Барокко стиль музыки: Музыка Барокко — это… Что такое Музыка Барокко?

Музыка эпохи Барокко. Стили и тенденции | СТИЛИ И НАПРАВЛЕНИЯ В МУЗЫКЕ | МУЗЫКА XVII ВЕКА | Культура. Искусство. История





Материалы по теме:
Музыкой барокко называют период в развитии европейской классической музыки приблизительно между 1600 и 1750 годами. Барочная музыка появилась в конце эпохи ренессанса и предшествовала музыке эпохи классицизма.

Слово «барокко» предположительно происходит от португальского perola barroca — жемчужина причудливой формы; или от лат. baroco — мнемоническое обозначение одного из видов силлогизма в схоластической логике  (примечательно, что похожие латинские слова «Barlocco» или «Brillocco» также использовались в схожем значении — жемчужина необычной формы, не имеющая оси симметрии). И действительно, изобразительное искусство и архитектура этого периода характеризовались весьма вычурными формами, сложностью, пышностью и динамикой. Позже это же слово стало применяться и к музыке того времени. Сочинительские и исполнительские приёмы периода барокко стали неотъемлемой и немалой частью музыкального классического канона. Произведения того времени широко исполняются и изучаются. В эпоху барокко родились такие гениальные произведения, как фуги Иоганна Себастьяна Баха, хор «Аллилуйя» из оратории «Мессия» Георга Фридриха Генделя, «Времена года» Антонио Вивальди, «Вечеря» Клаудио Монтеверди. Сильное развитие получили такие понятия, как теория музыки, диатоническая тональность, имитационный контрапункт. Музыкальный орнамент стал весьма изощрённым, сильно изменилась музыкальная нотация, развились способы игры на инструментах. Расширились рамки жанров, выросла сложность исполнения музыкальных произведений, появился такой вид сочинений, как опера. Большое число музыкальных терминов и концепций эры барокко используются до сих пор.



Стили и тенденции

Условно, музыкой барокко называют множество композиторских стилей из широкого, в географическом смысле, региона (в основном Европы), существовавших в течение 150 лет.

Следует заметить, что термин «барокко» применительно к музыке появился относительно недавно. Впервые его использовал музыковед Курт Закс (англ. Curt Sachs) в 1919 году, затем термин появился лишь в 1940 году в статье Манфреда Букофцера (Manfred Bukofzer). И до самых 1960-х годов в академических кругах не утихал спор, правомочно ли применение единого термина к сочинениям таких разных композиторов, как Якопо Пери, Доменико Скарлатти и И. С. Баха; но слово прижилось, и сейчас повсеместно используется для обозначения широкого спектра музыки. Однако необходимо отличать музыку эпохи барокко от предшествующего ренессанса и последующего классицизма. Кроме того, некоторые музыковеды считают, что необходимо разделять барокко на непосредственно период барокко и на период маньеризма, в целях согласования с разделением, применяемом в изобразительных искусствах.

Отличия барокко от ренессанса

Музыка барокко взяла от ренессанса практику использования полифонии и контрапункта. Однако применялись эти техники иначе. Во времена ренессанса музыкальная гармония строилась на том, что в мягком и спокойном движении полифонии второстепенно и как будто случайно появлялись консонансы. В барочной же музыке порядок появления консонансов стал важным: он проявлялся с помощью аккордов, выстраиваемых по иерархической схеме функциональной тональности (или функциональной мажорно-минорной ладовой системы [3]). Около 1600 года определение, что такое тональность, было в значительной мере неточным, субъективным. К примеру, некоторые видели в кадансах мадригалов некоторое тональное развитие, в то время как на самом деле в ранних монодиях тональность всё же была ещё очень неопределённой. Сказывалось слабое развитие теории равномерно-темперированного строя. Согласно Шерману, впервые лишь в 1533 году итальянец Джованни Мария Ланфранко предложил и ввёл в практику органно-клавирного исполнительства систему равномерной темперации [4]. А широкое распространение строй получил значительно позже.

И только в 1722 появляется «Хорошо темперированный клавир» И. С. Баха. Другое отличие между музыкальной гармонией барокко и ренессанса заключалось в том, что в раннем периоде смещение тоники происходило чаще по терциям, в то время как в барочном периоде доминировала модуляция по квартам или квинтам (сказалось появление понятия функциональной тональности). К тому же, барочная музыка использовала более протяжённые мелодические линии и более строгий ритм. Основная тема расширялась либо сама, либо с помощью аккомпанемента бассо континуо. Затем она возникала в другом голосе. Позднее, главная тема стала выражаться и через бассо континуо, не только с помощью основных голосов. Размывалась иерархия мелодии и аккомпанемента.

Стилистические различия определили переход от ричеркаров, фантазий и канцон ренессанса к фугам, одной из основных форм музыки барокко. Монтеверди назвал этот новый, свободный стиль seconda pratica (вторая форма) в отличие от prima pratica (первой формы), характеризировавшей мотеты и другие церковные формы хоралов таких мастеров ренессанса, как Джованни Пьерлуиджи да Палестрина. Сам Монтеверди использовал оба стиля; его месса «In illo tempore» написана в старом, а его «Вечерня пресвятой девы» — в новом стиле.

Были и другие, более глубокие различия в стилях барокко и ренессанса. Барочная музыка стремилась к более высокому уровню эмоциональной наполненности, чем музыка ренессанса. Сочинения барокко часто описывали какую-то одну, конкретную эмоцию (ликование, печаль, набожность и так далее; см. учение об аффектах). Барочная музыка часто писалась для виртуозных певцов и музыкантов, и обычно была значительно более сложна для исполнения, чем музыка ренессанса, несмотря на то, что детальная запись партий для инструментов была одним из самых главных нововведений периода барокко. Почти обязательным стало использование музыкальных украшений, часто исполнявшихся музыкантом в виде импровизации. Такие выразительные приёмы, как notes inégales стали всеобщими; исполнялись большинством музыкантов, часто с большой свободой применения.

Еще одно важное изменение заключалось в том, что увлечение инструментальной музыкой превосходило увлечение музыкой вокальной. Вокальные пьесы, такие, как мадригалы и арии, на деле чаще не пелись, а исполнялись инструментально. Об этом говорят свидетельства современников, а также количество рукописей инструментальных пьес, число которых превосходило число произведений, представляющих светскую вокальную музыку. Постепенное появление чистого инструментального стиля, отличного от вокальной полифонии XVI века, было одной из важнейших ступеней в переходе от ренессанса к барокко. До конца XVI века инструментальная музыка была едва отлична от вокальной и состояла в основном из танцевальных мелодий, обработок известных популярных песен и мадригалов (главным образом, для клавишных инструментов и лютни) а также полифонических пьес, которые могли бы быть охарактеризованы как мотеты, канцоны, мадригалы без поэтического текста.

Хотя различные вариационные обработки, токкаты, фантазии и прелюдии для лютни и клавишных инструментов были известны давно, ансамблевая музыка еще не завоевала себе независимого существования.

Однако быстрое развитие светских вокальных композиций в Италии и в других странах Европы явилось новым толчком к созданию камерной музыки для инструментов.

Например, в Англии получило широкое распространение искусство игры на виолах — струнных инструментах разного диапазона и величины. Исполнители на виолах часто присоединялись к вокальной группе, заменяя отсутствующие голоса. Такая практика стала общепринятой, и на многих изданиях появились надписи «Пригодно для голосов или для виол».

Многочисленные вокальные арии и мадригалы исполнялись как инструментальные произведения. Так, например, мадригал «Серебряный лебедь» Орландо Гиббонса в дюжинах собраний обозначен и представлен как инструментальная пьеса.

Отличия барокко от классицизма

В эпоху классицизма, которая последовала за барокко, роль контрапункта уменьшилась (хотя развитие искусства контрапункта не прекратилось), и на первое место вышла гомофоническая структура музыкальных произведений.
В музыке стало меньше орнаментации. Произведения стали склоняться к более чёткой структуре, особенно те, которые написаны в сонатной форме. Модуляции (смена тональности) превратились в структурирующий элемент; произведения стали слушаться как полное драматизма путешествие сквозь последовательность тональностей, череду уходов и приходов к тонике. Модуляции присутствовали и в музыке барокко, но не несли в себе структурирующей функции. В сочинениях эры классицизма часто внутри одной части произведения раскрывалось множество эмоций, в то время как в барочной музыке одна часть несла в себе одно, ярко прорисованное чувство. И, наконец, в классических произведениях обычно достигалась эмоциональная кульминация, которая к концу произведения разрешалась. В барочных же работах, после достижения этой кульминации до самой последней ноты оставалось лёгкое чувство основной эмоции. Множество барочных форм послужило отправной точкой для развития сонатной формы, разработав множество вариантов основных каденций.
Хотите быть в курсе всех новостей из мира музыки, моды, кино и искусства? Следите за анонсами самых интересных статей на Facebook, Вконтакте и Google+. Подписаться на RSS можно здесь.

Дорогие друзья! Мы всегда с большим интересом читаем ваши отзывы к нашим публикациям. Если статья «Музыка эпохи Барокко. Стили и тенденции» показалась вам интересной или помогла в работе или учебе, оставьте свой отзыв. Ваше мнение очень важно для нас, ведь оно помогает делать портал OrpheusMusic.Ru интереснее и информативнее.

Не знаете, что написать? Тогда просто скажите

«СПАСИБО!» и не забудьте добавить понравившуюся страничку в свои закладки.

Вокальная музыка эпохи барокко. Ф. Жарусски. Ч. Бартоли.

Для меня, барочная музыка — это мощный источник энергии и удовольствия. Сегодня вокальная музыка эпохи барокко занимает одно из значительных мест в музыкальной культуре. Ни один конкурс, фестиваль не обходится без исполнения барочного произведения. Концерты барочной музыки собирают многочисленные слушательские аудитории. Возникают новые коллективы, исполняющие старинную музыку, стремительно растет выпуск компакт-дисков с соответствующим репертуаром.

В вокальном искусстве эпоха барокко знаменуется расцветом итальянской школы bel canto — эталона сольного профессионального пения и соответствующего стиля исполнения: пение, «трогающее душу» («che nell’anima si sente») (см.: Круглова Е.В. «Традиции барочного вокального искусства и современное исполнительство: на примере сочинений Г.Ф. Генделя», 2007).

К сожалению, немногие владеют необходимым качеством звукоизвлечения, и мало кто применяет орнаментику. Зачастую приходится наблюдать неточное в стилистическом отношении и манере исполнение. Чтобы быть компетентным исполнителем барочной музыки, нужна определенная профессиональная подготовка. За рубежом, в частности в Германии, Австрии, Италии, Франции и других странах Европы выстроена целая система обучения старинной музыке, как инструменталистов, так и вокалистов.

Сегодня среди всех вокалистов, работающих в этом направлении, мне хочется  выделить два восхитительных имени: Филипп Жарусски – французский контратенор, специализирующийся в репертуаре эпохи барокко, и известная всем итальянская певица (колоратурное меццо-сопрано) Чечилия Бартоли, выпустившая альбомы «Viva Vivaldi» и «Sacrificium».

Слушайте и удивляйтесь мастерству этих великолепных певцов.

1.Виртуозная ария из кантаты «Pianti, sospiri» Антонио Вивальди в исполнении Ф. Жарусски.

                                                                                                                                                                                                                        2.Виртуозная ария из оперы «Griselda» Вивальди. Исполняет Ч. Бартоли.   

Урок «Музыка эпохи барокко. Антони Вивальди.» — К уроку — Искусство: ИЗО, МХК, музыка

«Музыка барокко» (комментарии к уроку)

Цели: дать представление о музыке эпохи барокко; ознакомить учащихся с особенностями развития музыкальной культуры барокко; приобщить учащихся к сокровищнице западно-европейской музыки через творчество великих композиторов: А.Вивальди, Г.Ф.Генделя, И.С.Баха.

Ход урока

  1. Актуализировать знания учащихся по предыдущим темам. Фронтальная беседа по вопросам.

  2. План изучения нового материала:

2.1.Образ эпохи барокко.

2.2.Основные инструменты и жанры.

2.3.Композиторы эпохи барокко.

3. Жизнь и творчество Антонио Вивальди. Слушание произведений из цикла «Времена года».

Музыка барокко. (Слайд 1). Запись в тетрадь темы урока и хронологические рамки эпохи.

Слайд 2.

Слово ‘барокко’ пришло из португальского языка и означает жемчужина неправильной формы, с итальянского языка это слово переводиться как странный, причудливый. Какими бы не были корни этого слова, именно эпоха барокко считается началом распространения западно-европейской цивилизации.

Слайд 3

Эпоха барокко отвергает естественность, считая её невежеством и дикостью. В то время женщина должна быть неестественно бледной, в вычурной прическе, в тугом корсете и в огромной юбке, а мужчина в парике, без усов и бороды, напудрен и надушен духами.

Слайд 4

Комментарии слайда. Частично запись в тетрадь.

Слайд 5

Комментарии слайда. Запись в тетрадь.

Слайд 6

Комментарии слайда. Запись в тетрадь.

Слайд 7

Комментарии слайда.

____________________________________________

В эпоху барокко произошел взрыв новых стилей и технологий в музыке. Дальнейшее ослабление политического контроля католической церкви в Европе, которое началось в эпоху Возрождения, позволило процветать нерелигиозной музыке.

Вокальная музыка, которая преобладала в эпоху Ренессанса, постепенно вытеснялась инструментальной музыкой. Понимание, что музыкальные инструменты должны объединяться неким стандартным образом, привело к возникновению первых оркестров.

Слайд 8

_______________________________________________

Наиболее яркими композиторами эпохи барокко в музыке стали:

Комментарии Слайд 9

Жизнь и творчество Антонио Вивальди.

Комментарии слайдов. Рассказ о жизни и творчестве композитора, его сложной, полной неожиданностей судьбе.

Слушание: Лето.Август. Гроза.

Просмотр фрагмента фильма «Vivaldi» слушание фрагмента Зима. Декабрь. Просмотр фильма необходим для поддержания образа эпохи, создания атмосферы и настроения времени. Фрагмент призван заинтересовать учащихся и побудить их к просмотру фильма целиком.

P.S. Рекомендую педагогам посмотреть фильм. «Vivaldi», 2009 г. Очень красивый, яркий фильм о жизни и творчестве композитора.

В чем схожа архитектура и музыка барокко — Вифсаида

В истории эстетики сменяющие друг друга стилевые направления отличаются противоположностью ориентации. Так, в истории эстетики и искусства прослеживается закон антитезы: искусству античности, ориентированному на разум, пришло на смену искусство Средневековья, особую роль в котором отводилось мистике.

Не стал исключением и стиль барокко – причудливый стиль, ориентированный на рассудок и разум, который сменил собой искусство эпохи Возрождения, характеризуемое рассудочными поисками прекрасного. Таким образом, историческое барокко пришло на смену итальянскому Ренессансу.

Стиль барокко утвердился в период интенсивного объединения наций и национальных государств (в частности, абсолютных монархий), и в связи с этим наибольшее распространение он получил в тех странах, где царила феодально-католическая реакция, поскольку в искусстве барокко нашли свое отражение национально-освободительные движения и антифеодальные протесты против монархической тирании.

В стиле барокко воплощены новые представления о многообразии, единстве и безграничности мира, его вечной изменчивости и драматичной сложности, а также об интересе человека к окружающей его природной стихии. Так, человек эпохи барокко представал многоплановой личностью, имеющей сложный внутренний мир, вовлеченный в круговорот различных событий.

Помимо этого, искусство барокко имеет такие характерные особенности, как пышность и динамика, грандиозность, интенсивность чувств, патетическая приподнятость, пристрастие к ярким и эффектным зрелищам, единство противоположностей. Также барокко подчеркивает, что остроумие – это признак гениальности, искусство в корне отличается от логики науки, а художественный дар нельзя приобрести, поскольку он дается только Богом.

Каждая характерная черта стиля барокко нашла свое отражение в различных направлениях искусства – литературе, архитектуре, изобразительном искусстве, скульптуре и музыке. При этом мастера барокко стремились синтезировать различные виды искусств с целью создания гармоничного ансамбля.

Самой главной чертой стиля барокко являются динамические эффекты, которые особенно видны в архитектуре, характеризующейся необычной пространственной динамикой, переизбытком форм и энергичной пластикой масс. Архитектурные формы стиля барокко противопоставлены строгой геометрии. Так, на смену центрическому пришло протяженное, кругу – овал, квадрату – прямоугольник, ясным и уравновешенным пропорциям – многослойные архитектурные объемы.

Характерные черты стиля барокко нашли свое отражение и в музыке данной эпохи – сложной, орнаментальной, изукрашенной мелодикой и фактурами. Благодаря господству стиля барокко, музыкальный орнамент стал более изощренным, также сильно изменилась и музыкальная нотация. Помимо этого, стиль барокко способствовал развитию способов игры на музыкальных инструментах, что в свою очередь позволило расширить рамки жанров и повысить сложность исполнения музыкальных произведений.

Так же как и в архитектуре барокко, где господствовали многофигурные ансамбли, в музыке барокко стали появляться крупные циклы – оратории и оперы. Таким образом, стремление к синтезу искусств (драмы и музыки), типичное стилю барокко, позволило создать новый музыкально-театральный жанр.

В заключение хочется отметить, что сложная система эпохи барокко не оставила после себя собственной эстетической теории, поскольку данное течение было построено на иррациональности, эмоциональности и аллегории. Поэтому главными достояниями мастеров эпохи барокко стали только интуиция и практика.

ЗАСТОЛЬНАЯ МУЗЫКА ЭПОХИ БАРОККО | ARTотека еды

Обед под музыку обретает особую атмосферу. Об этом знали еще в Древней Греции и Риме, где обеды патрициев сопровождались увеселительным пением и звуками кифары. Уже в средние века присутствие певцов и музыкантов на торжественных обедах и официальных банкетах стало обязательным явлением. Так, в XVI веке появилось целое музыкальное направление под названием Tafelmusik  или Musique De Table (застольная музыка). Самым знаменитым сочинителем «Тафельмузик» в стиле барокко стал немецкий композитор Георг Филипп Телеман.

Георг Филипп Телеман (Georg Philipp Telemann, 1681 – 1767) был идеальным воплощением универсального композитора-исполнителя, что соответствовало духу той эпохи. В истории музыки он является одним из самых плодовитых композиторов  — его творческое наследие включает более 3000 произведений (!) во всех современных ему жанрах музыкального искусства. Интересно, что Телеман писал также либретто для многих своих опер, а также был автором многочисленных стихов и сонетов. Он был одним из самых уважаемых и самых креативных музыкантов XVIII в. Современники ставили творчество этого неутомимого экспериментатора выше И.С. Баха и в одном ряду с Генделем.

Телеману не приходилось с трудом добиваться выгодных заказов и приглашений на должности; города и княжеские дворы наперебой оспаривали его друг у друга. Он был знаменит не только у себя на родине, но и во всей Европе, от Франции и Испании до России и скандинавских стран. Поэты слагали стихи в его честь”. ( “Памятники немецкого музыкального искусства”)

Телеман, один из самых востребованных композиторов своего времени, был и самым состоятельным. В этом немалую роль сыграла его многолетняя программа публикаций собственной музыки. Предприимчивый композитор имел широкую сеть агентов-распространителей во всех крупных городах Европы — Берлине, Лейпциге, Нюрнберге, Франкфурте, Амстердаме и Лондоне. Наиболее популярные произведения распространялись по подписке, стоившей немалые деньги. К их числу относится и сборник инструментальных произведений застольной музыки «Tafelmusik» . Он был опубликован в 1733 году и является ярким примером придворной застольной музыки.

Tafelmusik включал три больших цикла застольной музыки и был адресован, прежде всего, богатым ценителям. Стоимость сборника составляла 8 рейхсталеров — непомерная цена, если учесть, что Иоганн Себастьян Бах получал ту же сумму за написание и исполнение сочинения для княжеского двора и еще должен был выплачивать из нее гонорары для всего оркестра.

206 подписчиков Tafelmusik из восьми стран готовы были выложить кругленькую сумму заранее, при условии, что их имя будет указано на обложке первого издания.

Среди подписчиков были коронованные особы, придворная знать, именитые купцы и музыканты, среди которых числился и Гендель.

Генделя и Телемана связывала длительная дружба, хотя виделись они всего несколько раз.
В основе многолетней переписки двух композиторов лежал, прежде всего, интерес к творчеству друг друга. Телеман неоднократно руководил исполнением опер Генделя, а Гендель творчески воспринял отдельные музыкальные идеи сборника «Тафельмузик», использовав их в собственном творчестве. Искусствоведы насчитали не менее 16 прямых заимствований, что в то время не считалось плагиатом, а скорее популяризацией и знаком уважения.

Три цикла Tafelmusik Телемана состоят из сюиты, квартета, концерта для двух или трех солирующих инструментов (в сопровождении струнных и клавесина), трио, сонаты для сольного инструмента с цифрованным басом и завершающей пьесы, исполняемой, как и сюита, всем составом участников ансамбля.

В XVII – XVIII веках Tafelmusik становится одним из самых популярных музыкальных жанров, наряду с церковной музыкой, оперой и танцевальной сюитой. Практически все известные композиторы того времени работали в этом направлении. Среди них Георг Фридрих Гендель, Жан-Батист Люлли, Генри Пёрселл, Антонио Вивальди, Иоганн Себастьян Бах и др.
В XVIII веке во время классической эпохи жанр Tafelmusik видоизменятся в Harmoniemusik, т.е. музыку, написанную для небольшого ансамбля духовых инструментов (Harmonie). Большинство дворян, которые не могли позволить себе содержание большого оркестра, оказывали покровительство ансамблям, состоящим из 5-8 музыкантов. Такие ансамбли обслуживали банкеты, рауты, а также пикники, охоты и другие развлечения аристократов на открытом воздухе.
Так, например, Людвиг ван Бетховен для курфюрста Бонна Максимилиана Франца, который любил слушать духовые ансамбли во время своего ужина, сочинил октет для 2 гобоев, 2 кларнетов, 2 валторн и 2 фаготов, ми-бемоль мажор.

В этом жанре работали Франц Йозеф Гайдн, Антонио Сальери, Вольфганг Амадей Моцарт, Людвиг ван Бетховен, Франц Шуберт и др.
Harmonie как жанр просуществовал до начала XIX века, пока Наполеоновские войны не заставили обедневших аристократов отказаться от этой традиции.

В двадцатом веке оригинальная традиция Tafelmusik возобновляется несколькими композиторами неоклассической школы. Так в 1932 годе Пауль Хиндемит написал свою ностальгическую “Tafelmusik” для камерного оркестра, которая вошла в цикл Plöner Musiktag.

В настоящее время в Европе и в Новом Свете существует громадное количество барочных камерных оркестров, что говорит о неиссякаемом интересе к музыке этого направления. Наверное, одним из самых знаменитых, является канадский ансамбль аутентичной музыки, который так и называется — Tafelmusik Baroque Orchestra. Он был создан в 1978 году и сейчас его дискография насчитывает 78 компакт — дисков, которые собрали множество национальных и международных наград. В 2012 году Tafelmusik запустила свой собственный независимый лейбл звукозаписи Tafelmusik Media.

канадский ансамбль аутентичной музыки Tafelmusik Baroque Orchestra

 

Одним из самым оригинальным современным ансамблем барочной музыки является французский Lе Poeme Harmonique, основанный в 1998 году. Он известен во всем мире безупречным аутентичным исполнением музыки барокко и позднего ренессанса. В свои постановки Le Poème Harmonique приглашает актеров, танцовщиков, артистов цирка и кукловодов, стремясь передать сам дух куртуазной эпохи.
Практически во всех крупных городах Европы проходят фестивали барочной музыки, а многие музыканты создают свои произведения в этом изысканном стиле. В 2006 году было создано Vox Sæculorum — международное сообщество современных композиторов, работающих в стиле барокко.

Красота барочной музыки ценилась во все времена. Ее язык так убедителен и лаконичен. Эта музыка говорит с нами о жизни, о смерти, о надежде – о том, что волновало человека как в 18 веке, так и сегодня”. (дирижер Джулио Пранди)

Кристофоро Мунари «Натюрморт с музыкальными инструментами» (картина написана в период 1706 –1715 г.)

Еще вам могут понравиться статьи

Разница между классикой и барокко | Сравните разницу между похожими терминами — Жизнь

Классика против барокко

Классика и барокко — это два типа музыкальных форм, которые различаются по своим характеристикам и воспроизведению. Люди пришли к общему мнению, что период музыки барокко начался после эпохи Возрождения, примерно в 1600 году. Поскольку барокко является предшественником классической музыки, классическая музыка вступает в игру после музыки барокко примерно в 1750 году. Затем, в начале 19 века. Классическая музыка уступила место эпохе романтизма. Итак, как видите, стиль музыки барокко преобладал раньше по сравнению с классической музыкой. Считается, что стиль барокко со временем пересекся с классическим. Постепенно классические исполнители доминировали на музыкальной сцене большей части Европы.

Что такое барочная музыка?

Музыка барокко придает большее значение украшениям, как и искусство и архитектура периода барокко. Фактически, музыканты жанра барокко были первыми, кто использовал несколько инструментов. Они также использовали сложные гармонии в своих композициях. В музыке барокко использовались клавесин и другие струнные инструменты. Стиль рондо в музыке барокко был АБАКАБА. Однако музыканты, принадлежавшие к стилю барокко, сочиняли свою музыку только в одном настроении.

У музыкантов эпохи барокко было больше свободы в манере композиции. Они тоже сконцентрировались на импровизации. Эта свобода дала барочным музыкантам возможность ансамбля сольных исполнений. Собственно, именно барочные исполнители первыми утвердили оперную форму музыкального жанра. Исследования показали, что свобода, которой они наслаждались, заставила их исследовать сферу оперы. Некоторые из известных композиторов эпохи барокко — Вивальди, Бах, Монтеверди, Корелли и Гендель.

Что такое классическая музыка?

Классическая музыка началась с изобретения сонаты. Первоначально ранние классические певцы задавали два разных настроения, одно из которых было связано с лирикой, а другое — с темпом. То, что связано с темпом, — это быстро развивающееся. Классический период использовал фортепиано в качестве основного инструмента для исполнения своих сочинений. При написании музыки музыканты строго следовали определенным правилам и предписаниям. Примером этого является стиль рондо классических музыкантов ABA или ABACA.

В отличие от музыкантов эпохи барокко, исполнители классической музыки лишены свободы и, следовательно, не могут сосредоточиться на импровизации. Некоторые из известных классических композиторов — Гайдн, Бетхован, Моцарт и Шуберт. Среди этих композиторов Гайдн был одним из первых композиторов, которые разработали форму сонаты, а также фортепианные трио.

В чем разница между классикой и барокко?

• Период происхождения:

Музыка барокко приобрела популярность после эпохи Возрождения, примерно в 1600 году. Классическая музыка появилась примерно в 1750 году, а к началу 19 века классическая музыка уступила место эпохе романтизма.

• Сочинение:

Музыка барокко уступила место украшениям. Классическая музыка нашла свое место с изобретением сонаты.

• Настроения:

Первоначально ранние классические певцы задавали два разных настроения, одно из которых было связано с лирикой, а другое — с темпом. То, что связано с темпом, — это быстро развивающееся. Напротив, музыканты, принадлежавшие к стилю барокко, сочиняли свою музыку только в одном настроении.


• Инструменты:

В то время как музыка барокко обожала клавесин и другие струнные инструменты, классическая музыка отдавала предпочтение фортепиано.

• Стиль Рондо:

Стиль рондо в музыке барокко был ABACABA, тогда как стиль рондо классической музыки был ABA или ABACA.

• Структура:

При сочинении музыки классические музыканты строго следовали определенным правилам и предписаниям. У музыкантов эпохи барокко было больше свободы в манере композиции. Благодаря этой свободе композиторы эпохи барокко могли больше сосредоточиться на импровизации и ансамбле сольных исполнений.

Обладая свободой, композиторы эпохи барокко первыми установили оперную форму музыкального жанра. Это не относится к классическим исполнителям.

• Известные композиторы:

Некоторые из известных композиторов эпохи барокко — Вивальди, Бах, Монтеверди, Корелли и Гендель. Некоторые из известных классических композиторов — Гайдн, Бетхован, Моцарт и Шуберт.

Как видите, разница между барокко и классикой заключается в том, какой тип музыки создавал каждый, какие музыкальные инструменты использовали, в какой период истории они существовали и т. Д. Однако в музыкальном мире их очень уважают. Кроме того, люди до сих пор ценят музыку таких великих композиторов того времени, как Бетхован и Моцарт.

Изображения любезно предоставлены:

  1. 1734 клавесин Иеронима Альбрехта Хасс через Wikicommons (общественное достояние)
  2. Фортепиано Дэрила Дюрана (CC BY 2.0)

Европейская классическая музыка эпохи барокко

Музыка барокко появилась в конце эпохи Возрождения и предшествовала музыке классицизма.

Но, как мы уже указывали в статье «Музыка эпохи Возрождения», временны́е периоды начинались и заканчивались в разных странах в разное время, поэтому их можно указать только приблизительно. А художники (в широком смысле этого слова), создавая произведения искусства, могли опережать свою эпоху или, наоборот, при смене ведущего направления в искусстве, продолжать работать в том же стиле.
Итак, музыкой барокко считается период в развитии европейской академической музыки приблизительно между 1600 и 1750 гг.
Термин «барокко»– от итальянского barocco («причудливый», «странный», «склонный к излишествам»), португальского pérola barroca (дословно «жемчужина с пороком»). 

Чем отличается музыка барокко от музыки Возрождения (Ренессанса)?

Конечно, музыка эпохи барокко продолжила те достижения, которые были в музыке Возрождения. Это касается гармонии, мелодической линии, ритмов, развития музыкальной темы и т.д. Появлялись новые музыкальные формы и жанры.
Барочная музыка стала более эмоционально наполненной, чем музыка Ренессанса. Она стала более виртуозной по сравнению с ренессансной, появились произведения, специально созданные для виртуозных певцов и музыкантов. Почти обязательным стало использование музыкальных украшений.
В эпоху музыкального барокко вокальная музыка стала менее популярной по сравнению с инструментальной, а вокальные произведения всё чаще стали исполняться инструментально – например, арии. Композиторы стали чаще обращаться к созданию камерной инструментальной музыки.
Композиторы эпохи барокко работали в различных музыкальных жанрах. Опера стала одной из главных барочных музыкальных форм. Продолжали работать в этом жанре Алессандро Скарлатти, Георг Фридрих Гендель, Клаудио Монтеверди и др. Развивался жанр оратории (крупное музыкальное произведение для хора, солистов и оркестра), получили развитие виртуозные формы сочинения – токкаты и фуги. Делались попытки создать стройные системы музыкального обучения. Сочинения композиторов уже публиковались и потому были доступны большому количеству музыкантов.

Композиторы эпохи барокко

Жан Батист Люлли

В период зрелого барокко выдающимся представителем придворных композиторов двора Людовика XIV был Джованни Баттиста Люлли (1632-1687). Его творчество было связано с театром, он активно занимался оперной и балетной музыкой, которую любил Людовик XIV, сам танцевавший в балетах. Танцевал и Люлли. Многие его произведения были созданы на сюжет пьес Мольера. Люлли считается автором лирической оперы, построенной на контрастах. Он умел подбирать музыкантов в оркестр и работать с ними.

Арканджело Корелли
Композитор и скрипач Арканджело Корелли (1653-1713) разработал и развил жанр кончерто гроссо (большой концерт), который основывается на чередовании и противопоставлении звучания всего состава исполнителей и группы солистов.

Генри Пёрселл
В Англии в эпоху зрелого барокко работал Генри Пёрселл (1659-1695). Он стал известным композитором ещё при жизни, хотя умер совсем молодым. Пёрселл работал во многих жанрах: от простых религиозных гимнов и вокальных сочинений до маршевой и театральной музыки (создал более 800 работ).

Жак Авед. Портрет Жана-Филипа Рамо́
Жан-Фили́пп Рамо́ (1683-1764) – французский композитор и теоретик музыки эпохи барокко. Писал для парижских театров, сочинял духовную и светскую музыку, с 1745 г. стал придворным композитором. Автор многочисленных пьес для клавесина, опер (около 30), кантат (7).

Предположительный портрет Антонио Вивальди
Антонио Вивальди (1678-1741) – итальянский композитор, скрипач-виртуоз, педагог, дирижёр, католический священник. Родился в Венеции. Преподавал игру на скрипке в венецианском сиротском приюте для девочек. Известность Вивальди принесли его скрипичные сонаты и концерты, которые были опубликованы и широко разошлись по Европе.
Для музыки Вивальди характерны трёхчастная циклическая форма для кончерто гроссо и использование ритурнели (инструментальное вступление) в быстрых частях. Вивальди сочинил более 500 концертов. Он создавал и программные произведения, например, знаменитые «Времена года». Программная инструментальная музыка не включает в себя словесный текст, но сопровождается словесным указанием на своё содержание. Антонио Вивальди каждый из четырёх концертов для скрипки с оркестром «Времена года» сопроводил посвящённым этому же времени года сонетом.

Д.А. Веласко. Портрет Доменико Скарлатти
Доменико Скарлатти (1685-1757) – один из ведущих клавишных композиторов и исполнителей своего времени. Сочинял оперы и церковную музыку, но известность (уже после смерти) ему обеспечили его произведения для клавишных. При жизни было опубликовано лишь небольшая часть его сочинений.
Скарлатти написал более 500 сонат, в основном одночастной формы с неизменяемым темпом, которые являются образцом старинной двухчастной формы. Его сонаты исполняются и в наше время, входят в репертуар начинающих пианистов.
Скарлатти является автором 15 опер, 10 ораторий, сонаты для мандолины и клавесина, виоль д’амур и баса, оркестровых произведений, церковной музыки.

Бальтазар Деннер. Портрет Георга Фридриха Генделя (1733)
Георг Фридрих Гендель (1685-1759) – немецкий и английский композитор эпохи барокко, известный своими операми, ораториями и концертами. Музыкальное образование и опыт получил в Италии, затем переселился в Лондон, впоследствии став английским подданным.
Выполнял музыкальные заказы для знати. Обладал неутомимой энергией. После смерти был признан ведущим европейским композитором и изучался музыкантами эпохи классицизма. Гендель соединил в своей музыке богатые традиции импровизации и контрапункта. Он путешествовал по Европе, обучая музыке других композиторов.
«Гендель был неподражаемый мастер относительно умения распоряжаться голосами. Нисколько не насилуя хоровые вокальные средства, никогда не выходя из естественных пределов голосовых регистров, он извлекал из хора такие превосходные эффекты, каких никогда не достигали другие композиторы…» (П.И. Чайковский).
О жизни и творчестве И.С. Баха, одного из самых популярных композиторов всех времён, мы расскажем в отдельной статье.
Между поздним барокко и ранним классицизмом существовала переходная фаза в течение около 50 лет, которую называют «галантным стилем», или «Рококо». В эти несколько десятилетий композиторы, продолжающие работать в стиле барокко, всё ещё считались успешными, но уже принадлежали прошлому. Композиторы старого стиля создавали замечательные произведения, но публика уже хотела нового. В этот период времени достиг известности Карл Филипп Эммануил Бах (1714-1788), сын И.С. Баха, отлично владевший старым стилем, но много работавший в новом. В этот переходный период духовные сочинения оставались преимущественно в рамках барокко, а светская музыка тяготела к новому стилю. Упадок барокко сопровождался длительным периодом совместного существования старой и новой техник. Во многих городах Германии барочная техника исполнения сохранилась до 1790-х годов, например, в Лейпциге, где в конце своей жизни работал И.С. Бах.
В это время в Европе появились консерватории (музыкальные высшие учебные заведения).

Значение музыки эпохи барокко

Стиль барокко сохранился и после наступления классицизма. В XX в. интерес к этому стилю возник заново, тогда же этот стиль и стал так называться – «барокко». Барочные формы и стили повлияли на композиторов XX в. Арнольда Шёнберга, Макса Регера, Игоря Стравинского, Бела Бартока. Возродился интерес к композиторам зрелого барокко Генри Пёрселла и Антонио Вивальди.
И в наше время существуют композиторы, пишущие исключительно в барочном стиле, например, итальянский композитор Джорджио Пакьони. Некоторые оперные исполнители (например, Чечилия Бартоли) включают в свой репертуар барочные произведения.
В России аутентичным исполнением и исследованием музыки барокко занимались Марк Вайнрот, Феликс Равдоникас, Иван Розанов, Алексей Панов, Алексей Любимов, Анатолий Милка, «ансамбль Hortus musicus», ансамбль «Мадригал», оркестр Екатерины Великой и ансамбль Екатерины Великой Андрея Решетина, ансамбль старинной музыки Владимира Шуляковского и Григория Варшавского и др.

Музыкальные инструменты эпохи барокко

Музыкальные инструменты в эпоху барокко были весьма многочисленны и разнообразны. Коротко назовём некоторые из них.

Орган в Центре музыки и культуры имени Джансуга Кахидзе (Тбилиси) является крупнейшим резонаторным органом в мире
Орга́н – сложный музыкальный инструмент, состоящий из воздухонагнетательного механизма, набора деревянных и металлических труб разных размеров и из исполнительского пульта (кафедры), на котором расположены регистровые ручки, несколько клавиатур и педали.
Клавеси́н – один из предшественников фортепиано. Струны клавесина приводились в движение щипком при помощи плектра, который при нажатии клавиши зацеплялся за струну. С XVII в. клавесин приобрёл крыловидную треугольную форму и металлические струны. Диапазон звука 4-5 октав.

Вёрджинел – небольшой клавесин с корпусом в виде прямоугольного ящика без ножек и струнами, расположенными по диагонали. Звук вёрджинела слабее клавесинного, но громче, чем у спинета.

Французский спинет
Спинет – небольшой клавесин квадратной, прямоугольной или пятиугольной формы.
Клавицитериум – клавесин с вертикально расположенным корпусом.

Клавикорд – предшественник фортепьяно.
Барочная скрипка – несколько иной конструкции, чем современная.
Виола – прародитель современных скрипок и виолончелей.
Виола да браччо – предок скрипки (ручная виола).
Виола да гамба – в буквальном переводе с итальянского – «коленная виола». Играли на виоле да гамба, устанавливая её на коленях или между ними.
Виола д’амур – основная особенность виолы д’амур заключалась в том, что под обычными жильными струнами были натянуты металлические струны. Смычок задевал лишь жильные струны, и от их вибрации начинали звучать металлические струны.
Виолончель – смычковый инструмент басо-тенорового регистра. 4 струны настраиваются по квинтам (до и соль большой октавы, ре малой, ля первой). Виолончель появилась в конце XV-начале XVI вв. Классические образцы виолончелей были созданы итальянскими мастерами XVII-XVIII вв. Антонио Амати и Джироламо Амати, Джузеппе Гварнери, Антонио Страдивари.
Контрабас – самый большой и низко звучащий смычковый инструмент оркестра. Играют на нём стоя или сидя на высоком табурете.
Барочная лютня
Теорба – басовая разновидность лютни. Количество струн от 14 до 19 (в основном одинарных, но были инструменты и с парными).
Цитра – струнный щипковый музыкальный инструмент
Мандолина – сопрановая разновидность лютни. Играют на мандолине как пальцами, так и с помощью плектра.

Колёсная лира – имеет 6-8 струн, бо́льшая часть которых звучит одновременно, вибрируя в результате трения о колесо, вращаемое правой рукой. Одна-две отдельных струны воспроизводят мелодию, а остальные струны издают монотонное гудение.

Валторна

Горн – духовой медный мундштучный музыкальный инструмент без вентилей, с коническим стволом.

Тромбон

Поперечная флейта – деревянный духовой музыкальный инструмент сопранового регистра.
Блокфлейта – духовой музыкальный инструмент, разновидность продольной флейты.
Шалюмо (кларнет) – деревянный музыкальный духовой инструмент, обладает широким диапазоном, тёплым, мягким тембром и предоставляет исполнителю широкие выразительные возможности.
Гобой – язычковый деревянный музыкальный духовой инструмент сопранового регистра.
Фагот – язычковый деревянный духовой инструмент басового, тенорового и частично альтового регистра.
Квартфагот – увеличенный фагот. На письме партия квартфагота записывается так же, как и фагота, но звучит на чистую кварту ниже писанной ноты.
Контрафагот – басовая разновидность фагота.

Литавры – ударный музыкальный инструмент с определенной высотой звучания. Высота звучания настраивается при помощи винтов или специального механизма, чаще всего в виде ножной педали.

5 советов по музыке французского барокко

Подобно своим английским и итальянским собратьям, эта разновидность музыки барокко предлагает щедрые награды
от Sarah Freiberg

Когда вы думаете о композиторах эпохи барокко, творивших с 1600 по 1750 годы, чаще всего на ум приходят Вивальди и Бах. Но есть богатый репертуар для струнных, который можно найти в фантастической и своеобразной музыке эпохи барокко во Франции. У него есть свой особый набор правил, но не волнуйтесь, следуя этим советам, вы быстро начнете играть стильно.

Любопытно, что самый известный и влиятельный французский композитор эпохи барокко был родом из Италии. Жан-Батист Люлли (1632–1687), урожденный Джованни Баттиста Лулли, жил во Флоренции до 11 лет, обучаясь танцам и играя на различных инструментах, в том числе на скрипке. Привезенный в Париж в качестве итальянского наставника французской дворянки, талантливый Люлли привлек внимание молодого короля Людовика XIV, когда они вместе танцевали в балете. Вскоре Люлли стал незаменимым для Людовика, прославившись точностью своего струнного оркестра, сочинив многочисленные балеты и оперы, наполненные танцами, и оказав влияние на музыкальный стиль на десятилетия вперед.

1. Говорите первым

Поскольку большая часть музыки Люллия написана для оперы, стоит послушать, как на музыку влияет звучание слов. Музыка барокко вообще основана на риторике, и французская музыка не исключение.

Скрипачка в стиле модерн и барокко Элизабет Филд, преподающая в Университете Джорджа Вашингтона, часто представляет этот стиль следующим образом: «У меня есть ария Люлли, в которой я закрашиваю весь текст и любые артикуляции, так что нет никакого намека на то, что музыка может быть.Я прошу современных скрипачей «сыграть так, чтобы это звучало как музыка», и это неизменно звучит как Шуман.

«Они просто сходят с ума, когда я возвращаю им текст, и они должны найти слоги в музыке. Важно осознавать, что независимо от того, насколько похожими могут показаться любые обозначения (например, три отдельные четвертные ноты), каждый раз артикуляция будет меняться в зависимости от текста. Это приводит к риторическим длинным строкам, состоящим не только из гласных (что я считаю настоящим определением «длинной строки» XIX века).Это приводит к идее поиска более мелких жестов вместо устойчивой мелодии, которую мы производим в более поздней музыке».

2. Унылый? Нижний бант

Одним из самых далеко идущих последствий пребывания Люлли на посту дирижера «24 скрипок короля» было его требование, чтобы все музыканты использовали одни и те же смычки — то, что сегодня делают все оркестры. Форма смычка в стиле барокко делает более сильным смычок вниз, чем смычок вверх, и, по словам его современника Георга Мюффата, «луллисты» играли первую ноту каждого такта на смычке вниз, с меньшим акцентом на последующем смычке вверх.Эта практика была наиболее распространена во Франции, но также достигла Германии и Англии.

«При исполнении танцев полезно стараться следовать строгим правилам французского смычка, — говорит профессор Йельского университета и известный скрипач в стиле барокко Роберт Мили, — не только во французской музыке, но и в музыке с французским влиянием, такой как Пёрселл. Чтобы сохранить сильную долю на нижнем поклоне, вы можете либо взять еще один даун в такте, либо взять два подъема в такте».

В медленном тройном такте попробуйте вниз-вверх-вниз в пределах такта, повторяя даун в следующем такте, который французы предпочитали играть вниз-вверх-вверх.

«Они никогда не использовали последовательные поклоны вниз в пределах такта, — говорит Мили, — но они часто делали еще один поклон вниз через тактовую черту — это дает прекрасный подъем и артикуляцию на тактовой черте».

Вы можете попробовать смычок вниз-вверх-вниз на любом менуэте в партитах Баха или сюите.

3. Возьми себя в руки

Французский смычок в стиле барокко был короче своего итальянского аналога и обладал удивительно четкими артикуляциями, что идеально подходило для быстрых танцевальных движений. «Держите свой современный смычок подальше от стрелки», чтобы почувствовать меньший и более легкий смычок, — предлагает виолончелист Общества Генделя и Гайдна Рейнмар Зайдлер.«Кроме того, французская хватка лука была довольно необычной — большой палец помещался под этот короткий лук, надавливая на волосок у лягушки, а остальные пальцы были сверху. Если вы попробуете это сделать, это может быть сложно, но очень поучительно — вы обнаружите, что единственное место, где можно снять лук со тетивы, — это лягушка. Это соответствует артикуляции — было бы мало оскорблений. Избегайте оскорблений большую часть времени — характер танца требует артикуляции и острого ритма».

Мили добавляет, что во французской музыке «определенно действуют общие правила музыки барокко: чем меньше интервал, тем плавнее удар — для скалярных пассажей (даже из нескольких нот) вы можете быть очень легато, а затем более артикулированными, когда интервалы стать больше.Следуйте ландшафту фразы, поднимаясь по мере ее подъема и опускаясь по мере ее снижения».

4. Сильные и слабые удары

Во французской музыке барокко принцип сильных и слабых долей доведен до крайности: если у вас есть ряд связанных нот одинакового значения, играйте сильные ноты смычка вниз немного дольше, чем последующие смычки вверх — это известный как note inégales, который придает пассажу, как выразился Мили, «гладкую, качающуюся, гибкую джазовую интонацию ритма».

Попробуйте этот французский хват и слегка надавите большим пальцем на нижние луки на волосяной лук, отпустив его на верхних луках.Сымитируйте это ощущение при обычном удержании лука, погружаясь при нисходящем ударе лука немного больше, чем при восходящем.

«Думайте о inégale не как о длинном-коротком (что обычно заканчивается чем-то отрывистым или с точками), а как о сильном-слабом», — говорит Мили. «Это может помочь с проблемой нехватки смычка на длинной серии взмахов восьмых нот. Не забудьте поставить смычок: точно так же, как скрипачи часто были мастерами танцев, вы должны думать о том, чтобы танцевать смычком на скрипке.

5. Орнаменты и трели

Французская музыка часто наполнена множеством трелей и других украшений, но не позволяйте им упускать из виду музыку! Почувствуйте музыкальную линию без украшений, прежде чем вставлять их. Дэн Степнер, первый скрипач Лидийского струнного квартета и концертмейстер Оркестра Общества Генделя и Гайдна, подчеркивает высказывание композитора Жана-Филиппа Рамо о том, как «украшения должны быть войлочный (т.е. эмоционально заряженный), а не просто «декоративный».Он также отмечает, что в «Pieces de clavecin en Concerts» Рамо «использует одновременные, но разные орнаменты на унисонной линии (например, правая рука клавесина и скрипка), что наводит меня на мысль, что Рамо хотел добиться эффекта смазывания, а не точный, сверхчистый. Здесь важен жест, а не точность».

Мили соглашается: «Трели должны быть выразительными. Чем длиннее трель, тем медленнее ее начало — она никогда не должна звучать как дверной звонок».

ИЗУЧИТЕ ФРАНЦУЗСКИЙ РЕПЕРТУАР ЭПОХИ БАРОККО
Скрипач и профессор Йельского университета Роберт Мили предлагает изучить эти великие произведения французского барокко, чтобы познакомить вас со стилем.

  • Ищите DVD-диски с операми Жана-Филиппа Рамо в сопровождении Les Arts Florissants — Une symphonie imaginair (Марк Минковски и Les Musiciens du Louvre), а также сюиты из опер Naïs и Le Temple de la gloire (оркестр Philharmonia Baroque). Все они великолепны, с удивительно неожиданными постановками — от необарокко до хип-хопа.
  • «Les Nations» Франсуа Куперена, записанные Hesperion XXI, представляют собой набор трио-сонат и танцев с глубиной и красноречием Баха, сыгранных звездным составом инструменталистов.Также посмотрите их запись трио-сонаты Куперена Les Apotheoses, в которой Люлли и Корелли возносятся на небеса.
  • Также посмотрите записи опер Люлли «Психея» и «Тезе», сделанные на Бостонском фестивале старинной музыки.
  • Для другой вокальной музыки попробуйте записи Les Arts Florissants Шарпантье: Давида и Джонатаса, Меде или Актеона.
  • Мили говорит, что скрипачи должны попробовать скрипичные сонаты Леклера, «которые становятся все сложнее: в его четвертой книге есть впечатляющие скрипичные эффекты.Также стоит найти его вторую книгу дуэтов для двух скрипок: намного сложнее и интереснее, чем первая книга».
  • Виолончелисты могут сыграть сонаты Жозефа Бодена де Буаммортье или Жана-Батиста Барьера.
  • Концерты Куперена «Королевские концерты» и «Les goûts-réunis, ou nouveaux» преподают урок густо орнаментированного, красноречивого языка высокого французского барокко.
  • Мили призывает передать эту музыку факсимиле, «поскольку французская гравюра была высоким искусством: музыка прекрасно читается, и вам не нужно игнорировать редакционные дополнения.
  • Большую часть этой музыки можно заказать на сайте sheetmusicplus.com (ищите Editions Fuzeau — хорошие копии оригиналов).

Истоки и элементы стиля барокко

Знакомство с барокко.

В музыке период барокко уже давно датируется между 1600 и 1750 годами, хронологические границы произвольны, но, тем не менее, полезны для понимания изменений, которые произошли в западной музыке в раннем современном мире. В начале этого периода в Италии стали появляться новые модели композиции, основанные на экспериментах таких композиторов, как Клаудио Монтеверди (1567–1643), Якопо Пери (1561–1633) и Джулио Каччини (1555–1618). а также открытиями гуманистов эпохи Возрождения, касающимися драмы и музыки древнего мира.Эти инновации породили новые гармонические структуры, композиционные приемы и жанры, такие как опера. В то время как музыка, основанная на более ранних моделях эпохи Возрождения, сохранилась по всей Европе, инновации раннего барокко также распространились за пределы Италии. Поскольку эти новые стили были изучены и приняты в других странах Европы новые стили композиции и исполнения в стиле барокко смешивались с местными традициями, создавая региональные вариации, которые сильно отличались от итальянских моделей. Таким образом, при рассмотрении истории музыки эпохи барокко сразу бросаются в глаза две характеристики.Во-первых, в годы барокко музыкальные языки Европы становились все более дифференцированными по национальному и региональному признаку. Во-вторых, музыка, которую потребляла аристократическая и городская элита, трансформировалась в результате развития новых музыкальных жанров, новых инструментов и новых исполнительских практик. Именно в эти годы появилось много новых музыкальных форм, на которые европейские композиторы продолжают опираться до настоящего времени. В вокальной музыке расцвет оперы также сопровождался появлением оратории и кантаты.Не менее новаторскими были разработки в области инструментальной музыки. Новые музыкальные жанры, такие как соната, сюита и концерт, берут свое начало в барокко, как и такие инструменты, как гобой, скрипка и поперечная флейта. В эти годы также сложились многие обычаи современного исполнения. В начале периода большая часть музыки все еще находилась под твердым контролем и покровительством церкви и аристократии. Религиозная музыка оставалась жизненно важной на протяжении семнадцатого и восемнадцатого веков, как и аристократическое покровительство музыкальному сочинению и исполнению.В то же время появление оперных театров в эпоху раннего барокко и появление концертов по подписке в самом конце периода предоставили новые места для выступлений, места, где растущий класс европейской буржуазии мог удовлетворить свои музыкальные вкусы. Домашние выступления любителей были важны на протяжении всей эпохи, а традиции любительского музыкального творчества со временем стали еще более важными.

Ренессанс и возрождение старинной музыки.

Многие черты периода барокко возникли в результате атмосферы экспериментирования, которая восходит к Италии конца шестнадцатого и начала семнадцатого веков.Этот новый климат инноваций во многом обязан интеллектуальной жизни позднего Возрождения и ее неуклонно усиливающемуся поиску понимания античности. В течение многих лет после 1550 года музыкальные теоретики и историки, работавшие в нескольких итальянских городах, все больше увлекались изучением древних сочинений о музыке, чтобы возродить некоторые из практик ее исполнения. Из текстов таких древних авторов, как Платон и Квинтилиан, интеллектуалы эпохи Возрождения поняли, с каким большим уважением относились к музыке древние.Этому искусству приписывали способность преображать душу и формировать человеческие эмоции, а многие легенды, содержащиеся в древних текстах, наделяли музыку огромной способностью преображать человеческую личность. Например, часто цитируемая легенда приписывает одну из важных побед Александра Македонского эффекту волнующей мелодии, сыгранной прямо перед битвой. Размышляя о музыке своего времени, многие мыслители позднего Возрождения сочли, что их собственное искусство несовершенно, поскольку они обнаружили, что оно мало способно формировать эмоции так, как это делало древнее искусство.Однако усилия, которые вскоре были предприняты для воссоздания древней музыки, всегда были фрагментарными и неполными, поскольку не сохранилось никаких реальных произведений из Греции или Рима. В то время как художники эпохи Возрождения смогли изучить множество артефактов, уцелевших от древнего мира, не сохранилось ни одного такого надежного корпуса свидетельств, который мог бы служить руководством для композиторов, заинтересованных в воссоздании древней музыки. Знания о системах настройки, инструментах и ​​​​древних музыкальных ладах также были фрагментарными. Таким образом, пытаясь воссоздать древние звуки, большинство композиторов того времени были вынуждены адаптировать свои неполные знания об античной музыке к формам, уже существовавшим в их дни.Таким образом, расширяющиеся, но все же несовершенные знания интеллектуалов об античном искусстве сформировали исполнительские приемы и композиционные стили позднего Возрождения и раннего барокко. Именно во Флоренции, городе, где ряд музыкантов и литераторов изучали древнегреческие музыкальные трактаты, наиболее решительно развивалась попытка понять роль музыки в античной драматургии. Там в конце шестнадцатого века начала вырисовываться картина музыкальной традиции, которая сильно отличалась от той, что существовала в мире шестнадцатого века.

Флоренция и ранняя опера.

Развитие оперы лучше всего демонстрирует переход от музыки эпохи Возрождения к музыке барокко. Флорентийцы, изучавшие музыкальную драму в античности, заинтересовались созданием своих собственных драм таким образом, чтобы они напоминали, не пытаясь напрямую копировать, черты, которыми они восхищались в древнегреческой драме. Ключевыми фигурами в этой группе были флорентийские аристократы граф Джованни де Барди (1534–1612) и Якопо Корси (1561–1602), оба интеллектуалы с гуманистическим образованием, близкие ко двору великих герцогов Медичи, правящей семьи Флоренции.Барди покровительствовал ряду музыкантов, и его дом часто был заполнен учеными. Позже культурный кружок, который Барди помог создать во Флоренции, стал известен как Камерата, хотя в то время, когда происходили его обсуждения, группа была неформальной и обсуждала широкий круг вопросов, включая музыку, драму, литературу и даже астрология, популярное увлечение интеллектуалов эпохи Возрождения. В 1570-е годы обсуждение группы Барди обогатилось. через переписку Винченцо Галилея с Джироламо Мей (1519–1594), в то время величайшим авторитетом Италии в области древнегреческой музыки.Из этой переписки интеллектуалы Флоренции черпали большую часть своих теорий о древней музыке и о том, как она использовалась в греческой драме. Выводы, которые они сделали из этого исследования, помогли информировать не только о практике ранней оперы, но и о музыке барокко в целом. Теоретики Флоренции утверждали, что строки древней драмы пелись, а не просто произносились, и что припевы этих произведений включали танец или стилизованные движения, сопровождавшие поемые строки.Кроме того, они поняли, что в отличие от полифонической музыки, столь популярной в их дни, древнегреческая музыка была монодической, то есть в греческой музыке использовалась только одна мелодическая линия. Таким образом, флорентийцы ввели новый стиль пения, который они назвали stile recitativo или «стиль речитатива». В этом стиле певец пел строку, состоящую из стандартных музыкальных тонов, но в очень простой мелодической строке, предназначенной для имитации интонаций и ритмов речи. Партия баса и несколько простых аккордов сопровождали певца.

Эксперименты в ранней опере.

После нескольких небольших попыток усовершенствовать новое искусство речитатива в качестве средства наложения поэзии на музыку Якопо Корси заказал целую драму в стиле Dafne , которая была поставлена ​​во дворце Корси в 1598 году. поколение моложе Барди, недавно занял видное положение в музыкальном мире Флоренции и, как один из самых важных покровителей города, хотел использовать свое положение не только для обсуждения музыкальной теории, но и для применения на практике некоторых из идеи, полученные в результате недавних исследований древнегреческой драмы и музыки.Он сам был композитором, но его влияние оказалось наиболее прочным благодаря покровительству, которое он оказывал другим музыкантам и композиторам, а также его усилиям поощрить флорентийских герцогов Медичи поддержать развитие музыкальной драмы нового типа. Среди тех, кого он поддерживал, были Якопо Пери (1561–1633) и Джулио Каччини (1551–1618). Пери был певцом и композитором, написавшим музыку для Dafne в 1598 году, произведение, которое долгое время называли «первой оперой». Каччини, с другой стороны, также был композитором, который помог распространить по всей Италии знания о стиле аккомпанемента basso continuo через свои популярные сборники печатных песен.Благодаря поддержке Корси, в годы, непосредственно предшествовавшие 1600 году, во Флоренции было поставлено несколько других певческих драм, некоторые в его собственном доме, но большинство в семейной резиденции Медичи, дворце Питти. Сюжетные линии многих из этих первых работ в развивающемся жанре оперы были взяты из древних драм, мифов и исторических событий. Одним из популярных сюжетов была история Орфея, чье пение, как говорили, очаровывало диких животных, и его усилий по спасению своей возлюбленной Эвридики из подземного мира.Главным среди этих новаторских трактовок мифа был « Orfeo » Клаудио Монтеверди в 1607 году, который впервые был исполнен в Мантуе и часто возрождается сегодня. Тема Орфея соответствовала одной из главных целей музыкальных теоретиков и композиторов того времени: их усилиям возродить способность древней музыки говорить с эмоциями и влиять на них, ключевую цель, которую также разделяли многие композиторы эпохи барокко. Эти ранние оперные эксперименты в основном оплачивались итальянской знатью и исполнялись перед их дворами.Двор Медичи во Флоренции оказался одним из самых ярых сторонников нового искусства, но аристократические семьи в Мантуе и Риме также были важными центрами раннего оперного производства. В этот ранний период развития оперы форма искусства была в основном дорогим развлечением, устраиваемым в этих придворных домах, чтобы произвести впечатление на гостей. Тщательно продуманные декорации, роскошные костюмы, спецэффекты и в целом высокий уровень театральности и зрелищности вскоре стали отличительными чертами ранних оперных постановок.

Монтеверди и «Вторая практика».

Несмотря на то, что в 1600 году опера продолжала развиваться как новый музыкальный жанр, новые композиционные приемы преобразовывали вокальную музыку и ее связь с текстом. Клаудио Монтеверди (1567–1643) был главной фигурой, внесшей свой вклад в этот новый климат инноваций. Монтеверди был одним из величайших музыкантов позднего Возрождения в Италии, но он также внес важный вклад в новый стиль барокко.Как следствие, уже давно оказалось трудно классифицировать этого дальновидного художника. Сегодня продолжают спорить о том, кого лучше считать композитором позднего Возрождения или раннего барокко, хотя ясно, что Монтеверди внес большой вклад в музыку обоих периодов. Монтеверди и те, кто отстаивал его новые композиционные приемы, хотели четко сфокусировать внимание слушателя на словах певца и чувствах, которые они выражали. Для этого они упростили стиль композиции и помогли систематизировать новые техники, которые развивались в то время.Они минимизировали контрапункт и вместо этого написали одну музыкальную линию для певца вместе с басовой партией и достаточным количеством нот между ними, чтобы сопровождать голос, но не конкурировать с ним. Часто они выписывали только бас или самую нижнюю часть этого аккомпанемента и просто указывали цифрами гармонии над этой строкой, чтобы аккомпаниаторы могли добавлять их по своему усмотрению; эту практику стали называть «фигурным басом». Поскольку эта басовая партия также шла непрерывно на протяжении всего произведения многие также описывали его как «basso continuo» или «глубокий бас».«Чтобы выразить эмоции, эти композиторы были готовы позволить своим произведениям двигаться через гармонии, которые обычно считались резкими, если им казалось, что это помогает выразить строку текста, которую они положили на музыку. В ранней публикации книги мадригалов в В 1605 году Монтеверди назвал этот стиль сочинения новой практикой или «второй практикой». владычица гармонии.Другие композиторы вскоре последовали их примеру, продолжая развивать эту новую практику. Затем новый стиль постепенно распространился по Европе. Другие регионы стремились нанять итальянских музыкантов, а итальянские стили, композиторы и исполнители доминировали в Европе в последующую эпоху барокко. Это рождение новой или «второй практики», которая рассматривается как отправная точка эпохи барокко.

В ЗАЩИТУ НОВОЙ МУЗЫКИ

введение: Скрипач Марко Скакки родился в Витербо около 1600 г., а к 1621 г. был назначен музыкантом при дворе в Варшаве.Сегодня он наиболее известен своей защитой новой музыки, которую он опубликовал как A Brief Discourse on New Music (1649). В нем он сравнивает исследования новых музыкантов с исследованиями Нового Света Христофором Колумбом. Хотя сегодня Скакки помнят в основном за его роль в этом споре, он также был удивительно оригинальным музыкальным теоретиком.

Пусть говорят, помолитесь, если бы Колумб своим разумом не стремился пройти через мореплавание Геркулесовы столбы, открыл бы он Новый Свет? А между тем всем известно, что, когда он выдвигал свою возвышенную мысль с доказательными доводами, его считали сумасшедшим, и все это произошло оттого, что те, кому он сообщал о своем предприятии, еще не имели способности к тому, что он доказывал, и все же в нынешнем столетии человеческий род в долгу перед ним в таком большом долгу, какой стоит Новый Свет.Итак, теперь я говорю о современной музыке, что если бы кто-нибудь предложил нашим предшественникам, как можно управлять музыкальным искусством иначе, чем они учили нас, они сочли бы его человеком малознающим. Но этого нельзя отрицать в нынешнем веке, ибо слух судит о нем как о том, от чего музыка получила и ежедневно получает большее совершенство. Поэтому я говорю, что подобно тому, как Колумб сделал очевидным в своей области то, что первые изобретатели мореплавания были не в состоянии исследовать, так и наша современная музыка делает сегодня слышимым то, чего не слышали наши первые учителя, и тем более им не было позволено исследовать то, что современные музыканты открыли для выражения речи.…

Старая музыка состоит только из одной практики и почти одного стиля использования консонансов и диссонансов. Но модерн состоит из двух практик и трех стилей, то есть церковного, камерного и театрального. Из практик первая — Ut Harmonia sit Domina orationis [‘гармония — госпожа речи’], а вторая — ut Oratio sit Domina Harmoniae [‘что речь — госпожа гармонии. «…].И каждый из этих трех стилей заключает в себе очень большие вариации, новшества и неординарные изобретения. И нужно отметить, что современные люди понимают эту новую музыку — с точки зрения стиля и использования консонансов и диссонансов иначе, чем в первой практике — как то, что включает в себя совершенство мелодии [сочетание речи, гармонии и ритм], и по этой причине она называется второй практикой, отличной от первой, вызванной следующими словами Платона: Nonne est Musica, quae circa perfectionern melodiae versatur? [ Горгий 449D … ‘Не музыка ли включает совершенство мелодии ?’].Поэтому современные сочинения защищаются к удовлетворению разума и чувства: к удовлетворению разума, потому что оно опирается на созвучия и диссонансы [как они определены] математикой и на приказ речи, главной владычицы искусства. , рассматриваемый в совершенстве мелодии , , как учит нас Платон в [ф. 12v] третья книга Республики [39D] и поэтому называется второй практикой; и к удовлетворению чувств, из-за смешения речи, управляющей ритмом, и подчиненной ему гармонии.

источник: Марко Скакки, «Breve discorso sopra la musica moderna», в Полемика о «Musica Moderna». Пер. Тим Картер (1649; переиздание, Краков: Musica Iagellonica, 1993): 37, 59–60.

«Первая тренировка» выживает.

В то время как музыка, написанная «второй практикой», набирала популярность на протяжении семнадцатого века, старые стили ренессансного сочинения также продолжали существовать бок о бок с новыми методами. Этот старый стиль, или «первая практика», которая была продолжением музыкальной практики эпохи Возрождения, была контрапунктической, с несколькими отдельными линиями или голосами, звучащими вместе одновременно.Он продолжал обращаться к великим композиторам середины шестнадцатого века в поисках вдохновения, особенно к произведениям римского композитора Пьерлуиджи Палестрины (1525/6–1594) из-за его мастерства в создании этих произведений. независимые голоса хорошо сочетаются друг с другом. На протяжении всей эпохи барокко композиторы продолжали писать сложные произведения контрапункта, произведения, требующие и вознаграждающие внимательного слушателя. Таким образом, эту «первую практику» следует понимать как центральную часть музыки барокко. Возможно, наиболее известным сторонником этого старого стиля композиции был Иоганн Себастьян Бах (1685–1750), написавший множество контрапунктических произведений к концу эпохи барокко.Контрапункт был важным музыкальным языком для многих композиторов семнадцатого и восемнадцатого веков, и он даже пережил барокко. Традиция «первой практики» сохранилась даже в девятнадцатом веке, когда такие деятели, как Людвиг ван Бетховен и Феликс Мендельсон, изучали приемы контрапункта и использовали их в своих сочинениях. «Первая практика» была настолько фундаментальной для музыки эпохи барокко, что музыкальные теоретики позднего барокко в конце концов отказались от различия, которое когда-то казалось существенным, между музыкой, написанной в «первой» или «второй» практике.Вместо этого они классифицировали композиции в соответствии с обстановкой и средой, в которой должна была исполняться музыка. Следовательно, музыка была разделена на такие категории, как церковная музыка, камерная музыка и театральная музыка.

Гармонии мажор и минор.

Написана ли музыка в новом или старом стиле, первая практика или вторая, музыка эпохи барокко все больше и больше использовала мажорные и минорные тональности, а не систему ладов, использовавшуюся в более ранней музыке. Тональность использует восьминотную шкалу (до-ре-ми-фа-соль-ла-ти-до).«До» — «домашняя» нота; четвертая и пятая ступени (фа и соль) также помогают придать пьесе форму. Гармонии строятся с использованием трезвучий или аккордов из трех нот, состоящих из нот, которые на квинту и терцию выше основных нот. Мажорные гаммы отличаются от минорных, особенно высотой звука, используемой для «ми». Эта система гамм и трезвучий используется до сих пор, поэтому музыка барокко звучит для современных слушателей более знакомо, чем музыка прежних времен. Напротив, музыка, написанная ладами, может показаться чуждой современному уху.Способы настройки инструментов, особенно клавишных, также помогли определить, какие клавиши звучат лучше всего. Ряд систем настройки стали использоваться по всей Европе в период барокко. Некоторые предпочитали использование нескольких клавиш, таких как G и C; музыка, сыгранная в этих тональностях, звучала бы лучше, чем если бы она исполнялась с нашими современными системами настройки, но музыка в других тональностях звучала бы хуже. Одна из этих систем настройки называлась «хорошая темперация», что позволяло клавиатуре играть в широком диапазоне клавиш.Иоганн Себастьян Бах, который очень интересовался конструкцией и настройкой клавишных инструментов всех типов, написал сборник пьес под названием «Хорошо темперированный клавир». Произведение включало произведения во всех 24 тональностях, использованных в композиции, и таким образом блестяще демонстрировало преимущества новой системы строя.

Последствия этих изменений.

К середине семнадцатого века инновации итальянских композиторов, таких как Монтеверди, начали формировать характерное барочное звучание, характеризующееся бассо континуо, монодией (музыка, состоящая из одной мелодической линии) и использованием гармонических тональностей.Эти новшества возникли в значительной степени в результате увлечения позднего Возрождения античной драмой и попытки восстановить эмоциональную силу, которую ученые, композиторы и музыканты чувствовали в античной музыке. В то же время контрапунктические техники эпохи Возрождения продолжали сохраняться по всей Европе в семнадцатом и восемнадцатом веках и должны были сформировать большую часть композиции в стиле барокко. Стойкость обоих стилей оказалась одной из непреходящих характеристик музыки на протяжении всего периода.

источников

Ховард Майер Браун, «Опера, происхождение», в Словарь музыки и музыкантов New Grove. Ред. С. Сэди и Дж. Тиррелл. (Лондон: Макмиллан, 2001).

Клод В. Палиска, Музыка барокко. 3-е изд. (Englewood Cliffs, NJ: Prentice Hall, 1991).

Дэвид Шуленберг, Музыка барокко (Нью-Йорк; Оксфорд: Oxford University Press, 2001).

см. также Танец: социальный танец в стиле барокко ; Изобразительное искусство: наследие эпохи Возрождения ; Изобразительное искусство: элементы стиля барокко

Музыка в стиле барокко: факты для детей

Фронтиспис оперы Монтеверди L’Orfeo , венецианская редакция, 1609 г.Написанная в начале периода барокко, это была также одна из первых написанных опер.

Музыка барокко — набор стилей европейской классической музыки, использовавшихся примерно между 1600 и 1750 годами.

Слово «барокко» используется и в других видах искусства, кроме музыки: мы говорим о барочной архитектуре, живописи, скульптуре, танце и литературе. Период барокко находится между Ренессансом и периодом классицизма.

История

Музыканты считают, что период барокко начинается примерно в 1600 году.Несколькими годами ранее умерли знаменитые композиторы эпохи Возрождения Палестрина и Лассус. Клаудио Монтеверди написал музыку в стиле ренессанс, а другую музыку в стиле барокко. Изобреталась опера. Это было время музыкальных перемен.

Переход от написания музыки в стиле барокко к классическому стилю был гораздо более постепенным. 1750 год — это год смерти Баха, поэтому легко выбрать дату окончания периода барокко.

Барокко было временем, когда люди любили большие пространства и много украшений.Это можно увидеть в архитектуре известных зданий, таких как базилика Святого Петра в Риме или собор Святого Павла в Лондоне. Они были построены в это время. В Венеции были церкви с галереями по обеим сторонам церкви. Композиторы любили писать музыку для двух групп музыкантов, размещенных в противоположных галереях. Джованни Габриэли написал много такой музыки.

Стили и инструменты

Идея двух контрастирующих групп широко использовалась в музыке барокко. Композиторы писали концерты.Это были произведения для оркестра и солирующего инструмента. Иногда концерт противопоставлял группу солистов остальному оркестру. Они называются по итальянскому названию «Concerti Grossi». Хорошими примерами являются «Бранденбургские концерты» Баха.

Органы

и некоторые клавесины имели не менее двух руководств (клавишных). Игрок мог переходить от одного руководства к другому, противопоставляя два разных звука.

Музыка барокко часто представляла собой мелодию с басовой партией внизу. Это может быть, например, певица и виолончель.Был также клавесин или орган, который также играл басовую партию и составлял аккорды между ними. Часто композитор не удосужился выписать все аккорды (гармонии), а просто показывал некоторые аккорды цифрами, предоставляя исполнителю решать, какие именно ноты играть. Это называется «фигурный бас» или «бассо континуо». Солист, игравший или напевавший сверху мелодию, часто вносил множество орнаментальных нот. Опять же: композитор не стал все это записывать, а предоставил исполнителю сымпровизировать что-нибудь красивое вокруг написанных им нот.

Поскольку теперь композиторы писали оперу, зрители должны были четко слышать слова. В эпоху Возрождения группы хора часто пели несколько разных слов, используя разные мелодии одновременно. Это называлось «полифония». Полифония широко использовалась в инструментальной музыке, но не использовалась в опере, которая должна была рассказывать историю, не вводя в заблуждение.

Когда солист в опере поет песню (арию), ария находится в определенном настроении. Они называли это «любовью».Было несколько «привязанностей» или настроений: были арии о мести, ревности, гневе, любви, отчаянии, мирном счастье и т. д. Каждая часть концерта также имела свое особое настроение. Музыка более поздних периодов отличается. Например: Гайдн в классический период часто менял свое настроение во время произведения.

Люкс

Сюита «Барокко» представляет собой сборник танцевальных движений, написанных в стиле музыки барокко. Существует принятый стандартный порядок исполнения танцев.Пять основных танцев — увертюра, аллеманда, куранта, сарабанда и жига. Много раз композитор добавлял прелюдию перед всеми танцами. Иногда композитор добавлял еще одну пьесу между Сарабандой и Жигой.

Есть много исключений из стандартного порядка, но порядок Прелюдии, Аллеманды, Куранты, Сарабанды, Другой и Жиги является наиболее распространенным. Это легко запомнить по аббревиатуре PACSOG.

Композиторы

Вот некоторые из наиболее важных композиторов эпохи барокко:

Италия
Германия
Англия
Франция
  • Музыка эпохи барокко , Манфред Букофцер; Дж.М.Дент 1948

Картинки для детей

U3_Episode1.indd

%PDF-1.6 % 1 0 объект >]/Pages 3 0 R/Type/Catalog/ViewerPreferences>>> эндообъект 2 0 объект >поток 2017-02-01T14:46:55-06:002017-02-01T14:47:04-06:002017-02-01T14:47:04-06:00Adobe InDesign CC 2017 (Macintosh)uuid:e6b2ab2a-62f2-db4c -8b48-6e9c7b42d55exmp.did:ED7F1174072068119836F83AD344E89Bxmp.id:d64bf01e-0806-43ec-b882-ab60a0720124proof:pdf1xmp.iid:d74de0ex3-2258-442d-8mpbda1-cbd3mpb1-cbdсделал:F87F117407206811AE56F330CAE295E2xmp.did:ED7F1174072068119836F83AD344E89Bпо умолчанию

  • преобразован из приложения/x-indesign в приложение/pdfAdobe InDesign CC 2017 (Macintosh)/2017-02-01T14:46:055-056-006:46:505 приложение/pdf
  • U3_Episode1.indd
  • Библиотека Adobe PDF 15.0FalsePDF/X-4PDF/X-4 конечный поток эндообъект 3 0 объект > эндообъект 6 0 объект > эндообъект 7 0 объект > эндообъект 13 0 объект >/ExtGState>/Font>/ProcSet[/PDF/Text/ImageC/ImageI]/Shading>/XObject>>>/TrimBox[0.0 0,0 648,0 864,0]/Тип/Страница>> эндообъект 14 0 объект >/ExtGState>/Font>/ProcSet[/PDF/Text/ImageC]/XObject>>>/TrimBox[0.0 0.0 648.0 864.0]/Type/Page>> эндообъект 15 0 объект >/ExtGState>/Font>/ProcSet[/PDF/Text/ImageC]/XObject>>>/TrimBox[0.0 0.0 648.0 864.0]/Type/Page>> эндообъект 16 0 объект >/ExtGState>/ProcSet[/PDF/ImageC]/XObject>>>/TrimBox[0.0 0.0 648.0 864.0]/Тип/Страница>> эндообъект 17 0 объект >/ExtGState>/ProcSet[/PDF/ImageC]/XObject>>>/TrimBox[0.0 0,0 648,0 864,0]/Тип/Страница>> эндообъект 18 0 объект >/ExtGState>/ProcSet[/PDF/ImageC]/XObject>>>/TrimBox[0.0 0.0 648.0 864.0]/Тип/Страница>> эндообъект 19 0 объект >/ExtGState>/ProcSet[/PDF/ImageC]/XObject>>>/TrimBox[0.0 0.0 648.0 864.0]/Тип/Страница>> эндообъект 76 0 объект >поток H*w6PH/2Pw5Pp 0IHD\PL(+ȵ3c.sK(XX4`lah˥

    Период музыки барокко – Краткая история

    Вы любите классическую музыку? Многие из известных композиторов-классиков, которые остаются известными и сегодня, появились в период музыки барокко.Это длилось примерно с 1600 по 1750 год и значительно повлияло на последующие периоды.

    Период барокко начался как раз тогда, когда эпоха ренессанса подходила к концу, а за ним последовала эпоха классицизма. Помимо музыки, период барокко вдохновлял живопись, скульптуру и архитектуру. Итак, давайте подробнее рассмотрим музыку барокко и ее различные элементы .

    Краткая история музыки барокко

    Музыка барокко зародилась в Италии на рубеже 17-го века.Он быстро стал популярным во всей Европе благодаря увлечению нескольких известных композиторов. К началу следующего классического периода музыка барокко имела четко определенный и легко определяемый стиль.

    Итальянское происхождение

    В Италии зародилась эпоха музыки раннего барокко. Итальянские композиторы, жившие в Риме и его окрестностях, сочиняли музыку, опираясь на традиции эпохи Возрождения. Однако они также расширили гармонические и орнаментальные границы музыки, чтобы создать новый жанр.

    Немецкое влияние

    Выдающиеся музыканты путешествовали по Европе, распространяя и популяризируя стиль барокко. По мере того, как они вдохновлялись музыкой барокко, другие композиторы начали добавлять в музыку новые элементы. В то время как это было популярно во Франции и Англии, немецкая школа музыки барокко была особенно влиятельной.

    Конец эпохи

    Конец эпохи барокко примерно совпадает со смертью Баха в 1750 году. После этого периода композиторы искали и в конечном итоге открывали новое звучание.Композиторы, такие как Вольфганг Амадей Моцарт и Франц Йозеф Гайдн, построили на фундаменте барокко в следующий классический период.

    Музыкальные формы эпохи барокко

    Существует несколько популярных музыкальных форм барокко , таких как кантата, концерт, соната, прелюдия и фуга. Композиторы эпохи барокко обычно были связаны с католической церковью и протестантской Реформацией. В результате многие композиции в стиле барокко содержат сильные религиозные темы.

    Музыкальные характеристики барокко

    По сравнению с предшествующим периодом музыки эпохи Возрождения музыка барокко сделала много заметных успехов. Многие черты эпохи барокко до сих пор используются современными композиторами. Его можно определить по следующим характеристикам:

    Акцент на динамике

    Фортепиано, которое было ранней версией фортепиано, заменило клавесин в качестве основного клавишного инструмента. Фортепиано ударяет по струнам войлочными молоточками, формируя ноты.Это позволяло музыкантам играть на одном и том же инструменте как громко, так и тихо.

    В результате фортепиано открыло ряд новых динамических возможностей. Другие новые инструменты, такие как скрипка и клапанная труба, также привнесли динамический потенциал. Хотя на инструментах эпохи Возрождения, таких как лира, все еще играли, эти более динамичные инструменты быстро стали очень популярными среди музыкантов и композиторов.

    Объятия инструментальной музыки

    Вплоть до периода барокко вокальные музыкальные формы были очень популярны.В то время как в период барокко использовались такие виды пения, как опера и хоралы, инструментальные произведения становились все более популярными. На самом деле известные композиции, созданные в эпоху барокко, такие как «Времена года» Вивальди, являются полностью инструментальными произведениями.

    Орнамент

    Как и другие виды искусства того периода, музыка барокко создавалась с большим размахом и отличалась особым чутьем. Даже самые простые мелодии обычно приукрашивали, чтобы сделать их большими и волнующими. Виды орнаментации барокко: повороты, трели, акчаккатуры, апподжиатуры, морденты.

    Бассо континуо

    Период барокко также вызвал популярность нотации бассо континуо. Этот тип нотной записи представляет собой полную басовую партию, которую играет виолончель в ансамбле. Затем пианисты импровизируют аккорды, используя фигурную басовую нотацию, чтобы создать уникальный звук.

    Известные композиторы эпохи барокко

    В эпоху барокко появилось большое количество всемирно известных и прославленных композиторов. В основном благодаря известности этих композиторов музыка барокко остается широко известной и по сей день.Давайте внимательно посмотрим на трех из 90 261 самых известных композиторов периода барокко 90 262 …

    .

    Иоганн Себастьян Бах

    Бах был мастером игры на органе и композитором, наиболее известным своей светской и литургической музыкой. Частью гениальности Баха были его гармонические преобразования и мастерство контрапункта. Некоторые из самых известных композиций Баха включают «Бранденбургские концерты», «Искусство фуги» и «Хорошо темперированный клавир».

    Джордж Фридрих Гендель

    Хотя Гендель родился в Германии, самые значимые годы своей жизни он провел в Лондоне.Гендель прославился, когда король Георг II поручил ему сочинить музыку для королевского фейерверка. Эта композиция остается неотъемлемой частью истории британской музыки и всегда звучит на знаменитых фейерверках.

    Антонио Вивальди

    Невозможно говорить о периоде музыки барокко, не упомянув об этом знаменитом венецианском композиторе и скрипаче. Вивальди, пожалуй, наиболее известен благодаря «Времена года», серии из волнующих концертов для скрипки .Вивальди в основном работал оперным композитором и стремился раздвинуть тематические границы в своих произведениях.

    Где найти музыку эпохи барокко

    К настоящему времени вы, вероятно, в настроении послушать музыку эпохи барокко. Многие из легендарных композиторов того периода остаются популярными и почитаемыми и по сей день. Итак, вот потрясающая музыка в стиле барокко, которую вы можете купить прямо сейчас…

    Лучшее из музыки эпохи барокко – Лучшие композиции камерного оркестра в стиле барокко

    В сборник вошли восемнадцать произведений в исполнении Кёльнского камерного оркестра.Он доступен на компакт-диске, в формате MP3 и в неограниченном потоковом режиме. Эти волнующие инструментальные пьесы создают сложную фоновую музыку и идеально подходят для обучения.

    Baroque Gold 100 Great Tracks — Лучшая полная коллекция в стиле барокко

    Если вы выберете эту коллекцию, у вас под рукой будут часы музыки эпохи барокко. Он поставляется в виде шести компакт-дисков, MP3 или неограниченного потокового вещания. Диски отлично упакованы в красивую коробку с золотой фольгой и сопровождаются 24-страничным буклетом.

    Искусство игры на трубе в стиле барокко – Лучшая коллекция труб в стиле барокко

    Труба была популярным инструментом в эпоху барокко, и для нее было сочинено несколько произведений. Любой, кто любит трубу, обязательно оценит эту волнующую музыкальную коллекцию. Всего он включает 24 различных трека и доступен в нескольких различных форматах.

    Музыка в стиле барокко (Западная музыка в контексте: история Нортона) — Лучшая книга по истории музыки барокко

    Эта интересная и познавательная книга помогает оживить эпоху барокко и ее музыку.Книга прекрасно иллюстрирована известными картинами этого уникального периода времени. Помимо самой музыки, книга раскрывает важное влияние, которое музыка оказывала на разных людей в то время.

    Интересуетесь историей музыки?

    Если да, то наши эксперты просветят вас. Любители музыки в стиле барокко не захотят пропустить эти удивительные факты об И. С. Бахе. Или прочтите Путеводитель по музыкальным инструментам средневековья — все о романтическом периоде музыки, удивительных фактах о Моцарте, том, что считается струнным инструментом, что такое метроном и различных типах тембра голоса.

    Вы музыкант, увлекающийся стилем барокко, или студент, заинтересованный в обучении? У нас есть несколько полезных советов по запоминанию музыки, или ознакомьтесь с лучшими струнами для скрипки, лучшими смычками для скрипки, лучшими студенческими трубами и лучшими классическими гитарами , которые вы можете купить в 2022 году.

    Вернуться к  Музыка эпохи барокко

    Период музыки барокко – Заключительные мысли

    Если вы играете на музыкальном инструменте, научиться играть музыку периода барокко — отличный способ расслабиться.Многие из классических композиций очень мощные и волнующие.

    Ноты классической музыки периода барокко легко разыскать. Хотя многие пьесы довольно сложны, есть также множество пьес для людей, которые только учатся играть. После того, как вы освоите пьесы, выступление для близких обязательно произведет на них впечатление.

    Наслаждайтесь прослушиванием или игрой!

    Музыка эпохи барокко

    Эпоха барокко в музыке обычно охватывает период с 1600 по 1750 год. Повелительница Солнца и Королева теней относятся к так называемому периоду «высокого барокко» (1650–1700), когда французская музыка достигла одной из вершин своего уникального выразительного стиля.

    Сегодня самыми известными французскими композиторами эпохи барокко являются Жан-Батист Люлли (1632–1687), Марк-Антуан Шарпантье (1643–1704) и Жан-Филипп Рамо (1683–1764).

    Жан-Батист Люлли

    Люлли, танцор и скрипач, родившийся в Италии, стал придворным композитором Людовика XIV в 1661 году и личным другом короля.Более двадцати лет он создавал саундтреки ко всем великим событиям правления Короля-Солнца, включая церковную музыку, оперы, балеты и многое, многое другое.

    На YouTube есть бесплатные отрывки из музыки французского барокко в исполнении «старинных» ансамблей или групп, играющих на инструментах и ​​в стилях, аналогичных тем, которые использовались в то время.

    Этот отрывок из блестящей оперы Люлли « Армида » (1686 г.) в исполнении Les Arts Florissants в постановке Уильяма Кристи дает представление о прекрасном звучании этого периода.Эта превосходная группа регулярно играет и записывает музыку французского барокко. Также обратите внимание на Le Concert d’Astrée в постановке Эммануэль Хаим и работу Le Concert des Nations в постановке Жорди Саваля среди многих других.

    Марк-Антуан Шарпантье

    Жизнь Шарпантье не была такой очаровательной. Работая в тени Люллия, но, возможно, обладая таким же талантом, Шарпантье никогда не добивался важного назначения при дворе, но в значительной степени зависел от поддержки могущественных иезуитов.Даже после смерти Люлли в 1687 году группы его поклонников порицали творчество Шарпантье, настаивая на том, что оно «слишком итальянское», чтобы быть истинно французской музыкой. Это помешало его успеху при жизни, но его музыка необычайно прекрасна: здесь можно послушать живое исполнение сонаты для восьми инструментов в исполнении оркестра Les Folies Françoises. Оперы Шарпантье, такие как «Медея», и оратории, такие как «Давид и Ионаф», стоит поискать на компакт-диске, но лучше всего они звучат в живом исполнении!

    Жан-Филипп Рамо

    В то время как Люлли был величайшим композитором Франции семнадцатого века, Рамо был гигантом восемнадцатого: он начал свою карьеру как знаменитый музыкальный теоретик и педагог, а также композитор клавишных произведений, таких как Pieces de clavecins (здесь играет Бландин Ранну) .

    Рамо начал писать оперы только в 50 лет, но они поразили парижскую общественность и сразу же вызвали большой конфликт с консервативными любителями звучания Люлли. Он по-прежнему имел большой успех и сотрудничал со многими прекрасными авторами, включая Вольтера, для создания блестящих опер. «Tristes apprêts, pâles flambeaux» — всего лишь одна песня из его оперы «Кастор и Поллукс »; видео содержит французские и английские субтитры, а также фрагменты музыкальной рукописи и кадры из фильма 2006 года «Мария-Антуанетта.

    Вам также может понравиться … 

    Хотя это не обязательно идеальное историческое или географическое соответствие, мне нравятся следующие ссылки на YouTube для фонового прослушивания. (Вы можете заметить, что они звучат несколько иначе, чем в приведенных выше примерах. Большинство из них играются на инструментах, которые мы считаем современными, в то время как приведенные выше примеры играются на «старинных» инструментах, и поэтому они ближе к оригинальный звук.)

    Лучшее в стиле барокко: с известным клавесинистом Эдом Кларком, скрипачкой Брунильдой Мюфтарадж и виолончелисткой Кэти Шиано.

    Барочный сад для концентрации — № 7

    Airs de Cour — Французская придворная музыка XVII века.

    Из эпохи «высокого барокко» в Венеции:

    Концерт для флейты ре мажор Вивальди, RV429 в исполнении Accademia Montis Regalis.

    Концерт для флейты соль минор Вивальди, «La Notte», Op.10/2, в исполнении Европы Галанте.

    «Зима» из «Времена года» Вивальди, в исполнении великолепного Il Giardino Armonico.

    Образовательные обзоры:

    В качестве образовательного обзора я рекомендую «Лучшие композиторы музыки барокко», «Французское барокко» (лекция о стиле «Высокое барокко» плюс записи) и «Моя любимая музыка барокко».

    A CD-рекомендация:

    Прекрасный компакт-диск , если вы хотите его приобрести, — это Chorégraphie, Music for Luis XIV’s dance masters, написанный Эндрю Лоуренсом-Кингом.

    Наслаждайтесь!


    Большая часть осведомленной информации на этой странице исходит от доктора Кэти Де Ла Маттер, ученого и исполнителя музыки барокко. Спасибо, доктор Кэти!

    Информацию о славном образе наверху можно найти здесь.

    Приближение к стилю барокко с современными струнными исполнителями

    Введение

    В этом интервью редактору Vox Humana Кристоферу Холману Захари Кэрреттин, известный американский скрипач эпохи барокко и директор фестиваля Баха в Боулдере, представляет практические методы репетиций, стратегии заключения контрактов и методы дирижирования, которые могут научить современных струнных исполнителей играть музыку в стиле барокко в исторически обоснованным способом.

    –––––––––––––––––––––––

    Закари, большое спасибо, что согласились на это интервью.Я обнаружил, что многие органисты часто не знают основных исполнителей на исторических инструментах в США и Европе. Для начала, не могли бы вы рассказать о своем пути как профессионального музыканта?

    Мне посчастливилось учиться в Хьюстоне в конце 1980-х, благодатном времени для практики исторического перфоманса. Серджиу Лука только что основал Da Camera Society и преподавал в Университете Райса. Кен Голдсмит учился в Университете Хьюстона (позже Университет Райса), и эти двое привезли с собой таких артистов, как Роэл Дилтьенс (виолончель) из Бельгии, Ричард Вулф (альт) из Амстердама, Чарльз Нейдич (кларнет) и многие другие, которые внесли свой вклад на процветающую, но небольшую историческую музыкальную сцену, играющую для публики, желающей стать свидетелем музыкальных путешествий проницательных и любознательных артистов.Затем Серджиу начал «Музыку в контексте», а его коллега Брайан Коннелли исполнил на множестве фортепиано от классического периода до позднего романтизма в камерной музыке в этой серии.

    Когда я учился на втором курсе старшей школы, Кен дал мне в руки скрипку в стиле барокко, пару смычков, стопку рукописей, первых изданий, критических изданий, книг и записей и сказал: «Хорошего лета». Мои занятия в старшей школе включали чтение Неймана, Доннингтона, Арнонкура, первоисточников, статей и разработку стиля орнаментации, который укрепил мое отношение к инструменту.Позже я стал учеником Серджиу, выступал с Брайаном, дважды участвовал в их летнем фестивале камерной музыки на побережье Орегона, трижды ездил в Италию по грантам на исследования рукописей в сотрудничестве с Кеном, записывал свежевоскресшие квинтеты восемнадцатого века, и так далее и на. Все это было частью моей средней школы, бакалавриата и магистратуры. Поэтому самая первая соната Брамса, которую я когда-либо играл, была отрепетирована и на струнах из кишки, и на металлических струнах вместе. К 1993 году я уже слышал музыку Чарльза Айвза, исполненную на исторических инструментах начала двадцатого века, и принял вызов, связанный с игрой квартетов Гайдна на современных инструментах, сыграв и услышав их на инструментах звукового мира Гайдна.Все это было только начало, и как же мне повезло!

    Во время учебы в аспирантуре я играл на инструментах в стиле барокко в Хьюстоне, а затем на фестивале Моцарта в Сан-Луис-Обиспо, где познакомился с такими светилами, как скрипачка Элизабет Блюменшток и басистка-виртуоз Кристен Зерниг. В конце концов я переехал в Беркли, чтобы играть со многими изысканными артистами в таких ансамблях, как American Bach Soloists и Philharmonia Baroque Orchestra. Я пробыл пять лет в качестве последипломного углубленного профессионального образования, после чего перешел к концертмейстерской и сольной работе, и к дирижированию.Естественно, я продолжал учиться в США и Европе и многим пожертвовал, чтобы иметь возможность это делать. В конце концов я учился дирижированию у Дмитрия Гойи, который был учеником Рабиновича, ассистентом Мравинского и был знаком с Шостаковичем (а Гойя присутствовал на многочисленных мировых премьерах произведений последнего). Мои учителя зажгли огонь в любознательном духе, и моя жизнь до сих пор была чудесно окрашена художниками, которые вдохновляли меня своей философией искусства, их особыми процессами и тем, как они использовали исторические и современные инструменты в качестве инструментов для исследования.


    Чем вас привлекла барочная скрипка? Как современные скрипачи интересуются старинными инструментами?

    В книге Питера Киви « Аутентичность: философские размышления о музыкальном исполнении » рассматриваются мотивы поиска аутентичных методов исполнения на исторических инструментах. Одна глава посвящена подлинности как звуку. Звуковой мир тех Франца Брюггена (живых) записей симфоний Бетховена, а затем сравнение их с Гардинером открыл двери восприятия.Чувство аффекта, риторические высказывания и восприятие музыки как речи вызывали у меня и моих сокурсников трепет. Кен использовал студийные занятия, чтобы показать всем нам интерпретационные различия, например, воспроизведя запись, на которой Караян дирижирует увертюрой к «Дон Жуану», а затем противопоставил ее Гардинеру. Затем класс обсуждал метр, темп, скорость гармонической деятельности, участвуя в восприятии и диалоге вместе.

    Говоря о звуке, я играл на скрипке Санто-Серафино Серджиу, инструменте, который никогда не менялся и поэтому находился в своем первоначальном барочном состоянии.В 1993 году я играл на скрипке Grancino Сигисвальда Куйкена в Бельгии, также в ее оригинальном состоянии, и вскоре после этого услышал Саймона Стэндиджа на его Grancino в Праге, также без изменений. Это также был важный опыт, чтобы услышать силу, глубину, отклик и великолепную кантилену этих инструментов, которые также имели квинтэссенцию «барочного» звука. В эти годы я играл с органистами во многих северных итальянских церквях и был очарован звучанием этих инструментов в их оригинальном акустическом окружении.Слышание полифонических линий легато, звучащих с ясностью и красотой в этих каменных пространствах, произвело впечатление и снова соединило меня с музыкой через особый звуковой мир.

    Многие из нас, органистов, в той или иной степени заинтересованы в исполнительской практике, хотя обычно мы не играем на струнных инструментах. Кроме того, в большинстве районов США не так много старинных струнных музыкантов, поэтому, если мы, например, соберем оркестр современных инструментов среднего размера, чтобы исполнить что-то вроде Vivaldi Gloria с нашим церковным хором, что какие быстрые вещи, которые мы можем сказать современным музыкантам на первой репетиции, чтобы помочь им войти в «режим исполнительской практики»?

    Тот, кого вы нанимаете в качестве концертмейстера, оказывает наибольшее влияние на звучание вашего оркестра, удары смычка, фразировку деревянных духовых и общее чувство ансамбля.Платите больше, чтобы получить на это место подходящего музыканта, и желательно того, кого уважают, так как игроки будут часто смотреть на него/нее. Это может смутить молодого дирижера; просто помните, что музыканты обращаются к концертмейстеру за началом нот и выпусков, а также за тем, какую часть смычка использовать. Им нужно смотреть на него чаще, чем на кондуктора, и более прямо. Исполнители смотрят на дирижера более периферийно, за жестом, звуком, формой фразы / строки, динамикой и характером артикуляции.Когда концертмейстер и дирижер знают друг друга и познакомились по поводу нюансов репертуара, ансамбль играет лучше и выигрывает от «связанного» руководства.

    Ваш концертмейстер должен отыграть свою партию за несколько недель до того, как выйдет музыка, а затем второй скрипач, альтист, виолончелист и басист получат PDF-файл или копию партии концертмейстера, чтобы они тоже могли повторить смычки. Если это сделать до того, как партии будут отправлены по почте, ваш оркестр будет звучать так, как будто у них уже была одна репетиция.Концертмейстер может выбрать полную партитуру, что предпочтительнее, потому что, хотя у вторых скрипок одинаковая ритмическая фигура, их может быть смещено — на более слабой гармонии или пульсе, что предполагает, что они должны делать противоположный смычок (возможно).

    Часто у нас нет ни роскоши, ни времени, чтобы сделать все, что я сказал. В этом случае вы можете рассмотреть вопрос о том, чтобы концертмейстер провёл полную струнную секцию (три часа, если ваша программа не короткая). Он / она может решить эти проблемы, и можно записать поклоны, не расстраиваясь дирижеру из-за того, что репетиция кажется потраченной впустую.(Обязательно наблюдайте, а то у концертмейстера могут возникнуть к вам вопросы).

    В любом случае (заблаговременная отметка партий смычком или секция струнных) дирижер должен либо встретиться с концертмейстером заранее, чтобы пройтись по фразам, и/или должен отметить партитуру динамикой/артикуляцией/темпом поэтому концертмейстер знает, какого стиля дирижера он должен добиться. Делая это много раз в течение многих лет, дирижер-клавишник учится многим важным и тонким аспектам, которые сделают его / ее еще более блестящим в качестве музыкального руководителя. Понимание разницы между идеалом и механикой реальности — вот что заставляет инструменталистов получать удовольствие от игры для дирижера.

    Наконец, чтобы ответить на ваш вопрос: нужно прослушать записи многих старинных инструментов, посмотреть видео ансамблей на YouTube и посетить живые концерты в исполнении лучших исполнителей, чтобы знать о возможностях (и ограничениях) . Я когда-то знал дирижера, который отказывался слушать записи, так как боялся чужого влияния как чего-то, что закроет его разум от других идей, которые у него могли бы возникнуть в противном случае.Я не согласен с этим ни в малейшей степени. Во-первых, выслушивание чужих идей — неотъемлемая часть нашей дисциплины; мы просто используем современные средства сегодня, поскольку обычно мы больше не можем долго ходить, чтобы услышать Букстехуде, к сожалению. Конечно, записи — это не тот же процесс создания музыки и не тот же результат, что и живое исполнение, но они все же могут нас информировать. Видео действительно отличные, и в небольшом и ограниченном виде немного похоже на путешествие по миру в течение часа. Вы могли бы наблюдать мастера определенного подхода к историческим практикам аппликатуры или педалирования, кого-то, кого у вас, возможно, никогда не было бы возможности увидеть вблизи, если бы не видео.

    Чтобы оспорить чье-либо мнение, мы должны сначала понять, откуда оно исходит. Как бы вы описали музыкальный склад ума струнника, который никогда не занимался исторически обоснованным исполнением, и какое словоблудие мы можем использовать на репетициях, чтобы мягко побудить их играть более информированно?

    Это сложно. Во-первых, держите смычок по крайней мере на дюйм выше палочки (для скрипки, альта, виолончели и для контрабаса, используя французский захват смычка, это также относится и к контрабасу — это невозможно с немецким захватом) .Скрипки, альты и виолончели также могут нуждаться в том, чтобы натянуть смычки чуть сильнее. Выполнение этих двух вещей создает ощущение, будто вы держите классический лук восемнадцатого века, ощущение легкости в руке. Скажите им, чтобы они позволяли смычку затухать, особенно при ударах вниз, и чтобы звук был тише, не форсируя тон, даже в форте. Энергичная игра должна исходить из « большей скорости лука, меньшего давления/веса.

    В большинстве барочных музыкальных произведений с чередованием восьмых нот предлагается играть пошаговое движение как легато (не добавляя легато, а скорее плавно, но чередуя удары смычком вниз/вверх, если в этом отрывке не напечатаны легато).Интервалы в терцию и больше могут иметь лишь небольшое расстояние между нотами. Штрих должен быть «чистым», а не стаккато, состенуто или чрезмерно спикатто, если только вы не намеренно добиваетесь этого эффекта. Если у вас есть время и динамики, вы можете воспроизвести на них пару минут записи, даже если она на низком уровне. Это не сработает с большим выбором припева, так как струнные не будут слышать достаточно, чтобы изменить свою игру, но в симфонии или увертюре это может помочь. Деревянных духовых инструментов следует поощрять к более частому дыханию (частичное дыхание), к более коротким фразам в более длинных строках, что приводит к риторическим заявлениям.Медные духовые должны затухать через каждую половинную ноту (и более длинные значения), если только вы не предпочитаете messa da voce или, наоборот, продолжительный эффект. В ноты литавристов дирижер должен добавить крещендо и диминуэндо или, по крайней мере, попросить их на репетиции, если есть время.

    Выбери правильный репертуар! Vivaldi Gloria идеально подходит, например, для церковного внештатного оркестра, а две репетиции всегда лучше, чем одна, если у дирижера есть идеи и он хорошо слушает. Тем не менее, Bach Orchestral Suites , как правило, худшая музыка, которую вы можете запрограммировать при ограниченных средствах и времени репетиций с современными проигрывателями (или старинными проигрывателями).

    Наконец, интонация. Если вы нанимаете современных исполнителей с органом или клавесином, настройте их на A = 440 (или A = 441) и используйте почти равную темперацию, некоторые из которых сегодня легко доступны через ваши телефонные приложения, такие как Cleartune. Например, если у вас есть каденция в ми мажоре, а соль-диез слишком высока для скрипки или флейты, не играйте ее на клавиатуре несколько раз. Вместо этого пусть игроки настроят аккорд, хорошо сбалансированный и с красивой звучностью. Клавишник может отпустить третью, чтобы она не звучала, если она не так настроена, как струны/флейта.Ваши современные струны должны нормально настраиваться, беря «ля» и настраивая квинты. Если открытая соль плоская, они могут слегка ее перебирать. Если открытая ми диез, они могут избежать использования длинных открытых ми, перебирая ноту на струне ля.

    Больше подходит для бассо континуо. Лучший сценарий — нанять континуо-виолончелиста, который на высоком уровне играет как на современных инструментах, так и на инструментах эпохи барокко. Это так же важно, как и ваш концертмейстер, и это будет стоить денег из вашего бюджета. Виолончелист будет играть на современной виолончели, но понимает природу игры басовой партии в унисон с органом и клавесином.Он/она может настроить каждую открытую струну на клавиатуру (но это не значит, что скрипки и альты должны это делать, наоборот). Теперь у вас есть хороший почти равномерный строй, ваши скрипки/альты имеют хорошие квинты, ваш удивительный виолончелист с опытом работы в стиле барокко настроил каждую струну… и появляется контрабас. Вообще это солидный, замечательный исполнитель, который, наверное, ничего не знает о том, что делает виолончелист на барочной сцене, технически и музыкально. Ваша задача состоит в том, чтобы получить от басиста меньше «ядра», больше тени от звука, больше плавности.Исключения составляют случаи, когда поет припев. Если в вашем хоре более 40 участников, басисту потребуется снова получить доступ к этому основному звуку, чтобы заложить основу для звучания ансамбля. Когда вы нанимаете струнных и в идеале ищете потрясающих исполнителей в стиле барокко, которые будут играть на современных инструментах для вашего концерта , я предлагаю следующий порядок приоритетов при найме:

    1. Концермейстер/солист виолончели
    2. Контрабас
    3. Солист Вторая скрипка
    4. Солист-альт

    Я считаю, что если я использую фразу «прямой тон» с хором, певцы звучат не так хорошо.Есть ли подобные фразы, которых следует избегать в данном контексте?

    Для струнников и флейтистов: «Пожалуйста, используйте узкую ширину вибрато, но не быструю». Это сложно, потому что обычно мы получаем быстрое/узкое или медленное/широкое. Мы хотим, чтобы звук был медленным/узким (или средним/узким), но не слишком медленным, так как это будет звучать затронуто. По правде говоря, мы хотим прямые тона! Но точно так же, как певцов учили, что вибрато более естественно, чем не вибрато, и техника, которой их учили, подкрепляла это, струнные и флейтисты сталкиваются с той же проблемой.Они научились раскрашивать каждую ноту. Если предполагается использовать вибрато как украшение или особый прием, ансамбли должны научиться играть и петь без него. В результате гармонии (интонация) и контрапункт становятся намного более очевидными (что также приводит к проблемам, поскольку, возможно, группа звучала лучше с вибрато!). Золотая середина — узкое, но не взволнованное вибрато — контролируйте его. В случае с оркестром лучше попросить звук (спросите у концертмейстера или исполнителя на соответствующем инструменте), а технику пусть определяет исполнитель.«Может ли звук затухать на частоте шагов?» лучше, чем «конец поклона, пожалуйста».

    Вы также изучали оркестровое дирижирование и играли под руководством некоторых из величайших дирижеров как современных, так и старинных инструментальных оркестров, включая Хорди Саваля, Николаса МакГегана, Ричарда Эгаара, Рейнхарда Геобеля, Кристофа Эшенбаха, Дмитрия Китаенко, Рафаэля Фрубека де Бургоса, Джованни. Антонини и др. Большинству из нас, органистов, намного удобнее хоровое дирижирование. Какие жесты помогают хору, но не так полезны оркестру?

    Реакция припева на бит обычно происходит на вершине, в то время как многие инструменталисты в США.С. отвечают раньше, сразу после удара по посадке. Когда я дирижирую мессу, мне иногда приходится напоминать оркестру, чтобы он слушал хор. Создается впечатление, что припев позади, но часто это не так. Однажды я сказал оркестру, что припев отвечает на пике (после «доли»), и было общее ощущение «ага, теперь я понял». Тем не менее, я лично презираю чрезмерное избиение и считаю это смертью всего музыкального искусства. Итак, жизнь – это череда вдумчивых переговоров.Оркестру нужны начало, переходы и окончания. В промежутках дирижер может быть частью звука, двигаясь по линии и показывая (заранее) формы небольшими и элегантными жестами. Пальцы могут красиво показывать диминуэндо, а едва двигающаяся рука может заинтересовать игроков и заставить их слушать. Скорость и размер жестов определяют атаку ноты, играется ли она как гласная или согласная, скорость дыхания и смычка, текстура звука и даже баланс тонов аккордов.В хорах информация и жесты могут быть разными, от дикции до стиля фуговых входов. Кроме того, следует отрепетировать иерархию сильных и слабых ударов, а также подкрепить ее жестами. Когда хор умолкает, то либо оркестр устремляется на его место, либо, возможно, музыка становится просторной, мягкой. В последнем случае сразу становитесь маленькими, (пусть играют). В идеале лучше «тренировать» ансамбли на удвоение энергии с поднятием руки, чем заниматься гимнастикой ради достижения результата.Иногда результаты возникают из-за нарушения правил или переговоров со своим идеалом. В конце концов, в хорошо обученном ансамбле дирижер исчезает и является просто элегантным подкреплением того, что слышится. Тем не менее, он / она не следует. Он/она думает наперед, показывает наперед и реагирует по мере необходимости, все время раскрывая идеал посредством чистой воли и присутствия бытия.

    При этом оркестры плохо реагируют на дирижерские гемиолы и дирижированные мелодические ритмы. Если ваш хор поет с оркестром, лучше всего репетировать хор, дирижируя правой рукой, а выразительную информацию левой рукой.Конечно, вы всегда можете сделать меньше (или даже поменять руки для входа и т. д.), но исполнение гемиолы вне ритма будет только мешать оркестру чувствовать пульс и ансамбль.

    У разных ансамблей разные потребности, и во всем этом играет роль репетиционное время (или его отсутствие). Иногда ритм необходим для ощущения пульса в хоре или оркестре, особенно если слышать друг друга в определенном акустическом пространстве сложно. Однажды я играл полихоральный концерт Генриха Шютца в соборе Грейс (Сан-Франциско), во время которого дирижер использовал светящуюся палочку! И мы были благодарны.

    Какие струнные силы вы бы порекомендовали для проекта церковного хора, например отрывки из «Мессии» Генделя с хором из 20–30 певцов-любителей? А как насчет 40–50 певцов?

    Струны от скрипки до баса: струнный квинтет может быть прекрасным, особенно если в вашей программе нет духовых.

    При последнем варианте из 40 певцов: 3-3-2-1-1 (у вас может быть две виолончели, но вам может не понадобиться вторая, если, например, у вас есть орган, и если ваша основная виолончель — исполнитель в стиле барокко) кто настраивает открытые струны в соответствии с темпераментом, я не рекомендую вторую виолончель, так как не следует ожидать, что этот музыкант будет настраиваться по-другому на концерте; это приведет только к плохой интонации).

    Основан на современных инструментах, органе и некоторых деревянных духовых.

    Конечно, 4-4-3-2-1 прекрасно, но даже с 50 непрофессиональными певцами это может быть слишком. Это действительно зависит от размера хорового звука и среднего возраста певчего. Младшие хоры могут справиться с более крупными инструментами.

    Вы недавно взялись за виолончель да спалла. Можете ли вы рассказать нам об этом? И каковы ваши другие текущие исследовательские интересы и проекты?

    Плечевая виолончель — это скорее способ держать инструмент для баса, а не сам инструмент, и может относиться к любому количеству инструментов разного размера, разного количества струн и настроек.Исследования, проведенные в середине 1990-х годов Грегори Барнеттом, а затем Дмитрием Бадьяровым, открыли дверь в красочную вселенную игры на виолончели для скрипачей и альтистов! В эпоху барокко на некоторых виолончелях играли с плечевым ремнем (держали как скрипку, без подбородка) на хорах, где пространство было ограничено, в театральных и уличных представлениях, а также скрипачами, которые либо не играли на виолончели и альте да гамба или просто предпочитал виолончель меньшего размера. Маттесон пишет, что при добавлении виолончели да спалла к континуо «бас [линия] не может быть выделен более отчетливо.Существует множество других упоминаний о бассетто, виолончели, виолончели и фаготгейге, и, вероятно, на многих титульных листах и ​​листах списков, в которых упоминается «бассо», в группе упоминается «виолончель», которую держат за плечо. Несколько изображений игроков существуют и в стиле барокко, а инструменты разительно различаются.

    У меня есть два таких инструмента: очень большой, который действительно звучит как виолончель-пикколо, настроенный как обычная виолончель, и маленькая виолончель да спалла, настроенная на октаву ниже скрипки. Следующим летом я планирую сделать программу с Гаем Фишманом (основной виолончелист Общества Генделя Гайдна) и Яном Уотсоном (клавесинист и музыкальный руководитель Коннектикутского фестиваля старинной музыки), в которой обе мои виолончели да спалла будут представлены в мелодическом и бассо континуо контексте, разделяя сцена с великолепной римской виолончелью семнадцатого века Гая.Я также планирую записать четыре сюиты Баха для виолончели на барочной скрипке, современной скрипке, электроскрипке и виолончели да спалла.

    Вот ссылка на электрическую скрипку, и она может отличаться от ожидаемой:

    Мы часто говорим о HIP — исторически обоснованном исполнении. В последние годы я рассматривал RAP как личное кредо: настоящая аутентичная практика. Композиторы-музыканты, которых мы почитаем (особенно в стиле барокко), играли на многочисленных инструментах, пели, сочиняли музыку, импровизировали.Они хорошо знали музыку своего времени и могли читать эту музыку с листа с таким знакомством, к которому мы можем только стремиться сегодня. Я призываю своих учеников-скрипачей играть партии баса, изучать фигуры, читать первоисточники, а также украшать, приукрашивать и импровизировать. Это уводит нас от страницы к музыке. Цитируя название монографии Бартольда Куйкена 2013 года, «Нотация — это не музыка» .

    About Author


    alexxlab

    Добавить комментарий

    Ваш адрес email не будет опубликован.