем, как кровь брызгает из шеи, делая всю сцену более эмоционально напряженной и суровой. Она также использовала более темные области цвета с техникой кьяроскуро в дополнение к глубокой палитре цветов.

Другие аспекты этой композиции указывают на силу, которую Джентилески проявляла как сама художница, будучи способной изобразить свой предмет так, как она хотела. Жестокое проявление силы и смерти на этой картине также указывает на основную мотивацию для рисования подобной сцены, поскольку она стала жертвой сексуального насилия в молодости.

Архитектура барокко

Архитектура барокко отличается богатым декором, высокими потолками, украшенными фресками, и богатым орнаментом, который привлекает внимание зрителей и вызывает эмоциональную реакцию трепета.Важно отметить роль иезуитов в архитектуре барокко.

Иезуиты были религиозным орденом во времена Контрреформации и стремились создать новый тип архитектуры, чтобы вдохновлять людей и изображать величие католической церкви.

Джакомо Делла Порта (1532–1602)

Архитектура барокко, как полагают, началась с церкви Геса ù (1584 г.) и новаторского стиля ее фасада, спроектированного итальянским скульптором и архитектором Джакомо Делла Порта.Джакомо Делла Порта был важным архитектором периода барокко. Он учился у других великих мастеров искусства, таких как Микеланджело, и его инструктировал Джакомо Бароцци да Виньола (1507–1573), ведущий архитектор-маньерист в Италии.

Фасад Chiesa del Gesù в Риме, Италия, спроектированный Делла Порта; I, Alejo2083, CC BY-SA 3.0, через Wikimedia Commons

Церковь Геса ù была построена для Общества Иисуса, также называемого Иезуитами.Делла Порта работала вместе с Виньолой над этим зданием, и хотя внешний вид фасада не был таким сложным, как у более поздних зданий в стиле барокко — мы видим, что в целом он выглядит минимально декорированным, с концентрацией архитектурных украшений у входа — он задал тон для истоки архитектуры барокко.

Скульптура барокко

В период барокко было много великих скульпторов, но был один художник, который выделялся среди всех остальных и заложил основы скульптуры.Скульптура в стиле барокко была сделана по заказу католической церкви, чтобы вызывать трепет и вдохновлять простых людей.

Скульптура

в стиле барокко характеризовалась различными особенностями, а именно интерактивностью, так как зрители могли обойти всю скульптуру и оценить ее целостность, что сделало ее послание более выразительным. Он также использовался в церквях, чтобы подчеркнуть архитектурные сооружения. Кроме того, скульпторы были настолько искусны, что создавали работы с большим вниманием к деталям, от пола до прозрачности ткани на скульптурной фигуре.

Джованни Лоренцо Бернини (1598 — 1680)

Это подводит нас к Джованни Лоренцо Бернини, архитектору и скульптору из Италии. Он был преимущественно скульптором, и некоторые ученые сравнивали его с тем же значением, которое Шекспир имел для мира театра и литературы.

Бернини в ранние годы считался вундеркиндом, и многие сравнивали его с Микеланджело.

Скульптуры Бернини изображали момент происходящего действия, что добавляло напряженности работе при просмотре.Его тема состояла из библейских и мифологических сцен и фигур, и мы можем видеть примеры этого в его скульптурах, таких как Эней, Анхис и Асканий (1619), Похищение Прозерпины, (1621 — 1622), Аполлон и Дафна (1622 — 1625) и Давид (1623 — 1624).

Аполлон и Дафна (1622-1625) Бернини; Джан Лоренцо Бернини, CC BY-SA 4.0, через Wikimedia Commons

Одна из величайших скульптур Бернини на сегодняшний день — это «Экстаз Святой Терезы» (1647–1652).Сделанный из чистого мрамора, он находится в часовне Корнаро в Риме. Скульптура изображает святую Терезу Авильскую, лежащую в полубессознательном состоянии на облаке с ангелом. Ангел немного приподнят, рядом с ее телом справа, и вот-вот пронзит ее сердце копьем. Мрамор вырезан таким образом, что Святой кажется легким, как перышко, плывущее в облаке, что подчеркивает историю, которую Бернини изображает здесь.

Здесь мы видим, как святая Тереза ​​переживает момент глубокого экстаза.Это кажется духовным по своей природе, но Бернини также сосредоточился на физических и чувственных эффектах, которые это переживание оказало Святому. Мы видим это по тому, как лежит ее тело, а также по выражению лица. За центральными фигурами мы также замечаем то, что похоже на лучи света, сияющие в момент чистого блаженства.

Когда мы посмотрим на всю композицию, мы также заметим, что центральные фигуры находятся внутри колонной конструкции с двумя театральными ложами по обе стороны от главного объекта — Святого и Ангела.Театральные ложи находятся прямо напротив друг друга и содержат скульптуры семьи Корнаро.

Trasfigurazione di santa Teresa («Экстаз Святой Терезы», 1652) Бернини; Джан Лоренцо Бернини, CC BY-SA 2.0, через Wikimedia Commons

Другие известные художники в стиле барокко

Ниже приведены другие известные художники эпохи барокко, которых стоит упомянуть, особенно художники, приехавшие из других европейских стран, кроме Италии.

Художники фламандского барокко

Питер Пауль Рубенс (1577–1640) был влиятельным фламандским художником, создававшим произведения искусства на религиозные темы, включая мифологические сцены.Его работы варьировались от пейзажей, портретов, запрестольных образов до картин. Этот художник периода барокко был известен тем, что дал северному искусству, в частности живописи, новую перспективу. На него повлияли такие художники, как Тициан, и он включил в свои картины множество мужских и женских фигур в обнаженном виде.

Кроме того, его картины изображали сильную эмоциональную окраску и часто описывались как яркие по стилю.

Некоторые из его знаменитых работ включают Возвышение Креста (1611), Избиение младенцев (1612), Связанный Прометей (1618), Поклонение волхвов (1624), Венера и Адонис (1635) и Три грации (1639) и Возвращение крестьян (1640), который изображает любовь Рубена к пейзажам.

Три грации (ок. 1635) Рубенса; Питер Пауль Рубенс, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Художники французского барокко

Жорж де Ла Тур (1593–1652) создавал произведения искусства, используя сильные техники светотени, похожие на Караваджо. Однако то, что отличает картины Ла Тура, — это его упрощенный подход и передача фигур. Он известен тем, что изображает сцены, возникающие при свечах.

Там, где картины Караваджо изображают эмоциональную напряженность, картины Ла Тура изображают эмоциональную неподвижность.Его темой были религиозные деятели и рассказы. Примеры его работ: Кающаяся Магдалина (ок. 1640), Иосиф Плотник (1642), Рождество (1644) и Новорожденный Христос (1645).

Кающаяся Магдалина (ок. 1640) де ла Тур; Жорж де Ла Тур, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Художники испанского барокко

Диего Родрикес де Сильва-и-Веласкес (1599–1660) был художником периода испанского барокко, который также рисовал для двора короля Филиппа IV, что побудило его нарисовать многочисленные портреты придворных чиновников, а также членов испанской королевской семьи.Он был известен как один из пионеров портретной живописи своего времени. Многие источники также называют его «художником» из-за его пристального внимания к деталям в своих картинах. Он часто рисовал бытовые сцены людей и природы.

Среди его известных работ: Ужин в Эммаусе, (1618 — 1623), Сдача Бреды, (1635), Портрет Хуана де Пареха, (1650), Портрет Иннокентия X, (1650), и Las Meninas (1656), последнее из которых является одним из самых известных произведений художника благодаря стратегической визуализации таких композиционных элементов, как пространство, цвет, перспектива и линия.

На нем изображена инфанта Маргарита, дочь короля Филиппа IV. Она окружена служанками, а в центре она, богато одетая, как королевская особа. Мы также можем заметить, что художник изображает себя на заднем плане, пока он пишет сцену.

Las Meninas («Фрейлины», 1656–1657) Веласкеса; Диего Веласкес, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Голландские художники в стиле барокко

Рембрандт Харменс ван Рейн (1606–1669) был одним из самых влиятельных и известных голландских художников, и по сей день его помнят как выдающегося художника.Этот голландский художник периода барокко за свою карьеру создал множество великих произведений искусства, в том числе шедевр The Night Watch (1642).

Ван Рейн создал различные сцены повседневной жизни, пейзажи, а также религиозные и мифологические сюжеты. Хорошо известно, что картины Рембрандта отражают богатство Голландского Золотого Века, периода, когда он писал картины.

Его картины демонстрируют различные эмоциональные состояния, включая острое внимание к деталям при написании сцен.Он также использовал техники светлых и темных контрастов ( кьяроскуро, ) и новаторские методы работы с краской и мазками, часто с использованием разных текстур.

Некоторые из его известных картин: Урок анатомии доктора Николаса Тулпа (1632), Человек в восточном костюме (1632), Ночной дозор (1642), Забитый бык (1655), Иаков Благословение сыновей Иосифа (1656) и Автопортрет с двумя кругами (1660).

«Ночной дозор» (1642) Рембрандта; Рембрандт, общественное достояние, через Wikimedia Commons

От тьмы к свету: барокко и рококо

Период барокко, начавшийся в Риме, в конечном итоге превратился в так называемый период рококо , который начался примерно с 1702 по 1780 год во Франции. Период рококо был временем, когда искусство изображало ощущение легкости в отличие от более темных изображений, которые мы видим в период барокко.Оба направления в искусстве разделяли драматическое чутье в своих произведениях и использование декоративных украшений, которые можно увидеть в картинах, скульптурах и архитектуре.

Барокко продолжает жить в будущем, многие художники периода барокко оказали влияние на других художников периода рококо, а также на последующие художественные движения, такие как романтизм, импрессионизм, и постимпрессионизм. Современные художники и архитекторы, такие как И.М. Пей и Фрэнк Гери, также черпали вдохновение из построек Бернини.

Искусство барокко было инновационным периодом искусства, которым руководили многие великие художники того времени, которые стремились выйти за рамки того, чем было искусство раньше. Основываясь на изображении реальности и естественности жизни и ее людей в сочетании со священными образами библейских и мифологических персонажей, он опускал на землю идеализм.

Часто задаваемые вопросы

Что такое искусство барокко?

Искусство барокко зародилось в конце 1500-х — начале 1700-х годов.Это был период искусства во время Контрреформации, когда католическая церковь была против протестантов, которые начали Реформацию. В рамках реакции католическая церковь хотела, чтобы искусство вдохновляло массы и заставляло их трепетать перед великолепием и красотой не только церкви, но и силой и величием библейских и мифологических повествований, изображенных в картинах, скульптурах и архитектуре. .

Что характеризовало период барокко?

Период барокко характеризовался использованием декоративных и декоративных украшений в картинах, скульптурах и архитектуре.Художники эпохи барокко изображали в своих картинах обостренное чувство эмоций — часто это была сцена, в которой происходило наибольшее действие. Кроме того, период барокко можно назвать театральным, оставаясь верным стилям классицизма и натурализма. Многие художники использовали новые техники для подчеркивания эмоций, такие как chiaroscuro , в которой исследуются светлые и темные контрасты.

Когда был период барокко?

Период барокко начался как художественное движение после периодов Возрождения и маньеризма, а затем последовало художественное движение рококо.

About Author


alexxlab

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *