Классицизм 17 века: Классицизм. Европейский классицизм XVII — XVIII вв. | Архитектура и Проектирование

Классицизм в живописи Франции 17 века

В то время как в других странах Западной Европы господствовало барокко, во Франции большую роль играл классицизм — направление, представители которого обратились к искусству античности и Возрождения.

В начале XVII в. Франция, истощенная гражданскими войнами, вступила в эпоху укрепления абсолютизма. Абсолютная монархия, достигшая своего расцвета при Людовике XIV, стала решающей силой в борьбе с феодализмом и главным двигателем торговли и промышленности. В середине XVII в. Франция являлась едва ли не самой крупной торговой державой.

Относительная стабильность на политической арене и развитие экономики сопровождались подъемом в культурной жизни страны. Значительный шаг на пути прогресса сделала французская наука, в частности физика, математика и философия. Большой успех имело учение Декарта, утверждавшего, что разум — главное средство познания истины. Отсюда идет свойственный французской литературе и изобразительному искусству рационализм, особенно характерный для классицизма.

В первой четверти XVII в. самыми крупными мастерами во Франции были иностранцы (главным образом фламандцы).
Лишь в начале второй четверти XVII столетия Франция выдвинула собственных замечательных представителей изобразительного искусства.

Главой придворного искусства и ведущим представителем французского барокко в первой половине XVII в. был Симон Вуэ. Живописному мастерству Вуэ учился в Италии, поэтому в его живописи прослеживается влияние Караваджо и болонских мастеров. Вернувшись из Италии на родину, Вуэ стал придворным художником. Для своих нарядных и эффектных полотен он использовал мифологические и библейские сюжеты («Геракл среди богов Олимпа», «Мучение св. Евстафия»). Картинам свойственны излишняя усложненность композиции, чрезмерная яркость колорита, идеализированность образов. Полотна и декоративные росписи Вуэ пользовались в то время огромной популярностью. Живописцу подражали многие французские художники, его учениками были такие известные в дальнейшем мастера, как П.

Миньяр, Ш. Лебрен и Э. Лесюер.

Наряду с барочным искусством, процветавшим в столице, французские провинции выдвинули художников, главным методом которых был реализм. Одним из крупнейших реалистов первой половины XVII в. стал Жак Калло, прославившийся как талантливый рисовальщик и гравер. Хотя у него много произведений с религиозной тематикой, основное место в творчестве мастера занимают картины на бытовые сюжеты. Таковы его графические серии «Каприччи», «Горбуны», «Нищие».

Многие французские художники первой половины XVII в. обратились к караваджизму. Среди них Жан Валантен, Жорж де Латур.

Большую роль в развитии реализма в первой половине XVII в. сыграли братья Ленен — Антуан, Луи и Матье. Центральное место в их творчестве занимала жанровая тематика. Старший Антуан писал главным образом групповые портреты и сцены из жизни мелких буржуа и крестьян. Младший Матье начал свой творческий путь с картин, изображающих быт крестьянства. Надолго переживший своих братьев Матье Ленен позднее стал одним из самых популярных портретистов.

Средний брат, Луи Ленен, по праву входит в число самых знаменитых французских живописцев XVII в. Именно он стал основоположником крестьянского жанра во французском искусстве.

Луи Ленен

Родился Луи Ленен в 1593 г. в городе Лане (Пикардия) в семье мелкого буржуа. Вместе с братьями Луи переехал в Париж. Здесь Луи, Антуан и Матье открыли собственную мастерскую. Вероятно, вместе с Матье Луи Ленен посетил Италию. В его ранних работах заметны черты караваджизма. К 1640 г. художник выработал свой собственный, неповторимый стиль.

Многие французские художники XVII в. обращались к крестьянской тематике, но только у Луи Ленена она получает совершенно новую трактовку. Просто и правдиво изображает художник жизнь народа. Его герои, скромные и простые, но полные внутреннего достоинства люди, вызывают чувство глубокого уважения.

Самые лучшие работы Луи Ленена выполнены в 1640-е гг. При первом взгляде персонажи его полотен кажутся не связанными между собой действием. Но на самом деле это далеко не так: их объединяет созвучный душевный настрой и общее восприятие жизни. Невидимые нити связывают членов бедной крестьянской семьи, слушающей играющего на скрипке мальчика на картине «Крестьянская трапеза». Поэтическим чувством отмечена сдержанная и простая «Молитва перед обедом», лишенная сентиментальности, но в то же время трогательная композиция «Посещение бабушки».

К 1640-м гг. относится замечательная картина Луи Ленена «Семейство молочницы». С чувством большой симпатии художник изобразил рано постаревшую от забот молочницу, ее задумавшегося мужа-крестьянина, крепкого, толстощекого сына и хрупкую, болезненную дочь. С замечательным мастерством исполнен пейзаж, на фоне которого представлены фигуры и предметы крестьянского быта. Кажутся удивительно реальными медный бидон за спиной молочницы, деревянная бочка и бадья, стоящие у ног ослика.

Луи Ленен. Семейство молочницы. 1640-е гг.

Шедевром Луи Ленена стала написанная в это же время «Кузница». Если раньше художник изображал крестьян во время отдыха или трапезы, то теперь он обратился к сценам человеческого труда. Картина представляет кузнеца, окруженного членами семьи, за работой. Ощущение движения и яркая выразительность образов создаются быстрым, энергичным мазком, контрастами света и тени.

Умер Луи Ленен в 1648 г. Его реалистичная живопись, лишенная театральности и эффектности барокко, почти на сто лет опередила свою эпоху. Во многом именно благодаря Луи Ленену мировую известность получили и его братья.

Черты реалистического искусства в первой половине XVII в. нашли отражение и в портретной живописи, ярким представителем которой был Филипп де Шампень, фламандец по происхождению. Создатель религиозных композиций и декоративных росписей, Шампень тем не менее прославился как талантливый портретист, создавший реалистичные и строгие портреты кардинала Ришелье и Арно д’Андильи.

Зародившийся в начале XVII в. классицизм становится ведущим направлением уже во второй четверти этого столетия. Художникам-классицистам так же, как и реалистам, близки передовые идеи этой эпохи. В их живописи отразилось ясное мировосприятие и представление о человеке как личности, достойной уважения и восхищения. В то же время классицисты не стремились передать в своих картинах окружающую их реальную действительность. Жизнь представала в их картинах облагороженной, а люди — идеальными и героизированными. Главными темами произведений художников-классицистов стали эпизоды из античной истории, мифологии, а также библейские сюжеты. Большинство живописных приемов заимствовалось из античного искусства. Не приветствовалось все индивидуальное и обыденное: живописцы стремились к созданию обобщенных и типичных образов. Классицизм первой половины XVII в. выражал стремления наиболее просвещенных слоев французского общества, считающих разум высшим критерием всего прекрасного в реальной жизни и в искусстве.

Крупнейшим мастером классицизма в живописи стал Никола Пуссен.

Николя Пуссен

Николя Пуссен родился в 1594 г. в Нормандии в семье военного, выходца из небогатого дворянского рода. Первые уроки живописи Пуссен получил у провинциального мастера Кантена Варена. Обстановка маленького нормандского городка не способствовала развитию способностей начинающего художника, и в начале 1610-х гг. Пуссен тайно от родителей уехал в Париж.

В столице художник получил возможность близко познакомиться с искусством известных итальянских мастеров. Большое впечатление произвели на него работы Рафаэля. В Париже Пуссен познакомился с популярным в то время итальянским поэтом Дж. Марино и исполнил иллюстрации к его поэме «Адонис».

В 1624 г. живописец покинул Францию и уехал в Италию, где поселился в Риме. Здесь Пуссен неустанно трудился: зарисовывал античные статуи, занимался литературой и наукой, изучал труды Леонардо да Винчи и Альбрехта Дюрера.

Хотя в работах Пуссена, выполненных в 1620-х гг., уже появились черты классицизма, многие его произведения этого периода выходят за рамки данного направления. Сниженность образов и излишний драматизм в таких полотнах, как «Мученичество св. Эразма» и «Избиение младенцев», сближают живопись Пуссена с караваджизмом и искусством барокко. Даже в более поздней картине «Снятие с креста» (ок. 1630) еще заметна острая экспрессивность в изображении человеческой скорби.

Значительную роль в живописи Пуссена-классициста играет рациональное начало, поэтому в его полотнах видны ясная логика и четкая идея. Эти качества свойственны его картине «Смерть Германика» (1626-1627). Черты классицизма выразились уже в выборе главного персонажа — мужественного и смелого полководца, отравленного подлым и завистливым римским императором Тиберием.

Во второй половине 1620-х гг. Пуссен увлекся творчеством Тициана, чье искусство оказало большое влияние на французского мастера и помогло его дарованию раскрыться в полной мере.

В этот период Пуссен создает картину «Ринальдо и Армида» (1625-1627), навеянную поэмой Т. Тассо «Освобожденный Иерусалим». Средневековую легенду о рыцаре-крестоносце Ринальдо, увезенном волшебницей Армидой в свои чудесные сады, живописец представил как сюжет из античного мифа: кони Армиды, везущие колесницу, напоминают коней греческого бога солнца Гелиоса.

Позднее этот мотив не раз будет встречаться в произведениях Пуссена.

Следуя идеалам классицизма, Пуссен показывает героев, живущих в полном согласии с природой. Таковы его сатиры, амуры и нимфы, чья веселая и счастливая жизнь протекает в полной гармонии с величественной и прекрасной природой («Аполлон и Дафна», «Вакханалия», «Царство Флоры» — все 1620-1630-е).

Одной из самых лучших работ живописца стала картина «Спящая Венера». Как и в произведениях великих мастеров итальянского Возрождения, Венера Пуссена, окруженная восхитительной природой, полна юной силы. Кажется, что эта стройная богиня, погруженная в безмятежный сон, — просто прекрасная девушка, как видно выхваченная мастером из обыденной жизни.

Из поэмы Тассо взят сюжет картины «Танкред и Эрминия».

Пуссен изобразил раненого Танкреда, распростертого на бесплодной каменистой земле. Героя поддерживает его друг Вафрин.

Эрминия, сошедшая с коня, устремляется к возлюбленному, что- бы перевязать ему раны прядью своих длинных волос, отсеченной острым мечом. Эмоциональную приподнятость картине придает звучный колорит картины, особенно цветовые контрасты серо-стальных и насыщенных синих оттенков одежды Эрминии; драматизм ситуации подчеркивает пейзаж, озаренный ярким отблеском уходящего солнца.

Со временем произведения Пуссена становятся менее эмоциональными и драматичными, чувство и разум в них
уравновешиваются. Примером могут служить два варианта картины «Аркадские пастухи». В первом, исполненном между 1632 и 1635 гг., художник запечатлел пастухов, жителей счастливой страны Аркадии, внезапно обнаруживших среди густых зарослей гробницу, на которой можно разобрать надпись : «И я был в Аркадии». Эта надпись на могильной плите повергла пастухов в глубокое смятение и заставила задуматься о неотвратимости смерти.

Николя Пуссен. Царство Флоры. Ок. 1635 г.

Николя Пуссен. Танкред и Эрминия. 1630-е гг.

Менее эмоционален и драматичен второй вариант «Аркадских пастухов», написанный в начале 1650-х гг. Лица пастухов также омрачены печалью, но они более спокойны. Воспринимать смерть по-философски, как неизбежную закономерность, призывает их прекрасная женщина, олицетворяющая стоическую мудрость.

В конце 1630-х гг. слава Пуссена выходит за пределы Италии и достигает Парижа. Художника приглашают во Францию, но он пытается отложить поездку. И лишь личное письмо Людовика XIII заставляет его собраться в дорогу.

Осенью 1640 г. Пуссен вернулся в Париж, но эта поездка не принесла ему радости. Придворные художники во главе с С. Вуэ оказали Пуссену неласковый прием. «Эти животные», как называл их художник в своих письмах, окружили его сетью своих интриг. Задыхаясь в душной атмосфере придворной жизни, Пуссен вынашивает план бегства. В 1642 г. под предлогом болезни жены художник возвращается в Италию.

Парижская живопись Пуссена носит явные барочные черты. Работы этого периода отличаются холодной официальностью и театральной эффектностью («Время спасает Истину от Зависти и Раздора», 1642; «Чудо св. Франциска Ксаверия», 1642). И в более поздних своих работах Пуссен уже не поднялся до прежней выразительности и жизненности образов. В этих произведениях рационализм и отвлеченная идея взяли верх над чувством («Великодушие Сципиона», 1643).

В конце 1640-х гг. Пуссен пишет главным образом пейзажи. Теперь его привлекает не человек, а природа, в которой он видит воплощение истинной гармонии жизни. Художник внимательно изучает ландшафты в окрестностях Рима и делает зарисовки с натуры. Позднее по этим живым и свежим рисункам он пишет т. н. героические пейзажи, получившие широкое распространение в живописи XVII в. Скалистые громады, большие деревья с пыш¬ыми кронами, прозрачные озера и ручьи, протекающие среди камней, — все в этих ландшафтах Пуссена подчеркивает торжественное величие и совершенную красоту природы («Пейзаж с Геркулесом и Какусом», 1649; «Пейзаж с Полифемом», 1649).

В последние годы жизни в произведениях Пуссена все громче начинают звучать трагические ноты. Это особенно заметно в его картине «Зима» из цикла «Четыре времени года» (1660-1664). Другое название полотна — «Потоп». Художник изобразил страшную картину гибели всего живого: вода заливает землю, не оставляя человечеству шансов на спасение; в черном небе сверкают молнии; весь мир кажется застывшим и неподвижным, как будто погруженным в глубокое отчаяние.

«Зима» стала последней картиной Пуссена. В ноябре 1665 г. художник умер. К искусству замечательного французского мастера не раз обращались живописцы XVIII, XIX и XX вв.

Крупнейшим художником-классицистом, наряду с Пуссеном, был Клод Лоррен, работавший в пейзажном жанре.

Клод Лоррен

Клод Желле родился в 1600 г. в Лотарингии в семье крестьянина. Свое прозвище — Лоррен — он получил по месту рождения (Лотарингия по-французски Lorraine). Рано оставшийся без родителей, мальчик уехал в Италию, где работал слугой у художника А. Тасси. Вскоре Лоррен стал его учеником.

В начале 1630-х гг. Лоррен — довольно известный живописец. Он выполняет заказные работы, пишет картины для Папы Урбана VIII и кардинала Бентивольо. Почти всю свою жизнь художник провел в Риме, но был знаменит не только в Италии, но и на своей родине — во Франции.

Лоррен стал основоположником классицистического пейзажа. Хотя в Италии пейзажи появлялись в творчестве таких художников, как Доменикино и Аннибале Карраччи, именно Лоррен сделал пейзаж самостоятельным жанром.

Очаровательные итальянские ландшафты в произведениях Лоррена превращались в идеальный, классический образ природы. В отличие от героических пуссеновских пейзажей, картины Лоррена глубоко лиричны и пронизаны чувством личного переживания автора. Излюбленными мотивами его живописи были морские гавани, далекие горизонты, озаренные рассветом или погруженные в сумерки, бурные водопады, таинственные ущелья и мрачные башни на высоких скалистых берегах.

Ранние пейзажи Лоррена выполнены в коричневатой цветовой гамме, они несколько перегружены архитектурными элементами («Кампо Ваччино», 1635) .

Самые лучшие произведения Лоррена, уже зрелого художника, созданы в 1650-е гг. В 1655 г. живописец исполнил свою замечательную картину «Похищение Европы», изображающую чудесный морской залив, на берегу которого растут деревья. Ощущение тишины и покоя пронизывает природу, и даже мифологические образы девушки Европы и Зевса, превратившегося в быка, не выпадают из общего настроя картины. Человеческие фигуры в пейзажах Лоррена не играют большой роли, художник не писал их сам, поручая эту работу другим мастерам. Но люди в его картинах не выглядят лишними, они кажутся маленькой частичкой прекрасного мира. Это свойственно и известному полотну «Ацис и Галатея» (1657).

Со временем пейзажи Лоррена становятся более эмоциональными и выразительными. Художника привлекают изменчивые состояния природы, он пишет ландшафты в различное время суток. Главными изобразительными средствами в его живописи становятся цвет и свет. В 1660-х гг. Лоррен создает удивительно поэтичные полотна «Утро», «Полдень», «Вечер» и «Ночь».

Лоррен известен и как талантливый рисовальщик и гравер. Замечательны его рисунки, выполненные с натуры, — в этих свежих и живых набросках чувствуется тонкая наблюдательность художника и его умение с помощью простых средств передать красоту окружающего мира. С большим мастерством исполнены офорты Лоррена, в которых так же, как и в живописных работах, художник стремится передать эффекты света.

Клод Лоррен. Похищение Европы. 1655 г.

Лоррен прожил долгую жизнь — он умер в 1682 г. в возрасте 82 лет. Его искусство вплоть до XIX в. оставалось образцом для подражания в кругу итальянских и французских пейзажистов.

Восемнадцатый век стал последним этапом эпохи перехода от феодализма к капитализму. Хотя в большинстве западноевропейских стран сохранялся старый порядок, в Англии постепенно зарождалась машинная индустрия, а во Франции бурное развитие экономических и классовых противоречий подготавливало почву для буржуазной революции. Несмотря на неравномерное развитие экономической и культурной жизни в разных странах Европы, это столетие стало эпохой разума и просвещения, веком философов, экономистов, социологов.

Художественные школы некоторых западноевропейских стран переживают небывалый расцвет. Ведущее место в этом столетии принадлежит искусству Франции и Англии. В то же время Голландия и Фландрия, пережившие необыкновенный подъем художественной культуры в XVII в., отодвигаются на задний план. Испанское искусство также охвачено кризисными явлениями, его возрождение начнется лишь в конце XVIII в.

Классицизм XVII века. Литература 8 класс. Учебник-хрестоматия для школ с углубленным изучением литературы

Классицизм XVII века

Я уже говорил вам, что классицизм был продуктивным методом, образовавшим целую художественную систему. Кризис гуманизма заставил сторонников этого метода пересмотреть некоторые взгляды, но не отказаться от самого метода. Метод продолжал существовать, хотя ренессансный классицизм как литературное направление и прекратил свое существование с творчеством последних гуманистов.

Классицисты XVII века продолжали верить в возможность разумного постижения вечных законов природы и применения этих законов к общественной жизни. Ошибку гуманистов они видели в недостаточной последовательности применения рационалистических принципов постижения действительности. Отсюда большая нормативность классицизма XVII века: искусство должно подвергнуть природу тщательному анализу, чтобы выяснить причины и сущность вещей и явлений. И здесь нет места фантазии или художественному произволу. Писатель все должен подвергать суду разума.

Любите мысль в стихах, пусть будут ей одной

Они обязаны и блеском, и ценой —

так заявлял Никола Буало, один из самых авторитетных теоретиков нового направления, считавший, что даже лирическая поэзия не может быть свободной от господства мысли.

Первой, если не основной, задачей искусства классицисты XVII века считали воспитание человека в духе благородства и добродетели. Французский драматург Ж. Расин (автор трагедий «Федра», «Андромаха») говорил: «Страсти изображаются с единственной целью показать, какой они порождают хаос, а порок рисуется красками, которые позволяют тотчас распознать и возненавидеть его уродство. Собственно, это и есть та цель, которую должен перед собою ставить каждый, кто творит для театра».

Те же дидактические цели определяли и стремление авторов изгнать из произведения искусства все, что могло показаться безобразным или вульгарным. Дурные примеры, по их мнению, наиболее опасны, если их преподает искусство. Вот почему Буало предупреждал:

Чуждайтесь низкого: оно всегда уродство,

В простейшем стиле все должно быть благородство.

Но это не означает, что художник или поэт должен изображать только возвышенные предметы. Сама поэзия не должна быть вульгарной, поэт должен ненавидеть порок и изображать его так, чтобы вызвать к нему столь же сильную ненависть у читателя. Такое изображение низменного будет вызывать восхищение. Вот почему Буало оговаривается:

В искусстве воплотясь, и чудище и гад

Нам все же радуют настороженный взгляд:

Нам кисть художника являет превращенье

Предметов мерзостных в предметы восхищенья.

Вместе с искусством классицизма в литературе зазвучали темы высокой гражданственности. Требовалось воспитать не абстрактного человека, а сознательного члена общества, разумного и непреклонного, подчиняющего свои страсти чувству долга перед своим государством и другими людьми. Для того чтобы преимущества такого «разумного человека» проявлялись нагляднее, классицисты использовали приемы идеализации и персонификации.

Показывая преимущества и недостатки человеческих качеств, писатели-классицисты стремились заставить читателя заниматься самовоспитанием, критически взглянуть на себя, чтобы быть достойным продолжателем деяний героев высоких классицистских произведений и не уподобиться тем сатирическим персонажам, которые вызывали при чтении лишь смех и презрение. Воспитательными целями объяснялось и стремление классицистов к созданию «чистых» характеров и «чистых» жанров. Одна черта должна была определять характер человека для того, чтобы отношение к нему было однозначным. Ведь если персонаж сочетает в себе низость и благородство, читатель может оправдать его дурные поступки во имя добрых дел, а под воздействием его примера позволить и себе отступить от добродетели.

Не менее важной, по мнению классицистов, была и последовательность воспитательного воздействия. Нельзя попеременно заставлять читателя или зрителя то плакать, то смеяться над одним и тем же произведением, – это мешает человеку глубоко почувствовать и проанализировать причины смеха и слез. Поэтому все жанры делились на высокие и низкие. Высокие жанры давали примеры благородства, добродетели, изображенные в них пороки вызывали не смех, а ужас или возмущение и были связаны с трагическими заблуждениями героев. Высокими жанрами считались трагедия, ода, трактат. Низкие жанры призваны были бичевать пороки, вызывать презрение и ненависть к отрицательным качествам. Низкими жанрами считались комедия, сатира, басня, эпиграмма.

Соответствовать жанру должен был и стиль произведения. Нельзя повествовать о гибели добродетельного человека, пересыпая речь площадными шутками, но нельзя и в патетическом тоне рассказывать о трусливом хвастуне. Высоким жанрам должен соответствовать высокий стиль, из которого изгонялись просторечия, шутки и грубые выражения. Низким жанрам соответствовал низкий стиль, основанный на разговорном языке.

Стремясь к разделению высоких и низких жанров, классицисты в то же время понимали, что с помощью одних только крайностей нельзя показать все многообразие жизни. Поэтому они признавали (хотя и с известными оговорками) существование средних жанров, в которых допускалось смешение трагического и комического, благородного и низкого. К таким жанрам относились трагикомедия, послание, аллегория.

Строгое разделение жанров и стилей было вызвано к жизни не только воспитательными, но и эстетическими соображениями. Классицисты, основываясь на теории подражания и требуя создания «правильных», гармонических произведений, хотели избавить искусство от ремесленников и дилетантов. Они высоко ценили подлинный талант и своеобразие творчества настоящих художников. Н. Буало подчеркивал:

Природа щедрая талантами цветет,

Но каждому певцу особый дар дает.

Борьбе за установление господства подлинного искусства в театре были посвящены и общеизвестные три единства, обязательные для классицистской драмы: единство места, единство времени и единство действия.

Причем все эти классицистские правила были не изобретением теоретиков, навязываемым писателям, но рождались в недрах художественного творчества наиболее крупных художников-классицистов и были направлены против дурного вкуса в искусстве, против пустой развлекательности.

Классицисты считали, что правила не могут помешать подлинно талантливому писателю создать значительное произведение. Но они станут препятствием для тех, кто с помощью внешних эффектов вызывает минутный восторг публики, развращая ее вкус и не прививая благородных качеств.

В целом классицизм был чрезвычайно важным и плодотворным литературным направлением, способствовавшим дальнейшему развитию литературы и усилению в ней мотивов гражданственности и героизма. Классицизм также в немалой степени способствовал воздействию литературы на публику, через сатиру расширяя борьбу с человеческими пороками. Не поднимаясь еще до критики социальных основ феодально-буржуазного строя, классицизм XVII века тем не менее выразил свое негативное, критическое отношение к современности, сосредоточившись в основном на этических нормах личности.

А теперь попытайтесь самостоятельно составить таблицу, в которой покажите общие черты классицизма Возрождения и классицизма XVII века, а также различия этих двух литературных направлений.

Данный текст является ознакомительным фрагментом.

Продолжение на ЛитРес

Классицизм в архитектуре Франции XVII века • Архитектура

В XVII веке во Франции установилась особая форма государственного устройства, названная позднее абсолютизмом. Знаменитое сакраментальное заявление короля Людовика XIV (1643 – 1715) “ Государство — это я” имело под собой весомое основание: преданность монарху считалась верхом патриотизма. Королевской власти подчинялась и религиозная жизнь страны. Католическая Церковь Франции стремилась быть независимой от Папы Римского и во многих вопросах действовала самостоятельно.

В это же время сложилось новое философское направление – рационализм (от лат. rationalis — “разумный” ), которое признавало основой познания разум человека. Способность человека мыслить, по мнению философов, возвышала его, превращала в подлинное подобие Божие. На основе этих представлений сформировался новый стиль в искусстве — классицизм. Это название (от лат. classius — “образцовый”) можно буквально перевести как “основанный на классике”, т. е. произведениях искусства, которые признаны образцами совершенства, идеалом — как художественным, так и нравственным. Творцы этого стиля полагали, что красота существует объективно и ее законы можно постигнуть с помощью разума. Конечная же цель искусства — преобразование мира и человека согласно этим законам и воплощение идеала в реальной жизни.

Вся система художественного образования классицизма строилась на изучении античности и искусства Возрождения. Процесс творчества состоял прежде всего в соблюдении правил, установленных при изучении древних памятников, а достойными воплощения в произведениях искусства считались сюжеты из античной мифологии и истории.

XVII век — время формирования единого французского государства, французской нации. Во второй половине века Франция — самая богатая и могущественная абсолютистская держава в Западной Европе. Это и время сложения французской национальной школы в изобразительном искусстве, формирования классицистического направления, родиной которого по праву считается Франция.

Французское искусство XVII века имеет в своей основе традиции французского Возрождения. Живопись и графика Фуке и Клуэ, скульптуры Гужона и Пилона, замки времени Франциска I, дворец Фонтенбло и Лувр, поэзия Ронсара и проза Рабле, философские опыты Монтеня — на всем этом лежит печать классицистического понимания формы, строгой логики, рационализма, развитого чувства изящного, — т. е. того, чему суждено в полной мере воплотиться в XVII веке в философии Декарта, в драматургии Корнеля и Расина.

В литературе становление классицизма связано с именем Пьера Корнеля, великого поэта и создателя французского театра. В 1635 г. в Париже организуется Академия литературы и классическое направление становится официальным, господствующим литературным течением, признанным при дворе.
В сфере изобразительного искусства процесс формирования классицизма не был таким единым. В зодчестве первом намечаются черты нового стиля, хотя они и не складываются окончательно. В Люксембургском дворце, построенном для вдовы Генриха IV, регентши Марии Медичи (1615 – 1621), Саломоном де Брюсом, многое взято от готики и Ренессанса, однако, фасад уже членится ордером, что будет характерно для классицизма. Дворец Мэзон-Лаффит, творение Франсуа Мансара (1642 – 1650), при всей сложности объемов являет собой единое целое, ясную, тяготеющую к классицистическим нормам конструкцию.

В живописи обстановка была сложнее, ибо здесь переплелись влияния маньеризма, фламандского и итальянского барокко. На французскую живопись первой половины века имели влияние и караваджизм, и реалистическое искусство Голландии. Классицизм возник на гребне общественного подъема французской нации и французского государства. Основой теории классицизма был рационализм, опирающийся на философию Декарта, предметом искусства классицизма провозглашалось только прекрасное и возвышенное, этическим и эстетическим идеалом служила античность.
Но классицизм не был единственным течением в искусстве того времени. Параллельно ему формировались и развивались еще по крайней мере два направления — придворное и демократическое.

Придворное возглавил Симон Вуэ (1590 – 1649). Обладая широтой кругозора, хорошо зная итальянское искусство, Вуэ получил звание “первого живописца короля”. Создавшееся в 30-х годах XVII века официальное придворное искусство отгораживалось от своего индивидуального и оригинального, от свего интимного, выражающего заветные мысли и чувства человека.

Типичными представителями демократического, или реалистического, направления были художники Луи Ленен, Жорж де Латур, график Жак Калло. Их искусство, по сути, было противоположным придворному. Работы пронизаны любовью к Франции и французам, звучат как настойчивое утверждение прав и достоинства простых людей.

Версаль — шедевр классицизма

В первой половине XVII века столица Франции постепенно превратилась из города – крепости в город – резиденцию. Облик Парижа теперь определяли не крепостные стены и замки, а дворцы, парки, регулярная система улиц и площадей.
В архитектуре переход от замка к дворцу можно проследить, сравнив две постройки. Люксембургский дворец в Париже (1615 – 1621), все корпуса которого расположены по периметру большого внутреннего двора, своими мощными формами еще напоминает отгороженный от внешнего мира замок. Во дворце Мезон – Лаффит под Парижем (1642 – 1650) уже нет замкнутого внутреннего двора, здание в плане имеет П – образную форму, что делает его облик более открытым (хотя он и окружен рвом с водой). Это явление в архитектуре получило поддержку государства: королевский указ 1629 года запретил возводить военные укрепления в замках.

Вокруг дворца архитектор теперь обязательно устраивал парк, в котором царил жесткий порядок: зеленые насаждения были аккуратно подстрижены, аллеи пересекались под прямым углом, цветники образовывали правильные геометрические фигуры. Такой парк получил название регулярного или французского.
Вершиной развития нового направления в архитектуре стал Версаль – грандиозная парадная резиденция французских королей недалеко от Парижа.
Вначале там появился королевский охотничий замок (1624). Основное же строительство развернулось при Людовике XIV в конце 60- х годов. Но к Версалю мы вернемся чуть позже.

Строительство во Франции, значительно сократившееся при Генрихе III в период религиозных войн, вновь активизировалось при Генрихе IV. В культовом зодчестве иезуиты насаждали стиль Контрреформации, но, несмотря на это, Франция не отрешилась от своих национальных традиций, и уже в эпоху правления Людовика XIII попытка полной “романизации” церковной архитектуры потерпела неудачу.
Во времена Генриха IV преобладающую роль играла светская архитектура, большое внимание уделялось планировке гордской среды, и в результате Париж украсили две площади — Вогезов и Дофина. В архитектуре этого времени преобладал маньеризм – тяжеловесная пышность, богато украшенные интерьеры, декоративные расписанные и золоченые панели.

Могло показаться, что этот стиль со временем перерастет в барокко и архитектура Франции пойдет по пути, проложенному Италией.
Однако в 1635 – 1640 годы возобладала иная тенденция: во Франции начинают складываться основы классицизма, определившие направления е дальнейшего развития вплоть до конца XVIII столетия.

Уже в творчестве Жака Лемерсье (1580 – 1654), принявшего участие в дальнейшем строительстве Лувра и капеллы в Сорбонне, архитектурные формы освобождаются от сложности маньеризма, а использование ордера приобретает сложную логику. Однако элементы настоящего французского классицизма впервые появились у Франсуа Мансара (1598 – 1666) при строительстве Орлеанского крыла замка Блуа (1635). Каменный фасад этого здания членит трехярусный ордер, пропорции которого гармонично сочетаются с островерхими крышами и тонкими трубами дымоходов, характерным декоративным элементом, ставшим традиционным во Франции еще в эпоху Ренессанса. Этот тип здания Мансар усовершенствовал при строительстве уже упомянутого выше дворца
Мезон – Лаффит (1642 – 1650); здесь классические пристрастия архитектора с особой яркостью проявились в декоре интерьера, где вместо традиционных панелей, окаймленных золотом, главным украшением стены служит исключительно строгая система каменных членений. Само здание развернуто по горизонтали, оно не имеет внутренних дворов.

Интерьеры Версальского дворца

Когда король принял решение о переезде двора и правительства в Версаль, он поручил строительство дворца (1661), должного по его замыслу, затмить своим великолепием все королевские резиденции Европы, Лево, Лебрену и Ленотру (эта команда мастеров создала дворец Во-ле-Виконт для Никола Фуке). Архитектура дворца, строившегося с перерывами на протяжении многих лет, расширявшегося и подвергавшегося изменениям, сама по себе не представляет что-либо необычное. Не совсем удачные пропорции Лево улучшил Жюль Ардуэн-Мансар (1646 – 1708).

С особой яркостью чистота классических форм его архитектурного языка проявилась в здании Большого Трианона или в Мраморном Трианоне, меньшем по размеру увеселительном дворце, построенном неподалеку от главного здания. а также в соборе Дома инвалидов (1679), где этот архитектор гармонично горизонтальные членения ордерной системы введением традиционных вертикальных акцентов. В оформлении интерьеров Версальского дворца – Больших покоях и Зеркальной галереи – Ж. Ардуэн-Мансар и Лебрен, отказавшись от традиционных панелей с золочеными углами в духе Людовика XIII, обратились к роскошному убранству в итальянском стиле с использованием многоцветного мрамора, золоченой бронзы и живописи.

Интерьеры Версальского дворца

Ж. Ардуэн-Мансар оформил все постройки в едином стиле. Фасады корпусов были поделены на три яруса. Нижний по образцу итальянского дворца-палаццо эпохи Возрождения отделан рустом. средний – самый крупный – заполнен высокими арочными окнами, между которых расположены колонны и пилястры. Верхний ярус укорочен, завершается он балюстрадой (ограждением, состоящим из ряда фигурных столбиков, соединенных перилами) и скульптурными группами, которые создают ощущение пышного убранства, хотя все фасады имеют строгий вид. Интерьеры дворца отличаются от фасадов роскошью отделки.

Версальский парк

Огромное значение в дворцовом ансамбле принадлежит парку, спроектированному Андре Ленотром. Он отказался от искусственных водопадов и каскадов в стиле барокко, символизировавших стихийное начало в природе. Бассейны Ленотра четкой геометрической формы с зеркально гладкой поверхностью. Каждая крупная аллея завершается водоемом: главная лестница от террасы Большого дворца ведет к фонтану Латоны; в конце королевской аллеи располагаются фонтан Аполлона и канал. Парк ориентирован по оси “запад – восток”, поэтому, когда восходит солнце и его лучи отражаются в воде, возникает удивительно красивая и живописная игра света. Планировка парка связана с архитектурой – аллеи воспринимаются как продолжение залов дворца.
Главная идея парка – создать особый мир, где все подчинено строгим законам. Не случайно многие считают Версаль блестящим выражением французского национального характера, в котором за внешней легкостью скрывается холодный рассудок, воля и целеустремленность.

Литература и искусство в XVII веке достигли бесспорных высот благодаря подъему, который переживали прогрессивные общественные силы страны в связи с ее экономическим и социальным развитием.
Несмотря на обострение внутренних противоречий в стране в это время, несмотря на войны, восстания и бунты, данный период является выдающимся в развитии французской культуры.

Абсолютная монархия стремилась подчинить идеологическому контролю всю культурную жизнь страны. В искусстве для короля главенствовала идея прославления его власти, на нее не жалели ни средств, ни сил.
К украшению Версаля были привлечены виднейшие французские архитекторы, художники и скульпторы, садоводы и мебельщики. В его сооружении участвовали лучшие инженеры и техники, тысячи рабочих и ремесленников. Возведение и содержание Версаля, ставшего символом величия абсолютизма, требовали огромных затрат, но власть предержащие шли на любые расходы, понимая идейную направленность подобных сооружений.

Постепенно классицизм – стиль, обращенный к высшим духовным идеалам, — стал провозглашать идеалы политические, а искусство из средства нравственного воспитания превратилось в средство идеологической пропаганды. Хотя, наверное, этого не избежала ни одна эпоха…
Но мы бесконечно благодарны этим известным и неизвестным художникам, скульпторам, архитекторам, которые создали эту красоту, воплотили ее в камне, ведь именно благодаря им мы можем восхищаться ею, понимать ее. Этот стиль ушел, как ушли его творцы, как ушла эпоха короля-солнца, но мы помним о них, ведь никогда потом не создавалось более прекрасных зданий, парков, чем эти! Как же далеко архитектуре нашего времени до них!

Художественная культура 17 века.

