Характерные черты русской музыки барокко: Урок МХК в 11 классе «Музыкальная культура барокко», презентация, текст к слайдам и аудиозаписи

Урок МХК в 11 классе «Музыкальная культура барокко», презентация, текст к слайдам и аудиозаписи

Урок МХК в 11 классе «Музыкальная культура барокко»

СЛАЙД 1. Тема урока

СЛАЙД 2. Отличительные черты музыки барокко:

  1. Трагическое мироощущение, яркое выражение чувств и эмоций человека.

Для этого были необходимы новые специальные средства и формы. На смену хоровой полифонии Возрождения приходит мелодичное одноголосье, способное передать малейшее волнение души.

СЛАЙД 3. Отличительные черты музыки барокко:

  1. Музыка барокко носит преимущественно светский характер. В ней проявляются в большей степени демократические тенденции.

СЛАЙД 4. Отличительные черты музыки барокко:

  1. Всевозможные украшения (мелизмы) делают ее наиболее яркой и декоративной, что соответствует барочной эстетике.

СЛАЙД 5. Отличительные черты музыки барокко:

  1. Неустойчивые диссонирующие созвучия, неожиданные переходы, контрасты и противопоставления.

  2. Виртуозные пассажи в пении.

  3. Одновременное звучание множества инструментов, использование танцевальных мотивов.

  4. Проникновение в церковную музыку.

  5. Опера – ведущий жанр музыки барокко.

СЛАЙД 6. Опера – это жанр музыкально-драматического искусства, в котором содержание воплощается средствами музыкальной драматургии, главным образом, посредством музыки. Литературная основа оперы – либретто. Увертюра – симфоническое вступление, которое в общих чертах знакомит слушателя с содержанием всего действия

Записать только то, что такое либретто и увертюра.

СЛАЙД 7. В 17в оперное искусство быстро развивается и достигает расцвета в крупных городах Италии. Там возникают своеобразные оперные школы.

Клаудио Монтеверди (1567-1643гг) – первый оперный композитор барокко. (Сообщение Петрушин Виктор)

— ввел в оперу увертюру и дуэт.

— создал «взволнованный стиль» (concitato), передающий драматизм и напряженность действия, глубину человеческих чувств и переживаний.

— развил драматическую сущность нового жанра, создал мелодию, сочетающую в себе речевые интонации, декламацию и вокал.

— считал, что музыка должна передавать богатство внутреннего мира человека, заставлять его думать, переживать.

— использовал ансамбль инструмаентов (до 70).

— по его инициативе в 1637г был открыт первый публичный оперный театр.

СЛАЙД 8. Оперы Монтеверди

  1. «Орфей» (1607г) – мифологическая тематика. Рассказывается о любви Орфея и Эвридики. Они готовятся к свадьбе, поют о своей любви. Орфей рассказывает о своих жизненных неудачах, рассказывает, как преодолел все горести и достиг счастья, полюбив Эвредику.В этот момент появляется Посланница и рассказывает Орфею, что Эвредику укусила ядовитая змея и она умерла. Орфей горюет и решает отправиться в заробный мир, просить богов, чтобы они вернули ему любимую. Взяв в спутницы Надежду, он идет в царство мертвых, но на входе видит надпись: «Оставь надежду всяк сюда входящий». Надежда оставляет его. Когда он доходит до реки Стикс, Харон отказывается переправить его через реку. Тогда Орфей начинает играть на лютне, Харон засыпает и Орфей переправляется на его лодке через реку. Пока он плывет, поет о своей любви к Эвредике. Жена бога мертвых восхищается его пением и уговаривает мужа отпустить Эвредику. Бог мертвых отпускает Эвредику с одним условием: Орфей не должен оборачиваться, пока их в Эвредикой не выведут из царства мертвых. Орфей соглашается. Однако в какой-то момент, Орфея начинает сомневаться, что его любимая идет за ним следом и решает обернуться.

    Обернувшись он увидел Эвредику, но она воскликнула и исчезла. Далее идет монолог Орфея и в конце он отправляется на небо вслед за Апполоном.

Просмотр видеозаписей: Алексей Герасимов «Ария Орфея» Пермский академический театр оперы и балета им. Чайковского и фрагмент увертюры из оперы.

  1. «Коронация Поппеи» (1642) – исторический жанр

  2. «Ариадна» (1608) – мифологический жанр

СЛАЙД 9. Антонио Вивальди (1678-1741). Итальянский композитор, скрипач, педагог, дирижер, католический священник, автор 465 концертов и 40 опер. (Сообщение Смирнов Павел)

В основе созданного им большого концерта (concerto grosso) лежало противопоставление одного или группы солирующих музыкальных инструментов всему оркестру.

Знаменитое произведение «Времена года» (1725). Прослушивание 4 аудиозаписей: весна, лето, осень, зима.

СЛАЙД 10. Иоганн Себастьян Бах (1685-1750) (Сообщение Дружинин Миша)

Работал почти во всех музыкальных жанрах. Непревзойденный мастер духовной органной музыки.

СЛАЙД 11. В 17в возникла традиция вокально-хорового исполнения «страстей»

— «Страсти по Матфею» — произведение из 78 номеров, исполнявшееся в течение 4 часов, в котором участвуют 2 четырехголосных хора с солистами и оркестр из 34 музыкантов.

— «Высокая месса» («Месса си минор»)

СЛАЙД 12. Бах любил импровизировать за клависином на темы популярных песен, сочиняя легкие и изящные сюжеты, состоящих из немецких (аллеманда), французских (куранта), испанских (сарабанда) и английских (жига) танцев.

Кантат – вокально-инструментальные произведения для солистов хора и оркестров).

Прослушивание аудиозаписей (3 штуки)

СЛАЙД 13. Русская музыка барокко.

В основу русской барочной музыки легло торжественное партесное (лат. Partes – голоса), т.е. многоголосное, пение.

СЛАЙД 14. Николай Павлович Дилецкий – главный теорик партесного стиля пения, автор «Мусикийской грамматики» (1681)

(Сообщение Ефремов Алексей)

СЛАЙД 15. Василий оликарпович Титов (1650-1715) (Сообщение Жаков Денис)

Автор многочисленных духовных хоровых концертов на 12 голосов.

Создал «Рифмованный Псалтырь» (совместно с Симеоном Полоцким)

СЛАЙД 16. В народной среде особенно популярны бали песенные жанры барокко – канты (песнопения светского содержания) и псалмы (музыкально-поэтические переожения псалмов библейского пророка Давида).

СЛАЙД 17. Максим Созонтович Березовский (1745-1777) (Сообщение Светлаков Антон)

СЛАЙД 18. Дмитрий Степанович Бортнянский (1751-1825) (Сообщение Батуев Дима)

Основные черты русского барокко (Реферат)

План

Введение

1 Характеристика стиля русского барокко

2 Трансформация общества под влиянием нового стиля

3 Искусство первой половины XVIII века

а) архитектура,

б) скульптура,

в) живопись,

г) литература,

д) военное искусство.

Биография стиля

Для детального ознакомления с русским барокко имеет смысл разделить его на три основных направления:

1. «Церковное» барокко.

2. «Дворцовое» барокко — наиболее яркое и типичное.

3. «Стихийное», «народное», барокко, самое позднее.

«Церковное» барокко

Его мотивы появились в декоре русских церквей еще в XVII веке, а затем развивались в светском строительстве и проектировании.

Знаменитое нарышкинское барокко было красочным, ярким, сочным по цвету и живым в линиях и пластике.

Наверное, можно назвать его оптимистичным. Связь нарышкинского барокко с народной традицией говорит о его общих корнях с » русским стилем».

В архитектуре и внутреннем убранстве русских церквей начала XVIII века сказалась трогательная русская сентиментальность и то, что историки называют светским влиянием. Вместо куполов предпочтение отдается нарядным декоративным шишечкам или вазонам, вместо простых плоскостей или фигурных росписей – абстрактным орнаментам, розанам и «виноградьям». Характерным примером раннего московского барокко может служить знаменитая колокольня Меншиковой башни. Здесь и обилие декора — даже, что называется, «с перебором», — и золотые шишечки, и ярко-красный цвет самой постройки. Когда-то колокольня была последним писком моды, своего рода московским небоскребом, да еще и заморской диковиной в смысле строительной техники и облика.

Ранние барочные здания в России обязательно красили в красный или синий цвет, таким образом, тоже выделяя среди других, не барочных построек. Внутри церквей, ранее скромных, отражавших религиозное мировоззрение, появились пышные, в основном резные иконостасы с витыми колоннами, изукрашенными цветочными орнаментами, розами, гирляндами. Иконостасы словно перешли в категорию зрелища рая и изобилия, составляя разительный контраст черным курным крестьянским избам. Уже в конце XVII века в церквах стали встречаться позолоченные рамы и резьба иконостасов, наличников, проемов и царских врат. «Пряничный» облик русского «церковного» барокко легко и естественно сочетался с современными ему строительными технологиями. Позднее в Петербурге церкви приобретают европейский облик.

«Дворцовое» барокко, или «дворцовый стиль»

В конце XVII века в боярском быту впервые происходит деление жилого пространства по функциям — на помещения, в которых спят, принимают гостей и т.

д. До эпохи Петра I даже в Кремле не было, скажем, трапезных или приемных. При необходимости праздничные столы расставляли в Грановитой или Оружейной палате.

Великие и невеликие князья могли принимать челобитчиков и заморских послов даже в опочивальнях, полулежа на перинах и подушках, укрывшись лисьими шкурами от холода. Деление дома на, как мы теперь говорим, функциональные зоны происходило по двум принципам: на господские помещения и помещения для прислуги; на женскую и мужскую половины. Жилые покои в боярских теремах строились во многом по правилам, общим с крестьянскими избами. Например, невысокие потолки и низкие дверные притолоки диктовались соображениями экономии тепла. Всюду — во дворцах, в боярских и дворянских домах, в крестьянских избах — сохранялась традиция встроенной мебели. Так что экономичный вариант организации интерьера, вновь вошедший в моду в конце XX века, известен был нашим предкам уже триста лет назад и широко применялся ими.

Впервые в начале XVIII века архитекторы начинают проектировать внутреннее оформление здания одновременно с внешним, то есть подчеркивают взаимосвязь внешнего и внутреннего об лика, сообразуясь с понятиями удобства и красоты.

2 Принятие нового стиля в художественной культуре повлекло за собой изменения в ценностно-нормативной системе общества. Барокко потребовало качественно иных принципов мировосприятия. Новые эстетические каноны удивительным образом соединили в себе разнообразные представления. Человек в системе барочного мировосприятия стал рассматриваться как противоречивая, многоплановая индивидуальность с интенсивной эмоциональной жизнью. Происходившие изменения в мировоззрении, ценностно-нормативной системе не могли сказаться на по ведении.

Русское барокко нашло свое яркое воплощение не только в системе художественной культуры, но и в системе элитарного поведения. В аристократической среде, под влиянием нового художественного стиля, формируется иная знаковая система. Она находила свое зримое воплощение во внешнем виде и утверждении новых этикетных правил.

Внешний вид, костюм, модные течения во все времена были взаимосвязаны с господствующими художественными стилями. Перемена стиля влекло за собой не только изменения в художественной культуре, но и во всем культурном пространстве. Происходили изменения и в облике человека. Манера стоять, сидеть, ходить и т.д. напрямую стала связываться с господствующими ценностными системами. Они, в свою очередь, видоизменялись вместе с изменением господствующих художественных стилей. Человек эпохи классицизма внешне значительно отличался от человека, живущего в эпоху господства стиля барокко, а тем более в эпоху господства стиля романтизма. Изменения, происходящие в господствующих стилях, как чутким барометром, улавливались модой, всеми нормами поведения.

Русское культурное пространство, после петровских преобразований, оказалось четко разделенным на народную и аристократическую среды. Данная бинарная система способствовала утверждению изменений только в одной из своих частей.

Все новые стили и направления художественной культуры находили с вое воплощение только в среде элиты. Народная среда еще очень долгое время жила по традиционным нормам и представлениям.

Русская аристократия оказалась втянутой в быстроизменяющиеся (по сравнению с традициями) художественные стили, которые находили свое выражение в требованиях моды и этикета. Принятие барокко потребовало перемен в нормах поведения и во внешнем виде аристократии.

Мода эпохи барокко ввела новые материалы и украшения, общий вид костюма стал иным. Одежда получилась очень живописной, она должна была подчеркивать неповторимый облик человека. Форме одежды (свободная, декоративная) стали соответствовать манеры, жесты (медленные, плавные). Вся система по ведения стала подчиняться жесткому церемониалу. Внимание начали уделять любому жесту, позе, даже, благозвучию голоса. Все это должно было выделить аристократию из окружающих ее людей. Причем, возникает не просто внешний контроль, в процессе социализации система контроля за культурным телом переводилась во внутренние потребности человека. Было с формулировано основное требование, предъявляемое к аристократу: беспрерывно следить за своим положением тела как в обществе, так точно и в уединении .Это должно было способствовать закреплению барочного стиля поведения, который подчинялся жестким церемониям. Стиль поведения стал восприниматься в виде внешней оболочки, которая подчеркивает вкусы человека, его воспитание, то окружение, в котором он находится. Изящество манер воспринималось источником немалого эстетического удовольствия. Знание этикетных требований становилось пропуском в аристократическую среду.

Этикет неразрывными узами был связан с модой. Мода эпохи стиля барокко тяготела к большой стилизации и искусственности. Она была связана с манерами, которые все больше и больше становились рафинированными. Внешний вид обязан был подчеркивать высокий статус человека. Поэтому малейшее нарушение в установленном костюме воспринималось как выступление против основ всего Бытия. Большое внимание уделялось головным уборам и парикам. Парик, как искусное дополнение к костюму, в эпоху стиля барокко, должен был свидетельствовать о достоинствах его обладателя, подчеркивал, что его хозяин избранный мира сего. Парик не просто был завершением модного силуэта, он нес более глубокую знаково-смысловую нагрузку. Он заставлял обожествлять правителя или дворянина, т.к. становился знаком светской власти.

Под влиянием барочного мировосприятия жизнь аристократии превратилась в театральную пьесу, которую надо было играть с раннего утра до позднего вечера.

Но это было не просто развлечение. Вся знаковая система, сложившаяся во время господства стиля барокко, должна была подчеркивать отличия аристократической среды, усиливать абсолютную власть, четко ставить границы в системе дисциплинарных пространств.

Характерные черты русского барокко. Особенности русского барокко на примере Екатерининского дворца

Похожие главы из других работ:

Архаические представления о внутреннем пространстве храмов Индии

2.
Характерные черты индийской архитектуры

В монументальном зодчестве V-ХШ вв. основное внимание уделялось строительству храмов и храмовых комплексов, посвященных преимущественно индуистским богам…

Архаические представления о внутреннем пространстве храмов Индии

Характерные черты индийской архитектуры:

1.Религиозная мифологическая символика проявляется в каждом памятнике архитектуры. 2.Скульптура, прежде всего рельеф (горельеф), занимают в индийском зодчестве первое место. Монументальные скульптуры из камня…

Золотой век русской культуры

1. «ЗОЛОТОЙ ВЕК» РУССКОЙ КУЛЬТУРЫ И ЕГО ХАРАКТЕРНЫЕ ЧЕРТЫ

Восстание декабристов оказало огромное воздействие на дальнейшую эволюцию русской культуры. Последовал мощный подъем общественной и философской мысли — центральной стала проблема выбора пути развития, будущего России…

Импрессионизм

1.2 Основные характерные черты импрессионизма

Сейчас, когда горячие споры о значении и роли импрессионизма ушли в прошлое, вряд ли кто решится оспаривать, что движение импрессионистов было дальнейшим шагом в развитии европейской реалистической живописи. ..

Искусство Рококо

Характерные черты и особенности стиля рококо

Рококо (фр. rococo, от фр. rocaille — декоративная раковина, черепашка, рокайль) — стиль в искусстве, который возник во Франции в первой половине XVIII столетия во время правления Регента Филиппа Орлеанского, дяди Людовика XV…

Истоки украинской культуры

5. Феномен античной культуры и ее характерные черты

Античная культура включает культуру Древней Греции и Древнего Рима. Периодами развития древнегреческой культуры являются: Эгейский или крито-микенский (3-2 тыс. до н.э.) 1. Гомеровский, (11-8 в.в. до н.э.). 2. Архаический, (7-6 в.в. до н.э.). 3…

История развития культуры

2. Характерные черты Северного Возрождения

Несмотря на попытки изменить характер церкви, сделанные св. Франциском и Савонаролой на юге Европы, собственно Реформация как появление новой версии христианства свершилась в северных странах, прежде всего в Германии. ..

Китайский цирк

2.2 Характерные черты китайского цирка

Одним из самых зрелищных искусств в мире, которое в Китае достигло вершины совершенства, стало китайское цирковое мастерство. Зародилось китайское цирковое искусство на основе трудовой деятельности простых людей. Выполняя определенную работу…

Культура первобытного общества

1.1 Характерные черты первобытной культуры

Ранние стадии развития человеческого общества историки делят на век каменный (2,5 млн. — 4 тыс. лет до н.э.), бронзовый (III-II тысячелетия до н.э.) и железный (I тысячелетие до н.э.). Каменный век подразделяется на палеолит (2,5 млн. — 10 тыс. лет до н.э.)…

Культура средневековой Руси

2. Черты, характерные древнерусской культуре

Древняя Русь постепенно становится государством новой высокой культуры. Не следует, однако, думать, что в языческие времена она не обладала по-своему совершенной культурой…

Меценатство и его роль в СКД

3.
Характерные черты русского меценатства в 21 веке

Актуальность проблематики благотворительности и меценатства связана с переходом страны к рыночной экономике. При общих закономерностях рынок в дореволюционной России имел национальные специфические черты…

Особенности материальной культуры эпохи Возрождения: аспекты истории науки и техники

3.4 Характерные черты материальной культуры

Особенности народной музыки Китая

2.2. Характерные черты древнекитайской народной музыки

Дошедшие до нас записи и бытующие в устной традиции образцы китайской народной музыки позволяют установить ее основные характерные черты. Мелодика китайских песен богата и своеобразна. В ней широко используются различные интонационные…

Особенности русского барокко на примере Екатерининского дворца

Главные представители русского барокко

Русское барокко было первой ступенью связи русской архитектуры с европейскими течениями. В качестве примера можно привести ранние работы В.И. Баженова в Москве, такие как дом Пашкова (1784 — 1787) и грандиозный проект перестройки Кремля…

Сравнительная характеристика стилей греческой и римской культур

Глава 2. КУЛЬТУРА ДРЕВНЕГО РИМА И ЕЕ ХАРАКТЕРНЫЕ ЧЕРТЫ

«Великая классическая музыка. Высокие ценности вечности. История музыки от эпохи Барокко до начала 20 века»., Москва — T&P

Описание встречи

Курс по теории музыки от эпохи Барокко до Импрессионизма. Разбор музыкальных стилей. Великие композиторы от А. Вивальди до К.Дебюсси. Курс проходит по вскр.

Лекция 1

Барокко

Музыкальная культура Италии 17-18 веков.

Становление оперного жанра. Монтеверди.

Скрипка — инструмент эпохи. Создание струнных оркестров. Жанр скрипичного концерта. А. Вивальди — мир и природа в цикле концертов «Времена года». Звукоизобразительность, темповая, динамическая, тематическая контрастность — характерные черты творчества.

Музыкальная культура Германии 17-18 веков. И.С. Бах

Философское и религиозное содержание музыки И.С. Баха. Полифонизм как способ мышления. Клавирное творчество Риторические фигуры барокко в творчестве Баха. Органные и оркестровые произведения композитора.

Лекция 2

Венские классики

Просветительские идеи в творчестве композиторов «венской школы». Творчество Й. Гайдна. Сонатно-симфонический цикл и его инвариант как закономерный итог просветительской идеологии.

В.А. Моцарт. Симфоническое, камерное и оперное наследие В.А. Моцарта.

Л.Бетховен. Биография души в цикле бетховенских сонат. Симфоническое наследие.

Лекция 3

Романтизм в европейской музыке. Рождение новых жанров, тяготение к эмоциональной «исповеди». Паганини, Шопен, Григ и др. представители романтизма.

Романтизм в русской музыке. Русская музыка до 19 века.

Появление русской композиторской школы. Творчество М. Глинки.

Вершина русской романтической музыки — творчество П. Чайковского. Камерные и симфонические произведения.

Лекция 4

Романтизм в русской музыке. П.Чайковский

Оперное наследие П. Чайковского. «Евгений Онегин».

Балеты П. Чайковского.

Лекция 5

Реализм

Становление реализма в музыке, развитие вокальных жанров. Оперная реалистическая драма — Бизе, Верди. Сатирические песни А. Даргомыжского

Лекция 6

Русская музыка второй половины 19 века. «Могучая кучка».

Основные тенденции русской культуры, художественное направление «критический реализм». Формирование сообщества композиторов «могучая кучка».

М. Мусоргский. Вокальные циклы, симфонические увертюры, фортепианный цикл «Картинки с выставки», опера «Борис Годунов»

А. Бородин

Эпическая тематика творчества. Опера «Князь Игорь»

Лекция 7

Основные тенденции в музыке рубежа 19-20 веков. Импрессионизм

Импрессионизм в музыке, поиски нового звучания, новых «красок». Творчество К. Дебюсси, М. Равеля.

Что делает русскую музыку русской ?: Воскресенье Святого Павла, выпуск

Джерард Макберни, композитор, телеведущий и преподаватель Королевской музыкальной академии, Лондон,

январь 2001 г.

 

Вернуться к «Что делает русскую музыку русской?»

 

Умом Россию не понять,
Вы не можете измерить его в футах и ​​дюймах.
Его специальный символ:
В Россию надо верить.

-Федор Тютчев 1866

Русская классическая музыка, как и американская, появилась менее двух столетий назад. Это по сравнению со временем, отделяющим нас от Баха, Монтеверди, Палестрины и Машо, кажется почти вчерашним днем.

Только в конце 1820-х годов, после наполеоновских войн и примерно в то время, когда умерли Бетховен и Шуберт, Глинка, первый великий русский композитор, изобрел то, что мы теперь называем «звучанием русской музыки».Но хотя это русское звучание относительно новое, большинство любителей музыки узнают его и считают старым. И с тех пор это отразилось в произведениях Чайковского, Мусоргского, Римского-Корсакова, Скрябина, Рахманинова, Стравинского, вплоть до мастеров и любовниц наших дней, таких как Альфред Шнитке и Софья Губайдулина.

Что заставляет русскую музыку звучать именно так? Почему мы легко ее узнаём и позволяем ей так очаровывать нас (как сонный султан дал себя очаровать сказочной Шехерезаде)?

Для многих людей все дело в искусстве русской мелодии.Но русские мелодии могут быть разными. Есть известные русские мелодии, например, в «Картинках с выставки» или «Петя и волк», которые звучат как русские деревенские народные песни, особенно с падающими четвертями, которые Глинка называл «душой русской музыки». Но есть и другие, столь же «русские», как большие мелодии из «Евгений Онегин», «Патетическая симфония» или «Лебединое озеро», , которые никогда не назовешь народными песнями. А с другой стороны, эти ох как русские мелодии в Весна священная и Свадебка оказываются вовсе не русскими, а родом из Литвы и Грузии соответственно, двух древних народов со своими самобытные музыкальные традиции.

Русскость некоторых великих русских мелодий, таких как навязчивое начало Третьего фортепианного концерта Рахманинова, кажется, заключается в том, как они пробуждают в памяти темный ароматный мир русского православного пения. Но и это может быть обманчиво. Знаменитая современная русская православная музыка Арво Пярта написана эстонцем лютеранского происхождения, и слова в основном взяты из католической литургии. И, напротив, некоторые из самых сильных мелодий Шостаковича, русскоязычного славянина польского происхождения, основаны на клезмере, еврейской свадебной музыке.

Затем идут эти знаменитые гулкие русские гармонии… эти звенящие колокола из Борис Годунов и Великие Киевские ворота, или волнующие вступительные аккорды 2-го фортепианного концерта Рахманинова. Мы все думаем, что знаем, откуда они берутся. На ум приходит знаменитая сцена отливки колокола из фильма Тарковского « Андрей Рублев, видение славянского Средневековья». А как же рокманиновская хоровая симфония № «Колокола»? Эти колокольчики качаются со слов Эдгара Аллана По, едва ли русского писателя! А эта знаменитая звенящая Фея Драже… почему она звучит так по-русски?

Некоторые ученые пытались сделать это более общим. Что делает русскую музыку русской, говорят они, так это ощущение пространства. Представьте себе эту огромную и могучую землю, пятую или шестую часть земной поверхности, эти степи и пустыни, древние таежные леса и бескрайние арктические пустоши тундры. И, кажется, русским нравятся длинные произведения искусства, такие как романы Толстого, оперы Мусоргского и фильмы Эйзенштейна. Но, тем не менее, одними из самых русских произведений, когда-либо написанных, являются мельчайшие песенки Глинки и Рахманинова, мельчайшие прозрения личных чувств, иногда на слова величайшего поэта России Пушкина.И вообще, разве музыка Брамса, и Вагнера, и Малера тоже не передает такое же грандиозное ощущение пространства?

Другие указывают на цветную славу русского оркестра, на

Облачные башни, великолепные дворцы, Торжественные храмы…

из Шехерезада, Жар-птица и остальные. Но один из величайших русских оркестровых шоу-стопов — «Картинки с выставки», на самом деле набор фортепианных пьес. Его чудесные «русские» оркестровые краски были раскрашены позже французом Равелем. А фортепианные миниатюры Скрябина, струнные квартеты Шостаковича? По-своему эти произведения являются этюдами офорта, с прожилками серого, а иногда и почти бесцветными.

И все же мы чувствуем русскость всей этой музыки, и когда слушаем, она кажется нам ясной. Но по мере того, как он исчезает, мы так часто не осознаем, что заставляет его звучать именно так. Мы думаем, что знаем, что такое русская музыка, но снова и снова она будет нас удивлять.И тайный элемент русскости, волшебная составляющая, которая влечет нас назад, кажется, как блуждающий огонек, танцует и мерцает в музыке, но всегда остается за пределами нашего понимания.

Некоторые русские композиторы XIX века четко понимали, что именно им нужно для того, чтобы сделать их музыку русской. И одна идея, по-разному популярная у Глинки, Чайковского, Мусоргского, Бородина и Римского-Корсакова, заключалась в том, чтобы их музыка рассказывала историю. Это означало и оперы, и балеты, и мелодраматические фантазии, и тональные поэмы, и сказки.Чего это не означало, так это «абстрактной» камерной музыки, которую писали «скучные» жители Запада. Они считали, что настоящие русские не должны писать скрипичные сонаты, например! Однажды, когда Бородин написал струнный квартет, его друг Мусоргский, возмущенный предательством, написал гневное письмо. И когда Чайковский начал свои квартеты, они произвели фурор, ибо были чем-то неожиданным и совершенно новым.

Но вскоре все изменилось. Следующие поколения русских композиторов были совсем другим зверем.Они с детства были звездами, окончившими консерваторию, а не романтическими аутсайдерами. Они были профессиональными исполнителями и почти все великие пианисты того или иного рода. Это было время, с конца 19 века и далее, могучих русских школ фортепиано, скрипки, виолончели и голоса… таких гигантов, как Рахманинов, Ойстрах, Ростропович и Шаляпин.

Три сонаты для виолончели на этой записи написаны великими, хотя и очень разными, композиторами-пианистами. Они написали фортепианные партии, исходя из собственного опыта игры на фортепиано и, в двух случаях, для себя.Они писали партии виолончели для великих виолончелистов, которые были их друзьями и коллегами. И писали они эту музыку не для того, чтобы ее ставили в гостиной, не как послеобеденное развлечение, не как местную демонстрацию своей русскости, а как полноценную общественную музыку, чтобы ее разъезжали из одного города в другой, издавали и издавали. выступали в больших и малых концертных залах, где люди платили за то, чтобы услышать эту музыку и чудо того, как ее исполняли великие виолончелисты и пианисты.

Рахманинову, Шостаковичу и Прокофьеву не нужно было использовать эту музыку для доказательства своей русскости.Музыка звучала по-русски просто потому, что композиторы были русскими. В этих произведениях 20-го века современная русская камерная музыка встает и идет сама по себе, уверенная в том, что она есть, и хочет сказать, не боящаяся и никоим образом не нуждающаяся в доказывании против более старого, другого способа создания музыки.

 

Вернуться к «Что делает русскую музыку русской?»

 

Что делает русскую музыку русской ?: Воскресенье Святого Павла, выпуск

О сонатах

Дэвид Финкель и Ву Хан

 

 

 
Когда слушаешь русскую музыку, возникает ощущение, что композитор рассказывает тебе историю не просто для того, чтобы передать информацию, но и для того, чтобы разгрузить себя, описать и зафиксировать состояние человека, каким оно было в то время.

 

Музыка России проникнута не только великим страданием страны, но и радостями и надеждами, которые приносят редкие мгновения мира и благополучия. Программа представляет собой путешествие в прошлое, от знакомых суровых реалий Советского Союза к веку позолоченной русской аристократии и безудержного творчества.

Охватывая первую половину 20-го века, три величайшие русские сонаты для виолончели пробуждают романтизм царской России к мучительному климату советских времен при сталинском режиме. Эти произведения – музыкальные истории, рассказанные голосами из глубины необъятной земли, которые уносят слушателя вглубь русской души. От трагической до саркастической, от мистической до живописной и страстной — никакая другая музыка так ярко не описывает страну, ее людей и ее меняющуюся культуру.

Русская музыка обладает гипнотическим эффектом — слушатель намеренно заколдовывается и занимает места — чувствуется миссия композитора, толчок к творчеству.

Слушайте музыку, и душа может путешествовать туда, даже если тело не может.Музыка — это приглашение посетить особый, недосягаемый мир: далекий, закрытый, но дом миллионов людей, которых вы никогда не встретите.

Это музыка, которая захватывает сердце слушателя на самом глубоком уровне.


Прочтите книгу Джерарда МакБерни «Неуловимая душа русской музыки».

Радость и печаль

Послушайте музыку Рахманинова и беседу о том, как в ней соединяются выражения радости и печали.
(RealAudio; Как слушать)

«Есть непременная мера страдания даже в счастье русского народа, ибо без него счастье его неполно». -Федор Достоевский

«Тогда женщина сказала: «Расскажи нам о радости и печали». И он ответил: «Когда ты радуешься, загляни вглубь своего сердца, и ты увидишь, что только то, что принесло тебе печаль, доставляет тебе радость. Когда ты печалишься, снова загляни в свое сердце, и ты увидишь, что на самом деле ты плачешь о том, что доставляло тебе радость.'»   -Кахлил Джебран, Пророк

В русской музыке, как и во многих областях русского искусства и общества, сопоставление и смешение радости и печали усиливают переживания каждого, отражая характерную горячность русского темперамента. В части анданте своей сонаты для виолончели и фортепиано соль минор (соч. 19) Сергей Рахманёв достигает этого за счет тесного взаимодействия мажорных и минорных гармоний.

Подробнее о Рахманинове.

 

Время и пространство

Послушайте беседу о том, какую роль пространство и время играют в русской музыке, а затем послушайте вызывающее воспоминания исполнение сонаты Прокофьева.
(RealAudio; Как слушать)

Отождествление России с эпическими художественными высказываниями — от « Войны и мира» Толстого до экспансивных опер, таких как «Князь Игорь», — перекликается с обширностью географии, которая составляет одну пятую часть земной суши.Путешествия и их средства уже давно стали частью национального самосознания. Ощущение больших расстояний и, казалось бы, бесконечного времени, которое может потребоваться, чтобы преодолеть их, пронизывает и многие более мелкие работы. В первой части Сонаты Сергея Прокофьева для виолончели и фортепиано до мажор (соч. 119) виолончель открывается реверберирующей басовой нотой, над которой фортепиано начинает «как поезд, который пытается тронуться с места», в Ву Слова Хана — постепенно разворачивает свою мелодию. Прокофьев создает дополнительное ощущение пространства с помощью фортепиано, используя как самый верх, так и самый низ клавиатуры.

Подробнее о Прокофьеве.

 

Рассказывание историй

Послушайте разговор о том, как русская музыка может рассказать историю, а затем послушайте один из музыкальных рассказов самого Рахманинова.
Послушайте , чтобы узнать больше о музыкальном повествовании Прокофьева и его контексте.(RealAudio; Как слушать)

С далеко идущим чувством времени и смысла россиян тесно связаны многочисленные истории, которые оживляют и придают смысл этим мирам. Нарративный импульс можно найти в большинстве форм выражения, будь то вербальное, визуальное или музыкальное. В начале Сонаты для фортепиано и виолончели Сергея Рахманинова соль минор (соч. 19) композитор как бы говорит: «Садитесь, я хочу вам рассказать длинную историю». Написанная в 1901 году, ближе к концу царского периода, партия фортепиано отличается высокой декоративностью и отступлением, обогащена многочисленными декоративными нотами, которые, кажется, растягивают время, в то время как мрачно-мелодичная партия виолончели рассказывает ту же историю в более простой форме.У Хань отмечает, что Дмитрий Шосткович снова рассказывает эту историю три десятилетия спустя, используя виолончель и фортепиано, и его тоже привлекает русский смысл повествования. Но к 1930-м годам российский мир перевернулся, и Шостакович доносит свою версию совершенно другими средствами.

Подробнее о Рахманинове.

Юмор

Послушайте , как исполнители обсуждают, как Прокофьев передает юмор в сонате, затем часть самой сонаты.
(RealAudio; Как слушать)

Знакомый образ румяного русского весельчака не скрывает более темных тонов юмора — сарказма, сатиры и абсурдизма, коренящихся в чисто повседневных лишениях и бессмысленных капризах чиновничества, которым подвергается русский народ. В таком жестко репрессивном обществе юмор долгое время был одним из немногих приемлемых способов критики и политических комментариев. (Традиционная роль юродивого, или «юродивого», была предоставлена ​​художникам примерно с 15 века.Подробнее о «юродивом» читайте в «Шостаковиче: Нарушение тишины». композитор имитирует человеческий смех и использует неожиданный диссонанс как своего рода насмешку.

Подробнее о Прокофьеве.

 

Завершение всего

Послушайте дискуссию о том, как соната Шостаковича объединяет каждое из вышеперечисленных качеств в сонате вместе с 3 частями сонаты.
(RealAudio; Как слушать)

Соната Дмитрия Шостаковича для виолончели и фортепиано ре минор (соч. 40) черпает из каждого из характерно русских качеств, воплощенных в сонатах Рахманинова и Прокофьева. Его вторая часть (Allegro) — «самая истерическая шутка», по словам Ву Ханя, — напрягает оба инструмента до предела и перемежается гневным смехом. Дэвид Финкель отмечает «вождение крестьянской, языческой энергии» в движении, проистекающее из мастерства Шостаковича в ритме и его таланта рассказывать истории. «С самых первых дней его консерватории люди смотрели на него как на человека, умеющего использовать ритм, чтобы просто захватить слушателя. Это почти похоже на эффект рок-н-ролла». Пейзаж третьей части («Ларго») гораздо мрачнее, чем у Прокофьева, но опять же обнаруживает русское ощущение пространства. И там, где Рахманинов сопоставляет мажорные и минорные гармонии, чтобы смешать и обострить радость и печаль, Шостакович использует минор, чтобы полностью изменить настроение своей четвертой части (Аллегро). «Это была бы счастливая мелодия, если бы она была в мажоре, — отмечает Финкель, — но в миноре она становится саркастической, дьявольской… черным юмором.»

Подробнее о Шостаковиче.
Дополнительная литература Шостокович: Нарушая молчание

: Музыка :: Культура и искусство :: Россия-ИнфоЦентр

Русская национальная композиторская школа обрела самостоятельные очертания довольно поздно, лишь к середине 19 века. Однако, взрослея, русская музыка устремляется на мировую музыкальную арену. Западноевропейские музыканты и критики XIX века не могли не оценить наиболее своеобразные черты русской музыки, такие как использование богатого и свежего народно-музыкального материала евразийского типа, смешение «восточных» и «западных» элементов; и совершенно новые формы симфонического развития — синтетические, а не аналитические, как это было условно с западноевропейской симфонией.Появление в начале ХХ века таких деятелей, как Скрябин, Стравинский, Прокофьев, поставило русскую музыку в авангард мирового музыкального процесса.


Формирование российской композиторной школы
пречевая эпоха русской музыки
первые классические композиторы: Glinka и Dargomyжский
вход в европейскую музыкальную сцену

Могущественный пять

М.П.Мусоргский и Н.А.Римский-Корсаков


Московская школа композиторов

С.И.Чайковский

Рахманинов и Скрябин

Русская музыка в эмиграции

Театр Сергея Дягилева

Игорь Стравинский

Классика и советская музыка

Шостакович и Прокофьев

После Сталина — Музыка выпущена

Свиридов и Шнитке

 

Становление русской композиторской школы

В средние века сочиняемая на Руси музыка была тотально связана с византийской церковью и изолирована от европейского мира. Позже, в 17-18 вв., музыка, ставшая также и светским искусством, попала под влияние западной культуры. Итак, русская национальная композиторская школа обрела свои самостоятельные очертания довольно поздно, лишь к середине 19 века. До этого времени русская музыка почти не была известна где-либо за пределами нашей страны; однако, взрослея, русская музыка устремляется на мировую музыкальную арену.

Западноевропейские музыканты и критики XIX века не могли не оценить наиболее своеобразные черты русской музыки, такие как использование богатого и свежего народного музыкального материала евразийского типа, смешения «восточных» и «западных» элементов; и совершенно новые формы симфонического развития — синтетические, а не аналитические, как это было условно с западноевропейской симфонией.Оригинальны были оперные формы, основанные на дерзком бесхитростном отражении в музыке разговорных интонаций (Даргомыжский и Мусоргский) и одновременном применении приемов былинно-сказочного повествования (Бородин, Римский-Корсаков). Появление в начале ХХ века таких деятелей, как Скрябин, Стравинский, Прокофьев, поставило русскую музыку в авангард мирового музыкального процесса. Феномен взаимодействия Востока и Запада ярко раскрылся здесь на всех уровнях — от философских идей (мистицизм Скрябина, «новое язычество» Стравинского и «скифство» Прокофьева) до элементов музыкального языка.

Доклассическая эпоха русской музыки (начало 19 века) характеризовалась сочетанием классицизма и романтизма, с преобладанием жанра музыкального театра. Широкую популярность приобрели «сказочные» оперы, классицистические трагедии с музыкальными сценами и переводные мелодрамы на музыку русских композиторов. За комической оперой 18 в. последовали дивертисменты — театральные представления на фольклорные или патриотические сюжеты с разнообразными песнями и танцами в народном стиле и музыкой водевиля.Домашнее музицирование стало в то время очень распространенным явлением; возникло множество музыкальных кружков и салонов, которые посещали многие известные музыканты и поэты. Филармония, созданная в Петербурге в 1802 г., давала масштабные концерты, знакомившие русскую публику с ораториями и кантатами Генделя, Гидна, Моцарта, Бетховена и других.

Первые композиторы-классики: Глинка и Даргомыжский

Русские дворянские кружки полулюбительского и полупрофессионального музицирования дали миру двух первых русских классиков, Михаила Ивановича Глинку и Александра Сергеевича Даргомыжского .Гений Глинки проявился в самых разных жанрах, таких как симфонический, камерно-вокальный и камерно-инструментальный, но высшими достижениями композитора, безусловно, являются его оперы — патриотическая трагедия Жизнь за Царя ( Жизнь за царя ) (1836) и былина Руслан и Людмила (1842). Находясь на уровне лучших европейских музыкальных произведений той эпохи и в то же время весьма самобытные по стилю, оперы Глинки во многом определили господство оперного жанра в русской музыке XIX века и пути его развития.

Творчество младшего современника Глинки Даргомыжского в большей степени связано с атмосферой 1840-1860-х годов; его романсы и песни следуют традициям любительского салонного музицирования эпохи Пушкина и Глинки, но в то же время обращаются к образу «маленького человека», персонажу русской литературы гоголевского периода. В своем последнем творении, опере Каменный гость ( Каменный гость ) по поэме А.С.-Петербургские композиторы. Однако произведения Глинки и Даргомыжского далеко не известны за пределами России. Что касается выхода русской музыки на европейскую музыкальную арену, то он связан с композиторами второй половины XIX века.

Выход на европейскую музыкальную сцену

В конце 1860-х годов в музыкальной жизни России произошли большие перемены. Раньше привилегия светского музыкального образования распространялась на различные слои общества.В Москве и Санкт-Петербурге открывается Императорское Русское музыкальное общество, где регулярно даются симфонические и камерные концерты, доступные для широкой публики.

Возникло множество частных безрепертуарных театров, среди которых театры московских меценатов (Московская частная опера Саввы Мамонтова и Оперный театр Сергея Зимина), поставившие большое количество русских и зарубежных опер. В 1907 году были открыты Безрепертурный театр Сергея Дягилева, выступавший за границей под названием Русские сезоны и Русский балет Сергея Дягилева , сыгравшие большую роль в развитии балетного искусства, русской и европейской музыки.Музыку для «Русского балета Дягилева» писали такие выдающиеся композиторы, как Игорь Стравинский, С. Прокофьев, Н. Черепнин, К. Дебюсси, М. Равель, Дариус Мийо, Франсис Пуленк и другие.

В 1860-е — 1870-е годы в русской музыке появились новые жанры. Наряду с популярными ранее оперой, симфонической музыкой и романсом на первый план выходит многотактная симфония. Первыми русскими симфониями были Первая симфония Римского-Корсакова (1865) и Первая симфония Чайковского «Зимние грезы» (1866). Развиваются и жанр концерта для солирующего инструмента с оркестром (особенно заметен в творчестве Чайковского), и балетная музыка (Чайковский, позднее Глазунов), и камерно-ансамблевая музыка, и светское хоровое пение.

Могучая пятерка

Во второй половине XIX века сложились две крупные русские композиторские школы. В одну из них, известную как «Могучая пятерка», входили выдающиеся петербургские композиторы, такие как М.А.Балакирев, С.А.Куй, А.П.Бородин, М.П.Мусоргский и Н.А.Римский-Корсаков .

Новаторская Mighty Five была ориентирована на фолк и стремилась отразить в музыке вопросы национальной истории, психологии и фольклора. Стремясь приблизиться к реальности и ища принципиально новый музыкальный язык, национальный и неповторимый, они в какой-то степени отказались от общепринятых классических норм. С другой стороны, они не обойдут вниманием и достижения современных западноевропейских композиторов, таких как Шуман, Берлиоз, Лист и др.

Основными жанрами ранней школы «Могучей пятерки» были оперы, в основном на темы русской жизни, симфонии и романсы разного рода.

Еще одной примечательной чертой этой школы была тяга к образам Востока, реальным и легендарным, историческим и этнографическим. Вообще для многих романтиков характерен интерес к Востоку как к чему-то экзотическому, однако в России этот интерес становится вполне определенным, где Восток представлен аутентичными музыкальными темами, рифмами и тонами.Вспомним, например, фортепианную фантазию Исламей М. Балакирева или симфоническую поэму Шехерезада Римского-Корсакова.

Эстетика Могучей пятерки наиболее полно раскрывается в двух уникально новаторских по стилю и форме операх М. Мусоргского : историко-психологической трагедии Борис Годунов (1868) и народно-музыкальной драме Хованщина (1881 ).

Проявляется также в многочисленных операх Римского-Корсакова , особенно в своеобразнейшем мифологическом цикле, связанном с древними языческими верованиями славян ( Майская ночь ( Майская ночь ), Снегурочка ( Снегурочка ), Ночь перед Рождеством ( Сочельник ) и др. ), а также в его операх-сказках ( Золотой Петушок ( Золотой петушок ), Сказка о царе Салтане ( Сказка о царе имени Салтане ) и др.) и религиозно-философской драме История о невидимом Китеж-град и дева Феврония .

Московская школа композиторов

В другой школе во главе с П.И.Чайковским участвовали в основном московские композиторы, среди них С.И.Танеев, А.С.Аренский, С.В.Рахманинов и другие.

(‘ Концерт для фортепиано с оркестром 1 ‘ ( Чайковский ))

Московская школа

была антагонистична Санкт-Петербургской Могучей Пятерке. Он был более консервативным, с четким соблюдением классических моделей «чистой» музыки, с одной стороны, и самобытной музыкальной жизни старой столицы, с другой. Среди высших достижений школы — ряд опер (среди них «Евгений Онегин», 1878 и «Пиковая дама», 1890), шесть симфоний, балеты, симфонические сюиты, увертюры, стихи и романсы П. И.Чайковский. Творчество Чайковского с акцентом на проблеме современной личности в современном мире получило широкую российскую и международную известность еще при жизни композитора, а произведения «Могучей пятерки» были неизвестны широкой публике до конца XIX века. .

Большая роль в деятельности Московской школы принадлежит творчеству ученика Чайковского, композитора, пианиста и педагога С.И.Танеева, исследователя и мастера полифонической нотации.

Рахманинов и Скрябин

В начале 20 века новые течения в русской музыке наиболее ярко представлены московскими композиторами (последователями С.И.Танеева) и выдающимися пианистами — С.В.Рахманиновым и А.Н.Скрябиным . Рахманинов был продолжателем национальных традиций (в интерпретации как московской, так и петербургской школы), которые приобрели в его произведениях ярко-ностальгическую окраску.

 

Скрябин — ярчайший представитель символизма в музыке. Его оригинальная космогоническая философия нашла выражение в ультрановом музыкальном языке, оказавшем огромное влияние на всю мировую музыкальную культуру ХХ века.

(‘ Симфония № 2 ‘ ( Скрябин ))

Чуть позже начинают свою деятельность два величайших композитора нового поколения — Игорь Стравинский и Сергей Прокофьев . Оба были петербуржцами и учениками Римского-Корсакова. Эстетика их раннего творчества, следуя принципам петербургской школы, носит постсимволический характер и затрагивает новые художественные направления, такие как неоклассицизм, конструктивизм и футуризм.

Русская музыка в эмиграции

Начало ХХ века ознаменовалось расцветом музыки, литературы и искусства в России. Серебряный век, однако, был прерван революционным потрясением 1917 года. Ряд выдающихся композиторов (Рахманинов, Стравинский, Прокофьев, Метнер, Черепнин, А. Гречанинов) и музыкальных исполнителей (Д. Шаляпин, С. Кусевицкий, Е. Купер и др.) пришлось покинуть Россию. Несмотря на проживание за границей, принадлежность к разным поколениям и музыкальным направлениям, все они продолжали развивать традиции и идеи, уходящие корнями в их русский период.

«Чужой» период стал кульминационным в их творчестве, сохранявшем национальную самобытность и в то же время чутко и чутко реагирующем на изменения, происходящие в мире и на мировой художественной сцене. Композиторы русского происхождения И.А. Вышнеградский, Н.Б.Обухов и А.С.Лурье теперь считаются предтечами авангардных течений, позже пришедших в европейскую музыку.

Безрепертуарный Театр Сергея Дягилева , основанный в Париже перед Первой мировой войной, находился в авангарде культурной жизни 1920–1930-х годов.Он был тесно связан с творчеством Стравинского, Прокофьева и ряда других композиторов, художников, хореографов и танцоров русского происхождения. Основой «Русских сезонов» Дягилева была его балетная труппа, но он также ставил русские оперы и концерты русской симфонической музыки. Многолетнее существование этого русского театра с необычайно богатым репертуаром во многом способствовало знакомству мировой публики с русской классической и современной культурой.

В 20-е-30-е годы Игорь Стравинский стал лидером неоклассицизма, направления в искусстве 20 века, утвердившего порядок и гармонию старого искусства в противовес кипящему хаосу и преувеличенным эмоциям экспрессионизма.Традиции и новизна сливаются в творчестве Стравинского в единое целое. Стилистика старинной музыки каждый раз интерпретируется по-разному в зависимости от авторской концепции. Новые сочинения часто были навеяны фольклорной поэтикой. Именно Стравинскому удалось наметить одну из важнейших черт развития музыкального театра как синтеза различных искусств.

(‘ Петрушка ‘ ( Стравинский ))

Классика и советская музыка

Несмотря на трудности гражданской войны и последствия революции, культурное общение России с миром не прекращалось до 1932 года, когда коммунистическая партия взяла под свой контроль все творческие союзы. Филармония, редакция и критическая деятельность также были централизованы государством. С этого времени и до «оттепели» 1960-х общение российских деятелей искусства и культуры с зарубежным миром было строго ограничено.

В 1920-е — 1950-е годы успешно работали выдающиеся дореволюционные отечественные мастера музыки: прежде всего Н.Ю. Мясковский, автор 27 симфоний, великолепных камерных и фортепианных произведений, а также Р.М. Глиер, С.Н.Василенко, М.М.Ипполитов-Иванов и другие.

Шостакович и Прокофьев

Дмитрий Шостакович был величайшим деятелем русской музыки советского периода. Его пятнадцать симфоний, пятнадцать струнных квартетов, оперы «Леди Макбет Мценская» и «Нос», камерно-вокальные и фортепианные сочинения выражают трагические потрясения эпохи и противоречивые осмысления их русской интеллигенцией.

(‘ Симфония № 4 ‘ ( Шостакович ))

Сергей Прокофьев , вернувшийся в Россию в середине 1930-х, испытал меньшее влияние советской атмосферы. Хотя в его музыкальном наследии немало сочинений, «ангажированных» советской властью, тем не менее светлый и ясный дух гения Прокофьева и его опыт, приобретенный за двадцать лет жизни за границей, помогли композитору сохранить творческую самостоятельность и достичь таких художественных высот, как его балеты «Ромео и Джульетта» и «Золушка/Золушка», оперы «Война и мир» и «Обручение в монастыре»/Обручение в монастыре, его симфонии 5, 6 и 7 и его фортепианные сонаты.


Отношения музыкантов и власти в Советском Союзе были противоречивыми.С одной стороны, государство предоставляло возможность бесплатного музыкального образования и способствовало дальнейшему исполнению и изданию произведений. С другой стороны, талантливые люди сразу попадали под жесткий идеологический контроль. Музыка, а также литература, театр и изобразительное искусство подвергались постоянному давлению со стороны советского государства. Творчество оценивалось с точки зрения «социального заказа» и соответствия советской идеологии. Тяжелый удар был нанесен всем ярким композиторам того времени (Прокофьеву, Шостаковичу, А.Хачатурян, Н.Мясковский, В.Шебалин и др.) с официозной газетной статьей, обвиняющей их в «антинациональном формализме». Последствия этого удара удалось преодолеть лишь спустя несколько десятилетий.

После Сталина — Музыка выпущена

Смерть Сталина в 1953 году стала переломным моментом в жизни советского общества и породила новые явления. Годы «оттепели», 1960-е — 1970-е годы, характеризовались двумя важными тенденциями в культурной жизни страны.Во-первых, это возвращение к истокам национальных традиций, как духовных, так и художественных; так называемая «новая народная волна», хотя здесь имеется в виду не только народная песня, но и церковная музыка более поздних эпох и т. д.

Георгий Васильевич Свиридов (1915-1998) со своими последователями был одной из самых ярких фигур в этом направлении. Он следовал и развивал опыт русских классиков, прежде всего Мусоргского, и обращался к традициям древнерусского распева и обрядового пения. В его композициях новизна и оригинальность музыкального языка сочетаются с продуманной и изысканной простотой.

(‘ Деревянная Русь ‘ ( Свиридов ))

Второй тенденцией в русской музыкальной культуре эпохи было стремление освоить опыт мировой культуры ХХ века, который был недоступен около тридцати лет. Эта черта, характерная для всех талантливых музыкантов 60-х годов, иногда принимала форму авангарда, часто фиксировавшегося на композиторском методе Новой венской школы — додекафонии, противостоящей традиционной тональности.Советские композиторы также прибегали к композиторским приемам последних представителей европейского авангарда, например, Пьера Булеза. Часто переплетались самые разные тенденции и приемы.

 

Среди корифеев этой волны были Альфред Шнитке , Софья Губайдуллина, Эдисон Денисов и другие.

Могучий разносторонний талант Шнитке позволил ему использовать все разнообразие существующих жанров и создать более 70 произведений, в том числе оперы Одиннадцатая заповедь и Жизнь с идиотом , балет Лабиринты , оратория Нагасаки , кантата История Иоганна Фауста и др. Плодотворно работал Шнитке и в кинематографе: он написал музыку к нескольким десяткам фильмов. Его Девятая симфония сразу же после выхода в свет получила всеобщее признание и международную премию «Слава».

(‘ Струнный квартет № 3 II Agitato ‘ ( Schnittke ))


Вера Иванова и Михаил Маныкин

Русский национализм в музыке

Музыкальные ссылки Глоссарий Домашняя страница

 

РУССКИЙ НАЦИОНАЛИЗМ В МУЗЫКЕ

 

М.Тевфик ДОРАК

 

В 1830-е годы, национальный музыкальный стиль с акцентом на народные песни, в России стали зарождаться народные танцы и особенно народные ритмы. Этот совпало с аналогичными националистическими движениями в других странах, таких как Польша, Богемия и скандинавские страны. Русская музыка считается быть в числе величайших представителей национальной музыки. До 1830-х годов музыка в России была преобладала итальянская и французская музыка, в основном опера.Несколько опер, написанных Русские композиторы до Михаила Глинки (1804-1857) были недостаточно хороши, чтобы конкурировать с зарубежными аналогами.

Музыкальная жизнь столицы Санкт-Петербурга. Петербург, без сомнения, был очень богат. Основные произведения Бетховена, Гайдна, Моцарта и Вебер были известны. Там жили Джон Филд, Лист, Шуман и Берлиоз. все побывали в России. Итальянский композитор и дирижер К. Кавос (1776-1840). провел свою жизнь в России с 1798 года, впитал в себя русские музыкальные идиомы. собственный.Первое в истории полное исполнение « Missa Solemnis » Бетховена. состоялось в Петербурге в апреле 1824 года. В операх «Илья-герой» (1807) и Иван Сусанин (1815 г.), Кавос предвосхитил творчество Глинки. Глинка пользовался тем же в роли Ивана Сусанина в его первой патриотической опере «Жизнь за царя». (1836 г.). В его второй опере «Руслан и Людмила» (1842 г.) элементы. Глинку с полным основанием считают отцом русского языка. классическая музыка.Он обновил его и сделал европейским мейнстримом. без ущерба для своей национальной идентичности. Русские композиторы до него были не более чем слабыми подражателями итальянцев или немцев.

Не было выдающегося Русское искусство Музыкальный стиль до 1830-х гг. Два важных источника подлинного Русская музыка как источник вдохновения для русских композиторов девятнадцатого века церковная музыка (русские распевы) и народная музыка. Модальные звуки русского языка. церковная музыка и народные песни нашли отражение в большей части музыкального искусства в России в девятнадцатого века (как в музыке Стравинского, Глазунова и Рахманинов).Композиторы уже использовали народные песни для написания вариаций на них. их или как основу для их композиций. В руках Глинки и Бородина, большинство из них стали всемирно известными. Несмотря на сравнительно небольшую продукцию, Глинка легли в основу русской националистической школы, результатом которой стало русское Пятеро (Балакирев, Бородин, Кюи, Мусоргский и Римский-Корсаков). Русский Five широко использовали народный материал в своей музыке. симфоническая Балакирева поэма Тамара , Бородина Половецкие пляски от князя Игоря, и « Шехерезада » Римского-Корсакова являются образцами русского ориентализма.

Камаринская свободен вариации на две русские народные песни, написанные Глинкой в ​​1848 году. В этом произведении он преодолел ограничения народных песен добавлением контрмелодии к ним. Народные напевы (свадебная и плясовая) используется как cantus firmus, на фоне которого создаются новые мелодии и образы. Песни, которые он использовал, очень повторяющиеся, что делает их похожими на арабески. украшения неизбежны. Тема иногда сопровождается собственным украшенным версия.Мотивное развитие сменяется навязчивым повторением. Он показывает свою гений при переходе от первой ко второй песне. Он делает два непохожие народные мелодии, чтобы иметь что-то общее. Вариация деревянных духовых инструментов в бары 131 2 -137 1 фактически является одновременным изменением обе народные мелодии. Это прекрасный пример искусства сочетания мелодий.

Чайковский, первый великий Русский симфонист, лишь изредка использовавший фольклорный материал в своем большом оркестровом музыки (во второй и четвертой симфониях использованы народные песни), но его песни, фортепианная музыка и камерная музыка полны примеров.Он отметил проблемы с Их тональность и ритм. В своем втором струнном квартете фа мажор он использует сочетание русского лада с норвежским мелодическим контуром (падение вступительная нота) в скерцо.

Как у Глинки Камаринская , Бородин (1833-87) использовал в симфонической поэме «» две разные песни. Степи Средней Азии (1880). Мирная русская песня и тоска ноты восточной мелодии сливаются в общую гармонию.В р.193-227 два мелодии представлены одновременно. Второстепенные, мажорные и модальные элементы на основе нота A присутствует в разных частях произведения.

Неся в себе элементы народной песни в свою художественную музыку русские композиторы разработали уникальный язык, который содержала следующее: технику развития клеток (короткий мотив или фраза, повторенная точно или слегка измененная), ярко выраженный интерес к оркестровому колориту, разнообразие динамики, использование (перевернутых) педалей, дрон-басы, доминанта зависание, использование экзотической гармонии (хроматической или модальной), пентатоники или модальных мелодий и связанные с ними гармонии, а также аддитивные структуры, возникающие в результате клеточного развитие в большом масштабе, маленький мелодический компас, повторяющиеся интервальные формы (как падающая четвертая в «Серенаде для струнных » Чайковского «»).Посредством второй половине девятнадцатого века оригинальные русские мелодии можно было почти ошибочно принимают за народные песни, поскольку народная идиоматика была так успешно ассимилирована.

В девятнадцатом веке народные элементы (повторение отдельных нот, мотивов, фраз; танцевальные ритмы; настоящий или имитация народные наигрыши) были интегрированы в русскую музыку. Народные сказки использовались как сюжеты для оперы и симфонической поэмы. Русская музыка сыграла важную вклад в развитие гармонии за счет использования цельнотоновых элементов, хроматизм и высшие диссонансы.Использование целых тонов неизбежно приводило к частое использование расширенных трезвучий, поскольку все трезвучия, использующие целые тона, дополнен. Распространенное гармоническое клише в русской музыке, аккорд I — за которым следует дополненный аккорд I — и VIb имеет, например, тонально-модальную неоднозначность. новый гармонический язык был необходим из-за использования монодических модальных мелодий. Поэтому русская национальная музыка полна тонально-модальных двусмысленностей ( В Степи Средней Азии ). Также был выражен интерес к новым ритмические узоры.Пятикратное время, фразы из пяти тактов и общий срыв привычных ритмических рисунков были типичными чертами. Многосложный русский слова оказали очевидное влияние на вновь возникшие ритмические узоры, которые повлияло и на инструментальную музыку. Повторение вместо двигательного развития породило новое отношение к форме. Такое повторение или нарушение расширенного фразы в маленькие кирпичики ( мозаики или ) заменили тематическое развитие и созданы новые аддитивные структуры (форма мозаики).Постоянно меняя ритм, динамика, громкость и оркестровая окраска маскируют повторяемость и предотвратить монотонность. В итоге получился ярко выраженный национальный стиль, который красочный, экзотический и сразу привлекательный. Реализм был еще одной чертой Русская музыка (опера) в XIX веке. Сюжеты были верны современная жизнь ( Борис Годунов ). Предпочтения композитора в сопоставление статических и несвязанных тональных областей, а не использование традиционные процессы модуляции, привели большую часть русской музыки к двадцатому веку. век.В результате было заложено продолжение традиционной тональности. вопрос. Полнотоновая гамма из-за неизбежных увеличенных трезвучий и отсутствия полутоновая тяга ведущей ноты была важным фактором в распад тональности.

 

Ресурсы Используемые

1 . Курс Открытого университета A314 Команда: Русский национализм (Отряд 32а). В От барокко к романтике: Исследования в Тональной музыке: Романтическая музыка III (Единицы 30-32).Милтон Кейнс: Открытость University Press, 1994 (стр. 52-67) (ISBN 0 335 11208 0)

2 . Лонгйир Р. М.: Национализм девятнадцатого века в музыке. В Longyear RM: Романтизм девятнадцатого века в музыке (стр. 214-271). Нью-Джерси: Prentice Hall Inc., 1973 г. (ISBN 0 13 622647-7)

3 . Несколько статей в Словарь музыки и музыки New Grove Музыканты . 2-е издание, 2001 г. Издательская группа Macmillan.

 

Дополнительная литература

Меас Ф. История России Музыка.От Камаринской до Бабьего Яра. Беркли: Калифорнийский университет Press. 2002

Назад к музыкальному содержимому

Составитель М.Тевфик Дорак Б.А. (с отличием)

Последнее обновление: 23 мая 2002 г.

Музыкальные ссылки Глоссарий Домашняя страница

 

 

Николай Римский-Корсаков — Композиторы классической музыки

Николай Римский-Корсаков был русским композитором, членом группы композиторов, известной как The Five.Он был мастером оркестровки. Его самые известные оркестровые сочинения — Capriccio Espagnol , Увертюра к Пасхальному фестивалю и симфоническая сюита «Шахерезада » — составляют основу репертуара классической музыки, наряду с сюитами и отрывками из некоторых из его 15 опер. Шахерезада — пример частого использования им сказочных и фольклорных сюжетов.

Римскому-Корсакову приписывают развитие националистического стиля классической музыки.Этот стиль использовал русские народные песни и предания вместе с экзотическими гармоническими, мелодическими и ритмическими элементами в практике, известной как музыкальный ориентализм, и избегал традиционных западных композиционных методов. Однако Римский-Корсаков оценил западные музыкальные техники после того, как в 1871 году стал профессором музыкальной композиции, гармонии и оркестровки в Санкт-Петербургской консерватории. Он прошел строгую трехлетнюю программу самообразования и стал мастером западных методов, включая их наряду с влиянием Михаила Глинки и других участников The Five.Его методы композиции и оркестровки были еще более обогащены его знакомством с произведениями Рихарда Вагнера.

Римский-Корсаков оставил значительное количество самобытных русских националистических произведений. Он подготовил произведения The Five к исполнению, что ввело их в активный классический репертуар (хотя есть разногласия по поводу его редактирования произведений Модеста Мусоргского), и за десятилетия своей педагогической деятельности сформировал поколение молодых композиторов и музыкантов. Поэтому Римский-Корсаков считается «главным архитектором» того, что классическая музыкальная публика считает русским стилем композиции.Его влияние на молодых композиторов было особенно важно, поскольку он служил переходной фигурой между самоуправлением, примером которого были Глинка и «Пятерка», и профессионально подготовленными композиторами, которые стали нормой в России к концу XIX века. Хотя стиль Римского-Корсакова был основан на стилях Глинки, Балакирева, Гектора Берлиоза и Ференца Листа, он «передал этот стиль непосредственно двум поколениям русских композиторов» и оказал влияние на нерусских композиторов, включая Мориса Равеля, Клода Дебюсси, Поля Дюка и Отторино. Респиги.

Каковы были классические влияния Джона Уильямса?

В то время как любители киномузыки могут спорить о том, является ли саундтрек Джона Уильямса к «Звездным войнам» лучшим саундтреком к фильму всех времен, композитор, безусловно, создал самую узнаваемую музыкальную вселенную, когда-либо сопровождавшую кинофильм. Знакомство и резонанс музыки росли с каждой новой частью сериала, и Уильямс продолжал разрабатывать новые темы для расширяющегося состава персонажей, которые давным-давно пережили приключения в далекой-далекой галактике.

В этом исследовании музыкального мира Звездных войн мы прослеживаем влияние классики Уильямса. Ниже музыка, упомянутая в этой функции, отображается в виде плейлиста Spotify, к которому вы также можете получить доступ здесь.

Возврат, задающий моду

Одна из причин, по которой «Звездные войны» оказали такое влияние, заключалась в том, что в десятилетие, отмеченное яркими интеллектуально амбициозными научно-фантастическими фильмами, включая собственный фильм Джорджа Лукаса THX-1138 (1971)— «Звездные войны » были бесстыдным возвратом к космическим операм в режиме Бака Роджерса.

Неотъемлемой частью подхода Лукаса было заказать большую симфоническую партитуру, а не экспериментальный электронный саундтрек. В свои 40 лет Уильямс уже был опытным кинокомпозитором. Получив образование в Джульярде, он работал с такими легендами, как Бернард Херрманн, и получил две премии «Оскар», в том числе одну за свою до сих пор культовую музыку к фильму Стивена Спилберга « Челюсти », фильму, которому приписывают создание все еще процветающего жанра летних блокбастеров. .

Таким образом, работа Уильямса не заключалась в том, чтобы открыть новую эстетическую почву.На самом деле, именно в характер его задания входило создание партитуры, восходящей к лихой классике, на которой вырос Лукас. Его триумф с «Звездными войнами » заключался в том, чтобы использовать этот музыкальный словарь с беспрецедентной силой и размахом — размахом, который рос с каждым из двух сиквелов фильма, а затем с тремя приквелами, которые Лукас поставил 20 лет спустя.

Вагнер: король оригинальной франшизы

Наибольшее влияние на видение Уильямса «Звездных войн » оказал Ричард Вагнер, чей цикл «Кольцо » сочетает в себе множество музыкальных идей, которые легли в основу творчества Уильямса.Дерзко диссонирующий и смело драматичный для своего времени цикл из четырех опер Вагнера был оригинальной «кинематографической» композицией, а его аляповатый романтический словарь служил основным инструментом для композиторов кино на протяжении столетия.

Идея, наиболее известная тем, что Уильямс копирует произведения Вагнера — через многих других оперных и кинокомпозиторов — заключается в устройстве лейтмотивов: характерный музыкальный «голос» для каждого главного персонажа, мелодия и аранжировка, которые можно адаптировать в различных способы дополнить развивающуюся историю.

Где обычный кинозритель наиболее заметно слышит Вагнера в Звездных войнах , так это в медной теме Дарта Вейдера и его злой Империи, которая отчетливо напоминает музыку Вагнера для его величественных Валькирий.

Чайковский: Инструментальный цвет

Вы не обязательно думаете Щелкунчик Сюита , когда вы думаете Звездные войны — но это более уместно, чем вы можете себе представить, что Пробуждение Силы выходит во время рождественского сезона.Чайковский был мастером оркестрового колорита, и когда вы слушаете его партитуру для «кофейной» интерлюдии рядом с партитурой Уильямса для Джавы, вы вспоминаете, что волшебное путешествие Клары было первоначальным путешествием в далекую-далекую галактику.

Грандиозная романтическая тема из Лебединое озеро также перекликается с любовной темой Уильямса для Хана и Леи из Империя наносит ответный удар . Независимо от того, думал ли Уильямс явно об умирающем лебеде, сочиняя эту элегическую музыку, он определенно стремился к ощущению того, что занавес (из звезд?) вот-вот упадет.

Хольст: Путешествие в космос

Кроме композиторов, выведенных на орбиту Стэнли Кубриком в 2001 (Лигети, Хачатурян, оба Штрауса) — и композиторов, буквально вылетевших на орбиту на Вояджер II (Бах, Моцарт , Бетховен) — в классическом репертуаре нет композитора, более тесно связанного с космосом, чем Густав Хольст. Планеты был добыт для множества научно-фантастических зрелищ, и Марс , в частности, был фаворитом композиторов фильмов, включая Уильямса, чьи штурмовики маршируют под отчетливо марсианский ритм.

Корнгольд: Мастер кино

Из всех заимствований Уильямса нет ничего более печально известного, чем его поклон Эриху Корнгольду — прямо из ворот, не меньше. Как заметили многие слушатели, основная тема «Звездных войн» (технически, тема Люка Скайуокера) имеет более чем мимолетное сходство с темой Корнгольда для Kings Row (1942).

Назовете ли вы это «кинематографическим ударом», неудивительно, что Уильямс обратился к Корнгольду, чья музыка для классических фильмов, таких как Приключения Робин Гуда (1938) и Морской ястреб (1940) явно является непосредственным шаблоном, по которому Уильямс работал над «Звездными войнами» и другими своими самыми известными саундтреками к фильмам.

Kings Row По иронии судьбы, это бескомпромиссная драма о темных секретах маленького городка. Одной из ее звезд был не кто иной, как Рональд Рейган, который, будучи президентом, использовал термины «Звездные войны» (для предложенной им системы противоракетной обороны) и «империя зла» (для Советского Союза).

Stravinsky: Uncanny

Rite

Влияние Стравинского на Star Wars могло прийти через Fantasia , где его мгновенно печально известный Rite of Death Spring был использован для саундтрека к их маршу динозавров по высохшему ландшафту.Пока C-3PO и R2-D2 исследуют бесплодные пески Татуина, поклонники классической музыки, должно быть, задавались вопросом, когда юная тви’лек собиралась танцевать до смерти.

Орф: спойте песню ситхов

Хотите верьте, хотите нет, но когда пришло время писать музыку к приквелам «Звездных войн» , был один классический хит-монстр, который разграбили почти все композиторы фильмов , кроме для Уильямса. Это Carmina Burana Карла Орфа, чей хор O Fortuna использовался практически в каждом фильме, кульминацией которого является сверхъестественный апокалипсис.Когда пришло время Куай-Гону Джинну и Оби-Вану Кеноби сразиться на смертельной дуэли с Дартом Молом в Скрытая угроза , Уильямс знал, кому звонить.

Элгар:

Новая надежда и слава

Музыкальная тема шествия в Тронном зале (извините за спойлер) в оригинальном фильме «Звездные войны » — прекрасный пример особого таланта Уильямса к созданию музыки, которая одновременно нова и Старый. Благодаря дару Уильямса к мелодии и тону, вы, вероятно, не думаете об окончании средней школы, когда Люк и Хан идут по проходу, но прослушивание музыки Уильямса для этой сцены рядом с маршем Элгара Помпезность и Обстоятельства ясно показывают, что Уильямс знал, чью аранжировку он хотел списать, когда хотел вызвать ощущение официальной церемонии награждения.

Изначальная алхимия

Хотя Уильямс в долгу перед всеми этими композиторами — и многими другими — каждый композитор стоит на плечах гигантов. Дань Уильямса, возможно, была немного более прямой, чем у некоторых других композиторов, но суть в том, что его мастерство мелодии и ловкость тона делают «Звездных войн» партитур выдающимся достижением в истории кино. Точно так же, как Лукас умел попадать в книги (в частности, «Герой с тысячью лицами» Джозефа Кэмпбелла ), так же поступал и Уильямс; вместе они оживили древние образы свежестью и воодушевлением.

Галерея

Полноэкранный слайдПредыдущий слайд

1 из 1

Джон Уильямс на подиуме в 2003 году

Фото Карло Аллегри/Getty Images для LAPA

Следующий слайд музыка трех русских композиторов — Альфреда Шнитке, Эдисона Денисова и Софьи Губайдулиной — занимала мировые концертные площадки с таким же авторитетом и регулярностью, как и музыка их великих предшественников — Шостаковича и Прокофьева.Теперь крупной фигурой осталась только Губайдулина, и многие любители музыки американцы, возможно, думали, что в России новая музыка, наряду с демократией, становится безнадежным делом.

Но это неправда, что и докажут музыканты из Нью-Йоркского филармонического оркестра 2 апреля, когда оркестр представит последний из своих «Контактов!» концерты — серия современной музыки, начатая бывшим музыкальным руководителем оркестра Аланом Гилбертом — в Вильямсбургском национальном оркестре опилок. (Деятельность в области новой музыки останется активной под руководством нового музыкального директора Яапа ван Зведена.) Ведет мероприятие популярный композитор и дирижер Эса-Пекка Салонен, а Джерард МакБерни, признанный авторитет в области русской и советской музыки и культуры, консультирует программу.

Слушателей впечатлит талант избранного филармонией композиторского коллектива, в который вошли Денис Хоров, Марина Хоркова, Александр Хубеев, Дмитрий Курляндский и Николай Попов. Однако они могут быть удивлены тем, насколько глубоко большинство этих музыкантов похоронили то, что на Западе может считаться национальным стилем романтизма, восходящим к Глинке и Чайковскому.Похоже, что молодые российские композиторы усердно адаптируют для своих целей технику экстремального звучания таких современных мастеров, как Гельмут Лахенманн, подобно своим ровесникам из Нью-Йорка и Западной Европы.

Душевная русская тьма, однако, остается. («Баркарола» Хорова лишь немного намекает на Рахманинова.

About Author


alexxlab

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован.