Барокко живопись в россии – фото картин знаменитых художников-живописцев — Эль Греко, Андреа дель Поццо, Рембрандта, Веласкеса, Рубенса, Ван Дейка, Хосе де Рибера, Вермеера

Барокко в России. Архитектура, скульптура, живопись

Санкт-Петербургская  государственная 

художественно-промышленная академия им. А.Л. Штиглица

 

Кафедра искусствоведения и культурологии (заочное отделение)

 

 

 

 

 

 

Реферат

Барокко в России.

Архитектура, скульптура, живопись

 

 

 

 

 

студентка 1 курса ф-та МДИ кафедры

 искусствоведения  и культурологии 

 

 

 

 

 

 

 

Санкт-Петербург, 2011

 

 

План:

 

Введение

1. Исторические предпосылки

2. Барокко в России

  2.1 Архитектура

  2.2 Скульптура

  2.3 Живопись

Заключение

Иллюстрации

Список литературы

 

                                                 Введение

 

Актуальность темы данной работы обусловлена тем, что эпоха  барокко – одна из наиболее интересных эпох в истории мировой культуры. Интересна она своим драматизмом, интенсивностью, динамикой, контрастностью и, в то же время, гармонией, цельностью, единством.

Рассказать обо всей культуре барокко все равно, что «объять необъятное». Поэтому отдельные грани мироощущения эпохи, выраженные в искусстве в виде трёх направлений: архитектуры, живописи и скульптуры, – рассмотрены мной более подробно.

Само название произошло от итальянского “barocco”, что означает: грубый, неуклюжий, фальшивый.

В XVIII веке термин приобретает значение отрицательной эстетической оценки. Барочным обозначалось все неестественное, произвольное, преувеличенное, причудливое, странное, вычурное.

Этим термином пользовались ювелиры, обозначая им нестандартные  жемчужины, которые мастера эпохи  барокко умели использовать в  декоративных целях.

«Время барокко» включает в себя много стилей и направлений (маньеризм, классицизм, барокко и рококо) и «стиль барокко». Должно быть, в этом стиле и в самом деле есть что-то причудливое и странное, если даже специалисты сильно расходятся в его оценке. Одни считают, что искусство барокко – неправильное, взвинченное, громоздкое, противоречит гармоничному и жизнеутверждающему искусству Возрождения. Другие видят в барокко грандиозность, пластичность, стремление к красоте и поэтому считают его скорее продолжением Возрождения. Есть третье мнение: искусство барочного типа – это поздняя, кризисная стадия разных эпох в художественной культуре.

Барокко появился в Италии в конце XVI – начале XVII века, как папский стиль. Мировоззренческие основы стиля сложились, как результат потрясений, какими были в XVI в. Реформация и учение Коперника. Изменилось утвердившееся в античности представление о мире, как о разумном и постоянном единстве, а также ренессансное представление о человеке, как о разумнейшем существе. Человек стал сознавать себя «чем-то средним между всем и ничем» по выражению Паскаля, «тем, кто улавливает лишь видимость явлений, но не способен понять ни их начала, ни их конца».

 

 

 

 

1. Исторические предпосылки

 

XVII век. Новое время,  эпоха барокко. Загадочным образом  эта эпоха все еще живет  в нашем сознании, ее новизна  не устарела без малого четыре столетия. Драматическая напряженность мироощущения, интенсивность духовной жизни чувствуется на расстоянии, притягивая через века. Если взглянуть из нашего «исторического далека» на эпоху барокко, в ней не может не поразить внутренняя закругленность, завершенность, исчерпанность смысла. Начало эпохи – прорыв в будущее. Но был ли он так уж неожидан?

Западная Европа вступила в новую фазу экономических и  политических отношений, принесшую с собой новую культуру. Эта фаза характеризуется прежде всего развитием и борьбой феодальных и капиталистических отношений, приводящей к столкновению двух классовых мировоззрений. Происходит централизация государственной власти и образование национальных государственных объединений, слагавшихся на основе абсолютистских режимов. XVII век – одна из наиболее грандиозных эпох во всей истории: все европейские страны развивались в одном направлении: от феодализма к капитализму, причем движение это принимало остродраматические формы, а сам характер развития был резко неравномерным:

Ведущими социальными  слоями становятся буржуазия, земельная  аристократия и крестьянство. Но именно с XVII в. намечаются контуры единого мирового культурно-исторического процесса.

Это не просто время перехода от эпохи Возрождения (XIV-XVI вв.) к  эпохе Просвещения (XVII в), а большая значительная самостоятельная фаза в развитии мировой культуры. Поэтому при всей неравномерности развития стран, что и будет определять национальные особенности духовной жизни, создание национальных школ, большое значение уделяется общим моментам, таким, как мироощущение, миропонимание...

Идеологической основой  для нового стиля было ослабление силы религии в духовной и культурной жизни человека, раскол церкви (на протестантов и католиков), борьба различных вероучений, отражающих интересы различных классов: католицизм выражал феодальные тенденции, протестантизм – буржуазные.

В такой сложной, динамической, драматической обстановке складывался новый стиль, новая культура. Она была результатом либо насильственной политики государства и церкви, либо следствием затишья, пришедшего на смену общественным потрясениям. Но со стабилизацией жизненных условий не уничтожаются общественные противоречия.

В тоже время, барокко – художественная система, отражающая мировоззрение людей после ренессансной эпохи, которые усматривали главный порядок жизни в его противоречиях и считали, что нет ничего, что не имело бы своей оппозиции, несовместимые друг с другом противоположности, сосуществуют в культуре барокко, создавая своеобразную гармонию. Гармонию неустойчивую, исполненную тревоги. Теоретики барокко говорят о «созвучии несозвучного».

 Специфическими чертами  эпохи можно считать:

  1. Усиление религиозной тематики, особенно тем, связанных с мученичеством, чудесами, видениями;
  2. Повышенная эмоциональность;
  3. Большое значение иррациональных эффектов, элементов;
  4. Яркая контрастность, эмоциональность образов;
  5. Тяготение к обобщающим и связывающим формам:

  а) целостностные системы философии;

    б) поиск единства в противоречиях жизни;

    в) в архитектуре: овал в линии здания; архитектурные ансамбли;

   г) скульптура подчинена общему декоративному оформлению;

   д) в живописи – отказ от прямолинейной перспективы, подчеркивание

  «бесконечности» пространства.1

 

2. Барокко в России

 

Барокко на Руси стало  ведущим направлением в искусстве лишь с XVIII века. Именно в формах барокко усваивалась классическая традиция западноевропейского искусства, которая позволила осуществить переход от художественного мышления древней Руси к искусству Нового Времени. Искусство Руси заслуживает внимательного и подробного рассмотрения. Мне бы хотелось подробнее заострить на нём внимание.

2

История искусств не знает  более крутого поворота от средневековья  к Новому времени, чем Россия в  начале XVIII столетия. Пётр I в своей художественной политике руководствовался не только эстетическими, но и духовными соображениями. В искусстве он видел и важное подспорье научному и техническому прогрессу.3

Для того чтобы перейти  к новому времени приходилось переучивать старых художников или искать других. Например, старые русские архитекторы умели строить пока только церкви и боярские сводчатые палаты, а Петру нужны были большие залы для ассамблей, праздников, балов и пиршеств, с колоннами на европейский манер. Русские живописцы писали только иконы, а нужны были и торжественные баталии, прославляющие военные победы, и портреты царя и его приближённых. Русские граверы умели делать иллюстрации к церковным книгам, а нужны были виды строящегося Петербурга, изображения побед на суше и на море, гравюры к учебникам архитектуры, морского и артиллерийского дела.

Всё это не было, конечно, прихотью царя. Русская культура должна была высвободиться, наконец, из-под власти церкви, догнать, наконец, ушедшие вперёд европейские страны. Поэтому и пригласили из Европы в Россию архитекторов, живописцев, граверов, скульпторов, а способные к искусству русские молодые люди отдавались им в ученики. 

В России процессы образования  нового после ренессанса стиля наиболее активно развернулись в Москве и во всей зоне ее культурного влияния. Декоративность, освобожденная от сдерживающих начал, которые несла в себе традиция XVI столетия, в московской архитектуре исчерпала себя, сохранившись в хронологически отстававших провинциальных вариантах. Но процессы формирования светского мировоззрения развивались и углублялись. Их отражали утвердившиеся изменения во всей художественной культуре, которые не могли миновать и архитектуру. В его пределах начались поиски новых средств, позволяющих объединить, дисциплинировать форму, поиски стиля. Русское искусство выходит на общеевропейские пути развития, отказываясь от средневековой замкнутости, но, отнюдь не порывая с многовековыми национальными традициями.4

Московская архитектура, «московское барокко», конца XVII – начала ХVIII века была, безусловно, явлением прежде всего русским. В ней еще сохранялось многое от средневековой традиции, но все более уверенно утверждалось новое. Скульптура барокко отличается патетикой жестов, экспрессией ракурсов, сочной пластикой. Живопись – красочностью, декоративностью, эффектами светотени. То же самое и в архитектуре: вся эстетика барокко основана на преувеличенном пафосе, стремлении поразить воображение. И всё же главное, что вызвало расцвет архитектуры барокко, – это стремление к выражению своего престижа; стиль барокко – это, в конечном счете, апофеоз богатства. В эпоху средневековья достоинством считалась сила, в предыдущие времена – богатство, оно вызывало чувство почтения, понималось как величие. Барокко в России более жизнерадостно и декоративно, чем на Западе. Праздничность и стремление к украшениям порой доходят здесь до пестроты. Говоря об архитектуре обычно уделяют внимание Москве и Санкт-Петербургу, это не значит, что в других местах не велись постройки. Дело в том, что в период XVIII-XIX века строилось всё в  основном Московскими или Петербургскими мастерами.

 

                              

          2.1 Архитектура

 

Период московского  зодчества с его декоративным убранством – карнизами, кокошниками – в 1670-х гг. сменяет заключительный аккорд древнерусской архитектуры – нарышкинское, или московское, барокко, представляющее собой переходную ступень от древнерусской культуры к европейскому стилю барокко.

Нарышкинское барокко  совмещает в себе декоративные черты  древнерусского московского зодчества с планировкой, свойственной барочной западноевропейской архитектуре. Московский Новодевичий монастырь, особенно красноречивый в этом отношении: он был прямым свидетелем событий, подтолкнувших молодого Петра на стезю крупных преобразований. Вместе с тем он – ярчайшее свидетельство эстетических пристрастий, непосредственно, предшествующих началу преобразований эпохи. Пышным обрамлением создаётся дистанция удаления от строгого величия старины в сторону не просто иного, но противоположного вкуса.5 В развитии московской архитектуры заметная роль принадлежит Дмитрию Васильевичу Ухтомскому (1719-1774), создателю грандиозной колокольни Троице-Сергиева монастыря (1741-1770 гг.) и знаменитых Красных ворот в Москве (1753-1757 гг.). Уже существовавший проект колокольни, Ухтомский предложил дополнить двумя ярусами, так что колокольня превратилась в пятиярусную и достигла восьмидесяти восьми метров в высоту. Верхние ярусы не предназначались для колоколов, но благодаря им, постройка стала выглядеть более торжественно и была видна издали. Не сохранившиеся до наших дней Красные ворота были одним из лучших образцов архитектуры русского барокко. История их строительства и многократных перестроек тесно связана с жизнью Москвы XVIII в. и очень показательна для той эпохи.

6

Меняются внутренние принципы мирское и религиозное. Такого рода перелом был пережит в Европе и подходил к этому плавно с должной внимательностью. Для нас же резким вторжением в культуру, образ жизни, неподготовленное сознание. Это было реформой  Петра, выраженной крылатой фразой А.С.Пушкина «В Европу прорубил окно». Реформы, проведенные Петром I (1689-1725 гг.), затронули не только политику, экономику, но также искусство. Целью молодого царя было поставить русское искусство в один ряд с европейским, просветить отечественную публику и окружить свой двор архитекторами, скульпторами и живописцами. Петр  не насаждал западничество как нечто чуждое, русскому быту. Поэтому главные соборы, стены и башни Московского кремля были созданы европейскими мастерами. В архитектуре нового образца начинают формировать фасады как лицо здания, преобразовывается окно и соответственно весь лад русской архитектуры. Прежде окна украшались стеной, её выступами, наличниками; теперь стена украшается окнами. Свой апофеоз окно празднует в архитектуре Франчесско Бартоломео Растрелли. Архитектурный фасад превращён своего рода в экспозиционный стенд для выставки окон.

7           

В начале XVIII века Петр I специально выписывает итальянских мастеров для застройки Петербурга. Русская архитектура XVIII века подражает западной архитектуре, которой были свойственны: сложный криволинейный план и очертания линий, причудливость пластики полуокружности, полуциркульные окна, разорванные фронтоны, спаренные колонны и пилястры, массивные парадные лестницы, пространственный размах комплексов, слияние искусств (архитектуры, скульптуры, живописи), декоративность интерьеров, применение зеркал в оформлении помещений. Ордер применяется как декоративно-пластическая форма наравне со скульптурой. Свойства построек – предельная живописность (вычурность), контрастность, напряженность, динамичность образов и текучесть сложных обычно криволинейных форм, стремление к нарочитой пышности. Часто встречаются развернутые масштабные колоннады, изобилие скульптуры на фасадах и в интерьерах.8

Санкт-Петербург представал как образец новой культуры. Будущая столица возводилась на пустом месте, что во многом облегчало внедрение приемов регулярной планировки и застройки. В небывалых ранее масштабах, были мобилизованы материальные и людские ресурсы всей страны. В первые годы существования Санкт-Петербурга развернулось широкое  мазанковое строительство. В ходе строительства мастера осваивали деревянные конструкции  так называемого «прусского образца», т.е.  облегченный характер стен, плоские перекрытия  в хозяйственных, общественных и жилых  строениях. Технической новинкой в строительстве Петербурга явились необычайно высокие шпили, венчающие важнейшие городские здания, что было широко распространено в северно-европейских странах. Выдающимся сооружением  такого типа был шпиль Петропавловского собора, высота которого достигала 45 м. С размахом же каменного строительства усовершенствовались и его инженерные основы, стало возможно уменьшить толщину стен строившихся зданий без существенного снижения прочности.

Шедевры барочной архитектуры » Архив Блога » Барокко в живописи России

28 июня 2013

Живопись эпохи барокко характеризуется пышной декоративностью и основательностью, союзом необычного и обыденного, приземленного и возвышенного. Самыми яркими работами в этом стиле являются портреты А. Ван Дейка и Г. Риго; натюрмортные работы Ф. Снейдерса, где отображалось все изобилие и разнообразие природных форм; работы-аллегории П. Рубенса, в которых фигуры известных людей ставились в ряд с величественными богами для отображения добродетели этих личностей.
Эпоха барокко наступила в России несколько позже, нежели в других Европейских странах. Только после середины семнадцатого века элементы этого стиля стали проявляться при росписи церквей, проектировании новых построек, выполнении работ декоративно-прикладного искусства. И.П. Запрудный развивал в своих работах новое направление – нарышкинское барокко. Активно же этот стиль стал использоваться лишь в начале восемнадцатого века. Этот этап развития российского барокко ознаменовался петровскими преобразованиями. А уже после 1760 года на смену данному стилю пришел классицизм. Петр I в это время приглашал в Россию очень много мастеров из других стран.
Все проекты этих творцов выполнялись в соответствии с личными предпочтениями царя. Именно поэтому российские барочные произведения были достаточно сдержанными и скромными.
Эта вариация стиля берет свое начало в Голландии. В отличие от большинства европейских стран, где барокко смешивалось с классицизмом, российский вариант стиля все чаще переплетался с рококо. В живописи этой эпохи передовое место занял портрет.
Также стиль наложил свой отпечаток на традициях празднования крупных событий. Именно во время царствования Петра I в обиход вошли фейерверки, яркое освещение, большое количество декоративных деталей и скульптур. Одним из самых известных творцов скульптуры в России эпохи барокко стал Б.К. Растрелли. Итальянец выражал в своих работах возвышенность не личности, а образа, утонченность деталей и великолепную пространственную чуткость. Одни из самых ярких его работ – это «Императрица Анна Иоанновна с арапчонком», созданная в 1741 году, и «Восковая персона» царя, созданная в 1725 году.


Барокко

БАРОККО (от итал. barocco – причудливый, странный), художественный стиль, занимавший ведущее положение в европейском искусстве с кон. 16 до сер. 18 в. Зародился в Италии. Термин был введён в кон. 19 в. швейцарскими искусствоведами Я. Буркхардтом и Г. Вёльфлином. Стиль охватил все виды творчества: литературу, музыку, театр, но особенно ярко проявился в архитектуре, изобразительном и декоративно-прикладном искусствах. На смену ренессансному ощущению ясной гармонии мироздания пришло драматическое понимание конфликтности бытия, бесконечного разнообразия, необозримости и постоянной изменчивости окружающего мира, власти над человеком могучих природных стихий. Выразительность барочных произведений часто построена на контрастах, драматических столкновениях возвышенного и низменного, величественного и ничтожного, прекрасного и безобразного, иллюзорного и реального, света и тьмы. Склонность к сочинению сложных и многословных аллегорий соседствовала с предельной натуралистичностью. Барочные произведения искусства отличались избыточностью форм, страстностью и напряжённостью образов. Как никогда ранее, было сильно ощущение «театра жизни»: фейерверки, маскарады, страсть к переодеваниям, перевоплощениям, всевозможные «обманки» вносили в жизнь человека игровое начало, небывалую зрелищность и яркую праздничность.

В России элементы барокко появились позднее, чем в Европе, – во второй пол. 17 в. – в росписях ярославских церквей, в декоративно прикладном искусстве, в постройках т. н. нарышкинского барокко, традиции которого развил в своём творчестве И. П. Зарудный («Меншикова башня» в Москве, 1704–07). Активное проникновение стиля в русскую культуру происходит с началом петровских преобразований в первые десятилетия 18 в.; в 1760 е гг. барокко сменяется классицизмом. По приглашению Петра I в Россию приезжает множество иностранных мастеров: архитекторы Д. Трезини, А. Шлютер, Г. И. Маттарнови, Н. Микетти, скульпторы Н. Пино, Б. К. Растрелли, живописцы И. Г. Таннауэр, Л. Каравак, гравёры А. Шхонебек, П. Пикар и др.

В соответствии с личными вкусами Петра, приезжие и отечественные художники ориентировались в основном на более сдержанный вариант барокко, сложившийся в Голландии; русскому искусству осталась чуждой мистическая экзальтация произведений итальянских мастеров. В России барокко соседствовало (а часто и переплеталось) не с классицизмом, как это было в Европе, а с нарождавшимся рококо. Ведущим жанром живописи стал портрет. Стилистика барокко пронизывала всю систему оформления праздников и торжеств начала 18 в., сложившуюся в царствие Петра I (иллюминации, фейерверки, возводившиеся из временных материалов триумфальные арки, обильно украшавшиеся декоративной живописью и скульптурой). Ведущим барочным скульптуром в России был итальянец Б. К. Растрелли. В его портретах и памятниках торжественная приподнятость образа, сложность пространственной композиции сочетаются с ювелирной тонкостью в исполнении деталей («Императрица Анна Иоанновна с арапчонком», 1741). Яркий образец барочного натурализма – созданная Растрелли «Восковая персона» Петра I (1725).

В русской живописи Петровской эпохи (И. Н. Никитин, А. М. Матвеев) влияние барокко ощущается в особой приподнятости, повышенной внутренней энергии портретных образов.

Расцвет барокко в России пришёлся на царствование Елизаветы Петровны (1741–61). Самым ярким воплощением стиля в архитектуре стали торжественные, полные жизнеутверждающего пафоса постройки, созданные Б. Ф. Растрелли (Зимний дворец, 1732–33; дворцы М. И. Воронцова, 1749–57, и С. Г. Строганова, 1752–54, в Санкт-Петербурге). В грандиозных садово парковых ансамблях в Петергофе (1747–52) и Царском Селе (1752–57) в полной мере воплотился синтез архитектуры, скульптуры, живописи, декоративно-прикладного и ландшафтного искусства. Яркие – голубые, белые, золотые – краски дворцовых фасадов; водные каскады и фонтаны в парках с их неумолчным шумом и непрестанным движением падающей воды, отражающей днём солнечные блики, а ночью призрачные огни фейерверков, – всё создавало праздничное зрелище. В церковной архитектуре Растрелли соединились традиции европейского барокко и древнерусского зодчества (Смольный монастырь в Санкт-Петербурге, 1748–54). Ведущими барочными архитекторами середины 18 в. были также С. И. Чевакинский, работавший в Санкт-Петербурге (Никольский военно-морской собор, 1753–62), и Д. В. Ухтомский, строивший в Москве (Красные ворота, 1753–57).

В плафонной живописи самыми признанными мастерами были итальянцы Д. Валериани и А. Перезинотти, успешно работавшие также в жанре театрально-декорационного искусства. В творчестве русских мастеров ведущим жанром оставался портрет. В произведениях А. П. Антропова барокко воплотилось в насыщенных мощью и силой образах портретируемых, контрасте внутренней энергии и внешней неподвижности, застылости, в натурной достоверности отдельных, тщательно выписанных деталей, в яркой, декоративной красочности.

Русская гравюра эпохи барокко (А. Ф. Зубов) сочетала рационализм, деловитость с эффектностью в изображении морских сражений, торжественных шествий, парадных видов новой столицы России. Гравёры сер. 18 в. часто обращались к городскому пейзажу (парадные виды Санкт-Петербурга, выполненные по оригиналам М. И. Махаева), а также к научной, познавательной тематике (художественное исполнение архитектурных планов, географических карт, проектов декоративного оформления триумфальных ворот, фейерверков и иллюминаций, учебных пособий, атласов и книжных иллюстраций). В этих графических произведениях сочетались документальная тщательность в изображении мельчайших деталей и обилие декоративных элементов – картушей с надписями, виньеток, богатой и обильной орнаментики.

Стилистика барокко с его динамичными формами, контрастами и беспокойной игрой светотени вновь оживает в эпоху романтизма.

Энциклопедия "Искусство" в 4 т. Под ред. Горкина А. П.

Барокко в живописи - это... Что такое Барокко в живописи?

Живопись барокко или барочная живопись — живописные произведения периода барокко в культуре XVI—XVII веков, тогда как в политическом плане исторический период разделяется на Абсолютизм и Контрреформацию. Живопись барокко характеризуется динамизмом, «плоскостью» и пышностью форм, самые характерные черты барокко — броская цветистость и динамичность; яркий пример — Рубенс, Караваджо.

В Италии

Микеланджело Меризи, которого по месту рождения близ Милана прозвали Караваджо, считают самым значительным мастером среди итальянских художников, создавших в конце XVI в. новый стиль в живописи [1]. Его картины, написанные на религиозные сюжеты, напоминают реалистичные сцены современной автору жизни, создавая контраст времен поздней античности и Нового времени. Герои изображены в полумраке, из которого лучи света выхватывают выразительные жесты персонажей, контрастно выписывая их характерность. Последователи и подражатели Караваджо, которых поначалу называли караваджистами, а само течение караваджизмом[2], переняли буйство чувств и характерность манеры Караваджо, так же как и его натурализм в изображении людей и событий. Болонский академизм, противопоставляемый караваджизму, представляли Аннибале Карраччи и Гвидо Рени.

В итальянской живописи эпохи барокко развивались разные жанры, но в основном это были аллегории, мифологический жанр. В этом направлении преуспели Пьетро да Кортона, Андреа дель Поццо, Джованни Баттиста Тьеполо, братья Карраччи. Прославилась венецианская школа, где большую популярность получил жанр ведуты, или городского пейзажа. Самый прославленный автор таких работ — Д. А. Каналетто. Не менее известны Франческо Гварди и Бернардо Беллотто. Каналетто и Гварди писали виды Венеции, тогда как Беллотто (ученик Каналетто) работал в Германии. Ему принадлежат многие виды Дрездена и других мест. Сальватор Роза (неаполитанская школа) и Алессандро Маньяско писали фантастические пейзажи. Последнему принадлежат архитектурные виды, и к нему очень близок французский художник Юбер Робер, работавший в то время, когда вспыхнул интерес к античности, к римским развалинам. В их работах представлены руины, арки, колоннады, древние храмы, но в несколько фантастическом виде, с преувеличениями. Героические полотна писал Доменикино, и живописные притчи — Доменико Фетти.

Во Франции

Во Франции барочные черты присущи парадным портретам Иасента Риго. Самая известная его работа — портрет Людовика XIV. Творчество Симона Вуэ и Шарля Лебрена, придворных художников, работавших в жанре парадного портрета, характеризуют как «барочный классицизм». Настоящее превращение барокко в классицизм наблюдается в полотнах Никола Пуссена.

В Испании

Более жесткое, строгое воплощение получил стиль барокко в Испании, воплотившись в работах таких мастеров как Веласкес, Рибера и Сурбаран. Они придерживались принципов реализма. К тому времени Испания переживала свой «Золотой век» в искусстве, находясь при этом в экономическом и политическом упадке.

Для искусства Испании характерна декоративность, капризность, изощренность форм, дуализм идеального и реального, телесного и аскетичного, нагромождения и скупости, возвышенного и смешного. Среди представителей:

Доменико Теотокопули (Эль Греко) — художник рубежа XVI—XVII вв. Он был глубоко религиозен, поэтому в его искусстве представлены многочисленные варианты религиозных сюжетов и празднеств: «Святое семейство», «Апостолы Петр и Павел», «Сошествие святого духа», «Христос на Масличной горе».

Эль Греко был великолепным портретистом. Всегда изображаемое он трактовал как ирреальное, фантастическое, воображаемое. Отсюда деформация фигур (элементы готики), предельные колористические контрасты с преобладанием темных цветов, игра светотени, ощущение движения…

  • «Портрет поэта Эрсильи-и-Суньиги»,
  • «Портрет кардинала Тавера»,
  • «Портрет неизвестного».

Но не его картины украшали пышный испанский двор. Среди художников, работавших при дворе Филиппа II, были

  1. Франсиско Сурбаран (1598—1664) — «Отрочество Богоматери», «Младенец Христос». Главное в его картинах — ощущение святости, чистоты; простое композиционное решение, плавность линий, плотное цветовое решение, материальность, вещественность, богатство колорита, величавость, сдержанность, реальность жизни, соединенные с мистичностью веры, высокой духовностью, эмоциональной напряженностью.
  2. Хусепе Рибера (1591—1652). Основные сюжеты его картин — мученичество святых, портреты людей, проживших долгую жизнь. Но его работы не сентиментальны. Он более всего не хотел, чтобы его модели вызывали жалость. В них — истинно испанская народная гордость. Например, «Хромоножка», «Святая Агнесса», «Апостол Яков-старший».

Казалось, что испанская живопись никогда не выйдет из «стен» храмов. Но это сделал Диего Веласкес (1599—1660) — великолепный мастер психологического портрета, живописец характеров. Его картины отличаются многофигурной сложностью композиций, многокадровостью, предельной детализацией, прекрасным владением цветом. Веласкес — великий полифонист живописи. «Завтрак», «Портрет Оливареса», «Шут», «Сдача Бреды» («Копья»), «Пряхи».

Художником, завершившим «золотой век» испанской живописи, был Бартоломе Эстебан Мурильо. Он, отчасти, продолжил бытовую линию, намеченную Веласкесом. «Девочка с фруктами», «Мальчик с собакой».

Но в зрелые годы творчества все чаще обращался исключительно к библейским сюжетам: «Святое семейство», «Бегство в Египет». В этих работах он выступает как блестящий колорист, мастер композиции. Но как далеко ушла эта живопись от глубоко человеческих страстей лучших испанских полотен.

Фламандская живопись

Период расцвета фламандского барокко приходится на 1 пол. XVII века и представлен творчеством Рубенса, Ван Дейка, Йорданса, Снейдерса. Законодателем в новом стиле стал Питер Пауль Рубенс. В ранний период барочная стилистика воспринимается Рубенсом через призму живописи Караваджо — «Воздвижение креста», «Снятие с креста», «Похищение дочерей Левкиппа». Переходом к зрелой фазе творчества художника стал большой заказ цикла картин «Жизнь Марии Медичи». Картины театральны, аллегоричны, манера письма выразительна. Рубенс демонстрирует невероятную жизнеутверждающую силу барокко, его портреты, особенно женские, открывают этот неиссякаемый для него источник радости. В последний период творчества Рубенс продолжает тему вакханалий — «Вакх» — откровенно телесное восприятие жизни.

В Голландии сложилось несколько школ живописи, объединявших крупных мастеров и их последователей: Франца Халса — в Харлеме, Рембрандта — в Амстердаме, Вермеера — в Делфте. В живописи этой страны барокко носило своеобразный характер, ориентируясь не на эмоции зрителей, а на их спокойное, рациональное отношение к жизни. Рембрандт это подчёркивал в следующих словах: «Небо, земля, море, животные, люди, — всё это служит для нашего упражнения».

Значение

Художники барокко открыли искусству новые приемы пространственной интерпретации формы в ее вечно изменчивой жизненной динамике, активизировали жизненную позицию. Единство жизни в чувственно-телесной радости бытия, в трагических конфликтах составляет основу прекрасного в искусстве барокко.

Примечания

  1. Х.В.Янсон, Э.Ф.Янсон. Основы истории искусств. Санкт-Петербург, Россия, 1996 г. Ч.3, с.286-324.
  2. A Guide to Art. S.Sproccati ed. Little, Brown and Company (UK) Ltd. 1992. P.87-97.

См. также

Живопись барокко - это... Что такое Живопись барокко?

Живопись барокко или барочная живопись — живописные произведения периода барокко в культуре XVI—XVII веков, тогда как в политическом плане исторический период разделяется на Абсолютизм и Контрреформацию. Живопись барокко характеризуется динамизмом, «плоскостью» и пышностью форм, самые характерные черты барокко — броская цветистость и динамичность; яркий пример — Рубенс, Караваджо.

В Италии

Микеланджело Меризи, которого по месту рождения близ Милана прозвали Караваджо, считают самым значительным мастером среди итальянских художников, создавших в конце XVI в. новый стиль в живописи [1]. Его картины, написанные на религиозные сюжеты, напоминают реалистичные сцены современной автору жизни, создавая контраст времен поздней античности и Нового времени. Герои изображены в полумраке, из которого лучи света выхватывают выразительные жесты персонажей, контрастно выписывая их характерность. Последователи и подражатели Караваджо, которых поначалу называли караваджистами, а само течение караваджизмом[2], такие как Аннибале Каррачи или Гвидо Рени, переняли буйство чувств и характерность манеры Караваджо, так же как и его натурализм в изображении людей и событий.

В итальянской живописи эпохи барокко развивались разные жанры, но в основном это были аллегории, мифологический жанр. В этом направлении преуспели Пьетро да Кортона, Андреа дель Поццо, Джованни Баттиста Тьеполо, братья Карраччи. Прославилась венецианская школа, где большую популярность получил жанр ведуты, или городского пейзажа. Самый прославленный автор таких работ — Д. А. Каналетто. Не менее известны Франческо Гварди и Бернардо Беллотто. Каналетто и Гварди писали виды Венеции, тогда как Беллотто (ученик Каналетто) работал в Германии. Ему принадлежат многие виды Дрездена и других мест. Сальватор Роза (неаполитанская школа) и Алессандро Маньяско писали фантастические пейзажи. Последнему принадлежат архитектурные виды, и к нему очень близок французский художник Юбер Робер, работавший в то время, когда вспыхнул интерес к античности, к римским развалинам. В их работах представлены руины, арки, колоннады, древние храмы, но в несколько фантастическом виде, с преувеличениями. Героические полотна писал Доменикино, и живописные притчи — Доменико Фетти.

Во Франции

Во Франции барочные черты присущи парадным портретам Иасента Риго. Самая известная его работа — портрет Людовика XIV. Творчество Симона Вуэ и Шарля Лебрена, придворных художников, работавших в жанре парадного портрета, характеризуют как «барочный классицизм». Настоящее превращение барокко в классицизм набллюдается в полотнах Никола Пуссена.

В Испании

Более жесткое, строгое воплощение получил стиль барокко в Испании, воплотившись в работах таких мастеров как Веласкес, Рибера и Сурбаран. Они придерживались принципов реализма. К тому времени Испания переживала свой «Золотой век» в искусстве, находясь при этом в экономическом и политическом упадке.

Для искусства Испании характерна декоративность, капризность, изощренность форм, дуализм идеального и реального, телесного и аскетичного, нагромождения и скупости, возвышенного и смешного. Среди представителей:

Доменико Теотокопули (Эль Греко) — художник рубежа XVI—XVII вв. Он был глубоко религиозен, поэтому в его искусстве представлены многочисленные варианты религиозных сюжетов и празднеств: «Святое семейство», «Апостолы Петр и Павел», «Сошествие святого духа», «Христос на масленичной горе».

Эль Греко был великолепным портретистом. Всегда изображаемое он трактовал как ирреальное, фантастическое, воображаемое. Отсюда деформация фигур (элементы готики), предельные колористические контрасты с преобладанием темных цветов, игра светотени, ощущение движения…

  • «Портрет поэта Эрсильи-и-Суньиги»,
  • «Портрет кардинала Тавера»,
  • «Портрет неизвестного».

Но не его картины украшали пышный испанский двор. Среди художников, работавших при дворе Филиппа II, были

  1. Франсиско Сурбаран (1598—1664) — «Отрочество Богоматери», «Младенец Христос». Главное в его картинах — ощущение святости, чистоты; простое композиционное решение, плавность линий, плотное цветовое решение, материальность, вещественность, богатство колорита, величавость, сдержанность, реальность жизни, соединенные с мистичностью веры, высокой духовностью, эмоциональной напряженностью.
  2. Хусепе Рибера (1591—1652). Основные сюжеты его картин — мученичество святых, портреты людей, проживших долгую жизнь. Но его работы не сентиментальны. Он более всего не хотел, чтобы его модели вызывали жалость. В них — истинно испанская народная гордость. Например, «Хромоножка», «Святая Инесса», «Апостол Яков-старший».

Казалось, что испанская живопись никогда не выйдет из «стен» храмов. Но это сделал Диего Веласкес (1599—1660) — великолепный мастер психологического портрета, живописец характеров. Его картины отличаются многофигурной сложностью композиций, многокадровостью, предельной детализацией, прекрасным владением цветом. Веласкес — великий полифонист живописи. «Завтрак», «Портрет Оливареса», «Шут», «Сдача Бреды» («Колья»), «Пряхи».

Художником, завершившим «золотой век» испанской живописи, был Бартоломе Эстебан Мурильо. Он, отчасти, продолжил бытовую линию, намеченную Веласкесом. «Девочка с фруктами», «Мальчик с собакой».

Но в зрелые годы творчества все чаще обращался исключительно к библейским сюжетам: «Святое семейство», «Бегство в Египет». В этих работах он выступает как блестящий колорист, мастер композиции. Но как далеко ушла эта живопись от глубоко человеческих страстей лучших испанских полотен.

Фламандская живопись

Период расцвета фламандского барокко приходится на 1 пол. XVII века и представлен творчеством Рубенса, Ван Дейка, Йорданса, Снейдерса. Законодателем в новом стиле стал Питер Пауль Рубенс. В ранний период барочная стилистика воспринимается Рубенсом через призму живописи Караваджо — «Воздвижение креста», «Снятие с креста», «Похищение дочерей Левкиппа». Переходом к зрелой фазе творчества художника стал большой заказ цикла картин «Жизнь Марии Медичи». Картины театральны, аллегоричны, манера письма выразительна. Рубенс демонстрирует невероятную жизнеутверждающую силу барокко, его портреты, особенно женские, открывают этот неиссякаемый для него источник радости. В последний период творчества Рубенс продолжает тему вакханалий — «Вакх» — откровенно телесное восприятие жизни.

В Голландии сложилось несколько школ живописи, объединявших крупных мастеров и их последователей: Франца Халса — в Харлеме, Рембранта — в Амстердаме, Вермеера — в Делфте. В живописи этой страны барокко носило своеобразный характер, ориентируясь не на эмоции зрителей, а на их спокойное, рациональное отношение к жизни. Рембрант это подчёркивал в следующих словах: «Небо, земля, море, животные, люди, — всё это служит для нашего упражнения».

Значение

Художники барокко открыли искусству новые приемы пространственной интерпретации формы в ее вечно изменчивой жизненной динамике, активизировали жизненную позицию. Единство жизни в чувственно-телесной радости бытия, в трагических конфликтах составляет основу прекрасного в искусстве барокко.

Примечания

  1. Х.В.Янсон, Э.Ф.Янсон. Основы истории искусств. Санкт-Петербург, Россия, 1996 г. Ч.3, с.286-324.
  2. A Guide to Art. S.Sproccati ed. Little, Brown and Company (UK) Ltd. 1992. P.87-97.

См. также

Wikimedia Foundation. 2010.

About Author


admin

Отправить ответ

avatar
  Подписаться  
Уведомление о