Искусство классицизма Цель урока:
дать
характеристику
классицизма
искусства
План урока:
1. Общая характеристика искусства
классицизма.
2. Версаль – ярчайший образец «большого
королевского стиля».
3. Классицизм в изобразительном
искусстве Франции.
1. Общая характеристика искусства
классицизма.
Классицизм (лат. сlassicus – образцовый) – художественный
стиль и направление в искусстве Европы XVII – XIX веков.
основа — идеи рационализма, главная цель которых
просвещать публику на основе некого идеала, образца
образец — культура античного мира
правила, каноны классицизма имели первостепенное
значение; их должны были соблюдать все деятели
искусства, творящие в рамках этого направления и стиля.
История возникновения.
Классицизм, как стиль, сменил пышный и помпезный
стиль рококо. Идеи просвещения (к. XVIIв.), нашли отображение в культуре и искусстве. Внимание мастеров
привлекли строгость, простота, чёткость и лаконичность
античной культуры (древнегреческой). Искусство античности,
архитектура
стали
предметом
подражания
и
заимствования. Открытие в 1755 году Помпеи, раскопки в
Геркулануме, изучение архитектуры юга Италии
повысили интерес к античности.
Новый стиль — классицизм — унаследовал, возродил и
трансформировал идеи античности, а также развил
архитектурный стиль эпохи Возрождения.
Хронология классицизма:
Ранний классицизм (1760-е – начало 1780-х)
Строгий классицизм (1780-е – 1790-е)
Поздний классицизм — ампир (первые 30 лет XIX в.)
Триумфальная арка в
Париже – один из
первых образцов
архитектурного ампира
Характерные черты классицистической архитектуры:
конструкции: устойчивые, массивные, прямоугольной и
арочной формы; чётко спланированы, строго симметричны
формы: чёткая геометричность, объёмность и монументальность; статуи, колонны, ниши, ротонды, полусферы, фронтоны,
фризы
линии: строгие; регулярная система планировки; барельефы, медальоны, плавный рисунок
материалы: камень, кирпич, древесина, лепнина
крыша: сложная, замысловатая форма
Крыша дворца в
Версале
колористика:
насыщенные белый, зелёный, розовый,
пурпурный, небесно-голубой, золотой
характерные элементы: сдержанный декор, колонны,
пилястры, античный орнамент, мраморная лестница, балконы
окна: полукруглые, прямоугольные, удлинённые вверх,
скромно оформленные
двери: прямоугольные, часто украшены статуями (льва,
сфинкса)
декор: резьба, позолота, бронза, перламутр, инкрустация
Дворец Мезон – Лафит.
Архитектор Никола
Франсуа Мансар.
1642–1651 гг.
Характерные черты интерьера — благородство,
сдержанность и гармоничность:
все предметы интерьера не выглядят как музейные
экспонаты, а подчёркивают тонкий художественный вкус и
респектабельность хозяина
помещения правильной формы, наполнены атмосферой
благородства, уюта, тепла, изысканной роскоши; не
перегружены деталями
Интерьер в
стиле ампир
потолки: светлые, высокие, многоуровневые, с лепниной
стены: декорированы тканями, светлые, возможны пилястры
и колонны, лепнина или роспись
освещение: позолоченные люстры из хрусталя или дорогого
стекла
обязательные атрибуты: зеркала, камины, невысокие
кресла, низкие чайные столики, светлые ковры, картины с античными сюжетами, книги, массивные, стилизованные под античность напольные вазы,
треножные подставки для
цветов
Гостиная в стиле
классицизма
Мебель:
добротная, респектабельная из дорогих материалов
фактура дерева — декоративный элемент
декорирована резьбой, позолотой, инкрустацией, драгоценными камнями и металлами
форма простая: строгие линии, чёткие пропорции
важнейший атрибут — секретер с кубическим корпусом на
высоких ножках
столы и стулья — с изящными резными ножками
посуда — фарфоровая, тонкая, почти прозрачная, с
рисунком, позолотой
Секретер
стиля ампир
2. Версаль – ярчайший образец
«большого королевского стиля».
классицизм использовал
архитектуры в конструкции:
закономерности
античной
ордер со строгой симметрией, пропорциональностью, регулярной планировкой и чёткостью объёмной формы
полная противоположность вычурности барокко с декоративными излишествами
неукреплённые дворцы, садово-парковые ансамбли основа французского сада — выпрямленные аллеи,
подстриженные газоны, деревья в форме конусов и шаров
типичные детали – акцентированные лестницы, классический античный декор, купол в общественных зданиях.
Идея создания дворцового
ансамбля Версаля принадлежала Людовику XIV — «КоролюСолнце». Правитель отождествлял Версальский дворец с
символом
власти,
самой
могущественной и нерушимой.
Только король мог олицетворять
собой полное изобилие, поэтому
роскошь и богатство чувствуются
во всех деталях дворца. Его
основной фасад раскинулся на
640 метров, а парк занимает
более ста гектаров.
«Король – Солнце»
Изначально с 1623г. на месте Версаля был небольшой
феодальный замок – охотничий домик коронованных особ.
Луи Лево,
архитектор
Причины переноса королевской
резиденции в Версаль:
неприятные воспоминания короля о
резиденции в Париже в связи с
восстанием Фронды в момент его
коронации
желание создать дворец, превосходящий красотой все существовавшие
замки, чтобы никто в стране не
усомнился в богатстве короля
на роль архитектора был приглашен
Луи Лево, зарекомендовавший себя
при выполнении других масштабных
проектов.
Шарль Лебрен,
архитектор
Жюль Ардуэн — Мансар,
архитектор
Андре Ленотр,
архитектор,
создатель
парка Версаля
В течение всей жизни Людовика XIV велись работы над
дворцовым ансамблем. Главным достоянием Версальского
дворца этого этапа строительства считается Зеркальная галерея,
в которой картины чередуются с сотнями зеркал, а также Галерея
битв и Большой Трианон, была возведена часовня.
1-Большой Версальский дворец
2- Парковый комплекс,
3- Большой Трианон
4- Малый Трианон
5- Деревня Марии-Антуанетты
Ферма Марии Антуанетты
Задание: проанализировать материал учебника стр. 9095 1 абз, заполнить таблицу
«Воплощение образа
«короля-солнце»
в
дворцово-парковом
комплексе
Версаля».
Вопросы
Особенности
характеристики
Особенности планировки дворцового комплекса
«Садовый
быт
классицизма»
Отражение образа
«короля – солнце»
в
версальском
комплексе
3. Классицизм в изобразительном
искусстве Франции.
в живописи классицизм характеризуется сдержанностью и строгостью
основные элементы формы – линия и светотень
локальный цвет подчёркивает пластику предметов и
фигур, разделяет пространственный план картины.
Жан Рау. Обоняние (из серии
пяти чувств). 1720-е гг.
Однако
создателем
и
крупнейшим
представителем
классицизма во французской
живописи был Никола Пуссен.
Сюжеты для своих полотен он
черпал из античной мифологии, библии, из произведений
поэтов
Возрождения.
Они
служат художнику поводом для
выражения
высоких
идей
гуманизма. Пуссен стремится
показать в своих картинах
значительность
человека,
мужественного и прекрасного,
величие его благородных и
героических поступков.
Наиболее значительные произведения Никола
Пуссена, которым присущи все черты классицизма.
Ринальдо и Армида. 1625 – 1627гг.
Танкред и Эрминия. 1625 – 1627гг.
Смерть Германика.
Царство Флоры. Ок. 1630г.
Вакханалия. 1636г.
Крупнейший мастер XVII в. –
Клод Лоррен, известный
своими
«идеальными
пейзажами».
Клод Лоррен.
Неизвестный худ.
Отплытие царицы Савской. 1648г.
К.Лоррен
Морская гавань при заходе солнца.
К.Лоррен
Пейзаж с поклонением золотому тельцу.
К.Лоррен
Гражданский пафос и
лиричность объединились
в «декоративных пейзажах»
французского
живописца
Жака
Луи
Давида (XVIII в. ).
Ж.Луи Давид.
Автопортрет.
Ж.Луи Давид. Клятва Горациев.
Ж.Луи Давид. Сабинянки, останавливающие битву. 1799г.
Домашнее задание:
§ 14 .
Презентация-исследование:
«Версаль и интересные эпизоды
истории».

Конспект урока по мировой художественной культуре для 10 класса. Тема: «Классицизм во Франции XVII века. Глава классицистической живописи Н. Пуссен»

Конспект урока по теме «Классицизм во Франции XVII века. Глава классицистической живописи Н. Пуссен.»

Тема урока: «Классицизм во Франции XVII века. Глава классицистической живописи Н. Пуссен».

Цель урока: сформировать у учеников представление о стиле классицизма, его идеалах и канонах.

Задачи:

  1. образовательные:

а) сформировать у учеников представление об историко-культурных особенностях Нового времени;

б) сформировать у учеников представление о стиле классицизма на примере знакомства с шедеврами Н. Пуссена;

в) продолжить формирование навыков самостоятельной работы с альбомами, репродукциями;

2. развивающие:

а) развивать у учеников познавательный интерес к изучаемой теме;

б) развивать основы творческой деятельности в процессе анализа художественных образов, выразительных средств живописи;

в) развивать навыки самостоятельной работы с репродукциями, учебной литературой, справочниками;

г) развивать логическое и критическое мышление при анализе шедевров классицистической живописи;

3. воспитательные:

а) формировать коммуникативные навыки;

б) выявлять и формировать личностное отношение к изучаемой теме, извлекать нравственные ценности из содержания;

в) способствовать формированию нравственных убеждений (долг, Отечество, герой, нравственные, идеалы, разумность поступков).

Вид занятия: урок.

Тип: изучение нового материала и первичное закрепление новых знаний.

Методы обучения: репродуктивные, проблемно-поисковые, информационно-развивающие, творчески-воспроизводящие.

Формы организации познавательной деятельности: индивидуальная, групповая, фронтальная.

Средства обучения: учебно-наглядные (альбомы, репродукции), учебно-методические (учебники, справочники), технические средства обучения (классная доска, экспозиция репродукций в кабинете).

Основные понятия и термины занятия: абсолютизм, рационализм, классицизм, Версаль, регулярный парк, аллегория.

Урок 1. Классицизм во Франции XVII века.

Хроно-

метраж

Деятельность учителя

Деятельность учеников

Орг. момент.

2′

Мотивация и актуализация.

6′

Учитель предлагает ученикам вспомнить изученное ранее (фламандская и голландская живопись), вспомнить основные моменты темы, а затем называет тему нового урока и обозначает цель.

Учащиеся вспоминают предыдущий материал, записывают тему урока, вспоминают, где они встречались с понятием «классицизм» ранее.

Изучение нового материала.

26′

Учитель дает краткую характеристику историко-культурной ситуации во Франции XVII века; затем рассказывает о теории классицизма, попутно показывая презентацию, представляющую собой основные моменты речи учителя, которые должны быть записаны в тетрадях учащихся.

Далее учитель рассказывает о жизни и творчестве Н. Пуссена и дает основной материал под запись.

Ученики слушают учителя, наблюдают за презентацией, фиксируют главные положения в своих тетрадях.

Ребята внимательно слушают и записывают за учителем.

Закрепление нового материала.

6′

Учитель предлагает ученикам совместно разгадать небольшой кроссворд, содержащий основные понятия, изученные на

данном уроке, для того чтобы закрепить только что полученные знания.

Ученики разгадывают кроссворд.

Урок 2. Глава классицистической живописи Н. Пуссен.

Хроно-

метраж

Деятельность учителя

Деятельность учеников

Орг. момент.

2′

Актуализация

3′

Учитель напоминает, что главой классицистической живописи во Франции стал Н. Пуссен, и говорит, что его картины являются наглядным воплощением канонов классицистической живописи, а следовательно, для того, чтобы понять сущность классицизма, нужно их проанализировать.

Слушают.

Изучение нового материала (анализ картин).

10′

17′

Учитель просит учеников разделиться на пары и рассмотреть заранее разложенные на парты репродукции картин Пуссена и комментарии к ним.

Ученики знакомятся с предложенным им материалом.

Учитель вызывает одного из пары к доске. Вместе с классом они анализируют картины (особое внимание следует уделить стилевой – классицистической стороне произведений).

Учащиеся анализируют картины.

Вторичное закрепление материала.

5′

В ходе беседы учитель и учащиеся вспоминают основные характеристики классицизма, подкрепляя их конкретными примерами (из творчества Пуссена).

Ученики беседуют с учителем, отвечают на вопросы.

Заключительный этап.

3′

Учитель задает ребятам домашнее задание.

Ребята записывают.

Методические материалы к уроку

Для восьмиклассника одной из ведущих является учебно-профессиональная деятельность. Урок является мощным средством эстетического воспитания школьников. Большими возможностями в решении воспитательных задач располагает эстетический цикл: литература, музыка, изобразительное искусство, МХК и т.д.

Теоретические знания, полученные на таких занятиях, должны успешно дополняться и применяться практически либо на самом уроке, либо во внеклассной работе. Активизировать деятельность школьников на уроках эстетического цикла можно путем стимулирования педагогического процесса по трем основным направлениям: во-первых, использование проблемных и творческих заданий, которые следует решать, используя изученный материал и каждый раз отыскивая новое, оригинальное решение; во-вторых, творческие работы самих учащихся, представляющие совместный поиск решения учеником и учителем в процессе сотрудничества; в-третьих, комплексное воздействие различных видов искусства на учащихся.

Следует обратить внимание в педагогической практике на роль искусства в формировании и развитии эмоциональной сферы учащихся, что в свою очередь является фактором разностороннего развития личности, ее интеллектуально-творческого и нравственного потенциала. Большое внимание следует уделять самостоятельному описанию школьниками своих переживаний, их способности дать аргументированную оценку художественному произведению. Эти приемы стимулируют умение анализировать свои зрительные впечатления, а главное – делают для учащихся значимым процесс осознания и закрепления первоначальных знаний.

Сущность эстетического воспитания определяется прежде всего усилием в человеке эмоционального начала, ведущего к гармонизации лучших возможностей его личности, т.к. жизненные ценности, нравственные нормы и правила, пройдя через чувства, могут стать собственными ценностями и нормами развивающейся личности. Также приобщение к искусству позволяет развивать не только сенсорную и общую культуру, но и их познавательную активность, зрительную память, наблюдательность, быстроту реакции, образное и аналитическое мышление. Предметы эстетического цикла способствуют формированию внутреннего мира и эстетического сознания учащихся, а потребности творческих исканий стимулируют стремления к продуктивной самореализации личности во всех сферах жизнедеятельности.

Мини-лекция по теории классицизма (Слово учителя).

В начале XVII века завершилось формирование единого французского государства, французской нации. Абсолютная монархия, способствовавшая преодолению феодальной раздробленности и объединению страны, играла в то время положительную роль.

Государственная централизация содействовала экономическому и политическому подъему нации. Во второй половине XVII века Франция становится самой могущественной державой в Западной Европе.

Длительная гражданская война последней четверти XVII века привела к некоторому застою в культурной жизни страны. С концом разрушительных междоусобиц и религиозных конфликтов при Генрихе IV (1598-1610) и в регентство Марии Медичи во Франции началось широкое строительство – первый симптом подъема, оживления художественной деятельности в стране.

Ведущим стилем французской художественной культуры XVII века стал классицизм. Обратимся к этимологии. Латинское слово classicus означает «первоклассный», «образцовый».

Сущность классицизма определяет наличие ориентира-образца вне данного времени. Этот образец задан раз и навсегда: творческие достижения античной культуры эпохи расцвета1.

Расцвет классицизма произошел во Франции по двум причинам. Во-первых, именно в XVII веке стало формироваться новоевропейское рационалистическое мышление, родственное по духу древнегреческой философии. Во-вторых, в это время во Франции создается тип государства, который придает огромное значение светским нормам в общественной жизни и в силу этого испытывает потребность в освещении знаками величайшей дохристианской культурной традиции2.

Характерные особенности классицизма:

  1. сложная и разветвленная жанровая система со строгой иерархией;

  2. тяготение к жанровой чистоте;

  3. требование абсолютной ясности содержания и формы;

  4. господство разума над эмоциями;

  5. образец – античная культура эпохи расцвета;

  6. общественная значимость искусства;

  7. ясность темы (греко-римская история, мифология).

Сутью теории классицизма стал рационализм. Разум, мысль провозглашались главными критериями художественной правды и красоты. Требования разума обязывали искусство к логичности, ясности, композиционной стройности. Рене Декарт, основатель философии рационализма, говорил: «Вещи, которые мы воспринимаем отчетливо и ясно, истинны»3.

Рационализм стал фундаментом для развития всех сфер искусства: литературы (представители – П. Корнель, Ж. Расин), архитектуры (Л. Лево, Ж. Ардуэн-Мансар), живописи (Н. Пуссен, К. Лоррен).

Одним из теоретиков классицизма в живописи стал художник Никола Пуссен (1594-1665). Вдохновленный творчеством античных скульпторов, а также шедеврами Рафаэля, он черпал темы для своих произведений в мифологии (пример – «Пан и Сиринга»), исторических преданиях («Смерть Германика»), Библии («Рукоположение»). Он выбирал сюжеты, которые давали уму пищу для размышлений, воспитывали в человеке добродетель и учили его мудрости, — в этом видел Пуссен общественное назначение искусства.

Ведущая тема в творчестве Пуссена конца 20х-30х годов – единство человека и природы (пример – «Царство Флоры»). Художник часто вдохновлялся сюжетами античной мифологии – Пуссену было близко тогда чувство счастливой гармонии и радости бытия, которым исполнены легенды античности.

20е-30е годы были самым счастливым периодом в творчестве Пуссена. Но уже тогда в искусство мастера входят раздумья о беге времени, о вечном круговороте жизни. Именно тогда он пишет первый вариант «Аркадских пастухов». Эта картина – законченное воплощение концепции классицизма и того искусства «величественного стиля», о котором мечтал Пуссен.

В 40е годы манера письма Пуссена изменилась. Его пейзажи стали более естественными, зато более величественными стали человеческие фигуры; они напоминают даже мраморные статуи.

Н. Пуссен еще при жизни стал живой легендой, кумиром начинающих живописцев. После смерти его объявили «светочем французской живописи»4.

Биография Н. Пуссена. Его творческий путь.

Никола Пуссен родился в 1916 году. О его ученических годах и самостоятельных работах парижского периода (1612-1623 гг.) известно очень мало. Самым значительным событием этих лет было знакомство с хранившимися в королевских собраниях памятниками античной скульптуры и гравюрами с произведений Рафаэля и Джулио Романо – в них Пуссен нашел основу для формирования собственного живописного стиля.

Отныне его страстное желание попасть в Италию получает характер осознанной жизненной программы. В конце 1623 года Пуссен покидает Францию. Несколько месяцев он проводит в Венеции, а весной 1624 года достигает Рима – главной цели своего путешествия. Рим, где Пуссен прожил до конца дней стал второй родиной художника.

Первые годы пребывания в Италии Пуссен еще ищет себя. Его захватили многообразные художественные впечатления: он изучает болонских мастеров и римскую пластику; не принимая Караваджо, невольно поддается влиянию его искусства. Пуссена увлекает то эмоциональная экспрессия сцены, то светлый покой ренессансных образов.

Но путеводной нитью для Пуссена оставались искусство античности и Высокого Возрождения; именно они стали его подлинными учителями. В произведениях классического искусства для Пуссена было сосредоточено, как говорит его биограф Фелибьен, «основание прекрасного»5 — тот идеал красоты и гармонии, та ясность духа и значительность мысли, к которой он стремился сам.

Луврская композиция – эстетическое кредо Пуссена конца 20х и 30х годов; в ней определены магистральная линия и основные принципы образных и стилистических исканий мастера в этот период. Тема картины – творчество как великий духовный акт; миссия искусства и предназначение творца – воспеть красоту и богатство человека и тот прекрасный мир, в котором он находит свое жизненное призвание, смысл существования и источник вдохновения. Уравновешенность композиции, пластическое единство группы, плавный и четкий линейный ритм, скульптурная завершенность форм придают сцене строгость и величавость, неотделимые для Пуссена от понятия прекрасного, а гармоническая красота образов, навеянных классическим искусством, и колорит – созвучие глубоких желтовато-золотистых и голубовато-синих тонов – наделяют ее поэзией и лиризмом, которые естественно входят в возвышенный строй пуссеновской живописи.

Пуссен черпал темы в мифологии, в исторических преданиях, в книгах Священного Писания. В них художник искал сильные характеры, величественные поступки и страсти, торжество разума и справедливости. Он выбирал сюжеты, которые давали ему пищу для размышлений, воспитывали в человеке добродетель и учили его мудрости, — в этом видел Пуссен общественное назначение искусства.

Пуссен обращается к легендарным сюжетам, но говорит как француз XVII века – он воплощает передовые для того времени идеи и представления о роли личности, о возможностях и достоинстве человека, представления, родившиеся на исторически прогрессивном этапе национального развития, на волне общественного подъема, который в тот период переживали французская нация и французское государство.

Ведущая тема в творчестве Пуссена 20х-30х годов – единство человека и природы. Художник часто вдохновлялся сюжетами античной мифологии – Пуссену близко тогда чувство счастливой гармонии и безоблачной радости бытия, которым исполнены легенды античности.

В искусстве Пуссена 20х-30х годов создан прекрасный мир, где царствует совершенный телом и духом человек. Но это мир не только эмоционально осмысленный, но и глубоко прочувствованный художником, — недаром огромная роль в произведениях этих лет отводится колориту.

В живописи этого времени пленяет неповторимое сочетание лирики, поэтической фантазии и строгой рассчитанности. Это был самый счастливый период в творчестве Пуссена. Но уже тогда в искусство мастера входят раздумья о неумолимом беге времени, о вечном круговороте жизни. Печаль Пуссена светла: в постоянном обновлении, в цикличности бытия природы заключено ее бессмертие; превратности жизни не должны скрыть от человека ее главной основы – разумных закономерностей, в которых находят гармоничное разрешение все противоречия реальности.

В 40е-50е годы Пуссена привлекают главным образом философски значительные темы. Гармонию существования, душевное равновесие персонажи Пуссена обретают отныне в глубоком осмыслении жизни, в способности презреть все суетное ради обладания высшей истиной, т. е. главной идеей бытия, дарующей человеку счастливое согласие с миром.

Живописная манера Пуссена в этот период стала более строгой, суровой, эмоциональное выражение – сдержанным, даже скупым. Из его искусства ушла лирическая наполненность и непосредственность мироощущения.

Н. Пуссен еще при жизни стал живой легендой, кумиром начинающих живописцев. Его называли «самым искусным и опытным из современных мастеров кисти»6.

Характеристика шедевров Н. Пуссена.

«Автопортрет», 1649-1650. (Париж, Лувр).

Автопортрет, написанный для Шантелу, покровителя художника, характерен очень спокойной позой и выдержан в крайне сдержанной световой гамме. С темного пространства на нас смотрит пожилой человек, проницательный взгляд которого и сама поза говорят о его властности и ощущении собственной значимости. Портрет имеет и аллегорический смысл: на заднем плане изображена женщина с «третьим глазом» — эмблемой зрения. Она как бы выражает живопись. Видны и две руки, желающие обнять женщину, — это должно означать любовь к живописи7.

«Аркадские пастухи», 1638-1639. (Холст, масло; 85х121 см; Париж, Лувр).

Это одно из лучших созданий Пуссена, которое представляет собой умиротворенный омытый солнцем ландшафт. У каменного надгробия остановились трое молодых людей – судя по венкам и посохам, это пастухи – и юная женщина с благородной осанкой. Один, припав на колено, разбирает надпись, другой указывает на нее, оглянувшись на прекрасную пастушку. Женщина и юноша замерли, погрузившись в задумчивость. Латинская надпись Et in Arcadia ego («И я был в Аркадии») сообщает о неумолимой власти смерти, царящей в этой идиллической стране – Аркадии. В свете этой краткой эпитафии проясняется и созерцательное раздумье крайних фигур, и взволнованность читающих, а их красота наделяется особым смыслом. Композиция кажется очень простой, но эта простота – достижение высшего артистизма. Только в сознании высокоумудренного художника могло возникнуть это ностальгическое видение покоя, поглотившего ужас смерти8.

«Танкред и Эрминия». (Санкт-Петербург, Эрмитаж).

Написанная на сюжет поэмы итальянского поэта XVI века Торквато Тассо «Освобожденный Иерусалим», посвященной одному из крестовых походов, картина «Танкред и Эрминия» лишена прямой иллюстративности. Ее можно рассматривать как самостоятельное программное произведение классицизма. Пуссен избирает этот сюжет, потому что он дает ему возможность показать доблесть рыцаря Танкреда, найденного Эрминией на поле брани, чтобы перевязать раны героя и спасти его. Композиция строго уравновешена. Форма создается прежде всего линией, контуром, светотеневой моделировкой. Большие локальные пятна: желтое в одежде слуги и на крупе лошади, красная одежда Танкреда и синий плащ Эрминии – создают определенное красочное созвучие с общим коричневато-желтым фоном земли и неба. Все поэтично-возвышенно, во всем царит мера и порядок9.

«Царство Флоры», 1631-1632. (Дрезден, Картинная галерея).

Сюжет взят из историй, рассказанных в «Метаморфозах» Овидия: мифологические герои, погибая, превращаются в цветы (Нарцисс, Крокус, Гиацинт, Адонис). Только из крови Аякса вырастает не тот цветок, что упомянут в литературном источнике, а гвоздика.

Персонажи располагаются в нескольких планах, а композиционным центром картины является рука Флоры, но сама фигура богини сдвинута правее и уравновешена осью симметрии (она показана струями фонтана, на ней же расположен один из главных мотивов – самолюбование Нарцисса). По отношению к этой оси фигуры Флоры и Аякса симметричны, согласованы позы Нарцисса и нимфы с амфорой. И именно здесь Пуссен вводит смелый динамический мотив – поворот Клитии к солнцу.

Светлая гамма красок говорит о независимости Пуссена от колористических систем XVII века.

В сцене главенствует мотив созерцания. В основе произведения заключено стремление к душевному равновесию и ясности, способность возвыситься над низменным и преходящим10.

Кроссворд.

Вопросы:

  1. Форма правления во Франции середины – второй половины XVII века.

  2. Кто из теоретиков классицизма написал трактат «Поэтическое искусство»?

  3. Один из известнейших памятников классицистической архитектуры, садово-парковый ансамбль.

  4. В виде какого греческого божества часто изображали Людовика XIV?

  5. Один из великих французских художников, теоретик классицизма в живописи.

  6. Какая историческая эпоха была образцом для классицистов?

  7. Культ чего провозгласили философы-рационалисты?

1Власов, В.Г. Стили в искусстве. Словарь (архитектура, графика, декоративно-прикладное искусство, живопись, скульптура). – СПб.: ЗАО «Лита», 1998. – С. 279.

2Дмитриева, Н.А. Краткая история искусств. Выпуск II: Северное Возрождение; страны Западной Европы XVII-XVIII веков; Англия; Россия XVIII века. – М.: «Искусство», 1975. – С. 242.

3Дмитриева, Н.А. Краткая история искусств. Выпуск II: Северное Возрождение; страны Западной Европы XVII-XVIII веков; Англия; Россия XVIII века. – М.: «Искусство», 1975. – С. 240.

4 Художественная галерея. № 76, 2006. – С. 25.

5Дмитриева, Н.А. Краткая история искусств. Выпуск II: Северное Возрождение; страны Западной Европы XVII-XVIII веков; Англия; Россия XVIII века. – М.: «Искусство», 1975. – С. 241.

6 Художественная галерея. № 76, 2006. – С. 25.

7 Всеобщая история искусств (в 6 томах): Т. 4. – М.: Искусство, 1963. – С. 289.

8 Ильина, Т.В. История искусств. Западно — европейское искусство: Учеб. / Т.В. Ильина. – 3-е изд., перераб. и доп. – М.: Высш. шк., 2002. – С. 244.

9Ильина, Т.В. История искусств. Западно — европейское искусство: Учеб. / Т.В. Ильина. – 3-е изд., перераб. и доп. – М.: Высш. шк., 2002. – С. 245.

10 Всеобщая история искусств (в 6 томах): Т.4. – М.: Искусство, 1963. – С. 288.

(Временно закрыт!) Искусство Франции XVII века

Клод Лоррен, как и Пуссен, был крупнейшим мастером классицизма. Этот художник полностью посвятил себя жанру пейзажа, итальянская природа стала для него источником вдохновения и основной темой искусства. В классических пейзажах Лоррена («Похищение Европы», «Битва на мосту») главное внимание уделено передаче пространства и света.

Другой путь развития демонстрирует творчество Валантена де Булоня («Отречение Святого Петра»). Почти всю жизнь художник провел в Италии. Познакомившись с творчеством Караваджо, основоположника реалистического жанра в искусстве XVII века, де Булонь стал его последователем. В зале также представлены произведения мастеров, принадлежащих к кругу Братьев Ленен, которые первыми ввели во французскую живопись крестьянскую тему. Имена этих авторов утрачены, в литературе они фигурируют под псевдонимами «Мастер бегинок» и «Мастер процессий».

Большая композиция Симона Вуэ «Благовещение» (1632), созданная для капеллы дворца кардинала Ришелье, дает представление об официальном придворном искусстве эпохи. В 1627 году художник был вызван из Италии ко французскому двору, где стал первым живописцем короля. В это время Ришелье предпринимал энергичные попытки создать во Франции национальную школу живописи. Через мастерскую Вуэ прошли многие художники того времени, ставшие впоследствии ведущими мастерами французского академизма, в том числе Шарль Лебрен и Пьер Миньяр. Лебрену принадлежит заслуга в создании «большого» декоративного стиля, определявшего искусство эпохи Людовика XIV. В портретном творчестве Лебрена знаковой работой является парадный «Портрет канцлера Сегье», хранящийся в Лувре. Наряду с произведениями подобного рода художник создавал портреты небольшого размера, отмеченные большой искренностью в передаче модели, к которым принадлежит «Портрет Мольера» из нашего собрания.

Живопись второй половины XVII века представлена главным образом работами портретистов. В своих парадных декоративных портретах Никола де Ларжильер («Портрет дамы») и Франсуа де Труа («Портрет Аделаиды Савойской»), не пытаясь дать индивидуальную характеристику модели, стремились, прежде всего, выявить те черты, которые соответствовали аристократическому идеалу красоты того времени.

Новаторская роль в так называемом движении «рубенсистов» принадлежала Шарлю де Ла Фоссу. Работы мастера демонстрируют разнообразие колористических поисков и творческое переосмысление искусства Рубенса, Веронезе и Рембрандта, характерные для рубежа XVII–XVIII веков.

Скульптурные композиции на античные темы украшали королевские сады и парки, как, например, представленные в экспозиции «Милон Кротонский» Пьера Пюже, «Эней, Анхиз и Асканий» Пьера Лепотра и «Диана на охоте» Ансельма Фламана.

КЛАССИЦИЗМ (ФРАНЦИЯ XVII век) — 31 Марта 2013

Классицизм (от лат. classicus – образцовый, норма, порядок) – это художественный стиль в искусстве, возникший в Европе в XVII веке. Этот стиль интерьера служит для оформления дворцовых помещений и покоев знатных людей.


Изысканный эстетический вкус и одновременно сдержанность являются основой классицизма в интерьере. Обращение к наследию античного зодчества было главной чертой архитектуры классицизма, которая характеризуется простыми и строгими формами, симметрией, упорядоченность и гармония, изысканный и, в то же время, сдержанный декор. В интерьере классицизма используются только высокого качества дорогие материалы: натуральное дерево и ткани, например, шелк, а также золото, камень. Очень часто в качестве декора используют лепнину и скульптуры.

Величие и солидность, монументальная изящность и благородные тона в отделке – именно эти свойства помогают узнать классический стиль интерьера сразу.

Классические композиции отличаются своей логичностью, абсолютной гармонией пропорций, геометрической образцовостью и симметрией объемно-планировочных решений. Пространство организовано очень лаконично в интерьере, в планах доминируют четкие и прямолинейные очертания с преобладанием симметрично-осевых планировочных систем. Именно эти черты формируют понятную перспективу, определённое зонирование помещения, взаимосвязанность и функциональность пространств. Незабываемые ощущения свободы и простора дарят устремленные вверх формы и изобилие воздуха над головой.


Основные элементы стиля Классицизм:

 — стена — с гладкой поверхностью, с четко определенными объемами и явной структурой. В отделке используется лепнина строгих форм, натуральный камень, дерево, шёлк;

 — геометризм, порядок, логичность планировки, статуи, подчеркнутая спокойность форм;
— отделка со стилизацией «под золото»;
— колонны, большие плоскости, элементы античности;

цветовая гамма:

разнообразная, меняется от сочетаний белого с голубым до розового с золотом, от нежно зеленого до мягкого цвета ванили;

— в качестве напольного покрытия используют паркет из дорогой качественной древесины;
— часто присутствует отделка стен тканью;
— в качестве аксессуаров используются фарфоровые изделия, картины, зеркала, книги;
— изысканная мебель изготовлена из благородных пород дерева, без лишней помпезности.


История стиля Классицизм

Поначалу необходимо уточнить историю возникновения термина «классицизм». Во второй половине XVIII века европейская архитектура полностью полагалась на античное наследие, которое тогда считалось классическим образцом. Правда, важно отметить, что не только классицизм использовал античные образцы, но, к примеру, итальянский ренессанс также декларировал формы античности. Возможно, это послужило причиной того, что автор трехтомного словаря «Стили в искусстве” и 8-томного «Большого энциклопедического словаря изобразительного искусства” В. Власов определяет искусство Италии XV века – начала XVI века как классицизм, в то время как термины «возрождение” или «ренессанс” употребляет для иных стилевых эпох и направлений.

Отсюда возникает вполне понятный вопрос, что считать классикой. Но ответить на него невозможно. Важно отметить, что каждый стиль проходит несколько фаз своего существования: зарождение, развитие, достижение расцвета, со временем упадок, после которого место занимает другой стиль. Именно фаза расцвета зачастую воспринимается как классический период. Примером может послужить культура майя первой половины III века – первой половины IX века, или период первых императоров Древнего Рима, так называемый августовский классицизм. Периодом высокой классики принято называть время Перикла в Древней Греции, когда в основном создан был Афинский Акрополь. Важно и то, что европейская архитектура нацелена была больше на культуру Древнего Рима, а не Древней Греции, которая еще была не настолько известной в XVII-XVIII вв.

Итак, определение термина «классицизм” условно, но общепринято, что обусловливает отсутствие потребности искать другой термин. Правда, существует еще один нюанс — одновременное сосуществование классицизма и барокко. Неправильно противопоставлять эти стили. На самом деле они возникли одновременно на закате высокого итальянского ренессанса. Основателем барокко, как известно, был Микеланджело, а вот отцом классицизма – Палладио. В таких странах, как Франция, Англия, Испания со сменой короля на престоле изменялись и главные принципы – то барочные, то классицистические. Отсюда название стилевого направления или течения именем правителя является совершенно понятным и оправданным шагом. Например, стиль Людовика XVI во Франции, Георга III в Англии или екатерининский классицизм в России. 


Зачастую различают классицизм XVII века и XVIII – нач. XIX вв. Последний часто называют неоклассицизмом. Довольно часто эти два термина путают. А такая путаница возникла из-за того, что во Франции классицизмом называют стиль XVII века, стиль Людовика XIV (Louis XIV). А вот под неоклассицизмом понимают стиль второй половины XVIII века, стиль Людовика XVI (Louis XVI), то, что в России, ровно как и в Германии, традиционно называют классицизмом, период (1762—1840). Неоклассицизмом же в России и Германии называют ретроспективный стиль начала XX века. В зарубежной практике аналогами неоклассицизма являются американский ренессанс и колониальное возрождение в США (1876—1914).

Шотландец Роберт Адам, вернувшийся из Рима на родину, разработал в 1758 году наиболее знаменательные интерьеры в стиле классицизма. Значительно повлияли на него архитектурные идеи Пиранзи, а также археологические исследования итальянских учёных. Адам рассматривал классицизм как очень утонченный стиль, который ни в чем не уступает рококо, что и обеспечило его популярность в аристократических кругах, а не только среди демократически настроенной части общества. Наряду со своими французскими коллегами, Адам пропагандировал отказ от тех элементов интерьера, которые не обеспечивают никакой конструктивной функции. Обязательными элементами его стиля являются античный орнамент, помпейская декоративная живопись, современный им французский классицизм.

Классицизм в разных странах получил свое развитие: во Франции – это изумительные роскошные интерьеры Версальского дворца, который принято считать образцом французского классицизма; а в благопристойной Англии классический английский стиль был намного более скромен и сдержан. Для запада, а именно для Северной Америки, характерно называть классический стиль «традиционным» или traditional style.


Особенности стиля Классицизм


Барокко и рококо как предшественники классицизма в его интерьерах приобретают особую красоту и величие, а также монументальность. Королевский стиль раньше отличался своей несерьезностью и беззаботностью, а после появления классицизма интерьер приобрел особую роскошь и торжественность, изящность и спокойствие, которые были позаимствованы у памятников Эллады.

При всей четкости геометрических форм, сдержанном декоре в интерьерах классицизма применяются только качественные и дорогие материалы.


Помещение в стиле классицизма – это в первую очередь помещение правильной формы, с умеренным количеством декора, с неповторимой атмосферой уюта и тепла, которое излучает респектабельность и сдержанное чувство достоинства, и конечно символизирует непревзойденный вкус.

Классические интерьеры требуют много пространства, что и повлекло за собой создание трехметровых потолков, а иногда высота перекрытий может быть и выше.

Характерной чертой классического интерьера является использование таких обычных, но высококачественных материалов, как натуральное дерево, камень, шелк. Эти материалы символизируют вечные ценности, безмятежность, идиллию. Каждый элемент такого интерьера имеет свое особое предназначение и дарит чувство покоя.


  Классические интерьеры характеризуются умеренным количеством деталей, сдержанной роскошью, содержательностью, тонким вкусом и респектабельностью. Множество зеркал в интерьере расширяют визуально помещение и придают ему особого блеска. Очень органично вписываются в классический интерьер колонны с бронзовыми капителями, отделанные мрамором камины.

Очень важными элементами классического интерьера являются разнообразные фризы и фронтоны, колоны и полуколонны. Они используются в декоре перегородок, в мебельных конструкциях и в тех предметах и деталях оформления, где можно и нужно подчеркнуть классицизм стиля. Колонны в интерьере не исполняют роль несущих, поэтому обычно они изготовлены из легких материалов отделки.


Хорошим примером цветовой гаммы классического интерьера является сочетание белой мебели с пастельными тонами обивки, стен и позолотой. Очень популярно сочетание мебели цвета натуральной древесины с бронзовой отделкой и розовыми или сине-зелеными оттенками текстиля в обивке, шторах. Для классического интерьера свойственна сдержанная цветовая гамма, в которой отсутствуют броские и яркие краски, смелые контрасты.

Мебель классического интерьера изготавливается из натуральных материалов, таких как натуральная древесина (вишня, карельская береза, орех), металл, камень, натуральные ткани (шелк). В оформлении мебели очень часто используется ручная работа, резьба по дереву, позолота, инкрустация драгоценными камнями, металлами или благородными породами деревьев. Для оформления столовой используют красивые столы и стулья с резными утонченными ножками. Посуда в классических интерьерах исключительно из фарфора, очень изящная, полупрозрачная, с легким рисунком и позолотой. Еще одним неотъемлемым элементом обстановки интерьера является секретер на высоких ножках с кубическим корпусом. 


Для оформления источников света используют красивые люстры из хрусталя, дорогого стекла или прозрачного натурального камня. Бронзовые и позолоченные люстры с плафонами, стилизованными под свечи, прекрасно смотрятся в интерьере стиля классицизм. Если использовать современное точечное освещение, то оно не может заменить классический вариант, а лишь только органично дополнить интерьер. 


Для напольного покрытия используют паркет из ценных пород дерева: мербау, яра, камши, тик, ятоба. Если использовать в качестве пола мраморное покрытие, то интерьер превратится в еще более роскошный.

Для покрытия стен используют изысканные элитные экземпляры виниловых обоев или декоративная штукатурка. Можно использовать тростниковые обои из тонких натуральных волокон, что придаст филигранности классическому интерьеру. А украшение стен текстилем сделает интерьер необыкновенным, оригинальным и пышным. Также уместно использовать стенные росписи.

Идеально подходят для классического интерьера оконные рамы и двери из цельного массива, которые выглядят очень престижно и богато. Если же вы выбираете более дешевый пластиковый вариант, то лучше, если он стилизованный «под дерево».

Шторы классического интерьера отличаются своими мягкими силуэтами, плавными перекидами, а также классическими ламбрекенами и свагами. Рядом со сдержанностью и монументальностью интерьера, шторы создают необыкновенную атмосферу тепла и торжественности. Соответственно и материалы для пошива штор используются особенные, такие как парча, гобеленовые ткани, тяжелый шелк, жаккард, тафта. С таких тканей обычно шьют тяжелые портьеры. А для гардин используют более легкие, воздушные ткани: тюль, органза, вуаль, шелк, кристаллон.


Такие особенности интерьера в стиле классицизм как точность и симметричность, реализуются с помощью картин или гравюр схожего размера, расположенных симметрично на стенках. Роскошные камины, комфортные небольшие кресла, маленькие кофейные и чайные столики, изобилие света, мягкие светлые ковры ручной роботы, светильники, напоминающие ювелирные украшения, паркет из ценных и благородных пород дерева, античная лепнина, потолок, украшен орнаментом, картины с классическими античными сюжетами, подставка для цветов в форме литой треноги либо стилизованная под античность массивная напольная ваза – все это неотъемлемые элементы классического интерьера. Декор наполнен античными мотивами: нити жемчуга, лавровые или цветочные гирлянды, розетки, фестоны, меандры. Иногда используются цветные лаки (белый, зелёный) в сочетании с лёгкой позолотой отдельных элементов.

Классицизм в интерьере – это имитация античного наследия. Лёгкость и воздушность, блеск, округлая мебель, отделанная тиснёной тканью и кожей, гобелены и настенная роспись, завораживающий художественный паркет, замысловатые портьеры и драпировки на окнах, роскошные люстры. Стены комнат можно выполнить в бело-золотом цвете, декорировать позолоченными светильниками и лепниной. Роскошные арки с колоннами и золотые рамки зеркал и картин идеально дополнят интерьер. Классический стиль создан для людей, которые стремятся царской жизни.


Невзирая на утонченность и некую парадность интерьеров в классическом стиле, они не выглядят искусственно, поскольку главная идея стиля сохраняется: благородство и сдержанность, гармоничность и прекрасный вкус. Классический стиль интерьера подтверждает высокий социальный статус и респектабельность владельца дома. Этот стиль идеально подходит для людей деловых, сдержанных и спокойных, которые высоко ценят точность и упорядоченность во всем.

французской литературы | Британника

Французская литература , совокупность письменных произведений на французском языке, созданных в географических и политических границах Франции. Французский язык был одним из пяти основных романских языков, которые развились из вульгарной латыни в результате римской оккупации Западной Европы.

Со времен средневековья Франция занимала исключительное положение в европейской интеллектуальной жизни. Хотя в его литературной культуре нет единой фигуры, влияние которой можно было бы сравнить с влиянием Данте в Италии или Шекспира в Англии, в последующие периоды писатели и их язык оказывали влияние далеко за ее пределами.В средневековье из-за далеко идущей и сложной системы феодальных отношений (не в последнюю очередь из-за связей между Францией и Англией), сетей монашеских орденов, универсальности латыни и сходства языков, происходящих от латыни, существовало был непрерывным процессом обмена по форме и содержанию между литературой Западной Европы. Развитие национальных государств и рост престижа местных языков постепенно подорвали объединяющую силу этих отношений.Начиная с раннего Нового времени, Франция развивала свою собственную самобытную и многоплановую культурную традицию, которая, никогда не упуская из виду богатства средневековой базы и иудео-христианскую библейскую традицию, стала в основном считаться средиземноморской. его преданность, основанная на подражании классическим образцам, которые были переданы через великих писателей и мыслителей Италии эпохи Возрождения.

Британская викторина

Викторина по французским писателям

Что вы знаете о мужчинах и женщинах, написавших некоторые из величайших произведений французской литературы? Проверьте себя с помощью этой викторины.

Версия французской традиции, которая началась в 17 веке и утвердилась в истории культуры и школьных учебниках, получила новую силу в начале 20 века философом-поэтом Полем Валери и, особенно, его английскими почитателями в контексте политическая и культурная борьба с Германией. В этой версии французская культура ценит разум, формальное совершенство и чистоту языка, и ее мыслители должны восхищаться не меньше, чем писатели.К концу старого режима логика Декарта, сдержанность Расина и остроумие Вольтера считались отличительными чертами французской культуры, и им подражали во всех дворах и салонах континента. Другие аспекты этого наследия — скептицизм Декарта, ставящий под сомнение авторитарные аксиомы; неистовая, корыстная сила расцианской страсти, подпитываемая репрессиями и чувством вины; а резкая ирония, которую Вольтер использовал против устоявшегося фанатизма, предрассудков и несправедливости, — менее хорошо рассматривались в кругах установленного порядка.Часто загнанные в подполье, они и их наследники, тем не менее, дали энергию революционному этосу, который стал еще одним, в равной степени французским, вкладом в радикальные традиции Западной Европы.

Политические и философские революции, совершенные к концу 18 века во имя науки и разума, сопровождались преобразованиями в форме и содержании французской письменности. На рубеже XIX и последующих веков возникшая романтическая чувствительность бросила вызов неоклассическому идеалу, который стал бледной и робкой имитацией его прежнего «я».Новая ортодоксия выдвигала претензии воображения и чувств против разума и индивидуальных желаний против социальных и моральных условностей. 12-слоговый александрин, который использовал для такого эффекта Жан Расин, оставался стандартной строкой в ​​стихах, но форма была расслабленной и оживленной; Тематическая область поэзии была последовательно расширена Виктором Гюго, Альфредом де Виньи, Шарлем Бодлером и Артуром Рембо. Вся поэтическая форма была брошена в плавильный котел модернистскими революциями на рубеже 20-го века.

Получите подписку Britannica Premium и получите доступ к эксклюзивному контенту. Подпишитесь сейчас

Когда роман обогнал поэзию и драму и стал доминирующей литературной формой в XIX веке, французские писатели исследовали возможности этого жанра и, в некоторых случаях, изобретали его заново. Новые циклы Оноре де Бальзака и Эмиля Золя разработали новый стиль социального реализма, чтобы отметить и бросить вызов процессам, происходящим в стране, которая трансформировалась в результате промышленной и экономической революции.В творчестве других писателей, таких как Стендаль, Гюстав Флобер и Марсель Пруст, каждый из которых следовал своему собственному пути, возник иный вид реализма, сосредоточенный на озабоченности анализом индивидуальных действий, мотивации и желания, а также увлечение формой. Между ними французские романисты 19-го века проследили судьбу индивидуалистической чувствительности, рожденной аристократической и высокой буржуазной культурой, когда они взаимодействовали с коллективизирующими формами нации, движущейся к массовой культуре и порогу демократии.Аристократический герой Йориса-Карла Гюисмана, Des Esseintes, в книге À rebours (1884; Against Nature или Against the Grain ) предложил традиционалистскую, пессимистическую версию конечного результата. В середине следующего столетия трилогия Жана-Поля Сартра Les Chemins de la liberté (1945; Дороги к свободе ) стала ответом на мир, в котором баланс аргументов заметно изменился.

В первой половине 20 века Париж оставался центром европейской интеллектуальной и художественной жизни.С 1930-х годов, и особенно после Второй мировой войны, его позиция подвергалась сомнению со стороны англо-американских писателей, многие из которых оттачивали свои навыки в рамках ее культуры и ее границ; но он по-прежнему порождал способы мышления и письма, которым следовали другие. С 1950-х годов сторонники nouveau roman , или нового романа, предприняли радикальную атаку на условности жанра. В то же время бульварная драма ощущала на шее дыхание авангарда; а с 1960-х годов французские писатели начали стимулировать новые подходы почти ко всем областям рационального исследования.Международный статус французского языка неуклонно снижался со времен Второй мировой войны, с усилением американской рыночной гегемонии и, особенно, с быстрым распространением деколонизации. Однако французский язык по-прежнему является предпочтительным средством творческого самовыражения для многих в Швейцарии, Бельгии, Канаде, бывших колониях Франции в Африке и Азии, а также в ее зависимых странах Карибского бассейна. Вклад франкоязычных авторов за ее пределами в обновление французских литературных традиций становится все более значительным.

Эта статья посвящена французской литературе, созданной в Гексагоне, как страну часто называют из-за конфигурации ее границ, с IX века (к которому относятся самые ранние сохранившиеся фрагментарные тексты) до наших дней. Литературные произведения, написанные на французском языке в странах за пределами Шестиугольника, включая бывшие зависимые территории, обсуждаются в соответствующих национальных статьях. Для французской литературы Бельгии, например, см. Бельгийская литература: французский.Другими важными связанными статьями являются англо-нормандская литература и Африканская литература: современная литература на европейских языках.

Классицизм и натурализм в итальянской живописи XVII века


Погребение Христа (1601-3)
Пинакотека Ватикана, Рим.

ЭВОЛЮЦИЯ ВИЗУАЛИЗАЦИИ АРТ.
Подробнее о движениях и стилях искусства
см .: История искусства.

Аннибале Карраччи Классицизм

Аннибале Карраччи (1560-1609), находился под влиянием Федерико Бароччи (1526-1612) и другие, создали идеалистический натурализм, основанный на классических моделях, и хотя он умел изображать повседневные сцены с поразительной правдой, его мир идеализирован, основан на классических концепциях гармонии и баланс.Его последователи, в основном из Болоньи и известные как болонцы Школа также развивала спокойный стиль классицизма. категорически против ярко реалистичного, мрачного и драматического стиля Караваджо. Помимо семьи Карраччи, то есть Людовико Карраччи (1555-1619) и Агостино Карраччи (1557-1602) — ведущие деятели Болонской школы: Франческо Альбани (1578-1660), Доменикино (Доменико Зампиери) (1581-1641), Джованни Ланфранко (1582-1647), Герчино (Джованни Франческо Барбьери) (1591-1666) и Гвидо Рени (1575-1642), все они внесли важный вклад в развитие живописи барокко 17 века в Рим, Венеция и Неаполь.(См., Например, Живопись в Неаполе.)

Безусловно, самая классическая из Аннибале Последователем Карраччи был Доменикино (1581–1641). Его фреска картины в Сан-Луиджи-деи-Франчези, Рим, отличаются простотой и строгостью чего не хватает в более чувственных и сентиментальных произведениях других, таких как Гвидо Рени (1575-1642). Этот более спокойный стиль живописи восхищался высокоинтеллектуальным французским художником-классиком, Николя Пуссен (1594-1665).Смотрите также работы Карло Маратта (1625-1713), который стал ведущим художником эпохи барокко в Риме. после смерти Бернини. Одна из важнейших категорий искусства разработан «классическими» живописцами 17 века. пейзаж. В Бегство Аннибале Карраччи в Египет (1604 г.) цифры были полностью поражен пейзажем, который, хотя и содержит много натуралистических деталь — это упорядоченное и упорядоченное видение природы.Эта работа имел решающее значение для создания идеального пейзажа, типа живописи. особенно связан с французскими художниками Пуссеном и Клодом Лоррен (1600-82), который стал наиболее распространенной формой пейзажа. живопись, сохранившаяся до 19 века.

Статус женщин в неоклассической эпохе 17 века в контексте «Оды о смерти любимого кота» Томаса Грея

Анонимный поэт однажды сказал : «Я считаю, что воображение важнее знаний» .Эту линию могут оспаривать всемирно известные техники / ученые / ученые и т. Д., Но они все еще не могут отрицать тот факт, что это было желание человека стимулировать мышление, записывая идеи / взгляды, какими бы странными они ни были в форме, удобочитаемой. а значит и понятное дело. Это называлось литературой, формой искусства, которая является силой разума, когда человек пытается выйти из лиги, чтобы понять природу, бога, общество и причины их существования. Некоторые называют это порождением религии, и, возможно, именно поэтому большинство форм искусства в разные эпохи были вдохновлены и развивались религиозными практиками того времени.

Происхождение неоклассицизма

Хронологически период с 1660 по 1800 год (обычная дата — 1798 год, дата публикации Лирических баллад Вордсворта ) можно назвать эпохой неоклассицизма. Неоклассицизм — это возрождение стилей и духа классической античности, вдохновленное непосредственно классическим периодом, который совпал и отразил развитие философии и других областей эпохи Просвещения и изначально был реакцией на эксцессы предшествующего стиля рококо.В то время как движение часто описывается как противоположный аналог романтизма, это большое чрезмерное упрощение, которое, как правило, не может быть устойчивым, когда рассматриваются конкретные художники или произведения, случай предполагаемого главного поборника позднего неоклассицизма, Энгра, особенно демонстрирует это. хорошо. Возрождение можно проследить до создания формальной археологии. Работы Иоганна Иоахима Винкельмана сыграли важную роль в формировании этого движения как в архитектуре, так и в изобразительном искусстве. Его книги « Мысли об имитации греческих произведений в живописи и скульптуре » (1750) и « Geschichte der Kunst des Alterthums» («История древнего искусства», 1764) были первыми, в которых было проведено резкое различие между древнегреческим и римским искусством. и определить периоды в греческом искусстве, проследив траекторию от роста к зрелости, а затем подражание или упадок, которые продолжают иметь влияние до наших дней.Винкельманн считал, что искусство должно стремиться к «благородной простоте и спокойному величию», и хвалил идеализм греческого искусства, в котором, по его словам, мы находим: «не только природу в ее самом прекрасном виде, но и что-то за ее пределами, а именно определенные идеальные формы ее. красота, которая, как учит нас древний толкователь Платона, происходит от образов, созданных одним только разумом ». Эта теория была далеко не новой в западном искусстве, но его акцент на точном копировании греческих моделей был следующим: «Единственный способ для нас стать великими или, если это возможно, неподражаемыми, — это подражать древним».

Это был период, когда подделка и фасады были очень важны; в некотором роде страна пыталась вести себя так, как будто междуцарствия и английских гражданских войн не было, и было как преднамеренное подавление ближайшего прошлого, так и прославление более далекого, классического римского прошлого — вот почему это было названо Неоклассический период года. Это был также период осознанного самосознания — люди смотрели на себя и спрашивали: «Правильно ли я играю свою роль?» После Великого лондонского пожара у них тоже была возможность полностью заново изобрести свою столицу и сделать это таким образом, чтобы они могли замаскировать свое прошлое.Вам нужно понять политику, социологию и экономику того периода, если вы хотите понять его литературу.

Это было время гражданской прибыльности и военных беспорядков. Великобритания была вовлечена в серию коммерческих войн против голландцев, французов, австрийцев, испанцев и, в конечном итоге, против своих собственных американских колонистов из-за прибыльных торговых возможностей с Новым Светом и Южными морями. Реставрация — это время великой торговли пиратами и каперами и празднование британского военно-морского превосходства.Как и бум доткомов в конце двадцатого века, конец семнадцатого и начало восемнадцатого веков были временем внезапного нового богатства, основанного на зарождении фондовой биржи, инвестиционных пирамидальных схем, таких как пузырь Южного моря, и всей сопутствующей коммерциализации. и материализм, сопровождающий обретенное богатство. Это время партийной политики: тори, олицетворяющие старые земельные богатства, консерватизм и Палату лордов, против вигов, олицетворяющих состояния, нажитые на торговле, городе и экспансионистских убеждениях.В более поздние периоды этого периода было несколько голосов за социальные реформы: Джон Уилкс, защитник права голоса простолюдинов и отмены смертной казни; Мэри Уоллстонкрафт, одна из первых защитниц прав женщин; Джон Коббетт, протомарксистский реформатор экономики; и Джон Уэсли, сторонник евангельского методизма. Они пытались подвергнуть сомнению моральное самодовольство эпохи вигов, но без особого успеха.

Статус женщин в 17 Век

Хотя очевидно, что половину населения Европы эпохи Возрождения составляли женщины, роль женщин в высокой культуре, особенно в академической культуре и гуманистическом движении того периода, основанной на латыни, была очень ограниченной, обобщение, которое также верно и для политической жизни. крупный бизнес, изобразительное искусство (как музыкальное, так и изобразительное) и даже народная литература.Продолжая женоненавистническую культуру средневековой Европы, общество эпохи Возрождения исключало женщин из любой ведущей роли в общественной жизни. Один видный исследователь места женщин в тот период категорически заявил, что для женщин Возрождение было вовсе не возрождением, а периодом снижения статуса, и, хотя этот вывод оспаривается, есть значительные свидетельства того, что, по крайней мере, в В некоторых отношениях ограничения на участие женщин в обществе усиливались на протяжении веков (с 14 по 16 или в начале 17 века), обычно охватываемых термином «Возрождение».”

Надлежащая роль женщин в обществе, определяемая большинством мнений в то время, в значительной степени ограничивалась семейной сферой, и даже в семейной жизни, как юридически, так и фактически, женщины всегда должны были находиться под контролем какого-то мужского авторитета: во-первых, отец, затем муж, а если женщина овдовела, то во многих регионах, наконец, либо дети мужского пола, либо родственники мужского пола ее умершего супруга. Жизненный путь женщины был четко определен: сначала как дочь и девственница, затем как жена и мать и, наконец, как вдова.Только у богатой вдовы был реальный шанс быть более или менее независимым и самостоятельно распоряжаться своей жизнью. Даже в этом случае ее независимость во многих регионах сильно ограничивалась имущественными правами ее сыновей и родственников ее мужа.

До «Реформации» женщины теоретически имели возможность продолжать жить в девственном состоянии, вступив в монашескую жизнь. Однако, поскольку большинство женских монастырей ожидали, что послушницы принесут приданое при входе, на практике только женщины из относительно зажиточных семей имели возможность стать монахинями.В XIII и XIV веках, особенно в городских районах, неформальные сообщества одиноких женщин возникли вне монашеских орденов, но, поскольку такие группы не имели официального одобрения и не подвергались надзору и контролю со стороны мужского духовенства, они часто сталкивались с подавление властями, опасавшимися, что неконтролируемые сообщества женщин ei-there впадут в ересь или станут проститутками. После того, как католическая Реформация стала сильной примерно в 1550 году, церковные власти стали еще менее терпимо относиться к неофициальным сообществам незамужних женщин, живущих вместе.

Несмотря на свой ограниченный статус в обществе, женщины имели некоторые права в теории и даже на практике. Приданое, которое женщина принесла в свой брак, по закону оставалось ее собственностью, и если брак был расторгнут в результате аннулирования или смерти ее мужа, она теоретически имела право контролировать эту часть общих ресурсов своего супружеского домохозяйства. С другой стороны, во время брака фактическое управление приданым находилось в руках мужа, и если он растратил его из-за неудач или плохого управления, у женщины не было выхода.Женщины высших классов (королевские, аристократические и буржуазные) находились под более строгим контролем, чем крестьянки или женщины из более бедных городских слоев, потому что их браки включали важные политические и экономические отношения и ценную собственность. В то время как европейские невесты никогда не покупались, как это делалось в некоторых культурах, дочерей в известных семьях выдавали замуж их родители (по сути, их отцы), которые использовали браки дочерей (и сыновей тоже) для политических целей. деловые связи.С другой стороны, женщины из низшего сословия часто обладали значительно большей независимостью в выборе того, за кого и когда выходить замуж, хотя основной причиной этой независимости было то, что они были бедны, и, следовательно, их брак не предполагал преследования посторонних материальных целей.

В 17 веке профессии (учитель, юрист, врач) были закрыты для женщин. Однако у некоторых женщин была работа. Некоторые из них работали прядением. Женщины также были портными, модистками, красильщиками, сапожниками и вышивальщицами.Были и прачки. Некоторые женщины работали в сфере приготовления пищи, например, пивоварами, пекарями или кондитерами. Женщины также продавали продукты на улицах. Очень распространенной работой женщин была домашняя прислуга. Другие женщины были акушерками и аптекарями.

Однако большинство женщин были домохозяйками и были очень заняты. Большинство мужчин не могли бы управлять фермой или бизнесом без помощи жены. В те дни большинство сельских домохозяйств были в значительной степени самодостаточными. Домохозяйке (которой помогали ее слуги, если таковые были) приходилось печь семейный хлеб и варить пиво (пить воду было небезопасно).Она также отвечала за засолку бекона, засолку мяса и приготовление солений, желе и консервов (все это было необходимо в эпоху, когда еще не было холодильников и морозильников). Часто в деревне домохозяйки также делали семейные свечи и мыло для них. Хозяйка также пряла шерсть и лен.

Жена фермера также доила коров, кормила животных и выращивала травы и овощи. Она часто держала пчел. Она также возила товары на рынок для продажи. Кроме того, она должна была готовить, стирать одежду и убирать в доме.Предполагалось, что домохозяйка должна обладать некоторыми знаниями медицины и уметь лечить болезни своей семьи. Если бы она не могла, они бы пошли к мудрой женщине. Только богатые могли позволить себе врача. Жены бедняков и представителей среднего класса были очень заняты, но и богатые женщины не сидели сложа руки. В большом доме им приходилось организовывать слуг и контролировать их. Кроме того, если ее муж отсутствовал, женщина обычно управляла имением. Очень часто жена торговца вела его счета, а в поездках занималась бизнесом.Часто, когда торговец писал завещание, он оставлял свой бизнес жене, потому что она могла им управлять.

В 16 веке некоторые женщины из высшего сословия были высокообразованными. (Елизавета I была хорошо образована и любила читать). Они учились музыке, танцам и рукоделию. Они также научились читать и писать, выучили такие языки, как греческий и латынь, испанский, итальянский и французский. Однако к концу 16 века девушки тратили меньше времени на академические предметы и больше на такие навыки, как музыка и вышивка.Более того, в 17 веке во многих городах были открыты школы-интернаты для девочек. В них девочек обучали письму, музыке и рукоделию. (Для девочек считалось более важным усвоить «достижения», чем изучать академические предметы).

Женщинам шестнадцатого, семнадцатого и восемнадцатого веков была поставлена ​​задача выразить себя в патриархальной системе, которая обычно отказывалась признавать заслуги женских взглядов. Культурные и политические события этих столетий повысили внимание к женским проблемам, таким как реформа образования, и к концу восемнадцатого века женщины стали все чаще выступать против несправедливости.Хотя современного феминизма не существовало, многие женщины выражали себя и разоблачали условия, с которыми они сталкиваются, хотя часто и косвенно, используя различные подрывные и творческие методы.

Социальная структура Европы шестнадцатого века предоставляла женщинам ограниченные возможности для участия; они служили главным образом управляющими своими домашними хозяйствами. Ожидалось, что женщины будут сосредоточены на практических домашних делах и занятиях, которые способствовали бы улучшению их семей, и в особенности их мужей.В большинстве случаев образование для женщин не поощрялось — считалось, что оно наносит ущерб традиционным женским добродетелям невинности и морали. Женщины, выступавшие против патриархальной системы гендерных ролей или любой несправедливости, рисковали быть изгнанными из своих сообществ или, что еще хуже; В частности, гласные незамужние женщины становились объектами охоты на ведьм. Энн Хатчинсон, бросившая вызов авторитету пуританского духовенства, была отлучена от церкви за свои откровенные взгляды и противоречивые действия. Энн Аскью, хорошо образованная английская протестантка, которая говорила открыто, была осуждена за ересь в 1545 году; ее отрицание пресуществления было основанием для ее заключения.В конце концов, она была сожжена на костре за отказ свидетельствовать против других протестантских придворных дам. Елизавета I взошла на престол в 1558 году, женщина, которая противоречила многим гендерным ролям того времени. Она была хорошо образована, изучив множество предметов, включая математику, иностранный язык, политику и историю. Элизабет была откровенным, но широко уважаемым лидером, известным своими ораторскими способностями, а также покровительством искусства. Несмотря на наступление эпохи печати, уровень грамотности в этот период оставался низким, хотя Библия стала более доступной для низших классов.Религиоведение, хотя и ограничивалось «личным самоанализом», считалось приемлемым занятием для женщин и давало им другой контекст, в котором они могли выражать свои индивидуальные идеи и чувства. Помимо религиозных материалов, женщины этого периода часто выражали себя через якобы частные формы писем и автобиографий.

Семнадцатый век не был эпохой резких изменений статуса или условий жизни женщин. Женщины продолжали играть значительную, хотя и не признаваемую, роль в экономических и политических структурах благодаря своей преимущественно домашней деятельности.Они часто выступали в роли советчиков дома, «сдерживая» слова и действия своих мужей. Хотя женщины не участвуют напрямую в политике, роль женщин в семье и местном сообществе позволяет им влиять на политическую систему. Женщинам не рекомендуется прямо выражать политические взгляды, противоречащие взглядам их мужей, или широко осуждать устоявшиеся системы; тем не менее, многие женщины смогли обнародовать свои личные взгляды через завесу личных религиозных писаний. Опять же, женщины, которые бросили вызов общественным нормам и предрассудкам, рисковали своей жизнью — Мэри Дайер была повешена за неоднократное оспаривание закона Массачусетса, изгнавшего квакеров из колонии.Хотя их влияние часто очерняли, женщины участвовали в различных общественных мероприятиях. Например, женщины были полноправными членами английских гильдий; записи гильдии включают ссылки на «братьев и сестер» и «свободных и свободных женщин». В течение семнадцатого века женские писания по-прежнему были сосредоточены в основном на религиозных проблемах, но женщины все чаще находили творческий и интеллектуальный выход в частных журналах и написании писем. Повествование Мэри Роулендсон о плену, опубликованное в 1682 году, представляет собой известное повествование, написанное якобы для личного пользования, которое было обнародовано и имело большой успех.

Восемнадцатый век принес начало британской культурной революции. С усилением влияния среднего класса и расширением консьюмеризма роль женщин начала эволюционировать. Экономические изменения, принесенные новым средним классом, предоставили женщинам возможность принимать более непосредственное участие в коммерции. Женщины из низшего и среднего класса часто помогали своим мужьям в работе вне дома. По-прежнему считалось неприличным, чтобы женщина разбиралась в бизнесе, поэтому, хотя некоторые классовые различия стирались, высший класс мог отличаться от остального общества.Рост потребления позволил дворянству уделять больше внимания изменению моды и «демонстрации», еще больше отдаляя их от среднего класса. С появлением изменений в правилах моды и приемлемых нравов в обществе некоторые женщины создали литературную нишу, написав руководства по этикету. Также из-за культурной революции рост уровня грамотности среди низших классов вызвал рост публикаций, в том числе периодического издания. Мужчины и женщины всех слоев общества нашли новые средства для выражения идей в более широком издательском сообществе.Хотя женские произведения в этот период продолжали в значительной степени быть продолжением семейной жизни и были сосредоточены в основном на прагматических, практических вопросах, женщины нашли более широкий рынок для публикаций. Акт профессионального письма, однако, все еще считался аристократией «вульгарным». Значительная колониальная экспансия в этот период предоставила потенциальным писателям уникальную тематику — письма, написанные женщинами за границей, обсуждали иностранные проблемы и культуру и предлагали подробный обзор далеких земель.Эти письма часто распространялись среди членов большой семьи, а также среди большого сообщества. Вопреки социальным ограничениям, такие женщины, как Мэри Уоллстонкрафт, начали публично высказываться о правах женщин, включая законы об образовании и браке. Хотя у женщин был более широкий доступ к образованию, цель образования женщин заключалась в достижении идеальной «женственности» — «надлежащее образование» рассматривалось как такое, которое поддерживает домашнюю и социальную деятельность, но игнорирует академические занятия. Такие женщины, как Уоллстонкрафт, выступали за доступ к образованию для женщин, равный доступу их коллег-мужчин.Законы о браке, которые в подавляющем большинстве отдавали предпочтение мужчинам, также вызвали общественные дебаты, хотя в этот период мало что было сделано для реформирования законов.

Во всем мире женщины принимают меры для защиты своих политических и социальных прав. Екатерина Великая Россия разработала государственный переворот, чтобы занять трон в 1762 году, агрессивный акт, чтобы предотвратить лишение наследства ее сына. Екатерина продолжала править нетрадиционным, независимым образом, уходя от мужчин, которые сделали возможным ее вознесение, и оставаясь незамужней, чтобы обеспечить свою власть.Екатерина была проницательным политиком и пользовалась широкой общественной поддержкой, чтобы принять законы, существенно изменившие политическую систему России. Во Франции Олимпия де Гуж потребовала равных прав для женщин в новой Французской республике и в конечном итоге была казнена на гильотине в 1793 году. Мадам Ролан, которая также погибла безвременно в 1793 году, оказала влияние на революционных политиков и мыслителей во время Французской революции благодаря своей знаменитой салон. Она тоже была активистом за социальные и политические права женщин и была казнена за измену, в основном из-за ее откровенных феминистских идей.Филис Уитли, афроамериканская рабыня, исследовала рабство и британский империализм в своих стихах и стала заметной фигурой среди аболиционистов в Америке и за рубежом. Женщины все чаще осуждали традиционные роли и выступали против социального и политического неравенства, с которым они сталкивались. Век завершился смертью провидцев, таких как Мэри Уоллстонкрафт и Екатерина Великая, и рождением нового поколения женщин-писателей и ученых. Политические и социальные перемены, произошедшие в восемнадцатом веке, открыли этим будущим писателям и активистам путь к продвижению дела прав женщин.

Положение женщин в художественной манере в «Оде на смерть любимой кошки»

Формалистический подход к оде о смерти любимой кошки (любимой) Формальный анализ поэзии помогает раскрыть основной смысл стихотворения. Этот метод не фокусируется на авторе стихотворения или на том, что происходило в истории в то время, когда стихотворение было написано, а вместо этого делает акцент на фактическом значении произведения. Формальный анализ вдыхает жизнь в литературное произведение и позволяет стихотворению говорить само за себя.Например, в стихотворении Томаса Грейса «Ода о смерти любимой кошки, утонувшей в ванне с золотыми рыбками», уделение пристального внимания выбору слов, структуре и схеме рифм освещает действия крадущейся кошки.

Очень трудно понять, что писатель имеет в виду, когда пишет стихотворение, потому что вы должны войти в состояние ума, в котором, как вы думаете, был писатель, когда они сочиняли стихотворение. В «Оде о смерти любимого кота, утонувшего в кадке с золотыми рыбками» Томас Грей использует кошку и рыбу, чтобы научить морали.В «Оде на смерть любимого кота, утонувшего в кадке с золотыми рыбками», действие происходит в первой строфе. Стихотворение дало вам представление о том, что оно происходило в очень красивом доме, в котором была большая фарфоровая ваза с водой, а также намек на то, что в этой вазе были цветы и рыбы. Он описывает красивые цветы с синим оттенком в цвету и рыбу как ангелоподобную рыбу Бета, у которой был амур, сделанный из золота с оттенком королевского пурпура. Когда Грей начал описывать пушистого черно-белого полосатого кота с темно-зелеными глазами.

Кошку зовут Селима, и она сидит на вершине вазы, наблюдая, как рыбы скользят по воде. Селима планировала съесть рыбу, как только сможет их поймать. Поэтому она медленно потянулась лапой, чтобы поймать одну из рыб, ее первая попытка не удалась, поэтому она снова думает о том, как ей добраться до них. В конце концов она падает и пытается выбраться восемь раз, взывая о помощи от прощающей души. Кажется, ее никто не слышит, и она тонет в воде, в которой плавала рыба.

Томас Грей задает два вопроса: «Какое женское сердце может презирать золото? Какая кошка не любит ловить рыбу? » (строки 23 и 24) смысл этих вопросов состоит в том, что некоторое количество золота не предназначено для женщин, и эти рыбы не предназначены для того, чтобы их ела Селима. Также «самка» может отражать кошку, поскольку кошки обычно имеют женский род и «золото», относящееся к рыбе. Грей также заявляет: «Злая судьба сидела и улыбалась» (строка 28), что наводит меня на мысль, что судьба смеялась над кошкой, а не помогала ей, потому что судьба знала, что должно было случиться.В строке двадцать девятой «Скользкая граница, которую обманули ее ноги» — это иллюзия того, что кошка думает, что у нее есть равновесие, и все же она не заставляет ее упасть в аквариум. В предпоследних строфах говорится о том, как она взывала к «водянистому богу», чтобы тот послал ей помощь. «Ни дельфины, ни Нереида не пошевелились. Ни жестокий Том, ни Сьюзен не слышали», что, на мой взгляд, означает, что никто не слышал Селиму, даже другая кошка, слуга или даже ее хозяин не пришли помочь ей в ее смятении.

Кот в стихотворении олицетворяет человеческую женщину.На протяжении всего стихотворения она упоминается как «она» и отождествляется с аналогичными сексистскими чертами, присущими женщинам. Эти черты характера — лень, потребность в блестящих, красивых предметах и ​​неутолимое стремление к материальным благам. Подобно тому, как золотая рыбка привлекает кошку, этот мерцающий металл привлекает внимание женщины. Как и в строке 24 сказано: «Что женское сердце может презирать золото». Стремление кошки к блестящей рыбе в конечном итоге заканчивается ее смертью. Это похоже на то, что случится с женщиной, если ее не контролировать.У этой кошки нет ничего, что могло бы помешать ее безумию. Женщине нужен мужчина, который направит ее на правильный путь. Если ее оставить на произвол судьбы, это будет означать ее конец, по крайней мере, именно это стихотворение подразумевает женщин. В конце вводится универсальная мораль, которая может быть применена к человеческому миру: «Не все, что соблазняет ваши блуждающие глаза, и беспечные сердца — законная награда, ни все, что сияет золотом». (40-42). Это приводит к идеальному сравнению женщин и мужчин как двух психологических сущностей, Ид и Супер-Эго.Поскольку кошка в стихотворении настолько поглощена своим желанием, что она импульсивно действует на ее жадность и является олицетворением человеческой женщины, то очевидно, что женщины могут считаться олицетворениями Ид. Они импульсивно действуют в соответствии со своими желаниями и в конечном итоге, как и кошка, поглощаются этими желаниями, если их не контролировать. Вот тут-то и появляется мужчина. Мужчины должны быть рядом и действовать как суперэго, сдерживающее естественное стремление женщины к материальной выгоде. Поскольку оба представляют собой разные сущности соответственно, очевидно, что союз мужчины и женщины должен быть эго.Баланс между двумя. Стремление женщины к материальной выгоде и естественная склонность мужчины к закону и порядку. Таким образом, это приводит к идее, что определенные человеческие черты можно идентифицировать не только как мужские и женские, но и как вещи, которые от природы склонны к Супер-Эго и Ид. Согласно общепринятой религиозной мысли, женщины сами по себе грешны. Они ленивы, жадны, жаждут своих материальных благ и сексуально движимы. Таким образом, идентифицируя эти черты не только как часть ид, но и как женские.И наоборот, черты суперэго, потребность в структурированном обществе и правопорядке, также считаются мужскими идеями. Потребность в порядке в обществе и создании закона и порядка в обществе обычно воспринимается как мужские идеи. Это, конечно, считается христианскими и сексистскими идеями, но, учитывая период времени, в течение которого существует Томас Грей и общество, в котором он живет, это, безусловно, идеи, которые он, вероятно, разделял, и если не он, то большинство общества. Женщину нельзя оставлять управлять своей жизнью, потому что она никогда не может надеяться управлять ею, как мужчина, поэтому у нее должен быть муж, чтобы ограничить ее желания.

Как это:

Нравится Загрузка …

Классическое образование в восемнадцатом веке


Огромный интерес к классическому образованию возник в восемнадцатом веке, демонстрируя, что классическое образование все еще почиталось в образовательных кругах как вершина интеллектуального обучения. Его представления перерабатывались веками, обретая новое значение, а также новые идеологии, но, по сути, принося те же результаты. Классическое образование было основой для любого интеллектуала — оно давало разум и разум для аргументов, давало писателям примеры, на которые нужно было обратить внимание, и закрепляло за образованием место в любом обществе.Просвещение конца 17-го и 18-го веков потребовало пересмотра классических концепций и помогло подчеркнуть многие ключевые моменты классического образования, включая идею о том, что разум требует знаний и что навыки рассуждения необходимы для успеха в любом обществе. .

The King’s Library, Creative Commons

Интерес к классическому образованию

Средневековые университеты начали возрождать традиционное образование в XII и XIII веках.До этого большую часть знаний можно было получить в монастырях, где в центре внимания оставались литургия и молитва. Соборные школы (небольшие школы, которыми управляет духовенство для обучения будущих священников) были созданы как ответ на григорианскую реформу начала XI века. Эти школы, хотя и религиозные, начали обучать мирян (студентов, не являющихся «духовными лицами»), а также студентов духовенства. Преподавали каноническое право, но со временем в учебную программу были включены более светские аспекты церкви (контроль над финансами, логика проповеди).Учителя приобрели престиж, соборные школы рассматривались как предшественники университетов, а большой спрос на эти школы вдохновил на создание новых университетов и их переезд в более крупные города Европы, такие как Болонья и Париж.

Гуманизм шестнадцатого века исследовал и продвигал идеи классиков, когда их движение охватило Европу. Латынь была первым языком, который преподавали в школах, за которым, как правило, последовал греческий. Классические идеи оставались сильными на протяжении веков, демонстрируя свою силу и способность адаптироваться к быстро меняющимся временным периодам.Эти университеты излагали многие религиозные идеи и мысли, но начали двигаться в сторону светских исследований. Этот переход к мирскому знанию потребовал обновления классических концепций.


Учебный план и области обучения

Классическое образование в древние времена зависело от семи гуманитарных наук, которые затем были разделены на тройной Trivium по грамматике, логике и риторике и четырехкратный Quadrivium арифметики, геометрии, музыки и астрономии
Современное возрождение классического образования основывало их учебную программу «начального образования» на тривиуме.Они будут использовать квадривиум как основу своей учебной программы «среднего образования».

  • Элементы Trivium
    • Грамматический этап , на котором закладываются основы для углубленного изучения. Обучают ремеслу чтения и письма. (Эквивалент начальной школы)
      • На этапе изучения грамматики дети воспринимаются как «губки», готовые запоминать и изучать важные понятия языка
      • важно, чтобы на этом этапе дети усвоили как можно больше слов и понятий
    • Логический этап , на котором учащиеся учатся тщательно продумывать аргументы (эквивалентно средней школе)
      • на этом этапе студенты могут критиковать аргументы других, а также свои собственные
    • Этап риторики , где учащиеся учатся эффективно выражать себя (эквивалентно средней школе)
      • Теперь учащиеся могут не только понимать аргументы других, но и выдвигать свои собственные и убеждать других
      • Способность подражать классическим поэтам, таким как Овидий, была важной техникой
  • Элементы Quadrivium
    • Арифметика обучает науке о числах
    • Геометрия сфокусирована на науке о формах
    • Музыка обучает науке звука и гармонии
    • Астрономия было исследованием времени («формы в движении»)
Этот детальный снимок картины Ганса Гольбейна Младшего «Французские послы» (1533) отсылает к основным элементам квадривиума, которые можно увидеть на земном шаре, календаре, уровне, компасе и т. Д.


Выбор семи искусств для изучения был нелегким выбором. Платон, изучивший эти искусства у пифагорейцев, которые научились им в школах жрецов Вавилона или Египта, превозносил квадривиум как «необходимое образование для философа». Семь гуманитарных наук были одними из единственных классических «семян», переживших падение Римской империи, спасенных и сохраненных монастырями. Университеты двенадцатого и тринадцатого веков возродили интерес к высшему образованию, поскольку они эволюционировали из монашеских корней и стали узнаваемыми высшими учебными заведениями.В школах преимущественно преподавали латынь, за которой, как правило, шел греческий. До 17 века латынь использовалась во всем мире, и поэтому знание этого языка было необходимо лидерам общества (священникам, королям, духовенству и т. Д.). Со временем латынь превратилась в романские языки, и Библии и другие тексты начали переводиться с латыни на местные языки, что расширило аудиторию научных и религиозных текстов.


Основные школы

В следующий список включены названия ведущих гимназий, колледжей и университетов Англии, Шотландии и Ирландии, которые включили классические исследования в свои основные учебные программы:

  • Абердинская гимназия
  • Итонская гимназия
  • Винчестерская гимназия
  • Вестминстерская гимназия
  • Тринити-колледж
  • Итонский колледж
  • Колледж Грешема
  • Оксфордский университет
  • Кембриджский университет

Джон Мильтон (1608–1674) — английский поэт, автор «Потерянного рая»

Известные писатели с классическим образованием

Джон Милтон (1608-1674) Хотя Милтон не поэт 18-го века, его обучение классическому образованию показывает тенденцию на будущие века.Известный своей эпической поэмой « Потерянный рай», «» Милтон учился в Кембридже и там хорошо разбирался в «классике».
Александр Поуп (1688-1744) Английский поэт, известный различными политическими и сатирическими работами, включая «Эссе о человеке», «Изнасилование замка», и его сатирический перевод Гомера. До 12 лет он начал изучать латинский и греческий языки из различных источников. Многие из его учителей были римско-католическими священниками (из-за влияния церкви на возрождение классики).
Джозеф Аддисон (1672-1719) Английский публицист и поэт. Он учился в нескольких начальных школах, в том числе в Чартерхаусе, а затем в Оксфордском университете, где он получил ученую степень. Во время учебы в Оксфорде его навыки в латинском стихе позволили ему подняться до звания стипендиата Магдалины. Позже он стал деканом Личфилда. Среди основных работ Аддисона — его вклад в серию The Tatler , а также оперу Розамунд («Джозеф Аддисон»).
Томас Грей (1716–1771) Английский поэт, классик, профессор Кембриджского университета.Грей учился в Итонском колледже, а затем в Кембридже, где он преуспел в классических исследованиях, стал особенно успешным знатоком греческого языка и разработал множество латинских сочинений. Среди его опубликованных работ — « Элегия, написанная на деревенском погосте », а также различные оды, в том числе «Ода о весне » и «Ода бедствия » (Хубер).
Сэмюэл Джонсон (1709-1784) Английский поэт, эссеист, биограф и критик, Джонсон посещал колледж Пембрук, Оксфорд. Джонсон хорошо известен как автор книг A Dictionary of the English Language , Vanity of Human Wishes и London (Lynch).


Свидетельства классического образования в литературе 18 века
  • На протяжении всей британской литературы 18 века, от поэзии до прозы, от пьес до еженедельных публикаций, есть свидетельства влияния классического образования. Использование латыни, отсылки к древнегреческим и римским фигурам и текстам и их имитация, использование сатиры и пропаганда классического образования и идеологии являются одними из характерных черт, очевидных в произведениях 18-го века, которые раскрывают как классическое образование авторов. , а также знакомство широких слоев населения с классическими учениями.Среди произведений, созданных в этот период и отражающих возобновившийся интерес общества к классической традиции, возникший в результате образовательной системы того времени, находятся: Эссе о критике , Эссе о человеке и Похищение замка Александра Поупа, Катон, трагедия и Genius Джозефа Аддисона, Тщеславие человеческих желаний и эссе в The Ramble Сэмюэля Джонсона, и Путешествия Гулливера Джонатона Свифта.


Примеры классических ссылок и идеологий из литературы

В этом отрывке из Эссе о критике (1711) Александра Поупа мы видим свидетельство его классического образования, поскольку он ссылается на древнегреческого поэта Гомера, Энида Вергилия («Мантуанская муза»), и продвигает их исследования как средства, с помощью которых можно научиться искусству критики:

Тогда вы, чьи суждения верным курсом вы бы избрали,
Хорошо знайте характер каждого ДРЕВНЕГО,
Его Басня, Тема, Сфера действия на каждой странице,
Религия, Страна , Гений своего возраста:
Без всего этого сразу перед вашими глазами,
Кавил вы можете, но никогда не критиковать.
Будьте сочинениями Гомера своим изучением и радостью,
Читайте их днем ​​и медитируйте ночью,
Отсюда формируйте свое суждение, отсюда ваши максимы,
И проследите за Музами вверх до их Источника;
«Still with It», его «Текст»;
И пусть ваш комментарий будет мантуанской музой.

Критика, центральная часть эссе Поупа, была навыком, который лелеял неоклассическое движение, поощрялся и оттачивался на всех этапах тривиума: грамматике, логике и риторике.

Этот отрывок из 121-го эссе Сэмюэля Джонсона (1754) в его еженедельной публикации The Rambler , как и эссе Поупа, поощряет изучение древних сочинений как средство просвещения:

Даже те, кому Провиденс выделил большая сила понимания может улучшить только одну науку.Во всех остальных аспектах обучения они должны довольствоваться тем, что следуют мнениям, которые они не могут изучить; и даже в том, что они считают своим особенным, редко могут добавить больше, чем небольшую частичку знания к наследственному запасу, переданному им с древних времен, коллективному труду тысячи умов.

Аргумент Джонсона сливается с неоклассической идеологией, согласно которой научные правила, математика, логика, грамматика и т. Д. В значительной степени уже были открыты и лучше всего могут быть усвоены путем изучения старых свидетельств.


Возрождение старых текстов

По мере того как изучающие неоклассицизм стремились использовать мудрость древних, большая часть литературных усилий была обращена на возрождение старых текстов. В результате недавно опубликованные издания и переводы классических греческих и римских произведений, в том числе « De Oratore » Цицерона, «Риторика » Аристотеля и «Институты ораторского искусства » Квинтилиана наводнили Англию в XVIII веке (Махони).Стремление литературного сообщества к возрождению этих текстов было обусловлено акцентом образовательной системы на классической традиции, а также поощрялось этим.



Сатира и псевдо-эпос

Преобладание как сатиры, так и псевдо-эпоса в британской литературе 18-го века отражает древние влияния, накопленные классическим образованием. Например, Сэмюэл Джонсон в «Тщеславие человеческих желаний » воссоздает Десятую сатиру Ювенала, чтобы отразить Англию восемнадцатого века.Ювенал был римским поэтом, который, как и многие его современники первого и второго веков, написал ряд сатирических произведений. Следуя традициям древних писателей, таких как Ювенал, чьи произведения изучали в школах, Джонатон Свифт в Скромное предложение и Александр Поуп в Похищение замка возродили сатиру для Англии восемнадцатого века. Папы «Похищение замка » также служит примером псевдонима. Писатели восемнадцатого века, такие как Джонатон Свифт и Александр Поуп, часто брали идею эпоса и сочетали ее с сатирой, чтобы создать псевдоним-эпос.Классические эпосы Древней Греции и Рима, такие как Гомер Иллиада и Вергилий Энид , характеризовались присутствием героя национального значения, серьезным и постоянно повышенным тоном и участием некоторых сверхъестественных или сверхчеловеческих факторов. С другой стороны, «Путешествие Гулливера», «, » и «Похищение замка» как имитация эпоса представляют собой скорее комедийный образ рассказов о героях, высмеивая человеческие слабости и глупости (Коди; Линч).

Возникновение и популярность сатиры и псевдоэпопеи в таких произведениях, как « Похищение замка» Папы, отражает преобладание классического влияния в обществе, получившего широкое распространение через образование. В приведенной ниже таблице показаны сходства и различия псевдоэпоса Британии 18 века и древнего эпоса Греции:

Эпическое Мок-эпос
Иллиада, Энеида Похищение замка
Вооружение Героя Сцена в туалете [одевание]
Битва Карточная игра
Стратагема Нюхательный табак
Вмешательство богов и богинь Сильфы и гномы
Путешествие в подземный мир Пещера Селезенки
Мечта Мечта

* оригинальная диаграмма, опубликованная в The Victorian Web Д.Коди.


Процитировано работ:

.

1. Болгар Р.Р. «Рецензия: [без названия]». Исторический журнал 2 (1959): 189-191. http://www.jstor.org/stable/267173?seq=2)
2. Кларк, М. Л. Классическое образование в Великобритании. 1500-1900 . Кембридж: Издательство Кембриджского университета, 1959.
3. Коди, Д. «Псевдоним как жанр». Викторианская сеть. , июль 2000 г. 22 мая 2008 г.
4. Huber, A. ed. «Биография.» Архив Томаса Грея . 2008. Оксфордский университет. 23 мая 2008 г. >
5. Джонсон, С.« Рамблерный очерк № 121 »(14 мая 1751 г.). 22 мая 2008 г. <[[http://www.samueljohnson.com/educatio.html%3E/%3C/span%3E%3Cspan|http://www.samueljohnson.com/educatio.html> //
6. «Джозеф Аддисон.Энциклопедия Британника. 11-е изд., Т. I. 1910. 188. 22 мая 2008 г. .
7. Линч, Дж. «Эпос». Глоссарий литературных и риторических терминов . 3 августа 1999 г. Университет Рутгерса. 22 мая 2008 г.
8. -. «Кто этот Джонсон Гай?» Справочник Сэмюэля Джонсона . 26 июля 2005 г. Университет Рутгерса. 22 мая 2008 г.
9.Махони, Джон Л. «Классическая традиция в английском риторическом образовании восемнадцатого века». Журнал истории образования 9.4 (1958): 93-97. История образования общества. 10. Май, Гита. «Статус исследований восемнадцатого века». The French Review 75 (2001): 318-325
11. Поуп, А. «Очерк критики» в Longman Anthology of British Literature , Vol. 1С, 3-е изд. Damrosch et al. ред.
12.Вандам, Л. «Ложное обещание классического образования». Объективный стандарт . 2.2 (2007). Май 2008 г. < http://www.theobjectivestandard.com/issues/2007-summer/false-promise-classical-education.asp**

Источники изображений:
Фото Creative Commons «Королевская библиотека» Муджтаба Чохан Источник: Британский музей
Элементы квадривиума Фото: www.pureinsight.org/ pi / index.php? news = 3115 **
Джон Милтон Фото: www.gutenberg.org/files/ 13619/13619-h / 13619-ч.htm


Авторы:
Меган Петтингилл: Введение, интерес к классическому образованию, учебная программа и области обучения, преобладающие школы
Лилиана Шабо: известные писатели с классическим образованием, преобладающие школы, свидетельства классического образования в литературе 18 века

Неоклассицизм, введение — Smarthistory

Николя Пуссен, Et in Arcadia Ego , 1637-38, холст, масло, 185 см × 121 см (72,8 дюйма × 47,6 дюйма) (Лувр)

Вопреки легкомысленной чувственности художников рококо, таких как Жан-Оноре Фрагонар и Франсуа Буше, неоклассики черпали вдохновение во французском живописце Николя Пуссене (творчество Пуссена демонстрирует интерес к классицизму во французском искусстве семнадцатого века).Решение продвигать живопись «Пуссинистов» стало этическим соображением — они считали, что сильный рисунок рационально, а значит, лучше с моральной точки зрения. Они считали, что искусство должно быть умным, а не чувственным.

Неоклассики, такие как Жак-Луи Давид (произносится как Да-ВИД), предпочитали четко очерченную форму — четкий рисунок и моделирование (затенение). Рисование считалось более важным, чем живопись. Поверхность в стиле неоклассицизма должна была выглядеть идеально гладкой — никаких следов мазков кисти не должно быть заметно невооруженным глазом.

Франция была на пороге своей первой революции в 1789 году, и неоклассики хотели выразить разумность и серьезность, соответствующие их временам. Художники, подобные Давиду, поддерживали мятежников с помощью искусства, которое требовало ясного мышления, самопожертвования государству (как в Клятва Горациев ) и строгости, напоминающей республиканский Рим.

Жак-Луи Давид, Клятва Горациев , 1784, холст, масло, 3,3 x 4,25 м, роспись в Риме, экспонируется в салоне 1785 года (Лувр; фото: Стивен Цукер, CC BY-NC-SA 2.0)

Неоклассицизм был порождением Века Разума (Просвещения), когда философы верили, что мы сможем управлять своей судьбой, изучая законы природы и следуя им (Соединенные Штаты были основаны на философии Просвещения). Научное исследование привлекло больше внимания. Таким образом, неоклассицизм продолжил связь с классической традицией, потому что он означал умеренность и рациональное мышление, но в новом и более политически заряженном духе («нео» означает «новый», или, в случае искусства, существующий стиль, повторенный с новым крутить.)

Неоклассицизм характеризуется ясностью формы, сдержанными цветами, неглубоким пространством, четкими горизонтальными и вертикальными линиями, которые делают этот предмет вневременным (вместо временного, как в динамичных произведениях барокко), и классическим предметом (или классицизмом современного предмета).


Дополнительные ресурсы:

Неоклассицизм на хронологии истории искусств в Хайльбрунне Метрополитен-музея

Николя Пуссен на временной шкале истории искусств в Хайльбрунне Метрополитен-музея


Художественное произведение, связанное с классицизмом XVII века

Интересуетесь художественными работами, связанными с классицизмом семнадцатого века? На этой странице мы собрали для вас ссылки, по которым вы получите самую необходимую информацию о произведениях искусства, связанных с классицизмом семнадцатого века.


Классицизм и натурализм в итальянской живописи XVII века
    http://www.visual-arts-cork.com/history-of-art/classicism.htm
    Работы Аннибале Карраччи, Караваджо и других художников-классиков-реалистов 17 века можно увидеть в некоторых из лучших художественные музеи мира. Для современного взгляда на классицизм см. Классическое возрождение в современном искусстве, а также Неоклассические рисунки Пикассо (1906-30).

Французское искусство 17 века — Википедия
    https: // en.wikipedia.org/wiki/17th-century_French_art
    т. е. Французское искусство 17-го века обычно называют барокко, но с середины до конца 17-го века стиль французского искусства демонстрирует классическую приверженность определенным правилам пропорции и умеренность, нехарактерную для барокко, как это практиковалось в большинстве стран. остальная часть Европы в тот же период.

Список художников и архитекторов 17 века …
    https: //www.britannica.com / topic / list-of-Artist-and-Architects-of-17-го века-2003 693
    Искусство барокко обычно узнается по его эмоциональным качествам, его капризности, величию, жизненной силе и сложности, в то время как классическое искусство выдает влияние античного искусства, подчеркивающего гармонию, сдержанность и ясность. В 17 веке классицизм был наиболее распространен во Франции и Англии, тогда как барокко господствовало в Италии, Испании и Северной Европе, где художники также практиковали барокко …

Барокко и классицизм — французское искусство 17-18 вв…
    https://about-france.com/art/baroque-to-rococo.htm
    Прилагательное «барокко» даже кажется неуместным, когда оно используется для описания работ некоторых из величайших французских художников семнадцатого века. особенно Клод Лоррен и Николя Пуссен; но он хорошо сочетается с двумя важными художниками, современниками Караваджо, Джорджем де…

Классицизм Что это, о чем, характеристика, история …
    https: // www.euston96.com/en/classicism/
    В искусстве классицизм соединяется между барокко и романтизмом, создавая уравновешенную смесь обоих направлений. Некоторые историки и знатоки этого вопроса обычно устанавливают дату возникновения около 1750 года, года, когда И.С. Бах умирает и заканчивает в 1827 году, когда умирает один из величайших музыкантов и композиторов в истории, которым был Бетховен.

В семнадцатом веке социальная мобильность увеличилась …
    https: // www.coursehero.com/file/pdi3rm/In-the-seventeen-century-social-mobility-was-increased-somewhat-by-the-need/
    Художественные работы, связанные с классицизмом семнадцатого века ***** охватили формальные правила и структура. Роль парижского парламента заключалась в регистрации королевских указов. Генрих IV официально короновал себя королем Франции в 1594 году после того, как он отказался от протестантизма.

Искусство неоклассицизма Британника
    https: // www.britannica.com/art/Neoclassicism
    Неоклассическое искусство, также называемое неоклассицизмом и классицизмом, широко распространенное и влиятельное движение в живописи и других изобразительных искусствах, начавшееся в 1760-х годах, достигшее своего пика в 1780-х и 90-х годах и продолжавшееся до 1840-е и 50-е годы. В живописи это обычно принимало форму акцента на строгий линейный дизайн при изображении классических тем и сюжетов с использованием археологически правильных настроек…

Мы надеемся, что вы нашли всю необходимую информацию о «Художественном творчестве, связанном с классицизмом семнадцатого века», перейдя по ссылкам выше.

Неоклассицизм — Консультант HKT

Термин, использованный позже для описания движения, начавшегося в 1750-х годах, как возрождение античных и ренессансных форм и идеалов (а также классицизма 17-го века) в европейском искусстве.

В архитектуре классические порядки и геометрические формы предпочитали такие экспоненты, как сэр ДЖОН СОАН (1753-1837). В живописи предпочтение отдавалось классической тематике (особенно римской и греческой истории). Французский художник ЖАК ЛУИ ДАВИД (1748-1825) и итальянский скульптор АНТОНИО КАНОВА (1757-1822) изображали высокие моральные стандарты и добродетель, обращаясь за вдохновением к античной скульптуре и творчеству РАФАЭЛЯ (1483-1520).Тем самым они отвергли легкомыслие искусства рококо. Этим процессам способствовали археологические открытия того времени. Современные теоретики (например, Винкельманн) рекомендовали «подражать древним», но не копировать их буквально (за исключением обучения), одновременно выступая за художественное очищение и облагораживание природы.

К 19 веку идеал универсального вечного искусства был политизирован французским императором Наполеоном Бонапартом (1769-1821), а буквальное подражание и возрождение исказили высокие идеалы предшествующего поколения.Однако элементы неоклассицизма продолжали оказывать влияние на протяжении всей эпохи романтизма.

Неоклассицизм (также пишется Неоклассицизм ; от греческого νέος nèos , «новый» и греческий κλασικός klasikόs , «высшего ранга») [1] было западным культурным движением в декоративной сфере. изобразительное искусство, литература, театр, музыка и архитектура, черпавшие вдохновение в искусстве и культуре классической античности. Неоклассицизм зародился в Риме во многом благодаря трудам Иоганна Иоахима Винкельмана во время повторного открытия Помпеи и Геркуланума, но его популярность распространилась по всей Европе, когда поколение европейских студентов-искусствоведов завершило свой Гранд-тур и вернулось из Италии в свои страны с вновь открытыми греко-римскими идеалами. [2] [3] Основное неоклассическое движение совпало с эпохой Просвещения 18-го века и продолжалось до начала 19-го века, одновременно конкурируя с романтизмом. В архитектуре этот стиль продолжался на протяжении 19, 20 и вплоть до 21 века.

Начало европейского неоклассицизма в изобразительном искусстве ок. 1760 г. в противовес господствовавшему тогда стилю рококо. Архитектура рококо подчеркивает изящество, орнамент и асимметрию; Неоклассическая архитектура основана на принципах простоты и симметрии, которые считались достоинствами искусства Рима и Древней Греции и были более непосредственно взяты из классицизма эпохи Возрождения 16-го века.Каждый «неоклассицизм» выбирает одни модели из диапазона возможных классических, которые ему доступны, и игнорирует другие. Неоклассические писатели и ораторы, меценаты и коллекционеры, художники и скульпторы 1765–1830 годов отдали дань уважения идее поколения Фидия, но образцы скульптуры, которые они фактически охватили, скорее всего, были римскими копиями эллинистических скульптур. Они игнорировали как архаическое греческое искусство, так и произведения поздней античности. Искусство «рококо» древней Пальмиры стало настоящим откровением благодаря гравюрам в книге Вуда Руины Пальмиры .Даже Грецию почти никто не посещал, бурную заводь Османской империи, опасную для исследования, поэтому оценка греческой архитектуры неоклассиками была опосредована рисунками и гравюрами, которые тонко сглаживали и упорядочивали, «исправляли» и «реставрировали» памятники Греции, не всегда осознанно.

Стиль ампир, вторая фаза неоклассицизма в архитектуре и декоративном искусстве, имел свой культурный центр в Париже в эпоху Наполеона. Особенно в архитектуре, но также и в других областях, неоклассицизм оставался силой еще долго после начала 19 века, с периодическими волнами возрождения в 20 и даже 21 веках, особенно в Америке и России.

История

Неоклассицизм — это возрождение многих стилей и духа классической античности, вдохновленных непосредственно классическим периодом, [4] , который совпал и отразил развитие философии и других областей эпохи Просвещения и первоначально был реакцией на эксцессы предшествующего стиля рококо. [5] В то время как движение часто описывается как противоположный аналог романтизма, это большое чрезмерное упрощение, которое, как правило, неэффективно, когда рассматриваются конкретные художники или произведения.Случай с предполагаемым главным поборником позднего неоклассицизма Энгра демонстрирует это особенно хорошо. [6] Возрождение можно проследить до создания формальной археологии. [7] [8]

Иоганн Иоахим Винкельманн, которого часто называют «отцом археологии» [9]

Труды Иоганна Иоахима Винкельмана сыграли важную роль в формировании этого движения как в архитектуре, так и в изобразительном искусстве. Его книги Мысли о подражании греческим произведениям в живописи и скульптуре (1750) и Geschichte der Kunst des Alterthums («История древнего искусства», 1764) были первыми, в которых было проведено резкое различие между древнегреческим и римским искусством, и определяют периоды в греческом искусстве, прослеживая траекторию от роста к зрелости, а затем подражание или упадок, которое продолжает иметь влияние до наших дней.Винкельманн считал, что искусство должно стремиться к «благородной простоте и спокойному величию», [10] и хвалил идеализм греческого искусства, в котором, по его словам, мы находим «не только природу во всей ее прекраснейшей красоте, но и что-то за ее пределами, а именно определенное. идеальные формы его красоты, которые, как учит нас древний толкователь Платона, происходят из образов, созданных одним умом ». Эта теория была далеко не новой в западном искусстве, но его акцент на точном копировании греческих моделей был следующим: «Единственный способ для нас стать великими или, если это возможно, неподражаемыми, — это подражать древним». [11]

С появлением Гранд-тура началось увлечение коллекционированием древностей, положившее начало множеству великих коллекций, распространяющих неоклассическое возрождение по всей Европе. [12] «Неоклассицизм» в каждом искусстве подразумевает определенный канон «классической» модели.

В английском языке термин «неоклассицизм» используется в основном в отношении изобразительного искусства; подобное движение в английской литературе, начавшееся значительно раньше, называется литературой Августа.Это положение, которое доминировало в течение нескольких десятилетий, начало приходить в упадок к тому времени, когда неоклассицизм в изобразительном искусстве стал модным. Хотя термины различаются, ситуация во французской литературе была аналогичной. В музыке этот период ознаменовался подъемом классической музыки, а «неоклассицизм» используется для развития событий 20-го века. Тем не менее, оперы Кристофа Виллибальда Глюка представляли собой специфически неоклассический подход, изложенный в его предисловии к опубликованной партитуре Alceste (1769), целью которой было реформировать оперу, удалив орнамент, увеличив роль хора в соответствии с греческим языком. трагедия и использование более простых мелодичных линий без украшений. [13]

Антон Рафаэль Менгс; Решение Парижа ; около 1757 г .; масло на холсте; высота: 226 см, ширина: 295 см, куплена Екатериной II в ателье; Эрмитаж (Санкт-Петербург, Россия)

Термин «неоклассический» был изобретен только в середине 19 века, и в то время стиль описывался такими терминами, как «истинный стиль», «реформированный» и «возрождение»; то, что считалось возрожденным, значительно варьировалось. Конечно, в нем были задействованы старинные модели, но этот стиль также можно было рассматривать как возрождение эпохи Возрождения, особенно во Франции, как возврат к более строгому и благородному барокко эпохи Людовика XIV, по которому возникла значительная ностальгия. поскольку доминирующее военное и политическое положение Франции начало серьезное снижение. [14] Коронационный портрет Наполеона Энгра даже позаимствовал из позднеантичных консульских диптихов и их возрождения Каролингов, к неодобрению критиков.

Неоклассицизм был наиболее сильным в архитектуре, скульптуре и декоративном искусстве, где классические модели в той же среде были относительно многочисленными и доступными; примеры из древней живописи, которые продемонстрировали качества, которые письменность Винкельмана обнаружила в скульптуре, и которых не хватает. Винкельман участвовал в распространении знаний о первых крупных римских картинах, которые были обнаружены в Помпеях и Геркулануме, и, как и большинство современников, за исключением Гэвина Гамильтона, не был ими впечатлен, цитируя комментарии Плиния Младшего об упадке живописи в его период. . [15]

Что касается живописи, то греческая живопись была полностью утеряна: художники-неоклассики творчески возродили ее, частично с помощью барельефных фризов, мозаики и керамической росписи, а частично с помощью примеров живописи и декора эпохи Высокого Возрождения поколения Рафаэля, фресок Нерона года. Domus Aurea , Помпеи и Геркуланум, и благодаря новому восхищению Николя Пуссеном. Большая часть «неоклассической» живописи более классична по своей тематике, чем по чему-либо еще.Ожесточенный, но часто очень плохо информированный спор велся на протяжении десятилетий по поводу относительных достоинств греческого и римского искусства, причем Винкельманн и его коллеги-эллинисты, как правило, были на стороне победителей. [16]

Живопись и эстамп

См. Также: Каприччио (искусство)

Вид на так называемый Храм Согласия с Храмом Сатурна, справа Арка Септимия Севера ; Джованни Баттиста Пиранези; 1760–1778; травление; размер всего листа: 53.8 х 79,2 см; Метрополитен-музей (Нью-Йорк)

Трудно воссоздать радикальную и захватывающую природу ранней неоклассической живописи для современной публики; теперь он поражает даже тех писателей, которые благосклонно к нему относились, как «безвкусных» и «почти совершенно неинтересных для нас» — некоторые из комментариев Кеннета Кларка по поводу амбициозного произведения Антона Рафаэля Менгса Parnassus на Вилле Альбани, [17] художника которого его друг Винкельманн описал как «величайшего художника самого себя, возможно, более позднего времени». [18] и когда-то «зажигали художественную молодежь Европы», но теперь «заброшены», [20] , в то время как исторические картины Анжелики Кауфман, в основном портретиста, описываются Фрицем Новотным как имеющие «елейную мягкость и утомительность». [21] Легкомыслие рококо и движение барокко были отброшены, но многие художники изо всех сил пытались поставить что-нибудь на их место, и из-за отсутствия древних примеров исторической живописи, кроме греческих ваз, используемых Флаксманом, обычно использовался Рафаэль. в качестве замены модели, как рекомендовал Винкельманн.

Горатийская присяга ; Жак-Луи Давид; 1784; масло на холсте; высота: 330 см, ширина: 425 см; Лувр

Диана и Амур ; Помпео Батони; 1761; масло на холсте; 124.5 х 172,7 см; Метрополитен-музей

Работы других художников, которых трудно назвать безвкусными, сочетают в себе аспекты романтизма с общим неоклассическим стилем и составляют часть истории обоих движений. Немецко-датский художник Асмус Якоб Карстенс закончил очень немногие из запланированных им крупных мифологических работ, оставив в основном рисунки и цветовые этюды, которые часто приближаются к предписанию Винкельмана о «благородной простоте и спокойном величии». [22] В отличие от нереализованных планов Карстенса, офорты Джованни Баттиста Пиранези были многочисленными и прибыльными, и их забрали обратно те, кто совершал Гранд-тур по всей Европе. Его основной темой были здания и руины Рима, и его больше вдохновляла древность, чем современность. Несколько тревожная атмосфера многих из его Vedute (просмотров) становится доминирующей в его серии из 16 гравюр Carceri d’Invenzione («Воображаемые тюрьмы»), чья «угнетающая циклопическая архитектура» передает «мечты о страхе и разочаровании». [23] Швейцарский уроженец Иоганн Генрих Фюссли провел большую часть своей карьеры в Англии, и хотя его основной стиль основывался на неоклассических принципах, его сюжеты и трактовка чаще отражали «готическое» направление романтизма и стремились вызвать драма и азарт.

Неоклассицизм в живописи приобрел новое направление с сенсационным успехом Клятвы Горациев Жака-Луи Давида на Парижском Салоне 1785 года. Несмотря на напоминание о республиканских добродетелях, это было поручение королевского правительства. настаивал на живописи в Риме.Дэвиду удалось совместить идеалистический стиль с драматизмом и напористостью. Центральная перспектива перпендикулярна картинной плоскости, подчеркнутой тусклой аркадой позади, на которой героические фигуры расположены, как на фризе, с намеком на искусственное освещение и постановку оперы, а также на классический колорит Николя Пуссена. . Давид быстро стал лидером французского искусства, а после Французской революции стал политиком, контролирующим большую часть государственного патронажа в искусстве. Ему удалось сохранить свое влияние в наполеоновский период, обратившись к откровенно пропагандистским работам, но ему пришлось покинуть Францию ​​в изгнании в Брюсселе при Реставрации Бурбонов. [24]

Среди многих учеников Дэвида был Жан-Огюст-Доминик Энгр, который на протяжении всей своей долгой карьеры считал себя классиком, несмотря на зрелый стиль, имеющий двусмысленную связь с основным течением неоклассицизма, и многие более поздние отклонения в ориентализм и стиль трубадуров, который их трудно отличить от произведений его откровенно романтических современников, за исключением того, что его работы всегда отдают предпочтение рисунку.

About Author


alexxlab

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *