Цели позднего классицизма: Напишите Цели стиля (Позднего классицизма, Романтизма, Реализма, Импрессионизма)

Trojden | «Зеркало» меняющейся жизни: Данилов Д. Д.

ПОСТАНОВКА ПРОБЛЕМЫ УРОКА

Справочные сведения:

В романском стиле сооружались европейские храмы, создавались скульптуры в Х-ХII веках. Готический стиль в архитектуре, живописи и скульптуре получил наибольшее распространение в XIII-XIV веках. Стиль ренессанс господствовал в литературе, архитектуре и изобразительном искусстве в эпоху Возрождения — в XV-XVI веках. В XVII веке в искусстве Европы и Америки преобладал стиль барокко. В XVIII веке в эпоху Просвещения господствовал стиль классицизм.

• Сколько времени уходило на смену одного художественного стиля другим в истории культуры Запада до XIX века?

Справочные сведения:

В первой половине XIX века в архитектуре и изобразительном искусстве Европы и Америки был распространён поздний классицизм — ампир. Одновременно в 1800-1830-е годы в литературе, архитектуре, изобразительном искусстве распространяются романтизм и близкие к нему новые подражания старым стилям (неоготика).

С 1830-х годов в литературе и изобразительном искусстве уверенно развивается новый стиль — реализм. 1870-е годы отмечены появлением в изобразительном искусстве импрессионизма. Со второй половины XIX века в архитектуре распространяется эклектика.

• Сколько стилей сменилось в культуре западной цивилизации за неполный XIX век (1800-1880-е годы)? (Авторский вариант — с. 303.)

ПОВТОРЕНИЕ НЕОБХОДИМЫХ ЗНАНИЙ

• Объясните значение слов: культура, искусство, модернизация, капитализм (словарь).

• Как быстро происходили перемены в науке, технике и социально-экономической жизни XIX века (приведите примеры)? (§ 1-2)

• Каких характерных для разных исторических явлений XIX века литературных героев Вальтера Скотта, Марка Твена, Проспера Мериме, Эдгара По, Шарлотты Бронте, Джорджа Байрона, Оноре де Бальзака, Стендаля вы помните? (Учебники по литературе для 5-8 классов «Шаг за горизонт», «Год после детства», «Путь к станции «Я»», «Дом без стен»)

РЕШЕНИЕ ПРОБЛЕМЫ

1. Спор классицизма и романтизма

• Почему, на ваш взгляд, классицизм и реализм соперничали друг с другом?

• Сделайте вывод о быстрой смене стилей в культуре XIX века. (Используйте продуктивное чтение — см. пример на с. 16.)

Бури революций и войн на рубеже XVIII-XIX веков удалось пережить ведущему стилю эпохи Просвещения — классицизму. Многие художники и поэты воспевали идеалы гражданского долга, бескорыстного служения обществу, подвиги во имя прогресса и величия государства. Так, знаменитый живописец Давид создаёт картины, посвящённые гражданским подвигам времён Великой французской революции или эпохи Наполеона. Триумфальная арка и Вандомская колонна, прославляющие победы армии Наполеона, напоминали о военных подвигах времён Римской империи. Так поздний классицизм — стиль ампир («имперский») — утверждал в Европе идеал «просвещённой империи».

Однако нравы, воцарившиеся в обществе к началу XIX века — после Великой французской революции, мало напоминали «Царство Разума, Братства и Свободы», о котором мечтали просветители. Несмотря на те грандиозные преобразования, которые произошли в обществе, технический прогресс, расширение гражданских свобод, трудно было не заметить уродливых проявлений действительности, среди которых особенно вопиющими были нищета, рабский труд женщин и детей на фабриках, сотни бедняков на городских окраинах и десятки богатеев-скряг в роскошных особняках.

Несоответствие мечты просветителей и реальности привело многих к мысли, что «не Разум должен быть в центре внимания художника, а Дух свободный и мятежный», или, иначе говоря, что порывы человеческой души, движение внутреннего, духовного мира важнее мира материального. Так появился новый стиль — романтизм. Приверженцы этого направления в искусстве пытались противопоставить просветительским идеалам гражданственности, долга и общественного прогресса идеал мятежной личности, независимой, сильной, творческой и свободной.

Триумфальная арка в Париже. Один из главных символов ампира — позднего классицизма

Клятва в зале для игры в мяч. Худ. Ж.-Л. Давид

20 июня 1789 г. депутаты Генеральных штатов клянутся не расходиться, пока не создадут для Франции конституцию.

В поисках такого героя, например, английский писатель Вальтер Скотт обращался к народным легендам и средневековым балладам о благородном разбойнике Робин Гуде или рыцаре Айвенго. На страницах его произведений перед читателями «железного» XIX века разворачивалась битва одинокого героя прошлого с «мировым злом».

Французский живописец Эжен Делакруа (1798-1863), по словам историков, сам стал героем «романтической битвы» с классицизмом. Так, оказавшись свидетелем уличных боёв во время очередной революции во Франции, в 1830 году, Делакруа создаёт картину «Свобода, ведущая народ». Из всего обилия происходящих вокруг событий он выбирает самые яркие, богатые контрастами, увлекая зрителя в мир, где каждый добрый герой кистью живописца лишён любых недостатков, а с героя злого «соскоблены» все привлекательные черты — зритель должен увидеть это вечное противостояние добра и зла ярче, контрастнее, чем оно присутствует в реальной жизни.

Вальтер Скотт. Худ. Д. Гилберт

Свобода, ведущая народ. 1830 г. Худ. Э. Делакруа

Революционеры, отбросив королевские войска, поднимаются на баррикаду. Их ведёт сама Свобода, в которой одни зрители увидели «помесь торговки с древнегреческой богиней», а другие — «сильную женщину с хриплым голосом и огнём в глазах».

Сюжеты для своих картин Делакруа часто черпал в произведениях Шекспира, Гёте, однако наибольшее влияние на его творчество оказала поэзия англичанина Джорджа Байрона (1788-1824). Родившись за год до Французской революции, Байрон стал своеобразным символом этой эпохи.

Он принимал участие в борьбе греческого народа с османским владычеством, был близок к итальянским революционерам и пользовался огромной популярностью у молодёжи.

Его герои — личности неординарные, живущие по своим законам, следующие велению сердца, исполненные веры в собственную мечту, находящие применение своим силам в революционной борьбе против тёмных сил. «Тираны давят мир — я ль уступлю?» — восклицает Байрон, готовый в одиночку идти против вселенского зла. И в то же время, в отличие от героев классицизма, всегда уверенных в своей правоте, герои Байрона мучаются переживаниями:

Бегу от самого себя,

Ищу забвенья, но со мною

Мой демон злобный, мысль моя —

И в сердце места нет покою.

Джордж Байрон. Худ. Р. Весталл

Манифестом романтического искусства стало произведение французского писателя Виктора Гюго (1802-1885) «Собор Парижской богоматери», написанное в 1830 году. Против главных героев романа — простых людей XIV века — прекрасной цыганки Эсмеральды и уродливого, но доброго и благородного горбуна Квазимодо — сплотились, кажется, все силы зла. В лице короля Людовика XI и священника Фролло герои обрели могущественных соперников, в чьих руках власть, деньги, общественное положение. Но даже используя всё своё могущество, они не могут сломить силу духа, благородство, искренность и доброту Эсмеральды и Квазимодо.

В то же время, когда люди зачитывались Гюго и Байроном, концертные залы и музыкальные салоны наполнила музыка, отражающая тонкие порывы романтичной души: зазвучали оперы, концерты, романсы Ф. Шуберта и Р. Шумана, Ф. Шопена и Г. Берлиоза, Р. Вагнера и Ф. Листа. В театрах публика рукоплескала актёрам, способным нарушить классические законы игры и смелой фразой, красивым жестом, яркой позой передать залу вдохновение, добрую или злую страсть свободной личности. В тишине парков классических усадеб появлялись специально запущенные уголки, где в хаосе «диких» ветвей прятались беломраморные беседки или искусственные «развалины», настраивающие на романтический лад.

Битва за «Эрнани» Худ. П.-А. Бенар. Скандал между сторонниками классицизма и романтизма на премьере пьесы В. Гюго

В первой половине XIX века в споре с классицизмом родился новый стиль — романтизм.

2. Новый стиль — реализм

• Докажите, что Бальзак, Стендаль и Верди работали в реалистическом стиле.

• Сделайте вывод о быстрой смене стилей в культуре XIX века.

К началу 30-х годов XIX века всё отчётливее и громче слышится тяжёлая поступь индустриального общества. Тишину лугов и дубрав разрывает громыхание паровозов. Между устремлёнными ввысь мачтами парусников дымят приземистые пароходные трубы. Материальный мир с его механическими станками и денежными расчётами оставляет всё меньше места идеалам классицистов и мечтам романтиков. Писатели, поэты и художники стремятся отразить реальные человеческие судьбы и характеры, неотделимые от мира, в котором они существуют, — мира стремительно меняющегося и часто жестокого. Так на свет рождается новый стиль — реализм, ставящий перед собой цель правдиво отображать жизнь, воспевая добро и критикуя зло.

Один из зачинателей этого стиля — французский писатель Оноре де Бальзак (1799-1850) так и говорил: «Секрет всемирного вечного успеха — в правдивости». В своих произведениях Бальзак создаёт образы сильных духом, умных и талантливых людей, но в мире, наполненном катастрофами и проблемами, эти люди ведут себя по-разному.

Одни, будучи выходцами из дворянского сословия, сохраняют верность идеалам чести и разоряются. Другие же, напротив, используют малейшую возможность обогатиться, пусть даже путём обмана. Таким образом, герой романа «Шагреневая кожа» Рафаэль де Валента удовлетворяет все свои желания, уничтожая в себе благородство. В конце автор горько восклицает: «Мир принадлежал ему, он мог всё — и не хотел уже ничего».

Целый цикл своих произведений Бальзак назвал «Человеческая комедия». В нём выведено около 2 тысяч персонажей, представляющих самые разные слои капиталистического общества, и попадают они в самые обычные, жизненные ситуации — женятся, занимаются карьерой, вступают в семейные споры и так далее. Это позволяет Бальзаку «объять всю историю современных нравов». Один из самых выразительных персонажей — ростовщик Гобсек, который выманивает у людей золото, играя на человеческих пороках и тайнах. В итоге же он умирает в квартире, набитой гниющими запасами продовольствия.

Ростовщик. Иллюстрация к повести О. Бальзака «Гобсек»

Иллюстрация к роману Стендаля «Красное и чёрное»

Анжел юс. Худ. Ж. Милле. Муж и жена, услышав вечерний колокольный звон, оставили свою крестьянскую работу и тихо молятся об умерших.

Подобные мотивы пронизывают творчество другого французского писателя, Анри Бейля, писавшего под псевдонимом Стендаль (1783- 1842). Его роману «Красное и чёрное» предшествует характерный эпиграф: «Правда, горькая правда». Главный герой романа Жюльен Сорель, выходец из городских низов, поклонник эпохи Наполеона, считает, что достижением того времени стала возможность добиться более высокого положения в обществе, независимо от происхождения. Однако в годы реставрации монархии эти возможности значительно уменьшились. Человек благородный и чувствительный, Жюльен готов на всё, чтобы изменить создавшуюся ситуацию. Но он погибает в неравной схватке с лицемерием, двуличием и изворотливостью богачей. Главной целью Стендаля было провозглашение идей добра — нравственного, духовного начала в человеке, которое позволяет сохранить свои принципы и честь, невзирая на трудности и препятствия.

Реалистические подходы проявлялись не только в литературе, но и в других видах искусства. Так, музыку итальянца Джузеппе Верди (1813-1901) называют реалистической музыкальной драмой. В 1853 году публику шокировала опера Верди «Травиата». Всех поразило то, что автор не пытался «убежать» в прошлое, а обратился к современной жизни. Но ещё большее негодование вызывало то, что главной героиней оперы становится не совсем обычная дама (в переводе слово «Травиата» означает «падшая женщина»). На сцене перед изумлёнными зрителями разворачивалась история деревенской девушки, попавшей в Париж, звучали её чувства и страдания. В опере Верди не было той пышности и надуманности, которой обычно отличались произведения этого жанра. Композитор широко использовал в музыке бытовые мотивы, которые сделали его творчество близким и понятным многим людям. Произведения Верди обогатили сокровищницу мирового музыкального искусства новыми приёмами и решениями в изображении жизни.

Картины крестьянского быта, сцены тяжёлого, изнурительного труда земледельцев запечатлел на своих картинах французский живописец Жан Франсуа Милле (1814-1875). Его родителям-крестьянам стоило огромного труда собрать деньги для обучения сына. Главной темой для Милле навсегда осталась тема крестьянской жизни: «Я крестьянин и ничего больше, как крестьянин». Вершины живописного мастерства, которых удалось достичь Милле, стремление правдиво отобразить все стороны крестьянского быта, психологические приёмы, им используемые, позволяют говорить о нём как о художнике реалистического направления.

С 1830-х годов распространяется стиль, получивший название «реализм».

3. Модернизация порождает эклектику и импрессионизм

• Какими причинами вы можете объяснить появление в искусстве таких направлений, как импрессионизм и эклектика? • Сделайте вывод о быстрой смене стилей в культуре XIX века.

Во второй половине XIX века реализм продолжает господствовать в литературе и искусстве. Между тем непрерывно менявшаяся жизнь ставила перед художниками, скульпторами, писателями задачи наиболее полно отразить все эти изменения. Однако существовавшие в живописи и других видах искусства приёмы не могли в этом помочь. Художники начали поиск новых возможностей.

В 1863 году на одной из выставок появилась картина Эдуарда Мане (1832-1883) «Завтрак на траве». В тот момент никто не обратил внимания на новые живописные приёмы, которые использовал художник. Публике не понравилась трактовка сюжета, и картина подверглась беспощадной критике. Тем не менее это не сломило упорства живописца. Он продолжал писать в своей манере, хотя творчество и не приносило ему дохода. Через несколько лет вокруг Мане собралась группа молодых художников: Клод Моне (1840-1926), Камиль Писсарро (1830-1903), Пьер Огюст Ренуар (1841-1919), Альфред Сислей (1839-1899), Эдгар Дега (1834-1917). Особенностью их живописи было желание передать то, что нельзя сфотографировать, — жизнь в её движении, в мимолётных впечатлениях. Отображая случайные ситуации с помощью живописной техники отдельных цветовых мазков, художники создавали образы, которые обретали законченность уже в глазах зрителя. Глядя на картины мастеров этого направления, человек ощущает вибрацию воздуха, сверкание солнечного света, реальность и текучесть форм. Всё это подчеркивало значимость подлинной, современной жизни.

И виденья странно

Рдяны, как закат,

Тая, по песчаной

Отмели скользят,

Реют неустанно,

Реют и горят,

Тая, как закат,

На косе песчаной.

П. Верлен (перевод Г. Шенгели)

Впечатление. Восход солнца. Худ. К. Моне

Путь живописцев к признанию был очень долгим и трудным. Чтобы добиться известности, художники выставляли свои работы в Салоне парижского Дворца промышленности. Но не каждая работа выдерживала строгую критику жюри. Приходившие на выставку посетители, привыкшие к традиционным приёмам живописи, разглядывая работы, насмехались над художниками, называя их творения «мазнёй» и «издевательством». Одна из картин живописца Клода Оскара Моне, представленная на очередной выставке, называлась «Впечатление.

Построен по приказу баварского короля Людвига II как воплощение романтических мечтаний о Средневековье. Внутри отделан в стилях барокко, готика, византийском и мавританском. В замок были проведены отопление и водопровод с горячей и холодной водой.

Замок Нойшванштайн

Здание Парламента в Лондоне

Парижский театр «Гранд Опера»

Восход солнца». Один из журналистов дал художникам, творившим в подобной манере, прозвище «импрессионисты» (от французского слова «впечатление»). Он даже не мог себе представить, какое сильное влияние окажет импрессионизм на дальнейшее развитие живописного искусства Франции и других стран Европы.

Показать величие западной цивилизации, покорившей и объединившей мир, — такую задачу ставили перед собой скульпторы и архитекторы конца XIX века. Они пытались уловить и воплотить в своём творчестве образы нового времени. С притоком населения в города возникла необходимость появления зданий нового типа, в которых могло одновременно проживать большое количество жильцов. Постепенно на улицах европейских городов стали появляться многоэтажные дома. В это же время в строительстве начинают использовать новые материалы: чугун, сталь, железобетон. Но конструкции, возводившиеся с помощью этих материалов, не могли удовлетворить взыскательное общество, следовательно, не могли послужить основой для создания нового архитектурного стиля. Поэтому в европейской архитектуре XIX века утвердился эклектизм (от греческого eklektikos — выбирающий) — направление, основанное на заимствовании и использовании деталей и элементов разных стилей. Примерами таких построек могут служить здание венского Парламента (архитектор Теофилиус Эдвард фон Хансен) и Дворец юстиции (архитектор Александр Виллеман).

Однако шедевром этого направления во всём мире считается творение французского архитектора Жана Луи Шарля Гарнье (1825- 1898) — здание парижского театра «Гранд Опера». Величавое здание, соединившее в себе архитектурные традиции разных времён, покоряет красотой и праздничностью. Оно считалось эталоном для всех театральных построек того времени.

Мыслитель. Скульпт. О. Роден

Пытаясь заработать себе на жизнь трудом помощника скульптора, постигал премудрости мастерства Огюст Роден (1840-1917). Он отвергал академические позы и правила, которые навязывало ему общественное мнение ценителей искусства. Скульптор старался доказать, что, изображая человеческое тело, можно передать любую идею, состояние или настроение. Один из современников, разглядывая работу Родена «Бронзовый век», заметил, что в ней отразился «переход от дремоты к жизненной силе, готовый претвориться в движение. Медленный жест пробуждения… должен передать… первый трепет сознания в молодом человечестве, первую победу разума над животными инстинктами в «доисторические времена»».

ФОРМУЛИРОВАНИЕ ВЫВОДА И СРАВНЕНИЕ ЕГО С АВТОРСКИМ

В XIX веке представители разных направлений светской литературы и искусства Запада стремились отразить ускорившийся ритм жизни, обнажить новые, порождённые модернизацией «болезни общества».

Ключевые слова: классицизм, романтизм, реализм, импрессионизм.

ПРИМЕНЕНИЕ ЗНАНИЙ

• Попробуйте с позиции трёх художников-учеников, представляющих разные стили (классицизм, романтизм и реализм), составить словесное описание происходящего на ваших глазах закрытия фабрики во время кризиса перепроизводства.

• В тетради или текстовом редакторе заполните таблицу «Стили культуры Запада XIX века (1800-1880-е годы)».

 

Поздний классицизм

Романтизм

Реализм

Импрессионизм

Цели стиля

    

Представители стиля

    

Средства художественного выражения

 


ОСНОВНЫЕ ЛИТЕРАТУРНЫЕ НАПРАВЛЕНИЯ (КЛАССИЦИЗМ, РОМАНТИЗМ, РЕАЛИЗМ) 👍

Литературное направление – это идейно-эстетическая общ­ность группы писателей определенной страны и эпохи, полу­чившая программное обоснование. Принадлежность писателей к одному направлению определяется единством культурной тра­диции, относительным сходством мировосприятия и способов воспроизведения действительности. В истории русской литерату­ры наиболее значительными направлениями были классицизм, романтизм и реализм.

Литературное направление отличается от течения. К одному направлению могут принадлежать писатели,

разные по идей­ным взглядам и эстетическим особенностям творчества, т. е. в од­ном литературном направлении могут быть разные течения. Тече­ние предполагает общность этического и общественного идеала, художественных принципов и приемов.

Так, в русском классицизме выделяются “сумароковское” и “ломоносовское” течения.

Классицизм – литературное направление, зародившееся в XVII в. но Франции в условиях становления абсолютистского государства. В качестве образца для подражания писатели-классицисты избрали античное искусство, но истолковали его по-своему. В основу классицизма положен

принцип рационализма (racio). Все должно подчиняться разуму и в государстве, и в личной жизни, причем эгоистические чувства, страсти именно разумом долж­ны вводиться в рамки гражданского и нравственного долга.

Тео­ретиком классицизма был французский поэт Николя Буало, изложивший программу направления в книге “Поэтическое искусство”. В классицизме устанавливались определенные твор­ческие правила (нормы):

– Основной конфликт произведений – борьба между эгои­стическим чувством и гражданскими долгом или между стра­стью и разумом. При этом долг и разум всегда побеждают.

– В соответствии со своим отношением к общественному долгу действующие лица подразделялись на положительные и отрица­тельные. В персонажах запечатлевалось только одно качество, одна доминирующая черта (трусость или храбрость, коварство или благородство и т. д.), т. е. характеры были однолинейны.

– В литературе устанавливалась строгая иерархия жанров. Все они делились на высокие (ода, героическая поэма, трагедия) и низкие (басня, сатира, комедия). В высоких жанрах изобража­лись выдающиеся события, героями были монархи, государст­венные деятели, полководцы.

В них прославлялись деяния во благо государства и монархии. Язык в произведениях высоких жанров должен был быть торжественным, величавым.

В низких жанрах изображалась жизнь людей средних сосло­вий, высмеивались бытовые явления и отдельные черты харак­тера человека. Язык басен, комедий был близок к разговорному.

Драматические произведения в эстетике классицизма под­чинялись требованию трех единств: времени, места и действия. Единство времени и места означало, что действие в пьесе долж­но занимать не больше суток и причем происходить в одном месте. Единство действия предписывало линию сюжета, не осложненную побочными эпизодами.

Во Франции ведущими писателями классицизма были дра­матурги П. Корнель и Ж. Расин (в жанре трагедии), Мольер (ко­медия), Ж. Лафонтен (басня).

В России классицизм развивался с XVIII в. Хотя русский клас­сицизм имел много общего с западноевропейским, в частности с французским, но в литературе отчетливо проявлялась нацио­нальная специфика. Если западноевропейский классицизм об­ращался к античным сюжетам, то русские писатели брали мате­риал из национальной истории. В русском классицизме отчетли­во звучала критическая нота, резче было обличение пороков, более выраженным был интерес к народному языку и в целом к народному творчеству.

Представители классицизма в русской литературе – А. Д. Кан­темир, М. В. Ломоносов, А. П. Сумароков, Д. И. Фонвизин.

Романтизм – явление неоднозначное. Развивается в литера­турах Европы и России с конца XVIII – в первой трети XIX в. В каждой стране романтизм имел свои особенности. Высокими ориентирами романтизма являлись в Англии – Дж.

Г. Байрон, во Франции – В. Гюго, в Германии – Э. Т. А. Гофман и Г. Гейне, в Польше и Беларуси – А. Мицкевич.

В романтизме доминирующее значение имеет субъективная позиция писателя по отношению к действительности, которая выражается не столько в воссоздании, сколько в пересоздании ее. Писателей романтизма объединяли некоторые общие черты:

– Неудовлетворенность действительностью, разлад с ней, разочарованность вели к созданию картины мира, соответствую­щей идеалам писателя. Все писатели-романтики отходят от дей­ствительности. Одни – в мир туманных мечтаний, мистического прошлого, потусторонний мир (так называемый пассивный ро­мантизм, или, точнее, – религиозно-мистический).

Другие меч­тали о будущем, звали к борьбе за переустройство общества, за личную свободу (активный или гражданский романтизм).

– Герои романтической поэзии – личности необычные, ис­ключительные. Это либо разочарованные в жизни бунтари-оди­ночки, уходящие из общества, либо совершающие героические поступки сильные и смелые натуры, ради счастья других гото­вые на самопожертвование.

– Исключительные характеры действуют в исключительных обстоятельствах, в которых они и проявляют все свои необык­новенные качества, причем герои действуют вне социально – бытовых условий. Действие может происходить в экзотических странах, в потустороннем мире.

– В романтических произведениях преобладает лирическое начало. Тон их – эмоциональный, приподнятый, пафосный.

В России религиозно-моралистический романтизм представ­лен творчеством В. А. Жуковского, гражданский – К. Ф. Рылее­ва, В. К. Кюхельбекера. Отдали дань романтизму А. С. Пушкин, М. Ю. Лермонтов, ранний М. Горький.

Реализм – литературное направление, в котором окружаю­щая действительность изображается конкретно исторически, в многообразии ее противоречий, а “типические характеры дей­ствуют в типических обстоятельствах”.

Литература понимается писателями-реалистами как учебник жизни. Поэтому они стремятся постигнуть жизнь во всех ее противоречиях, а человека – в психологических, социальных и дру­гих аспектах его личности.

Общие для реализма черты:

– Историзм мышления.

– В центре внимания – действующие в жизни закономерности, обусловленные причинно-следственными связями.

– Верность действительности становится в реализме ведущим критерием художественности.

– Человек изображается во взаимодействии со средой в дос­товерных жизненных обстоятельствах. Реализм показывает влия­ние социальной среды на духовный мир человека, формирова­ние его характера.

– Характеры и обстоятельства взаимодействуют друг с дру­гом: характер не только обусловлен (детерминирован) обстоятель­ствами, но и сам воздействует на них (изменяет, противостоит).

– В произведениях реализма представлены глубокие конфлик­ты, жизнь дана в драматических столкновениях. Действитель­ность дается в развитии. Реализм изображает не только уже сло­жившиеся формы социальных отношений и типы характеров, но и обнаруживает зарождающиеся, образующие тенденцию.

– Характер и тип реализма зависит от общественно-истори­ческой обстановки – в разные эпохи он проявляется по-разному.

Во второй трети XIX в. усилилось критическое отношение писателей к окружающей действительности – и к среде, обще­ству, и к человеку. Критическое осмысление жизни, направлен­ное на отрицание ее отдельных сторон, дало основание назы­вать реализм XIX в. критическим.

Крупнейшими русскими реалистами были Л. Н. Толстой, Ф. М. Достоевский, И. С. Тургенев, М. Е. Салтыков-Щедрин, А. П. Чехов.

Изображение окружающей действительности, человеческих характеров с точки зрения прогрессивности социалистического идеала создало основу социалистического реализма. Первым про­изведением соцреализма в русской литературе считается роман М. Горького “Мать”. В духе соцреализма творили А. Фадеев, Д. Фур­манов, М. Шолохов, А. Твардовский.

Традиционные (классицизм, сентиментализм, романтизм, реализм) и новаторские (модернизм, постмодернизм) направления развития русской литературы

Подробности
Категория: Реклама

КЛАССИЦИЗМ, одно из важнейших направлений искусства прошлого, художественный стиль, в основе которого лежит нормативная эстетика, требующая строгого соблюдения ряда правил, канонов, единств. Правила классицизма имеют первостепенное значение как средства, обеспечивающие главную цель – просвещать и наставлять публику, обращая ее к возвышенным примерам. Эстетика классицизма отражала стремление к идеализации действительности, за счет отказа от изображения сложной и многоплановой реальности. В театральном искусстве это направление утвердило себя в творчестве, прежде всего, французских авторов: Корнеля, Расина, Вольтера, Мольера. Классицизм оказал большое влияние на русский национальный театр (А.П.Сумароков, В.А.Озеров, Д.И.Фонвизин и др.). 

«Классицизм» (от латинского «classicus», т.е. «образцовый») предполагал устойчивую ориентацию нового искусства на античный лад, что вовсе не означало простого копирования античных образцов. Классицизм осуществляет преемственность и с эстетическими концепциями эпохи Возрождения, которые ориентировались на античность.

СЕНТИМЕНТАЛИЗМ (фр. Sentiment) – направление в европейской литературе и искусстве второй половины 18 в., сформировавшееся в рамках позднего Просвещения и отразившее рост демократических настроений общества. Зародился в лирике и романе; позже, проникая в театральное искусство, дал толчок возникновению жанров «слезной комедии» и мещанской драмы.

РОМАНТИЗМ – (фр. romantisme, от средневекового фр. romant – роман) – направление в искусстве, сформировавшееся в рамках общелитературного течения на рубеже 18–19 вв. в Германии. Получил распространение во всех странах Европы и Америки. Наивысший пик романтизма приходится на первую четверть 19 в.

ранцузское слово romantisme восходит к испанскому romance (в средние века так называли испанские романсы, а затем и рыцарский роман), английскому romantic, превратившемуся в 18 в. в romantique и означавшему тогда «странное», «фантастическое», «живописное». В начале 19 в. романтизм становится обозначением нового направления, противоположного классицизму.

Входя в антитезу «классицизм» – «романтизм», направление предполагало противопоставление классицистического требования правил романтической свободе от правил. Такое понимание романтизма сохраняется и по сей день, но, как пишет литературовед Ю.Манн, романтизм «не просто отрицание „правил», но следование «правилам» более сложным и прихотливым».

Центр художественной системы романтизма – личность, а его главный конфликт – личности и общества. Решающей предпосылкой развития романтизма стали события Великой французской революции. Появление романтизма связано с антипросветительским движением, причины которого лежат в разочаровании в цивилизации, в социальном, промышленном, политическом и научном прогрессе, результатом которого явились новые контрасты и противоречия, нивелировка и духовное опустошение личности.

Реализм — (лат. вещественный, действительный) – направление в литературеи искусстве, ставящее целью правдивое воспроизведение действительности в её типических чертах.

Признаки:

1.Художественное изображение жизни в образах, соответствующее сути явлений самой жизни.

2.Реальность является средством познания человеком себя и окружающего мира.

3.Типизация образов. Это достигается через правдивость деталей в конкретных условиях.

4.Даже при трагическом конфликте искусство жизнеутверждающее.

5.Реализму присуще стремление рассматривать действительность в развитии, способность обнаруживать развитие новых социальных, психологических и общественных отношений.

Реалисты отрицали «темный набор» мистических понятий, изощрённые формы новейшей поэзии.

Молодой реализм порубежной эпохи обладал всеми признаками преобразующегося, идущего и обретающего истину искусства, причем его создатели шли к своим открытиям путем субъективных мироощущений, раздумий, мечтаний. Эта особенность, рожденная авторским восприятием времени, определила отличие реалистической литературы начала нашего столетия от русской классики.

Прозе XIX века всегда был свойственен образ человека, если не адекватный идеалу писателя, то воплощавшие заветные его мысли. Из произведений новой поры почти исчез герой – носитель представлений самого художника. Тут чувствовалась традиция Гоголя, а особенно Чехова.

Модернизм — (фр. новейший, современный) – искусство, рождённое  XX веком.  

Это понятие используется для обозначения новых явлений в литературе и других видах искусства.

Модернизм в литературе – это литературное направление, эстетическая концепция, формировавшаяся в 1910-е годы и сложившаяся в художественное направление в литературе военных и послевоенных лет.

Основоположниками модернизма являются М.Пруст «В поисках утраченного времени», Дж.Джойс «Улисс», Ф.Кафка «Процесс».  

Расцвет модернизма приходится на 1920 год. Основной задачей модернизма является проникновение в глубины сознания и подсознания человека, передача работы памяти, особенностей восприятия окружающего, в том, как в «мгновениях бытия» преломляется прошлое, настоящее и провидится будущее. Основным приёмом в творчестве модернистов становится «поток сознания», позволяющий запечатлеть движение мыслей, впечатлений, чувств.

Модернизм оказал воздействие на творчество многих писателей XX века. Однако его влияние не было и не могло быть всеобъемлющим. Традиции литературной классики продолжают свою жизнь и развитие 

 

Постмодерни́зм-термин, обозначающий структурно сходные явления в мировой общественной жизни и культуре второй половины XX века: он употребляется как для характеристики постнеклассического типа философствования, так и для комплекса стилей в художественном искусстве. Постмодерн — состояние современной культуры, включающее в себя предпостнеклассическую философскую парадигму, до-постмодернистское искусство, а также массовую культуру этой эпохи. Возникший как антитеза модернизму, открытому для понимания лишь немногим[8], постмодернизм, облекая всё в игровую форму, нивелирует расстояние между массовым и элитарным потребителем, низводя элиту в массы (гламур). Модернизм — это экстремистское отрицание мира Модерна (с его позитивизмом и сциентизмом), а постмодернизм — это не-экстремистское отрицание все того же Модерна. 

Музейные объединения | Олимпиада «Музеи.

Парки. Усадьбы»

Музей Современной истории России расположен в центре Москвы в здании-памятнике архитектуры позднего классицизма конца XVIII века. С 1831 по 1917 годы в нем размещался Московский Английский клуб. Важной частью работы Музея является деятельность по изучению и музейному представлению проблем новейшей истории России. В структуру музея Современной истории России входят четыре экспозиционных отдела и два мемориальных комплекса.

Современная экспозиция «Пресни» состоит из двух масштабных тематических разделов: «Москва. Пресня. 1905–1945 гг.» и «История российской повседневности. ХХ век». Расположенная в специально оборудованном зале озвученная светодинамическая диорама «Героическая Пресня. 1905 год», одна из крупнейших диорам Европы, по праву считается главной достопримечательностью музея.

Музей подпольной типографии 1905-1906 гг. был открыт в 1924 году. Вот уже больше ста лет старый трехэтажный дом на Лесной улице вводит в заблуждение прохожих. Под вывеской «Оптовая торговля кавказскими фруктами Каландадзе» была расположена подлинная конспиративная квартира. Здесь в годы Первой российской революции 1905-1907 гг., рядом с Бутырской тюрьмой и полицейским участком, работала нелегальная типография Российской социал-демократической рабочей партии, выпускавшая газету «Рабочий» и революционные листовки. Подполье так и не было обнаружено официальными властями. Экспозиция с большой точностью воспроизводит детали давно ушедшего прошлого, подробно раскрывая картины революционных событий, жизни и быта московских горожан начала XX в.

Мемориальная музей-квартира Г.М. Кржижановского, крупнейшего российского ученого-энергетика, расположена в 3амоскворечье, в купеческом особняке первой трети XIX века. Академик Кржижановский здесь жил и работал с 1913 по 1959 год. Квартира оформлена в модном стиле «модерн» начала XX века: цветные витражи при входе, изразцовые «голландские» камины, металлические чеканные потолки с причудливыми плафонами, лепной декор, дверные ручки. Именно здесь проходили решающие совещания с участием В. И. Ленина по плану ГОЭЛРО – проекту электрификации России, который разрабатывал академик.

В Музее-галерее Е.Евтушенко, в Переделкино, представлены живописные полотна, приобретенные самим поэтом или подаренные ему художниками, среди которых мастера мирового уровня, а так же большая коллекция авторских фотографий, сделанных в разные годы XX века. В галерее экспонируются раритетные книжные издания с автографами, фотографии, личные вещи и материалы из архива Евтушенко, программы выступлений, афиши и произведения поэта, изданные на 72 языках мира.

Мемориальный комплекс «Медное» расположен в 35 километрах к северо-западу от г. Твери по трассе Москва – Санкт-Петербург на территории бывших ведомственных дач НКВД. Территория Мемориального комплекса представляет собой место массовых захоронений советских и польских граждан. Главная цель создания экспозиции – дать представление о масштабе репрессий в стране на примере конкретного региона – Калининской (Тверской) области.

Мемориал «Ка́тынь» расположен в 20 километрах от центра Смоленска, между поселками Гнездово и Ка́тынь, в так называемом Катынском лесу – на месте трагических событий 30–40-х годов прошлого века. На территории мемориала находится польское военное кладбище и массовые захоронения советских граждан, пострадавших от политических репрессий. Все посетители Мемориала проходят через Павильон главного входа, выполненный в виде двух могильных курганов, соединенных между собой стеклянными воротами. По замыслу архитекторов, они символизируют хрупкую грань между настоящим и прошлым. В мемориальный комплекс входит Стена Памяти, музейно-выставочный центр «Россия и Польша. ХХ век. Страницы истории». Эмоциональный центр комплекса — стена с указанием фамилий репрессированных и мемориал «Расстрел».

Сайт: http://www.sovrhistory.ru/

Кухня в стиле ампир — 99 оригинального и уютного дизайна

В начале 19 века стилем ампир оформляли дворцы и усадьбы дворян. Это направление относится к позднему классицизму.

Основной целью использования ампира была демонстрация безукоризненного вкуса с сочетанием роскоши.

Содержимое статьи:

Ампир на кухне

Целевая аудитория нисколько не изменилась, правда сейчас — не цари и вельможи, а состоятельные люди. С прошедших 2 веков, кухня в стиле ампир сильно поменялась.

Черты ампира в современном интерьере:

  • Высокие потолки;
  • Правильные пропорции помещения;
  • Симметричность;
  • Изысканность;
  • Элегантность каждой детали;
  • Художественная роспись;
  • Колонны, арки;
    Натуральные породы дерева: дуб, бук;
  • Для отделки стен предпочтительнее венецианская штукатурка;

Ампир в интерьере кухни будет полноценным, если помещение имеет большой метраж, а стены и потолок правильных геометрических пропорций.

Оттенки для кухни ампир

Цветовое решение для стиля ампир в интерьере кухни должно подбираться светлых цветов. Пастельные оттенки подойдут идеально. Стоит избегать ярких и кричащих цветовых решений — не для стиля позднего классицизма.

Кремовое золото — такое сочетание представляется при разговоре о стиле ампир в интерьере кухни.

Родиной ампира считается Франция, а там очень внимательно относились к любым деталям. Но самое главное ни один интерьер не обходился без позолоты.

Дизайн кухни в стиле ампир предусматривает наличие золотой фурнитуры везде: шкафчики, ножки стульев, обрамление стола, рамы для картин.

Архитектурная планировка позднего классицизма

Для зонирования кухни ампир применяют следующие приемы:

  • Колонны;
  • Арочные конструкции, полуарки;
  • Роскошная мягкая мебель в виде острова;
  • Любой интерьер подбирается в зависимости от особенностей планировки кухни.

Для кухни небольшого метража П образной или квадратной формы не стоит делать весь интерьер в стиле ампир, ведь для него нужен размах. Сделайте лишь легкий намека поздний классицизм. Разместите красивый кухонный сервис с позолотой или сделайте потолок из лепнины.

Стены в стиле ампир отличаются гладкостью. Из отделочных материалов предпочтительнее будет венецианская штукатурка, мрамор или эксклюзивная дизайнерская плитка.

  • Для имитации колонны можно использовать панели;
  • Для напольного покрытия современные производители изготавливают специальный керамический паркет — кафель. Такая поверхность полностью имитирует дерево любых пород;
  • Потолок, как и стены гладкий, но в некоторых дизайнерских проектах используется лепнина;

Какая мебель подходит для ампира на кухне?

Подходящим материалом для классического ампира будет мебель, изготовленная из натуральных пород дерева.

Преимущественно выбираются светлые оттенки, но если Вам нравятся темные благородные цвета, то можно комбинировать пастельные и коричневые оттенки.

Ампир относится к старинному стилю, поэтому стоит обратить внимание на присутствие античного декора.

Совет. Не перенасыщайте кухню декоративными элементами, ведь прежде всего основное назначение данного помещение — приготовление и прием пищи. Умеренность — основная черта в позднем классицизме.

  • Дверцы шкафов должны быть прозрачными, чтобы любой гость мог увидеть красоту кухонных принадлежностей.
  • Стол изготовлен из натурального дерева, а его ножки имеют резную форму.
  • Стулья имеют кожаную обивку с подлокотниками.
  • Основной чертой мягкой мебели в ампире являются декоративные ножки мебели, которые имитируют лапы. Для обивки необязательно должна использоваться кожа — может быть кожзаменитель или бархат.
  • Число стульев и пуфиков на кухне должно быть парное, при этом они должны располагаться симметрично всей мебели.
  • Освещение в стиле ампир играет одну из главных ролей, ведь от того на сколько яркий будет свет зависит демонстрация интерьера кухни. Центральной фигурой в освещении служит люстра из хрусталя или светильники современной формы.
  • Дополнительными элементами декора служат часы, картины, вазы.

Ниже представлены фото кухонь в стиле ампир, где Вы можете подобрать, подходящий Вам вариант.

Фото дизайна кухни ампир



Вконтакте

Facebook

Twitter

Google+

Одноклассники

Дизайн кухни в стиле ампир

Какие особенности имеет дизайн интерьера кухни в стиле ампир? Какая мебель подходят для такой кухни? Как оформляются окна кухни в стиле ампир? И как декорируется «кухня императора»?

Содержание статьи:

Стиль ампир — «Императорская кухня»

Ампир (поздний классицизм) – один из самых «богатых», дворцовых стилей. В 19 веке в нем оформлялись палаты коронованных особ и внутренние покои домов знати. Цель его использования была сугубо демонстративной. Интерьер должен был подчеркивать богатство и величие обитателей особняков.

«Целевая аудитория» ампира с тех пор несколько изменилась. Сегодня его выбирают состоятельные любители красивых интерьеров и ценители классического искусства. Претерпел изменения и сам стиль. Перечислим основные особенности теперешнего – осовремененного – ампира:

  • большие объемы и высокие потолки;
  • геометрически выверенные пропорции;
  • тяга к симметрии, упорядоченность и уравновешенность;
  • изысканность отделки и художественность оформления.

В интерьере ампир обязательно присутствуют:

  • элементы архитектурного декора – колонны, полуколонны, пилястры, арки;
  • дорогостоящие материалы отделки – древесина ценных пород, венецианская штукатурка и т.п.;
  • массивная мебель с накладными рельефами, карнизами, колоннами и проч. ;
  • атрибуты богатства и роскоши – камин, античные скульптуры, художественные полотна и т.д.

В стиле ампир оформляются просторные помещения с высокими потолками, двухстворчатыми дверьми и большими окнами – стиль ампир на кухне может быть воссоздан, только если она удовлетворяет этим требованиям.

Цветовая гамма кухни в стиле позднего классицизма

Цветовая гамма кухни ампир всегда светлая, пастельная, однородная. В ней не встретить неожиданных цветовых сочетаний и резких переходов. В ней отсутствует контрастность и цветовая акцентуация. Молочно-золотистое изобилие – такие слова приходят на ум при созерцании типичного интерьера в стиле позднего классицизма.

Позолота в такой кухне должна присутствовать в обязательном порядке. На родине стиля – во Франции – к золоту относились с большим пиететом. Не меньшие почет и уважение ему оказывали в России времен Александра I – самодержца, при котором ампир появился в Российской империи.

Дизайн кухни в стиле ампир допускает присутствие позолоты на самых разных предметах и аксессуарах – от кухонных шкафчиков до столовой посуды.

Планировка кухни в «имперском» стиле

Для разделения кухни в стиле ампир на функциональные зоны применяются:

  • арочные конструкции;
  • колоннады;
  • предметы мебели (кухонный остров, диван мягкой зоны и т.п.)

Кухонный гарнитур может иметь любую симметричную форму (планировку): линейную, П-образную или островную. Выбор планировки определяется исключительно формой и размерами помещения. Так, линейный гарнитур подходит для вытянутой в длину комнаты, островной – для просторной квадратной кухни, П-образный – для квадратной комнаты средних размеров.

В относительно небольшой квадратной или прямоугольной кухне, содержащей лишь некий налет позднего классицизма, может быть использован гарнитур угловой планировки. В этом случае его следует уравновесить другими предметами обстановки – разместить в противоположном углу обеденную (столовую) зону, к примеру, или поставить сервант с красивой посудой.

Отделка кухни в стиле ампир

Стены кухни, оформленной в этом старинном стиле, всегда гладкие. Для их отделки используется либо изысканная венецианская штукатурка, либо не менее изысканная кафельная плитка эксклюзивных коллекций.

Многие производители выпускают целые серии плит, подходящих для стилей классического направления. Эти серии включают в себя как традиционную квадратную керамику, так и стеновые панели, имитирующие длинный ряд колонн (колоннаду).

Выпускается и подходящая для ампира напольная плитка. Керамический паркет – так называют этот кафель сами производители – имеет поверхность, идентичную фактуре натурального дерева.

Потолок кухни в стиле ампир почти всегда белый и гладкий. Единственным его украшением зачастую служит лепнина в месте размещения люстры.

Кухонная мебель в стиле позднего классицизма

Материалом изготовления кухонной мебели в стиле ампир служит светлое натуральное дерево. Этот же материал используется для изготовления дверного полотна и оконных рам.

Ампир, как и все классические стили, тяготеет к античности, поэтому деревянные фасады в стиле ампир часто украшаются античным декором: листьями аканта, дентикулами, фестонами, колоннами, полуколоннами, пилястрами с каннелюрами, меандрами и др. Главное, чтобы этого декора не было слишком много. Умеренность в отделке – отличительная черта ампира.

Шкафчики кухонь в стиле позднего классицизма обычно выполняются застекленными. Одна из их функций – демонстрация красивой дорогой посуды, расставленной на полках.

Стол в стиле ампир имеет устойчивые резные ножки и массивную столешницу. Стулья стилизуются «под старину» – обтягиваются кожей и дополняются подлокотниками.

Мягкая мебель в стиле ампир довольно массивная, приземистая, обязательно симметричная, с ножками, изображающими лапы животных. Для ее обивки используется кожа (качественный кожзаменитель) или дорогая добротная ткань.

Число кресел и пуфов всегда четное  – дизайн интерьера кухни в стиле ампир требует строгой симметрии.

Окна кухни в стиле ампир

В гостиных, спальнях, кабинетах, оформленных в стиле ампир, применяются тяжелые набивные ткани вроде парчи, бархата и шелка. Используются они и в кухнях, совмещенных с гостиными и столовыми.

Шторы в стиле позднего классицизма обильно драпируются, дополняются ламбрекенами и украшаются кистями. Цвет штор подбирается под цвет мягкой мебели.

Облегченный интерьер в стиле ампир требует более легкого оформления окон. Окна кухни, не претендующей на полное соответствие стилю, занавешиваются прозрачной гардиной и дополняются плотными ровными портьерами.

Освещение кухни в стиле ампир

Дизайн кухни в стиле ампир требует яркого теплого освещения.  Для организации такого света в интерьер помещения вводится большая хрустальная люстра на восемь рожков.

Осовремененный стиль – неоампир – обычно довольствуется более лаконичным решением. В кухне, оформленной в современном ампире, присутствуют вполне современные модели светильников – подвесные, однотонные, простой формы.

Декорирование «императорской» кухни

В интерьер ампир органично вписываются:

  • напольные часы, старинные или декорированные «под старину»;
  • большие настенные гобелены в массивных рамах;
  • статуэтки;

  • напольные и настольные пузатые вазы;
  • канделябры;
  • срезанные и горшечные цветы.
Поделиться с друзьями:

Управление по охране объектов культурного наследия администрации Губернатора Ульяновской области

         Двухэтажный с подвалом, мансардой и бельведером дом расположен в центральной части районного поселения Тереньга Ульяновской области, на угловом участке пересечения двух улиц: Евстифеева (быв. Песочная) и Ульяновской (быв. Большая улица). Построен, как господский дом на территории помещичьей усадьбы, сформировавшейся в середине XVIII-начале XX веков на правом берегу реки Тереньгульки, у почтового тракта Симбирск-Сызрань. Представляет собой выразительный образец усадебной жилой архитектуры второй трети XIX века в формах эклектики с использованием мотивов позднего классицизма.

          Последний владелец — Екатерина Максимилиановна Перси – Френч. Одна из самых крупных землевладелиц в Симбирской губернии. Немало сил и средств Е.М. Перси-Френч вкладывала в благотворительность, народное просвещение и культуру. Во время неурожая 1906 года Е.М. Перси-Френч принимала самое деятельное участие в организации сети бесплатных столовых, в конце августа 1914 года в Тереньге, ею был организован госпиталь для раненых с фронтов первой мировой войны.

         После революции усадьба была национализирована. С 1928 года в здании располагался Тереньгульский райисполком, затем школа крестьянской молодежи, с 30-х годов XX века — начальная школа. В 1970-е годы здание отдали под интернат для иногородних учащихся, затем под общеобразовательную школу. С осени 2004 года здание не эксплуатируется и находится в собственности администрации Тереньгульского района. Общая площадь здания составляет 1170, 96 кв.м. Необходимо произвести ремонт фундамента, ремонт перекрытий, ремонт кровли, ремонт фасада и внутренних помещений и т.д.

 

 


        Здание памятника может быть использовано собственником только для непромышленных целей, исключающих разрушающее и повреждающее воздействие на здание. Возможно использование объекта для жилья, размещения гостиницы, для оказания образовательных и медицинских услуг и т.д. В случае заинтересованности в приобретении данного здания, его использования и по всем возникающим вопросам (по ремонту, реставрации, охранному обязательству) просим направлять информацию на почту [email protected]

Высокий классический период | Безграничная история искусства

Архитектура в период греческой высокой классики

Архитектура высокого и позднего классицизма отличается строгим соблюдением пропорций, оптическими изысками и ранним исследованием монументальности.

Цели обучения

Определите отклонения от традиционной классической греческой архитектуры в Храме Аполлона Эпикурия, Толосе Афины Пронайи и Театре в Эпидауросе

Основные выводы

Ключевые моменты
  • Архитектура раннего и высокого классицизма была усовершенствована, а оптические иллюзии скорректированы для создания наиболее эстетичных пропорций.Высокий и поздний классический периоды начинают настраивать эти принципы и экспериментировать с монументальностью и пространством.
  • Храмы позднего классического периода начали экспериментировать с новыми архитектурными решениями и декором. Толос Афины Пронайи в Дельфах представляет собой круглый храм с двумя кольцами колонн, внешним дорическим и внутренним коринфским.
  • Храм эпического в Бассах известен своим уникальным планом земли и использованием архитектурных элементов всех трех классических орденов: дорического, ионического и коринфского.Архитектурное убранство и план этажа храма демонстрируют меняющуюся эстетику.
  • Театр в городе Эпидаврос является ярким примером передовых инженерных навыков того периода. Театр построен с изысканной акустикой, которая может усилить звуки на сцене для каждого из 14 000 зрителей.
Ключевые термины
  • skênê : Конструкция позади сцены театра.
  • aniconic : Представления без человеческой или животной формы или относящиеся к ним.
  • толос : круглое строение, часто храм.

Обзор классической греческой архитектуры

В классический период греческая архитектура претерпела несколько значительных изменений. За это время колонны стали тоньше, а антаблемент — светлее.

Считается, что в середине V века до нашей эры коринфская колонна дебютировала. Постепенно коринфский орден стал более распространенным по мере того, как классический период подошел к концу, появившись вместе с более старыми орденами, такими как дорический.

Кроме того, архитекторы начали более внимательно изучать пропорции и хроматические эффекты пентелийского мрамора. При строительстве театров архитекторы усовершенствовали эффекты акустики за счет дизайна и материалов, используемых в зоне отдыха.

Архитектурные усовершенствования, усовершенствованные в течение позднего классического периода, открыли двери для экспериментов с тем, как архитектура может определять пространство, аспект, который стал авангардом эллинистической архитектуры.

Храмы

На протяжении архаического периода греки экспериментировали со строительством из камня и постепенно разрабатывали свою концепцию идеального храма.Было решено, что идеальное количество колонн будет определяться по формуле, в которой удвоенное количество колонн поперек фасада храма плюс один — это количество колонн вниз с каждой стороны (2x + 1 = y).

Многие храмы в классический период следовали этой формуле для своих периферийных колоннад, хотя и не все. Кроме того, многие храмы классического периода и за его пределами отмечены кривизной, придаваемой стилобату храма, которая компенсировала оптические искажения.

Храм Аполлона Эпикурейского в Бассах

Храм Аполлона Эпикурия в Бассах представляет собой гексастильный храм с пятнадцатью колоннами в длину. Храм был построен Иктиносом, известным своими работами над Парфеноном, во второй половине V века до нашей эры. План храма во многих отношениях необычен.

  • Храм выровнен с севера на юг, а не с востока на запад, что соответствует ландшафту участка.
  • В храме есть дверь наос, которая обеспечивает доступ и свет во внутреннюю комнату.
  • Он имеет некоторые общие черты с Парфеноном, такие как колоннада в наосе . Однако в данном случае колоннада одноэтажная, и только колонны храма (не стилобат) имеют энтазис.
  • Храм имеет элементы всех трех архитектурных орденов и является самым ранним известным примером коринфской столицы.

Интересно, что в храме есть только одна коринфская колонна, расположенная в центре наоса. Эксперты предполагают, что он был помещен в этом месте, чтобы заменить культовую статую как антиконическое изображение Аполлона.

План храма Аполлона Эпикурия в Бассах : Мрамор. Конец V века до нашей эры. Бассы, Греция.

Толос Афины Пронайской

Толос Афины Пронайи в Дельфах (380–360 гг. До н. Э.) Был построен как святилище Феодором Финикийским. Внешне 20 дорических колонн поддерживали фриз с триглифами и метопами. Круглая стена целлы также увенчана аналогичным фризом, метопами и в меньшей степени триглифами.

Внутри каменная скамья поддерживала 10 пилястр в коринфском стиле, все они были прикреплены к вогнутой поверхности стены.Коринфская столица была создана в середине пятого века и использовалась в минимальных количествах до эллинистической эпохи; позже он был популярен у римлян.

Разнообразное сочетание и смешение различных архитектурных стилей в одном здании было завершено за счет естественного полихроматического эффекта, который возник в результате использования разных материалов. Использованные материалы включали тонкие плиты из пентелийского мрамора в надстройке и известняк на платформе.

Под воздействием воздуха пентелийский мрамор приобретает коричневый цвет, который отличает его от более белых форм мрамора.Крыша здания также была построена из мрамора и на ней размещались восемь женских статуй, вырезанных в резких и подвижных движениях.

Толос Афины Пронайи : Толос Афины Пронайи в Дельфах, Греция (380–360 гг. До н. Э.) Был построен как святилище Феодоросом Финикии.

Театр в Эпидавре

Большой театр, расположенный в Эпидавре, является примером передовой инженерной мысли того времени. Театр был спроектирован Поликлитом Младшим, сыном скульптора Поликлета, в середине четвертого века до нашей эры.

Театр вмещает до 14000 человек. Как и все греческие театры, этот театр был построен на склоне холма, который поддерживает сиденья стадиона, а из театра открывается вид на пышную долину и горный пейзаж. Первоначальные 34 ряда были расширены во времена Римской империи еще на 21 ряд.

Как это принято в греческих театрах, вид на пышный пейзаж за скенем является неотъемлемой частью самого театра, и его нельзя закрывать. Театр особенно известен своей акустикой.Исследование 2007 года показывает, что удивительные акустические свойства могут быть результатом его передовой конструкции. Ряды сидений из известняка отфильтровывают низкочастотные звуки, такие как шум толпы, и усиливают высокочастотные звуки со сцены.

Театр в Эпидавросе : Большой театр, расположенный в Эпидавросе, Греция, является примером передовой инженерной мысли того времени. Театр спроектировал Поликлет Младший.

Акрополь

Афинский Акрополь — древняя цитадель в Афинах, содержащая остатки нескольких древних зданий, включая Парфенон.

Цели обучения

Краткое описание истории и структуры Афинского Акрополя

Основные выводы

Ключевые моменты
  • Акрополь, посвященный богине Афине, играл важную роль в городе с тех пор, как этот район был заселен в эпоху неолита. В последние века его архитектура повлияла на дизайн многих общественных зданий в Западном полушарии.
  • Сразу после персидской войны в середине V века до нашей эры афинский генерал и государственный деятель Перикл координировал строительство самых важных зданий этого места, включая Парфенон, Пропилеи, Эрехтейон и храм Афины Ники.
  • Постройки на Акрополе включают циклопические основы более старых построек микенской эпохи.
  • В период своего расцвета Парфенон отличался дорическим фасадом и интерьером ионического фриза, в то время как дорические Пропилеи — ворота в Акрополь и картинную галерею в классическую эпоху — не имели фризов и фронтальных скульптур. Ионический Эрехтейон, который, как полагают, был посвящен легендарному царю Эрехтею, имеет крыльцо, поддерживаемое столбчатыми кариатидами. Храм Афины Ники, прославляющий военные победы афинян, был построен в ионическом порядке.
  • Скульптуры из каждого из этих зданий изображают сцены, характерные для их исторического и мифологического значения для Афин.
Ключевые термины
  • периферийное устройство : Окружено одним рядом столбцов.
  • prostyle : Отдельно стоящие колонны на фасаде здания.
  • антаблемент : Площадь фасада храма, лежащая горизонтально над колоннами.
  • отметка : геометрическая проекция здания или другого объекта на плоскость, перпендикулярную горизонту.
  • Геометрический период : Эпоха абстрактных и стилизованных мотивов в древнегреческой вазовой живописи и скульптуре. Период был сосредоточен в Афинах и процветал с 900 по 700 год до нашей эры.
  • Перикл : видный и влиятельный греческий государственный деятель, оратор и полководец Афин во время Золотого века города, в частности, в период между Персидской и Пелопоннесской войнами.
  • заглавная : Самая верхняя часть колонны.

Афинский Акрополь

В исследовании архитектуры классической эпохи преобладают исследования строительства Афинского Акрополя и развития Афинской агоры.Акрополь — древняя цитадель, расположенная на высоком скалистом выступе над центром Афин. Он содержит остатки нескольких древних зданий большого архитектурного и исторического значения .

Слово акрополь происходит от греческих слов ἄ (акрон, что означает край или край) и π (полис, что означает город). Хотя в Греции есть много других акрополей, значение Афинского Акрополя таково, что он безоговорочно известен как Акрополь.

Афинский Акрополь : Акрополь играл важную роль в Афинах с тех пор, как этот район был заселен.

Акрополь играет важную роль в городе с тех пор, как этот район был заселен в эпоху неолита. Хотя есть свидетельства того, что холм был заселен еще в четвертом тысячелетии до нашей эры, в высокий классический период именно Перикл (ок. 495–429 до н. Пропилеи, Эрехтейон и храм Афины Ники.

Здания на Акрополе были построены в дорическом и ионическом ордерах, с драматическими рельефами, украшающими многие их фронтоны, фризы и метопы.
В последние века его архитектура оказала влияние на дизайн многих общественных зданий в Западном полушарии.

Ранняя история

Археологические данные показывают, что в Акрополе когда-то находилась микенская цитадель. Циклопические стены цитадели веками защищали Акрополь и остаются сегодня.Акрополь был постоянно заселен, даже во времена средневековья Греции, когда пала микенская цивилизация.

Именно в течение геометрического периода Акрополь из дома царя превратился в святилище, посвященное богине Афине, которую жители Афин считали своей покровительницей. В архаическом Акрополе был первый каменный храм, посвященный Афине, известный как Гекатомпедон (по-гречески «стоногий»).

Это здание было построено из известняка примерно с 570 по 550 год до нашей эры, и его длина составляла сто футов.Здесь находится первоначальный дом статуи Афины Полиас из оливкового дерева, известной как Палладий, , которая, как полагали, была привезена из Трои.

В начале V века персы вторглись в Грецию, и город Афины вместе с Акрополем был разрушен, разграблен и сожжен дотла в 480 г. до н. Э. Позже афиняне, перед последней битвой при Платеях, поклялись, что, если они выиграют битву — если Афина еще раз защитит свой город, — афинские граждане покинут Акрополь, как он есть, разрушенный, как памятник войне. .Афиняне действительно выиграли войну, и Акрополь оставался в руинах на тридцать лет.

Возрождение Перикла

Сразу после персидской войны афинский генерал и государственный деятель Перикл профинансировал обширную программу строительства афинского Акрополя. Несмотря на клятву оставить Акрополь в состоянии руин, сайт был восстановлен, и все оставшиеся старые материалы были включены в пространство нового сайта.

Строительная программа началась в 447 году до нашей эры и была завершена к 415 году до нашей эры.В нем работали самые известные архитекторы и художники того времени, а его скульптуры и здания были спроектированы так, чтобы дополнять друг друга и поддерживать диалог.

План Акрополя : План Акрополя и его окрестностей. К зданиям относятся: (1) Парфенон (2) Старый храм Афины (3) Эрехтейон (4) Статуя Афины Промахос (5) Пропилеи (6) Храм Афины Ники (7) Элевсинион (8) Святилище Артемиды Брауронии или Брауронеона (9) Халкотека (10) Пандросейон (11) Аррефорион (12) Алтарь Афины (13) Святилище Зевса Поли (14) Святилище Пандиона (15) Одеон Герода Аттика (16) Стоа Эвмена (17) Святилище Асклепия или Асклепион (18) Театр Диониса Элевферия (19) Одеон Перикла (20) Теменос Диониса Элевферия (21) Аглареон.

Парфенон

Парфенон представляет собой кульминацию стиля греческой храмовой архитектуры. Оптические усовершенствования, обнаруженные в Парфеноне — небольшая кривая, придаваемая всему зданию, и идеальное размещение метопов и триглифов над капителями колонн — представляют желание греков достичь совершенного и гармоничного дизайна, известного как симметрия .

В то время как художник Фидий отвечал за общий план Акрополя, архитекторы Иктинос и Калликрат спроектировали и руководили строительством Парфенона (447–438 гг. До н.э.), храма, посвященного Афине.Парфенон построен полностью из пенталийского мрамора, хотя части его фундамента сделаны из известняка, построенного до 480 г. до н.э., но строительство так и не было завершено.

Дизайн Парфенона немного отличается от первоначального плана храма. Храм является периферийным и окружен рядом колонн. Перед пронаосом (крыльцом) и опистодомосом стоит один ряд простильных колонн.

Опистодомос велик, соответствует размеру сокровищницы Делосского союза, которую Перикл перенес из Делоса в Парфенон.Пронаос настолько мал, что его практически нет. Внутри наоса расположен двухэтажный ряд колонн, окружающих интерьер, а перед колоннами установлена ​​культовая статуя Афины. Это самое важное сохранившееся здание классической Греции.

Парфенон : Парфенон, спроектированный Иктиносом и Калликратом, представляет собой храм на Афинском Акрополе в Греции, посвященный деве-богине Афине, покровительнице Афин. Его строительство началось в 447 году до нашей эры, когда Афинская империя была на пике своего могущества.

Обтекаемая форма Парфенона представляет собой сочетание дорических и ионических элементов. Внешние дорические колонны более тонкие, а их капители жесткие и имеют конусообразную форму. Антаблемент также кажется меньше и менее весомым, чем более ранние дорические храмы. Снаружи храм украшен дорическим фризом, состоящим из метопов и триглифов.

Внутри храма находятся ионические колонны и ионный фриз, который окружает внешнюю часть внутреннего здания. Наконец, вместо колонн у всего здания есть энтазис, небольшой изгиб, компенсирующий человеческий глаз.Если бы здание было построено идеально под прямым углом и с прямыми глазами, человеческий глаз увидел бы линии как изогнутые. Чтобы Парфенон выглядел прямо глазу, Иктинос и Калликрат добавили строению кривизну, которую глаз интерпретировал бы как прямой.

Скульптурные рельефы на метопах Парфенона являются одновременно декоративными и символическими, и рассказывают истории греков против других. На каждой стороне изображены разные битвы.

  1. Над входом с восточной стороны находится Гигантомахия, изображающая битву между гигантами и олимпийскими богами.
  2. На западной стороне изображена Амазономахия, изображающая битву между афинянами и амазонками.
  3. На северной стороне изображены сцены греческого разграбления Трои в конце Троянской войны.
  4. На южной стороне изображена Кентавромахия, или битва с кентаврами. Кентавромахия изображает мифическую битву между греческими лапифами и кентаврами, которая произошла во время свадьбы лапифов.

Эти сцены являются наиболее сохранившимися из метопов и демонстрируют, как Фидий справился с размещением эпизодического повествования в квадратных пространствах.

Центавромахия : Метоп Лапифа и Кентавра с южной стороны Парфенона. Акрополь, Афины, Греция. c. 447–438 гг. До н. Э.

Внутренний ионный фриз процессии обвивает внешние стены наоса. Хотя фриз может изображать мифическое или историческое шествие, многие ученые полагают, что он изображает панафениакское шествие.

Панафинейское шествие происходило ежегодно через город, ведущее от ворот Дипилона к Акрополю и завершающееся ритуальной сменой пепла, который носила древняя статуя Афины из оливкового дерева.Сцена процессии начинается в юго-западном углу и охватывает здание в обоих направлениях, а затем достигает кульминации в середине западной стены.

Он начинается с изображений всадников, готовящих своих верховых лошадей, за которыми следуют всадники и колесницы, афинской молодежи с жертвенными животными, старейшинами и девушками, затем богов перед кульминацией в центральном событии. На центральном изображении изображены афинские девушки в тканях, заменяющие старый пеплос новым.

Всадники в сцене процессии : Ионический фриз изнутри Парфенона.Акрополь, Афины, Греция. c. 447–438 гг. До н. Э.

Восточный и западный фронтоны изображают сцены из жизни Афины, а восточный фронтон сохранился лучше, чем западный; к счастью, оба были описаны древними писателями. Западный фронтон изображал борьбу Афины и Посейдона за покровительство Афинам. В центре фронтона стояли Афина и Посейдон, отделяясь друг от друга, создавая сильно заряженную, динамичную композицию.

Восточный фронтон изображал рождение Афины.В то время как центральное изображение Зевса, Афины и Хафеста было утеряно, окружающие боги в различных состояниях реакции выжили.

Скульптурная группа восточного фронтона Парфенона : Хотя центральное изображение Зевса, Афины и Гафеста было утеряно, окружающие боги в различных состояниях реакции сохранились (ок. 447–439 ​​до н. Э.).

Пропилеи

Мнесикл спроектировал Пропилеи (437–432 гг. До н.э.), монументальные ворота в Акрополь.Он направлял весь транспорт к Акрополю на одну пологую рампу. Пропилеи создали массивную стену-экран, которая была впечатляющей, защищающей и гостеприимной.

Он был спроектирован так, чтобы казаться симметричным, но на самом деле таковым не было. Эту иллюзию создавала колоннада из парных колонн, опоясывающих ворота. Южное крыло включало оригинальные циклопические стены микенской цитадели. Это пространство было урезано, но служило обеденной зоной для пира после жертвоприношения.

Северное крыло было намного больше. Это была пинакотека, где для всеобщего обозрения развешивали большие панно. Порядок Пропилеев и ее колонн дорический, а убранство простое — на метопах и фронтоне нет рельефов.

Пропилеи : Пропилеи в их нынешнем виде. Акрополь, Афины, Греция. c. 437–432 гг. До н. Э.

При входе в Акрополь со стороны Пропилеи посетителей встречала колоссальная бронзовая статуя Афины Промахос (ок.456 г. до н.э.), спроектированный Фидием. Отчеты и несколько монет, отчеканенных с изображениями статуи, позволяют нам сделать вывод, что бронзовая статуя изображала устрашающее изображение Афины в шлеме, шагающей вперед, со щитом на боку и высоко поднятым копьем, готовым нанести удар.

Эрехтейон

Эрехтейон (421–406 гг. До н. Э.), Спроектированный Мнесиклом, — древнегреческий храм на северной стороне Акрополя. Ученые считают, что храм был построен в честь легендарного царя Эрехтея.

Он был построен на месте Гекатомпедона и над мегароном микенской цитадели. Необычный дизайн храма объясняется топографией местности и включением в храм множества древних памятников.

В храме находилась Палладиум, древняя статуя Афины из оливкового дерева. Также считалось, что это место битвы между Афиной и Посейдоном, поэтому верующим были показаны оливковое дерево, колодец с соленой водой и следы от трезубца Посейдона.

Святыни мифических царей Афин, Кекропса и Эрехтея, которые дали храму его название, также были найдены в Эрехтейоне. Из-за своего мифического значения и религиозных реликвий Эрехтейон был местом окончания Панафинейского праздника, когда пеплос на статуе Афины из оливкового дерева ежегодно заменялся новой одеждой с должной пышностью и ритуалом.

Эрехтейон : вид с юго-запада. Акрополь, Афины, Греция. c. 421–405 гг. До н. Э.

Крыльцо на южной стороне Эрехтейона известно как Крыльцо Кариатид или Крыльцо Дев. Шесть высоких скульптурных женщин (кариатид) поддерживают антаблемент. Женщины заменяют колонны, но сами выглядят столбчатыми. Их драпировка, особенно на их несущей ноге, длинная и прямая, создавая параллель с канавкой на ионной колонне.

Пока они стоят в одинаковых позах, каждая статуя имеет свою стойку, свои черты лица, волосы и драпировку.Они несут на головах капители в виде яиц и дротиков, как женщины на протяжении всей истории носили корзины. Между их головами и этой капителью находится скульптурная подушка, которая создает впечатление смягчения нагрузки от веса здания.

Скульптурная колончатая форма кариатид названа в честь женщин городка Кайрай, небольшого городка недалеко от Спарты и связанного с ней. Однажды во время персидских войн город предал Афины персам. В ответ афиняне разграбили свой город, убив мужчин и поработив женщин и детей.Таким образом, кариатиды, изображенные на Акрополе, являются символическими изображениями всей власти Афин над Грецией и наказания предателей.

Крыльцо Эрехтейона : Крыльцо Эрехтейона поддерживают кариатиды. Акрополь, Афины, Греция. c. 421–405 гг. До н. Э.

Храм Афины Ники

Храм Афины Ники (427–425 гг. До н.э.), спроектированный Калликратом в честь богини победы, стоит на парапете Акрополя к юго-западу и справа от Пропилеи.Храм представляет собой небольшой ионический храм, состоящий из одного наоса, где культовая статуя стояла перед четырьмя опорами. Четыре опоры выровнены с четырьмя ионическими простильными колоннами пронаоса. И пронаос, и опистодомос очень маленькие, почти не существуют и определяются своими четырьмя столбцами простила.

План храма Афины Ники : Этот храм представляет собой небольшой ионический храм, состоящий из одного наоса, где культовая статуя стояла перед четырьмя опорами, ок. 427–425 гг. До н. Э.

Храм Афины Ники : Храм Афины Ники, ок. 427–425 гг. До н. Э. Акрополь, Афины, Греция.

Сплошной фриз вокруг храма изображает батальные сцены из греческой истории. Эти изображения включают сражения времен Персидской и Пелопоннесской войн, в том числе кавалерийскую сцену из битвы при Марафоне и победу Греции над персами в битве при Платеях.

Сцены в храме Афины Ники похожи на сцены битв на Парфеноне, которые в мифической аллегории олицетворяют господство греков над не-греками и иностранцами.Сцены, изображенные на фризе фриза Храма Афины Ники, демонстрируют греческое и афинское господство и военную мощь на протяжении исторических событий.

На балюстраде был добавлен парапет для защиты посетителей от падения с крутого склона холма. Изображения Nike, такие как Nike Adjusting Her Sandal, вырезаны рельефно.

В этой сцене Ника изображена стоящей на одной ноге, когда она наклоняется через приподнятую ступню и колено, чтобы поправить сандалии. Ее тело изображено в новом стиле High Classical.В отличие от архаической скульптуры, эта сцена фактически изображает тело Ники. Ее тело и мускулы отчетливо выделяются под прозрачной, но тяжелой одеждой.

Этот стиль, известный как мокрая драпировка, позволяет скульпторам изобразить тело женщины, сохраняя при этом скромность женской фигуры. Хотя тело Ники видно, она остается полностью одетой. Этот стиль можно найти в других местах Акрополя, например, на кариатидах и женщинах на фронтоне Парфенона.

Ника поправляет сандалии : Эта статуя находится в храме Афины Ники, ок.425–420 гг. До н. Э. Он расположен на Акрополе в Афинах, Греция.

Градостроительство в эпоху высокой классики Греции

Гипподам Милетский считается отцом рационального городского планирования, и город Приена является ярким примером его городов с сеткой.

Цели обучения

Опишите роль Гиппосама Милетского в развитии городов с сеткой в ​​классической Греции

Основные выводы

Ключевые моменты
  • Как архитектор и градостроитель, Гипподам Милетский (V век до н. Э.) Разработал план города, основанный на пересечении улиц под прямым углом, известный как план Гипподама.
  • План Ипподама основан на сетке прямых углов и распределении общественного и частного пространства. В центре города расположены наиболее важные общественные места города, в том числе агора, бульвар, театры и храмы. Частные номера окружают общественные зоны города.
  • Поскольку план Гипподама основан на углах и измерениях, его можно равномерно расположить на любой местности. В городе Приена план выстроен на крутом склоне холма, а местность выложена террасами, чтобы вписаться в рациональную сеть домов, улиц и общественных зданий.
Ключевые термины
  • Иония : древнегреческое поселение на западном побережье Малой Азии, населенное одним из четырех основных эллинских племен.
  • bouleuterion : здание, в котором размещался совет граждан в Древней Греции; актовый зал.
  • План сетки : Тип плана города, в котором улицы проходят под прямым углом друг к другу.

Гипподам Милетский

Хотя идея сетки присутствовала в раннем греческом городском планировании, она не была широко распространена до пятого века до нашей эры.После Персидской и Пелопоннесской войн многие города были разрушены и нуждались в восстановлении. До рационального городского планирования города росли органически и часто исходили из центральной точки, такой как Акрополь и Агора в центре Афин.

Гипподам Милетский на Ионическом побережье (западное побережье современной Турции) был архитектором и градостроителем, который жил между 498 и 408 годами до нашей эры. Его считают отцом городского планирования, и его именем названа сетка городского планирования, известная как план Гипподама.

Его планы греческих городов характеризовались порядком и регулярностью в отличие от запутанности и беспорядка, свойственных городам того периода. Его считают создателем идеи о том, что план города может формально воплощать и прояснять рациональный общественный порядок.

План Ипподама теперь известен как план сетки, образованный улицами, пересекающимися под прямым углом. Гипподам помог восстановить многие греческие города, используя этот план, и постройка была экспортирована в недавно заселенные греческие колонии.Позже он был принят Александром Великим для городов, которые он основал, и в конечном итоге широко использовался римлянами для своих колоний.

План не только охватывал сетку улиц, но также определял стандартный размер городских кварталов и выделял общественное и частное пространство. Обычно общественные места греческих агор и театров располагались в центре города. Дополнительные площади будут расчищены для спортзалов и стадионов. Акрополь, самая высокая часть города, всегда был зарезервирован для самых важных храмов города.

Приена и Милет

Город Приена, расположенный недалеко от Милета на побережье Ионического моря, является ярким примером плана Ипподама. Город расположен на склоне холма, и городской план накладывает структуру на естественный ландшафт. Улицы города с сеткой разбивают склон холма на кварталы, которые затем делятся на участки для частного жилья.

В центре города было много общественных зданий. Агора была центральной частью города. Стоя с колоннадой ограничивала общественное пространство на севере.Агора протянулась на шесть городских кварталов и с южной стороны была окружена Храмом Зевса.

К северу от стоа находились булейтерион, актовый зал и небольшой театр. Храм Афины находился к северо-западу от агоры. Жилые кварталы окружали агору. Ниже по склону на ровной площадке располагались спортзал и стадион. Над городом, высоко на склоне холма, находился городской акрополь.

Булевтерион : Булевтерион в Приене, Турция.

План Приены следует рациональному плану сетки, установленному Гипподамом, и демонстрирует его функции, даже когда он проложен на каменистой и холмистой местности. Расположение города на склоне холма не ограничивало его единообразия или распределения общественных и частных пространств. Вместо этого рациональный план Приены позволял получить доступ к нескольким местам города и облегчить навигацию по городу.

В Милете, родном городе Гипподама, план сети стал образцом городского планирования, которому следовали римляне.Что наиболее впечатляет, так это его широкая центральная территория, которая, согласно его макроуровневым городским оценкам, остается незаселенной и со временем превратилась в Агору, центр как города, так и общества.

Схема Милета, гр. 400 г. до н. Э. г .: в Милете, родном городе Гипподама, план сети стал образцом городского планирования, которому следовали римляне.

Стелы в греческий высокий классический период

Большие стелы с рельефной резьбой стали новыми надгробными памятниками в Греции в период высокой классики.

Цели обучения

Описать функцию стел в высококлассной греческой скульптуре

Основные выводы

Ключевые моменты
  • Погребальные стелы большие, прямоугольные. Их часто увенчивали фронтоны, которые часто, хотя и не всегда, поддерживались колоннами. Первоначально стелы были окрашены и в некоторых случаях украшены металлическими подпорками, такими как копья.
  • Погребальные стелы классической Греции — это идеализированные портреты, которые пытаются связать характер и социальное положение умершего через атрибуты, изображенные на могильном маркере.Примеры включают воина, изображенного в битве, или женщину, украшающую себя драгоценностями.
  • Рельефы на погребальных стелах соответствуют стилистическим характеристикам классического периода. Тела мужчин хорошо смоделированы, и, если они стоят, они часто стоят с контрапостом. Драпировку часто изображают в стиле мокрой драпировки, что позволяет показать форму тела.
  • На погребальных стелах детей часто изображены животные-компаньоны, такие как голуби и другие птицы, которые могли иметь символическую связь с загробной жизнью.
Ключевые термины
  • naiskos : Небольшой храм, выполненный в классическом порядке с колоннами или колоннами и фронтоном.
  • Керамейкос : Область древних Афин, расположенная к северо-западу от Акрополя по обе стороны от ворот Дипилона. Это место известно как гончарный квартал.
  • стела : Высокий тонкий каменный памятник, часто с высеченными на его поверхности письменами

Погребальные стелы

Стела (множественное число: стелы) — это большая плита из камня или дерева, возведенная для памятных и погребальных целей.Стелы Древней Греции заменили погребальные знаки геометрических кратеров и амфор, а также архаических куроев и корай классического периода.

Стелы были широкими и высокими и представляли собой портреты в классическом стиле. Хотя фигуры все еще были идеализированными, они предназначались для обозначения конкретных людей. На стелах были написаны имена умерших и часто имена родственников. Большинство стел имеют прямоугольную форму и часто увенчаны фронтоном. Колонны часто, но не всегда, появляются с каждой стороны, вроде бы для поддержки фронтона.Стелы в этом искусственно-архитектурном стиле принимают форму погребального храма, называемого наискос. Надпись должна быть расположена на фронтоне или под изображением, и в этом случае фронтон был расписным, однотонным или украшен просто геометрическими узорами.

Фигуры, изображенные на стелах классической эпохи, выполнены в том же стиле и манере, что и в классической скульптуре, и на скульптурных украшениях архитектуры, таких как фронтоны и фриз храма. Стелы в качестве надгробных памятников стали популярны около 430 г. до н.э., что совпало с началом Пелопоннесской войны.Каждая стела уникальна своими попытками индивидуализировать и охарактеризовать атрибуты и личность умершего.

Могильная стела Хегесо

Надгробная стела Гегесо с кладбища Керамейкос недалеко от Афин изображает сидящую женщину. Стела датируется 400 годом до нашей эры, и женщина соответствует стилистическому представлению женщин того времени.

Хегезо сидит на стуле, опираясь ногами на скамеечку для ног. Она элегантно одета в длинную струящуюся драпировку. Служанка в простом платье стоит перед ней с небольшой коробкой, из которой Хегесо выбирает украшения.Украшения сейчас отсутствуют, потому что это была всего лишь расписная деталь, а не рельефная.

Обе женщины носят прозрачную одежду, которая прилегает к их телу, чтобы облегчить их женственную форму, хотя одежда более откровенна для Хегесо, чем для ее слуги. Этот стиль, известный как мокрая драпировка, также встречается в храме Афины Ники в Афинах. Обе фигуры невыразительны и лишены эмоций.

Могильная стела Хегесо : Эта стела с кладбища Керамейкос недалеко от Афин изображает сидящую женщину со своим слугой перед ней.Стела датируется 400 годом до нашей эры, и женщина соответствует стилистическому представлению женщин того времени.

Надгробная стела спортсмена

Надгробная стела спортсмена (начало четвертого века до нашей эры) с острова Делос изображает спортсмена, принимающего лекитос масла от юноши. Тело спортсмена напоминает Дорифора Поликлета. Он спортивный, а мускулы определяются моделированием, а не линиями.

Он стоит в позе контрапоста, склонив голову, и тянется к фляге, которую держит молодой служитель.Возраст юноши определяется не его хорошо сложенным телом (которое очень похоже на тело спортсмена), а его миниатюрными размерами.

Надгробная стела спортсмена : Эта стела изображает спортсмена, стоящего в позе контрапоста, склонив голову, и тянется к фляге, которую держит молодой служитель. Около 375 г. до н.э., из Делоса, Греция.

Могильная стела Дексилеоса

Надгробная стела Дексилеоса (390 г. до н. Э.) На кладбище Керамейкос в Афинах — еще одна демонстрация того, как рельефы стел отражают стиль и мотивы скульптуры того периода.Эта стела напоминает резной рельеф афинских всадников на ионическом фризе Парфенона.

Дексилеос едет верхом на встающей лошади и атакует врага. Надпись относится к его ранней смерти в битве против коринфян. Вероятно, изначально он держал в поднятой руке металлическое копье. Две фигуры, Дексилей и Коринфянин, одеты по-разному. Нагота коринфянина означает его отличие от цивилизованного афинянина, одетого должным образом. Летающий плащ Дексилеоса и вздыбленная лошадь добавляют драматизма сцене, которая, несмотря на ее содержание, странно невыразительна из-за бесстрастных лиц персонажей.

Могильная стела Дексилея : Эта мраморная стела напоминает резные рельефы афинских всадников с ионического фриза Парфенона. Около 390 г. до н.э., из кладбища Дипилон в Афинах, Греция.

Надгробная стела маленькой девочки

В то время как вышеупомянутые стелы посвящены памяти взрослых, надгробные стелы также посвящены детям. На могильной стеле маленькой девочки (450–440 гг. До н. Э.) Без фронтона, позволяющей покойной занимать большую часть пространства, изображена маленькая девочка, держащая двух голубей, предположительно ее домашних животных.

Одна птица сидит у нее на руках, а другая, кажется, прижимается к ней и нежно клюет ее в рот. Она склоняет голову к обоим голубям с торжественным выражением лица, словно прощается с животными. Такие изображения детей и животных-компаньонов часто встречаются на надгробных стелах античной эпохи.

Способность голубей летать связала их со смертью и загробной жизнью. Некоторые эксперты предполагают, что голуби, как полагали, могли общаться с теми, кто в загробной жизни.Подобно женщинам на могильной стеле Гегезо, одежда ребенка имеет стиль мокрой драпировки, чтобы подчеркнуть контуры ее тела, позволяя ей сохранять женственную скромность.

Надгробная стела маленькой девочки : Эта стела не имеет фронтона и позволяет умершему занять большую часть пространства. На нем изображена маленькая девочка, держащая двух голубей, предположительно ее домашних животных. С острова Парос, ок. 450–440 гг. До н. Э.

Живопись в греческий высокий классический период

Панно и надгробные росписи эпохи высокой классики изображают природные фигуры с высокой пластичностью и динамичными композициями.

Цели обучения

Опишите стили живописи, которые развивались в период высокой классики, как это видно на панно и росписи надгробий.

Основные выводы

Ключевые моменты
  • Немногочисленные образцы панно, фрески и настенной живописи сохранились благодаря органическим материалам. Однако сохранившиеся примеры архаического, классического и позднего классического периодов демонстрируют такое же развитие фигуры — от жестких, жестких изображений до динамичных сцен с естественными фигурами.
  • Художник Аполлодор считался одним из самых талантливых художников классического периода. Он разработал технику изображения теней и глубины, известную грекам как скиаграфия, которая похожа на использование светотени в эпоху Возрождения.
  • Римская мозаика Александра считается копией крупномасштабной греческой фрески или панно конца IV века до нашей эры. Его замечательные детали и идентифицируемые характеристики Александра Великого среди динамичной битвы указывают на мастерство греческих художников в конце классической эпохи.
Ключевые термины
  • симпозиум : Пьянка, особенно с интеллектуальной дискуссией, в Древней Греции.
  • светотень : Художественная техника, популярная в эпоху Возрождения, относящаяся к использованию преувеличенных световых контрастов для создания иллюзии объема.

Классическая Греция была 200-летним периодом в греческой культуре, который длился с пятого по четвертый века до нашей эры. Этот классический период, последовавший за периодом архаики и сменившийся периодом эллинизма, оказал мощное влияние на Римскую империю и сильно повлиял на основы западной цивилизации.Большая часть современной западной политики и художественной мысли, такой как архитектура, научная мысль, литература и философия, берет свое начало в этот период греческой истории.

Панно

Панно — это роспись плоских деревянных панелей, состоящих из одного большого целого или нескольких соединенных вместе. Из-за своей органической природы многие панно больше не существуют. Панельные картины обычно выполнялись энкаустикой или темперой и выставлялись в интерьере общественных зданий, например, в пинакотеке Пропилеев Афинского Акрополя.

Самыми ранними известными панно являются панно «Питца», относящиеся к архаическому периоду между 540 и 530 годами до нашей эры; однако панно продолжалось на протяжении всего классического периода.

Греки и римляне считали художника Аполлодора одним из лучших художников раннего классического периода, хотя ни одна из его работ не сохранилась. Ему приписывают создание теней с помощью техники, известной как скиаграфия. Техника накладывает перекрестную штриховку и контурные линии для добавления перспективы в сцену и похожа на технику светотени эпохи Возрождения.

Панно Pitsa : Это самые ранние известные панно, датируемые архаическим периодом между 540 и 530 годами до нашей эры.

Роспись гробниц

Роспись гробниц — еще один популярный метод росписи, который из-за своей хрупкости часто не сохранился. Тем не менее, несколько примеров все же сохранились, в том числе Гробница ныряльщика 480 г. до н.э. и настенные росписи из королевских македонских гробниц в Вергине, датируемые серединой IV века до н.э. Сравнение картин демонстрирует, как живопись следовала за развитием скульптуры в отношении изображения человеческого тела.

Могила ныряльщика находится в небольшом некрополе в Пестуме, Италия, который тогда был греческой колонией Посейдония, и датируется началом классического периода. На стенах гробницы изображена сцена симпозиума, а на внутренней стороне перекрытия — изображение ныряльщика.

Изображения написаны настоящей фреской на известняковом растворе. Сцена дайвера представляет собой простое изображение с небольшим пейзажем, состоящим из деревьев, воды и платформы дайвера. Дайвер обнаженный, и его тело просто определяется линиями и цветом.Тела мужчин на симпозиуме более точно демонстрируют архаическую зависимость от линии для моделирования формы тела и драпировки их одежды.

Могила ныряльщика : Это фреска сцены симпозиума, нарисованная на Могиле водолаза.

По сравнению с настенными росписями гробниц в Вергине, раннеклассическая роспись гробниц статична и довольно архаична. Фрески из Вергины изображают фигуры в полноцветном исполнении в стиле высокой классики.

Например, считается, что существует изображение короля Филиппа II на колеснице, запряженной двумя лошадьми. Фреска плохо сохранилась, но на лошади Филиппа можно увидеть моделирование животных, создаваемое цветовым затенением, и намеком на перспективу при взгляде на колесницу. Художник полагается на оттенки и оттенки своих красок, чтобы создать глубину и ощущение жизни в картине.

Человек на колеснице : Фрески из Вергины изображают фигуры в полностью раскрашенной версии высокого классического стиля.

Одна из типичных фресок Вергины — «Аид, похищающий Персефону». Раскрашенная сцена похожа на скульптурный стиль позднего классицизма, а динамичная, наполненная эмоциями композиция, кажется, предсказывает стиль эллинистической скульптуры.

Сцена изображает Аида в своей колеснице, цепляющегося за обнаженный торс Персефоны, когда пара уезжает. Цвета блеклые и тусклые, но ярко-красную драпировку, которую носит Персефона, все еще легко узнать. Линии и штриховка подчеркивают его складки.

Стиль выглядит почти импрессионистическим, особенно если рассматривать лицо и волосы Персефоны. Персефона и Аид создают наполненную напряжением хиастическую композицию, а Аид мчится влево, преодолевая притяжение Персефоны, отчаянно тянущееся вправо.

Аид похищает Персефону. : Одна из типичных фресок Вергины — это сцена, где Аид похищает Персефону.

Александр Македонский

Александр III Македонский (356–323 до н.э.), более известный как Александр Великий, очень тщательно контролировал и создавал свои портреты.Чтобы сохранить контроль и стабильность в своей империи, он должен был убедиться, что его люди признают его и его авторитет.

Из-за этого портрет Александра был установлен, когда он был очень молод, скорее всего, в подростковом возрасте, и никогда не менялся на протяжении всей его жизни. Чтобы еще больше контролировать свои портретные типы, Александр нанял художников в различных медиа, таких как живопись, скульптура и огранка драгоценных камней, для разработки и продвижения портретного стиля в этой среде. Таким образом, Александр использовал искусство и ремесленников из-за их пропагандистской ценности, чтобы поддержать и обеспечить лицо и легитимность своего правления.

Мозаика Александра

Мозаика Александра — это римская напольная мозаика примерно 100 г. до н.э., раскопанная в Доме Фавна в Помпеях. На мозаике изображена битва при Иссе, произошедшая между войсками Александра Македонского и персидского царя Дария III. Считается, что мозаика является копией крупномасштабного панно Аристида Фивского или фрески Филоксена Эретрийского конца IV века до нашей эры.

Мозаика Александра (битва при Иссе) : Считается, что это копия фрески Филоксена Эретрийского или панно Аристида Фивского (конец четвертого века до нашей эры).Александр изображен в профиль слева. Это римское произведение из Дома Фавна в Помпеях в конце второго или третьего века до нашей эры.

Мозаика замечательная. Он передает острое чувство деталей, драматично разворачивает драму битвы и демонстрирует использование перспективы и ракурса. Два главных героя битвы легко различимы, и этот портрет Александра может быть одним из самых узнаваемых. Он носит нагрудник и эгиду, а его волосы обычно взлохмачены.Он едет в бой на своем коне Буцефало, возглавляя свои войска. Взгляд Александра по-прежнему сосредоточен на Дариусе, и он кажется спокойным и контролирующим, несмотря на лихорадочную битву, происходящую вокруг него.

Дарий III, с другой стороны, в отчаянии командует битвой со своей колесницы, когда его возничий выводит их из битвы. Его кони убегают под хлыстом возницы, и Дарий наклоняется наружу, протягивая руку, только что бросившую копье. Его положение тела противоречит движению его колесницы, создавая напряжение между ним и его полетом.

Другие детали мозаики включают выражения лиц солдат и лошадей, таких как упавшая лошадь и его всадник в центре битвы, и испуганный павший перс, чье выражение отражено на его щите.

Затенение и игра света в мозаике отражает использование света и тени в исходной картине для создания реалистичного трехмерного пространства. Лошади и солдаты показаны в разных ракурсах: от профиля до трех четвертей и спереди, а одна лошадь даже смотрит на публику своим крупом.Тщательная штриховка внутри мозаичных тессер моделирует персонажей, чтобы придать фигурам массу и объем.

Скульптура в греческий высокий классический период

Высокая классическая скульптура демонстрирует изменчивый стиль греческой скульптуры, когда фигуры стали более динамичными и менее статичными.

Цели обучения

Сравните и сопоставьте стили Поликлита, Фидия и Мирона в период высокой классики

Основные выводы

Ключевые моменты
  • Овладев изображением натуралистических тел из камня, греческие скульпторы начали экспериментировать с новыми позами, которые расширили репертуар греческого искусства.Скульптуры этого более позднего периода отходят от классических черт, которые они все еще сохраняют: идеализма и сурового стиля.
  • Поликлет наиболее известен своим Каноном, изображенным в Дорифоре, но также известен своими Диадуменами и Дискофорами. Эти двое скульптурных атлетов также выполнены по его канону и изображены в контрапосте в хиастических позах.
  • Фидий был одним из самых известных скульпторов своего времени. Он курировал скульптурную программу Афинского Акрополя, а также известен своими гигантскими культовыми статуями Зевса и Афины Парфенос из хризелефантины.
  • Мирон — бронзовый скульптор периода высокой классики. Его статуи известны своей потенциальной энергией. Его Discobolos готовы к прыжку, готовясь к метанию диска. Хотя фигура все еще идеализирована, она кажется застывшей в напряженном движении.
Ключевые термины
  • хризелефантин : Изготовлен из золота и слоновой кости.
  • aegis : атрибут Зевса или Афины, обычно представленный в виде щита из козьей шкуры.

Поликлейтос

Поликлет был известным греческим скульптором, работавшим в бронзе. Он также был теоретиком искусства, разработавшим канон пропорции (названный Каноном), который демонстрируется в его статуе Дорифора (Копьеносца). Многие из бронзовых статуй Поликлета классического периода, включая Дорифор, сохранились только в виде римских копий, выполненных в мрамор. Считается, что Поликлет вместе с Фидием создали стиль, признанный классической греческой скульптурой.

Другой пример работы Канона — статуя Поликлета Диадумена, юноши, примеряющего повязку на голову, и его статуя Дискофора, носящего диск. На обеих римских мраморных копиях изображены спортивные, обнаженные мужские фигуры.

Тела двух фигур идеализированы. Нагота позволяет легко увидеть гармонию частей или симметрию и иллюстрирует принципы, обсуждаемые в Каноне. Канон сосредоточился на соотношении частей тела друг к другу, чтобы создать идеальную мужскую форму.Обе статуи демонстрируют прекрасные пропорции, идеальный баланс и определяемые части тела.

Дискофор : Это римская мраморная копия греческого бронзового оригинала Поликлета, ок. 440 г. до н. Э.

Диадуменос : Это римская мраморная копия греческого бронзового оригинала Поликлета, около 430 г. до н. Э.

Спортсмены показаны в стойках с контрапостом. Дискофор переносит вес на левую ногу. Его бедра и слегка наклоненный вперед к правой ноге преувеличивают перенос веса.Фигура балансирует на своей левой ноге, которая отведена назад, а остальная часть его тела соответствующим образом реагирует на эту стойку.

Диадуменос также стоит в контрапосте, хотя его движение кажется более поступательным и стабильным, чем у Дискофора. Он завязывает повязку, которая идентифицирует его как победителя в спортивном состязании. Его поднятые руки добавляют композиции новую динамику.

Discophoros и Diadumenos, наряду с Doryphoros, демонстрируют гибкость композиции, основанную на каноне, и врожденную живость, создаваемую позами контрапостов.Несмотря на живые аспекты и уникальные позы фигур, все трое по-прежнему сохраняют суровый стиль и невыразительное лицо раннегреческой скульптуры.

Поликлет не только работал с бронзой, но также известен своей культовой статуей Геры в Аргосе, которую в древности сравнивали с колоссальными культовыми статуями Фидия.

Фидий

Фидий был скульптором и художественным руководителем Афинского Акрополя и курировал скульптурную программу всех зданий Акрополя.Он считался одним из величайших скульпторов своего времени и создавал монументальные культовые статуи из золота и слоновой кости для городов-государств по всей Греции.

Фидий хорошо известен Афиной Парфенос, колоссальной культовой статуей в наосе Парфенона. Хотя статуя была утеряна, письменные отчеты и репродукции (миниатюры и изображения на монетах и ​​драгоценных камнях) дают нам представление о том, как появилась скульптура.

Он был сделан из слоновой кости, серебра и золота и имел деревянную основу.Афина стояла в короне, в своем шлеме и эгиде. Ее щит стоял вертикально слева от нее, и ее левая рука опиралась на него, в то время как в правой руке она держала статую Ники. Реконструкция художника находится в Парфеноне в Нэшвилле.

Реконструкция Афины Парфенос Фидия : Он расположен в Парфеноне в парке Сентенниал, Нэшвилл, Теннесси.

До того, как он создал статую Афины Парфенос для Афин, Фидий был наиболее известен своей хризелефантовой статуей Зевса в Олимпии, которая считалась одним из чудес света.Статуя Зевса в Олимпии, как говорят, была хризелефантиновой статуей высотой 39 футов.

Как и в случае с Афиной Парфенос, мало что известно о том, как выглядела статуя, хотя письменные отчеты, мраморные и монетные копии дают возможные идеи. Помимо того, что она была построена в колоссальных масштабах, отчеты указывают на то, что фигура Зевса сидела и держала скипетр и статую Ники. Рядом с ним или на скипетре сидел орел.

Скульптура была украшена не только золотом и слоновой костью, но и черным деревом и другими камнями.Созданная художником колоссальная скульптура хранится в Эрмитаже в Санкт-Петербурге, Россия.

Реконструкция Зевса Фидия в Олимпии : Созданная художником колоссальная скульптура находится в Эрмитаже в Санкт-Петербурге, Russia.ia.

Майрон

Афинский художник Мирон также создавал бронзовые скульптуры в середине V века до нашей эры. Его самая известная работа — это Дискоболос, или метатель диска (не путать с дискоболом Поликлетия, Дискофором).На Diskobolos изображен молодой, атлетичный обнаженный мужчина с суровым лицом. Его тело держит позу контрапоста; одна нога выдерживает его вес, а другая расслаблена. Расслабленная рука уравновешивает его тело, а другая рука напрягается, готовясь отпустить диск. Diskobols демонстрирует динамичную хиастическую композицию, в которой диагональные линии перемещают взгляд по скульптуре.

Дискоболс : Римская мраморная копия греческого бронзового оригинала Мирона, ок. 450 г. до н. Э.

Эта фигура представляет собой еще один новый элемент классической скульптуры — иллюстрацию потенциала энергии.Его энергия кажется возбужденной, ожидая, пока фигура ее высвободит. Статуя изображает стремительный и преходящий момент, который застывает в определенный момент, чтобы продемонстрировать гармонию, баланс и ритм, выработанные как спортсменом, так и художником.

Эпоха Возрождения

Ссылки и ресурсы

Криста Даудесвелл и Жасмин Шанц «Краткое изложение Эразма» Похвала безрассудству .

Что такое Возрождение?

Как исторический период Возрождение пересекается с поздней серединой возрастов.

  • В южной Европе, особенно в Италии, это начинается в 1350 или 1400 годах. Некоторые датируют происхождение раньше, но все согласны с тем, что он цветет в 1400-х годов ( quattrocento ). Он снижается к 1500 или 1525 годам.
  • г. К северу от Альп, Возрождение начинается примерно в 1500 г. Его расцвет в Англии пришелся на елизаветинский период (1558–1603), «век Шекспира ».

«Возрождение» означает «возрождение», и то, что было возрождено в этот период, было классицизмом : Греческая и римская литература, искусство и архитектура. Мыслители эпохи Возрождения, писатели и художники стремились передать «славу Рима» Христианская западная Европа.

Хорошим ранним примером в искусстве является Донателло, величайший скульптор своей эпохи. время; вот его бронзовый Давид, победивший Голиафа (ок. 1425 г.). Этот вероятно стояла в саду Козимо де Медичи во Флоренции (сейчас он Музей Флоренции). Это «первая отдельно стоящая обнаженная статуя в натуральную величину». со времен античности (Янсон, История искусства , 6-е изд.). Его форма классический, его суть основана на Писании, и его подтекст, вероятно, политический: маленькая Флоренс только что отбила голиафа Милана, когда Донателло ваял это.

Для чувствительности эпохи Возрождения большой проблемой было то, что люди чувствовали себя разделенными с классической эпохи. Казалось глубоко прискорбным, что средневековая история двигался в своем собственном направлении, отказавшись от классического наследия. В Итальянский писатель Петрарка (1304-1374), отец гуманизма эпохи Возрождения, был первым, кто назвал средневековье «темным веком». Задание Возрождения, таким образом, должно было заново открыть для себя, что такое классицизм. о.Эта задача требовала перехода ad fontes , «к истокам» — чтение классической литературы и понимание классическое искусство заново. Ad fontes был девизом Возрождения. Получение классических источников (чтобы их можно было перенести в современные культура) вовлекла усилия критической исторической науки. Филология и история были важными дисциплинами эпохи Возрождения.

Характерной чувственностью Возрождения был гуманизм .Отчасти это означало изучение гуманитарных наук, но это также означало сосредоточение внимания на на людей, их «свободу, силу, уникальность и индивидуальность» (Бард Томпсон, Гуманисты и реформаторы ). Некоторые говорят, что Возрождение началось в 1336 г., когда Петрарка поднялся на самую высокую гору на юге Франции, не как метафора для духовного восхождения, а не для строительства монастыря или для общения с Богом, а вот посмотреть вид — и напиши об этом.(Но обзор напоминает ему исповеди Августина !)

Папство эпохи Возрождения

В годы, предшествовавшие 1417 году, папство было ослаблено: —

  • великий раскол;
  • соборность;
  • г. Успех нескольких папских государств в свержении папской власти;
  • г. коммерческое развитие Венеции, Флоренции и Милана без забота об интересах Церкви;
  • г. возрастающая мощь Англии и Франции, стремившаяся ограничить папская власть;
  • общественный образ слабости и бедности, символизируемый ухудшающимся и гниющие здания в Риме, в том числе Константиновская базилика Св.Петра.

После того, как Мартин V был избран папой Констанцским собором в 1417 г., он решил перенести свою администрацию в Рим (французы хотели, чтобы он Авиньон, а немцы хотели его в немецком городе). Он нашел Латеранский Дворец в таком плохом ремонте, что он перенес папскую администрацию в Ватикан. Холм, где он остается сегодня.

Папы эпохи Возрождения стремились восстановить честь и авторитет папства, и в их задачи входили: —

  • ремонт старых зданий и строительство новых прекрасных;
  • сдача в эксплуатацию впечатляющих произведений искусства;
  • г. — возвращение папских государств, что может быть связано с политическими интригами и военная сила;
  • увеличение папской власти по сравнению с полномочиями европейского национального правительства, которые могут использовать хитрую дипломатию;
  • укрепление доходов и улучшение папской казны.

Николай V (1447-1455) был первым папой в стиле эпохи Возрождения; его самым известным проектом была реконструкция из Базилика Святого Петра , что началось во время его правления. Юлий II (1503-1513) был самым успешным Пап эпохи Возрождения; потомки особенно вспоминают его ввод в эксплуатацию Микеланджело для украшения Сикстинской капеллы (на фото здесь).Папы эпохи Возрождения, вышедшие из влиятельных итальянских семьи, которые были известны своим спонсорством искусства, их дорогостоящими развлечения, их политические махинации и их интриги, но не за их церковную политику, теологию, мораль или духовность. Символический конец папства эпохи Возрождения — вторжение в Рим армии императора Карла V в 1527 году, который, вероятно, нанес больше ущерба чем даже варвары 410 года.

Возрождение и реформы

Эразмус (1466-1536), на фото здесь. Этот влиятельный голландский священник-гуманист, ученый и учитель критиковал церковную структуру власти, продвигал доступное мирское богословие, свободное от схоластических тонкостей, и опубликованное первое научное издание Нового Завета на греческом языке. Он написал похвалы глупости.

Жак Лефевр д’Этапль (ок. 1450-1536) французский священник-гуманист и преподаватель Парижского университета, комментатор о Павле и первый переводчик Библии на французский язык (1530 г.). Джон Колет (ок. 1467-1519) был священником-гуманистом и учителем в Оксфорде, а затем декан собора Святого Павла в Лондоне. Его проповедь читалась в 1512 год до созыва англиканской церкви высмеивал богатство и лень духовенства, и призывал к серьезным реформам; это вызвало полемика, и была немедленно опубликована.

Ренессанс оказал влияние на протестантов и католиков. реформирования.

  • Отношение ad fontes применимо и к христианству. Христианин лидеры вернулись к Священному Писанию, которое они отредактировали и перевели согласно современным филологическим принципам, и которые они интерпретировали заново.
  • Средневековые легенды и суеверия развеяны историками эпохи Возрождения. вооружены новыми критическими методами.Лучшим примером является обнажение подделка Дар Константина Лоренцо да Валла (1405–1457).
  • Ренессансные чувства свободы столкнулись с авторитарными социальными структуры, такие как церковь. Писатели резко высмеивают церковные коррупция и лицемерие.
  • Писатели эпохи Возрождения (примеры — Петрарка и Эразм) презирали схоластов. теологии, как это сделали протестанты и католики-реформаторы.
  • Общая цель Возрождения — соединить классическую форму с Христианская вера помогла людям заново увидеть христианство. Классическая литература использовался для укрепления веры и критики церковных злоупотреблений.
  • Образовательная задача эпохи Возрождения заключалась в том, чтобы способствовать чтению и учиться среди мирян. Признание протестантских и католических реформаторов ценность улучшения христианского образования.

Поздняя классическая греческая скульптура

Поздняя классика Скульптуры

Оригинальных произведений поздней классики, большинство опять же рельефы — архитектурные, на надгробиях или вотивные, хотя две последние категории в основном некачественные. Несколько фрагментов фронтонов выжить вместе с рядом довольно полных отдельно стоящих статуй (некоторые из них сделаны для архитектурных декораций), а также несколько хороших голов.Копии с римского искусства многочисленны, но не совсем репрезентативен. В частности, спортивные статуи сравнительно мало, предположительно потому, что более поздние покупатели копий предпочли High Классические варианты типа. Есть еще четыре или пять хороших оригиналов. в бронзе.

[Примечание: для биографий выдающихся скульпторов из Древней Греции, см .: Фидий (488–431 гг. До н. Э.), Майрон (активный период 480–444 гг.), Поликлет / Поликлит (5-й века), Каллимах (Активный 432-408), Скопас / Скопас (Активный 395-350), Лисипп / Лисипп (c.395-305), Пракситель (Активный 375-335), Leochares (Активный 340-320).]

Стоящие обнаженные мужчины

Стоящие обнаженные мужчины сильно различаются. В Хеннес основания колонны из Эфеса , что вряд ли может быть раньше чем 350 г. до н.э., следует за такими классическими моделями как Doryphorus как по позе, так и по строению тела, хотя лицо более мягкое. Мальчик-марафон, обычно датируемый примерно 340 годом до нашей эры, более прогрессивен.Это это оригинальная бронза высотой четыре фута три дюйма, которую выловили от древнего обломка Марафона и спроектирован с подчеркнуто вид спереди, но моделирование мягче, а поза более извилистая, так, чтобы центр тяжести фигуры приходился на провисшую правую ногу и его баланс, кажется, только кратковременный. Боковое колебание ровное более ярко выражен в других произведениях того времени и часто фигура должна есть опора, на которую можно опереться, устройство, которое иногда используется High Classical хозяева, хотя и более сдержанно.Этот тип позы, как показывают копии, был эксплуатировался Праксителем и, возможно, был его изобретением, но другие тоже использовал. Что делает Marathon Boy может можно только догадываться. Первоначально какой-то объект, на который он смотрел, был закреплен булавкой на левой ладони, но положение правой руки и его пальцев также должно иметь какое-то активное намерение.

Апоксиомен

The Apoxyomenos , или человек соскабливает сам представляет собой посредственную мраморную копию, почти шесть футов девять дюймов в высоту, предположительно бронзовой статуи около 330 г. до н.э. и, возможно, к г. Лисипп г.Тусклость деталей, особенно проявляющаяся в выражении лица. лицо, может быть вина переписчика, но прежде всего Апоксиомена кажется упражнением в создании статуи, которая больше не зависит на четырех сторонах света — передней, двухсторонней и задней. Готово вытягивая обе руки в направлении, заметно отличном от направления багажник, так что сразу не видно, какой вид спереди предназначен как основной.Современному зрителю поза может показаться бессмысленной. и надуманный; но первоначально левая рука держала стригил, своего рода длинный тонкий совок из бронзы, которым атлеты очищали себя после тренировки, и Апоксиомен использует его на своей правой руке. Этот очевидно кратковременная, хотя и уравновешенная поза и положение ноги в гармонии. По своим пропорциям Апоксиомен следует новому система, приписываемая Лисиппу, с меньшей головой и более длинными ногами, поэтому фигура выглядит более изящной; и действительно, если посмотреть отдельно на Дорифор и Апоксиомен — или их слепки — обычное впечатление в том, что Апоксиомен выше, хотя по размеру — исключая плинтус — высота у них практически одинаковая.

Драпированный женский Статуи

Извилистые позы гораздо реже для стоя статуи задрапированных богинь и женщин, возможно, потому что они нарушили желаемый эффект драпировки или из-за предрассудков против праздности отношения в женщинах. В основном прогрессивные скульпторы позднего классицизма были больше заинтересованы в драпировке, чем в теле. Среди второстепенных работ некоторые маленькие статуэтки «медведей» (или молодых девушек) из Браурона любопытны, как преждевременные очерки сентиментальности.Драпированные мужские статуи тоже обычно стоят стоячие, некоторые — например, знаменитый «портрет» Софокла — с более чем предложение позы. Тем не менее, для греков это был важный знак хорошего воспитания, чтобы носить их нестандартное платье с правильной формальностью и Софокл, хотя и был поэтом, был джентльменом.

Афродита Книдоса

Из эпохи Раннего Классическая греческая скульптура, барельефы и статуэтки иногда изображала обнаженную женщину, но это не было принято в качестве предмета для полноразмерные статуи примерно до середины четвертого века.Возможно первым и, безусловно, самым известным примером был «Афродита » Праксителя. из Книдоса , которую Плиний, знающий, хотя и бесчувственный судья, описал как величайшая статуя в мире.

Оригинал, известный по копиям, был из мрамора, высотой примерно шесть футов девять дюймов и предназначался для того, чтобы его можно было увидеть только спереди и сзади. Богиня стоит прямо и совершенно голая, бедра вместе и расслабленная левая нога слегка вывернута.Левая рука роняет одежду на кувшин с водой, голова повернута. слева, а правая рука подносится перед половым членом — жест, который от повторения теперь кажется чопорным или банальным, хотя здесь нет намека на эльфийское сознание. К сожалению, многочисленные копии слишком плохи, чтобы показать качество обработки деталей поверхности, которые должно было дать оригиналу большую часть его чувственного эффекта. Книдиан Афродита установила скульптурный канон для греческой обнаженной женщины с зрелая фигура и, по мнению анатома, поразительно незрелая грудь — в эти подробности следуют более ранней греческой традиции — но было и больше вариация позы.Ранним примером была полуобнаженная фигура, где драпировка соскользнула почти до паха; это допустимый контраст текстуры и, возможно, более свободное движение ног без нарушения текущего стандарты порядочности. Голова Леконфилда происходит от одного из этих обнаженных или полуобнаженные фигуры. Это в натуральную величину, из паросского мрамора и, вероятно, оригинал — даже, как утверждают некоторые, поздняя работа самого Праксителя. Безусловно серьезное, спокойное выражение лица, избегающее как чувственного, так и сентиментального, характерно для этого мастера.То же самое, хотя и не особенное, мягкое моделирование и импрессионистическая обработка волос.

Другая поздняя классика Статуи

В сидящих статуях, которые встречаются чаще чем раньше, тенденция состоит в том, чтобы сделать позу более непринужденной, растягивая одна нога дальше вперед и заправка другой назад или поднятие это для ухода за коленом: Дионис на кратере Дервени (чаша), положив ногу на колени своего супруга, демонстрирует новую мобильность, хотя с непринужденностью, еще не допускаемой в скульптурах.Также есть цифры наклонился вперед при беге или атаке, и Менады и другие танцоры поймали в более экстатическом движении. Группы хоть и редки, но более компактны. планируется; Бог, балансирующий на одной руке младенца, не более чем одиночная фигура с добавкой, но в таких работах, как Leda protection Лебедь или Ганимед Унесенный орлом , два компонента полностью дополняют друг друга. Эти последние два предмета (по-прежнему ниже натурального размера) источают новый, слегка эротический привкус, как и Эрос (или Купидон), которого теперь будут изображать скорее ребенком, чем юношей. — еще один признак того, что начинает находить выражение более банальный вкус в большом искусстве.

Заметка об оценке искусства
Чтобы узнать больше о пластике, см .: Как ценить скульптуру. Для более поздних работ, пожалуйста, смотрите: Как ценить современную скульптуру. Для обзоров известных греческих статуй, см .: Венера Милосская (около 130-100 гг. до н.э.) приписывается Александросу Антиохийскому, а г. — Лаокоону. и Его сыновья (42-20 гг. до н.э.) художника Родоса Хагесандра, Афинодорос и Полидор.

Портреты

Портретная живопись наконец-то утвердилась как отдельная ветвь скульптуры. в Курои и надгробные рельефы архаического периода, как показывают их надписи, имели часто представляли отдельных людей, но без какого-либо предубеждения воспроизводящие индивидуальные особенности их внешнего вида, а ранние и «портретные» статуи высокой классики все еще были идеальными типами. Хотя поскольку диапазон типов был больше, некоторая общая характеристика была возможный.Итак, Перикл предстает спокойным и уверенным в себе солдатом, достаточно зрелым. носить бороду, а поэт Анакреон — крепкий старый джентльмен, сопровождающий сам на лире — подходящие, но безличные воплощения их общественная репутация. Это было не потому, что греческие художники того времени были неспособный создать сходство или хотя бы правдоподобные индивидуальные особенности, но, возможно, было ощущение, что выставлять на всеобщее обозрение факсимиле живого человека может быть опасным высокомерием, и в любом случае традиция идеального искусства было повсеместным.По той же причине — что они были стандартными. идеальные типы — греческие портретные статуи остались в полный рост, хотя скульпторы и их клиенты привыкли изображать головы без тел, как, например, на гермах. Установление бюста было оставлено римлянам. как обычное средство портретной живописи, разумная реформа, когда она стала трудно найти подходящее тело для головы, которая подверглась разрушительным воздействиям возраста или болезни.

В четвертом веке как портреты умножившись, идеализированное подобие стало конкурировать с идеальным типом.Но хотя древние писатели упоминают скульпторов, стремившихся к строгому подражанию, природы или подчеркнутых уродливых черт, большинство из них больше интересовались характеристикой, а для атлетических статуй и надгробий безличность по-прежнему была обычным явлением. По случайности римского вкуса у нас непропорционально много копий с портретов знаменитостей философии и литературы, некоторые живы, когда был создан оригинал, но другие давно умерли; и с тех пор нет очевидной разницы в надежности между двумя классами, кажется, что характеристика обычно была важнее верности к внешнему виду.Портреты великих аттических трагиков — Эсхил , Софокл и Еврипид — убедительно воплощать персонажей, которых мы можем вывести из их сочинений и анекдотов что выживают о них. Но поскольку последний из троицы умер в 406 г. до н. Э. и статуи не были сделаны до 330-х годов, это только показывает, что скульпторы сделали те же выводы, что и мы. Статуи философов были обычно сидят, как будто занимаются преподаванием, но политические деятели предпочитали стоять — более героическая поза — и обычно требовалось более идеального обращения.Таким образом, разные головы Александра имеют общую интенсивность выражения. и дикость в волосах, предположительно требуемых натурщиком, но в остальном меньше соответствовать одному физическому образцу, чем конкретному скульптору идеальный стиль. Оригинальная бронзовая голова в натуральную величину из Олимпии, узнаваемая. по ушам цветной капусты, как у боксера, может служить примером позднего Классическая портретная живопись. По сравнению с головой Абердина, которая должна быть примерно той же даты — не намного позже середины века — это видно, что идеальная красота сменилась внимательной свирепостью и детали стали соответственно более грубыми.Обратите внимание, в качестве одного примера, как бровь образует острый угол с носом вместо того, чтобы переходить в это непрерывная кривая. Некоторые искусствоведы считают, что этот боксер голова происходит от статуи Сатироса , созданной Силанионом , и возможно, поскольку Силанион славился исчерпывающей характеристикой: как нравится Сатирос, это был у нас нет возможности узнать.

Рельефы

Педиментальная скульптура и архитектура рельефы не показывают по своей композиции никакого прогресса по сравнению со своими предшественниками из высокой классики.По стилю они следуют различным основным тенденциям своего времени и их качество часто отличное.

Подробнее об архитектурных стилях Древняя Греция, см .: Греческая архитектура.

Надгробные рельефы четвертого века с опорой процветающая промышленность, по крайней мере, в Афинах. Там какие-то низшие мастера специализируется на этой сфере деятельности, хотя иногда является ведущим мастером может принять комиссию.Нормальная форма этих надгробий была прямостоячий продолговатый, обрамленный антами и низким фронтоном, а предметы были в основном стоковые — хозяйка дома в сопровождении рабыни, покойный и члены семьи в позах прощания или родственники пристально глядя друг на друга. Тенденция была к более глубокому обрамлению и фигуры более полно в круглом, так что они выглядят как статуи в маленькое крыльцо, хотя те, что на заднем плане, иногда добавляют неуместно низкий рельеф.Это пренебрежение художественными достоинствами, если судить по идеальным стандартам, проявляется также во все более явных проявлениях эмоций и натуралистичности. представление драпировки, особенно там, где качество изготовления было более низким качественный. Вот, наконец, со скульпторами слабых принципов, частные заказчики смогли отстоять свои личные вкусы, но даже в этом случае не было попытки в портретной живописи. Серия Аттика внезапно закончилась между 311 г. до н.э. и 307 г. до н.э. До н.э., когда закон о роскоши запрещал такие дорогие памятники.

Вотивные барельефы тоже в основном из Аттики, где они обычно изготавливались в специализированных мастерских по специальным условности. Предметы варьируются от посвящающего с его семьей. полученный его божественными покровителями, по крайней мере, вдвое ниже обычного смертных, Пану и другим деревенским присутствиям, проявляющимся на каменистый склон. Но в целом ландшафт и архитектурные элементы — например, камни, деревья и святыни — по-прежнему не более чем требуются для дать постановку предмета.Вотивные барельефы были в лучшем виде в конце пятого и начале четвертого веков, но их стиль вскоре стал слабые, иногда прибегающие к архаическим деталям, а в Афинах стало редкостью к 300 г. до н. э .: к тому времени, возможно, посвящающие думали, что изображения лучшее соотношение цены и качества.

Влияние и Наследие

Новинки позднего классицизма приветствовали в греческих городах Южной Италии, где местные мастерские склонен к провинциальным преувеличениям.Они проникли также в этрусский искусство, будь то прямой контакт с Грецией или через южноитальянский посредников, но влияние там было спорадическим. В Ликии, греческий скульпторы были еще более активными, чем раньше, продолжая работать, чтобы удовлетворить их необычные вкусы покровителей, а в Финикии спрос на истинно греческие работа увеличилась. Карфаген, финикийская колония, которая западного Средиземноморья, стал более усердно подражать греческой скульптуре, хотя местные мастера, некоторые из них предположительно греки-иммигранты, были провинциальными по стилю и часто компрометирующими.Оттуда или, возможно, Более того, коренные жители Испании немного научились искусству скульптуры.

Большая часть позднеклассических традиций была продолженный эллинистическими скульпторами и, хотя школа классицизма более поздних эллинистических предпочтительных моделей пятого века переписчики были не такой уж разборчивый. Действительно, в римский период Пракситель был восхищался из всех древних скульпторов. В наше время нет важного оригинала стали известны до девятнадцатого века и, хотя копии были довольно обычное дело, они не произвели особого впечатления на эпоху Возрождения а позже художники и ценители.Главное исключение — Apollo. Бельведер , мраморная копия прекрасного, но твердого качества с оригинала примерно 330 г. до н. э. Эта статуя была найдена в конце пятнадцатого века. века и выставлялась в Риме, где в течение трехсот лет занимала как высший шедевр, который художники и даже скульпторы постоянно используется как модель. Затем открытие мраморов Элгина потускнело. его репутация, и в этом веке ее либо презирали, либо игнорировали.Тем не менее, несмотря на то, что сейчас сохранилась оригинальная скульптура четвертого века с чем его можно сравнить, Аполлон Бельведер — более чем совершенный демонстрация идеальной элегантности, если можно забыть свои или чужие предрассудки.

Ресурсы
Статьи об искусстве классической античности см .:

Скульптура Древней Греции (Введение)
Скульптура в дедалическом стиле (ок. 650-600 г. до н. э.)
Архаическая скульптура (ок.600-480 До н.э.)
Греческая живопись архаического периода (c.600-480)
Греческая скульптура Эллинистический период (ок. 323-27 до н. Э.)
Эллинистический стиль Статуи и рельефы (ок. 323–27 до н. Э.)
Греческая живопись Эллинистический период (323-27 гг. До н.э.)

г.

Достижение целей: советы древних

Написано Лидией Серрант, соавтором, Classical Wisdom

«Если что-то возможно по-человечески, считайте, что это в пределах вашей досягаемости» Марк Аврелий

В начале апреля, около 4000 лет назад, вавилоняне впервые отметили празднование Нового года.

Для древних вавилонян новогодние решения и традиции были внешне мотивированными. Во время 12-дневного новогоднего фестиваля короновались новые короли или приносилась клятва в верности существующим монархам. Были посеяны урожаи и даны обещания богам выплатить долги и вернуть взаймы.

Художественная визуализация древнего Вавилона

В последнее время новогодние решения стали более внутренне мотивированными. В этом году десятки миллионов людей пообещают самосовершенствование или достижение определенных целей.

Известный как Телос (цель, цель или цель) на древнегреческом языке, древние хорошо понимали важность постановки и достижения цели. Согласно грекам, Телос включал саморефлексию, в которой можно было поразмыслить над своими опасениями и разработать план по улучшению своего поведения или взглядов на жизнь. Некоторые цели было довольно легко достичь, например, быть добрее к друзьям, в то время как для достижения некоторых целей может потребоваться целая жизнь, например, найти цель в жизни.

Современные решения имеют тенденцию быть более приземленными и обычно касаются вопросов личного здоровья и взаимоотношений. Снижение веса, отказ от курения, употребление меньшего количества алкоголя и более эффективное управление деньгами — одни из самых популярных новогодних решений, которые, вероятно, будут приняты в этом году. Так как в среднем только 8% людей достигают своих новогодних целей, многие извлекут пользу из следующего мудрого совета древних философов:

Признайте свое незнание

Приступая к чему-то новому, каждый — новичок.Независимо от того, сколько вам лет, сколько лет вы потратили на изучение одного предмета или насколько вы опытны в другом, начало чего-то нового делает всех нас студентами.

Алкивиад учится у Сократа (фрагмент), у Марчелло Баччарелли ок. 1776

Единственное, что Сократ сказал, что он знал, это то, что он ничего не знал. Он подходил к каждому предмету и философскому затруднению с предположением, что он вообще ничего об этом не знал. Согласно Сократу, осознание собственного незнания вдохновляет на сочувствие и поощряет смирение — и даже, как это ни парадоксально, может углубить знания.

Признание незнания также вызывает потребность в сборе дополнительной информации. Итак, решили ли вы выучить новый язык или новый инструмент, заранее осознайте, что вы будете делать ошибки, и лучший способ добиться прогресса — использовать этот опыт для расширения своих знаний.

Не говори, а действуй

Когда дело доходит до самосовершенствования, Марк Аврелий буквально написал книгу.

Книга Марка Аврелия « Медитации », изначально написанная как личный дневник, а затем опубликованная, полна практических советов о том, как достичь своих целей.

Для Маркуса нет смысла давать обещание, если ты не собираешься его сдержать. Другими словами, нет смысла устанавливать разрешение, если вы не собираетесь немедленно применять его в своей жизни.

Марк Аврелий раздает хлеб народу Жозеф-Мари Вьен.

Тем, кто принимает решение быть добрее, терпеливее или менее злым, следует искать книги и другие источники по управлению эмоциями и немедленно применять полученные знания на практике. Простое желание избежать стресса и гнева — бесполезный подход, поскольку возникают стрессовые и вызывающие гнев ситуации, независимо от того, готовы мы к ним или нет.

Регулярная практика того, чему мы учимся, сделает нас более устойчивыми и решительными. Признание возможностей, которые дает нам вызов, поможет лучше достичь наших целей.

Поймите, что вы способны измениться

Аристотель считал, что типы персонажей изменить нельзя, но люди могут изменить свой характер.

Например, Аристотель считает, что формирование характера человека включает действия, слова и личность, каждая из которых играет свою роль.Он предположил, что те, кто действует несправедливо, в конечном итоге станут несправедливыми. То, что мы говорим и что делаем, сближает или отдаляет нас от человека, которым мы хотим быть, а негативные действия и слова могут привести к тому, что мы будем жить бесполезной жизнью.

Картина Аристотеля

Утверждалось, что это означало, что Аристотель считал, что люди не могут измениться, но он имел в виду противоположное. Аристотель говорит нам, что персонаж может быть выбранным в том смысле, что мы можем контролировать свое поведение.Он утверждал, что если люди предпочитают делать или говорить только хорошее, их характер улучшится и будет мотивировать их делать больше добрых дел в свою очередь.

Это не означает, что ваш характер или привычки можно изменить в одночасье, но даже самые маленькие и самые простые шаги приблизят вас к вашим целям, облегчая их достижение.

Постановка целей на Новый год — древний обычай. Наши предки признали, что наступление нового года — это возможность стереть с лица земли все и начать заново.Январь, названный в честь римского бога Януса, который держит одно лицо обращенным к прошлому, а другое обращенным к будущему, представляет наше желание строить для будущего и исправлять ошибки прошлого.

Итак, почему бы в этом году не попробовать что-то новое с чистого листа? Или покончить с деструктивной привычкой? Древние учат нас, что такие усилия могут быть нелегкими, но, безусловно, стоящими. В конце концов, у нас есть новогодние Резолюции за 4 000 лет, на которые мы можем оглянуться и извлечь уроки.

Артикул:

https: // www.Authentic.com.au/blog/mindset/monumental-quotes-marcus-aurelius/

https://www.history.com/news/the-history-of-new-years-resolutions

https://www.livescience.com/42255-history-of-new-years-resolutions.html

https://www.socraticmethod.net/the_socratic_temperament.htm

Джанлука Ди Муцио. «Аристотель об улучшении характера». Фронезис, т. 45, нет. 3. 2000. С. 205–219. JSTOR, www.jstor.org/stable/4182646.По состоянию на 30 декабря 2020 г.

https://mcolaw.wordpress.com/2016/12/30/a-new-years-resolution-the-ancient-greek-theologians-would-be-proud-of/

Каковы были основные цели Возрождения? — Mvorganizing.org

Каковы были основные цели Возрождения?

Общая цель Возрождения — соединить классическую форму с христианской верой — помогла людям заново взглянуть на христианство. Классическая литература использовалась для укрепления веры и критики церковных злоупотреблений.Образовательной задачей эпохи Возрождения было содействие чтению и учебе среди мирян.

Какова основная цель искусства эпохи Возрождения?

В дополнение к выражению классических греко-римских традиций искусство эпохи Возрождения стремилось запечатлеть индивидуальный опыт, красоту и тайну мира природы.

Какова была цель Возрождения?

Эпоха Возрождения была периодом бурного европейского культурного, художественного, политического и экономического «возрождения» после средневековья.Период Возрождения, который обычно описывают как период с 14 по 17 век, способствовал открытию заново классической философии, литературы и искусства.

Как Возрождение повлияло на искусство?

События эпохи Возрождения изменили ход искусства, и это до сих пор находит отклик. Интерес к гуманизму превратил художника из анонимного мастера в человека, занимающегося интеллектуальными занятиями, что позволило нескольким стать первыми знаменитыми художниками.

Как Леонардо да Винчи повлиял на эпоху Возрождения?

Он оказал решающее влияние на художественные направления своего времени и позднего Возрождения. Его интерес к науке и эксперименту вдохновил многих гуманистов на изучение мира и природы. Хотя он тоже был великим изобретателем, но его изобретения мало повлияли на его собственную эпоху.

Назовите тройку самых известных художников эпохи Возрождения?

Здесь мы рассмотрим 10 самых важных мастеров.

  • Рафаэлло Санцио.Рафаэлло Санцио (известный большинству просто как Рафаэль) родился в Урбино в семье Джованни Санти, художника при дворе города.
  • Леонардо да Винчи.
  • Микеланджело.
  • Сандро Боттичелли.
  • Тициан.
  • Тинторетто.
  • Мазаччо.
  • Доменико Гирландайо.

Кто писал реалистичных людей в эпоху Возрождения?

Леонардо да Винчи

Кто был самым известным художником эпохи Возрождения?

Леонардо да Винчи, Рафаэль и Микеланджело считаются художниками, достигшими величайших достижений в искусстве эпохи Возрождения.

Кто был самым важным человеком в эпоху Возрождения?

10 самых важных фигур эпохи Возрождения

  • Лоренцо де Медичи. Лоренцо Медичи (1449–1492) был членом семьи Медичи, одной из самых богатых европейских семей в истории и фактических правителей Флоренции.
  • Леонардо да Винчи.
  • Микеланджело.
  • Николай Коперник.
  • Петрарка.
  • Рафаэль.
  • Галилео Галилей.
  • Мишель де Монтень.

Маньеризм отверг Высокое Возрождение?

Маньеризм отверг стиль Высокого Возрождения и создал совершенно новый стиль. Рафаэля называют «отцом масляной живописи». В 1401 году был проведен конкурс на создание набора бронзовых дверей для баптистерия Флорентийского собора, и этот конкурс часто приписывают началу искусства эпохи Возрождения.

целей и задач | Классические и ближневосточные исследования

Цели и задачи | Классика и ближневосточные исследования | Крейтонский университет

Цели и задачи

  1. Майоры знают литературу, связанную с древнегреческой и римской цивилизациями.
    1. Они демонстрируют способность определять и обсуждать основных авторов, жанры и произведения Греции и Рима.
    2. Специалисты демонстрируют владение базовыми навыками литературной критики. В образцах произведений или отрывков они демонстрируют способность определять литературные приемы, темы и образы; оценить вклад частей в литературное целое; и сформулировать структуру литературного произведения.
    3. Они демонстрируют базовое понимание культурного контекста литературы.
  2. Майоры обладают обширными знаниями в области истории древнегреческой и римской цивилизаций.
    1. Они демонстрируют осведомленность об основных людях и событиях греческой и римской истории.
    2. Они демонстрируют базовые географические знания о бассейне Средиземного моря (особенно о городах, территориальных границах и природных ресурсах).
  3. Майоры знакомы с искусством и археологией по крайней мере одного из основных периодов или регионов классической средиземноморской цивилизации (т.е.грамм. Элладский, архаический греческий, эллинистический, римский имперский).
    1. Они демонстрируют понимание художественного прогресса в пределах одного периода или региона и основных художественных достижений того периода или региона.
    2. Они могут идентифицировать и описывать 1) технику основных форм искусства, созданных в один период или регион, и 2) основные художественные стили, связанные с этим периодом или регионом.
  4. Мажоры обладают фундаментальным пониманием основных течений интеллектуальной и духовной истории древнегреческой и римской цивилизаций.
    1. Они демонстрируют базовые знания греческой и римской философии.
    2. Они демонстрируют базовые знания греческой и римской мифологии.
  5. Специалисты имеют начальный опыт классических исследований.
    1. Основные направления демонстрируют способность использовать базовые библиографические инструменты классической литературы, стандартные справочные материалы и основные вторичные источники.
    2. Мажоры демонстрируют способность использовать исследовательские навыки в устойчивом критическом споре.
    3. Специалисты пишут эффективную английскую прозу.
  6. Мажоры имеют здоровую эмоциональную позицию по отношению к классической дисциплине.
    1. Специалисты определили и могут сформулировать в ходе обсуждения или в письменной форме связь между этой дисциплиной, своим интеллектуальным развитием и своими жизненными целями.

Вверх


  1. Майоры знают греческий и латынь, как читать и переводить литературу.
    1. Специальности демонстрируют знание греческой и латинской грамматики и синтаксиса; их знания позволили бы им завершить изучение промежуточного языка во втором семестре.
    2. Специальности демонстрируют знание основного словаря греческого и латинского языков, а также специфической лексики, часто используемой по крайней мере четырьмя крупными авторами.
    3. Специальности демонстрируют способность читать литературу на понимание, а не только на перевод отдельных слов. Они могут участвовать в обсуждении и отвечать на вопросы о значении прочитанного ими произведения.
    4. Майоры могут перевести на идиоматический английский стандартного автора (например, Гомера, Вергилия, Горация, Цицерона Еврипида, Платона или Геродота) с помощью словаря.
  2. Специалисты знают греческую и римскую литературу, ее исторический и культурный контекст.
    1. Майоры демонстрируют знание основных фактов истории этой литературы. То есть они могут написать один-два абзаца о любом из 8-10 самых важных литературных деятелей, поместив писателя в исторический контекст. Они также демонстрируют понимание основных литературных жанров путем краткого описания типичных характеристик жанра.
    2. Они демонстрируют базовое понимание этой культуры и места этой литературы в ней.В частности, они могут указать на фундаментальные характеристики и противоречия греческой и римской культуры в литературе, которую они критикуют.
    3. Поскольку это очень важно для понимания литературы, выпускники демонстрируют, что у них есть способность использовать базовые навыки литературной критики. То есть в образцах произведений или отрывков они демонстрируют способность определять литературные приемы, темы и образы; оценить вклад частей в литературное целое; и сформулировать структуру литературного произведения.
  3. Специалисты имеют начальный опыт классических исследований.
    1. Основные направления демонстрируют способность использовать базовые библиографические инструменты классической литературы, стандартные справочные материалы и основные вторичные источники.
    2. Мажоры демонстрируют способность использовать исследовательские навыки в устойчивой критической аргументации.
    3. Специалисты пишут эффективную английскую прозу.
  4. Мажоры имеют здоровую эмоциональную позицию по отношению к классической дисциплине.
    1. Специалисты определили и могут сформулировать в ходе обсуждения или в письменной форме связь между этой дисциплиной, своим интеллектуальным развитием и своими жизненными целями.

Вверх


Маньеризм

Термин маньеризм описывает стиль картин и бронзовой скульптуры в этом туре. Унаследованный от итальянского слова maniera , что означает просто «стиль», маньеризм иногда определяется как «стильный стиль» из-за того, что он делает упор на самосознательную уловку, а не на реалистичное изображение. Художник и критик XVI века Вазари — сам был маньеристом — считал, что мастерство в живописи требует утонченности, изобретательности и виртуозной техники — критериев, подчеркивающих интеллект художника.Важнее, чем его тщательно воссозданное наблюдение за природой, была ментальная концепция художника и ее разработка. Этот интеллектуальный уклон был отчасти естественным следствием нового статуса художника в обществе. Художники и скульпторы, которые больше не считались мастерами, заняли свое место среди ученых, поэтов и гуманистов в атмосфере, которая способствовала признанию элегантности, сложности и даже преждевременности.

Искусственность маньеризма — его причудливый, иногда кислотный цвет, нелогичное сжатие пространства, вытянутые пропорции и преувеличенная анатомия фигур в замысловатых змеиных позах — часто вызывают чувство тревоги.Работы кажутся странными и тревожными, несмотря на их внешнюю натуральность. Маньеризм совпал с периодом потрясений, который был разрушен Реформацией, чумой и разрушительным разграблением Рима. После своего зарождения в центральной Италии около 1520 года маньеризм распространился на другие регионы Италии и северную Европу. В Италии, однако, он оставался в значительной степени продуктом художников из Флоренции и Рима.

Продолжаются споры о характере маньеризма. Его часто обсуждают и судят в связи с предшествовавшим ему Высоким Возрождением.Некоторые ученые рассматривают маньеризм как реакцию на классицизм эпохи Возрождения, в то время как другие считают его логическим продолжением его — естественным результатом эмфатического моделирования Микеланджело или изысканности Рафаэля. Уже в 1600 году маньеристов критиковали за то, что они сознательно нарушили единство классицизма Возрождения, его интеграцию формы и содержания, его баланс эстетических целей и идей. Сегодня, когда классицизм больше не претендует на «совершенство», маньеризм более четко проявляется как связь между Высоким Возрождением и последовавшим за ним эмоционально заряженным и динамичным искусством барокко.

About Author


alexxlab

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *