Барокко жанры: 1.5 Музыка эпохи барокко | music-history

Музыкальные жанры эпохи барокко — Docsity

МОСКОВСКАЯ ГОСУДАРСТВЕННАЯ АКАДЕМИЯ ХОРЕОГРАФИИ ФАКУЛЬТЕТ ПЕДАГОГИЧЕСКИЙ (наименование факультета) КАФЕДРА ПЕДАГОГИКА БАЛЕТА (наименование кафедры) СПЕЦИАЛЬНОСТЬ 52.03.01 (код и наименование специальности) КУРСОВАЯ РАБОТА Студентка 1 курса, № зачетной книжки 201939 Шахбазян Анастасии Сергеевна (фамилия, имя, отчество полностью) ТЕМА: «Музыкальные жанры эпохи Барокко» Студент Шахбазян А.С. Руководитель курсовой работы (ученая степень, ученое звание) (подпись) (фамилия, инициалы) Москва 2019 Введение К концу XVI века в ренессансном мировоззрении явственно обозначились кризисные черты. Жизнь разбила веру в безграничные возможности гордой, сильной и свободной личности. Человек Возрождения был вынужден подчиниться и поднявшей голову церкви (времена Контрреформации), и власти больших и малых монархов, и окрепшему государству. Прежние высокие идеалы личной свободы оказались неосуществленными. Страны Европы жили в очень разных условиях — усилились контрасты в общественно-политическом устройстве, экономическом развитии. Как никогда прежде, в XVII веке усилилось воздействие науки на мировоззрение. Открытиями астрономов (Н. Коперника, И. Кеплера и Г. Галилея), физиков и математиков (И. Ньютона, Р. Декарта, Б. Паскаля, Г. Лейбница) были опрокинуты представления о Земле как центре Мироздания, о некоей гармонии сфер и неподвижности планет и т.д. Однако эти открытия принесли не только радость познания, они породили чувство растерянности перед вели чем и сложностью мироздания. Философы эпохи, отстаивая роль опыта (Ф. Бэкон), человеческого разума (P. Декарт, Б. Спиноза), считали, тем не менее, истину двойственной и не отказывались в объяснении сущности мира от божественного предопределения. Настало время, когда сама сила человеческого разума порождала ощущение слабости рассудка перед ошеломляющими открытиями наук. Знания о мире увели от средневековой схоластики, но еще не сложились в новую стройную систему. Вместе с постоянно подавляющей человека общественно-политической ситуацией это послужило причиной формирования неустойчивого мировоззрения, трагического осознания противоречий действительности и шаткости положения в ней человека. Как всегда, люди искусства особенно остро ощущали эту сложность и неустойчивость. Новое миропонимание воплотилось в художественных образах, которые представлялись сторонникам искусства прошедшего века «странными», «причудливыми», — отсюда название «барокко».1 2Само слово «опера» по-итальянски означает не что иное, как «произведение». Интересно, что даже название связывает этот жанр с собственно актом творчества-это ли не показатель особого значения, придаваемого опере! Первым начал применять термин «опера» венецианский композитор середины и второй половины XVII века Франческо Кавалли. развлечений знати и просвещенной публики, опера вскоре стала одним из самых популярных в Италии жанров благодаря учреждению платных, а значит, обще доступных театров. Первый такой театр был открыт в Венеции в 1637 году. Уже в 1607 и в 1608 годах в Мантуе появились новые оперы — «Орфей» и «Ариадна». Их автором был придворный музыкант герцога Гонзага — Клаудио Монтеверди (1567—1643). Его имя стоит в первом ряду музыкантов новой эпохи, Монтеверди справедливо считают создателем оперы как жанра уже не трогательно-пасторального, a музыкально – драматического. Его Орфей, Ариадна — страдающие люди. И хотя в ранних операх Монтеверди черты пасторальности еще сильны, все же «Орфей» явился новым словом в музыкальном искусстве своего времени. Не довольствуясь только декламацией, Монтеверди дал героям оперы и песенные, и ариозные, и даже концертные по стилю соло. В дальнейшем они получили название арий и ариозо. Сольное пение чередовалось с хоровым. Хорошо зная силу ансамблевого мадригального искусства, Монтеверди, в отличие от флорентийцев, не отказался от него во имя новой идеи -stile recitativo (так они называли сольное пение с сопровождением, противопоставляя его старому контрапунктическому искусству). Пение перемежалось оркестровыми эпизодами (они назывались то «ритypнелями», то «симфониями»). Музыка звучала беспрерывно, одна форма дополняла другую. Монтеверди не иллюстрировал музыкой происходящее, не просто фиксировал чувства действующих лиц, идя за словами поэта (А. Стриджьо), — он создал пасторальную драму, где именно музыке принадлежала ведущая роль. Эпоха барокко ценила аллегорический смысл искусства. С аллегории начинается и «Орфей». Драматическое содержание оперы Монтеверди передает на редкость продуманно и гибко: удивительно, как остро почувствовал композитор драматургическую роль музыки. Не отбрасывая старого, впитывая и переломы сливая новое, Монтеверди придал отобранным средствам драматургическую направленность. Сольное пение и декламация, хор и оркестровые тембры – все дифференцировано в согласии с содержанием. Родился новый сценический музыкально- драматический жанр, где текст и музыка идеально слиты. Новая оперная школа сложилась в Венеции к середине XVII века. Ее представители — Франческо Кавалли (1602— 1676) и Марк Антонио чести (1623—1669) придали опере более типизированный вид. Сюжеты (главным образом из мифологии, часто — исторические) истолковывались во вкусе времени. На первом плане была любовная интрига (притом весьма злободневными деталями), персонажи приближены к представлениям народной импровизационной комедия dell’arte. Мелодическое содержание (сравнительно с Монтеверди) упростилось; более четко разграничились речитатив и ария; оркестровые ритурнели, введенные Монтеверди, приобрели изобразительный характер. Появились оркестровые вступления («симфонии») перед действием (предшественники увертюр). В ариях начинала утверждаться трехчастная форма da capo (то есть с буквальным, но выписанным в нотах повторением первой части после срединной). В самых прославленных операх Кавалли («Покинутая Дидона», «Язон»), Чести («Золотое яблоко») есть и напряженные драматические кульминации в сольных сценах. Стиль венецианской оперы, разнообразный, доступный для восприятия, импонировал слушателям. Он повлиял и на другие школы. В венецианской опере уже проявилась главная черта этого жанра: музыка выражала чувства, состояния, а не развитие действия. Поэтому разделились функции речитатива (движение сюжета) и арии (остановка действия, акцент на чувство). С конца XVII века на первый план вышла неаполитанская оперная школа. В неаполитанской опере музыка выражала содержание через чувства действующих лиц, но не через действие. Такой она стала у прославленных мастеров, первым из которых был Алессандро Скарлатти (1659—1725). Он увлекал слушателей яркостью мелодий, красотой музыки, стройностью и гибкостью музыкальной композиции всей оперы. К концу XVII века самобытные оперные школы стали возникать во Франции и Англии. В обеих странах были для этого свои национальные предпосылки, хотя непосредственным примером послужила итальянская опера. Французская опера-детище эпохи Людовика XIV. Ее творцом стал Жан Батист Люлли (1632—1687), придворный музыкант французского короля (итальянец по происхождению), скрипач, автор музыки во многих жанрах, сотрудничавший с Мольером до самой смерти писателя. В последние годы жизни, получив патент на создание Королевской академии музыки, Полли полностью отдался жанру оперы, называвшейся во Франции «лирической трагедией» Для Франции это было время расцвета театрального творчества Корнеля и Paсина. Люлли создал иной, чем в Италии, тип оперы, ориентируясь на театральную специфику этого искусства. Многое он почерпнул в игре драматических актеров-их возвышенная и аффектированная декламация с произнесением несколько нараспев текста трагедий послужила образцом для музыкального стиля опер Люлли. От французского театра взяла начало и их идейная концепция. Либреттист Ф. Кино, перерабатывая для Люлли мифологические или историко-легендарные сюжеты, акцентировал героико-патетическую сторону, конфликты чувства и долга. Однако оперный театр отличался от драматического. Люлли была необходима и любовная интрига, подчас сложно сплетенная, и чудесно-фантастическое начало, то есть все то, что делало сюжет увлекательным, усиливало его зрелищные черты. Истинно французской чертой было и использование приемов шекспировских). Пёрселл особенно прославился единственной своей оперой «Дидона и Эней» . Пёрселл был знаком с операми венецианцев и Люлли. Опере придан камерный облик, так как произведение предназначалось для спектакля в женском пансионе. Камерность прекрасно соответствовала и сущности натуры композитора и его стилю. Таковы первые этапы развития оперы в XVII веке. Ее последующие пути связаны уже с именем Генделя. Сначала XVII века параллельно с оперой в Европе развиваются и жанры оратории и кантаты. Оратория произошла из драматизированных чтений библейских текстов и песнопений в специальных помещениях при церкви (эти помещения и назывались «ораториями», от латинского слова oro — говорю, молю). Когда оратории начали писать композиторы, этот жанр в некоторых отношениях приблизился к опере: появился сюжет, разворачивается широко и масштабно, а вместе с ним и оперные формы — арии, речитативы, ансамбли, хоры. Но оратория XVII-XVIII веков отличается от оперы духовной тематикой и принципом повествования: это жанр эпический, а не сценически драматический, он не предполагает театрального оформления. О событиях ора тория лишь рассказывает, не оказывая их в конкретных ситуациях сцены. Наконец, если в опере царствует сольное пение, то в оратории главный ее смысл выражается в музыке хоровых номеров. Кантата в отличие от оратории (латинское слово cantare — петь) — скорее вид сольной музыки. Иногда она близка по своему характеру к небольшой камерной опере. Развитие кантаты в XVII веке привело к появлению и хоровой ее разновидности; рядом с духовной возникает также светская кантата. Первыми мастерами оратории и кантаты были итальянские композиторы — Э. Кавальери (в 1600 году им была написана первая в истории музыки оратория), Дж. Қариссими, А. Страделла, А. Скарлатти. Но этим жанрам суждено было получить самое большое развитие в Германии. Моральные принципы протестантского учения нашли глубокое философски- обобщающее выражение у немецких авторов ораторий и кантат. Богатый пласт музыкального искусства XVII — первых десятилетий XVIII века образует инструментальная музыка. Инструментальная музыка как самостоятельная область творчества не сразу заняла подобающее ей место. Долгое время она сопровождала пение, а имевшаяся инструментальная литература представляла собой переложение удобных для этой цели вокальных сочинений. Заметный перелом, вызванный усиленным ростом разных форм музицирования — бытового и концертного, — наблюдается в эпоху барокко. Сравнительно с эпохой Возрождения изменился состав бытующих инструментов. Остался орган, по-прежнему — «король всех инструментов». Он был технически усовершенствован, его возможности расширились, обогатились. Появились «молодые» клавишные инструменты, разновидности клавира: клавесин и клавикорорд. Наконец, в XVII веке начинается жизнь новых струнно-смычковых инструментов: скрипки , альта, биовиолончели и контрабаса. Определяется, уточняется назначение каждого из видов инструментов. Орган — инструмент для церковной службы — становится теперь и концертирующим. Традиция органных концертов во вне богослужебное время ведет происхождение от нидерландских органистов, в первую очередь от Яна Питерса Свелинка. Клавир же — инструмент чисто светский, домашний. Но и клавир и орган применялись в XVII—XVIII веках для исполнения партии basso continuo (в операх, ораториях, кантатах, в инструментально ансамблевых жанрах). Скрипка и ее «собратья» сменили в XVI веке старинное семейство виол. Конечно, царствовала скрипка, инструмент с ярким, экспрессивным звуком, обладающий и певучестью и большими виртуозными возможностями. Все инструменты этой группы вошли в XVII веке в состав различных струнных ансамблей. Они ценились как выразители современных эстетических требований красоты тембра звучания в мелодиях, подвижности, моторности в быстрых эпизодах. Все это инструменты чисто концертные, к духовной музыке они, как и клавесин или клавикорд, имели очень малое отношение. Для развития органного искусства XVII века много сделал итальянский композитор, органист и клавирист Джироламо Фрескобальди (1583-1643). Фрескобальди положил начало новому стилю в католической органной музыке, полному небывалой еще экспрессии и патетики. Он постоянно пользовался такими средствами выразительности, как хроматизмы. В его композициях, имеющих различные названия (канцоны, фантазии, ричеркары), широко применяются принципы, приведшие в конце концов к фуге: изложение темы как законченной музыкальной мысли в одном голосе, затем ее последовательные имитации во всех остальных. Немецкие органисты придали особое значение протестантскому хоралу — его инструментальные обработки стали одним из самых излюбленных видов композиций. Такие обработки превращались в музыкальные истолкования содержания хорала. Этим было положено начало важнейшему процессу в немецкой музыке — взаимопроникновению вокального (хоральный напев) и инструментального (его органная «звуковая организация») начал. Ни один из немецких композиторов не миновали другие органные жанры: прелюдии (и фантазии, токкаты) с фугами. Этот жанр складывался и достиг своих вершин именно на протяжении эпохи барокко в Германии. Остановимся лишь на последнем, «предбаховском» этапе — творчестве Дитриха Букстехуде (1637—1707). Искусство этого любекского мастера вызывало к себе интерес всех музыкантов Германии: никто, как он, не выразил столь полно немецкий барочный стиль в инструментальной музыке. Причудливая фантазия (частые неожиданные смены состояний), яркая контрастность, многообразие технических приемов, смелые соотношения мощи звучания с тонкостью, прозрачность—вот типичные черты Букстехуде- У Вивальди прочно утвердился трехчастный цикл. Всем частям придан определенный музыкальный облик. Первая часть — быстрая, динамичная. Тематизм свободно переходит от соnсеrtino к grosso и наоборот. Концертная форма у Вивальди установилась довольно прочно, однако она в каждом произведении получает свое индивидуальное истолкование. Вторая часть всегда певучая, максимально приближенная к арии. Здесь останется обычно только со листы и basso continuo. Музыка вторых частей особенно проникновенна. Пение инструментов зачаровывает красотой мелодий. Один из примеров — вторая часть популярного концерта «Осень» из цикла «Времена года». Третья часть всегда идет в очень быстром движении. Она может быть и жанровой, танцевальной, но и моторной, вне жанровой конкретности. Например, третьи части концертов «Лето» и «Зима» рисуют стихии природы (гроза, буря), а концертов «Весна» и «Осень» жанрово определены (танец нимф и охота). Предназначение и роль клавирной музыки были иными. На протяжении XVII века рождаются ее основные жанры. Это вариации на темы народного происхождения, фантазии, связанные с традициями органного искусства, сюиты из различных танцев своей эпохи (так называемая «старинная танцевальная сюита»), наконец, разнообразные программные характеристические пьесы. Два жанра особенно охотно используются композиторами XVII — начала XVIII века: сюита и небольшая пьеса с программным названием. В состав сюиты входили танцевальные пьесы, контраст по характеру, типу движения, темпу, метроритму. Объединяла их общая для всего цикла тональность. Четыре танца — аллеманда, куранта, сарабанда, жига — составляли основу сюиты XVII-XVIII веков. Сюиты такого типа писали композиторы всех школ, но зрелое и самое оригинальное воплощение этот жанр получил у Генделя, особенно же-у Баха. В клавирной музыке конца XVII — начала XVIII века славилась французская школа с ее ярчайшим представителем — Франсуа Куперен, названным современниками Қупереном Великим (1 668-1733). Большая и богатая явлениями эпоха XVII- начала XVIII века увела далеко от Ренессанса. Здесь все ново- жанры, инструменты, тематизм, приемы его развития, сам склад -гомофонно-гармонический. Новы формы бытования музыки (оперный театр, концертный зал, пусть пока чаще всего в богатых дворцах). Дух светскости проникал всюду. Но при этом сохранялись и традиции прошлого: еще очень сильна была церковная музыка, имеющая многовековую историю (хотя и она претерпевает изменения, особенно в связи с появлением оперы). Сложилась новая полифония «свободного стиля». Одно временно с этим быстро развивается гармоническое мышление, то взаимодействуя с полифонией, то «идя рядом». Последующим эпохам XVII век дал совершенно неоценимые новые импульсы. Музыка как бы достигла первой зрелости, осознав свою специфическую силу, присущие только ей одной качества и возможности. Широко распахав поле для новых посевов, эта эпоха впервые в истории музыки породила и такое богатство первостепенных композиторских индивидуальностей. Генделю и Баху, завершившим и обобщающим долгое развитие музыки, было что позаимствовать у прошлого, были ясны и дороги в будущее. Список литературы 1.И.Гивенталь, Л.Щукина «Музыкальная литература» (выпуск1)1986. 2. «Музыкальная литература зарубежных стран» выпуск 1, под редакцией Е.Царевой. В.Галацкая, И. Охалова «Музыкальная культура эпохи барокко» 2013. 3. С.В. Блинова «История зарубежной музыки». 2016. 4. К. Розеншильд «История зарубежной музыки», выпуск 1( до середины XVIII века) 1978.

Музыкальная культура барокко эстетика, художественные образы, жанры, музыкальный стиль, композиторы

Барокко в музыке: особенности стиля, композиторы

Музыкальное искусство Западной Европы особенно активно начало развиваться в XI веке в связи с изобретением нотной письменности.

Запись нотного текста, а не заучивание музыкальных произведений наизусть позволило композиторам оставлять свои имена в истории.

И все же потребовалось некоторое время, чтобы в истории появились по-настоящему гениальные композиторы, музыка которых не потеряла актуальности и до сих пор. Одним из таких ярких рассветов в музыкальном искусстве стала эпоха барокко.

Вообще, слово “барокко” в переводе с итальянского означает “причудливый”, “странный”.

Как художественное направление барокко было распространено во всех видах искусства – живописи, архитектуре, скульптуре, литературе и, конечно, в музыке XVII-XVIII веков.

Для этого художественного направления было характерно наличие большого количества украшений, которые порой буквально не давали разглядеть смысл.

Музыка – тот вид искусства, который “пострадал” от украшений и перегруженности ими меньше всего, и все же они имели место быть, это было особенностью музыки барокко: всевозможные трели, мелизмы и прочие мелодические украшения. Музыка узнаваема, например, яркие концерты Антонио Вивальди – “Времена года”.

Одним из показателей стиля барокко был поиск нового в музыке. Еще не был сформирован полноценный оркестр, исканиями композиторов были сочетания самых различных тембров.

Еще не были установлены правила и нормы гармонии (это заслуга более позднего периода – венского классицизма).

Еще не были созданы и отточены известные ныне жанры, для некоторых из них эпоха барокко стала зарей существования. Какие же появились в музыке барокко жанры?

Опера эпохи барокко

Одним из таких появившихся в эпоху барокко жанров стала опера. Изначально опера планировалась как возрождение античной трагедии. Инициатором создания стали музыканты, входившие во Флорентийскую камерату. Одним из самых известных представителей камераты стал Якопо Пери, написавший первую дошедшую до нас оперу “Эвридика”. Как возрождение трагедии она написана на античный сюжет.

В результате развития оперы в Италии начали возникать различные школы, наиболее яркими из них были римская, флорентийская и неаполитанская, в последней родилось удивительно красивое искусство пения bel canto, которое и по сей день считается эталоном вокального исполнения в музыке.

К сожалению, красота пения и виртуозность арий приобрели большую популярность, чем драма в опере, зрители шли насладиться музыкой, но не понять смысл и драматургию. Это стало одной из самых больших проблем итальянской оперы, которая, к слову, называла “серьезной” (opera-seria).

Единственный композитор, которому удалось преодолеть данную проблему, – Клаудио Монтеверди. Его оперы сочетали в себе традиции всех трех итальянских школ, он внес в оперу реализм, опередив свое время. К сожалению, молодой жанр еще не был готов к реализму. Впереди оперу ждал довольно долгий путь развития.

Инструментальная музыка эпохи барокко

Инструментальные ансамбли эпохи барокко отличаются своим разнообразием. Каких-либо норм по сочетанию тембров еще не было выявлено. К тому же еще далеко не все музыкальные инструменты приобрели современный вид, а некоторые и вовсе не существовали. Совершенствовались и навыки игры на них – настолько, что многие инструменты приобрели значение концертных.

Одним из значимых инструментов эпохи был орган. В Западной Европе он был тесно связан с религией – католическая церковь использует этот музыкальный инструмент во время служб.

В эпоху барокко исполнение на этом инструменте приобретает концертный характер. Появляются выдающиеся исполнители, которых люди просто приходят послушать. Особенно это было выражено в Германии – там сформировалось 2 противоположных школы органной игры: северная и южная.

Южная школа опиралась на традиции полифонии строго стиля, известным представителем школы был Пахельбель. Полифония была особым показателем стиля барокко в музыке. В более поздние эпохи она не будет выражена столь ярко.

Северная же отличалась куда большей свободой и виртуозностью исполнения, известных представителей было больше: Букстехуде, Рейнкин, Бем.

Как ни странно, еще одним музыкальным инструментом, вышедшим на концертный уровень, стал клавесин. Возможности этого музыкального инструмента были ограничены: инструмент, ставший предшественником фортепиано, имел иное устройство.

Струны при нажатии клавиш защипывались специальными крючками, звук быстро затухал. Было невозможно добиться долгого звучания звуков.

При этом из инструмента нельзя было извлечь звуки различной громкости, что не давало разнообразить музыку динамическими оттенками.

На развитие исполнительских навыков повлияла доступность инструмента и возможность поставить его дома (что, например, не было возможным в случае с органом). Школы игры на этом инструменте возникают в разных странах – в Англии, во Франции (яркими представителями этой страны были Франсуа Куперен и Жан-Филипп Рамо).

Как звучал данный инструмент, можно услышать в исполнении концерта для клавесина с оркестром Иоганна Себастьяна Баха.

Значительными достижения были и в скрипичной и ансамблевой музыке эпохи барокко. Скрипка приобрела свой внешний облик лишь в XVI веке. За столетие инструмент достиг невиданной популярности. С одной стороны, скрипка и подобные струнно-смычковые инструменты обладали удивительными ансамблевыми свойствами, гармонично сочетаясь друг с другом.

При этом сочетания тембров были порой очень интересными, в ансамблевой музыке был популярен жанр concerto grosso – “большой концерт”. Ярким представителем эпохи барокко, писавшим в этом жанре, был Арканджело Корелли. Концерт – соревновательный жанр, в “большом концерте” группы инструментов соревновались между собой.

Арканджело Корелли, Рождественский концерт

С другой стороны, инструмент обладал и широкими сольными возможностями. Выдающийся композитор в музыке Барокко – Антонио Вивальди – именно для этого инструмента написал “Времена года”. Вивальди стал создателем сольного инструментального концерта.

Антонио Вивальди и Арканджело Корелли

Самыми известными представителями эпохи Барокко стали Иоганн Себастьян Бах и Георг Фридрих Гендель.

Георг Фридрих Гендель

1685-1759

Один из выдающихся композиторов в музыке барокко.

Родился в Германии, но в связи с трудностями в экономическом развитии страны и непростым положением музыканта (в те далекие времена музыканты считались ремесленниками, не существовало деления между исполнителями и композиторами, любой музыкант должен был уметь и сочинить произведение, и импровизировать, а уважением профессия не пользовалась) Гендель покинул родину и отправился в Англию. Много работал в жанре opera-seria, но неудачи, связанные с недостатками самого жанра, заставили композитора обратиться к иному крупному вокальному жанру – оратории.

В результате композитор написал несколько выдающихся ораторий, одной из который стала оратория “Самсон”.

Оратория “Самсон”

Одно из выдающихся произведений Генделя. Именно оратория, не опера смогла воплотить все идеи композитора. Но всю жизнь композитор работал в жанре оперы, и ее влияние также заметно в оратории.

Острота конфликта между Самсоном и Далилой, индивидуальная музыкальная характеристика персонажей не типична для жанра.

К тому же в “Самсоне” слишком много действующих лиц для оратории, в основном в этом жанре место уделялось хорам.

Иоганн Себастьян Бах

1685-1750

Выдающийся немецкий композитор эпохи барокко. В отличие от Генделя, Бах всю жизнь прожил в Германии. Иоганн Себастьян был также выдающимся органистом, клавесинистом, педагогом. За свою жизнь композитор написал огромное количество произведений, творил во всех жанрах, кроме оперы.

Органное творчество Баха

Иоганн Себастьян Бах был выдающимся органистом. В органном творчестве появилось первое циклическое произведение композитора, получившее название “Малый цикл Баха”.

В этом цикле композитор объединил особенности и северной, и южной органных школ Германии. Цикл включает в себя 2 произведения: первое – импровизационного характера (токката, фантазия или прелюдия), второе – полифоническое (фуга).

Одно из самых известных таких произведений – токката и фуга ре минор.

Когда Бах служил в Кетене, у него не было возможности заниматься на органе. В этот период внимание композитора переключилось на клавесин. Он перенес свой “малый цикл” на этот инструмент. При этом композитор в клавирном творчестве утвердил равномерно-темперированный строй в двух томах Хорошо темперированного клавира.

Иоганн Себастьян Бах. Хорошо темперированный клавир. Том 1. Прелюдия и фуга соль минор.

В вокально-инструментальном творчестве Бах также был новатором. Во всех своих произведениях композитор доказывал, что музыка – философский вид искусства, что она способна нести вечные ценности и отвечать на глобальные вопросы. Как и Гендель, Бах обращался к жанру оратории, создав свое произведение “Страсти по Матфею”.

Одним из самых крупных его произведений стала высокая месса си минор, в которой композитор показал вечную борьбу добра и зла.

Уделим внимание некоторым интересным фактам из истории:

  • Вивальди был священником, но при этом он не очень любил это занятие. Он мог позволить себе прервать службу, однажды он покинул мессу, чтобы записать тему фуги. Из-за этого у него возникли серьезные проблемы с католической церковью.
  • Бах был выдающимся органистом, ему приходилось много работать в церкви. И у него также было немало проблем с начальством, например, музыканта обвиняли в том, он играл лишние звуки, приглашал в церковь девушек.
  • Однажды Бах, не имея денег на поездку в Любек, отправился туда пешком, чтобы послушать концерты Букстехуде.
  • Бах писал не только глубоко философские музыкальные произведения. Одна из его кантат посвящена замечательному напитку – кофе.
  • Когда Баха спросили, как у него получается так хорошо играть, он ответил, что просто нажимает на нужную клавишу в нужный момент.
  • Выдающийся композитор Иоганн Себастьян не был признан как композитор при жизни. “Открыл” его творчество заново Феликс Мендельсон почти через столетие.
  • Любимым композитором Баха был Вивальди. Изучив его творчество, композитор создал не один концерт.
  • Гендель, будучи немецким композитором, большую часть жизни писал итальянские оперы, еще более любопытно, что делал он это в Англии…

Источник: https://www.nastroy.net/post/barokko-v-muzyike-osobennosti-stilya-kompozitoryi

Музыкальная культура барокко: эстетика, художественные образы, жанры, музыкальный стиль, композиторы, Музыкальный класс

Знаете ли вы, что эпоху, подарившую нам Баха и Генделя, называли «причудливой»? Причём называли далеко не в положительном контексте. «Жемчужина неправильной (причудливой) формы» – таково одно из значений термина «барокко». Ещё бы новая культура была неправильной с точки зрения идеалов Возрождения: на смену гармонии, простоте и ясности пришли дисгармония, сложные образы и формы.

Музыкальная культура барокко сводила прекрасное и безобразное, трагедию и комедию. «В тренде» были «неправильные красоты», сменившие естественность Ренессанса. Мир уже не представлялся целостным, но воспринимался как мир контрастов и противоречий, как мир, полный трагедии и драматизма. Впрочем, этому есть историческое объяснение.

Эпоха барокко охватывает около 150 лет: с 1600-го по 1750-е годы. Это время великих географических открытий (вспомним открытие Америки Колумбом и кругосветное плавание Магеллана), время гениальных научных открытий Галилея, Коперника и Ньютона, время ужасных войн в Европе. Гармония мира рушилась на глазах, равно как и менялась сама картина Вселенной, менялись понятия времени и пространства.

Новая мода на вычурность рождала новые формы и жанры. Передать сложный мир человеческих переживаний смогла опера , главным образом через яркие эмоциональные арии.

Отцом первой оперы считают Якопо Пери (опера «Эвридика»), но именно как жанр опера оформилась в творениях Клаудио Монтеверди («Орфей»). Среди самых громких имён оперного жанра барокко также известны: А. Скарлатти (опера «Нерон, ставший Цезарем»), Г.Ф. Телеман («Марио»), Г.

Пёрселл («Дидона и Эней»), Ж.-Б.Люлли («Армида»), Г. Ф. Гендель («Юлий Цезарь»), Дж. Б. Перголези («Служанка-госпожа»), А. Вивальди («Фарнак»).

Почти как опера, только без декораций и костюмов, с религиозным сюжетом, оратория заняла важное место в иерархии жанров барокко. Такой высокий духовный жанр как оратория также передавал глубину человеческих эмоций. Самые известные барочные оратории написаны Г. Ф. Генделем («Мессия»).

Из жанров духовной музыки популярными были также духовные кантаты и пассионы (пассионы – это «страсти»; возможно не к слову, но на всякий случай всё помянем один однокоренной музыкальный термин – аппассионато, что в переводе на русский значит «страстно»). Здесь пальма первенства принадлежит И. С. Баху («Страсти по Матфею»).

Еще один крупный жанр эпохи – концерт . Острая игра контрастов, соперничество солиста и оркестра ( сольный концерт ), либо разных групп оркестра между собой (жанр concerto grosso )– хорошо перекликались с эстетикой барокко. Здесь правили маэстро А. Вивальди («Времена года»), И.С. Бах «Браденбургские концерты»), Г. Ф. Гендель и А. Корелли (Concerto grosso).

Контрастный принцип чередования разнохарактерных частей получил развитие не только в жанре концерта. Он лёг в основу сонаты (Д. Скарлатти), сюиты и партиты (И. С. Бах). Нужно заметить, что этот принцип существовал и раннее, но только в эпоху барокко он перестал быть случайным и обрёл упорядоченность формы.

Один из главных контрастов музыкальной культуры барокко – это хаос и порядок как символы времени. Случайность жизни и смерти, неуправляемость рока и вместе с тем – торжество «рацио», порядок во всём.

Этуантиномию ярче всего передал музыкальный жанр прелюдии ( токкаты, фантазии ) и фуги . И.С.

Бах создал непревзойденные шедевры в этом жанре (прелюдии и фуги «Хорошо темперированного клавира», Токката и фуга ре-минор).

Как следует из нашего обзора, контрастность барокко проявилась даже в масштабности жанров. Наряду с объёмными композициями создавались и лаконичные опусы.

Эпоха барокко внесла свою лепту в развитие нового стиля письма. На музыкальную арену выходит гомофония с её разделением на главный голос и сопровождающие.

В частности, популярность гомофонии связана и с тем, что церковь предъявляла особые требования к написанию духовных композиций: все слова должны быть разборчивы. Так вокал выходил на первый план, обрастая к тому же многочисленными музыкальными украшениями. Барочная склонность к вычурности проявилась и здесь.

Богатой на украшения была и инструментальная музыка. В связи с этим распространена была импровизация : открытый эрой барокко остинатный (то есть повторяющийся, неизменный) бас давал простор для фантазии на заданный гармонический ряд. В вокальной же музыке длинные каденции и цепочки форшлагов и трелей часто украшали оперные арии.

В то же время процветала и полифония , но уже совсем в другом русле. Полифония барокко – это полифония свободного стиля, развитие контрапункта.

Важным шагом в развитии музыкального языка стало принятие темперированного строя и становление тональности. Чётко определились два главных лада – мажор и минор.

Поскольку музыка эпохи барокко служила выражению страстей человеческих, цели композиции пересматривались. Теперь каждое сочинение связывалось с аффектом, то есть с определённым состоянием души. Теория аффектов не нова, она восходит истоками к античности. Но в эру барокко она получила широкое распространение.

Гнев, печаль, ликование, любовь, смирение – эти аффекты связывались с музыкальным языком композиций. Так, совершенный аффект радости и веселья выражался использованием в письме терций, кварт и квинт, беглого темпа и трёхдольного размера. Напротив, аффект печали достигался включением диссонансов, хроматики и медленного темпа.

Существовала даже аффектная характеристика тональностей, в которой суровый ми-бемоль мажор на пару со сварливым ми-мажором противостоял жалобному ля-минору и нежному соль-мажору.

Музыкальная культура барокко оказала огромное влияние на развитие последующей эпохи классицизма. И не только этой эпохи.

Даже сейчас слышны отголоски барокко в жанрах оперы и концерта, популярных по сей день.

Цитаты баховской музыки появляются в соло тяжёлого рока, эстрадные песни в большинстве своём строятся на барочной «золотой секвенции», а джаз в какой-то мере перенял искусство импровизации.

И уже никто не считает барокко «странным» стилем, но восхищается его поистине драгоценными жемчужинами. Пусть и причудливой формы.

Источник: http://prozvi.ru/isskustvo-dlya-dushi/muzykalnaya-kultura-barokko-estetika-xudozhestvennye-obrazy-zhanry-muzykalnyj-stil-kompozitory-muzykalnyj-klass

Музыкальная культура барокко

Источник: http://sghistoryspb.ucoz.com/load/iskusstvo_ii_chast/muzykalnaja_kultura_barokko/3-1-0-123

Музыкальная культура эпохи барокко (XVII – первая половина XVIII века). Жанры церковной и светской музыки в творчестве И. С. Баха и его современников

Барокко (в переводе с порт.) – жемчужина неправильной формы.

По отношению к искусству это слово первоначально применялось в негативном значении: художникам эпохи классицизма творчество их предшественников казалось причудливым, вычурным, имеющим «неправильные формы» («барокко»).

Однако постепенно понятие «барокко» стало термином, обозначающим европейское искусство 17 – первой половины 18 вв., с присущими ему особыми качествами. Выделяют следующие характеристики искусства эпохи барокко:

1) Пышность, торжественность, величественность

2) Повышенная экспрессия, эмоциональная напряженность, динамизм

3) Сильные контрасты

Многие важные формы классической музыки берут свои истоки в эпохе Барокко – концерт, соната, опера.

Барокко была эпохой, когда идеи о том, какой должна быть музыка, обрели свою форму, эти музыкальные формы не потеряли актуальности и на сегодняшний день.

Великие работы эпохи Барокко:

Гендель “Музыка на воде” Бах “Бранденбургские концерты и Кантаты” Вивальди “Четыре Сезона” Пёрселл “Дидона и Эней”

Монтеверди “Орфей”

Смотреть обязательно:
Список композиторов раннего барокко

Список композиторов среднего барокко
 

Список композиторов позднего барокко

Источник: https://www.olofmp3.ru/index.php/Muzyka-Barokko.html

Музыка Барокко

Слово “барокко” происходит от итальянского “barocco”, означающего “причудливый, странный”,  хотя, возможно, “пышный, изобильный” будет лучшим вариантом перевода, более точно отражающим смысл.

Использование этого термина началось в 1860-х годах для описания богато украшенных религиозных и общественных зданий в Италии, Германии и Австрии, построенных в 17-18 веках.

Позднее, в начале 1900-х годов термин “барокко” стал применяться к музыке 17-го и начала 18-го века, и сегодня термин “барокко” указывает на четко определенные типы и жанры музыки, возникшие около 1600 и развивавшиеся примерно до 1750.

Музыка средневековья была довольно примитивной с точки зрения мелодии и гармонии. В эпоху Возрождения и Барокко чувствуются большие изменения.

Итальянские музыкальные школы, в первую очередь, и отдельные композиторы других стран начинают создавать чудесные мелодии и удивительно прекрасные стихи, которые сопровождают друг друга.

Но главным их стремлением было поиск и исследование новых форм: мелодические линии и гармонические прогрессии, комбинации инструментов, новые жанры и формы музыки. Прогресс, начавшийся в конце 16-го века, обрёл устойчивые формы, и в период 1700-1750 – “высокое барокко” можно ясно увидеть его кульминацию.  

 Было два основных географических центра развития музыки.

Один в северной Германии и Голландии, композиторы  Иоганн Фробергер, Иоганн Керль и, особенно, Дитрих Букстехуде концентрировали свои усилия на искусстве контрапункта, главным образом на фуге.

Голос и орган были здесь главными элементами. Другим центром был юг Европы – Италия, здесь формировались инструментальные формы – сонаты и концерт.

Каждый период в музыке имеет свои некие узнаваемые клише, и многое из того, что типично для музыки Барокко – определённые каденции и построение мелодий имеет единое происхождение – Арканджело Корелли, который, кажется, повлиял на всех, начиная со своих современников и студентов до Георга Генделя, который был в Риме с 1704 по 1710.

Из Рима “итальянское влияние” распространилось на север, в то время как строгие немецкие формы текли на юг, смешение производило общий стиль Барокко. Слияние музыкальных тенденций в разных частях Европы было удивительно обширным, учитывая относительно примитивные средства передвижения и связи.

Антонио Вивальди, Франческо Джеминиани, Арканджело Корелли, Алессандро Скарлатти, Георг Гендель и многие другие встречались друг с другом или хорошо знали музыку друг друга. Иоганн Себастьян Бах отправился на север из Тюрингии и Саксонии – южных земель Германии, чтобы услышать Букстехуде,   впоследствии он путешествовал в Дрезден и Берлин.

Он нередко копировал музыку других композиторов, своих современников, обрабатывая её для других инструментов. Это был признанный метод исследования, широко практиковавшийся в эпоху Барокко.   При рассмотрении музыки и композиторов эпохи Барокко или любого другого времени важно учитывать обстоятельства, в которых они работали.

К примеру, Вивальди, хотя и создал много прекрасных концертов (как “Четыре сезона”), но он также написал и много простейших произведений. Это были упражнения для учеников, Вивальди работал большую часть своей творческой жизни в оспедале ( “приют невинных”) – детский дом для многочисленных незаконнорожденных девочек дворян и знати.

Анонимные отцы щедро жертвовали средства на содержание детей и молодые барышни жили в роскошной обстановке и под хорошим присмотром, музыкальные стандарты их обучения были одними из самых высоких в Венеции. Многие из концертов Вивальди фактически были упражнениями, которые он разучивал со своими учениками.

  В эпоху Барокко было необычайно велико влияние церкви и государства на развитие музыки. Ни Италия, ни Германия в то время не существовали в том виде, в каком мы знаем их сегодня. Германия представляла собой сложную массу мелких княжеств, каждое со своим правителем и придворными музыкантами.

Альянсы заключались и распадались, например, в случаях брачного союза княжеских родов образовывались новые временные государства. Судьба многих композиторов и их статус во многом зависел от благосклонности и от отношения к музыке двора, где он служил, и композиторы-музыканты искали места в городах или при дворах, где их музыка обретет известность и будет процветать под покровительством короля или принца.  

 Одним из типичных примеров влияния королевского покровительства и мобильности композитора в эпоху Барокко является творчество Генделя. Георг Фридрих Гендель родился в Галле (Германия) 23 февраля 1685, всего за месяц до рождения Баха.

Отец Генделя намеревался сделать сына юристом, но музыкальные способности Георга возобладали и он начал учиться на музыканта. После учебы в Германии Гендель отправился в Италию, где он провел более трех лет, во Флоренции, Риме, Неаполе и Венеции.

В Риме он учился у Корелли и, несомненно, встречался и обменивался мнениями с рядом других итальянских композиторов. В Италии к нему пришла слава мастера “итальянской оперы”.

Из Италии Гендель уехал в начале 1710 и отправился в Ганновер, где был назначен капельмейстером ганноверского курфюрста Георга I, который был законным наследником английского трона. В 1714, после смерти английской Королевы Анны Георг I стал Королём Англии.

Гендель, который и раньше уже бывал в Лондоне, последовал за своим королём и принял Британское гражданство. Часть его успеха в Лондоне несомненно связана с королевским покровительством. Он активно участвовал как музыкально, так и коммерчески в развитии оперного искусства Великобритании. Позже, в 1730-х  он будет создавать свои оратории, оды и т.д. в традиционном английском стиле. Он один из немногих иностранцев признан в Англии как величайший английский композитор.

 

На творчество Баха также повлияли перемены мест работы в разных городах, хотя, конечно, большая часть его творческой жизни прошла в Лейпциге на должности кантора церкви Св.Фомы.

, и в сравнении с другими композиторами, в том числе с членами его музыкальной семьи, он путешествовал меньше, но все время хорошо знал об изменениях в музыкальном мире.

В его музыке собрались вместе различные формы и стили Барокко и были доведены до совершенства.

После Баха развитие музыки приняло иной оборот – наступал период “галантного” стиля, который был легче, с более простыми и чистыми формами. Здесь блистали такие композиторы, как Гайдн и Моцарт, за которыми последовали композиторы “романтического” периода – Бетховен и Чайковский.

Вместе с тем в период Барокко определился основной музыкальный язык, и последующие композиторы часто “возвращались к истокам”, изучая и играя работы Баха, писали фуги в стиле Барокко или обрабатывали произведения композиторов Барокко.

Моцарт, Шуман, Бетховен и многие другие создавали фуги в точном следовании стилю Барокко, Мендельсон был инициатором попыток возродить Барокко.  

В эпоху Барокко многие инструменты достигли пика своего развития. Органы, постороенные немцами Арпом Шнитгером и Готфридом Зильберманом, были и до сих пор остаются лучшими инструментами.

Скрипки и другие струнные инструменты, созданные в эпоху Барокко итальянскими мастерами, и сейчас обладают неповторимым звучанием и являются мечтой многих профессиональных музыкантов. Домашние, а потом концертные клавишные инструменты являются примером того, как музыкальный инструмент сначала исчезал, потом модифицировался и вновь возвращался.

Широко распространённый клавесин в эпоху Барокко начал сменяться первыми фортепиано, которые также изготавливал друг И.С.Баха органостроитель Готфрид Зильберман.

  Музыка в своей мелодичности сконструирована таким образом, чтобы отразить “полный порядок” вселенной – это суть музыкального стиля Барокко.

 По словам композитора и музыкального теоретика Барокко Иоганна Йозефа Фукса: “Музыкальное произведение отвечает требованиям хорошего вкуса, если оно хорошо построено, избегает мелочей, а также умышленной эксцентричности, направлено на возвышенное, но движется в естественном порядке, сочетая блестящие идеи с совершенным мастерством.” В эти дни все больше и больше людей стремятся вернуться к музыке для души, содержащей в себе красоту, основывающуюся на упорядоченной структуре. Таким образом, мы являемся свидетелями возрождения интереса к музыке Барокко и тех, кому посчастливилось быть еще не знакомым с ней, ожидает интересное открытие.

Источник: http://www.clasmusic.ru/index.php/Muzyka-Barokko.html

Сообщение о барокко: эпоха, стиль, музыка, архитектура, живопись

Культурное барокковое направление

Барокко – это эпоха и направление в искусстве Европы в 17-18 веках. Характерна была также для России, Украины, белорусских земель и Польши. Произошел стиль из Италии, позже распространился по всей Европе.

В основе философии барокко лежал культ чувств в противовес холодному рационализму, «сухому разуму».

Провозглашалась свобода творчества, даже самого вычурного и причудливого, в противовес правилам и строгим канонам творчества культурной эпохи классицизма.

Барокко возникло на закате эпохи Возрождения, когда люди несколько разочаровались в идеалах Возрождения.

Человек – не центр мира и умнейшее существо, способное на все, как хотелось верить всем в эпоху Возрождения, он уязвим Человек, его личность и его творчество не могут быть идеальными, подчиненными только уму, бкезупречными. Человек – живой и неправильный, и им правят эмоции, к тому же это хорошо.

Слово «барокко» дословно означает «жемчужина неправильной формы», «странная жемчужина». В искусстве и стиле барокко странность, необычность, нелепость и оригинальность творчества не осуждается, а приветствуется.

Барокковая архитектура – взрыв эмоций

Стиль барокко как в архитектуре, так и в литературе и в музыке, отмечен сложностью форм. Не найдете вы здесь ничего аскетичного или простого, естественного, неприукрашенного.

Архитектура барокко – величественная, пышная, навевающая торжественное настроение.

Это архитектура гедонизма – «живем здесь и сейчас», оттого здания украшаются щедро и богато – лепниной, скульптурными формами, необычными балкончиками, коваными произведениями искусства.

Отличный пример архитектуры барокко – это Версальский дворец французских королей и прилежащий к нему Версальский парк.

Архитектура барокко в России – это прежде всего творения знаменитого архитектора Бартоломео Франческо Расстрелли.

Это и знаменитый Зимний императорский дворец в Санкт-Петербурге, построенный в стиле барокко, и величественный Екатерининский дворец в Царском селе, Большой дворец в Петергофском царском имении, дворец магнатов Строгановых в том же Петербурге на реке Мойке, Аничков дворец императрицы Елизаветы Петровны у Аничкова моста в Петербурге. Это красивейшие парадные постройки страны.

Расцвет эпохи барокко в России, как в архитектуре, так и в культуре в целом, приходится на 18 век.

Барокковые литература и живопись

Литература барокко особое внимание уделяет красоте и изяществу формы. Популярны становятся игры с формой произведений, литературные загадки, фигурные стихи, (примером может служить акростих). Часто это принципиально декоративные произведения, где вообще не особо важно содержание. Главное – великолепие форм!

Естественность и плоскость мира уже не устраивают творцов литературы барокко. Они стремятся усложнить литературу, выразить капризность по отношению к миру.

Мир разочаровывает, а человек слаб перед лицом огромного мира, он не столь силен и не столь благороден – таково мироощущение барокко.

К чему серьезно воспринимать жизнь и судьбу человека, если происходящее больше напоминает сон, чем правдивую реальность? Мир и законы реальности для культуры барокко – не более чем иллюзия, «матрица», бред!

Европейское барокко в литературе – это, прежде всего, имена Франсиско де Кеведо, Педро де Кальдеона, Поля Скаррона. Русские представители стиля барокко в литературе – это оратор и религиозный философ Феофан Прокопович, а также богослов и поэт, также религиозный философ, Симеон Полоцкий.

Живопись и музыка барокко отмечены динамичностью и контрастностью. В живописи это работы Караваджо, Диего Веласкеса, Рембрандта ван Рейна, Пауля Рубенса, Тициана, Веронезе.

Картины эти сияют игрой света, цветистыми пестрыми красками.

Одновременно с культом чувственных радостей тела и плотской жизни на картинах барокко мы можем наблюдать и «темную сторону» переживаний души, глубину духовного познания.

Писать объемные фигуры в живописи барокко было еще не принято. Поэтому изображения на картинах плоские. Живопись барокко активно ищет новые формы в изображении и находит их. Восприятие мира на картинах барокко чуть трагичное, немного мрачное.

Оно выражает беззащитность человека перед смертью, перед лицом высшего, хрупкость его бытия, жизни и счастья. Картины часто смешивают идеальное и смешное. Позднее барокко в искусстве называется термином «рококо».

Этот стиль отличается особой вычурностью, пышностью.

Барокковая музыка – красоты много не бывает

Музыка барокко – это тенденция к синтезу слова и музыки, таким образом в эпоху барокко расцветают вокальные и хоровые направления.

При этом также именно в эпоху барокко создается чисто инструментальный европейский стиль музыки, направление, что не включает вокальной составляющей. До эпохи барокко инструментальная музыка приравнивалась к танцевальной и развлекательной.

Также с 17 века активно развивался синтетический литературно-музыкальный жанр оперы, что возник в Европе за столетие до начала эпохи барокко.

Музыка барокко – намного более эмоционально насыщенная и экстравагантная, более вычурная и сложная для исполнения, чем музыка Ренессанса. Плохим музыкантам не место в музыке барокко, ведь они просто не сыграют ее! Нужно отлично владеть инструментами!

В барокковой музыке приветствуются все возможные способы украшения мелодии, орнамента, богатые и долгие импровизации музыкантов. Максимум красоты – это девиз барокко.

Самые знаменитые композиторы эпохи барокко – это великий скрипач Антонио Вивальди, органист и композитор духовной музыки Иоганн Себастьян Бах, Клаудио Монтеверди, Доменико Скарлатти, Георг Гендель.

Источник: http://retrogorod.com/article.php?id=1120

                                                   Музыкальная культура барокко

Мир музыкальной культуры XVII—XVIII вв. чрезвычайно сложен и разнообразен. Его невозможно свести к какому-то од­ному стилю или нескольким лаконичным определениям и фор­мулировкам. Вот почему, рассказывая о музыке барокко, мы лишь наметим общую картину её развития.

Музыкальная культура барокко существенно отличалась от музыки Возрождения. В ней царило ощущение неизбежности перемен и дух новаторства. Один из меломанов начала XVII в. с возмущением писал:

«Музыкантам хочется изобретать нечто новое. И вот новое искусство докатилось до безудержной распущенности. От­клонившись от путей, намеченных нашими отцами, моло­дые композиторы создают искажённые произведения, в ко­торых нет никаких достоинств, кроме новизны…»

Действительно, музыка, как ни одно другое искусство, ощу­тила на себе напряжённый, тревожный и неустойчивый дух своего времени.

На смену плавной гармонии, уравновешенности и оптимизму Возрождения пришли трагическое мироощуще­ние, пристальное внимание композиторов к чувствам и эмоциям человека. Для выражения подобных чувств музыке были необ­ходимы новые специфические средства и формы.

И они были блестяще найдены. На смену хоровой полифонии Возрождения приходит мелодичное одноголосие, способное передать малей­шие волнения человеческой души.

Музыка барокко носит преимущественно светский характер, в ней в большей степени проявляются демократические тенден­ции эпохи; всевозможные украшения (мелизмы) делают её наибо­лее яркой и декоративной, что соответствует барочной эстетике.

Неустойчивые диссонирующие созвучия, неожиданные перехо­ды, контрасты и противопоставления, мелодии, томительно длящиеся во времени, быстрые, технически трудные, виртуоз­ные пассажи в пении, одновременное звучание множества инстру­ментов, использование танцевальных ритмов — всё это определя­ло суть барочной музыки.

Новый музыкальный стиль проникает и в церковную музы­ку (в органные мессы Фрескобальди, Баха, оратории Генделя). Но ярче всего он проявился в опере, ведущем жанре музыки ба­рокко.

                                     «Взволнованный стиль» барокко в итальянской опере

Опера явилась одним из главных достижений музыкального искусства барокко. Будучи новым синтетическим жанром, она была призвана воплотить идеалы «нового стиля». Появление этого жанра было тщательно подготовлено в художественной ат­мосфере Возрождения. (На страницах учебника для 10 класса мы рассказывали о знаменитой Флорентийской камерате и о рож­дении оперы.)

В XVII в. оперное искусство быстро развивается и достигает расцвета в крупнейших городах Италии.

Там возникают своеоб­разные оперные школы, лучшие черты которых успешно соеди­нил в своём творчестве Клаудио Монтеверди (1567—1643) — первый оперный композитор барокко и блестящий реформатор этого жанра (к сожалению, из оперного наследия композито­ра до нас дошло очень немногое).

Он успешно продолжил дело, начатое участниками Флорентийской камераты, но в собст­венном творчестве пошёл гораздо дальше своих предшественни­ков. Монтеверди углубил содержательный смысл оперы, рас­ширил выразительные средства и формы вокальных и оркест­ровых партий, ввёл в неё увертюру и дуэт.

Но главным его новшеством стал созданный им «взволнованный стиль» (соncitatо), передающий драматизм и напряжённость действия, глу­бину страстных человеческих чувств и переживаний. В отли­чие от предшественников, он развил драматическую сущность нового жанра, создал мелодию, сочетающую в себе речевые интонации, декламацию и вокал. Он обогатил оперу полифо­нической традицией, а средствами музыки показал многообра­зие и противоречивость человеческих характеров.

Композитор считал, что музыка долж­на не столько развлекать слушателя, сколько передавать богатство внутренне­го мира человека, заставлять его думать, переживать, искать ответы на сложные жизненные вопросы. Подвижная, измен­чивая мелодия его опер могла растрогать и взволновать до глубины души, поверг­нуть в смятение, заставить ужаснуться или вызвать восторг.

Сюжеты его опер включали интриги, заговоры, измены, покушения; непремен­ным условием, передающим напряжён­ность развития действия, была смерть героев.

Он создал новый тип арии — «жалобную песнь», прекрасным приме­ром которой является «Плач Ариадны» из оперы «Ариадна». Важнейшим за­воеванием композитора стала детальная разработка оркестровки, введение новых технических приёмов для большей выразительности.

Монтеверди использовал ан­самбль инструментов. Если в первой опере «Эвридике» их было всего семь, то в последней — 70!

Лучшие оперы Монтеверди — «Орфей» (1607), «Коронация Поппеи» (1642), созданные на мифологические и исторические темы, — отличаются богатством и занимательностью сюжета.

В судьбах героев происходят неожиданные события и перемены, а потому музыка изобилует контрастными, резкими перехо­дами, полными суровой драматической силы и нежного лириз­ма. Звучание разнообразных музыкальных инструментов жи­вописно оттеняет психологическое состояние каждого из дейст­вующих лиц, выявляет их моральные качества.

Оркестровая музыка не только сопровождает певческий голос, гибко следуя за поэтическим словом, она сама становится полноправным уча­стником событий.

В 1637 г. в Венеции по инициативе Монтеверди был открыт первый в мире публичный оперный театр, через несколько лет подобные театры от­крываются в Лондоне, Гамбурге, Париже, Праге и Вене.

Оперное искусство повсеместно завоёвы­вает сердца слушателей. Творчество К. Монтевер­ди оказало огромное влияние на оперные произве­дения Дж. Фрескобальди (1583—1643), А. Скар­латти (1660—1725) и Дж. Б.

Перголези (1710— 1736).

Характерные черты «взволнованного стиля» К.

Монтеверди нашли отражение в творчестве и исполнительской манере выдающихся мастеров барочного концерта, и прежде всего Антонио Вивальди (1678— 1741) — автора 465 (!) концертов и 40 опер, блестящего скрипача-виртуоза, поражавшего публику полной неожиданностей и контрастов манерой исполнения. В основе созданного им боль­шого концерта (соnсегtо grosso)  лежало противопоставление од­ного или группы солирующих музыкальных инструментов все­му оркестру.

В историю музыкальной культуры А. Вивальди вошёл и как выдающийся композитор программной музыки, воссоздающей реальные звуковые картины из жизни природы. В своём наи­более известном сочинении «Времена года» (1725) он сумел мастерски передать весеннее радостное обновление природы и жаркий летний зной, её пышное осеннее увядание и зимнюю стужу.

                                         Расцвет свободной полифонии в творчестве Баха 

Творчество Иоганна Себастьяна Баха (1685—1750) яви­лось завершающим этапом музыкальной культуры барокко.

В его произведениях удивительным образом сочетались все лучшие достижения предшествующих эпох: искусство поли­фонии немецких органистов, гомофонный стиль итальянской оперы и французской танцевальной музыки.

Он унаследовал традиции инструментальной му­зыки сопсегЬо §то83о и народно-песенного творче­ства.

Известный русский композитор и музыкаль­ный критик А. Н. Серов писал:

«Если в области музыки есть что-либо, к чему надобно подходить… с любовью в сердце, со страхом и верою, так это именно — творения великого Баха».

Трагическая история Германии (Крестьян­ская и Тридцати летняя войны, Вестфальский мир, окончательно закрепивший раздроблен­ность страны) дала Баху возможность почувство­вать глубокие противоречия своего времени.

Поразительно разнообразно творческое насле­дие Баха, работавшего почти во всех музыкаль­ ных жанрах! В историю мировой музыкальной культуры он во­шёл как непревзойдённый мастер духовной органной музыки.

Глубина философских обобщений, отражение сложного и проти­воречивого земного бытия и божественного мира совершенной гармонии отличают его органные мессы, хоралы, оратории, кан­таты и пассионы («страсти»).

Ещё в XVII в. возникла традиция вокально-хорового испол­нения «страстей» — драматизированных торжественных по­вествований о страданиях и мученической смерти Иисуса Хрис­та.

Одним из величайших творений Баха стали «Страсти по Матфею» (1729) — грандиозное произведение из 78 номеров, исполнявшееся в течение четырёх часов. По замыслу автора, в нём участвовали два четырёхголосных хора с солистами и оркестр из 34 музыкантов.

Нелегко было организовать испол­нение этого монументального произведения при жизни компо­зитора.

Музыка «Страстей…» вызывала самые различные эмоции у слушателей: от строгой, возвышенной скорби до искреннего переживания, раздумья и просветлённого торжества жизни. Сдержанная, скорбная мелодия голоса сопровождалась рыда­ниями скрипки, а партии хоров передавали крики разъярённой толпы, требующей казни Христа.

Строгим ревнителям церкви музыка не понравилась, она пока­залась им слишком оперной и далёкой от религиозной догматики. Лишь в 1829 г., спустя сто лет после её создания, двадцатилетний немецкий композитор Ф. Мендельсон (1809—1847) осуществит её исполнение в Лейпциге.

«Переполненный зал казался храмом, среди присутствую­щих царило торжественное благоговение; только изредка раздавались непроизвольные изъявления глубоко взволно­ванного чувства» (из воспоминаний Ф. Мендельсона).

Одним из величественных творений Баха стала Высокая мес­са (Месса си минор) (1747—1749), созданная в стиле барокко.

Удивительно тонкая и красивая музыка, вклю­чающая арии, вокальные ансамбли и хоры, пере­давала широкий эмоциональный диапазон: от ликования и про­светлённого чувства радости до жалости, скорби и сострадания. Короткие фразы латинских молитв служили лишь поводом для выражения мыслей о противопоставлении жизни и смерти, о торжестве нравственного величия Человека.

Сложность структуры и большой объём не позволяли испол­нить её в церкви во время праздничного дневного богослужения (при жизни Баха она не была исполнена ни разу). Месса состо­яла из 5 крупных частей, включавших 24 номера (15 хоров, 6 арий и 3 дуэта). Между тем грандиозное произведение поража­ло своей цельностью и чёткой продуманностью.

Барочный характер музыки нашёл воплощение в полифони­ческом искусстве Баха, вершиной которого являлись фуги (лат. fuga — бег) — многоголосные произведения, в основе которых лежит одна музыкальная тема, звучащая последовательно в раз­ных голосах.

Происхождение этого слова не случайно: звучащие голоса действительно как будто «догоняют» друг друга и прихо­дят к согласию лишь в конце.

Обойдя все голоса, мелодия начи­нает дробиться на мелкие части, её звучание становится более напряжённым, неустойчивым.

Хорошо известна и оркестровая музыка Баха. Каждый из шести Бранденбургских концертов (1711 —1720), созданных в жанре соnсегtо grosso, имеет свой неповторимый тембровый об­лик.

Клавирные и скрипичные концерты, в которых Бах про­должил традиции А. Вивальди, — это то главное, что создано им в этой области.

В клавирной музыке (klаviег — немецкое назва­ние клавесина, струнного клавишного инструмента) он прокла­дывал новые пути, намечая основные направления в развитии фортепианной музыки.

Сборник фуг и прелюдий «Хо­рошо темперированный клавир» (1722, 1744) — непревзойдённый образец полифонической клавир­ной музыки, учебник и настольная книга для исполнителей многих поколений. Бетховен называл его своей «музыкальной Библией», для Шумана она была «лучшей грамма­тикой».

Среди 48 фуг нет и двух похожих, каждую отличает по­разительное многообразие мелодий и настроений. Связанные между собой, они являются вполне са­мостоятельными произведениями. Бах любил импровизировать за клавесином на темы популярных песен, сочиняя изящные и легкие сюиты, состоящие из немецких (аллеманда), французских (куранта), испанских (сарабанда) и английских (жига) танцев.

Француз­ские и Английские сюиты стали подлинным украшением кон­цертных программ.

Не менее популярной была светская вокально-инструмен­тальная музыка Баха. Около 30 кантат (вокально-инстру­ментальных произведений для солистов хора и оркестра) при­надлежит великому композитору. Каждая из них проникнута весёлыми и жизнерадостными интонациями, во всех чувствуют­ся остроумие и тонкий юмор автора.

В «Крестьянской кантате» (1742) звучат народно-песенные мелодии, передающие стихию народной жизни. Она представляет собой живые зарисовки крестьянского праздника, любовного свидания на лоне природы. «Кофейная кантата» (1732) — это остроумная жанровая сценка, в которой ворчливый отец запрещает дочери пить кофе — мод­ный в то время напиток.

Но изобретательная и находчивая дочь ловко обходит все его запреты.

За свою жизнь Бах создал множество музыкальных шедев­ров. Известно, что в конце жизни великий немецкий компози­тор потерял зрение. Последние сочинения он диктовал своим ученикам…

                                                                         Русская музыка барокко

Музыкальная культура русского барокко успешно развива­лась в течение ста лет, с середины XVII до середины XVIII в. На русскую барочную музыку оказали влияние западноевропей­ские музыкальные традиции, пришедшие к нам через Польшу и Украину. При этом русская музыка барокко сохранила харак­терные черты древнерусского знаменно­го распева, его сурово-сдержанный, ве­личавый стиль.

В основу русской барочной музыки легло торжественное партесное (лат. partes — голоса, т. е. многоголосное) пение, получившее наиболее яркое воплощение в так называемых партес­ных концертах XVII — начала XVIII в. Николай Павлович Дилецкий, глав­ный теоретик партесного стиля пения, автор «Мусикийской грамматики»

Музыкальная культура барокко: эстетика, художественные образы, жанры, музыкальный стиль, композиторы

Музыкальное искусство Западной Европы особенно активно начало развиваться в XI веке в связи с изобретением нотной письменности.

Запись нотного текста, а не заучивание музыкальных произведений наизусть позволило композиторам оставлять свои имена в истории.

И все же потребовалось некоторое время, чтобы в истории появились по-настоящему гениальные композиторы, музыка которых не потеряла актуальности и до сих пор. Одним из таких ярких рассветов в музыкальном искусстве стала эпоха барокко.

Вообще, слово «барокко» в переводе с итальянского означает «причудливый», «странный».

Как художественное направление барокко было распространено во всех видах искусства – живописи, архитектуре, скульптуре, литературе и, конечно, в музыке XVII-XVIII веков.

Для этого художественного направления было характерно наличие большого количества украшений, которые порой буквально не давали разглядеть смысл.

Художественное направление в музыке

Музыка – тот вид искусства, который «пострадал» от украшений и перегруженности ими меньше всего, и все же они имели место быть, это было особенностью музыки барокко: всевозможные трели, мелизмы и прочие мелодические украшения. Музыка узнаваема, например, яркие концерты Антонио Вивальди – «Времена года».

Одним из показателей стиля барокко был поиск нового в музыке. Еще не был сформирован полноценный оркестр, исканиями композиторов были сочетания самых различных тембров.

Еще не были установлены правила и нормы гармонии (это заслуга более позднего периода – венского классицизма).

Еще не были созданы и отточены известные ныне жанры, для некоторых из них эпоха барокко стала зарей существования. Какие же появились в музыке барокко жанры?

Опера эпохи барокко

Одним из таких появившихся в эпоху барокко жанров стала опера. Изначально опера планировалась как возрождение античной трагедии. Инициатором создания стали музыканты, входившие во Флорентийскую камерату. Одним из самых известных представителей камераты стал Якопо Пери, написавший первую дошедшую до нас оперу «Эвридика». Как возрождение трагедии она написана на античный сюжет.

В результате развития оперы в Италии начали возникать различные школы, наиболее яркими из них были римская, флорентийская и неаполитанская, в последней родилось удивительно красивое искусство пения bel canto, которое и по сей день считается эталоном вокального исполнения в музыке.

К сожалению, красота пения и виртуозность арий приобрели большую популярность, чем драма в опере, зрители шли насладиться музыкой, но не понять смысл и драматургию. Это стало одной из самых больших проблем итальянской оперы, которая, к слову, называла «серьезной» (opera-seria).

Единственный композитор, которому удалось преодолеть данную проблему, – Клаудио Монтеверди. Его оперы сочетали в себе традиции всех трех итальянских школ, он внес в оперу реализм, опередив свое время. К сожалению, молодой жанр еще не был готов к реализму. Впереди оперу ждал довольно долгий путь развития.

Инструментальная музыка эпохи барокко

Инструментальные ансамбли эпохи барокко отличаются своим разнообразием. Каких-либо норм по сочетанию тембров еще не было выявлено. К тому же еще далеко не все музыкальные инструменты приобрели современный вид, а некоторые и вовсе не существовали. Совершенствовались и навыки игры на них – настолько, что многие инструменты приобрели значение концертных.

Одним из значимых инструментов эпохи был орган. В Западной Европе он был тесно связан с религией – католическая церковь использует этот музыкальный инструмент во время служб.

В эпоху барокко исполнение на этом инструменте приобретает концертный характер. Появляются выдающиеся исполнители, которых люди просто приходят послушать. Особенно это было выражено в Германии – там сформировалось 2 противоположных школы органной игры: северная и южная.

Южная школа опиралась на традиции полифонии строго стиля, известным представителем школы был Пахельбель. Полифония была особым показателем стиля барокко в музыке. В более поздние эпохи она не будет выражена столь ярко.

Северная же отличалась куда большей свободой и виртуозностью исполнения, известных представителей было больше: Букстехуде, Рейнкин, Бем.

Как ни странно, еще одним музыкальным инструментом, вышедшим на концертный уровень, стал клавесин. Возможности этого музыкального инструмента были ограничены: инструмент, ставший предшественником фортепиано, имел иное устройство.

Струны при нажатии клавиш защипывались специальными крючками, звук быстро затухал. Было невозможно добиться долгого звучания звуков.

При этом из инструмента нельзя было извлечь звуки различной громкости, что не давало разнообразить музыку динамическими оттенками.

На развитие исполнительских навыков повлияла доступность инструмента и возможность поставить его дома (что, например, не было возможным в случае с органом). Школы игры на этом инструменте возникают в разных странах – в Англии, во Франции (яркими представителями этой страны были Франсуа Куперен и Жан-Филипп Рамо).

Как звучал данный инструмент, можно услышать в исполнении концерта для клавесина с оркестром Иоганна Себастьяна Баха.

Значительными достижения были и в скрипичной и ансамблевой музыке эпохи барокко. Скрипка приобрела свой внешний облик лишь в XVI веке. За столетие инструмент достиг невиданной популярности. С одной стороны, скрипка и подобные струнно-смычковые инструменты обладали удивительными ансамблевыми свойствами, гармонично сочетаясь друг с другом.

При этом сочетания тембров были порой очень интересными, в ансамблевой музыке был популярен жанр concerto grosso – «большой концерт». Ярким представителем эпохи барокко, писавшим в этом жанре, был Арканджело Корелли. Концерт – соревновательный жанр, в «большом концерте» группы инструментов соревновались между собой.

Арканджело Корелли, Рождественский концерт

С другой стороны, инструмент обладал и широкими сольными возможностями. Выдающийся композитор в музыке Барокко – Антонио Вивальди – именно для этого инструмента написал «Времена года». Вивальди стал создателем сольного инструментального концерта.

Антонио Вивальди и Арканджело Корелли

Самыми известными представителями эпохи Барокко стали Иоганн Себастьян Бах и Георг Фридрих Гендель.

Георг Фридрих Гендель

1685-1759

Один из выдающихся композиторов в музыке барокко.

Родился в Германии, но в связи с трудностями в экономическом развитии страны и непростым положением музыканта (в те далекие времена музыканты считались ремесленниками, не существовало деления между исполнителями и композиторами, любой музыкант должен был уметь и сочинить произведение, и импровизировать, а уважением профессия не пользовалась) Гендель покинул родину и отправился в Англию. Много работал в жанре opera-seria, но неудачи, связанные с недостатками самого жанра, заставили композитора обратиться к иному крупному вокальному жанру – оратории.

В результате композитор написал несколько выдающихся ораторий, одной из который стала оратория «Самсон».

Оратория «Самсон»

Одно из выдающихся произведений Генделя. Именно оратория, не опера смогла воплотить все идеи композитора. Но всю жизнь композитор работал в жанре оперы, и ее влияние также заметно в оратории.

Острота конфликта между Самсоном и Далилой, индивидуальная музыкальная характеристика персонажей не типична для жанра.

К тому же в «Самсоне» слишком много действующих лиц для оратории, в основном в этом жанре место уделялось хорам.

Иоганн Себастьян Бах

1685-1750

Выдающийся немецкий композитор эпохи барокко. В отличие от Генделя, Бах всю жизнь прожил в Германии. Иоганн Себастьян был также выдающимся органистом, клавесинистом, педагогом. За свою жизнь композитор написал огромное количество произведений, творил во всех жанрах, кроме оперы.

Органное творчество Баха

Иоганн Себастьян Бах был выдающимся органистом. В органном творчестве появилось первое циклическое произведение композитора, получившее название «Малый цикл Баха».

В этом цикле композитор объединил особенности и северной, и южной органных школ Германии. Цикл включает в себя 2 произведения: первое – импровизационного характера (токката, фантазия или прелюдия), второе – полифоническое (фуга).

Одно из самых известных таких произведений – токката и фуга ре минор.

Клавирное творчество Баха

Когда Бах служил в Кетене, у него не было возможности заниматься на органе. В этот период внимание композитора переключилось на клавесин. Он перенес свой «малый цикл» на этот инструмент. При этом композитор в клавирном творчестве утвердил равномерно-темперированный строй в двух томах Хорошо темперированного клавира.

Иоганн Себастьян Бах. Хорошо темперированный клавир. Том 1. Прелюдия и фуга соль минор.

Вокально-инструментальное творчество Баха

В вокально-инструментальном творчестве Бах также был новатором. Во всех своих произведениях композитор доказывал, что музыка – философский вид искусства, что она способна нести вечные ценности и отвечать на глобальные вопросы. Как и Гендель, Бах обращался к жанру оратории, создав свое произведение «Страсти по Матфею».

Одним из самых крупных его произведений стала высокая месса си минор, в которой композитор показал вечную борьбу добра и зла.

Интересные факты

Уделим внимание некоторым интересным фактам из истории:

  • Вивальди был священником, но при этом он не очень любил это занятие. Он мог позволить себе прервать службу, однажды он покинул мессу, чтобы записать тему фуги. Из-за этого у него возникли серьезные проблемы с католической церковью.
  • Бах был выдающимся органистом, ему приходилось много работать в церкви. И у него также было немало проблем с начальством, например, музыканта обвиняли в том, он играл лишние звуки, приглашал в церковь девушек.
  • Однажды Бах, не имея денег на поездку в Любек, отправился туда пешком, чтобы послушать концерты Букстехуде.
  • Бах писал не только глубоко философские музыкальные произведения. Одна из его кантат посвящена замечательному напитку – кофе.
  • Когда Баха спросили, как у него получается так хорошо играть, он ответил, что просто нажимает на нужную клавишу в нужный момент.
  • Выдающийся композитор Иоганн Себастьян не был признан как композитор при жизни. «Открыл» его творчество заново Феликс Мендельсон почти через столетие.
  • Любимым композитором Баха был Вивальди. Изучив его творчество, композитор создал не один концерт.
  • Гендель, будучи немецким композитором, большую часть жизни писал итальянские оперы, еще более любопытно, что делал он это в Англии…

Источник: https://www.syl.ru/article/387541/barokko-v-muzyike-osobennosti-stilya-kompozitoryi

Музыкальная культура барокко: эстетика, художественные образы, жанры, музыкальный стиль, композиторы, Музыкальный класс

Знаете ли вы, что эпоху, подарившую нам Баха и Генделя, называли «причудливой»? Причём называли далеко не в положительном контексте. «Жемчужина неправильной (причудливой) формы» – таково одно из значений термина «барокко». Ещё бы новая культура была неправильной с точки зрения идеалов Возрождения: на смену гармонии, простоте и ясности пришли дисгармония, сложные образы и формы.

Музыкальная культура барокко сводила прекрасное и безобразное, трагедию и комедию. «В тренде» были «неправильные красоты», сменившие естественность Ренессанса. Мир уже не представлялся целостным, но воспринимался как мир контрастов и противоречий, как мир, полный трагедии и драматизма. Впрочем, этому есть историческое объяснение.

Эпоха барокко охватывает около 150 лет: с 1600-го по 1750-е годы. Это время великих географических открытий (вспомним открытие Америки Колумбом и кругосветное плавание Магеллана), время гениальных научных открытий Галилея, Коперника и Ньютона, время ужасных войн в Европе. Гармония мира рушилась на глазах, равно как и менялась сама картина Вселенной, менялись понятия времени и пространства.

Новая мода на вычурность рождала новые формы и жанры. Передать сложный мир человеческих переживаний смогла опера , главным образом через яркие эмоциональные арии.

Отцом первой оперы считают Якопо Пери (опера «Эвридика»), но именно как жанр опера оформилась в творениях Клаудио Монтеверди («Орфей»). Среди самых громких имён оперного жанра барокко также известны: А. Скарлатти (опера «Нерон, ставший Цезарем»), Г.Ф. Телеман («Марио»), Г.

Пёрселл («Дидона и Эней»), Ж.-Б.Люлли («Армида»), Г. Ф. Гендель («Юлий Цезарь»), Дж. Б. Перголези («Служанка-госпожа»), А. Вивальди («Фарнак»).

Почти как опера, только без декораций и костюмов, с религиозным сюжетом, оратория заняла важное место в иерархии жанров барокко. Такой высокий духовный жанр как оратория также передавал глубину человеческих эмоций. Самые известные барочные оратории написаны Г.Ф. Генделем («Мессия»).

Из жанров духовной музыки популярными были также духовные кантаты и пассионы (пассионы – это «страсти»; возможно не к слову, но на всякий случай всё помянем один однокоренной музыкальный термин – аппассионато, что в переводе на русский значит «страстно»). Здесь пальма первенства принадлежит И. С. Баху («Страсти по Матфею»).

Еще один крупный жанр эпохи – концерт . Острая игра контрастов, соперничество солиста и оркестра ( сольный концерт ), либо разных групп оркестра между собой (жанр concerto grosso )– хорошо перекликались с эстетикой барокко. Здесь правили маэстро А. Вивальди («Времена года»), И.С. Бах «Браденбургские концерты»), Г. Ф. Гендель и А. Корелли (Concerto grosso).

Контрастный принцип чередования разнохарактерных частей получил развитие не только в жанре концерта. Он лёг в основу сонаты (Д. Скарлатти), сюиты и партиты (И. С. Бах). Нужно заметить, что этот принцип существовал и раннее, но только в эпоху барокко он перестал быть случайным и обрёл упорядоченность формы.

Один из главных контрастов музыкальной культуры барокко – это хаос и порядок как символы времени. Случайность жизни и смерти, неуправляемость рока и вместе с тем – торжество «рацио», порядок во всём.

Этуантиномию ярче всего передал музыкальный жанр прелюдии ( токкаты, фантазии ) и фуги . И.С.

Бах создал непревзойденные шедевры в этом жанре (прелюдии и фуги «Хорошо темперированного клавира», Токката и фуга ре-минор).

Как следует из нашего обзора, контрастность барокко проявилась даже в масштабности жанров. Наряду с объёмными композициями создавались и лаконичные опусы.

Эпоха барокко внесла свою лепту в развитие нового стиля письма. На музыкальную арену выходит гомофония с её разделением на главный голос и сопровождающие.

В частности, популярность гомофонии связана и с тем, что церковь предъявляла особые требования к написанию духовных композиций: все слова должны быть разборчивы. Так вокал выходил на первый план, обрастая к тому же многочисленными музыкальными украшениями. Барочная склонность к вычурности проявилась и здесь.

Богатой на украшения была и инструментальная музыка. В связи с этим распространена была импровизация : открытый эрой барокко остинатный (то есть повторяющийся, неизменный) бас давал простор для фантазии на заданный гармонический ряд. В вокальной же музыке длинные каденции и цепочки форшлагов и трелей часто украшали оперные арии.

В то же время процветала и полифония , но уже совсем в другом русле. Полифония барокко – это полифония свободного стиля, развитие контрапункта.

Важным шагом в развитии музыкального языка стало принятие темперированного строя и становление тональности. Чётко определились два главных лада – мажор и минор.

Поскольку музыка эпохи барокко служила выражению страстей человеческих, цели композиции пересматривались. Теперь каждое сочинение связывалось с аффектом, то есть с определённым состоянием души. Теория аффектов не нова, она восходит истоками к античности. Но в эру барокко она получила широкое распространение.

Гнев, печаль, ликование, любовь, смирение – эти аффекты связывались с музыкальным языком композиций. Так, совершенный аффект радости и веселья выражался использованием в письме терций, кварт и квинт, беглого темпа и трёхдольного размера. Напротив, аффект печали достигался включением диссонансов, хроматики и медленного темпа.

Существовала даже аффектная характеристика тональностей, в которой суровый ми-бемоль мажор на пару со сварливым ми-мажором противостоял жалобному ля-минору и нежному соль-мажору.

Музыкальная культура барокко оказала огромное влияние на развитие последующей эпохи классицизма. И не только этой эпохи.

Даже сейчас слышны отголоски барокко в жанрах оперы и концерта, популярных по сей день.

Цитаты баховской музыки появляются в соло тяжёлого рока, эстрадные песни в большинстве своём строятся на барочной «золотой секвенции», а джаз в какой-то мере перенял искусство импровизации.

И уже никто не считает барокко «странным» стилем, но восхищается его поистине драгоценными жемчужинами. Пусть и причудливой формы.

Источник: https://plusss48.ru/isskustvo-dlya-dushi/muzykalnaya-kultura-barokko-estetika-xudozhestvennye-obrazy-zhanry-muzykalnyj-stil-kompozitory-muzykalnyj-klass

Музыкальная культура эпохи барокко (XVII – первая половина XVIII века). Жанры церковной и светской музыки в творчестве И. С. Баха и его современников

Барокко (в переводе с порт.) – жемчужина неправильной формы.

По отношению к искусству это слово первоначально применялось в негативном значении: художникам эпохи классицизма творчество их предшественников казалось причудливым, вычурным, имеющим «неправильные формы» («барокко»).

Однако постепенно понятие «барокко» стало термином, обозначающим европейское искусство 17 — первой половины 18 вв., с присущими ему особыми качествами. Выделяют следующие характеристики искусства эпохи барокко:

  • 1) Пышность, торжественность, величественность
  • 2) Повышенная экспрессия, эмоциональная напряженность, динамизм
  • 3) Сильные контрасты

Названные качества барочного искусства отразили сложность мироощущения эпохи. Потрясенный переворотом в представлении об устройстве мироздания, произведенном Возрождением (Великие географические открытия, гелиоцентрическая система мира Коперника и т. п.

), Человек стал ощущать себя «чем-то средним между всем и ничем» (по выражению Паскаля). Пытаясь найти опору в кажущемся хаотичным мире, он взывает к небесным силам или уповает на земных властителей.

И церковь, и государство (а это расцвет абсолютных монархий) по-своему пытаются внести упорядоченность в устройство жизни.

Для утверждения своего авторитета и духовного могущества и церковь (особенно католическая), и крупнейшие королевские дворы Европы (особенно французский — времен Людовика XIV, австрийский — времен Марии-Терезии) широко использовали искусство – прежде всего, архитектуру и музыку.

Музыканты эпохи барокко не являлись свободными художниками. Они находились на службе – либо церковной, либо светской.

Их творчество было широко востребовано (в каждом храме, в большинстве домов аристократов), но подчинялось определенным канонам.

Наивысшего расцвета музыка барокко достигает в творчестве Баха, который обобщил достижения не только немецкой, но и итальянской, французской, английской школ. (Другие представители этой эпохи – Корелли, Вивальди, Гендель).

Церковная музыка в эпоху барокко была ведущим направлением. Она была представлена произведениями для органа и для хора с оркестром.

В то время именно эти исполнительские составы предоставляли композитору максимум возможностей по мощи и разнообразию звучания.

Кроме того, церковная музыка (в отличие от аристократической светской) была обращена к максимальному количеству слушателей (в церковь ходили все).

Жанры органной музыки – это хоральные прелюдии и малые полифонические циклы.

Источник: https://megaobuchalka.ru/3/2219.html

1.5 Музыка эпохи барокко | music-history

Слово «барокко» предположительно происходит от португальского «perola barroca» — жемчужина или морская раковина причудливой формы.

  Примечательно, что похожие латинские слова «Barlocco» или «Brillocco» также использовались в схожем значении — жемчужина необычной формы.

И действительно, изобразительное искусство и архитектура этого периода характеризовались весьма вычурными формами, сложностью, пышностью и динамикой. Позже это же слово стало применяться и к музыке того времени.

Композиторы эпохи барокко работали в различных музыкальных жанрах.  Опера, появившаяся в период позднего ренессанса, стала одной из главных барочных музыкальных форм. Можно вспомнить произведения таких мастеров жанра, как Алессандро Скарлатти, Георга Фридриха Генделя, Клаудио Монтеверди и других. Жанр оратории достиг пика своего развития в работах И.С. Баха и Г.

Ф. Генделя; оперы и оратории часто использовали схожие музыкальные формы. Например, имевшую широкое распространение арию da capo. Такие формы духовной музыки, как месса и мотет, стали менее популярны, но форме кантаты уделили внимание множество протестантских композиторов. Развились такие виртуозные формы сочинения, как токкаты и фуги.

Инструментальные сонаты и сюиты были написаны как для отдельных инструментов, так и для камерных оркестров. Появился жанр концерта в обеих своих формах: для одного инструмента с оркестром и как кончерто гроссо, в котором небольшая группа солирующих инструментов контрастирует с полным ансамблем.

Пышности и великолепия многим королевским дворам добавили и произведения в форме французской увертюры с их контрастными быстрыми и медленными частями. Произведения для клавишных довольно часто писались композиторами для собственного развлечения или в качестве обучающего материала. Такими работами являются зрелые сочинения И.С.

Баха, общепризнанные интеллектуальные шедевры эпохи барокко: «Хорошо темперированный клавир», «Вариации Гольдберга» и «Искусство фуги».

  • В это время происходит знаменательный перелом в музыкальном мышлении — полифоническое многоголосие сменяется гомофонно-гармонической системой, что приводит к расцвету культуры импровизации. Существенно изменяется содержательно-смысловая координата музыкального творчества: сфера возвышенно бесстрастной мессы и безмятежной веселой песенной лирики обогащается скорбно-драматическими и трагическими образами. Именно в это историческое время в музыке кристаллизуются национальные школы и понятие стиля обретает смысл четко выраженных отличий итальянской, французской, немецкой, испанской традиций. Помимо формирования национальных моделей именно в эту эпоху становится реальностью композиторская индивидуальность.
  • Яркими образцами индивидуального стиля являются значительные фигуры Ж.-Б. Люлли, А. Вивальди, Г.Ф. Генделя, И.С. Баха.

Основным музыкальным инструментом барокко стал орган в духовной и камерной светской музыке. Также широкое распространение получили клавесин, щипковые и смычковые струнные (виолы, барочная гитара, барочная скрипка, виолончель, контрабас), а также деревянные духовые инструменты: различные флейты, кларнет, гобой, фагот.

В эпоху барокко функции такого распространённого щипкового струнного инструмента, как лютня, были в значительной степени низведены до аккомпанемента бассо континуо (басовый голос многоголосного музыкального сочинения с цифрами, на основе которых исполнитель строит аккомпанемент, часто импровизируя), постепенно она оказалась вытесненной в этой ипостасти клавишными инструментами.

В эпоху барокко формируются первые оркестры и появляется оркестровая музыка.

Условной точкой перехода между эпохами барокко и ренессанса можно считать создание итальянским композитором Клаудио Монтеверди (1567—1643) его речитативного стиля и последовательное развитие итальянской оперы.

Италия становится центром нового стиля. Папство, хотя и захваченное борьбой с реформацией, но тем не менее обладающее огромными денежными ресурсами, искало возможности распространения католической веры с помощью расширения культурного влияния.

Зарождение и расширение монархии в разных странах Западной Европы так же способствовало развитию искусства барокко. Пышностью, величием и сложностью архитектуры, изобразительных искусств и музыки католицизм как бы спорил с аскетичным протестантизмом.

Одно из требований, предъявляемых церковью сочинению духовной музыки, заключалось в том, чтобы тексты в произведениях с вокалом были разборчивы. Это потребовало ухода от полифонии к музыкальным приёмам, где слова выходили на передний план. Вокал стал более сложен, витиеват по сравнению с аккомпанементом. Так получила развитие гомофония.

Зрелое барокко отличается от раннего повсеместным распространением нового стиля и усилившимся разделением музыкальных форм, особенно в опере. Как и в литературе, появившаяся возможность потоковой печати музыкальных произведений привела к расширению аудитории; усилился обмен между центрами музыкальной культуры.

В теории музыки зрелого барокко определяется фокусированием композиторов на гармонии и на попытках создать стройные системы музыкального обучения. В последующие годы это привело к появлению множества теоретических трудов.

Композитор и скрипач Арканджело Корелли (1653—1713) способствовал развитию жанра кончерто гроссо. Корелли был одним из первых композиторов, чьи произведения публиковались и исполнялись по всей Европе.

  Жанр кончерто гроссо построен на сильных контрастах; инструменты делятся на участвующие в звучании полного оркестра, и на меньшую солирующую группу.

Музыка построена на резких переходах от громко звучащих частей к тихим, быстрые пассажи противопоставлены медленным. Среди последователей Корелли был Антонио Вивальди.

В Англии зрелое барокко отмечено ярким гением Генри Пёрселла (1659—1695). Он работал в широком спектре жанров: от простых религиозных гимнов до маршевой музыки, от вокальных сочинений большого формата до постановочной музыки. Его каталог насчитывает более 800 работ. Пёрселл стал одним из первых композиторов клавишной музыки, влияние которых распространяется и на современность.

Точная грань между зрелым и поздним барокко является предметом обсуждения; она лежит где-то между 1680 и 1720. Италия становится первой страной, в которой барокко переходит из зрелого периода в поздний. Важной вехой можно считать практически абсолютное главенство тональности, как структуризирующего принципа сочинения музыки.

   Полифония ренессанса дала базис для изучения контрапункта. В музыке появляется два сочинительских стиля — гомофонный и полифонический, с приёмами имитации и контрапунктом.

Формы, открытые предыдущим периодом, достигли зрелости и большой вариативности: концерт, сюита, соната, кончерто гроссо, оратория, опера и балет уже не имели резко выраженных национальных особенностей. Повсеместно устоялись общепринятые схемы произведений: повторяющаяся двухчастная форма, простая трёхчастная форма и рондо.

Основные представители: Антонио Вивальди (1678 — 1741), Доменико Скарлатти (1685 — 1757), Георг Фридрих Гендель (1785 — 1759), Иоганн Себастьян Бах (1685 — 1750) Георг Филипп Телеман (1681 — 1767), Жан Филипп Рамо (1683 — 1764), Жоссе Бутми (1697 — 1779).

Как исторический и художественный стиль барокко охватывает около двух столетий. Оптимистический гуманизм эпохи Возрождения сменился трагическим мироощущением.

  • «Жизнь есть сон» — эти слова стали девизом эпохи. Эстетика барокко требовала:
  •                             — трагических развязок сюжета;
  •                             — прославления героического;
  •                             — глубокого анализа душевных состояний;
  •                             — причудливой смены образов;
  •                             — пышности и декоративности изложения.

Источник: https://mgpu-aeg.wixsite.com/music-history/muzyka-epohi-barokko

Музыка Барокко

Слово «барокко» происходит от итальянского «barocco», означающего «причудливый, странный»,  хотя, возможно, «пышный, изобильный» будет лучшим вариантом перевода, более точно отражающим смысл.

Использование этого термина началось в 1860-х годах для описания богато украшенных религиозных и общественных зданий в Италии, Германии и Австрии, построенных в 17-18 веках.

Позднее, в начале 1900-х годов термин «барокко» стал применяться к музыке 17-го и начала 18-го века, и сегодня термин «барокко» указывает на четко определенные типы и жанры музыки, возникшие около 1600 и развивавшиеся примерно до 1750.

Музыка средневековья была довольно примитивной с точки зрения мелодии и гармонии. В эпоху Возрождения и Барокко чувствуются большие изменения.

Итальянские музыкальные школы, в первую очередь, и отдельные композиторы других стран начинают создавать чудесные мелодии и удивительно прекрасные стихи, которые сопровождают друг друга.

Но главным их стремлением было поиск и исследование новых форм: мелодические линии и гармонические прогрессии, комбинации инструментов, новые жанры и формы музыки. Прогресс, начавшийся в конце 16-го века, обрёл устойчивые формы, и в период 1700-1750 — «высокое барокко» можно ясно увидеть его кульминацию.  

 Было два основных географических центра развития музыки.

Один в северной Германии и Голландии, композиторы  Иоганн Фробергер, Иоганн Керль и, особенно, Дитрих Букстехуде концентрировали свои усилия на искусстве контрапункта, главным образом на фуге.

Голос и орган были здесь главными элементами. Другим центром был юг Европы — Италия, здесь формировались инструментальные формы — сонаты и концерт.

Каждый период в музыке имеет свои некие узнаваемые клише, и многое из того, что типично для музыки Барокко — определённые каденции и построение мелодий имеет единое происхождение — Арканджело Корелли, который, кажется, повлиял на всех, начиная со своих современников и студентов до Георга Генделя, который был в Риме с 1704 по 1710.

Из Рима «итальянское влияние» распространилось на север, в то время как строгие немецкие формы текли на юг, смешение производило общий стиль Барокко. Слияние музыкальных тенденций в разных частях Европы было удивительно обширным, учитывая относительно примитивные средства передвижения и связи.

Антонио Вивальди, Франческо Джеминиани, Арканджело Корелли, Алессандро Скарлатти, Георг Гендель и многие другие встречались друг с другом или хорошо знали музыку друг друга. Иоганн Себастьян Бах отправился на север из Тюрингии и Саксонии — южных земель Германии, чтобы услышать Букстехуде,   впоследствии он путешествовал в Дрезден и Берлин.

Он нередко копировал музыку других композиторов, своих современников, обрабатывая её для других инструментов. Это был признанный метод исследования, широко практиковавшийся в эпоху Барокко.   При рассмотрении музыки и композиторов эпохи Барокко или любого другого времени важно учитывать обстоятельства, в которых они работали.

К примеру, Вивальди, хотя и создал много прекрасных концертов (как «Четыре сезона»), но он также написал и много простейших произведений. Это были упражнения для учеников, Вивальди работал большую часть своей творческой жизни в оспедале ( «приют невинных») — детский дом для многочисленных незаконнорожденных девочек дворян и знати.

Анонимные отцы щедро жертвовали средства на содержание детей и молодые барышни жили в роскошной обстановке и под хорошим присмотром, музыкальные стандарты их обучения были одними из самых высоких в Венеции. Многие из концертов Вивальди фактически были упражнениями, которые он разучивал со своими учениками.

  В эпоху Барокко было необычайно велико влияние церкви и государства на развитие музыки. Ни Италия, ни Германия в то время не существовали в том виде, в каком мы знаем их сегодня. Германия представляла собой сложную массу мелких княжеств, каждое со своим правителем и придворными музыкантами.

Альянсы заключались и распадались, например, в случаях брачного союза княжеских родов образовывались новые временные государства. Судьба многих композиторов и их статус во многом зависел от благосклонности и от отношения к музыке двора, где он служил, и композиторы-музыканты искали места в городах или при дворах, где их музыка обретет известность и будет процветать под покровительством короля или принца.  

 Одним из типичных примеров влияния королевского покровительства и мобильности композитора в эпоху Барокко является творчество Генделя. Георг Фридрих Гендель родился в Галле (Германия) 23 февраля 1685, всего за месяц до рождения Баха.

Отец Генделя намеревался сделать сына юристом, но музыкальные способности Георга возобладали и он начал учиться на музыканта. После учебы в Германии Гендель отправился в Италию, где он провел более трех лет, во Флоренции, Риме, Неаполе и Венеции.

В Риме он учился у Корелли и, несомненно, встречался и обменивался мнениями с рядом других итальянских композиторов. В Италии к нему пришла слава мастера «итальянской оперы».

Из Италии Гендель уехал в начале 1710 и отправился в Ганновер, где был назначен капельмейстером ганноверского курфюрста Георга I, который был законным наследником английского трона. В 1714, после смерти английской Королевы Анны Георг I стал Королём Англии.

Гендель, который и раньше уже бывал в Лондоне, последовал за своим королём и принял Британское гражданство. Часть его успеха в Лондоне несомненно связана с королевским покровительством. Он активно участвовал как музыкально, так и коммерчески в развитии оперного искусства Великобритании. Позже, в 1730-х  он будет создавать свои оратории, оды и т.д. в традиционном английском стиле. Он один из немногих иностранцев признан в Англии как величайший английский композитор.

 

На творчество Баха также повлияли перемены мест работы в разных городах, хотя, конечно, большая часть его творческой жизни прошла в Лейпциге на должности кантора церкви Св.Фомы.

, и в сравнении с другими композиторами, в том числе с членами его музыкальной семьи, он путешествовал меньше, но все время хорошо знал об изменениях в музыкальном мире.

В его музыке собрались вместе различные формы и стили Барокко и были доведены до совершенства.

После Баха развитие музыки приняло иной оборот — наступал период «галантного» стиля, который был легче, с более простыми и чистыми формами. Здесь блистали такие композиторы, как Гайдн и Моцарт, за которыми последовали композиторы «романтического» периода — Бетховен и Чайковский.

Вместе с тем в период Барокко определился основной музыкальный язык, и последующие композиторы часто «возвращались к истокам», изучая и играя работы Баха, писали фуги в стиле Барокко или обрабатывали произведения композиторов Барокко.

Моцарт, Шуман, Бетховен и многие другие создавали фуги в точном следовании стилю Барокко, Мендельсон был инициатором попыток возродить Барокко.  

В эпоху Барокко многие инструменты достигли пика своего развития. Органы, постороенные немцами Арпом Шнитгером и Готфридом Зильберманом, были и до сих пор остаются лучшими инструментами.

Скрипки и другие струнные инструменты, созданные в эпоху Барокко итальянскими мастерами, и сейчас обладают неповторимым звучанием и являются мечтой многих профессиональных музыкантов. Домашние, а потом концертные клавишные инструменты являются примером того, как музыкальный инструмент сначала исчезал, потом модифицировался и вновь возвращался.

Широко распространённый клавесин в эпоху Барокко начал сменяться первыми фортепиано, которые также изготавливал друг И.С.Баха органостроитель Готфрид Зильберман.

  Музыка в своей мелодичности сконструирована таким образом, чтобы отразить «полный порядок» вселенной — это суть музыкального стиля Барокко.

 По словам композитора и музыкального теоретика Барокко Иоганна Йозефа Фукса: «Музыкальное произведение отвечает требованиям хорошего вкуса, если оно хорошо построено, избегает мелочей, а также умышленной эксцентричности, направлено на возвышенное, но движется в естественном порядке, сочетая блестящие идеи с совершенным мастерством.» В эти дни все больше и больше людей стремятся вернуться к музыке для души, содержащей в себе красоту, основывающуюся на упорядоченной структуре. Таким образом, мы являемся свидетелями возрождения интереса к музыке Барокко и тех, кому посчастливилось быть еще не знакомым с ней, ожидает интересное открытие.

Источник: http://www.clasmusic.ru/index.php/Muzyka-Barokko.html

Публикации — Музыкальное искусство барокко: стили, жанры, традиции исполнения

Составители: Т. Н. Дубравская, А. М. Меркулов

Данный сборник тематически продолжает сборник трудов Московской консерватории «Проблемы стиля и интерпретации музыки барокко» (М., 2001). В нем освещаются исторические, теоретические и практические вопросы музыкальной культуры барокко.

Рассматриваются стилевые, жанровые, структурно-смысловые особенности и своеобразие музыкального языка различных национальных школ (немецкой, французской, итальянской), а также риторические традиции барокко, в частности, в творчестве В. А. Моцарта.

В ряде статей на материале руководств XVII – XIII веков раскрываются важнейшие аспекты барочной исполнительской практики: импровизация на основе basso continuo и свободное мелодическое варьирование. Исследуются общие и конкретные вопросы интерпретации, проблемы т. н. аутентичного исполнения и музыкального инструментария эпохи барокко.

Все работы публикуются впервые. Содержание сборника призвано обогатить работу в курсах истории и теории музыки, истории исполнительского искусства и методики преподавания в специальных исполнительских классах.

Серия: Научные труды Московской государственной консерватории им. П. И. Чайковского Номер сборника: 37

Ю. Н. Холопов. Структура баховской фуги в контексте исторической эволюции гармонии и тематизма 4 Ку Ле Зуен. К истории понятия «канон» 32 Л. С. Пылаева. О некоторых аспектах содержания и формы в танцах барокко (на примере сарабанд французских авторов) 49 Е. Н. Цыбко.

Французский мотет от Люлли до Куперена 67 Е. Д. Кривицкая. О некоторых аспектах французской ладовой теории XVII века 90 Л. Н. Логинова. Тональность барокко, какой мы ее слышим сегодня 105 Э. Р. Симонова.

Итальянское барочное либретто XVII – первой половины XVIII века: от ранней drama per musica к метастазиевской драме 113 М. И. Катунян. Импровизация на основе basso continuo 131 С. В. Грохотов. И. И.

Кванц о свободном варьировании в исполнительском искусстве (по его трактату «Опыт наставления в игре на поперечной флейте») 148 В. В. Березин. Кларнет в музыке барокко 181 Е. И. Чигарёва. Проблема интерпретации «риторического слова» в музыке Моцарта (на материале книги Г.

Борна «Музыкальный язык Моцарта. Ключ к жизни и творчеству») 194 А. А. Паршин. Аутентизм: вопросы и ответы 221 К. Дальхауз. Интерпретация и практика исполнения. Перевод О. В. Лосевой 234

Источник: http://www.mosconsv.ru/ru/publication.aspx?id=122374

Музыка Барокко

Эпоха Барокко.

Музыка в период 1600 — 1750 гг.  

Слово «барокко» пришло из португальского языка и означает «жемчужина неправильной формы», с итальянского языка это слово переводится как странный, причудливый. Какими бы ни были корни этого слова, именно эпоха барокко считается началом распространения западноевропейской цивилизации.

Эпоха Барокко отвергает естественность, считая её невежеством и дикостью. В то время женщина должна была быть нестественно бледной, с вычурной прической, в тугом корсете и с огромной юбкой, а мужчина — в парике, без усов и бороды, напудрен и надушен. 

В эпоху Барокко произошел взрыв новых стилей и технологий в музыке. Дальнейшее ослабление политического контроля католической церкви в Европе, которое началось в эпоху Возрождения, позволило процветать светской музыке.

Вокальная музыка, которая преобладала в эпоху Ренессанса, постепенно вытеснялась инструментальной музыкой. Понимание, что музыкальные инструменты должны объединяться неким стандартным образом, привело к возникновению первых оркестров.

Один из самых важных типов инструментальной музыки, который появился в эпоху Барокко был концерт. Изначально концерт появился в церковной музыке в конце эпохи Возрождения и, вероятно, это слово имело значение «контрастировать» или «бороться», но в эпоху Барокко он утвердил свои позиции и стал самым важным типом инструментальной музыки.

Двумя из самых великих композиторов концертов того времени были Корелли и Вивальди, их творчесво пришлось на конец эпохи Барокко и они установили и упрочили концерт как способ продемонстрировать всё мастерство солиста. 

В начале эпохи  Барокко, приблизительно в 1600 году, в Италии композиторами Кавальери и Монтеверди были написаны первые оперы,  сразу получившие признание и вошедшие в моду. Основой для первых опер были сюжеты древнегреческой и римской мифологии.

Будучи драматической художественной формой, опера поощряла композиторов воплощать новые способы иллюстрировать эмоции и чувства в музыке, фактически, воздействие на эмоции слушателя стало главной целью в произведениях этого периода.

Опера распространилась во Франции и Англии благодаря великим работам композиторов Рамо, Генделя и Перселла. В Англии была также развита оратория, которая отличается от оперы отсутствием сценического действия, оратории часто основаны на религиозных текстах и историях. «Мессия» Генделя — показательный пример оратории.

В Германии опера не завоевала такой популярности, как в других странах, немецкие композиторы продолжали писать музыку для церкви.

Иоганн Себастьян Бах, величайший гений в истории музыки, жил и творил в эпоху Барокко. Его подход к музыке открыл безграничные возможности создания произведений.

  • Основным инструментом той эпохи был клавесин — предшественник фортепиано.
  • Многие важные формы классической музыки берут свои истоки в эпохе Барокко — концерт, соната, опера.
  • Барокко была эпохой, когда идеи о том, какой должна быть музыка, обрели свою форму, эти музыкальные формы не потеряли актуальности и на сегодняшний день.
  • Великие работы эпохи Барокко:
  • Гендель «Музыка на воде» Бах «Бранденбургские концерты и Кантаты» Вивальди «Четыре Сезона» Пёрселл «Дидона и Эней»
  • Монтеверди «Орфей»
  • Смотреть обязательно: Список композиторов раннего барокко
  • Список композиторов среднего барокко  
  • Список композиторов позднего барокко

Источник: https://www.olofmp3.ru/index.php/Muzyka-Barokko.html

Стиль в музыке | Введенская сторона

БАРОККО

Стиль и эпоха – два взаимосвязанных понятия. Каждый стиль неразрывно связан с той историко-культурной атмосферой, в которой он формировался. Важнейшие стилевые направления появлялись, существовали и исчезали в исторической последовательности. В каждом из них ярко проявлялись общие художественно-образные принципы, средства выразительности, творческие методы.
В ближайших номерах мы расскажем вам о проявлении в музыке стилей барокко, классицизма, романтизма, импрессионизма.

Эпоха барокко – один из наиболее интересных периодов в истории мировой культуры. Она поражает своим драматизмом, интенсивностью, динамикой, контрастностью и в то же время гармонией, цельностью, единством. Термин БАРОККО означает «вычурный», «осложненный», «замысловатый», «беспокойный».

Этот стиль появился в конце 16 столетия как результат развития идей Ренессанса и продолжил свое существование до середины 18 века. С одной стороны стиль барокко был связан с дворянско-церковной культурой и был призван прославлять могущество знати и церкви, поэтому он тяготел к парадной торжественности, нарядности, сложности и избыточности. С другой стороны – перед нами сложный душевный мир человека, который переживает разнообразные драматические события, отличающийся повышенной эмоциональностью, иррациональностью, яркой контрастностью. Это было время беспощадных войн в Европе, изменивших уклад жизни целых городов и народов, оно нашло отражение в новом стиле.

Родина барокко – Италия, но его течение оказалось таким мощным, что захватило всю Европу и докатилось до самой России. Самым ярким его проявлением на русской земле стало строительство Петербурга. Этот стиль проник во все области деятельности человека: живопись, архитектура, скульптура, музыка, одежда, мебель, прически, украшения….

Эпоха барокко подарила миру таких живописцев как Караваджо, Питер Пауль Рубенс, Эль Греко, Франческо Сурбаран, Хосе Рибера, Диего Веласкез, Рембрандт, НиколаПуссен, Жорж де Латур, Франс Хальс, Ян Вермейер. Перечисленные имена не требует комментариев.

Архитектура этого стиля выделяется мощным пространственным размахом, преувеличенной пышностью декора: лепные украшения, росписи плафонов, развевающиеся одежды и театрально – эффектные позы статуй. Мастер эпохи барокко мыслит и как скульптор, и как архитектор, и как декоратор одновременно. (Лоренцо Бернини)

Произведения литературы этого периода отличались сложностью формы и трудностью для понимания. Широко использовались символы и аллегории. Поэты барокко уделяли большое внимание графической форме стиха, создавая «фигурные» стихотворения, строки которых образовывали рисунок сердца, звезды. В одном и том же сочинении контрастно сочетались непосредственное описание событий и их аллегорическое изображение.

Особого внимания заслуживает музыкальное искусство эпохи барокко. Яркие признаки этого стиля проявились в тех жанрах, где музыка переплеталась с другими видами искусства. Барокко было отмечено развитием оперы – в театре, кантат и ораторий – в церкви, а также разнообразных форм концертной музыки, начиная с камерной для одного или двух инструментов и заканчивая оркестровыми произведениями. Черты преувеличенности, избыточности появились в хоровых сочинениях венецианских и нидерландских композиторов конца 16 века. В опере 17 века вокальным партиям были свойственны многочисленные колоратурные украшения. В Италии быстро развивались жанры инструментальной и оркестровой музыки. Одной из причин этого было высокое качество струнных инструментов. В 18 веке самым популярным жанром оказался концерт. Этим словом тогда называли оркестровое произведение, которое содержало некоторый элемент соревнования, то есть контраста. Затем сформировался жанр большого концерта или Кончерто гроссо, его разработали итальянские композиторы.
Высшим выражением стиля барокко считают музыку И.С.Баха и его современников Г.Ф.Генделя, А.Вивальди.

Клавирные сочинения Баха отличаются энергичным, сдержанным и уравновешенным эмоциональным строем, богатством и разнообразием фактуры, интонационной насыщенностью. Он работал во всех жанрах кроме оперы, но центральное место в его творчестве занимает органная музыка. Орган был любимым инструментом композитора. Он поражал слушателей не только мощным звучанием, но и колоссальными размерами, богатым декоративным убранством. Знаменитые произведения Баха: «Токката и фуга» ре минор, «Пассакалия» до минор – значительны и глубоки по содержанию. А «Месса» си минор и «Страсти» – далеко вышли за рамки церковной службы. Это монументальные произведения концертного характера. В них участвуют солисты, хор, оркестр, орган.

Грандиозные оратории Генделя удивляют мощью хорового и оркестрового звучания, а его блестящие праздничные органные концерты являются музыкальной аналогией нарядной пышности скульптур. Поистине царское великолепие музыки, написанной к торжественным событиям, мы слышим в его сюитах «Музыка на воде» и «Музыка для королевских фейерверков».
Концерты Вивальди (а их почти 500) стали новой вехой в истории оркестровой музыки. Это подлинные диалоги между солирующими инструментами и оркестром, в них звучит гордый, величественный пафос.

Барокко – чарующая эпоха европейского искусства, чрезвычайно насыщенная и полнокровная. Четыре столетия она живёт в нашем сознании и не устаревает.

 Лариса Путинцева.

Искусство барокко

Искусство барокко стало художественным отражением противоречий раннебуржуазного периода европейской культуры. Подчеркивая сложную атмосферу времени, барокко соединило в себе, казалось бы, несоединимые элементы. Основные черты барокко отразили его дуализм. Черты мистики, фантастичности, повышенной экспресии, декоративность удивительно уживаются в нем с трезвостью и рассудочностью, с истинно бюргерской деловитостью. Стиль барокко легко узнается в очертаниях архитектурных сооружений, в изысканной вычурности линий в скульптуре и живописи, в пышности, декоративности, аллегоричности фасадов и интерьеров зданий, в напыщенности языка прозы и поэзии. Совмещая иллюзорное и реальное, барокко является в целом стилем, который отражал преимущественно систему ценностей, идеалов и вкусов дворянства, в первую очередь той его части, которая сохраняла еще известные прогрессивные тенденции. Поэтому этот стиль развивался прежде всего в тех странах, где сохраняли свои позиции феодальные отношения и католическая церковь. Церковное искусство, собственно и было типичным «барокко» в узком смысле этого термина. Зародившись на рубеже XVI-XVII вв. в Италии, барокко распространяется затем в Испании, Португалии, Фландрии, а позднее в Австрии, Англии, Германии, Скандинавии, Новом Свете и России. Динамизм барочной скульптуры, противостоящей спокойствию и мощи скульптуры Ренессанса, вызывает чувство восхищения своей легкостью. Для искусства барокко важно было не столько тело как таковое, сколько его движение. Если у скульпторов классической Греции и у художников Возрождения боги, пусть идеализированные, изображались как люди, то у мастеров барокко боги оставались богами («Аполлон и Дафна», «Экстаз св. Терезы» Л. Бернини). В архитектуре барокко сохранялась масштабность и гармоничность сооружений, характерных для искусства Возрождения, но в то же время мастера барокко порывают со многими художественными традициями Ренессанса, с его гармоничностью и уравновешенными объемами. Более пышным становится архитектурный декор, усиливается пластическая выразительность. В парадных интерьерах архитектура сливается с многоцветной скульптурой, лепкой, резьбой; зеркала и росписи иллюзорно расширяют пространство, а плафонная живопись создает иллюзию разверзшихся сводов. Фасады зданий приобретают роскошную, причудливую пластику. Барокко тяготеет к ансамблю, к организации пространства: городские площади, дворцы, лестницы, фонтаны, парковые террасы, бассейны, городские и загородные резиденции строятся на принципе синтеза архитектуры и скульптуры, подчиняясь общему декоративному оформлению и архитектурному замыслу, придавая им пышный, парадный и изысканный вид. Таковы ансамбли Верхний Бельведер в Вене, лестницы на пл. Испании в Риме. В живописи преобладают виртуозные, декоративные композиции на религиозные, мифологические или аллегорические сюжеты и парадные портреты. Натюрморт и пейзаж, как самостоятельные жанры, равно как и жанр анималистический, дополняют картину развития изобразительных искусств эпохи. Барокко предпочитает живописное пятно, массу, светотеневые контрасты, с помощью которых и создается форма. Барочный стиль нарушает принципы линейной перспективы, разработке которого отдали столько сил и энергии художники раннего Возрождения, чтобы усилить глубинность, иллюзию ухода в бесконечность. Идеализация образов, безудержные гиперболы сочетаются в живописи барокко с бурной динамикой, оптическими эффектами, реальность — с фантазией, религиозная страсть — с подчеркнутой чувственностью. В Италии творили братья Карраччи, Л. Бернини, А. Маньяско, Дж. Б. Тьеполо, М. Караваджо, в Испании расцвет живописи барокко связан с именами Эль Греко и Б. Мурильо, некоторые черты барокко проступали в реалистической живописи X. де Риберы и Ф.Сурбарана. Во Фландрии рожденное революцией миропонимание внесло реалистические начала в творчество П. П. Рубенса, А. ван Дейка, Я. Йорданса. В Голландии реализм проступал сквозь барокко в творчестве Ф. Хальса, Рембрандта. В литературе искусство барокко вдохновлялось идеей разума, продолжая в этом направлении ренессансные традиции, но оно уже не верило в силу, в закономерность прогресса. Человек — песчинка в вихре истории, его жизнь полна трагических случайностей. Такова ведущая нить, в частности испанской барочной литературы, нашедшая выражение в лирике Л. Гонгоры, пьесах П. Кальдерона, итальянца Дж. Марино. Барочная литература построена на контрасте. Появляются реалистические произведения, описывающие новый «мир денег» («Буржуазный роман» А. Фюретьера). Получает развитие жанр литературной сказки (Ш. Перро). Возрождается басня (Ж. де Лафонтен).

В музыке барокко гораздо рельефнее и непосредственнее, чем в других видах искусства, сказывалось переплетение различных по своим истокам идейно-художественных принципов. Этот стиль в музыке отличается, с одной стороны, стремлением к глубокому отображению внутреннего мира человека, к драматизму и синтезу искусств (опера, оратория, кантата), с другой — к освобождению от союза со словом (развитие инструментальных жанров). В русле барокко зародился оперный жанр. Как и в литературе, барочный стиль в музыке отличается своей манерностью, «капризностью», витиеватостью (А. Вивальди). Он особенно ярко проявился в итальянской музыке (Дж. Габриели, М. А. Чести, Дж. Фрескобальди).

Время барокко — время взаимодействия различных видов искусства, когда «поэзия понималась как говорящая живопись, а живопись как немая поэзия». Это было время театрализованных церемоний, высокопарных од, витиеватых речей, аллегорий и гипербол, эмблем и метафор. Во всем жило иносказание.

Осознание несовершенства действительности, стремление противопоставить ей идеальный образ мира, соответствующий современным представлениям о разумном мироустройстве, вызвали к жизни рождение второй стилевой системы — классицизма.

 

 

 

 

 

Музыкальная культура барокко эстетика, художественные образы, жанры, музыкальный стиль, композиторы

Автор adminВремя чтения 38 мин.Просмотры 10Опубликовано

  1. Барокко в музыке: особенности стиля, композиторы
  2. Опера эпохи барокко
  3. Инструментальная музыка эпохи барокко
  4. Георг Фридрих Гендель
  5. Оратория “Самсон”
  6. Иоганн Себастьян Бах
  7. Органное творчество Баха
  8. Музыкальная культура барокко: эстетика, художественные образы, жанры, музыкальный стиль, композиторы, Музыкальный класс
  9. Музыкальная культура барокко
  10. Музыкальная культура эпохи барокко (XVII – первая половина XVIII века). Жанры церковной и светской музыки в творчестве И. С. Баха и его современников
  11. Музыка Барокко
  12. Музыка Барокко
  13. Сообщение о барокко: эпоха, стиль, музыка, архитектура, живопись
  14. Культурное барокковое направление
  15. Барокковая архитектура – взрыв эмоций
  16. Барокковые литература и живопись
  17. Барокковая музыка – красоты много не бывает

Барокко в музыке: особенности стиля, композиторы

Музыкальное искусство Западной Европы особенно активно начало развиваться в XI веке в связи с изобретением нотной письменности.

Запись нотного текста, а не заучивание музыкальных произведений наизусть позволило композиторам оставлять свои имена в истории.

И все же потребовалось некоторое время, чтобы в истории появились по-настоящему гениальные композиторы, музыка которых не потеряла актуальности и до сих пор. Одним из таких ярких рассветов в музыкальном искусстве стала эпоха барокко.

Вообще, слово “барокко” в переводе с итальянского означает “причудливый”, “странный”.

Как художественное направление барокко было распространено во всех видах искусства – живописи, архитектуре, скульптуре, литературе и, конечно, в музыке XVII-XVIII веков.

Для этого художественного направления было характерно наличие большого количества украшений, которые порой буквально не давали разглядеть смысл.

Музыка – тот вид искусства, который “пострадал” от украшений и перегруженности ими меньше всего, и все же они имели место быть, это было особенностью музыки барокко: всевозможные трели, мелизмы и прочие мелодические украшения. Музыка узнаваема, например, яркие концерты Антонио Вивальди – “Времена года”.

Одним из показателей стиля барокко был поиск нового в музыке. Еще не был сформирован полноценный оркестр, исканиями композиторов были сочетания самых различных тембров.

Еще не были установлены правила и нормы гармонии (это заслуга более позднего периода – венского классицизма).

Еще не были созданы и отточены известные ныне жанры, для некоторых из них эпоха барокко стала зарей существования. Какие же появились в музыке барокко жанры?

Опера эпохи барокко

Одним из таких появившихся в эпоху барокко жанров стала опера. Изначально опера планировалась как возрождение античной трагедии. Инициатором создания стали музыканты, входившие во Флорентийскую камерату. Одним из самых известных представителей камераты стал Якопо Пери, написавший первую дошедшую до нас оперу “Эвридика”. Как возрождение трагедии она написана на античный сюжет.

В результате развития оперы в Италии начали возникать различные школы, наиболее яркими из них были римская, флорентийская и неаполитанская, в последней родилось удивительно красивое искусство пения bel canto, которое и по сей день считается эталоном вокального исполнения в музыке.

К сожалению, красота пения и виртуозность арий приобрели большую популярность, чем драма в опере, зрители шли насладиться музыкой, но не понять смысл и драматургию. Это стало одной из самых больших проблем итальянской оперы, которая, к слову, называла “серьезной” (opera-seria).

Единственный композитор, которому удалось преодолеть данную проблему, – Клаудио Монтеверди. Его оперы сочетали в себе традиции всех трех итальянских школ, он внес в оперу реализм, опередив свое время. К сожалению, молодой жанр еще не был готов к реализму. Впереди оперу ждал довольно долгий путь развития.

Инструментальная музыка эпохи барокко

Инструментальные ансамбли эпохи барокко отличаются своим разнообразием. Каких-либо норм по сочетанию тембров еще не было выявлено. К тому же еще далеко не все музыкальные инструменты приобрели современный вид, а некоторые и вовсе не существовали. Совершенствовались и навыки игры на них – настолько, что многие инструменты приобрели значение концертных.

Одним из значимых инструментов эпохи был орган. В Западной Европе он был тесно связан с религией – католическая церковь использует этот музыкальный инструмент во время служб.

В эпоху барокко исполнение на этом инструменте приобретает концертный характер. Появляются выдающиеся исполнители, которых люди просто приходят послушать. Особенно это было выражено в Германии – там сформировалось 2 противоположных школы органной игры: северная и южная.

Южная школа опиралась на традиции полифонии строго стиля, известным представителем школы был Пахельбель. Полифония была особым показателем стиля барокко в музыке. В более поздние эпохи она не будет выражена столь ярко.

Северная же отличалась куда большей свободой и виртуозностью исполнения, известных представителей было больше: Букстехуде, Рейнкин, Бем.

Как ни странно, еще одним музыкальным инструментом, вышедшим на концертный уровень, стал клавесин. Возможности этого музыкального инструмента были ограничены: инструмент, ставший предшественником фортепиано, имел иное устройство.

Струны при нажатии клавиш защипывались специальными крючками, звук быстро затухал. Было невозможно добиться долгого звучания звуков.

При этом из инструмента нельзя было извлечь звуки различной громкости, что не давало разнообразить музыку динамическими оттенками.

На развитие исполнительских навыков повлияла доступность инструмента и возможность поставить его дома (что, например, не было возможным в случае с органом). Школы игры на этом инструменте возникают в разных странах – в Англии, во Франции (яркими представителями этой страны были Франсуа Куперен и Жан-Филипп Рамо).

Как звучал данный инструмент, можно услышать в исполнении концерта для клавесина с оркестром Иоганна Себастьяна Баха.

Значительными достижения были и в скрипичной и ансамблевой музыке эпохи барокко. Скрипка приобрела свой внешний облик лишь в XVI веке. За столетие инструмент достиг невиданной популярности. С одной стороны, скрипка и подобные струнно-смычковые инструменты обладали удивительными ансамблевыми свойствами, гармонично сочетаясь друг с другом.

При этом сочетания тембров были порой очень интересными, в ансамблевой музыке был популярен жанр concerto grosso – “большой концерт”. Ярким представителем эпохи барокко, писавшим в этом жанре, был Арканджело Корелли. Концерт – соревновательный жанр, в “большом концерте” группы инструментов соревновались между собой.

Арканджело Корелли, Рождественский концерт

С другой стороны, инструмент обладал и широкими сольными возможностями. Выдающийся композитор в музыке Барокко – Антонио Вивальди – именно для этого инструмента написал “Времена года”. Вивальди стал создателем сольного инструментального концерта.

Антонио Вивальди и Арканджело Корелли

Самыми известными представителями эпохи Барокко стали Иоганн Себастьян Бах и Георг Фридрих Гендель.

Георг Фридрих Гендель

1685-1759

Один из выдающихся композиторов в музыке барокко.

Родился в Германии, но в связи с трудностями в экономическом развитии страны и непростым положением музыканта (в те далекие времена музыканты считались ремесленниками, не существовало деления между исполнителями и композиторами, любой музыкант должен был уметь и сочинить произведение, и импровизировать, а уважением профессия не пользовалась) Гендель покинул родину и отправился в Англию. Много работал в жанре opera-seria, но неудачи, связанные с недостатками самого жанра, заставили композитора обратиться к иному крупному вокальному жанру – оратории.

В результате композитор написал несколько выдающихся ораторий, одной из который стала оратория “Самсон”.

Оратория “Самсон”

Одно из выдающихся произведений Генделя. Именно оратория, не опера смогла воплотить все идеи композитора. Но всю жизнь композитор работал в жанре оперы, и ее влияние также заметно в оратории.

Острота конфликта между Самсоном и Далилой, индивидуальная музыкальная характеристика персонажей не типична для жанра.

К тому же в “Самсоне” слишком много действующих лиц для оратории, в основном в этом жанре место уделялось хорам.

Иоганн Себастьян Бах

1685-1750

Выдающийся немецкий композитор эпохи барокко. В отличие от Генделя, Бах всю жизнь прожил в Германии. Иоганн Себастьян был также выдающимся органистом, клавесинистом, педагогом. За свою жизнь композитор написал огромное количество произведений, творил во всех жанрах, кроме оперы.

Органное творчество Баха

Иоганн Себастьян Бах был выдающимся органистом. В органном творчестве появилось первое циклическое произведение композитора, получившее название “Малый цикл Баха”.

В этом цикле композитор объединил особенности и северной, и южной органных школ Германии. Цикл включает в себя 2 произведения: первое – импровизационного характера (токката, фантазия или прелюдия), второе – полифоническое (фуга).

Одно из самых известных таких произведений – токката и фуга ре минор.

Когда Бах служил в Кетене, у него не было возможности заниматься на органе. В этот период внимание композитора переключилось на клавесин. Он перенес свой “малый цикл” на этот инструмент. При этом композитор в клавирном творчестве утвердил равномерно-темперированный строй в двух томах Хорошо темперированного клавира.

Иоганн Себастьян Бах. Хорошо темперированный клавир. Том 1. Прелюдия и фуга соль минор.

В вокально-инструментальном творчестве Бах также был новатором. Во всех своих произведениях композитор доказывал, что музыка – философский вид искусства, что она способна нести вечные ценности и отвечать на глобальные вопросы. Как и Гендель, Бах обращался к жанру оратории, создав свое произведение “Страсти по Матфею”.

Одним из самых крупных его произведений стала высокая месса си минор, в которой композитор показал вечную борьбу добра и зла.

Уделим внимание некоторым интересным фактам из истории:

  • Вивальди был священником, но при этом он не очень любил это занятие. Он мог позволить себе прервать службу, однажды он покинул мессу, чтобы записать тему фуги. Из-за этого у него возникли серьезные проблемы с католической церковью.
  • Бах был выдающимся органистом, ему приходилось много работать в церкви. И у него также было немало проблем с начальством, например, музыканта обвиняли в том, он играл лишние звуки, приглашал в церковь девушек.
  • Однажды Бах, не имея денег на поездку в Любек, отправился туда пешком, чтобы послушать концерты Букстехуде.
  • Бах писал не только глубоко философские музыкальные произведения. Одна из его кантат посвящена замечательному напитку – кофе.
  • Когда Баха спросили, как у него получается так хорошо играть, он ответил, что просто нажимает на нужную клавишу в нужный момент.
  • Выдающийся композитор Иоганн Себастьян не был признан как композитор при жизни. “Открыл” его творчество заново Феликс Мендельсон почти через столетие.
  • Любимым композитором Баха был Вивальди. Изучив его творчество, композитор создал не один концерт.
  • Гендель, будучи немецким композитором, большую часть жизни писал итальянские оперы, еще более любопытно, что делал он это в Англии…

Музыкальная культура барокко: эстетика, художественные образы, жанры, музыкальный стиль, композиторы, Музыкальный класс

Знаете ли вы, что эпоху, подарившую нам Баха и Генделя, называли «причудливой»? Причём называли далеко не в положительном контексте. «Жемчужина неправильной (причудливой) формы» – таково одно из значений термина «барокко». Ещё бы новая культура была неправильной с точки зрения идеалов Возрождения: на смену гармонии, простоте и ясности пришли дисгармония, сложные образы и формы.

Музыкальная культура барокко сводила прекрасное и безобразное, трагедию и комедию. «В тренде» были «неправильные красоты», сменившие естественность Ренессанса. Мир уже не представлялся целостным, но воспринимался как мир контрастов и противоречий, как мир, полный трагедии и драматизма. Впрочем, этому есть историческое объяснение.

Эпоха барокко охватывает около 150 лет: с 1600-го по 1750-е годы. Это время великих географических открытий (вспомним открытие Америки Колумбом и кругосветное плавание Магеллана), время гениальных научных открытий Галилея, Коперника и Ньютона, время ужасных войн в Европе. Гармония мира рушилась на глазах, равно как и менялась сама картина Вселенной, менялись понятия времени и пространства.

Новая мода на вычурность рождала новые формы и жанры. Передать сложный мир человеческих переживаний смогла опера , главным образом через яркие эмоциональные арии.

Отцом первой оперы считают Якопо Пери (опера «Эвридика»), но именно как жанр опера оформилась в творениях Клаудио Монтеверди («Орфей»). Среди самых громких имён оперного жанра барокко также известны: А. Скарлатти (опера «Нерон, ставший Цезарем»), Г.Ф. Телеман («Марио»), Г.

Пёрселл («Дидона и Эней»), Ж.-Б.Люлли («Армида»), Г. Ф. Гендель («Юлий Цезарь»), Дж. Б. Перголези («Служанка-госпожа»), А. Вивальди («Фарнак»).

Почти как опера, только без декораций и костюмов, с религиозным сюжетом, оратория заняла важное место в иерархии жанров барокко. Такой высокий духовный жанр как оратория также передавал глубину человеческих эмоций. Самые известные барочные оратории написаны Г.Ф. Генделем («Мессия»).

Из жанров духовной музыки популярными были также духовные кантаты и пассионы (пассионы – это «страсти»; возможно не к слову, но на всякий случай всё помянем один однокоренной музыкальный термин – аппассионато, что в переводе на русский значит «страстно»). Здесь пальма первенства принадлежит И. С. Баху («Страсти по Матфею»).

Еще один крупный жанр эпохи – концерт . Острая игра контрастов, соперничество солиста и оркестра ( сольный концерт ), либо разных групп оркестра между собой (жанр concerto grosso )– хорошо перекликались с эстетикой барокко. Здесь правили маэстро А. Вивальди («Времена года»), И.С. Бах «Браденбургские концерты»), Г. Ф. Гендель и А. Корелли (Concerto grosso).

Контрастный принцип чередования разнохарактерных частей получил развитие не только в жанре концерта. Он лёг в основу сонаты (Д. Скарлатти), сюиты и партиты (И. С. Бах). Нужно заметить, что этот принцип существовал и раннее, но только в эпоху барокко он перестал быть случайным и обрёл упорядоченность формы.

Один из главных контрастов музыкальной культуры барокко – это хаос и порядок как символы времени. Случайность жизни и смерти, неуправляемость рока и вместе с тем – торжество «рацио», порядок во всём.

Этуантиномию ярче всего передал музыкальный жанр прелюдии ( токкаты, фантазии ) и фуги . И.С.

Бах создал непревзойденные шедевры в этом жанре (прелюдии и фуги «Хорошо темперированного клавира», Токката и фуга ре-минор).

Как следует из нашего обзора, контрастность барокко проявилась даже в масштабности жанров. Наряду с объёмными композициями создавались и лаконичные опусы.

Эпоха барокко внесла свою лепту в развитие нового стиля письма. На музыкальную арену выходит гомофония с её разделением на главный голос и сопровождающие.

В частности, популярность гомофонии связана и с тем, что церковь предъявляла особые требования к написанию духовных композиций: все слова должны быть разборчивы. Так вокал выходил на первый план, обрастая к тому же многочисленными музыкальными украшениями. Барочная склонность к вычурности проявилась и здесь.

Богатой на украшения была и инструментальная музыка. В связи с этим распространена была импровизация : открытый эрой барокко остинатный (то есть повторяющийся, неизменный) бас давал простор для фантазии на заданный гармонический ряд. В вокальной же музыке длинные каденции и цепочки форшлагов и трелей часто украшали оперные арии.

В то же время процветала и полифония , но уже совсем в другом русле. Полифония барокко – это полифония свободного стиля, развитие контрапункта.

Важным шагом в развитии музыкального языка стало принятие темперированного строя и становление тональности. Чётко определились два главных лада – мажор и минор.

Поскольку музыка эпохи барокко служила выражению страстей человеческих, цели композиции пересматривались. Теперь каждое сочинение связывалось с аффектом, то есть с определённым состоянием души. Теория аффектов не нова, она восходит истоками к античности. Но в эру барокко она получила широкое распространение.

Гнев, печаль, ликование, любовь, смирение – эти аффекты связывались с музыкальным языком композиций. Так, совершенный аффект радости и веселья выражался использованием в письме терций, кварт и квинт, беглого темпа и трёхдольного размера. Напротив, аффект печали достигался включением диссонансов, хроматики и медленного темпа.

Существовала даже аффектная характеристика тональностей, в которой суровый ми-бемоль мажор на пару со сварливым ми-мажором противостоял жалобному ля-минору и нежному соль-мажору.

Музыкальная культура барокко оказала огромное влияние на развитие последующей эпохи классицизма. И не только этой эпохи.

Даже сейчас слышны отголоски барокко в жанрах оперы и концерта, популярных по сей день.

Цитаты баховской музыки появляются в соло тяжёлого рока, эстрадные песни в большинстве своём строятся на барочной «золотой секвенции», а джаз в какой-то мере перенял искусство импровизации.

И уже никто не считает барокко «странным» стилем, но восхищается его поистине драгоценными жемчужинами. Пусть и причудливой формы.

Музыкальная культура барокко

                                                   Музыкальная культура барокко

Мир музыкальной культуры XVII—XVIII вв. чрезвычайно сложен и разнообразен. Его невозможно свести к какому-то од­ному стилю или нескольким лаконичным определениям и фор­мулировкам. Вот почему, рассказывая о музыке барокко, мы лишь наметим общую картину её развития.

Музыкальная культура барокко существенно отличалась от музыки Возрождения. В ней царило ощущение неизбежности перемен и дух новаторства. Один из меломанов начала XVII в. с возмущением писал:

«Музыкантам хочется изобретать нечто новое. И вот новое искусство докатилось до безудержной распущенности. От­клонившись от путей, намеченных нашими отцами, моло­дые композиторы создают искажённые произведения, в ко­торых нет никаких достоинств, кроме новизны…»

Действительно, музыка, как ни одно другое искусство, ощу­тила на себе напряжённый, тревожный и неустойчивый дух своего времени.

На смену плавной гармонии, уравновешенности и оптимизму Возрождения пришли трагическое мироощуще­ние, пристальное внимание композиторов к чувствам и эмоциям человека. Для выражения подобных чувств музыке были необ­ходимы новые специфические средства и формы.

И они были блестяще найдены. На смену хоровой полифонии Возрождения приходит мелодичное одноголосие, способное передать малей­шие волнения человеческой души.

Музыка барокко носит преимущественно светский характер, в ней в большей степени проявляются демократические тенден­ции эпохи; всевозможные украшения (мелизмы) делают её наибо­лее яркой и декоративной, что соответствует барочной эстетике.

Неустойчивые диссонирующие созвучия, неожиданные перехо­ды, контрасты и противопоставления, мелодии, томительно длящиеся во времени, быстрые, технически трудные, виртуоз­ные пассажи в пении, одновременное звучание множества инстру­ментов, использование танцевальных ритмов — всё это определя­ло суть барочной музыки.

Новый музыкальный стиль проникает и в церковную музы­ку (в органные мессы Фрескобальди, Баха, оратории Генделя). Но ярче всего он проявился в опере, ведущем жанре музыки ба­рокко.

                                     «Взволнованный стиль» барокко в итальянской опере

Опера явилась одним из главных достижений музыкального искусства барокко. Будучи новым синтетическим жанром, она была призвана воплотить идеалы «нового стиля». Появление этого жанра было тщательно подготовлено в художественной ат­мосфере Возрождения. (На страницах учебника для 10 класса мы рассказывали о знаменитой Флорентийской камерате и о рож­дении оперы.)

В XVII в. оперное искусство быстро развивается и достигает расцвета в крупнейших городах Италии.

Там возникают своеоб­разные оперные школы, лучшие черты которых успешно соеди­нил в своём творчестве Клаудио Монтеверди (1567—1643) — первый оперный композитор барокко и блестящий реформатор этого жанра (к сожалению, из оперного наследия композито­ра до нас дошло очень немногое).

Он успешно продолжил дело, начатое участниками Флорентийской камераты, но в собст­венном творчестве пошёл гораздо дальше своих предшественни­ков. Монтеверди углубил содержательный смысл оперы, рас­ширил выразительные средства и формы вокальных и оркест­ровых партий, ввёл в неё увертюру и дуэт.

Но главным его новшеством стал созданный им «взволнованный стиль» (соncitatо), передающий драматизм и напряжённость действия, глу­бину страстных человеческих чувств и переживаний. В отли­чие от предшественников, он развил драматическую сущность нового жанра, создал мелодию, сочетающую в себе речевые интонации, декламацию и вокал. Он обогатил оперу полифо­нической традицией, а средствами музыки показал многообра­зие и противоречивость человеческих характеров.

Композитор считал, что музыка долж­на не столько развлекать слушателя, сколько передавать богатство внутренне­го мира человека, заставлять его думать, переживать, искать ответы на сложные жизненные вопросы. Подвижная, измен­чивая мелодия его опер могла растрогать и взволновать до глубины души, поверг­нуть в смятение, заставить ужаснуться или вызвать восторг.

Сюжеты его опер включали интриги, заговоры, измены, покушения; непремен­ным условием, передающим напряжён­ность развития действия, была смерть героев.

Он создал новый тип арии — «жалобную песнь», прекрасным приме­ром которой является «Плач Ариадны» из оперы «Ариадна». Важнейшим за­воеванием композитора стала детальная разработка оркестровки, введение новых технических приёмов для большей выразительности.

Монтеверди использовал ан­самбль инструментов. Если в первой опере «Эвридике» их было всего семь, то в последней — 70!

Лучшие оперы Монтеверди — «Орфей» (1607), «Коронация Поппеи» (1642), созданные на мифологические и исторические темы, — отличаются богатством и занимательностью сюжета.

В судьбах героев происходят неожиданные события и перемены, а потому музыка изобилует контрастными, резкими перехо­дами, полными суровой драматической силы и нежного лириз­ма. Звучание разнообразных музыкальных инструментов жи­вописно оттеняет психологическое состояние каждого из дейст­вующих лиц, выявляет их моральные качества.

Оркестровая музыка не только сопровождает певческий голос, гибко следуя за поэтическим словом, она сама становится полноправным уча­стником событий.

В 1637 г. в Венеции по инициативе Монтеверди был открыт первый в мире публичный оперный театр, через несколько лет подобные театры от­крываются в Лондоне, Гамбурге, Париже, Праге и Вене.

Оперное искусство повсеместно завоёвы­вает сердца слушателей. Творчество К. Монтевер­ди оказало огромное влияние на оперные произве­дения Дж. Фрескобальди (1583—1643), А. Скар­латти (1660—1725) и Дж. Б.

Перголези (1710— 1736).

Характерные черты «взволнованного стиля» К.

Монтеверди нашли отражение в творчестве и исполнительской манере выдающихся мастеров барочного концерта, и прежде всего Антонио Вивальди (1678— 1741) — автора 465 (!) концертов и 40 опер, блестящего скрипача-виртуоза, поражавшего публику полной неожиданностей и контрастов манерой исполнения. В основе созданного им боль­шого концерта (соnсегtо grosso)  лежало противопоставление од­ного или группы солирующих музыкальных инструментов все­му оркестру.

В историю музыкальной культуры А. Вивальди вошёл и как выдающийся композитор программной музыки, воссоздающей реальные звуковые картины из жизни природы. В своём наи­более известном сочинении «Времена года» (1725) он сумел мастерски передать весеннее радостное обновление природы и жаркий летний зной, её пышное осеннее увядание и зимнюю стужу.

                                         Расцвет свободной полифонии в творчестве Баха 

Творчество Иоганна Себастьяна Баха (1685—1750) яви­лось завершающим этапом музыкальной культуры барокко.

В его произведениях удивительным образом сочетались все лучшие достижения предшествующих эпох: искусство поли­фонии немецких органистов, гомофонный стиль итальянской оперы и французской танцевальной музыки.

Он унаследовал традиции инструментальной му­зыки сопсегЬо §то83о и народно-песенного творче­ства.

Известный русский композитор и музыкаль­ный критик А. Н. Серов писал:

«Если в области музыки есть что-либо, к чему надобно подходить… с любовью в сердце, со страхом и верою, так это именно — творения великого Баха».

Трагическая история Германии (Крестьян­ская и Тридцати летняя войны, Вестфальский мир, окончательно закрепивший раздроблен­ность страны) дала Баху возможность почувство­вать глубокие противоречия своего времени.

Поразительно разнообразно творческое насле­дие Баха, работавшего почти во всех музыкаль­ ных жанрах! В историю мировой музыкальной культуры он во­шёл как непревзойдённый мастер духовной органной музыки.

Глубина философских обобщений, отражение сложного и проти­воречивого земного бытия и божественного мира совершенной гармонии отличают его органные мессы, хоралы, оратории, кан­таты и пассионы («страсти»).

Ещё в XVII в. возникла традиция вокально-хорового испол­нения «страстей» — драматизированных торжественных по­вествований о страданиях и мученической смерти Иисуса Хрис­та.

Одним из величайших творений Баха стали «Страсти по Матфею» (1729) — грандиозное произведение из 78 номеров, исполнявшееся в течение четырёх часов. По замыслу автора, в нём участвовали два четырёхголосных хора с солистами и оркестр из 34 музыкантов.

Нелегко было организовать испол­нение этого монументального произведения при жизни компо­зитора.

Музыка «Страстей…» вызывала самые различные эмоции у слушателей: от строгой, возвышенной скорби до искреннего переживания, раздумья и просветлённого торжества жизни. Сдержанная, скорбная мелодия голоса сопровождалась рыда­ниями скрипки, а партии хоров передавали крики разъярённой толпы, требующей казни Христа.

Строгим ревнителям церкви музыка не понравилась, она пока­залась им слишком оперной и далёкой от религиозной догматики. Лишь в 1829 г., спустя сто лет после её создания, двадцатилетний немецкий композитор Ф. Мендельсон (1809—1847) осуществит её исполнение в Лейпциге.

«Переполненный зал казался храмом, среди присутствую­щих царило торжественное благоговение; только изредка раздавались непроизвольные изъявления глубоко взволно­ванного чувства» (из воспоминаний Ф. Мендельсона).

Одним из величественных творений Баха стала Высокая мес­са (Месса си минор) (1747—1749), созданная в стиле барокко.

Удивительно тонкая и красивая музыка, вклю­чающая арии, вокальные ансамбли и хоры, пере­давала широкий эмоциональный диапазон: от ликования и про­светлённого чувства радости до жалости, скорби и сострадания. Короткие фразы латинских молитв служили лишь поводом для выражения мыслей о противопоставлении жизни и смерти, о торжестве нравственного величия Человека.

Сложность структуры и большой объём не позволяли испол­нить её в церкви во время праздничного дневного богослужения (при жизни Баха она не была исполнена ни разу). Месса состо­яла из 5 крупных частей, включавших 24 номера (15 хоров, 6 арий и 3 дуэта). Между тем грандиозное произведение поража­ло своей цельностью и чёткой продуманностью.

Барочный характер музыки нашёл воплощение в полифони­ческом искусстве Баха, вершиной которого являлись фуги (лат. fuga — бег) — многоголосные произведения, в основе которых лежит одна музыкальная тема, звучащая последовательно в раз­ных голосах.

Происхождение этого слова не случайно: звучащие голоса действительно как будто «догоняют» друг друга и прихо­дят к согласию лишь в конце.

Обойдя все голоса, мелодия начи­нает дробиться на мелкие части, её звучание становится более напряжённым, неустойчивым.

Хорошо известна и оркестровая музыка Баха. Каждый из шести Бранденбургских концертов (1711 —1720), созданных в жанре соnсегtо grosso, имеет свой неповторимый тембровый об­лик.

Клавирные и скрипичные концерты, в которых Бах про­должил традиции А. Вивальди, — это то главное, что создано им в этой области.

В клавирной музыке (klаviег — немецкое назва­ние клавесина, струнного клавишного инструмента) он прокла­дывал новые пути, намечая основные направления в развитии фортепианной музыки.

Сборник фуг и прелюдий «Хо­рошо темперированный клавир» (1722, 1744) — непревзойдённый образец полифонической клавир­ной музыки, учебник и настольная книга для исполнителей многих поколений. Бетховен называл его своей «музыкальной Библией», для Шумана она была «лучшей грамма­тикой».

Среди 48 фуг нет и двух похожих, каждую отличает по­разительное многообразие мелодий и настроений. Связанные между собой, они являются вполне са­мостоятельными произведениями. Бах любил импровизировать за клавесином на темы популярных песен, сочиняя изящные и легкие сюиты, состоящие из немецких (аллеманда), французских (куранта), испанских (сарабанда) и английских (жига) танцев.

Француз­ские и Английские сюиты стали подлинным украшением кон­цертных программ.

Не менее популярной была светская вокально-инструмен­тальная музыка Баха. Около 30 кантат (вокально-инстру­ментальных произведений для солистов хора и оркестра) при­надлежит великому композитору. Каждая из них проникнута весёлыми и жизнерадостными интонациями, во всех чувствуют­ся остроумие и тонкий юмор автора.

В «Крестьянской кантате» (1742) звучат народно-песенные мелодии, передающие стихию народной жизни. Она представляет собой живые зарисовки крестьянского праздника, любовного свидания на лоне природы. «Кофейная кантата» (1732) — это остроумная жанровая сценка, в которой ворчливый отец запрещает дочери пить кофе — мод­ный в то время напиток.

Но изобретательная и находчивая дочь ловко обходит все его запреты.

За свою жизнь Бах создал множество музыкальных шедев­ров. Известно, что в конце жизни великий немецкий компози­тор потерял зрение. Последние сочинения он диктовал своим ученикам…

                                                                         Русская музыка барокко

Музыкальная культура русского барокко успешно развива­лась в течение ста лет, с середины XVII до середины XVIII в. На русскую барочную музыку оказали влияние западноевропей­ские музыкальные традиции, пришедшие к нам через Польшу и Украину. При этом русская музыка барокко сохранила харак­терные черты древнерусского знаменно­го распева, его сурово-сдержанный, ве­личавый стиль.

В основу русской барочной музыки легло торжественное партесное (лат. partes — голоса, т. е. многоголосное) пение, получившее наиболее яркое воплощение в так называемых партес­ных концертах XVII — начала XVIII в. Николай Павлович Дилецкий, глав­ный теоретик партесного стиля пения, автор «Мусикийской грамматики»

Музыкальная культура эпохи барокко (XVII – первая половина XVIII века). Жанры церковной и светской музыки в творчестве И. С. Баха и его современников

Барокко (в переводе с порт.) – жемчужина неправильной формы.

По отношению к искусству это слово первоначально применялось в негативном значении: художникам эпохи классицизма творчество их предшественников казалось причудливым, вычурным, имеющим «неправильные формы» («барокко»).

Однако постепенно понятие «барокко» стало термином, обозначающим европейское искусство 17 – первой половины 18 вв., с присущими ему особыми качествами. Выделяют следующие характеристики искусства эпохи барокко:

1) Пышность, торжественность, величественность

2) Повышенная экспрессия, эмоциональная напряженность, динамизм

3) Сильные контрасты

Названные качества барочного искусства отразили сложность мироощущения эпохи. Потрясенный переворотом в представлении об устройстве мироздания, произведенном Возрождением (Великие географические открытия, гелиоцентрическая система мира Коперника и т. п.

), Человек стал ощущать себя «чем-то средним между всем и ничем» (по выражению Паскаля). Пытаясь найти опору в кажущемся хаотичным мире, он взывает к небесным силам или уповает на земных властителей.

И церковь, и государство (а это расцвет абсолютных монархий) по-своему пытаются внести упорядоченность в устройство жизни.

Для утверждения своего авторитета и духовного могущества и церковь (особенно католическая), и крупнейшие королевские дворы Европы (особенно французский – времен Людовика XIV, австрийский – времен Марии-Терезии) широко использовали искусство – прежде всего, архитектуру и музыку.

Музыканты эпохи барокко не являлись свободными художниками. Они находились на службе – либо церковной, либо светской.

Их творчество было широко востребовано (в каждом храме, в большинстве домов аристократов), но подчинялось определенным канонам.

Наивысшего расцвета музыка барокко достигает в творчестве Баха, который обобщил достижения не только немецкой, но и итальянской, французской, английской школ. (Другие представители этой эпохи – Корелли, Вивальди, Гендель).

Церковная музыка в эпоху барокко была ведущим направлением. Она была представлена произведениями для органа и для хора с оркестром.

В то время именно эти исполнительские составы предоставляли композитору максимум возможностей по мощи и разнообразию звучания.

Кроме того, церковная музыка (в отличие от аристократической светской) была обращена к максимальному количеству слушателей (в церковь ходили все).

Жанры органной музыки – это хоральные прелюдии и малые полифонические циклы.

Музыка Барокко

Эпоха Барокко.

Музыка в период 1600 – 1750 гг.
 

Слово “барокко” пришло из португальского языка и означает “жемчужина неправильной формы”, с итальянского языка это слово переводится как странный, причудливый. Какими бы ни были корни этого слова, именно эпоха барокко считается началом распространения западноевропейской цивилизации.

Эпоха Барокко отвергает естественность, считая её невежеством и дикостью. В то время женщина должна была быть нестественно бледной, с вычурной прической, в тугом корсете и с огромной юбкой, а мужчина – в парике, без усов и бороды, напудрен и надушен. 

В эпоху Барокко произошел взрыв новых стилей и технологий в музыке. Дальнейшее ослабление политического контроля католической церкви в Европе, которое началось в эпоху Возрождения, позволило процветать светской музыке.

Вокальная музыка, которая преобладала в эпоху Ренессанса, постепенно вытеснялась инструментальной музыкой. Понимание, что музыкальные инструменты должны объединяться неким стандартным образом, привело к возникновению первых оркестров.

Один из самых важных типов инструментальной музыки, который появился в эпоху Барокко был концерт. Изначально концерт появился в церковной музыке в конце эпохи Возрождения и, вероятно, это слово имело значение “контрастировать” или “бороться”, но в эпоху Барокко он утвердил свои позиции и стал самым важным типом инструментальной музыки.

Двумя из самых великих композиторов концертов того времени были Корелли и Вивальди, их творчесво пришлось на конец эпохи Барокко и они установили и упрочили концерт как способ продемонстрировать всё мастерство солиста. 

В начале эпохи  Барокко, приблизительно в 1600 году, в Италии композиторами Кавальери и Монтеверди были написаны первые оперы,  сразу получившие признание и вошедшие в моду. Основой для первых опер были сюжеты древнегреческой и римской мифологии.

Будучи драматической художественной формой, опера поощряла композиторов воплощать новые способы иллюстрировать эмоции и чувства в музыке, фактически, воздействие на эмоции слушателя стало главной целью в произведениях этого периода.

Опера распространилась во Франции и Англии благодаря великим работам композиторов Рамо, Генделя и Перселла.
В Англии была также развита оратория, которая отличается от оперы отсутствием сценического действия, оратории часто основаны на религиозных текстах и историях. “Мессия” Генделя – показательный пример оратории.

В Германии опера не завоевала такой популярности, как в других странах, немецкие композиторы продолжали писать музыку для церкви.

Иоганн Себастьян Бах, величайший гений в истории музыки, жил и творил в эпоху Барокко. Его подход к музыке открыл безграничные возможности создания произведений.

Основным инструментом той эпохи был клавесин – предшественник фортепиано.

Многие важные формы классической музыки берут свои истоки в эпохе Барокко – концерт, соната, опера.

Барокко была эпохой, когда идеи о том, какой должна быть музыка, обрели свою форму, эти музыкальные формы не потеряли актуальности и на сегодняшний день.

Великие работы эпохи Барокко:

Гендель “Музыка на воде” Бах “Бранденбургские концерты и Кантаты” Вивальди “Четыре Сезона” Пёрселл “Дидона и Эней”

Монтеверди “Орфей”

Смотреть обязательно:
Список композиторов раннего барокко

Список композиторов среднего барокко
 

Список композиторов позднего барокко

Музыка Барокко

Слово “барокко” происходит от итальянского “barocco”, означающего “причудливый, странный”,  хотя, возможно, “пышный, изобильный” будет лучшим вариантом перевода, более точно отражающим смысл.

Использование этого термина началось в 1860-х годах для описания богато украшенных религиозных и общественных зданий в Италии, Германии и Австрии, построенных в 17-18 веках.

Позднее, в начале 1900-х годов термин “барокко” стал применяться к музыке 17-го и начала 18-го века, и сегодня термин “барокко” указывает на четко определенные типы и жанры музыки, возникшие около 1600 и развивавшиеся примерно до 1750.

Музыка средневековья была довольно примитивной с точки зрения мелодии и гармонии. В эпоху Возрождения и Барокко чувствуются большие изменения.

Итальянские музыкальные школы, в первую очередь, и отдельные композиторы других стран начинают создавать чудесные мелодии и удивительно прекрасные стихи, которые сопровождают друг друга.

Но главным их стремлением было поиск и исследование новых форм: мелодические линии и гармонические прогрессии, комбинации инструментов, новые жанры и формы музыки. Прогресс, начавшийся в конце 16-го века, обрёл устойчивые формы, и в период 1700-1750 – “высокое барокко” можно ясно увидеть его кульминацию.  

 Было два основных географических центра развития музыки.

Один в северной Германии и Голландии, композиторы  Иоганн Фробергер, Иоганн Керль и, особенно, Дитрих Букстехуде концентрировали свои усилия на искусстве контрапункта, главным образом на фуге.

Голос и орган были здесь главными элементами. Другим центром был юг Европы – Италия, здесь формировались инструментальные формы – сонаты и концерт.

Каждый период в музыке имеет свои некие узнаваемые клише, и многое из того, что типично для музыки Барокко – определённые каденции и построение мелодий имеет единое происхождение – Арканджело Корелли, который, кажется, повлиял на всех, начиная со своих современников и студентов до Георга Генделя, который был в Риме с 1704 по 1710.

Из Рима “итальянское влияние” распространилось на север, в то время как строгие немецкие формы текли на юг, смешение производило общий стиль Барокко. Слияние музыкальных тенденций в разных частях Европы было удивительно обширным, учитывая относительно примитивные средства передвижения и связи.

Антонио Вивальди, Франческо Джеминиани, Арканджело Корелли, Алессандро Скарлатти, Георг Гендель и многие другие встречались друг с другом или хорошо знали музыку друг друга. Иоганн Себастьян Бах отправился на север из Тюрингии и Саксонии – южных земель Германии, чтобы услышать Букстехуде,   впоследствии он путешествовал в Дрезден и Берлин.

Он нередко копировал музыку других композиторов, своих современников, обрабатывая её для других инструментов. Это был признанный метод исследования, широко практиковавшийся в эпоху Барокко.   При рассмотрении музыки и композиторов эпохи Барокко или любого другого времени важно учитывать обстоятельства, в которых они работали.

К примеру, Вивальди, хотя и создал много прекрасных концертов (как “Четыре сезона”), но он также написал и много простейших произведений. Это были упражнения для учеников, Вивальди работал большую часть своей творческой жизни в оспедале ( “приют невинных”) – детский дом для многочисленных незаконнорожденных девочек дворян и знати.

Анонимные отцы щедро жертвовали средства на содержание детей и молодые барышни жили в роскошной обстановке и под хорошим присмотром, музыкальные стандарты их обучения были одними из самых высоких в Венеции. Многие из концертов Вивальди фактически были упражнениями, которые он разучивал со своими учениками.

  В эпоху Барокко было необычайно велико влияние церкви и государства на развитие музыки. Ни Италия, ни Германия в то время не существовали в том виде, в каком мы знаем их сегодня. Германия представляла собой сложную массу мелких княжеств, каждое со своим правителем и придворными музыкантами.

Альянсы заключались и распадались, например, в случаях брачного союза княжеских родов образовывались новые временные государства. Судьба многих композиторов и их статус во многом зависел от благосклонности и от отношения к музыке двора, где он служил, и композиторы-музыканты искали места в городах или при дворах, где их музыка обретет известность и будет процветать под покровительством короля или принца.  

 Одним из типичных примеров влияния королевского покровительства и мобильности композитора в эпоху Барокко является творчество Генделя. Георг Фридрих Гендель родился в Галле (Германия) 23 февраля 1685, всего за месяц до рождения Баха.

Отец Генделя намеревался сделать сына юристом, но музыкальные способности Георга возобладали и он начал учиться на музыканта. После учебы в Германии Гендель отправился в Италию, где он провел более трех лет, во Флоренции, Риме, Неаполе и Венеции.

В Риме он учился у Корелли и, несомненно, встречался и обменивался мнениями с рядом других итальянских композиторов. В Италии к нему пришла слава мастера “итальянской оперы”.

Из Италии Гендель уехал в начале 1710 и отправился в Ганновер, где был назначен капельмейстером ганноверского курфюрста Георга I, который был законным наследником английского трона. В 1714, после смерти английской Королевы Анны Георг I стал Королём Англии.

Гендель, который и раньше уже бывал в Лондоне, последовал за своим королём и принял Британское гражданство. Часть его успеха в Лондоне несомненно связана с королевским покровительством. Он активно участвовал как музыкально, так и коммерчески в развитии оперного искусства Великобритании. Позже, в 1730-х  он будет создавать свои оратории, оды и т.д. в традиционном английском стиле. Он один из немногих иностранцев признан в Англии как величайший английский композитор.

 

На творчество Баха также повлияли перемены мест работы в разных городах, хотя, конечно, большая часть его творческой жизни прошла в Лейпциге на должности кантора церкви Св.Фомы.

, и в сравнении с другими композиторами, в том числе с членами его музыкальной семьи, он путешествовал меньше, но все время хорошо знал об изменениях в музыкальном мире.

В его музыке собрались вместе различные формы и стили Барокко и были доведены до совершенства.

После Баха развитие музыки приняло иной оборот – наступал период “галантного” стиля, который был легче, с более простыми и чистыми формами. Здесь блистали такие композиторы, как Гайдн и Моцарт, за которыми последовали композиторы “романтического” периода – Бетховен и Чайковский.

Вместе с тем в период Барокко определился основной музыкальный язык, и последующие композиторы часто “возвращались к истокам”, изучая и играя работы Баха, писали фуги в стиле Барокко или обрабатывали произведения композиторов Барокко.

Моцарт, Шуман, Бетховен и многие другие создавали фуги в точном следовании стилю Барокко, Мендельсон был инициатором попыток возродить Барокко.  

В эпоху Барокко многие инструменты достигли пика своего развития. Органы, постороенные немцами Арпом Шнитгером и Готфридом Зильберманом, были и до сих пор остаются лучшими инструментами.

Скрипки и другие струнные инструменты, созданные в эпоху Барокко итальянскими мастерами, и сейчас обладают неповторимым звучанием и являются мечтой многих профессиональных музыкантов. Домашние, а потом концертные клавишные инструменты являются примером того, как музыкальный инструмент сначала исчезал, потом модифицировался и вновь возвращался.

Широко распространённый клавесин в эпоху Барокко начал сменяться первыми фортепиано, которые также изготавливал друг И.С.Баха органостроитель Готфрид Зильберман.

  Музыка в своей мелодичности сконструирована таким образом, чтобы отразить “полный порядок” вселенной – это суть музыкального стиля Барокко.

 По словам композитора и музыкального теоретика Барокко Иоганна Йозефа Фукса: “Музыкальное произведение отвечает требованиям хорошего вкуса, если оно хорошо построено, избегает мелочей, а также умышленной эксцентричности, направлено на возвышенное, но движется в естественном порядке, сочетая блестящие идеи с совершенным мастерством.” В эти дни все больше и больше людей стремятся вернуться к музыке для души, содержащей в себе красоту, основывающуюся на упорядоченной структуре. Таким образом, мы являемся свидетелями возрождения интереса к музыке Барокко и тех, кому посчастливилось быть еще не знакомым с ней, ожидает интересное открытие.

Сообщение о барокко: эпоха, стиль, музыка, архитектура, живопись

Культурное барокковое направление

Барокко – это эпоха и направление в искусстве Европы в 17-18 веках. Характерна была также для России, Украины, белорусских земель и Польши. Произошел стиль из Италии, позже распространился по всей Европе.

В основе философии барокко лежал культ чувств в противовес холодному рационализму, «сухому разуму».

Провозглашалась свобода творчества, даже самого вычурного и причудливого, в противовес правилам и строгим канонам творчества культурной эпохи классицизма.

Барокко возникло на закате эпохи Возрождения, когда люди несколько разочаровались в идеалах Возрождения.

Человек – не центр мира и умнейшее существо, способное на все, как хотелось верить всем в эпоху Возрождения, он уязвим Человек, его личность и его творчество не могут быть идеальными, подчиненными только уму, бкезупречными. Человек – живой и неправильный, и им правят эмоции, к тому же это хорошо.

Слово «барокко» дословно означает «жемчужина неправильной формы», «странная жемчужина». В искусстве и стиле барокко странность, необычность, нелепость и оригинальность творчества не осуждается, а приветствуется.

Барокковая архитектура – взрыв эмоций

Стиль барокко как в архитектуре, так и в литературе и в музыке, отмечен сложностью форм. Не найдете вы здесь ничего аскетичного или простого, естественного, неприукрашенного.

Архитектура барокко – величественная, пышная, навевающая торжественное настроение.

Это архитектура гедонизма – «живем здесь и сейчас», оттого здания украшаются щедро и богато – лепниной, скульптурными формами, необычными балкончиками, коваными произведениями искусства.

Отличный пример архитектуры барокко – это Версальский дворец французских королей и прилежащий к нему Версальский парк.

Архитектура барокко в России – это прежде всего творения знаменитого архитектора Бартоломео Франческо Расстрелли.

Это и знаменитый Зимний императорский дворец в Санкт-Петербурге, построенный в стиле барокко, и величественный Екатерининский дворец в Царском селе, Большой дворец в Петергофском царском имении, дворец магнатов Строгановых в том же Петербурге на реке Мойке, Аничков дворец императрицы Елизаветы Петровны у Аничкова моста в Петербурге. Это красивейшие парадные постройки страны.

Расцвет эпохи барокко в России, как в архитектуре, так и в культуре в целом, приходится на 18 век.

Барокковые литература и живопись

Литература барокко особое внимание уделяет красоте и изяществу формы. Популярны становятся игры с формой произведений, литературные загадки, фигурные стихи, (примером может служить акростих). Часто это принципиально декоративные произведения, где вообще не особо важно содержание. Главное – великолепие форм!

Естественность и плоскость мира уже не устраивают творцов литературы барокко. Они стремятся усложнить литературу, выразить капризность по отношению к миру.

Мир разочаровывает, а человек слаб перед лицом огромного мира, он не столь силен и не столь благороден – таково мироощущение барокко.

К чему серьезно воспринимать жизнь и судьбу человека, если происходящее больше напоминает сон, чем правдивую реальность? Мир и законы реальности для культуры барокко – не более чем иллюзия, «матрица», бред!

Европейское барокко в литературе – это, прежде всего, имена Франсиско де Кеведо, Педро де Кальдеона, Поля Скаррона. Русские представители стиля барокко в литературе – это оратор и религиозный философ Феофан Прокопович, а также богослов и поэт, также религиозный философ, Симеон Полоцкий.

Живопись и музыка барокко отмечены динамичностью и контрастностью. В живописи это работы Караваджо, Диего Веласкеса, Рембрандта ван Рейна, Пауля Рубенса, Тициана, Веронезе.

Картины эти сияют игрой света, цветистыми пестрыми красками.

Одновременно с культом чувственных радостей тела и плотской жизни на картинах барокко мы можем наблюдать и «темную сторону» переживаний души, глубину духовного познания.

Писать объемные фигуры в живописи барокко было еще не принято. Поэтому изображения на картинах плоские. Живопись барокко активно ищет новые формы в изображении и находит их. Восприятие мира на картинах барокко чуть трагичное, немного мрачное.

Оно выражает беззащитность человека перед смертью, перед лицом высшего, хрупкость его бытия, жизни и счастья. Картины часто смешивают идеальное и смешное. Позднее барокко в искусстве называется термином «рококо».

Этот стиль отличается особой вычурностью, пышностью.

Барокковая музыка – красоты много не бывает

Музыка барокко – это тенденция к синтезу слова и музыки, таким образом в эпоху барокко расцветают вокальные и хоровые направления.

При этом также именно в эпоху барокко создается чисто инструментальный европейский стиль музыки, направление, что не включает вокальной составляющей. До эпохи барокко инструментальная музыка приравнивалась к танцевальной и развлекательной.

Также с 17 века активно развивался синтетический литературно-музыкальный жанр оперы, что возник в Европе за столетие до начала эпохи барокко.

Музыка барокко – намного более эмоционально насыщенная и экстравагантная, более вычурная и сложная для исполнения, чем музыка Ренессанса. Плохим музыкантам не место в музыке барокко, ведь они просто не сыграют ее! Нужно отлично владеть инструментами!

В барокковой музыке приветствуются все возможные способы украшения мелодии, орнамента, богатые и долгие импровизации музыкантов. Максимум красоты – это девиз барокко.

Самые знаменитые композиторы эпохи барокко – это великий скрипач Антонио Вивальди, органист и композитор духовной музыки Иоганн Себастьян Бах, Клаудио Монтеверди, Доменико Скарлатти, Георг Гендель.

Официальный сайт университета имени А.И. Герцена

Все анонсы »

Архив »

РГПУ им. А.И. Герцена → Общий → Структура → Институты → Институт музыки, театра и хореографии → Аспирантам → 17.00.02 — Музыкальное искусство


Экзамен состоит из двух частей: ответы на вопросы и защита реферата по избранной теме.

 

Примеры вопросов:

  1. Проблемы периодизации отечественной    музыкальной классики (до 1917 года) в сопоставлении с периодами развития русской художественной культуры.
  2. Русское музыкальное средневековье в контексте истории отечественной культуры и в ряду смежных искусств.
  3. Русское  музыкальное барокко: формы и жанры, особенности интонационного словаря, ресурсы музыкальной композиции. 
  4. Доглинкинский период истории оперы в России  в связи с развитием словесности, театра и изобразительных искусств.
  5. Историческое значение творчества М. И. Глинки как основоположника русской музыкальной классики.
  6. Жанр народно-исторической оперы-драмы в творчестве русских композиторов второй половины XIX века.
  7. Жанровые разновидности отечественной оперной классики второй половины XIX – начала XX веков.
  8. Русский классический симфонизм (2-я половина XIX – начало XX вв).
  9. Западноевропейское музыкальное Возрождение: культурно-исторические истоки, периодизация, основные национальные композиторские школы и музыкальные жанры.
  10. Творческое наследие И.С. Баха в контексте исторических проблем западноевропейского музыкального барокко.
  11. Венский музыкальный классицизм и культура эпохи Просвещения в странах Западной Европы. 
  12. Музыкальный романтизм в странах Западной Европы: истоки, периодизация, основные национальные композиторские школы и музыкальные жанры.
  13. Западноевропейская музыкальная культура рубежа ХIХ–ХХ веков: периодизация, преемственность поколений, стилевые тенденции развития и национальные композиторские школы.
  14. Отечественная музыкальная культура рубежа ХIХ–ХХ веков: периодизация, преемственность поколений, стилевые тенденции развития и национальные композиторские школы.
  15. Стилевые тенденции западноевропейского музыкального творчества между двух мировых войн.
  16. Отечественная история музыки 1920–1930-х годов: организационные формы «государственного музыкального строительства», основные сти-левые тенденции музыкального творчества и приоритетные музыкальные жанры. 
  17. Симфонизм Д.Д. Шостаковича и стилевые тенденции отечественной музыки XX века.
  18. Возникновение музыкального неоклассицизма ХХ века и неоклас-сицизм И.Ф. Стравинского.
  19. Западный музыкальный авангард второй половины ХХ века. 
  20. Тенденции поставангарда в западноевропейском музыкальном творчестве второй половины 70–80-х годов.
  21. Проблемы музыкального содержания в отечественном музыкознании последних трех десятилетий.
  22. Эволюция представлений о музыкальном языке в отечественном музыкознании ХХ–XXI  вв.
  23. Понятие интонации в музыкально-теоретической концепции Б. В. Асафьева.
  24. Понятие стиля в музыкальной науке.
  25. Понятие жанра в музыкальной науке.
  26. Принципы фактурной организации музыкальной ткани.
  27. Проблемы лада в отечественном музыкознании.
  28. Историческая эволюция тонально-гармонического мышления.
  29. Проблемы тональной организации в музыке ХХ века.
  30. Понятие аккорда в музыкально-теоретической литературе ХХ века.
  31. Теоретические концепции гармонии в музыкальной науке XVIII, XIX и ХХ веков.
  32. Теоретические концепции ритмической организации музыкального материала.
  33. Историческая эволюция взглядов на звуковысотную организацию музыки.
  34. Фуга и основные этапы ее истории.
  35. Жанр сонаты в его историческом становлении и развитии.
  36. Труды С. И. Танеева в контексте русской критической мысли о контрапункте.
  37. Музыкально-теоретическая концепция В. П. Бобровского.
  38. Музыкально-теоретическая концепция Л. А. Мазеля.
  39. Музыкально-теоретическая концепция Ю. Н. Холопова.
  40. Концерция музыкально-исторического процесса в трудах М. С. Друскина.


           Рекомендуемая литература:

  1. Алфеевская Г. С. История отечественной музыки ХХ века. С. С. Прокофьев, Д. Д. Шостакович, Г. В. Свиридов, А. Г. Шнитке, Р. К. Щедрин: учебное пособие для студентов вузов, обучающихся по специальности «Музыкальное образование». СПб.: Владос,  2009.  
  2. История зарубежной музыки. ХХ век / Ред. Н. В. Гаврилова; Государственный Институт искусствознания, МГК имени П.И. Чайковского.  М., 2005.
  3. История зарубежной музыки: учебник для музыкальных вузов: в 6-ти  вып. М.; Л., 1969–1999.
  4. История современной отечественной музыки: в 3-х вып. М., 1995–2001.
  5. Кокорева Л. М. Клод Дебюсси. М.: Музыка, 2010. 
  6. Луцкер П. В. Моцарт и его время. М.: Классика-XXI, 2008. 
  7. Музыка Австрии и Германии ХIХ века: в 3-х вып.  М., 1975–2003.
  8. Чередниченко Т. Музыка в истории культуры: Курс лекций. 2-е изд. Бишкек, 1996.
  9. Кудряшов А. Ю. Теория музыкального содержания. СПб.: Лань, 2006.
  10. Холопова В. Н. Формы музыкальных произведений. 4-е изд., испр. СПб.: Лань, 2013. 
  11. Теория музыки. Мелодика. Ритмика. Фактура. Тематизм. 2-е изд., стер. СПб.: Лань, 2014. 
  12. Бершадская Т. С. Лекции по гармонии. 3-е изд. СПб.: Композитор, 2004. 

Последнее изменение: 16 июня 2020 г. в 17:31:15
Автор: Трифонова Елена Николаевна

Архив »

Музыка барокко | Britannica

Bach, J.S .: Концерт № 1 ре мажор

Отрывок из первой части Allegro-Allegrissimo И.С. Концерт № 1 ре мажор Баха для клавишных соло, BWV 972; из записи 1938 года пианистки Ванды Ландовской.

© Cefidom / Encyclopædia Universalis Гендель, Джордж Фридрих: Музыка на воде

Отрывок из первой части Аллегро из Сюита фа мажор из произведения Джорджа Фридриха Генделя Музыка на воде ; из записи 1954 года оркестра Бойда Нила под управлением Бойда Нила.

© Cefidom / Encyclopædia Universalis

Музыка барокко , музыкальный стиль, преобладавший в период с 1600 по 1750 год, известный своим грандиозным, драматическим и энергичным духом, а также стилистическим разнообразием.

Соната для фортепиано ре минор , K 64, Доменико Скарлатти, для фортепиано.

Вадим Хаимович / Musopen.org

Подробнее по этой теме

Духовой инструмент: эпоха барокко и классика

Драматические музыкальные события в Италии около 1600 года оказали глубокое влияние на музыку Европы эпохи барокко.Несколько групп литераторов …

Один из самых драматических поворотных моментов в истории музыки произошел в начале 17 века, когда Италия лидировала. В то время как stile antico , универсальный полифонический стиль XVI века, продолжал свое существование, отныне он был зарезервирован для духовной музыки, в то время как stile moderno или nuove musiche — с его акцентом на сольном голосе, полярности мелодии. и басовая партия, и интерес к выразительной гармонии — разработан для светского использования.Расширенный словарный запас позволил провести более четкое различие между духовной и светской музыкой, а также между вокальными и инструментальными идиомами, а национальные различия стали более выраженными.

Клаудио Монтеверди: Мадригалы

«Chiome d’oro, bel tesoro» из Мадригалов Клаудио Монтеверди, книга 7; из записи 1937 года Ансамбля вокально-инструментальной музыки Нади Буланже под управлением Нади Буланже.

© Cefidom / Encyclopædia Universalis

Опера, оратория и кантата были наиболее важными новыми вокальными формами, а соната, концерт и увертюра были созданы для инструментальной музыки.Клаудио Монтеверди был первым великим композитором «новой музыки». За ним последовали в Италии Алессандро Скарлатти и Джованни Перголези. Инструментальная традиция в Италии нашла своих великих композиторов эпохи барокко в лице Арканджело Корелли, Антонио Вивальди и Джузеппе Тартини. Жан-Батист Люлли, крупный оперный композитор, и Жан Филипп Рамо были мастерами музыки барокко во Франции. В Англии за полным театральным опытом масок Стюарта последовали достижения в вокальной музыке уроженца Германии, получившего образование в Италии, Джорджа Фридриха Генделя, в то время как его соотечественник Иоганн Себастьян Бах разработал в Германии духовную музыку в стиле барокко.Среди других известных немецких композиторов эпохи барокко — Генрих Шютц, Дитрих Букстехуде и Георг Филипп Телеманн. Для более подробной информации о музыке барокко, см. Западная музыка: эпоха барокко.

Музыка барокко — Энциклопедия Нового Света

Музыка барокко описывает эпоху и набор стилей европейской классической музыки, которые широко использовались примерно между 1600 и 1750 годами для обсуждения проблем, присущих определению начальной и конечной точек. ).Считается, что эта эпоха началась в музыке после эпохи Возрождения, а за ней последовала эпоха классической музыки. Поскольку слушатели эпохи барокко больше не хотели «старомодной» музыки эпохи Возрождения, композиторы и музыканты осознали важность музыки как основного источника развлечения и, таким образом, создали произведения искусства, которые внесли значительный вклад в их общество. Они осознавали основную цель жизни — научиться служить своим собратьям.

Композиторы и философы эпохи барокко (в отличие от древних в Китае и Греции) придерживались идеи, что музыка, математика и наука находятся в космических отношениях.Открытие Пифагором серии обертонов с их математическими свойствами было, пожалуй, самым влиятельным открытием в определении теоретических аспектов западной музыки. Идея божественно упорядоченной небесной гармонии восходит к греческой философии и трудам ранних христианских философов, в первую очередь Северния Боэция. Считалось, что эти космические принципы исходят от Бога и, как таковые, имеют глубокий религиозный и духовный подтекст. Иоганн Себастьян Бах утверждал: «Единственной и конечной целью фигурного баса должно быть не что иное, как слава Бога и воссоздание разума.Там, где этот объект не находится в поле зрения, не может быть настоящей музыки, а может быть только адское скрежетание и вопль «.

Композиторы эпохи барокко также все больше интересовались человеческими эмоциями (страстями и привязанностями) и создавали музыку, чтобы «имитировать» эти эмоции посредством тональной организации. Обращаясь к работам Декарта и Совера, которые в своем исследовании психологического уклада человека начали «объективировать» определенные эмоции, композиторы эпохи барокко инициировали практику выражения определенных эмоций с помощью музыкальных средств.

Первоначальное значение слова «барокко» — «неправильная жемчужина», поразительно подходящая характеристика архитектуры и дизайна этого периода; позже это название стало применяться и к его музыке. Музыка барокко составляет основную часть канона классической музыки. Его широко исполняют, изучают и слушают. Это связано с композиторами и их произведениями, такими как И.С. Фуги Баха, Хор «Аллилуйя» Джорджа Фридриха Генделя, «Времена года» Антонио Вивальди и Вечерня Клаудио Монтеверди 1610 года, а также выдающийся трактат Иоганна Иоахима Кванца по технике флейты 1752 года.

В этот период развивались теория музыки, диатоническая тональность и имитационный контрапункт. Появились более сложные музыкальные орнаменты, а также изменения в нотной записи и усовершенствования в способах игры на инструментах. Музыка барокко увидит расширение размера, диапазона и сложности исполнения, а также установление оперы как типа музыкального исполнения. Многие музыкальные термины и концепции той эпохи используются до сих пор. Имеет общие характеристики, единство эмоций, орнаментации, контрастный ритм с импровизацией.Его мелодии обычно имели непрерывное движение линий, динамику террасы и расширения (либо добавление к музыке, либо вычитание).

Обзор

Стиль и тенденции

Музыка, условно называемая барокко, включает в себя широкий спектр стилей из обширного географического региона, в основном в Европе, созданный в течение примерно 150 лет. Термин «барокко» применительно к этому периоду в музыке появился сравнительно недавно, впервые он был использован Куртом Саксом в 1919 году, а английский язык приобрел только в 1940-х годах.Действительно, даже в 1960 году в академических кругах все еще велись серьезные споры о том, имеет ли смысл объединять музыку столь же разнообразную, как музыка Якопо Пери, Доменико Скарлатти и Дж. Бах с одним термином; тем не менее, этот термин стал широко использоваться и принят для этого широкого диапазона музыки. Может быть полезно отличить его как от предшествующего (Возрождение), так и от последующих (Классический) периодов музыкальной истории. Небольшое количество музыковедов утверждают, что его следует разделить на периоды барокко и маньеризма, чтобы соответствовать разделам, которые иногда применяются в изобразительном искусстве.

Барокко и ренессанс

[[Изображение: Baschenis — Musical Instruments.jpg | thumb | 260px | Инструменты в стиле барокко, включая шарманку, клавесин, бас-виолу, лютню, скрипку в стиле барокко и гитару в стиле барокко. Музыка барокко разделяет с музыкой Возрождения интенсивное использование полифонии и контрапункта. Однако использование этих техник отличается от музыки эпохи Возрождения. В эпоху Возрождения гармония в большей степени является результатом созвучий, присущих плавному течению полифонии, тогда как в эпоху раннего барокко порядок этих созвучий становится важным, поскольку они начинают ощущаться как аккорды в иерархической функциональной тональной схеме.Примерно в 1600 году это определение сильно размывается: например, можно увидеть по существу тональные прогрессии вокруг каденциальных точек в мадригалах, в то время как в ранней монодии ощущение тональности все еще довольно незначительно. Еще одно различие между практикой Ренессанса и Барокко в гармонии — это частота движения основного тона аккорда на треть в более ранний период, тогда как движение четвертых или пятых преобладает позже (что частично определяет функциональную тональность). Кроме того, в музыке барокко используются более длинные линии и более сильные ритмы: начальная линия расширяется либо сама по себе, либо в сопровождении только бассо континуо, пока тема снова не появится в другом голосе.В этом более позднем подходе к контрапункту гармония чаще определялась либо бассо континуо, либо неявно нотами самой темы.

Эти стилистические различия отмечают переход от ричеркаров, фантазий, и канцон эпохи Возрождения к фуге, определяющей форме барокко. Монтеверди назвал этот более новый, более свободный стиль seconda pratica, противопоставив его prima pratica , который характеризовал мотеты и другие священные хоровые произведения таких мастеров высокого Возрождения, как Джованни Пьерлуиджи да Палестрина.Сам Монтеверди использовал оба стиля; он написал свою Мессу In illo tempore в старом, палестинском стиле, и Вечерню 1610 года в новом стиле.

Есть и другие, более общие различия между стилями барокко и ренессанс. Музыка барокко часто стремится к большему уровню эмоциональной напряженности, чем музыка эпохи Возрождения, а пьеса в стиле барокко часто единообразно изображает одну конкретную эмоцию (ликование, горе, благочестие и т. Д.; См. Доктрину привязанностей). Музыка барокко чаще писалась для виртуозных певцов и инструменталистов, и ее, как правило, труднее исполнять, чем музыку эпохи Возрождения, хотя идиоматическое инструментальное письмо было одним из самых важных нововведений того периода.В музыке барокко много орнаментов, которые исполнитель часто импровизировал. Выразительные методы исполнения, такие как ноты inégales, были обычным явлением, и ожидалось, что они будут применяться исполнителями, часто со значительной свободой. Инструменты стали играть большую роль в музыке барокко, а вокальная музыка а капелла потеряла свое значение.

Барокко и классический стиль

В классическую эпоху, которая последовала за барокко, роль контрапункта была уменьшена (хотя неоднократно открывалась заново и вновь вводилась; см. Фуга) и заменялась гомофонической текстурой.Роль орнамента уменьшилась. Произведения имели тенденцию к более четкой внутренней структуре, особенно написанные в форме сонаты. Модуляция (смена клавиш) стала структурным и драматическим элементом, так что произведение можно было услышать как своего рода драматическое путешествие через последовательность музыкальных клавиш наружу и назад от тоники. Музыка барокко также часто модулируется, но модуляция имеет меньшее структурное значение. Работы в классическом стиле часто изображают самые разные эмоции в рамках одного движения, тогда как работы в стиле барокко имеют тенденцию к одному, ярко изображенному чувству.Наконец, классические произведения обычно достигают своего рода драматической кульминации, а затем разрешают ее; Работы в стиле барокко сохраняют довольно постоянный уровень драматической энергии до самой последней ноты. Многие формы барокко послужили отправной точкой для создания формы сонаты, создав «план этажа» для размещения важных каденций.

Другие функции
  • бассо континуо — вид непрерывного аккомпанемента с нотами новой системы нотной записи, фигурный бас, обычно для поддерживающего басового инструмента и клавишного инструмента
  • монодия — музыка для одного мелодического голоса с сопровождением, характерная для начала семнадцатого века, особенно в Италии
  • гомофония — музыка с одним мелодичным голосом и ритмически подобным аккомпанементом (это и монодия контрастируют с типичной ренессансной фактурой, полифонией)
  • текст поверх музыки — разборчивый текст с инструментальным сопровождением, не заглушающим голос
  • вокальные солисты (‘бельканто’)
  • драматическое музыкальное выражение
  • драматических музыкальных формы, таких как опера, драма на музыку
  • комбинированные инструментально-вокальные формы, такие как оратория и кантата
  • новых инструментальных техники, таких как тремоло и пиццикато
  • четкая и линейная мелодия
  • notes inégales, техника применения точечных ритмов к равномерно написанным нотам
  • ария
  • риторнель ария (повторяющиеся короткие инструментальные перерывы вокальных пассажей)
  • концертный стиль (контраст звука между оркестром и сольными инструментами или небольшими группами инструментов)
  • точная инструментальная партитура (в эпоху Возрождения точная инструментальная система для ансамблевой игры указывалась редко)
  • идиоматическое инструментальное письмо: лучшее использование уникальных свойств каждого типа музыкального инструмента
  • виртуозное инструментальное и вокальное письмо с признанием виртуозности как таковой
  • орнамент
  • развитие современной западной тональности (мажор и минор)
  • Каденция — расширенная виртуозная секция для солиста, обычно в конце части концерта.

Жанры

композитора эпохи барокко писали в разных музыкальных жанрах. Опера, изобретенная в конце Возрождения, стала важной музыкальной формой в эпоху барокко с операми Алессандро Скарлатти (1660–1725), Генделя и других. Своего пика оратория достигла в творчестве Баха и Генделя; опера и оратория часто использовали очень похожие музыкальные формы, такие как широкое использование арии да капо.

В другой религиозной музыке значение мессы и мотета несколько снизилось, но кантата процветала в творчестве Баха и других протестантских композиторов.Также процветала виртуозная органная музыка с токкатами, фугами и другими произведениями.

Инструментальные сонаты и танцевальные сюиты написаны для отдельных инструментов, для камерных групп и для (малого) оркестра. Концерт возник как в форме для одного солиста с оркестром, так и в виде концертного гроссо, в котором небольшая группа солистов противопоставляется ансамблю в целом. Французская увертюра с ее контрастирующими медленными и быстрыми частями добавила великолепия многим кортам, на которых она исполнялась.

Клавишные произведения иногда писались в основном для удовольствия и обучения исполнителя. Они включали серию произведений зрелого Баха, которые широко считаются интеллектуальной кульминацией эпохи барокко: «Хорошо темперированный клавир», «Вариации Гольдберга» и «Искусство фуги».

Краткая история музыки барокко

Музыка раннего барокко (1600–1654)

Традиционная граница между барокко и эпохой Возрождения начинается в Италии, когда композитор Клаудио Монтеверди (1567–1643) создал речитатив и возникла музыкальная драма под названием опера.Это было частью застенчивого изменения стиля, которое коснулось всего искусства, особенно архитектуры и живописи.

В музыкальном плане использование фигурного баса представляет собой большие изменения в музыкальном мышлении, а именно гармония, то есть «объединение всех частей», была так же важна, как и линейная часть полифонии. Все более полифония и гармония будут рассматриваться как две стороны одной и той же идеи, с гармоническими прогрессиями, входящими в понятие композиции, а также с использованием тритона в качестве диссонанса.Гармоническое мышление существовало у отдельных композиторов в предыдущую эпоху, особенно у Джезуальдо, однако ренессанс уступает место барокко в той точке, где оно становится общим лексиконом. Некоторые историки музыки указывают на введение септаккорда без подготовки как на ключевой разрыв с прошлым. Это создало идею о том, что аккорды, а не ноты создают ощущение завершения, что является одной из фундаментальных идей того, что позже будет называться тональностью.

Италия стала одним из краеугольных камней нового стиля, поскольку папство, осажденное Реформацией, но с богатой казной, подпитываемой огромными доходами, поступавшими от завоевания Габсбургов, искало художественные средства для распространения веры в Римско-католической церкви. Одним из важнейших музыкальных центров была Венеция, которая в то время имела как светское, так и священное покровительство.

Одна из важных фигур переходного периода возникла из стремления возродить католицизм против растущего доктринального, художественного и социального вызова протестантизма: Джованни Габриэли.Его работы во многом считаются выполненными в стиле «Высокого Возрождения». Однако его нововведения стали считаться основополагающими для нового стиля. Среди них — приборы (маркировка инструментов специально для конкретных задач) и использование динамики.

Требования религии также заключались в том, чтобы сделать текст священных произведений более ясным, и, следовательно, возникла необходимость отойти от плотно многослойной полифонии эпохи Возрождения к линиям, которые помещали слова вперед и в центр или имели более ограниченный диапазон имитация.Это создало бы потребность в более сложном переплетении вокальной линии на фоне или омофонии.

Монтеверди стал самым заметным из поколения композиторов, которые чувствовали, что в этом «современном» подходе к гармонии и тексту есть светские средства, и в 1607 году его опера «Орфей» станет ориентиром, продемонстрировавшим беспорядок эффектов и техник, которые были связаны с этой новой школой, называемой seconda pratica, , чтобы отличить ее от более старого стиля или prima pratica. Монтеверди был мастером и того, и другого, создав точно стилизованные мотеты, которые расширили формы Маренцио и Джасеса де Верта. Но именно его работы в новом стиле должны были стать наиболее заметными изменениями в стиле барокко. Сюда входили черты, узнаваемые даже в конце периода барокко, в том числе использование идиоматического письма, виртуозные расцветки и то, что Стэнли Сэди называет «всесторонним» использованием новых техник.

Этот музыкальный язык оказался интернациональным, поскольку Генрих Шютц (1585–1672), немецкий композитор, который учился в Венеции под руководством Габриэли, а затем и Монтеверди, использовал его для литургических нужд курфюрста Саксонии и служил хормейстер в Дрездене.

Музыка среднего барокко (1654–1707)

Возвышение централизованного двора — одна из экономических и политических особенностей того, что часто называют Эпохой абсолютизма, олицетворяемой Людовиком XIV из Франции. Стиль дворца и придворная система нравов и искусств, которую он поощрял, стали образцом для остальной Европы. Реалии растущего церковного и государственного патронажа создали спрос на организованную общественную музыку, поскольку растущая доступность инструментов создала спрос на камерную музыку.Это включало наличие клавишных инструментов.

Среднее барокко отделено от раннего барокко приходом систематического мышления к новому стилю и постепенной институционализацией форм и норм, особенно в опере. Как и в случае с литературой, печатный станок и торговля создали более широкую международную аудиторию произведений и большее взаимное взаимодействие между национальными центрами музыкальной деятельности.

Среднее барокко в теории музыки определяется все более гармоничной направленностью музыкальной практики и созданием формальных систем обучения.Музыка была искусством, и она стала рассматриваться как искусство, которому нужно учить упорядоченно. Кульминацией этого стала более поздняя работа Фукса по систематизации контрапункта.

Ярким примером композитора придворного стиля является Жан-Батист Люлли (1632–1687). Его карьера резко выросла, когда он сотрудничал с Мольером в серии комедий-балетов, то есть пьес с танцами. Он использовал этот успех, чтобы стать единственным композитором опер для короля, используя не только новаторские музыкальные идеи, такие как лирика трагедии, но и патенты короля, которые не позволяли другим ставить оперы.Инстинкт Люлли предоставить материал, который желал его монарх, был отмечен почти всеми биографами, включая его стремительный переход к церковной музыке, когда настроение при дворе стало более благочестивым. Его 13 законченных лирических трагедий основаны на либретти, в которых основное внимание уделяется конфликтам между общественной и частной жизнью монарха.

В музыкальном плане он исследовал контраст между величественными и полностью оркестрованными частями и простыми речитативами и ариями. В немалой степени именно его умение собирать и практиковать музыкантов в оркестре было важным для его успеха и влияния.Наблюдатели отметили точность и интонацию, это было в эпоху, когда не существовало стандарта настройки инструментов. Одним из важных элементов было повышенное внимание к внутренним голосам гармонии и отношениям с солистом. Он также установил для оркестров норму преобладания струнных инструментов.

Арканджело Корелли (1653–1713) запомнился как влиятельный благодаря своим достижениям на другой стороне музыкальной техники — в качестве скрипача, организовавшего скрипичную технику и педагогику, — и в чисто инструментальной музыке, в частности, за его пропаганду и развитие концертного гроссо. .В то время как Люлли устроился при дворе, Корелли был одним из первых композиторов, которые широко публиковались и исполняли свою музыку по всей Европе. Как и в случае стилизации и организации оперы Люлли, Concerto Grosso построен на сильных контрастах; Разделы чередуются между играми в полном оркестре и небольшими группами. Динамика была «террасированной», то есть с резким переходом от громкого к тихому и обратно. Быстрые и медленные участки накладывались друг на друга.Среди его учеников значится Антонио Вивальди, который позже сочинил сотни произведений, основанных на принципах трио-сонат и концертов Корелли.

В Англии в стиле среднего барокко появился гений-комет в лице Генри Перселла (1659–1695), который, несмотря на смерть в возрасте 36 лет, написал много музыки и получил широкое признание при жизни. Он был знаком с нововведениями Корелли и других композиторов итальянского стиля; однако его покровители были другими, и его музыкальное творчество было потрясающим.Вместо того, чтобы быть кропотливым мастером, Перселл был гибким композитором, который смог перейти от простых гимнов и полезной музыки, такой как марши, к великолепно оформленной вокальной музыке и музыке для сцены. Его каталог насчитывает более 800 работ. Он также был одним из первых великих композиторов, играющих на клавишных, чьи работы до сих пор имеют влияние и присутствие.

В отличие от этих композиторов, Дитрих Букстехуде (1637–1707) не был придворным, а был органистом и предприимчивым представителем музыки.Вместо того, чтобы публиковаться, он полагался на исполнение для своего дохода и, а не на королевское покровительство, он курсировал между вокальными настройками для духовной музыки и органной музыкой, которую он сам исполнял. Его творчество не столь великолепно или разнообразно именно потому, что его не постоянно призывали к музыке по какому-либо случаю. Букстехуде использовал контраст между свободными, часто импровизационными частями и более строгими частями, разработанными контрапунктом. Эта процедура окажет большое влияние на более поздних композиторов, таких как Бах, которые доведут контраст между свободным и строгим до больших ограничений.

Музыка позднего барокко (1680–1750)

Граница между средним и поздним барокко вызывает споры. Даты начала стиля «позднего» барокко колеблются от 1680 до 1720 года. В немалой степени это связано с тем, что не было ни одного синхронизированного перехода; разные национальные стили претерпевали изменения с разной скоростью и в разное время. Италия обычно считается первой страной, перешедшей в стиль позднего барокко, и композиторы, такие как немец Карл Генрих Граун, сочиняют в итальянском стиле.Важной разделительной чертой в большинстве историй музыки барокко является полное поглощение тональности как структурного принципа музыки. Это было особенно очевидно после теоретических работ Рамо, который заменил Люлли в качестве важного французского оперного композитора. В то же время, благодаря работам Фукса, стиль полифонии эпохи Возрождения стал основой для изучения контрапункта. Комбинация модального контрапункта с тональной логикой каденции создала ощущение, что существует два стиля композиции — гомофонический, с преобладанием вертикальных соображений, и полифонический, с преобладанием имитации и контрапункта.

Формы, которые начали формироваться в предыдущую эпоху, процветали и получали все более широкий диапазон разнообразия; Концерт, сюита, ​​соната, концерт гроссо, оратория, опера и балет — все стали свидетелями распространения национальных стилей и структур. Общая форма пьес была, как правило, простой, с повторяющимися бинарными формами (AABB), простыми трехчастными формами (ABC) и формами рондо. Эти схемы, в свою очередь, повлияли на более поздних композиторов.

Антонио Вивальди (1678–1741) — фигура, которая на протяжении большей части XIX века была забыта в создании концертной музыки, но возродилась только в двадцатом веке.Родился в Венеции в 1678 году, он начал как рукоположенный священник католической церкви, но перестал служить мессу к 1703 году. Примерно в то же время он был назначен маэстро скрипки в венецианском приюте для девочек, с которым у него были профессиональные отношения. почти до конца его жизни. Репутация Вивальди основывалась не на оркестре или назначении в суд, а на его опубликованных произведениях, включая трио-сонаты, скрипичные сонаты и концерты. Они были опубликованы в Амстердаме и широко распространились по Европе.Именно в этих инструментальных жанрах барочной сонаты и барочного концерта, которые все еще развивались, был сделан наиболее важный вклад Вивальди. Он остановился на определенных схемах, таких как план из трех частей быстро-медленно-быстро для произведений и использование ритнелло в быстрых частях, и исследовал возможности в сотнях произведений — только 550 концертов. Он также использовал программные названия для своих работ, таких как его знаменитые «Времена года». Карьера Вивальди отражает растущую возможность композитора поддерживать себя своими публикациями, гастролями для продвижения своих произведений и вести независимую жизнь.

Доменико Скарлатти (1685–1757) был одним из ведущих виртуозов клавишных своего времени, который стал придворным музыкантом при королевском дворе, сначала в Португалии, а затем, начиная с 1733 года в Мадриде, Испания, где он был провести остаток своей жизни. Его отец, Алессандро Скарлатти, был членом Неаполитанской оперной школы и считается одним из самых опытных ее членов. Доменико также должен был писать оперы и церковную музыку, но именно публикация его клавишных произведений, получивших более широкое распространение после его смерти, обеспечила ему прочную репутацию.Многие из этих произведений были написаны для его собственной игры, другие — для его королевских покровителей. Как и в случае с его отцом, его состояние было тесно связано с его способностью обеспечить и сохранить королевскую благосклонность.

Пьетро Филиппо Скарлатти, брат Доменико Скарлатти и сын Алессандро Скарлатти, итальянский композитор, органист и хормейстер, видный деятель эпохи позднего итальянского барокко. Его способность противопоставлять гармонии и звучность вокальной музыке сделала его очень популярным среди оперной публики.

Но, пожалуй, самым известным композитором, связанным с операми в стиле барокко и королевским покровительством, был Джордж Фридрих Гендель (1685–1759), который родился в Германии, три года учился в Италии, но в 1711 году поехал в Лондон и использовал он служил основой для долгой и прибыльной карьеры, которая включала в себя самостоятельно поставленные оперы и заказы для знати. Он постоянно искал успешные коммерческие формулы в опере, а затем и в ораториях на английском языке. Постоянный рабочий, Гендель заимствовал у других и постоянно перерабатывал собственный материал.Он также был известен переработкой таких произведений, как знаменитый «Мессия», премьера которого состоялась в 1741 году, для доступных певцов и музыкантов. Даже по мере того, как его экономическое положение росло и падало вместе с его постановками, его репутация, основанная на опубликованных клавишных произведениях, церемониальной музыке, постоянных постановках опер и ораторий и Concerto Grossi, росла экспоненциально. К моменту его смерти он считался ведущим композитором Европы и изучался более поздними музыкантами классической эпохи. Гендель, из-за своих очень публичных амбиций, основывал большую часть своей работы на мелодическом ресурсе в сочетании с богатой исполнительской традицией импровизации и контрапункта.Практика орнамента в стиле барокко под его руководством находилась на очень высоком уровне развития. Он путешествовал по всей Европе, чтобы привлечь певцов и изучить музыку других композиторов, и, таким образом, у него было самое широкое знакомство с другими стилями любого композитора.

J.S. Со временем Бах стал рассматриваться как выдающаяся фигура музыки барокко, которую Бела Барток охарактеризовал как «религию», окружающую его. В то время он был более известен как учитель, администратор и исполнитель, чем композитор, и был менее известен, чем Гендель или Телеман.Он родился в Айзенахе в 1685 году в семье музыкантов, получил хорошее образование в раннем возрасте и обладал прекрасным парным сопрано. Он занимал различные должности в качестве органиста, быстро завоевав известность благодаря своей виртуозности и способностям. В 1723 году он поселился на должности, с которой должен был быть связан практически всю оставшуюся жизнь: Кантор и музыкальный директор Лейпцига. Его разнообразный опыт к этому моменту означал, что он стал лидером музыки, как светской, так и духовной, для города, учителем его музыкантов и ведущей фигурой.Музыкальные нововведения Баха проникли в глубины и внешние границы барочных гомофонических и полифонических форм. Он был виртуальным каталогом всех возможных противозачаточных средств и всех приемлемых средств создания паутины гармонии с хоралом. В результате его произведения в форме фуги в сочетании с прелюдиями и токаттами для органа, а также концертные формы в стиле барокко стали основополагающими как в исполнительской, так и в теоретической технике. Практически все инструменты и ансамбли того времени — за исключением театральных жанров — обильно представлены в его произведениях.Учение Баха расцвело в классическую и романтическую эпохи, когда композиторы заново открыли для себя гармонические и мелодические тонкости его произведений.

Георг Филипп Телеман (1681–1767) был самым известным инструментальным композитором своего времени и чрезвычайно плодовитым — даже по меркам эпохи, когда композиторам приходилось сочинять большие объемы музыки. Две его самые важные должности — музыкальный директор во Франкфурте в 1712 году и в 1721 году музыкальный директор Йоханнеума в Гамбурге — требовали от него сочинения вокальной и инструментальной музыки для светского и духовного контекстов.Он составил два полных цикла кантат для воскресных служб, а также священные оратории. Телеман также основал периодическое издание, которое публиковало новую музыку, в основном самого Телемана. Это распространение музыки сделало его композитором с международной аудиторией, о чем свидетельствует его успешная поездка в Париж в 1731 году. Некоторые из его лучших произведений относятся к 1750-м и даже 1760-м годам, когда стиль барокко заменялся более простыми стилями, но были популярны в то время и впоследствии. Среди этих поздних работ — «Der Tod Jesu» («Смерть Иисуса») 1755 г., «Die Donner-Ode» («Ода грома») 1756 г., «Die Auferstehung und Himmelfahrt Jesu» («Воскресение и вознесение Иисус «) 1760 г. и» Der Tag des Gerichts «(» Судный день «) 1762 г.

Другие влиятельные композиторы

Влияние барокко на более позднюю музыку

Переход к классической эпохе (1740–1780)

Фаза между поздним барокко и ранней классикой, с ее широким сочетанием конкурирующих идей и попыток объединить различные требования вкуса, экономики и «мировоззрения», носит множество названий. Иногда его называют «Галант», «Рококо» или «доклассический», а иногда и «ранний классический». Это период, когда композиторы, все еще работающие в стиле барокко, по-прежнему успешны, хотя их иногда считают скорее ушедшими в прошлое, чем настоящим — Бах, Гендель и Телеман сочиняют далеко за пределами той точки, в которой гомофонический стиль явно находится в по восходящей.Музыкальная культура оказалась на перепутье: мастера старого стиля владели техникой, а публика жаждала нового. Это одна из причин, по которой C.P.E. Бах пользовался таким большим уважением: он довольно хорошо понимал старые формы и знал, как представить их в новом облачении с увеличенным разнообразием форм; он далеко зашел в пересмотре старых форм барокко.

Практика эпохи барокко была нормой, по которой оценивалась новая композиция, и возникло разделение между священными произведениями, которые больше соответствовали стилю барокко, от светских или «светских» произведений, которые были в новый стиль.

Особенно в католических странах Центральной Европы стиль барокко продолжал быть представлен в духовной музыке до конца восемнадцатого века, во многом так же, как stile antico эпохи Возрождения продолжал жить в духовной музыке начало 17 века. Мессы и оратории Гайдна и Моцарта, будучи классическими в их оркестровке и орнаменте, имеют много черт барокко в их основной контрапунктной и гармонической структуре. Закат барокко привел к различным попыткам смешать старые и новые техники, и многие композиторы продолжали использовать старые формы вплоть до 1780-х годов.Многие города Германии продолжали придерживаться практики исполнения от барокко до 1790-х годов, включая Лейпциг, где И.С. Бах работал до конца жизни.

В Англии непреходящая популярность Генделя обеспечила успех Ависону, Бойсу и Арне — среди других опытных подражателей — вплоть до 1780-х годов, которые соревновались вместе с Моцартом и Бахом. В континентальной Европе, однако, это считалось старомодным способом письма и было необходимым условием для выпуска из растущего числа музыкальных консерваторий, а в остальном предназначалось только для использования в священных произведениях.

Влияние композиции и практики барокко после 1760 года

Поскольку музыка барокко была основой педагогики, она сохранила стилистическое влияние даже после того, как перестала быть доминирующим стилем сочинения или создания музыки. Даже когда практика барокко, например, барабан, вышла из употребления, она продолжала оставаться частью нотной записи. В начале 19 века партитуры мастеров эпохи барокко были напечатаны целым тиражом, что привело к возобновлению интереса к «строгому стилю» контрапункта, как его тогда называли.С возрождением хоровой музыки Баха Феликсом Мендельсоном стиль барокко стал влиятельным в XIX веке как образец академической и формальной чистоты. На протяжении XIX века фуга в стиле Баха оказывала огромное влияние на композиторов как эталон, к которому нужно стремиться, и как форма, которую можно было включить в серьезные инструментальные произведения.

Двадцатый век назвал барокко периодом и начал изучать его музыку. Форма и практика барокко повлияли на таких разных композиторов, как Арнольд Шенберг, Макс Регер, Игорь Стравинский и Бела Барток.В начале 20-го века также возродятся композиторы среднего барокко, такие как Перселл и Корелли.

Есть несколько случаев, когда современные произведения публикуются как «заново открытые» шедевры барокко. Некоторые примеры этого включают концерт для альта, написанный Анри Казадезю, но приписываемый Генделю, а также несколько пьес, приписываемых Фрицем Крейслером менее известным деятелям барокко, таким как Пуньяни и Падре Мартини. Сегодня существует очень активное ядро ​​композиторов, пишущих произведения исключительно в стиле барокко, примером чего является Джорджо Пачиони.

Различные произведения были названы «необарокко» из-за акцента на имитационной полифонии, включая работы Джачинто Счелси, Пола Хиндемита, Пола Крестона и Мартину, хотя они и не относятся к собственно стилю барокко. Музыковеды пытались завершить различные произведения из эпохи барокко, в первую очередь «Искусство фуги» Баха. Поскольку стиль барокко является признанной точкой отсчета, подразумевая не только музыку, но и определенный период и социальную манеру, произведения в стиле барокко иногда создаются для средств массовой информации, таких как кино и телевидение.Композитор Питер Шикеле пародирует классику и стили барокко под псевдонимом PDQ Bach.

Перформанс в стиле барокко вновь оказал влияние с появлением «аутентичного» или исторически обоснованного перформанса в конце 20 века. Тексты Кванца и Леопольда Моцарта, среди прочих, легли в основу перформансов, которые пытались восстановить некоторые аспекты звукового мира барокко, в том числе частичное исполнение произведений Баха, использование струн, а не металла, реконструированные клавесины, использование старых игровых техник и стилей.Некоторые популярные ансамбли примут на вооружение некоторые или все эти методы, включая Anonymous 4, Академию старинной музыки, Бостонское общество Генделя и Гайдна, Академию Святого Мартина в полях, Les Arts Florissants Уильяма Кристи и другие. Это движение затем попытается применить некоторые из тех же методов к исполнению классической и даже ранней романтической эпохи.

Джаз

Музыкальный стиль барокко имеет много общего с джазом. В дополнение к небольшим ансамблям, для которых предназначалось большинство произведений в стиле барокко (в то время не было возможности создать оркестр из 100 человек), подобно джазовому квартету, большинство произведений в стиле барокко использовали различные импровизации со стороны исполнителя.Требовалась очень солидная теоретическая база, чтобы понять фигурный бас — метод записи, используемый клавишниками для заполнения и украшения басовой партии. В большинстве произведений в стиле барокко использовался фигурный бас, и, следовательно, никакие два исполнения одного и того же произведения в стиле барокко не были абсолютно одинаковыми. В отличие от музыки, написанной во время классического и романтического периода, которая обычно была довольно сложной и эпической (учитывая рождение симфонии в классический период), музыка барокко обычно была очень простой и в некоторой степени предсказуемой. [1]

Самым похожим аспектом музыки барокко и джаза является импровизация ведущего инструмента. Например, в большинстве сольных произведений в стиле барокко используются два куплета. Пьеса проигрывается / исполняется один раз, а затем исполняется второй раз, когда вокалист импровизирует орнаменты, изящные ноты и негармонические тона. Однако, в отличие от джаза, ни исходный ритм, ни исходные ноты / мелодия не изменяются. Вместо этого они добавляются импровизацией, а не изменяются импровизацией.К сожалению, искусство импровизации было утрачено во время классической, романтической эпохи музыкального искусства 20-го века, однако оно было «заново открыто» (как и в случае с церковными формами) [2] в джазовой музыке, особенно Луи Армстронгом, [3] , которого некоторые называют «дедушкой джаза».

Список жанров барокко

Вокал
  • Opera
    • Zarzuela
    • Opera серия
    • Комическая опера
    • Опера-балет
  • Маска
  • Оратория
  • Passion (музыка)
  • Кантата
  • Месса (музыка)
  • Гимн
  • Монодий
  • Хорал
Инструментальная
  • Концерт Гроссо
  • Фуга
  • Люкс
    • Allemande
    • Courante
    • Сарабанда
    • Gigue
    • Гавот
    • Менуэт
  • Соната
    • Соната для камеры
    • Соната да кьеза
    • Трио-соната
  • Партита
  • Канцона
  • Sinfonia
  • Фантазия (музыка)
  • Ricercar
  • Токката
  • Прелюдия
  • Чакона
  • Пассакалия
  • Хоральная прелюдия

Ноты

Список литературы

  • Блюм, Фридрих. Музыка эпохи Возрождения и барокко: всесторонний обзор. NY: W.W. Нортон, 1967. OCLC 325605
  • Бюлоу, Джордж Дж., История музыки барокко. Блумингтон, IN: Indiana University Press, 2004. ISBN 0253343658
  • Гейнс, Джеймс Р. Вечер во Дворце разума. Нью-Йорк: Харпер / Коллинз, 2005. ISBN 0007156588
  • Палиска, Клод В. Музыка барокко. Englewood Cliffs, NJ: Prentice-Hall, 1968. OCLC 437181
  • Шуленберг, Дэвид. Музыка барокко. Нью-Йорк: Oxford UP, 2001. ISBN 0195122321
  • Тарускин, Рихард и Пьеро Вайс. Музыка в западном мире: история в документах. Белмонт, Калифорния: Wasdworth Group, 1984. ISNB 053458599X

Внешние ссылки

Все ссылки получены 12 мая 2016 г.

Кредиты

Энциклопедия Нового Света Писатели и редакторы переписали и завершили статью Википедия в соответствии со стандартами New World Encyclopedia .Эта статья соответствует условиям лицензии Creative Commons CC-by-sa 3.0 (CC-by-sa), которая может использоваться и распространяться с указанием авторства. Кредит предоставляется в соответствии с условиями этой лицензии, которая может ссылаться как на участников Энциклопедии Нового Света и участников, так и на самоотверженных добровольцев Фонда Викимедиа. Чтобы процитировать эту статью, щелкните здесь, чтобы просмотреть список допустимых форматов цитирования. История более ранних публикаций википедистов доступна исследователям здесь:

История этой статьи с момента ее импорта в Энциклопедия Нового Света :

Примечание. Некоторые ограничения могут применяться к использованию отдельных изображений, на которые распространяется отдельная лицензия.

Музыкальных форм и стилей эпохи барокко

В 1573 году группа музыкантов и интеллектуалов собралась вместе, чтобы обсудить различные темы, особенно желание возродить греческую драму. Эта группа людей известна как флорентийская камерата. Они хотели, чтобы строки пели, а не просто произносили. Так появилась опера, которая существовала в Италии около 1600 года. Композитор Кладуио Монтеверди внес важный вклад, особенно в его оперу «Орфей». Это была первая опера, получившая признание публики.

Поначалу опера предназначалась только для высшего сословия или аристократов, но вскоре ей стала покровительствовать даже широкая публика. Венеция стала центром музыкальной деятельности в период барокко. В 1637 году здесь был построен публичный оперный театр. Для оперы были разработаны разные стили пения, такие как:

  • Речитатив: имитация рисунка и ритма речи.
  • Ария: Персонаж выражает чувства плавной мелодией.
  • Bel canto: по-итальянски «красивое пение».«
  • Кастрато: В период барокко маленьких мальчиков кастрировали до достижения ими половой зрелости, чтобы избежать заглушки голоса. Для кастрата написаны главные роли в опере.

Базилика Сан-Марко

Эта базилика в Венеции стала важным местом для музыкальных экспериментов в период раннего барокко. Композитор Джованни Габриэлли написал музыку для Сан-Марко, как и Монтеверди и Стравинский. Габриэлли экспериментировал с хоровыми и инструментальными группами, располагая их по разные стороны базилики и заставляя их выступать поочередно или в унисон.Габриэлли также экспериментировал с контрастами звука — быстрым или медленным, громким или мягким.

Музыкальный контраст

В период барокко композиторы экспериментировали с музыкальными контрастами, которые сильно отличались от музыки эпохи Возрождения. Они использовали так называемую мелодическую линию сопрано, подкрепленную басовой партией. Музыка стала омофонической, то есть она была основана на одной мелодии с гармонической поддержкой, исходящей от клавишника. Тональность делилась на мажорную и минорную.

Любимые темы и инструменты

Древние мифы были любимой темой композиторов оперы эпохи барокко.Используемые инструменты включали медные духовые, струнные, особенно скрипки (Амати и Страдивари), клавесин, орган и виолончель.

Музыкальные формы эпохи барокко

Помимо оперы, композиторы также написали множество сонат, концерт-гроссо и хоровые произведения. Важно отметить, что композиторы в то время были наняты церковью или аристократами и, как таковые, должны были создавать сочинения в больших объемах, иногда в мгновение ока.

В Германии была популярна органная музыка с использованием формы toccata .Токката — инструментальная пьеса, чередующаяся между импровизацией и контрапунктом. Из токкаты возникли так называемые прелюдия и фуга, инструментальная музыка, начинающаяся с короткой пьесы вольным стилем (прелюдия), за которой следует контрапункт, использующий имитационный контрапункт (фуга).

Другие музыкальные формы периода барокко — хоральная прелюдия, месса и оратория.

Известные композиторы

  • Жан Батист-Люлли: Написал итальянскую оперу.
  • Доменико Скарлатти: Сочинил более 500 сонат для клавесина.
  • Антонио Вивальди: Написал оперы и более 400 концертов.
  • Джордж Фридрих Гендель: сочинял оперы и оратории, самая известная из которых — «Мессия».
  • Иоганн Себастьян Бах: Сочинил тысячи произведений в различных формах, кроме оперы.

Музыка барокко | Основные гуманитарные науки

Введение

Сводная таблица

Краткое содержание музыки барокко (кроме оперы)
Вивальди концертов ( The Four Seasons )
Гендель священных вокальных произведений ( Мессия ), танцевальные сюиты ( Water Music и Fireworks Music )
Бах клавишная музыка (фуги), концерты ( Бранденбургские концерты ), духовные вокальные произведения ( Страсти по Матфею , Месса си минор )

Общие характеристики

Ведущими регионами музыки барокко были Италия и Германия ; другой крупный вкладчик — Франция .Действительно, эти три региона (плюс Австрия, , начиная с классического периода) оставались сердцем западной композиции на протяжении всего периода барокко, классицизма и романтизма.

Музыка в стиле барокко сильно отличается от музыки Renaissance ; Двумя основными отличительными чертами являются тональность мажор-минор и бассо континуо .

Тональность мажор-минор означает, что композиция состоит как из тональных, (сосредоточенных вокруг основной ноты), так и на основе мажорной и минорной гамм (см. Тональность).Музыка Средневековья и Возрождения, хотя и тональная, была основана на восьми церковных формах (см. Музыка Средневековья и Возрождения). Тональность мажор-минор доминировала в западной музыке на протяжении периодов барокко , классики и романтизма (и продолжает процветать в современной популярной музыке, музыке к фильмам и музыкальном театре).

Basso contino, с другой стороны, был ограничен в основном периодом западной музыки в стиле барокко. Этот термин обозначает стиль аккомпанемента , состоящий из двух инструментов: один инструмент (обычно виолончель) обеспечивает басовую линию , а другой (обычно клавесин) обеспечивает импровизированные аккорды .2

Инструментальная музыка

Эпоха барокко знаменует подъем инструментальной музыки до , равной с вокальной музыкой в ​​западном мире. Композиторы эпохи барокко особенно отдавали предпочтение скрипке , клавесину и органу . Действительно, эпоха барокко в Германии была «золотым веком» органной композиции. I173, I234, I255

Инструментальная музыка может быть разделена на программную музыку, которую композитор намеревается вызвать определенные события или образы; и абсолютная музыка, в которой отсутствует это намерение.

Многоступенчатый завод

Работа с несколькими механизмами состоит из нескольких самостоятельных произведений, каждая из которых называется механизмом . Многодвижущиеся произведения распространены в западной музыке начиная с эпохи барокко. Обычно движения различаются на по характеру (в частности, темпу), чтобы обеспечить контраст на протяжении всей работы.

В произведении абсолютная музыка (например, симфония) каждое движение обычно именуется в соответствии с его темпом (например.грамм. аллегро, анданте). В произведении программная музыка (например, симфоническая поэма) каждое движение обычно именуется в соответствии с изображением , связанным с музыкой (например, Сцена в стране , Черепахи ).

Иногда произведение, состоящее из нескольких движений, называется набором , (например, фортепианная сюита) или циклом , (например, циклом песни).

Расцвет оркестра

Оркестр возник в эпоху барокко и первоначально служил аккомпанементом к опере .По мере развития и развития оперы развивался и оркестр.

В дополнение к своей основной роли (аккомпанемент певцов) оркестр обеспечил инструментальный отрывок в ходе оперы. К таким пассажам относятся увертюра (в начале), интерлюдия , (между сценами) и аккомпанемент для танцевальных последовательностей . Самостоятельная оркестровая музыка родилась, когда эти инструментальные отрывки (особенно увертюры) стали исполняться как самостоятельное произведение .I252, J50

Симфония «» родилась, когда отдельная оркестровая музыка была расширена до нескольких частей. (Термин «симфония» не стал стандартом до Классического периода, однако; доклассические симфонии часто называют увертюрами или симфониями.) Концерт (более подробно обсуждается ниже) возник как специализированная форма симфонии, в который оркестр делится на два «голоса».

Оркестр в стиле барокко состоял в основном из струнной партии с аккомпанементом бассо континуо .Это ядро ​​обычно было дополнено некоторой комбинацией деревянных духовых, труб, рожков и / или литавр. Знакомый современный оркестр возник, когда оркестр постоянно расширялся и совершенствовался на протяжении классического и романтического периодов.

Основные жанры

Начиная с эпохи барокко, западную музыку можно разделить на три группы в зависимости от масштаба: соло, , малый ансамбль и большой ансамбль.
Основные жанры музыки барокко
соло клавишные (орган, клавесин, клавикорд), скрипка
малый ансамбль трио-соната
большой ансамбль оркестровый концерт
вокал опера, духовный хоровой (оратория, месса)

Сольная музыка эпохи барокко и классики была написана для многих инструментов, но особенно для клавишных и для скрипки .Общий термин для «сольного инструментального произведения» — соната . (Обратите внимание, что «сольная музыка» для неклавишных инструментов обычно сопровождается клавишным аккомпанементом.) В эпоху барокко основными клавишными инструментами были орган , клавесин и клавикорд .

Произведения для малого ансамбля часто называют по количеству партий (трио, квартет, квинтет и т. Д.). Ведущим типом малого ансамбля в эпоху барокко была трио-соната, в которой использовались два мелодических инструмента (часто скрипки), поддерживаемые бассо континуо (которое считается единой частью «трио»).2

Большой ансамбль музыка может быть классифицирована как оркестровая или вокальная .

Ведущей формой оркестровой музыки эпохи барокко был концерт с двумя «голосами». Один голос — это оркестр ; другой — либо небольшой ансамбль , либо одиночный инструмент . На протяжении всего концерта два голоса играют как вместе, так и по отдельности, имитируя и противопоставляя друг друга.

Концерт, в котором оркестр сочетается с небольшим ансамблем, известен как концерт гроссо; с единственным инструментом, сольный концерт. В то время как оба типа процветали в эпоху барокко, только сольный концерт оставался популярным в классический и романтический периоды. (При обсуждении классической и романтической музыки термин «концерт» является синонимом «сольного концерта».)

Два великих вокальных жанра эпохи барокко — это опера, и священное хоровое произведение, произведения.

Opera, представляющая собой сплав театра и музыки, обычно включает два типа вокальных отрывков: , говорящую, (продвигающую сюжет) и песню, (подчеркивающую важные части истории). Речь может иметь форму речитатива («разговорное пение») или простой речи , в то время как пение включает арию (сольные песни), песню для малых групп, (дуэты, трио и т. Д.) И припев .

Две великие формы духовной хоровой музыки в стиле барокко — это оратория и месса .

Ораторию можно определить как «опера без актерского мастерства». Как и опера, оратория рассказывает историю с набором персонажей, которые говорят на (простой речью или речитативом), а поют (арии, песни малых групп, припевы). Однако представление просто направлено на публику; персонажи не взаимодействуют .I200-01, I224

Краткая оратория называется кантата . Оратории и кантаты обычно священный (в отличие от оперы, которая обычно светская ).

Ядром римско-католической религиозной службы является месса , церемония, посвященная Тайной вечере. В дополнение к чтению Священных Писаний и символическому употреблению хлеба и вина, церемония включает повторение (спетых или устных) определенных молитв; Музыкальное оформление этих молитв известно как месса (например, месса Баха си минор ). Стандартные молитвы мессы — Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus, Benedictus и Agnus Dei.

В период средневековья и Возрождения масса процветала как одна из основных форм западной художественной музыки. (По мере того, как средневековье продолжалось, к обычным массам, массам, исходному типу, присоединились полифонические массы .) Масса оставалась важной после Возрождения, хотя ее известность уменьшалась.

Основная статья

Музыка барокко

ок. 1600-1750

Тремя самыми известными фигурами в музыке барокко являются Вивальди , Гендель и Бах .

Антонио Вивальди, священник и скрипач, был выдающимся итальянским композитором своего времени, известным прежде всего тем, что он составил сотни концерта (в основном сольные концерты). Его самая известная работа — «Времена года», набор из четырех скрипичных концертов.

Немецко-британский композитор Джордж Фридрих Гендель преуспел в основном в опере , и оратории .12. Англоязычная оратория «Мессия» (в которую входит знаменитый хор «Аллилуйя») считается его шедевром.Самыми известными инструментальными произведениями Генделя являются танцевальная сюита , а именно Water Music (группа из трех танцевальных сюитов) и Fireworks Music (единая танцевальная сюита).

Выдающимся композитором эпохи барокко является Иоганн Себастьян Бах, преуспевший во всех основных жанрах того времени, кроме оперы (которой он не занимался). Бах особенно известен своими сольными клавишными, концертами и духовными вокальными произведениями. I256

В области сольной клавишной музыки Бах считается величайшим композитором фуги: контрапунктного произведения, в котором тема постоянно передается между различными линиями текстуры (см. Музыкальная текстура).Хотя некоторые фуги Баха являются самостоятельными, большинство из них являются вторым компонентом двухчастного произведения . Самая известная из фуг находится в Токкате и Фуге ре минор.

Когда фуга состоит из двух частей, первая часть обычно представляет собой композицию причудливого импровизационного характера (таким образом резко контрастируя с формальной, структурированной природой фуги). Общие термины для композиции в стиле импровизации включают прелюдию, фантазию и токкату.Этот стиль работы естественным образом возник из разминочных упражнений , которые включают импровизированные смеси пробежек, арпеджио, прыжков и орнаментов.

Величайший концерт Баха — это шесть Бранденбургских концертов, составляющих вершину концерта гроссо.

С точки зрения духовной вокальной музыки , Бах был плодовитым композитором мессы , оратории и кантаты . Его наиболее известными вокальными произведениями могут быть Страсти по Матфею (оратория) и Месса си минор .

Рождение Оперы

В последние десятилетия Возрождения различные флорентийские композиторы (известные под общим названием «Флорентийская камерата») стремились подражать древнегреческому театру (который включал музыкальные элементы; см. Древнюю литературу). Эти композиторы написали первые современные пьесы, в которых строки спеты, , а не произнесены. Действительно, для этой цели они изобрели новый вид пения: речитатив , в котором мелодия имитирует подъем и спад естественной речи.Эти произведения можно охарактеризовать как «спетые пьесы» или «прото-оперы» 2,8

Протоопера привлекла внимание многих композиторов Италии. Опера возникла, когда эти композиторы расширили «певческую игру» за пределы речитатива, включив в нее песню (арии, песни малых групп и припевы), а также инструментальное сопровождение (которое превратилось из небольших ансамблей в полноценные оркестры). Орфей Клаудио Монтеверди считается первой настоящей оперой. I189-90,2,3,7,8

Барочная опера

ок.1600-1750

Девять самых исполняемых оперных композиторов
Барокко Классический Романтика
Итальянский Гендель Моцарт (Доницетти, Россини)> Верди> Пуччини
Немецкий Вагнер> Р. Штраус
французский Бизе

В первые несколько десятилетий периода барокко опера имела преимущественно серьезный, (в отличие от комического) характер.Таким образом, серьезная итальянская опера была самой первой оперой. На протяжении всей эпохи барокко серьезная итальянская опера в основном фокусировалась на арии , которая становилась все более длинной и сложной.

Исходя из Италии, серьезная опера получила широкое распространение в Западной Европе. Действительно, самым стойким композитором серьезной итальянской оперы является немецко-английский композитор Гендель . Его величайшим оперным произведением часто считают Джулио Чезаре («Юлий Цезарь»).

Со временем развились другие региональные стили серьезной оперы (с использованием итальянской оперы в качестве модели), особенно в Германии, Англии и Франции. Серьезная немецкая опера со временем (в период романтизма) станет главной силой в оперном мире. Расцвет серьезной английской оперы был более быстрым, но ограничивался эпохой барокко и, по сути, одним композитором: Генри Перселлом , чье творчество завершилось Dido и Aeneas .Перселл — второй по исполнению из всех композиторов оперы барокко.

Тем не менее, в период барокко и классицизма наиболее активной школой серьезной оперы за пределами Италии была серьезная французская опера , выдающимися деятелями которой являются Люлли и Рамо.

Жан-Батист Люлли основал французский стиль оперы, объединив итальянскую оперу с щедрой французской традицией балета . Французская опера, следовательно, приуменьшает акцент на мелкомасштабном индивидуальном уровне (арии) и делает упор на крупномасштабном коллективном уровне (декорации, танцевальные последовательности, припевы).Этот акцент продолжал процветать в произведениях Жана-Филиппа Рамо, наиболее исполняемого французского оперного композитора эпохи барокко и одного из ведущих претендентов на звание «величайшего композитора балета» (наряду с Чайковским и Стравинским). 6,8,9

Комическая опера

Комическая опера разработана вскоре после созревания и распространения серьезной оперы. Как и в серьезной опере, возникло четыре основных региональных стиля : итальянский, французский, английский и немецкий.Каждый стиль многое почерпнул из местной народной музыки и театра своего региона.

Тем не менее, все комические оперы имеют определенные типичные особенности , включая запоминающиеся мелодии, соответствующие сюжетные линии и настройки, стандартные персонажи и стандартные комедийные жанры (например, сатирический, фарс, непристойный). В то время как во многих комических операх представлено беззаботных историй, в других комедия уравновешена серьезным и драматическим материалом. I303,2

Большинство современных комических опер, которые часто исполняются, относятся к периоду Романтика года.Некоторые из них (все Моцарт) относятся к классике; ни один из них не относится к барокко.

1 — «Западная музыка», Encarta 2004.
2 — «Западная музыка», Британская энциклопедия. По состоянию на сентябрь 2010 г.
3 — «Опера», Колумбийская энциклопедия. По состоянию на сентябрь 2010 г.
4 — «Opera buffa», Encyclopedia Britannica. По состоянию на сентябрь 2010 г.
5 — «Opera», Encarta 2004.
6 — «Жан-Филипп Рамо», Колумбийская энциклопедия. По состоянию на сентябрь 2010 г.
7 — «Клаудио Монтеверди», Encarta 2004.
8 — «Опера», Британская энциклопедия.Проверено в сентябре 2010 г.
9 — «Жан-Батист Люлли», Encarta 2004.
10 — «Оркестр», Encarta 2004.
11 — «Фортепиано», Британская энциклопедия. По состоянию на сентябрь 2010 г.
12 — «Гендель», Британская энциклопедия. По состоянию на сентябрь 2010 г.

Введение в эпоху барокко

Изучение музыки открывает совершенно новый мир самовыражения. Однако вы можете не осознавать, что многое из того, что мы думаем сегодня о «чувствах в музыке», восходит к музыке прошлого.Возможно — и более конкретно — «чувства в музыке» пришли из периода барокко.

Эпоха барокко — один из самых богатых и разнообразных периодов в истории музыки. Искусство и музыка этой эпохи были в значительной степени заказаны церковью и королевской семьей, чтобы приобщить мирян к художественному миру через эмоциональную напряженность, богатую текстуру и богатую красоту.

Что такое «барокко» и когда было барокко?

Термин барокко происходит от португальского barroco , или «жемчужина странной формы», которая использовалась для архитектуры и произведений искусства, создававшихся в то время.Музыка этого периода была известна своей богато украшенной и неумолимой, но в результате были созданы шедевры ряда композиторов, таких как Бах и Гендель. Эпоха барокко пришлась на период с 1600 по 1750 год. Однако это не период времени. Скорее, это стиль музыки.

Характеристики музыки барокко

Есть несколько вещей, которые отличают музыку эпохи барокко от других периодов. Вы можете прислушаться к каждому из них, пытаясь определить или оценить произведения в стиле барокко:

Контраст .Музыка периода барокко известна своими отчетливыми изменениями в динамике, сочетанием соло и ансамблей, а также различными звуками глубины и текстуры. Все эти концепции сыграли жизненно важную роль во многих композициях в стиле барокко.

Сложность . Музыка барокко была временем экспериментов и расширения. Композиторы использовали множество различных форм и сложных вариаций. Большинство произведений следуют формату быстро-медленно-быстро и, как известно, их сложно играть.

Бассо континуо .Также известный как фигурный бас или тщательный бас , это метод создания аккомпанемента из составленной басовой партии путем воспроизведения басовых нот и импровизации гармонии над ними.

Доктрина привязанностей . Композиторы эпохи барокко пытались передать в своей музыке не одну эмоцию, например счастье, а целый ряд человеческих эмоций.

Различные инструментальные звуки .Период барокко содержал несколько инструментов эпохи Возрождения, в том числе записывающие устройства, альты, флейты, лютни и целый ряд струнных инструментов. Тем не менее, самым большим и вездесущим инструментальным развитием, сделанным в эту эпоху, был клавесин.

Известные композиторы эпохи барокко

Первая часть эпохи барокко связана с жанрами итальянского происхождения, включая кантату, концерт, сонату, ораторию и оперу. Антонио Вивальди — известный композитор, особенно прославившийся своими концертами, такими как Four Seasons .

Самая влиятельная фигура в музыке барокко — Иоганн Себастьян Бах. Объем написанных им произведений огромен и включает в себя несколько шедевров. Одно из самых популярных его произведений — Токката и Фуга ре минор BWV 565 . Это величественное, но захватывающее произведение было признано величайшим произведением для органа из когда-либо созданных.

Несмотря на то, что Италия сыграла важную роль в развитии музыки барокко, другие страны Западной Европы внесли не менее важные дополнения, а их композиторы создали свои собственные уникальные стили.Это привело к различиям между народами в том, как составлялась музыка, и в правилах исполнения. Эти различия также сыграли роль в развитии музыки барокко, которую мы переживаем сегодня.

Среди других примечательных имен — Джордж Фридрих Гендель (известный как Water Music и Messiah ), Генри Перселл, Георг Филипп Телеманн и Алессандро Скарлатти.

Эпоха барокко, как никакая другая, способствовала развитию искусства, поскольку музыка становилась все более доступной для людей.Пьесы создавались не только для того, чтобы слушатели получали больше удовольствия от прослушивания, но и для эффективного общения с ними, умышленно вызывая сильные эмоции.

Хотя период барокко закончился более 250 лет назад, его дух и влияние можно услышать повсюду, и его музыка до сих пор затрагивает многих людей.

Хотите узнать больше о различных аспектах музыки? Присоединяйтесь к Musical U сегодня, чтобы получить доступ к мощным ресурсам и поддерживающему сообществу таких же музыкантов, как вы.

Изучение классической музыки: эпоха барокко

Мы начали наше исследование классической музыки в эпоху Возрождения, когда соединились все характеристики, которые стали классической музыкой. Теперь обратимся к великолепному барокко: эпохе Генделя и Баха. Эпоха барокко в истории музыки охватила период с 1600 по 1750 год. Эти полтора века совпали с периодом научного и интеллектуального подъема, который считался эпохой разума.

Декарт говорил о понимании материального мира с точки зрения математики, а Ньютон объяснил законы гравитации.Композиторы и теоретики музыки ответят своим стремлением к инновациям и ясности, а изобретение и развитие новых жанров станут памятниками этому новому отношению.

Фридрих Великий, играющий на флейте

Эпоха барокко была также эпохой политического абсолютизма: правители правили, по крайней мере в своем сознании, на основании божественного права на это. Почему это важно для музыки? Потому что в году именно в этом аристократическом контексте, особенно во дворах и дворцах, создавалась музыка эпохи барокко, которая процветала там, чтобы соответствовать желаниям королевских покровителей .Вместе с этой аристократической властью власть церкви уменьшилась, так что светская музыка естественным образом текла дальше, культивировалась в новых условиях — для конкретных слушателей.

В эпоху Возрождения, предшествовавшую барокко, господствовала вокальная музыка, а инструментальная музыка была подчиненной. Но в эпоху барокко возникли самостоятельные инструментальные жанры, которые конкурировали с вокальными формами. Эти новые возможности были введены, кодифицированы, а затем стандартизированы для будущего. Концерт , соната и симфония появляются в 1600-х годах только для того, чтобы эволюционировать на протяжении поколений и в конечном итоге попадают в руки более поздних мастеров, таких как Моцарт, Бетховен и Малер.

Другие жанры эпохи барокко включают сюиту , кантату и ораторию . Но самым значительным музыкальным нововведением той эпохи для западного мира была опера и . Эта мультимедийная феерия была задумана и воплощена в жизнь критически мыслящими художниками и философами, которые вместе работали над поиском удобных способов спеть историю.

Оперный театр в стиле барокко

Даже при всем своем разнообразии, эпоха барокко предлагает точки соприкосновения для жанров и десятилетий.Мелодии обычно «раскручиваются», а не разбиваются на фразы. Композиции строились из четко определенных частей (или движений), отмеченных контрастными темпами и текстурами. Вы можете заметить крайности в плане громкости (динамики) и ритма. Типичный для динамичной инструментальной музыки двигательный ритм резко контрастирует с гибкостью, необходимой для эмоциональной оперной лирики.

Гомофоническая текстура была жизненно важна для оперных экспериментов, где одна мелодическая линия действовала поверх ненавязчивого инструментального сопровождения, придавая словам резкий рельеф для ясности повествования.Полифония, которая была отличительной чертой музыки эпохи Возрождения, не угасла. Со временем такие композиторы, как Дж. С. Бах, подняли полифонию на новый уровень, создав сложную и имитационную фугу .

Имейте в виду, что контраст является одной из важнейших платформ для прослушивания в наше время, и знайте, что композиторы использовали всевозможные методы для его создания: они противопоставляли голоса инструментам, переключались между полифоническими и гомофоническими текстурами и реализовывали широкий темп и динамику. изменения.

Люди барокко глубоко верили в выразительную силу музыки. В конечном итоге композиторы стремились противопоставить разные настроения для максимального эмоционального воздействия.

Давайте послушаем три важных жанра эпохи барокко: опера , трио-соната и концерт .

Opera

Клаудио Монтеверди

Клаудио Монтеверди (1567–1643) написал первый шедевр западной оперной истории.Его Orfeo впервые был поставлен в 1607 году, когда опера еще была частным делом для интимных зрителей. Одно из самых устойчивых чисел из этой оперы — « Tu se morta » ( Ты мертв ): здесь Орфей только что узнал, что его любовь, Эвридика, умерла, и он клянется спасти ее из бездны, а затем верни ее на землю живых.

Монтеверди использовал здесь речитатив , тип оперного пения, который требует речевой (а не песенной) подачи и редкого оркестрового сопровождения: простые сухие струны и рваные аккорды подчеркивают поэтические фразы в голосе, особенно в самом начале и ближе к концу, особенно в [1: 38-1: 50].Этот особый баланс гарантировал, что слова не будут перегружены, так что — насыщенный эмоциональный текст — имеет приоритет .

Даже с намеренно ограниченными музыкальными ресурсами (помните, что это было для домашнего выступления), Монтеверди использует определенные мелодические, гармонические и ритмические элементы в своих драматических целях. Прочтите перевод текста, а затем подумайте, как музыка переводит этот текст. На пронзительном слове « morta » (мертвых) [в 0:11 и в 0:19] Монтеверди установил колоссальный диссонанс.Более богатый хроматизм и нисходящая мелодия в [0: 55-1: 02] повествуют о стремлении Орфео « спуститься в самую глубокую пропасть » ради любви.

Изменения темпа поддерживают драматическое повествование, а более страстная риторика Орфео — с [0:36] до [0:50] — ускоряет темп срочности. Обратите внимание на довольно свободный вокальный стиль , который соответствует поэтическому ритму и передает эмоциональный пафос, присущий новому драматическому жанру:

Трио-соната

Арканджело Корелли (1563-1713) сформулировал новые стандарты для крупномасштабных инструментальных жанров, таких как соната и концерт.Его трио-соната «» ре мажор, соч. 3, вып. 2 , является одним из его многочисленных шедевров. Игра предназначена для ансамбля из четырех игроков. Вы услышите две скрипки в сопровождении клавесина и альта да гамба (своего рода компактная древняя версия виолончели). Этот дуэт аккомпаниаторов известен как bassocontino , и его использование отмечает музыку эпохи барокко во многих жанрах и десятилетиях.

Малый клавесин в стиле спинет и виола да Гамба

Эта соната состоит из четырех частей, отличающихся контрастными темпами: медленно-быстро-медленно-быстро.Обратите внимание, как в начальной медленной части Корелли использовал внутреннюю полярность между мелодией и аккомпанементом : скрипки явно несут основную мелодию для определения гомофонической текстуры.

В [0: 40–0: 55] идет прекрасный пример противоположного движения , где мелодическая фразировка скрипки стремится вверх, а басовая линия вместо этого спускается. Слушайте также, как скрипки передают идентичный материал выше по высоте, в основном повторяя те же фразы, но выше по регистру. Этот метод известен как последовательность и функционировал как один из простых способов, с помощью которых композиторы того времени могли расширять мелодический материал без необходимости разработки мотивов.

Вторая часть начинается в [2:10] и имеет текстуру контрапункта . Струны преследуют друг друга в имитации, вторая скрипка входит в [2:14]. Обратите внимание на то, что альт да гамба играет заметно более мелодичную, нежели гармоничную роль (верно как для первой, так и для третьей частей), присоединяясь к веселью в [2:19]. Помните, что Корелли преследовал эту причудливую тягу к контрасту, поэтому свежая текстура и ускорение этому удовлетворяют.

Начните третье движение в [3:32] в ожидаемом неторопливом темпе.Четвертая часть [5:32] снова быстрее и более контрапункциональна — вы уловили закономерность? Этот финал представлен в двоичной форме , и вы легко можете услышать, как игроки уважают знаки повторения в партитуре: мы получаем буквальный повтор материала, начиная с [6:00]. Это вносит вклад в общую структурную логику и демонстрирует композитора, заинтересованного в рационально структурированной крупномасштабной форме.

Посмотрите видео, чтобы узнать о полезных репликах! Отдельного дирижера нет: вместо этого клавесинист координирует игроков на старте, тогда для этого небольшого камерного ансамбля достаточно зрительного контакта:

Концерт

В связанном здесь концерте для скрипки слушатели воспринимают одного из самых плодовитых и искусных композиторов: Антонио Вивальди (1678-1741).Его «Опус 3, № 6» — мрачный ля минор. Как и в других произведениях эпохи барокко, здесь делается упор на контраст. Обратите внимание на возникающий диалог между солистом и оркестром (или « tutti », что означает «все»), и то, что контрастные различия в темпе отмечают в общей сложности три части: Fast-Slow-Fast (стандартная форма для концерта в стиле высокого барокко).

Вивальди использовал форму ritornello для первой и третьей частей, заимствовав из вокальной формы рефрен .«Ritornello» означает «возврат», и действительно, отрывок tutti , открывающий пьесу ([0: 00-0: 30]), повторяется снова и снова. Это повторение создает связное впечатление от прослушивания и создает еще больший контраст: между заявлениями группы идет солист , эпизоды — первый из которых вступает в [0:30]. Эти отрывки либо несколько имитируют ритуал, либо оказываются совершенно не связанными друг с другом, и служат двум целям:

  1. Они демонстрируют компетентность солиста. Посмотрите [0: 58-1: 24], чтобы увидеть некоторые замысловатые отрывки перед следующим tutti ritornello в [1:25].
  2. Они действуют как модулирующие переходы, помогая пьесе переходить от одной связанной тональности к другой.

Вивальди хорошо знал скрипку — ее возможности, диапазон и цвета — поэтому написал для нее идиоматически. Послушайте сложную сольную игру с [2:24] до [3:00] и снова в третьей части с [6:37] по [6:57]. Здесь изменения динамики добавляют глубину и эмоциональность прослушиванию.

Чтобы усвоить секционный характер форм барокко, слушайте концерт целиком. Слушание всего концерта выявляет контраст между одним движением и другим . Например, послушайте [3:18], чтобы увидеть уменьшенную текстуру для второй части, которая позволяет меланхолической мелодии парить над аккомпанементом bassocontino .

Неизменное наследие

Несмотря на то, что они создавались в аристократическом контексте, многие произведения в стиле барокко, такие как «Мессия» Генделя, стали популярными и исполнялись постоянно с момента их написания до наших дней.Многие композиторы последующих эпох учились и черпали вдохновение у мастеров барокко.

На самом деле, музыка барокко никогда не была более популярной, чем сегодня. 20-й век дал нам возрождение барокко и стремление вернуть эпоху с использованием барочных систем настройки и исполнительских практик на старинных инструментах. Есть даже современные музыканты, которые всю свою карьеру специализируются на этом 400-летнем стиле.

В музыке барокко каждый найдет что-то для себя.Когда вы слушаете, делайте мысленные заметки о том, что вы можете извлечь из этого и применить к своему собственному музыкальному выражению. Тебе нравится спид-метал? Наслаждайтесь очарованием барокко с двигательным ритмичным пульсом и внезапным контрастом. Вы поете выразительные баллады? Погрузитесь в пропитанные эмоциями медленные движения и оперные арии. Ищете четкую структуру для написания песен? Открыт для баланса и ясности форм барочной сонаты.

Прежде всего, отдайтесь безмерной силе музыки, которая актуальна сегодня так же, как и 400 лет назад.

О музыке — Филармония, барочный оркестр и хорал

Исторически обоснованная производительность

Наше внимание уделяется исторически обоснованному исполнению, что означает, что мы представляем историческую музыку в манере, соответствующей времени и месту, в которых она была написана. В наших выступлениях используются исторические инструменты, играемые по стилистическим стандартам более ранних эпох.

Такую музыку приятно слышать. Также приятно видеть исторически обоснованное исполнение.Ключевой аспект нашей миссии — постановка живых выступлений.

Как следует из нашего названия, филармонический барочный оркестр и хорал привержен музыке эпохи барокко в Европе (период с 1600 по 1750 год). Однако наше программирование охватывает более широкие временные рамки. Мы исследуем эпоху барокко (особенно ее вторую половину), полный классический период (определяемый как период с 1750 по 1820 годы) и первые годы романтического периода (обычно описываемый как начало около 1820 года).

Период барокко

Музыка барокко служит основой всего того, что принято называть «классической» музыкой. Музыканты периода барокко расширили разнообразие и сложность музыки. Многие музыкальные термины и понятия, используемые сегодня, были установлены в то время. Оркестровые инструменты приобрели формы и функции, которые мы до сих пор узнаем. Прижились важные музыкальные жанры, такие как опера. Крупные композиторы эпохи барокко, такие как Иоганн Себастьян Бах, Антонио Вивальди и Джордж Фридрих Гендель, по-прежнему широко известны.

Эпоха барокко восхищает богатством деталей. В его музыке подчеркивается полифония, что означает одновременное воспроизведение нескольких независимых мелодических голосов. В результате получается многослойная или многотекстурная композиция, часто дополненная сложным музыкальным орнаментом. Сложная красота музыки барокко по-прежнему очень привлекательна.

Классический период

Эпоха барокко переросла в классический период музыки, примерно с середины 18 до начала 19 веков.Классический период ценил порядок и ясность в искусстве. В музыке акцент сместился с полифонии на более доминирующий одиночный мелодический голос. Композиторы стремились создать и выразить формальные структуры в своей музыке. Часть удовольствия слушатель получает от того, что слышит и идентифицирует структурные элементы в композиции. Среди любимых композиторов-классиков Вольфганг Амадей Моцарт и Франц Йозеф Гайдн.

Ранний романтический период

Классический период перерос в романтический период, начавшийся в начале 19 века.В романтическую эпоху большое внимание уделялось индивидуальному самовыражению. Композиторы стремились передать эмоциональную силу и интенсивность — и поставить свою музыку сугубо личный.

Многие люди считают Людвига ван Бетховена образцом «романтика» из-за его страстной, легко узнаваемой музыки. На самом деле жизнь композитора охватывает классический и романтический периоды, и ученые продолжают спорить о том, как лучше всего позиционировать его карьеру в рамках истории музыки. Музыка быстро развивалась в конце 18-го и начале 19-го веков, и Бетховен входит в число активных композиторов того времени, творчество которых отражает этот переход.

Композитор, который более прочно относится к раннему романтическому периоду, — это Феликс Мендельсон, который, что интересно, был защитником музыки эпохи барокко! Мендельсон много сделал для возрождения интереса, например, к И. С. Баху и Генделю — и даже сегодня Мендельсон остается источником вдохновения для тех, кто дорожит исторически обоснованным исполнением.

About Author


alexxlab

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован.