Стиль классицизм в интерьере — 168 фото особенностей в интерьере

В нынешних дизайнерских идеях для оформления домов и квартир можно потеряться, но, несмотря на большое разнообразие современных стилей, востребованность в классических не пропадает.

Они, как и раньше уместны. В данной статье мы подробнее рассмотрим дизайн интерьера в стиле классицизм и характерные для него особенности.

Наглядно оценить выигрышность такого оформления можно благодаря фото стиля классицизм, которые представлены в данной статье.

Зарождение стиля

Классицизм это отдельный художественный стиль, который зародился на территории Европы в период с 18-го по 19-тый века.

Основой для данного эстетического направления стало древнейшее античное наследие. Эксперты сообщают, что классицизм разработали для оформления домов богатых людей, дворцов и убранств.

Характеристика стиля

Одной их основных черт стиля дизайна классицизм является изысканность, величественность, утонченность и использование благородных оттенков.

Также в данном правлении присуще некая строгость, уравновешенность и симметрия. Характерны четкие и точные линии, благодаря которым ощущается перспектива в пространстве.

Стремление вверх также является чертой классицизма. Ощущение пространства, легкости, объема и свободы – характерные черты стиля классицизм. Средняя высота потолков в таком интерьере составляет около трех метров.

Основа стиля

Фактура стен ровная и гладкая. Дизайнеры, при создании стиля классицизм в интерьере, часто обрамляют их текстильными материалами. Для оформления стен исползают мягкие, пастельные оттенки.

• Если в дизайне используются декоративные элементы, они, как правило, выполнены, в строгой, сдержанной форме, без излишеств. При их изготовлении используют натуральные материалы: ткань, камень, дерево.
• Статную и четкую форму подчеркивается геометрией, точными линиями.
• Статуи являются распространенным декоративным элементом для классицизма. Также часто используются колоны, которые вносят нотки античности.
• Золотой цвет и позолоченные элементы придают помещению роскоши.

Паркет, используемый для стиля классицизм в интерьере жилых помещений, изготавливается из дорогостоящих сортов древесины.

Мебель в стиле классицизм тоже необходимо выбирать лишь из качественных материалов. Отлично подойдут такие сорта древесины: вишня, береза, орех. Предметы мебели ручной работы дорогое удовольствие, но они сделают стиль уникальным и неповторимым.

Основная цветовая гамма: золотой, голубой, розовый и белый. Эксперты сообщают, что такая гамма располагает к расслаблению и оказывает на мозг положительное влияние «разгружая» его.

Для штор характеры мягкие и плавные линии. В дополнение отлично подойду ламбрекены и сваги в классическом стиле. Лучший материал для шор в данном направлении: тяжелый шелк, парча, жаккард.

Атмосфера, в вышеуказанном стиле пропитана телом, уютом, роскошью и благородством. В таком помещении приятно находиться часами на пролет.

Античные мотивы нередко используются в классицизме.

Такие украшения как фестоны, жемчужные нити и цветочные гирлянды отлично смотрятся в этом стиле, а при помощи цветных лаков можно придать помещению ярких ноток.

Чтобы осветить комнату лучше подойдет хрустальная люстра с подвесками. Также можно выбрать осветительный прибор из натурального, качественного стекла. Светильники в позолоте или под бронзу в виде подсвечников отлично исполнят роль бра.

Это лишь основная характеристика стиля классицизм. Многие специалисты сравнивают его с музейным помещением из-за сдержанности и в тоже время благородства. Это дизайнерское оформление, зародившееся несколько столетий назад, дошло до наших дней и остается актуальным.

Фото стиля классицизм в интерьере

Также рекомендуем просмотреть:

Помогите проекту, поделитесь обзором 😉

Классический стиль в интерьере, дизайн и интерьер квартир на фото классицизм

«Что будет, когда ты выйдешь из моды? — Я очень хочу выйти из моды и превратиться в классика». (Педро Альмадовар)

Классический стиль берет свое начало в Западной Европе с конца 16 столетия. В 17 в. достигает высшего своего развития, связанного с расцветом абсолютной монархии Людовика XIV во Франции и наивысшего подъема театрального искусства в стране. В основе искусства лежит концепция разумного преобладания долга над человеческими чувствами и страстями – основа эстетики классицизма. Слово «классический» произошло от латинского слова classicus, что переводится как образцовый. Поэтому классический интерьер можно смело назвать образцовым стилем в интерьере.

Классический стиль по правилам. Законы стиля от дизайнеров:

Закон 1.

Классический интерьер может быть простым и лаконичным, строгим по форме и наполнению архитектурными деталями, но также роскошным, элитным со всевозможными декоративными деталями.

Закон 2.

Красота и изящество соединяются в стиле с практичностью и комфортом.

Закон 3.

Интерьер квартиры в классическом стиле отличают гармония, простота и симметрия.

Закон 4.

При выборе цвета важно подчеркнуть спокойствие и благородство. Эти качества выразят светлые тона – бежевый, желтоватый, кремовый. Естественные оттенки мебели из дерева также создадут нужные цветовые акценты.

Закон 5.

Типичные детали интерьера в классическом стиле – это потолочные и настенные росписи, сложные многоуровневые потолки, богатый лепной декор, колонны, атланты и кариатиды. Наборный художественный паркет с затейливыми завитками из ценных пород дерева, резная мебель с позолотой, дорогой текстиль из шёлка, тяжёлые шторы с подхватами и кистями, камин из натурального камня, эксклюзивные бронзовые светильники, картины.

Дворец в Версале (Франция) уникален по своим архитектурно-художественным качествам (см. фото ниже), он оказал большое влияние на развитие мировой архитектуры. В интерьере отражено удивительное чувство ансамбля, несмотря на строгость в отделке. Здесь применен единый архитектурный мотив — равномерное чередование простенков с проемами.

Такая классицистическая основа создает ощущение ясной формы.

КЛАССИЧЕСКИЙ СТИЛЬ У ВАС В ДОМЕ.

1. Значительно возрос сейчас интерес к классической мебели, дизайнеры активно ищут в музеях, на аукционах эскизы старинной мебели и воссоздают ее образцы. Антиквариат в классическом стиле можно создать и своими руками, искусственно состарив деревянную мебель с помощью техники «decape». Процесс обработки поверхностей в «decape» состоит в многократном нанесении и снятии слоёв краски и воска.

2. Для воссоздания классического стиля необходимо тщательно подобрать цветовую гамму для комнаты, избегая ярких, концентрируясь только на теплых оттенках — от чистого белого цвета до черного. Особенно нарядно и благородно будут смотреться теплый зеленый, оливковый или бордовые тона. Для обоев и ковров выбирайте один и тот же цвет, дабы не нарушать целостность в пространстве.

3. Примеры материалов классического стиля: для стен виниловые, текстильные обои, декоративная штукатурка; в отделке камень, металл и шелк; для пола паркет из яра, мербау, тика.

Престиж превыше всего!

Комната в стиле классицизм (56 фото)

Гостиная в классическом стиле

Зеркала в классическом интерьере

Французский классицизм (стиль Людовика XVI)

Классицизм Франция Дворцовый интерьер

Версаль дворец Франция интерьеры залов

Неоклассицизм Ампир

Неоклассицизм интерьер 19 века

Интерьер в стиле русского классицизма

Георгианский стиль в интерьере

Спальня в стиле рококо и Барокко

Спальня рококо Барокко

Неоклассицизм Ампир

Ritz Paris Palace Париж

Ампир в интерьере 19 век

Гостиная в классическом стиле

Классицизм в интерьере

Занавески в стиле классицизм

Интерьеры рококо Франция 18 век

Красивые классические интерьеры

Стиль классицизм в интерьере

Стиль классицизм в интерьере

Ринальдиевское рококо: интерьеры Гатчинского замка.

Ампир лепнина

Версальский дворец Версаль стиль

Стиль Чиппендейл в интерьере

Гостиная в стиле Ампир

Интерьер в стиле неоклассицизм Англия 18 век

Классический стиль в интерьере

Кабинет в классическом стиле

Барокко классицизм Ампир

Кабинет в стиле Ампир 19 века

Интерьер классицизм 18 век во Франции

Le Meurice — Dorchester collection фасад

Ринальдиевское рококо: интерьеры Гатчинского замка.

Виллерой плитка la Diva

Роскошная гостиная в классическом стиле

Гостиная в викторианском стиле

Стиль Людовика 15

Интерьеры Ампир Наполеон

Ампир дворец Барокко

Французский классицизм в интерьере

Французский Ампир в интерьере

Римский стиль в интерьере

Колонны в стиле Ампир

Гостиная в стиле классицизм

Харвуд-Хаус интерьер

Гостиная в стиле классицизм

Гостиная в итальянском стиле

Ампир – Императорский стиль в интерьере

Шторы в стиле рококо Барокко в интерьере

Классический стиль в интерьере

Шторы в античном стиле

Георгианский стиль в интерьере Англии

Дом в стиле Шато интерьер

Неоклассицизм интерьер 19 века

Неоклассицизм Ампир

Стиль классицизм в интерьере – дань моде или стремление к комфорту?

Классика была, есть и будет популярна всегда и везде. Не составляет исключение и стиль классицизм в интерьере, которому присуща утонченность и монументальность, сдержанность и роскошные материалы. Его можно узнать по симметричным предметам и линиям, простым и лаконичным формам, использованию дорогих материалов и декоративных деталей. Недаром короли цари в свое время отдавали предпочтению именно этому стилю при отделке своих дворцов и покоев.

Истоки стиля классицизм в интерьере

В переводе с французского языка стиль «классицизм» звучит как «образцовый стиль». Зародился стиль в 17-м веке в Европе, точнее, во Франции. Считается, что появился он во времена правления Наполеона I Бонапарта. Как полководец, он любил все практичное и незамысловатое. Как император, Наполеон понимал, что интерьер его резиденции должен соответствовать королевской особе, быть роскошным и престижным. Вот благодаря сочетанию таких разных требований и появился стиль классицизм в интерьере.

Классицизм начал зарождаться еще во времена позднего Возрождения. Его появление было связано с именами итальянских архитекторов А. Палладио, С. Серлио, Виньолы и других. В их работах и сочинениях начал проявляться интерес к искусству Древней Греции и Древнего Рима, к строгой каноничности и логичности творчества. Классицизм же попытался систематизировать достижения Возрождения и Античности,а также возродить нормы античной эстетики. В искусстве классицизм опирался на философию Рационализма, основателем которой был Р. Декарт. Рационалисты провозглашали торжество человеческого разума, стремления к знаниям.

Возрождение совершило переворот, возобновив интерес к искусству античности. Классицизм же, не отказываясь от традиций античности, привнес в них свою строгость и рационализм. Тем не менее его нельзя назвать слишком скромным. Это стиль, в котором оформлялись королевские дворцы, стиль роскоши и богатства. Для оформления использовались скульптуры, колонны, лепнина. Оформить свой дом в таком стиле могли себе позволить лишь немногие.

При всей своей каноничности классицизм приобретал разный вид в разных странах. Если в Англии для него была характерна строгость и умеренность, то во Франции он был более пышным и роскошным. В России классицизм обрел популярность в 18 веке. Он отобразился на архитектуре и интерьере дворцов Петербурга, которые тогда служили эталоном вкуса.

Просуществовал классицизм до 19 века, после чего был вытеснен другими стилями.Однако сейчас этот стиль вновь стали использовать для оформления интерьеров, как стиль, демонстрирующий хороший вкус и высокий статус.

Этот стиль не столько роскошный, сколько рациональный. Самый ранний классицизм отличался аскетическим оформлением помещений. Можно было встретить гобелены на стенах, шкуры животных на полах и темную, практичную мебель.

Строгий классицизм характеризовался строгими геометрическими формами и линиями. В декоративной отделке напрочь отсутствовали признаки стиля барокко, популярного ранее. В помещениях были колонны, пилястры, лепнина.

Хотите оригинально оформить потолок в спальне? У нас вы найдете самый разнообразный дизайн натяжных потолков в спальне.

Если же вам необходимо создать неповторимый дизайн стен, советуем обратить внимание на оформление спальни фотообоями. Как лучше всего их выбрать — узнайте здесь.

Лоджия — это не только место для хранения ненужных вещей. Смотрите, насколько полезным и креативным может быть дизайн лоджии в квартире.

Самым роскошным стилем считается ампир – третье направления стиля классицизм. Высокие потолки с огромной хрустальной люстрой, большие окна с многослойными шторами, кровати под балдахинами, колонны и статуи – все это выглядело торжественно и роскошно.

Даже мебель стала мягче: круглые подлокотники, удобные спинки. Стулья и танкетки «встали» на изогнутые ножки», такие же изогнутые линии появились на лепнине, в отделке мебели.

Однако помещение было функциональным и рациональным – все было на своих местах и ничего лишнего.

Характеристика стиля

Стиль классицизм в интерьере можно узнать по двум признакам: качество и стоимость. В оформлении комнат используются дорогие и качественные материалы: золото, натуральные богатые ткани, камень, натуральное дерево.

Полы были выложены паркетом из ценных пород дерева: дуб, карельская береза, розовое дерево, орех, вишня. Паркет был однотонным или имел простой узор.

Небольшая квартира — это не приговор. Даже здесь можно создать приятный и функциональный дизайн квартиры в хрущевке своими руками .

А здесь вы можете более детально узнать много полезного о дизайне однокомнатной квартиры.

Конечно, дизайн квартиры не ограничивается лишь жилыми комнатами. Мы также поможем вам грамотно и качественно создать интерьер маленькой кухни в хрущевке.

Такое же дерево использовалось и при изготовлении мебели. Для придания блеска фасады сверху покрывали светлым лаком, в который добавляли позолоту.

Стены были ровными и гладкими. Часто одну из стен затягивали тканью из натурального шелка. Рисунок выбирали неброский, цвет ткани – светлый.

 Такими же текстильными обоями обтягивали двери.  Текстиля в интерьере было много. Это и роскошные шторы на высоких окнах, и многочисленные подушки, и ткань на стенах и дверях. И это не считая всевозможной мягкой мебели: банкеток и диванов, кресел и стульев, сиденье и спинки которых обтягивались бархатными и шелковыми тканью с золотой вышивкой.

Размеры мебели были невелики, тем не менее, она элегантна и роскошна: изогнутые линии, круглые подголовники и подлокотники.
В помещение присутствуют колонны и статуи, лепнина и рельефные композиции, барельефы и розетки, фестоны, лепные гирлянды по периметру комнаты.

Особенности стиля классицизм предполагают, что интерьер украшают разнообразные зеркала, хрустальные светильники, бра, высокие книжные шкафы, фарфоровая посуда и статуэтки, картины, камин, предметы антиквариата.

Цвета интерьера приглушенные, даже пастельные: охра, бежевый, светло-желтый, кремовый, светлые оттенки розового, зеленого и голубого цветов.

Характеристика стиля  в современном интерьере

Современный интерьер трудно оформить в настоящем классическом стиле, но максимально точно воплотить в нем черты классицизма  вполне по силам. Классицизм великолепно смотрится как в просторных комнатах, так и в среднестатистических квартирах. Главное, правильно расставить акценты и выбрать цвета.

Если вы хотите создать стиль классицизм в небольшой комнате, желательно, чтоб потолки были высокими. Тогда и смотреться стиль будет органично. На высоких потолках можно установить гипсовую лепнину, повесить хрустальную люстру с подвесками.

Учитывая характерные черты классицизма, для современных квартир выбирайте светлые, нежные оттенки: голубой, светло-зеленый, кремовый, золотой, светло-коричневый, охра, оливковый, песочный.

Для стиля классицизм характерны ровные, гладкие стены. Одну из стен или только ее часть можно затянуть тканью и поставить под нее, например, диван.  Если стены должны быть однотонными, то напольное покрытие, мягкая обивка может иметь незатейливый растительный орнамент. К слову, мебель в стиле классицизм обивается тафтой, гобеленовыми тканями, бархатом.

В классическом интерьере приветствуется зонирование помещения. Так, с помощью текстильной отделки стен, разнопланового освещения можно в комнате выделить зону отдыха. Стоит поставить туда журнальный или кофейный столик, мягкие и уютные кресла и диваны, установить рассеянный свет.

Часть комнаты отведите под библиотеку. Высокий книжный шкаф, кресло в углу, бюро для работы, торшер на длинной ножке под золотистым или светло-зеленым текстильным абажуром подарит умиротворение и оградит от суетного мира.

Для интерьера в стиле классицизм выбирайте мебель из натурального дерева: вишни, дуба, ореха, розового дерева. Золотая поталь или инкрустация, нанесенная на выступающие части мебели, сделает ее более торжественной и дорогой.

Освещение должно быть различным. Это и многорожковые люстры с хрустальными подвесками, и подходящие по стилю настенные бра и настольные лампы, напольные торшеры. Лампочки выбирайте похожие на свечи. Если позволяет высота комнаты, люстра может свисать на цепочке. Если же нет – она крепится розеткой прямо к потолку.

Окна в комнате должны быть большими и высокими. Тогда шторы из богатых, но тяжелых тканей со сложной ступенчатой драпировкой будут смотреться уместно. Уравновесьте тяжелые портьеры легкими занавесками, подвязками с кистями. Для портьер используется парча, тафта, бархат, жаккард, шелк. Для легких занавесок – вуаль, кристаллон, органза, шифон.

Классицизм – это симметрия. Поэтому стоит оформить противоположные стены или двери и окна, расположенные друг напротив друга, одинаково или хотя бы в одном тоне, чтобы создать гармонию.

Камин, если он присутствует в комнате, будет к месту. Он может быть как искусственным, так и натуральным. Добавьте над ним полку, поставьте на нее резную шкатулку или массивные часы.

Классицизм – это сочетание дерева, камня и натуральных тканей. Полы выстелите паркетом с каким-либо орнаментом. Камин можно задекорировать камнем или керамической плиткой. Нижнюю часть стены отделать деревянными или текстильными панелями. Помните, что материалы хотя бы внешне должны выглядеть дорого – интерьер в стиле классицизм обязан быть роскошным.

Не перегружайте интерьер мелкими декоративными элементами. Вместо маленькой вазочки выберите большую напольную, вместо маленьких картин – картину внушительного размера, вместо изящных статуэток высокую подставку для цветов. Чтобы не нарушить классику, технические новинки спрячьте в шкафы или ниши.

Однако на кухне классицизм мирно уживется с современной техникой и даже добавит в интерьер изюминку.

Основные идеи классицизма:

• Стремление к характерной для античности гармонии. Симметрия, четкая пропорциональность,правильность форм. Все должно быть продумано.
• Рациональность. В классицизме все практично и нет излишней вычурности.
•  Статусность. Классицизм в интерьере выбирают люди, заботящиеся о своей репутации.
•  Приверженность традициям. Классика − значит нечто, всегда остающееся стильным.
•  Важность эстетики.В интерьере приветствуется наличие предметов искусства: картин, скульптур.

Несмотря на то, что классицизм эффектнее смотрится в больших помещениях, реализовать его можно где угодно. Классика актуальна всегда, поэтому главное − выполнение канонов этого стиля.

Итог

Создать стиль классицизм в интерьере не так сложно, как может показаться на первый взгляд. Теплые оттенки, удобная мебель, ровные линия, геометрия и симметрия – вот признаки этого стиля.

Кому подойдет этот стиль? Тем людям, которые ценят уют и комфорт, тем, кто уважительно относится к искусству и семейным традициям.

Мода на современные стили меняется из года в год. Стиль классицизм никогда не выйдет из моды, не станет старомодным, а будет популярным всегда.

Смотрите фото, как сегодня выглядит классицизм в интерьере:

Узнайте, чем примечателен стиль классицизм в интерьере:

Здесь вы узнаете не только о том, каковы основные признаки классицизма, но и детальную историю его возникновения

Классицизм в интерьере — svarokmaster.by

Классицизм в интерьере– это художественное направление в Европе XVII — XIX веков, вобравшее в себя идеалы античной культуры. Современный интерьер в стиле классицизм – это сдержанная величественность и строгая, но одновременно изящная, композиция.

Французское слово classicisme(от латинского classicus) означает образцовый и неподверженный быстротечной моде, и направление всецело оправдывает свое название. При его упоминании на ум приходят такие эпитеты, как строгий и изящный, но архитектура эпохи не лишена роскоши, гармонии, величия и богатых декораций.

Уходя корнями в античность, дизайн эпохи характеризуется гостеприимством и уютом. Его естественность – одна из многих причин, из-за которых домовладельцы выбирают его для оформления своих жилищ в Минске.

Каковы предпосылки появления классического стиля?

Свое летоисчисление стиль классицизм в интерьере начинает с середины 16 века. Именно тогда, в эпоху ренессанса зарождались первые предпосылки новой архитектуры. В 17 веке в годы Французской революции направление возвращается, но уже с новой силой, а его расцвет и становление приходится на 18-19 века.

Как художественный и архитектурный стиль классицизм в интерьере прошел несколько этапов своего развития, а после – трансформировался в ампир. Предпосылками появления дизайна стала трансформация европейского общества – в развитых европейских странах (в частности, Англии и Франции) появляются зачатки капитализма, ускоряется развитие технического прогресса. Изменение структуры общества, как и его идеалы, отражались в философских трудах, к которым обращается буржуазия.

Очень быстро направление стало общеевропейским течением. Оно отражало Просвещение, гражданские идеалы и буржуазно-революционные стремления. Создавая свой дизайн, буржуазия опиралась на культуру минувших эпох. Более всего представлениям о будущем художественном направлении соответствовали античные формы, которые и стали основой стиля. Влияние Рима усилили научные труды и исследовательские работы в сфере античной культуры.

Между ранним и поздним классическим стилем получил распространение барокко, который развивался параллельно.

Особенности экстерьера зданий

Классицистическая архитектура имеет ярко выраженные внешние признаки. Характерный пример – Малый Трианон, подаренный Людовиком 15 своей жене Марии Антуанетте. Королева так полюбила уютный особняк, что часто предпочитала Версалю Трианон.

Конструкция зданий устойчивая и массивная, окна выполнялись прямоугольными или арочными. Композиция впечатляет продуманностью и четкой спланированностью, характерная черта экстерьера – четкая симметрия и античный орнамент.

Колонны, ротонда, фризы и фронтоны вносят в экстерьер изящность и величественность. Строгие линии сменяются плавным рисунком и дополняются барельефами. Удлиненные и практически не декорированные окна гармонируют с общим обликом здания. Материалами строительства выступает исключительно камень и кирпич, отдельные элементы (перегородки между этажами) выполняются из древесины. Этажи соединяют между собой широкие мраморные лестницы. Прямоугольные двери украшены статуями, а в качестве декора выступает позолота, бронза или резьба. Терраса или балкон – обязательный элемент экстерьера зданий, где зажиточная буржуазия принимала гостей, завтракала и проводила теплые вечера.

Как используется стиль классицизм в интерьере квартиры?

Для создания роскошного дизайна мастера эпохи не использовали экзотические аксессуары и ядовитые краски. Один из принципов организации пространства – симметрия, центрическая или лучевая композиция, когда предметы в помещении плавно переходят друг в друга. Колоннада и пилястры ненавязчиво разделяют комнату, а зеркала, фрески, мрамор и позолоченные рельефы наполняют помещение роскошью.

Стиль подражает античным образцам, поэтому смело можно говорить, что современный интерьер в стиле классицизм проверен тысячелетиями. Здесь используются лишь дорогие сорта дерева и натуральный камень, дизайн отличается гармонией, симметрией и простотой. Архитектура пропитана мужественностью и правильностью. Сохраняется принцип членения стен при помощи деревянных панелей, однако они уже не имеют сложных овальных «скруглений», резной рельеф становится более строгим, а мотивы — не такими пышными.

Классический стиль часто используется для оформления современных особняков в Минске, его также можно успешно совмещать с барокко, рококо, ампиром и викторианским стилем. Но существуют черты, присущие исключительно «образцовому» течению:

• Освещение формируют роскошные бронзовые подсвечники и массивные люстры. Хрустальный декор на люстрах сохраняется, но видоизменяется. Вместо крупных дубовых листьев люстру украшают маленькие граненые хрусталики. Они подвешиваются гирляндами, а не к каркасу. Люстра меняет форму «мешка» на изящный силуэт.


• В комнате господствуют светлые цвета – белый, бежевый, золотой, бледно-желтый, оливковый, голубой.
• Мебель выполняется из массива ценных пород древесины и не окрашивается, демонстрируя натуральную текстуру дерева. Отсутствуют лишние завитушки и узоры, инкрустация золотом или драгоценными камнями. Декором могут служить вставки из красного дерева или бронза.

  Отличительная особенность мебели эпохи – прямые ножки (в барокко, к примеру, они обычно изогнутые), который сужаются книзу. Здесь уже не используется исключительно элитарная мебель, в гостиных просматриваются меблировка массового производства.



• Для оформления стен классицизм в интерьере гостиной предполагает как использование обоев (в конце 18 века появляются бумажные обои, которые получили название «бумажки»), так и обтягивание дорогой тканью. Декором выступают полуколонны, пилястры, фрески и несложная лепнина. Потолок не отличался напыщенностью и часто делался однотонным (и обязательно в светлых тонах).
  Изображение на стенах в разных странах отличались. Франции больше характерны цветочные рисунки, пришедшие из Персии, в России классицизм в дизайне интерьера характеризуется полосками.
  
  Напольным покрытием чаще всего служил сложный художественный паркет из нескольких видов пород древесины, в гостиных уют прибавляли большие ковры.


• Аксессуары дорогие, но не давят на помещение своей стоимостью. Это были картины, книги, антиквариат, фарфор, зеркала в кованых багетах, небольшие скульптуры.

Классицизм в интерьере кабинета просматривается наличием большого стола из массива дерева. Он должен иметь две тумбы и большую столешницу (зачастую из камня). Кресло, гармонирующее со столом, изготовлялось массивным и на деревянной основе.

Лучше всего демонстрируют стиль классицизм в интерьере фото помещений в домах буржуазии 18 века.

Как определить классицизм в интерьере спальни?

Из Древнего Рима в дома буржуазии перешли живописные и гротесковые мотивы. Все кровати, начиная с готики, обязательно украшались балдахином разной формы. Широкую кровать укрывают расписные подушки. Колонны и пилястры, выполненные из мрамора, свидетельствуют об изысканном вкусе своего владельца. Распространены многоуровневые потолки, поэтому в проекты коттеджей заранее вносят высоту потолков минимум 3 м. Дорогие шторы с узорами из тяжелых тканей гармонируют с лепниной карнизов прямоугольной формы.

Дизайну спален характерно:

• Однотонная цветовая гамма стен;
• Использование позолоты, практически отсутствие серебра;
• Изобилие текстиля, который представлен шелком, бархатом, парчой;
• Люстра с плафонами в виде свеч;
• Отсутствие контрастности и оляпистости.

Камины были источником обогрева всего дома, их устанавливали не только в гостиных, но и в спальнях. В помещениях они служат не только показателями роскоши. Над камином размещалась каминная полка, куда ставили небольшие статуэтки, старинные часы. Часто над ними вешали большие зеркала. Классический камин – образец чувства меры. Он отличается лаконичностью, а принадлежность к высокому стилю выражена в использовании натурального камня и древнеримских орнаментов.

Классицизм в интерьере, фото которого отличаются рациональным использованием пространства, использует для отделки стен виниловые обои, декоративную штукатурку, или же ткань светлых оттенков (чаще всего – бежевых и персиковых). Массивные портьеры скрывают легкие занавески из тюли или органзы.

Как классицизм в интерьере квартиры использует натуральный камень?

Выполненные в теплых тонах стены в ванной комнате сегодня лишь имитируют поверхность мрамора, но несколько веков назад оформлялись исключительно с использованием натурального камня. Мода на мрамор пришла в Европу из античности, где храмы и жилища вельмож обязательно отделывались благородным камнем. Архитекторы, воплощавшие классицизм в интерьере, его особенности учитывали в мельчайших деталях, а потому не создавали сложных мозаик. О достатке хозяина говорило само использование натурального мрамора бежевого, розового, белых тонов. Сегодня для этих целей в Беларуси используется мраморная плитка, которой также обкладывается ванна, но в эпоху господства классического стиля ванны стояли на изящных ножках.

Будучи более практичным материалом, чем дерево, натуральный камень использовался для оформления кухонь и столовых. Сегодня столешница из натурального камня – обязательный атрибут кухни.

Фасады облицовывали светлым камнем, мрамором, гранитом. Из мрамора делали центральные колонны и ступени, его также использовали для создания акцентов в экстерьере. Гранит создавал ощущение солидности и строгости, идеально вписывался в идеалы направления. Его использовали для отделки некоторых элементов фасада, часто комбинировали с известняком и сланцем.

Наравне с древесиной, камень использовали в качестве отделки пола, изготовления постаментов для статуэток, ваз. Камень просматривается и на туалетных.

Удобство и отсутствие излишков в классическом дизайне стали причинами его популярности в 21 веке. К нему возвращаются архитекторы, желающие воссоздать нетривиальный, уютный и в тоже время роскошный дизайн. Интерьер эпохи классицизма не поддается мимолетным капризам моды и также удивит своей лаконичностью ваших гостей сегодня, как и спустя 20 лет.

Классицизм: описание и фото — Роспись стен и оформление студия Buenoarte

Классический стиль всегда ассоциировался с богатством и успешностью в различных сферах искусства: одежде, архитектуре, мебели. Он в какой-то степени является эталоном. Оформление интерьера в классическом стиле говорит о хорошем вкусе владельца и о его благосостоянии.

История

Классицизм берет своё начало в середине 18 века. Он приходит на смену барокко и рококо, которые уже стали терять востребованность. Зодчий по имени Роберт Адам разработал собственные проекты под впечатлением от архитектуры античной Италии. Его работы не уступали по изяществу рококо. В основании стиля лежат чёткие оформленные границы, гармоничность, грандиозность, симметрия.

Материалы

Важно понимать, что классика не терпит дешёвого и искусственного. Материалы должны «соответствовать» создаваемой в помещении атмосфере. Только естественность и богатство. Например, если это пол, то только из натурального дерева ценного сорта. Плитка может быть из гранита или изготовлена в Италии у самого лучшего мастера, хранящего старые традиции и технологии. Настенное покрытие – обои, штукатурка, ткань естественного цвета. Классика предполагает использование спокойных цветов – бежевый, «кофе с молоком», охра, бледно-сиреневый, оттенки оливкового, песочный.

Важно! Есть достаточно дорогие и современные материалы, которые не подходят для классического стиля. К ним относят бамбук, разновидности пластика.

Мебель

Самым лучшим вариантом будет приобрести антикварную мебель. Но можно остановиться на выборе мебели из дерева редкой породы. Её можно декорировать драгоценными или полудрагоценными камнями, резьбой. Главное, чтобы это смотрелось не вычурно. Обивкой может быть шёлк, хлопок или бархат.

Не стоит экономить, покупая дешевую мебель. Заплатив однажды большую сумму, вы получите качественную вещь, которая прослужит многие годы. К тому же мебель можно передавать из поколения в поколение.

Предметы декора

Классический стиль следует дополнять исторически значимыми вещами или художественными предметами искусства. Подойдут картины, скульптурные и фарфоровые изделия, канделябры, изящные зеркала. Ковёр из натуральной шерсти также подчеркнёт дизайн и придаст ему больше уюта. Отдельно хочется отметить камин. Такой элемент наполнит помещение теплом и комфортом.

Освещение

Чтобы отразить все достоинства интерьера, добавить в него живости, необходимо грамотно «поставить» освещение.

Главным пунктом выделяется большая хрустальная или кованая люстра посередине комнаты. Если площадь помещения большая, то не обойтись без дополнительных источников света. Уникальные бра, расписанные художниками. Рядом с диванами и креслами можно расположить торшеры, чтобы была возможность заняться чтением или вышивкой.

Важные мелочи

Интерьер в стиле классицизм обязательно должен включать в себя различные мелочи, которые помогают показать индивидуальность дизайна. Самое распространённое – использование уникальной росписи на стенах, предметах декора (например, ваза). В то же время не должно быть перенасыщения множеством аксессуаров. Достаточно большой проблемой является размещение современной техники. Она не вписывается в классический интерьер, поэтому дизайнеры часто пытаются её замаскировать, спрятать или стилизовать. Если технику ещё планируют приобрести, то стоит придерживаться нескольких советов по выбору:

• форма должна быть строгой и консервативной
• предпочтительные цвета: черный и белый
• поверхность не хромирована
• в некоторых случаях технику можно скрыть фасадом (например, на кухне)

Чтобы правильно оформить интерьер, лучше обратиться к профессиональному дизайнеру. Он поможет создать проект и избежать множества ошибок, которые легко допустить при самостоятельной работе. Стоит понимать, что классический дизайн требует больших материальных вложений. Поэтому выбор в сторону данного стиля должен быть осознанным.

Классицизм в интерьере: как создать симфонию стиля

Классицизм в интерьере: как создать симфонию стиля | Блог

Блог о дизайне

Дизайнера интерьера

Блог о дизайне интерьера

14.08.2021

В какой цвет красить плинтуса, карнизы и молдинги в интерьере

Вопрос, в какой цвет красить плинтуса, карнизы, молдинги и обрамления проемов на первый взгляд кажется очень простым. Но на практике,…

Читать далее

20.05.2021

Японский интерьер и его связь с европейским интерьером

Интерьеры с намеком на Японию сейчас очень популярны. В основном это скандинавские интерьеры с нотками японского интерьера. Их обычно называют…

Читать далее

25. 04.2021

Эклектика в интерьере | Видео

Эклектика — один из самых популярных стилей в интерьере. Ведь чистый стиль сделать очень сложно и в результате получается эклектика.…

Читать далее

04.04.2021

10 Правил как сочетать деревянные отделки в интерьере

В интерьере практически любого стиля обязательно будет какое-то количество деревянных предметов или деревянных отделок. К каких-то стилях процент дерева будет…

Читать далее

24.02.2021

Что такое деконструктивизм и как он используется в дизайне интерьера

Деконструктивизм – это подход к архитектуре, который берет свое начало в философских принципах философа Жака Дерриды. Этот подход практически не…

Читать далее

Читать другие статьи от дизайнера

Предыдущая статьяСледующая статья

Похожие записи

Контакты

Москва, Одинцово, Звенигород, Красногорск
+7 (926) 466-56-43, info@design-guru. moscow

открыть карту

Благодарим !

Ваша заявка успешно отправлена.
Мы скоро с Вами свяжемся.

Дворец в Малой Веси — прекрасный памятник классицизма в Польше

Мала Вес — это небольшая деревня, расположенная в 50 км к югу от Варшавы, недалеко от Гройца. В деревне расположен красивый дворец, окруженный парком в английском стиле, французским садом, а также фруктовой фермой и прудами. Объект расположен на опушке лиственничного заповедника. Дворец является одним из красивейших памятников классицизма в Польше, который после реставрации возвращает былую славу.

История

Дворец в Малом Весе был построен в конце 18 века на месте деревянной усадьбы семьи Валицких.Семья Валицких отличалась большим патриотизмом. Базили Валицкий был воеводой Равского воеводства и участником четырехлетнего сейма.

Базили, друг и советник польского короля Станислава Августа Понятовского, положил начало традиции принимать во дворце выдающихся и знаменитых людей. Сам король посетил дворец в Малой Веси.

Дворец принадлежит одной семье 159 лет. Позже им владели такие известные аристократические семьи, как Ржевские или Замойские, которые были продолжением рода Валицких.Несмотря на то, что в начале Второй мировой войны во дворце размещалась немецкая армия, их присутствие не помешало владельцам — семье Моравских — тайно принимать бездомных или преследуемых людей. После Варшавского восстания и эвакуации Варшавы он стал убежищем для многих поляков и евреев.

Земельная реформа после Второй мировой войны означала выселение последних владельцев. Дворец был национализирован. В последующие годы дворец служил сначала школой, а затем летней резиденцией министров коммунистического правительства.Долгие годы дворец и парк были недоступны для посетителей. В 2008 году семье Моравских удалось вернуть свой дворец.

Современное время

Дворец был куплен семьей Баранских. Отремонтированный в 2013-2016 годах дворец был приспособлен для служебных нужд. На месте старого приемного зала была построена Новая оранжерея, архитектурно напоминающая оранжерею Королевских бань в Варшаве. Четыре здания, которые раньше служили вспомогательным офисом особняка (включая прачечную, кухню или кладовую), были преобразованы в гостиничные номера, а каретный двор был преобразован в ресторан.Восстановлена ​​планировка французского сада. Самым большим его украшением является розарий.

Дворцовые интерьеры

Дворец построен в стиле классицизма на прямоугольной планке. Есть двухэтажное подвальное, украшенное крыльцо, поддерживаемое восемью колоннами с пандусами. В тимпане находится герб Валицкого — Лада. Фасад сада украшен выступом, в том числе тимпаном с гербом-донором.

В вестибюле дворца находится статуя греческого философа Диогена.На первом этаже также есть часовня, офисы и библиотека. Дворцовая лестница украшена военными мотивами и красивой модернистской люстрой из хрусталя. Есть также латинское выражение: «Discite victuri patrium post fata napotes velle deo patriae vivere velle mori».

На первом этаже дворца восемь залов, которые украшены оригинальными фресками. Зал мудрецов, который был библиотекой, украшен портретами античных философов: Гомера, Сократа, Платона, Аристотеля, Гиппократа и Цицерона.

Помпейский зал украшен уникальными гротескными фресками. Композиции составлены из цветочных и человеческих гибридов, а также мотивов из греческой мифологии.

Рядом с Помпейским залом находится бывшая столовая — Варшавский зал. На стенах нарисованы панорамы Варшавы и панорамный вид Неаполя с Везувием.

Другие номера включают в себя Золотой салон, Серый салон, Люкс князей и ванную комнату.

Дворец выполнял служебные и служебные функции.Здесь проходят концерты, деловые встречи, гала-ужины, свадьбы и другие мероприятия. Есть отличный ресторан. Есть также экскурсии. Экскурсия включает исторические интерьеры дворца и сада. Вокруг дворца еще ведутся работы по обустройству парка (весна 2017 г.).

* * *

Возможно, вам понравятся другие статьи о самых красивых польских замках, дворцах и крепостях (нажмите, чтобы прочитать)

* * *

Ссылка на это сообщение:

Энциклопедия искусства и народной культуры

Из энциклопедии искусства и народной культуры

Классицизм в искусстве, как правило, относится к высокому уважению к классической старине как к установлению стандартов вкуса, которым классицисты стремятся подражать. Искусство классицизма обычно стремится быть формальным и сдержанным, демонстрируя простоту, элегантность и пропорции. Относительно Discobolus сэр Кеннет Кларк заметил: «Если мы возражаем против его сдержанности и сжатия, мы просто возражаем против классицизма классического искусства. Сильный акцент или внезапное ускорение ритмического движения разрушили бы эти качества баланса и завершенности. который до нынешнего столетия сохранял свое авторитетное положение в ограниченном репертуаре визуальных образов.«Классицизм, как заметил Кларк, подразумевает канон общепринятых идеальных форм, будь то западный канон, который он изучал в книге« «Обнаженная», »(1956), или китайская классика.

Классицизм — это сила, которая часто присутствует в европейских и европейских постсредневековых традициях; однако некоторые периоды чувствовали себя более связанными с классическими идеалами, чем другие, особенно Эпоха Разума, Эпоха Просвещения и некоторые классицизирующие движения модернизма.

Общий срок

Классицизм — это особый жанр философии, выражающийся в литературе, архитектуре, искусстве и музыке, который имеет древнегреческие и римские источники и делает упор на общество. Особенно ярко это проявилось в эпохе Просвещения и Веке разума.

Классицизм впервые появился как таковой во время итальянского Возрождения, когда падение Византии и рост торговли с исламскими культурами принесли поток знаний о древности Европы и из нее.До этого времени отождествление с античностью рассматривалось как непрерывная история христианского мира, начиная с обращения римского императора Константина I. Классицизм эпохи Возрождения внес множество элементов в европейскую культуру, включая применение математики и эмпиризма в искусстве, гуманизме, литературе и литературе. изобразительный реализм и формализм. Важно отметить, что он также представил политеизм, или «язычество», и противопоставление древнего и современного.

Классицизм Возрождения привел и уступил место другому пониманию того, что было «классическим» в 16-17 веках. В этот период классицизм приобрел более явный структурный оттенок упорядоченности, предсказуемости, использования геометрии и сеток, важности строгой дисциплины и педагогики, а также формирования школ искусства и музыки. Двор Людовика XIV считался центром этой формы классицизма с его ссылками на богов Олимпа как символической опорой абсолютизма, его приверженностью аксиоматическим и дедуктивным рассуждениям и его любовью к порядку и предсказуемости. Этот период стремился к возрождению классических форм искусства, включая греческую драму и музыку.Опера, в ее современной европейской форме, уходит своими корнями в попытки воссоздать сочетание пения и танцев с театром, считающимся нормой Греции. Примеры этого обращения к классицизму включали Данте, Петрарку и Шекспира в поэзии и театре. В частности, драма эпохи Тюдоров была основана на классических идеалах и делила произведения на трагедию и комедию. Изучение древнегреческого языка стало считаться необходимым для всестороннего образования в области гуманитарных наук.

Ренессанс также явно вернулся к архитектурным моделям и техникам, связанным с греческой и римской древностью, включая золотой прямоугольник как ключевую пропорцию зданий, классические порядки колонн, а также множество орнаментов и деталей, связанных с греческими и римскими традициями. архитектура.Они также начали возрождать пластическое искусство, такое как бронзовое литье для скульптуры, и использовали классический натурализм как основу рисунка, живописи и скульптуры.

Эпоха Просвещения отождествляла себя с видением древности, которое, будучи продолжением классицизма предыдущего столетия, было потрясено физикой сэра Исаака Ньютона, усовершенствованиями в механизмах и измерениях и чувством освобождения, которое они считался присутствующим в греческой цивилизации, особенно в ее борьбе против Персидской империи.Богато украшенные, органические и сложно интегрированные формы барокко должны были уступить место ряду движений, которые считали себя «классическими» или «неоклассическими», или же были быстро обозначены как таковые. Например, картина Жака-Луи Давида, которая рассматривалась как попытка вернуться к формальному балансу, ясности, мужественности и энергии в искусстве.

В XIX веке классическая эпоха была предшественником академизма, включая такие движения, как униформизм в науке и создание строгих категорий в художественных областях.Различные движения романтического периода считались классическими восстаниями против преобладающей тенденции эмоциональности и нерегулярности, например, прерафаэлитов. К этому моменту классицизм был достаточно стар, и предыдущие классические движения получили возрождение; например, Возрождение рассматривалось как средство объединения органического средневековья с упорядоченной классикой. XIX век продолжил или расширил многие классические программы в науке, в первую очередь программу Ньютона, которая учитывала движение энергии между телами посредством обмена механической и тепловой энергией.

В 20 веке в науке и искусстве произошел ряд изменений. Классицизм использовался как теми, кто отвергал или рассматривал как временные преображения в политическом, научном и социальном мире, так и теми, кто принимал изменения как средство свержения предполагаемого веса 19 века. Таким образом, обе дисциплины до 20-го века были названы «классическими» и современными направлениями в искусстве, которые считали себя ориентированными на свет, пространство, разреженность текстуры и формальную согласованность.

В современной философии термин «классицизм» используется как термин, в частности, в отношении аполлонических, а не дионисийских импульсов в обществе и искусстве; это предпочтение рациональности или, по крайней мере, рационального катарсиса над эмоциональностью.

В театре

Классицизм в театре был разработан французскими драматургами 17 века на основе того, что они считали правилами греческого классического театра, включая «Классические единства» времени, места и действия, найденные в «Поэтике » Аристотеля.

• Единство времени указывает на необходимость того, чтобы все действие пьесы происходило в течение вымышленного 24-часового периода.
• Единство места означало, что действие должно разворачиваться в одном месте
• Единство действий означало, что пьеса должна строиться вокруг одной «сюжетной линии», такой как трагический роман или конфликт между честью и долгом.

Примеры драматургов-классиков:

Виктор Гюго был одним из первых французских драматургов, нарушивших эти условности.Классики не одобряли пьес Шекспира.

В архитектуре

Классицизм в архитектуре развился во время итальянского Возрождения, особенно в произведениях и проектах Леона Баттисты Альберти и работ Филиппо Брунеллески. Он делает упор на симметрию, пропорции, геометрию и регулярность частей, как они демонстрируются в архитектуре классической античности и, в частности, в архитектуре Древнего Рима, от которой сохранилось много примеров.Упорядоченное расположение колонн, пилястр и перемычек, а также использование полукруглых арок, полусферических куполов, ниш и эдикул заменили более сложные пропорциональные системы и неправильные профили средневековых зданий. Этот стиль быстро распространился в других итальянских городах, а затем во Франции, Германии, Англии, России и других странах.

В шестнадцатом веке Себастьяно Серлио помог систематизировать классические ордера, и наследие Палладио превратилось в давние традиции палладианской архитектуры. Основываясь на этих влияниях, архитекторы семнадцатого века Иниго Джонс и Кристофер Рен прочно утвердили классицизм в Англии.

О развитии классицизма с середины восемнадцатого века и далее см. Неоклассическая архитектура.

В изобразительном искусстве

Итальянская живопись и скульптура эпохи Возрождения отмечены обновлением классических форм, мотивов и предметов. В пятнадцатом веке Леон Баттиста Альберти сыграл важную роль в теоретическом обосновании многих идей живописи, которые пришли к полностью реализованному продукту в Афинской школе Рафаэля во время Высокого Возрождения.Темы продолжались в основном непрерывно до семнадцатого века, когда такие художники, как Николя Пуссен и Шарль Лебрен, представляли более жесткий классицизм. Подобно итальянским классическим идеям пятнадцатого и шестнадцатого веков, он распространился по Европе в середине-конце 1600-х годов.

Поздний классицизм в живописи и скульптуре середины восемнадцатого и девятнадцатого веков обычно относят к неоклассицизму.

В литературе и поэзии

См .: Классическая литература

См. Также

Почему люди до сих пор считают, что классические скульптуры должны быть белыми?

Широко распространенное стремление к «эстетической чистоте» — и наш нынешний мысленный образ безупречно белой древней статуи — берет свое начало в середине 14 века, когда реликвии классического мира были впервые обнаружены на территории центральной Италии.Белые, без украшений и изысканно вырезанные, эти древние шедевры, скрывавшиеся тысячи лет, итальянцы приняли за чистую монету, ошибочно полагая, что им всегда не хватало цвета.

Это первоначальное недоразумение не только превратилось в новый художественный идеал, который частично зажег, но и привело к развитию нескольких теорий, которые веками оставались евангелием в художественных кругах.

С одной стороны, определение художественной изысканности было существенно изменено после открытия этих белых статуй.Итальянцы думали, что греки и римляне, чьи достижения в таких предметах, как философия и политическая теория, были хорошо известны, намеренно оставляли свой мрамор оголенным, и восприняли этот подход как еще одно интеллектуальное достижение классической эпохи.

Кроме того, итальянцы XIV века ассоциировали цветную скульптуру с предшествующим средневековьем, периодом времени, который они считали дегенеративным. Для них средневековые скульпторы были недостаточно умны, чтобы думать, что , а не расписывают свои работы — в отличие от гениальных греков.

Внезапно «высокое искусство» должно было быть умным, и скульптура считалась таковой только в том случае, если она была бесцветной. Действительно, примерно с 15 века расписные статуи редко приветствовали за пределами церквей, где католики использовали их в молитвах, и в частных домах, где они служили декоративными безделушками. Как написал куратор Met Люк Сисон: «Полихромная скульптура [была] признана слишком простой и слишком популярной, чтобы быть хорошим искусством, высоким искусством или даже искусством вообще».

Первоначальное непонимание древней скульптуры также подняло вопрос о мастерстве.Для зрителей эпохи Возрождения больше всего волновала не внешняя окраска поверхности произведения, а то, как его создатель с помощью только молотка и долота превращал глыбу камня в потрясающее видение человечества. Таким образом, раскрашивание статуи рассматривалось как форма обмана. Зачем скульптору добавлять цвет, если его работа без этого могла бы быть красивой?

Уильям Блейк: сочетание классической фигуры, мифологии и религии

Хотя Уильям Блейк при жизни почти не был признан за свои творческие способности, сегодня его уважают как за его художественный талант, так и за глубокую поэзию.

Родившийся 28 ноября 1757 года в Сохо, Лондон, Блейк известен как влиятельная и центральная фигура эпохи романтизма. И его поэзия, и искусство наполнены символизмом и аллегорией, используются и демонстрируются через его собственные интересы и пункты исследования — классические фигуры, мифологию и религию. Каждая из этих черт постоянно повторяется на протяжении всей художественной практики Блейка и использовалась в качестве инструментов для разоблачения и критики общества и окружающего его мира.

Блейк начал писать и рисовать в ранние годы, навыки, которые поощряла его семья.Экспериментируя с различными средами, такими как гравюра, гравюры, иллюстрации и краски, его открытое и авантюрное отношение к содержанию и инструментам продемонстрировало его захватывающий и уникальный подход к искусству.

В 21 год Блейк прошел семилетнее ученичество в Basire, став подмастерьем копировщика, что позволило ему работать в различных лондонских книжных и печатных издательствах. Позже, в 1779 году, он был принят в Школу дизайна Королевской академии художеств, чтобы продвигать свои перспективы в качестве художника.Именно здесь Блейк погрузился в работу таких художников, как Рафаэль и Микеланджело, используя старинные скульптуры школы и уточняя свою интерпретацию фигур и тела.

Причастность Блейка как к литературному, так и к художественному миру проявляется на протяжении всей его творческой практики. Блейк изображал различных поэтов и влиятельных писателей, таких как Уильям Шекспир, Джеффри Чосер и Александр Поуп.

Сцены, на которые повлияли такие писатели, также присутствуют в его творчестве и еще раз подчеркивают его двойной интерес как к изобразительному искусству, так и к литературе.В конце 1780-х и 1790-х годах Блейк начал работать над иллюминированными книгами.

Пожалуй, одним из его наиболее почитаемых и признанных произведений было Песней невинности, сборник коротких лирических стихов вместе с его собственными иллюстрациями и рисунками. Они основывались на знакомых детских историях, но в то время давали гораздо более мрачную и резкую критику общества. Это использование невинной детской прозы, которая, по правде говоря, замаскировала гораздо более зловещее послание, — это метод, который все еще используется сегодня.

Уильям Блейк родился # этот день в 1757 году. Вот титульные страницы «Песен о невинности и опыте» pic.twitter.com/LWnLxTwAzF

— Британский музей (@britishmuseum) 28 ноября 2013 г.

Позже, в 1794 году, Блейк также выпустил параллельно иллюминированный сборник стихов под названием « Песни опыта ». Эти два сборника были задуманы как изображение двух противоположных состояний человеческой души и включали известное стихотворение Блейка « Тайгер».

В 1809 году Блейк провел свою первую и единственную персональную выставку в магазине своего брата на Брод-стрит.Продолжающееся разочарование Блейка миром искусства было подчеркнуто в манифесте выставки или описательном каталоге . Здесь он обсудил проблемы эстетики и мира искусства того времени и на своей выставке попытался продемонстрировать стиль и творческий дух, которые он хотел продвигать.

Блейк также объяснил и защитил свое изображение персонажей Чосера и обсудил его взгляды и оппозицию венецианской и фламандской живописи.

На самой выставке были представлены изображения Блейка « Кентерберийские паломники » Чосера и еще 15 экспериментальных картин, в том числе «Бард» из «Грея » и «Сатана призывает свои легионы» .К сожалению, выставка Блейка не имела успеха, и это был период времени, который был особенно медленным в карьере Блейка.

Представленные на выставке работы были преимущественно экспериментальными и разнообразными по технике. Сатана призывает свои легионы , это мрачный и унылый образ.

Состоит из черного, синего и зеленого цветов — пейзаж вокруг фигур кажется двумерным и неописуемым.Из темноты можно разглядеть форму горы и небольшую глубину. При дальнейшем рассмотрении можно увидеть разбросанные по скале фигуры, в то время как сатана стоит с раскинутыми руками на вершине. Здесь Блейк пробовал новую технику нанесения краски без «масляного носителя», отсюда и ее окончательный, более темный результат. Это не было необычным побочным эффектом.

Другие работы, такие как The Bard от Gray , также потеряли окраску из-за экспериментов Блейка с различными материалами и методами — в этом случае он использовал начальный предварительный слой мела и клея.Однако общая аура и эффект картин, к счастью, не утеряны.

Вторая версия сцены Джона Мильтона из Потерянный рай также была изображена Блейком, которая сейчас хранится в Национальном фонде, Петворт-Хаус.

Это изображение Сатана, призывающего свои легионы выдержало испытания временем несколько лучше, чем изображение, хранящееся в коллекции Музея Виктории и Альберта, благодаря другому методу, который использовал Блейк.И снова это был эксперимент с темперой на холсте, но на этот раз Блейк использовал различные глазури, которые были нарисованы поверх сусального золота. Планировка та же, сатана стоит на вершине скалы, в то время как извивающиеся фигуры проклятых лежат вокруг основания, но вместо синих и зеленых оттенков предыдущего, это залито красноватыми оттенками, а глубина перспективы намного больше. Сложная детализация тел отчетливо видна и еще больше усиливает силу этого изображения.

Использование Блейком признанного контента, будь то вдохновение из мифологии, религии или даже детских книг, позволило ему создавать работы, которые одновременно были доступными и шокирующими — из-за их неослабевающего критического взгляда на общество и проблемы, с которыми сталкивались люди в то время.Эти мрачные апокалиптические образы представили миру личное восприятие Блейком общества и окружающий его хаос войны. Противостояние Блейка власти общества над человеком и его жесткой структурой, а также правилам того, как люди должны думать и быть представлены, было тем, с чем Блейк боролся на протяжении всей своей карьеры.

Искусство и поэзия Блейка приобрели эстетическую, критическую и одновременно политическую позицию. Помимо использования мифологических историй и религиозных персонажей, Блейк также использовал свои собственные мифологические изображения.С юных лет Блейк утверждал, что видел видения — видение ангелов и духов среди природы и изо дня в день. Это сильно повлияло на его художественную практику и было постоянной темой в его творчестве. Подобно извращенным изображениям признанных мифов Блейком, личные мифологические изображения Блейка изображали мир и человечество как место, наполненное печалью и угнетением. Его интересовали, казалось бы, разделенные характеры человека, и именно на этом разделенном «я» Блейк регулярно сосредотачивался в своем творчестве, используя его как тему критики, которая, по его мнению, отражала общество.

Призрак блохи был одним из последних произведений Блейка и, возможно, одним из его самых известных.

Видения Блейка продолжались на протяжении всей его жизни, и его друг Джон Варли поощрял его продолжать их рисовать. Эта конкретная работа изображает дух, который Блейк видел в блохе. Согласно записям, дух сказал Блейку, что «все блохи обитают на человеческих подошвах». Возможно, это объясняет человеческую форму, которую принимает блоха, его мускулистое тело увенчано жутким лицом блохи.

Это изображение представляет, как и большую часть работ Блейка, животных, кровожадных и зловещих персонажей человечества, свидетелем которых художник чувствовал себя на протяжении всей своей жизни. Призрак блохи даже вдохновил известных сегодня художников, таких как Дэмиен Херст и Хасан Хан.

Перед смертью Блейк начал проект, над которым работал до самой своей смерти. Ему было поручено изобразить Данте Божественная комедия . К сожалению, несколько картин, которые он написал, так и не попали в гравюры, но их содержание продолжает подчеркивать собственные интересы и убеждения Блейка. Аллегория мира — один из возможных сохранившихся шаблонов для этого проекта.

Хотя это никогда не было подтверждено как собственная работа Блейка, она была приписана ему из-за изображения, следующего в обычном стиле Блейка — темные тона и цвета, окружающие классически изображенные фигуры.

Уильям Блейк умер 12 августа 1827 года от неизвестной болезни. Симптомы, которые Блейк описал в этот период, с тех пор связаны с болезнью, известной как билиарный цирроз, которая может быть вызвана воздействием паров, образующихся при нанесении кислоты на медные пластины, — метод, который он использовал для печати.

К сожалению, после смерти его жены работа, которую ей не удалось продать, была передана лорду Татхаму, который уничтожил множество произведений из-за их политического и противоречивого содержания.

К счастью, однако, после своей смерти Блейк собрал выдающихся и впечатляющих последователей, оказавших влияние на многих художников и писателей и, наконец, получив признание, которого он заслуживает.

Флоренс Белл, директор Floga, независимой организации, которая занимается продвижением истории искусств и йоги в школах и общинах

Классицизм замка Бельвью — Стоковое фото RF из Photocase

Купите это Стоковое фото RF на памятнике архитектуры стиля классицизма замка Бельвю Берлин Берлинский зоопарк Историческая туристическая достопримечательность Симметрия входа в центр загородки официальная резиденция Президент республики Политика федерального правительства Schloss Bellevue и лужайка положения для вашего редакционного или рекламного веб-сайта, обложки книги, Флаер, статья, блог WordPress и шаблон от Photocase.

Подобные изображения

Эскемар Джок + Скотт AllzweckJack Джок + Скотт Джок + Скотт Армин Штаудт Kallejipp Kallejipp Kallejipp Армин Штаудт Zettberlin Джок + Скотт WWeiser AllzweckJack Джок + Скотт Гсталти Армин Штаудт Кэролин Круг hoffi99 филипп85 Джок + Скотт Гсталти Джок + Скотт Джок + Скотт Джок + Скотт Джок + Скотт Zettberlin hoffi99 baumi_dd Джок + Скотт Джок + Скотт Джок + Скотт baumi_dd TheGRischun-Rafael Peier Джок + Скотт нивоа Джок + Скотт Нил Жуп Zettberlin owik2 Zettberlin Джок + Скотт RoPix owik2 Джок + Скотт Джок + Скотт Zettberlin owik2 Джеффри Смент Джок + Скотт

Почему классические и современные картины выглядят так по-разному

Фотографии любезно предоставлены Художественной библиотекой Бриджмена

В ноябре Джон Э.Бьюкенен-младший, исполнительный директор Художественного музея Портленда (Орегон), пригласил Роберта Гамблина прочитать публичную лекцию о том, ПОЧЕМУ классические картины отличаются от картин импрессионистов. Это текст его лекции и иллюстрации, демонстрирующие замечательную группу картин французского барокко, представленных на выставке «Триумф французской живописи» в Портлендском художественном музее осенью 2003 года.

Почему классическая и современная живопись выглядят по-разному ?

Чтобы ответить на этот вопрос, я хотел бы обсудить с вами

• разницу между косвенными и прямыми методами рисования
• эволюция цветов художников
• роль художника как создателя нашей культурная память

Клод Лоррен и Клод Моне предлагают хорошие примеры двух основных стилей живописи: непрямого и прямого рисования.

Структура картины: прямое против косвенного

Классический подход к рисованию называется косвенным, потому что то, что вы видите, представляет собой комбинацию трех или более слоев картины. Зритель видит все три слоя, видимые одновременно в разных частях картины. Художник тщательно планирует наслоение для создания определенных визуальных эффектов.

Посмотрите на диаграмму, которую я нарисовал, чтобы она имела смысл. Здесь мы смотрим на картину сбоку.

• Холст находится внизу
• Белая земля наверху холста
• Фактические слои краски на земле.

Первый слой, называемый имприматурой, накладывается на изображение, нанесенное на землю.

Тонкая «растирка» масляного цвета устанавливает средний тон картины. Часто художники используют темный прозрачный цвет, например жженую сиену, наносимую на белую землю, чтобы поверхность картины казалась мягко блестящей.

Если бы художник применил темный непрозрачный слой вместо прозрачного, темный цвет поглотил бы весь свет, поэтому картина будет выглядеть очень плоской.Вы можете видеть, что мой луч света проходит через этот слой до земли.

Следующий слой, который применяет художник, — непрозрачный. На этом слое он / она рисует большинство человеческих форм и другие элементы, чтобы создать историю и придать картине ее повествовательный характер. Некоторые художники, особенно Рембрандт, рисовали этот слой как слой импасто — слой, созданный толстым слоем масляной краски.

Третий слой может быть одним или несколькими слоями прозрачных глазурей. Слои глазури используются для

• унификации цвета света.
• управления интенсивностью света.
• нажимают формы и элементы для создания ощущения трехмерного пространства.

Глазури добавляют объем благодаря своей прозрачности. Во времена Клода Лоррена художники создавали прозрачность, добавляя к своим краскам среды для рисования, чтобы раздвигать частицы пигментов. Сегодня художники могут использовать прозрачные пигменты для создания того же эффекта.

На схеме глазури красные.

Вы можете видеть, что световые лучи отражаются сразу от непрозрачного слоя, но проходят сквозь слой прозрачной глазури. Свет интересным образом взаимодействует с глазурью.ОНО СВЕТИЛ ИХ СЗАДИ.

Свет распространяется внутри поверхности картины. Затем свет окрашивается глазурью, возвращаясь в глаз. Применение большого количества глазури делает картины темнее, потому что очень много света задерживается внутри красочной пленки. Вы можете видеть, что на этой диаграмме есть четыре световых луча, которые показывают четыре способа взаимодействия света с поверхностью. Рембрандт — мастер непрямого наслоения цвета.

Вы можете видеть

• имприматура на заднем плане
• непрозрачная окраска форм
• остекление более или менее по всем формам, придавая формам объем.

Многослойная глазурь может усилить ощущение драматизма, как на этой картине Мастера свечей «Св. Себастьян, о котором заботится Ирэн »- драма повествования усиливается этой затемненной сценой, поэтому напряжение усиливается в темноте. Художник достигает этого эффекта, используя прозрачность, позволяющую свету проникать глубоко внутрь картины. Эффект свечения картины достигается за счет мягкого выхода света.
Сотни лет, вплоть до импрессионистов, художники создавали свои картины именно таким образом, используя примерно одну и ту же палитру цветов, рассказывая одни и те же истории.Их гениальность определялась уникальными способами преобразования художественных материалов в повествования, рассказывающие нам наши истории.

Прямая живопись

Импрессионисты первыми применили прямую живопись.

Большинство цветов старых мастеров были прозрачными, большинство цветов импрессионистов были непрозрачными. Смотрите схему, прозрачных слоев нет.

Вот деталь непрозрачной поверхности с сильно нанесенными слоями краски Impasto.Все световые лучи отражаются от поверхности. Ни один свет не проникает в слои. Свет, который вы видите, цвет, который вы видите, исходит прямо от поверхности. Художник, возможно, нанес еще несколько слоев, но все предыдущие работы скрыты. Возможно, на поверхности видна только текстура нижних слоев.

Вот несколько примеров прямой живописи:

Это картина Моне на пляже. Если бы вы могли видеть это внимательно, на поверхности прилипло много песка.

Сравните это произведение Моне с произведением Шале «Богородица с младенцем в тюрьме». Я думаю, разница в том, как свет взаимодействует с поверхностью, очевидна. Его принимают и возвращают только часть. Другой отражает свет со всей поверхности.

Импрессионисты перенесли свои яркие непрозрачные краски в пейзаж. Эта структура прямого рисования — единственная, которая хорошо работает для создания наружного света, потому что мир природы характеризуется светом, заливающим пейзаж.Чтобы создать картину, которая создает это ощущение заливающего света, художник должен убедиться, что много света отражается прямо на зрителя.

Они делают это, используя непрозрачные цвета с яркостью, которые отражают свет сразу от поверхности, не позволяя свету проникать в структуру и поглощаться пленкой краски. Таким образом достигается ощущение яркости от фактической яркости.

Моя личная работа направлена ​​на достижение тех же целей. Вот несколько примеров. Большинство из них было написано здесь, в долине Уилламетт.

Доступная палитра цветов

Теперь давайте посмотрим на цвета, которые сформировали их палитры. Классический художник использовал совсем другую цветовую гамму, чем импрессионисты.

Художники создают картины не менее 30 000 лет. В истории пигментации всего три периода.

Первый период начинается 30 000 лет назад и достигает 1700 г. в начале промышленной революции. Этот период истории искусства характеризуется использованием пигментов, которые в основном были найдены в земле: пигменты из земли, такие как сиена, умбра, красное железо, или цвета из камней: ляпис, малахит, азурит или натуральные органические вещества, такие как ягоды, соки, сок насекомых, сок растений.

Большинство использованных цветов были земными. Но такой преуспевающий художник, как Ван Эйк, живший в торговом центре, таком как Брюгге, имел доступ к более ярким материалам.

Затем Промышленная революция с 1700 по 1900 год дала полную палитру цветов, которые были получены путем сплавления металлов вместе при высокой температуре для создания смешанных оксидов металлов из кобальта, марганца, железа, кадмия, свинца и других.

Все картины на выставке «Триумф французской живописи» написаны красками первого периода; импрессионисты использовали краски второго периода.

Для тех из вас, кому интересно, третьим периодом был 20 век, который дал нам полную палитру современных органических красок: например, хинакридон, фтало, нафтол. Слева представлена ​​цветовая диаграмма всех доступных сегодня цветов.

Здесь цвета земли первого периода, цвета промышленной революции. Здесь присутствуют современные органические цвета 20 века.

А вот и картины моего учителя Вольфа Кана, который рисует пейзаж, но использует много цветов 20 века.

Это был краткий обзор истории пигментов, теперь давайте подробнее остановимся на этом.

Ниже приведены две картины, на которых изображены палитры художников. Интересно, что они имеют почти одинаковые цвета на палитре.

Белый, несколько землистых цветов и красный. Ни синего, ни зеленого, ни фиолетового, ни синего, ни зеленого, ни фиолетового на картинах.

Итак, вот группа цветов, распространенных с классического периода: охра, умбра, сиена, terre verte, черная слоновая кость, свинцово-белый, смальта, вердигр, киноварь, розовая марена.Сравните их с цветами на палитре этой картины, и вы увидите большинство тех же цветов. Но я хочу, чтобы вы заметили, что здесь много приглушенных цветов и мало ярких цветов.

Вот еще одно из шоу, чтобы еще раз проиллюстрировать их использование цвета: повествование изображено в значении с использованием приглушенных цветов; яркие цвета, используемые для драматического эффекта.

Импрессионистам повезло, что цвета, необходимые для создания света природного мира, и их желание сделать это возникли одновременно.До середины 19 века пигменты были недоступны для импрессионистов. У них было бы свое художественное видение, но не было бы инструментов для воплощения своих идей в жизнь. К 1860-75 годам для промышленности был разработан полный спектр непрозрачных, светостойких цветов, которые начали использовать художники. Это интересный переход. На первом этапе истории пигмента художники или их ученики изготавливали большую часть материалов в студии. Пигменты покупались в аптеке, а краску превращали в мастерскую.К середине 19 века промышленность создала новые пигменты в больших количествах, которые впервые были использованы в промышленности. И эти пигменты также делались небольшими производителями в художественные краски. Это источник нашего бизнеса.

Обратите внимание на набор образцов базовой палитры импрессионистов. Имеется достаточно чистых цветов, поэтому я могу теперь сделать цветовое колесо из цветов с регулярными шагами вокруг этого цветового круга. Все цвета насыщенные, за исключением желтой охры.Импрессионисты отказались от всех землистых цветов, кроме желтой охры. Его оставили, потому что он был слишком ценным. Это был цвет дороги, пляжа или деревенских стен.

Ценность этой палитры — наличие чистых цветов на регулярных шагах по цветовому кругу, поэтому художники могут иметь доступ к большому количеству цветового пространства. И это то, что требуется, чтобы нарисовать все возможные ситуации освещения. Дополнительным преимуществом этих ярких минеральных красок является то, что они теряют интенсивность своего цвета при смешивании с другими цветами.Минеральные цвета легко переходят в цвета природного мира. Свет мира имеет как приглушенный, так и насыщенный цвет.

Как показано на этой картине Моне, поле маков, интенсивные маки, приглушенные травы, прекрасное воссоздание света позднего лета.

Использование цвета, драматическое против научного, против физиологического

Следующее различие, которое следует учитывать, — КАК художники использовали свои цвета.

Повествование в классической живописи изображается прежде всего в ценностях.Эффект обычно достигается при помощи приглушенных цветов. Посмотрите на этого Леонардо слева. Нет цветов, только приглушенные цвета. Тело святого Иоанна выкрашено в белый цвет, а все остальное — в земляные цвета. И это тело было залито прозрачными земными красками.

Земляные цвета были основной палитрой для большинства художников, которые затем прибегали к более ярким цветам, если они у них были, чтобы нести драматический эффект. Экстравагантное использование Ван Эйком очень дорогого киноваря демонстрирует статус и богатство этого предмета.Они думают, что это может быть автопортрет, который он написал для продвижения своего бизнеса портретной живописи.

«Поклонение волхвов» выглядит как сцена прямо из драматического спектакля. Персонажи, одетые в яркие одежды, несут в себе драматический элемент. Представьте, что все они раскрашены землистыми красками, драматичность сильно уменьшится. Светящийся красный цвет спящей Венеры усиливает зрение, я уверен, что художники того времени интуитивно знали то, что доказали современные ученые, что взгляд на красный заставляет сердце биться немного быстрее.

Художник создал полупрозрачное свечение в определенных частях тела. Его получают путем тщательного смешивания и нанесения как прозрачных, так и непрозрачных цветов, чтобы свет немного проникал на поверхность, а затем возвращался обратно. Сочетание этой интенсивности с тенью усиливает эффект.

Еще одно использование цвета в классические времена заключалось в том, чтобы просто выставить напоказ.

В «Святой Анне, ведущей деву в храм» (которая также присутствует в шоу), использование Ультрамаринового синего, кажется, является причиной написания картины.Ультрамариновый синий из лазурита — самый дорогой пигмент из когда-либо созданных. Когда покровитель просил использовать синий ультрамарин в картине, в контракте указывалось, где он будет использоваться и сколько денег будет выделено для покупки пигмента. Мне эта работа кажется символом статуса.

Цвет также использовался символически. Пуссен одел Деву Марию в синее. Я не знаю, почему Джозеф в желтом, за исключением, возможно, визуального эффекта, чтобы отвлечь ваш взгляд от лодки на фигуры в облаках.

С другой стороны, как я уже упоминал, живопись импрессионистов использовала цвет для изображения всего спектра световых эффектов природного мира.

Я постоянно возвращаюсь к Моне, потому что его достижение поразительно. Когда мне было 20 и я был слишком крут, как может быть двадцатилетним, я любил импрессионизм, но мало думал о Моне. Поскольку массам больше всего нравился Моне, я подумал, что они, должно быть, ошибались. Но теперь, когда я стал намного менее крутым, чем был в 25 лет, я трепещу перед его достижениями.

Интересным дополнением к истории его серии о тополях является то, что он начал их рисовать, а затем узнал, что деревья должны быть проданы с аукциона для вырубки. Моне пошел в одну из лесозаготовительных компаний, торгующих деревьями. Он спросил владельца, сколько он готов заплатить за деревья, а затем гарантировал, что заплатит ему столько, сколько ему придется заплатить сверх той суммы, которая была необходима для победы в торгах. Мужчина выиграл тендер, Моне заплатил дополнительную сумму, и он смог завершить свою серию до того, как они были сокращены.Но опять же, они иллюстрируют интерес импрессионистов к использованию цвета для исследования света мира во всех его вариациях.

Вот еще один эффект естественного света, Ренуар слева, Моне справа, оба рисуют летний свет пятнистым оттенком

Здесь снова Моне, рисующий бурный день на пляже и из его чудесного Лондона серия, рисующая Темзу, мосты, здания парламента и невероятный лондонский туман начала 1900-х

Намерение художников, роль искусства в жизни

Последняя тема, которую я хочу обсудить, — это разница в намерение между художниками, работавшими в классической традиции, и современными художниками.Роль живописи в обществе кардинально изменилась с 17 века! Поэтому, чтобы оценить их работу, я думаю, мы должны понимать намерения художников и то, как они отвечали культурным требованиям своего времени. Большая часть классической живописи была заказана религиозными лидерами, чтобы рассказывать и пересказывать истории верующих. Или политика — живопись, посвященная историческим моментам, или придворная жизнь — как в этих двух работах из шоу.

Их покровителям нравились эти грандиозные жесты, которые отмечали их достижения и оставляли след в истории.Истории, рассказанные масляными картинами, выполненными с использованием установленных технологий и качественных материалов художников, могут жить сотни лет.

В то время живопись была высшей формой визуальной записи человеческого опыта. Единственная причина, по которой мы имеем представление о том, как выглядела жизнь, — это живопись. Но великий стиль — повествование было высшей формой визуального повествования.

Изображения греческих мифов о Меркурии и Герсе слева или религиозные истории, такие как история Юдифи из Библии, нет, это не голова ее мужа, а голова вражеского генерала.

Но я надеюсь, что вы видите, что многие классические картины объединяет то, что все они выглядят как кадры из драматической пьесы. Живопись была единственной визуальной средой, содержащей драму.

Прошло много времени с тех пор, как мы обратились к живописи как к нашему первоисточнику визуальной драмы или даже визуального рассказа историй; мы идем на ТВ и в кино.

За последние 100 лет живопись была освобождена от обязанности создавать драматические произведения или записывать значимые события. Фотография освободила живопись от основной обязанности рассказывать нам, как выглядят вещи.Живопись могла бы умереть, если бы эти две важные части рынка были удалены, но как свидетельство первозданной силы живописи она эволюционировала, чтобы удовлетворить другие культурные потребности.

Импрессионисты создали эту новую роль для живописи.

Их работа явилась результатом удивительного слияния идей и материалов. Этот раздел разговора посвящен намерениям. Их намерения состояли в том, чтобы привнести в искусство научный образ мышления. Вместо того, чтобы рисовать свет в студии, эти современные художники занимались изучением научных взглядов на мир.Они изображали свет мира. Рассказывание историй и драма не были важными намерениями. Вот две картины Моне, изображающие Руанский собор, поскольку во многих сериях Моне он сделал множество картин на каждый предмет, чтобы изучить влияние света в разное время дня и при разных погодных условиях.

Наряду с этим новым взглядом на мир импрессионисты дали нам новый элемент человечности как фокус для живописи. И это чистое ощущение, производимое цветом и светом, без повествования, которое направляет переживания.

Еще два Моне демонстрируют использование цвета для вызова эмоциональной реакции.

В качестве фона для заключительных замечаний я возвращаюсь к Клоду и Клоду.

Сейчас мы живем в мире искусства, который был охарактеризован как «постмодернистский». В этом постмодернизме все стили или художественные средства, когда-либо изобретенные, можно увидеть на стенах сегодняшних художественных галерей. Но все же во всей живописи используется только одна из двух структур, которые мы рассматривали. Картины либо привлекают свет на поверхность, иногда больше, иногда меньше, либо заставляют его отражаться прямо от поверхности.Тем не менее, художники правят и, трансформируя художественные материалы, они оставляют нам визуальные записи нашей культуры, наших идей и наших эмоций. И лично я считаю, что мы богаче из-за всего этого разнообразия.

Если у вас есть дополнительные вопросы о том, почему классические и современные картины выглядят так по-разному, свяжитесь с нами.

Роберт Гэмблин

---

Кредит: Здание Парламента, 1903 г. (холст, масло) Моне, Клод (1840-1926)
© Бруклинский художественный музей, Нью-Йорк, США / Художественная библиотека Бриджмена

Кредит: Мужчина в тюрбане, 1433 г. (масло на дубе) — Эйк, Ян ван (ок.1390-1441)
© Национальная галерея, Лондон, Великобритания / Художественная библиотека Бриджмена

Кредит: Еврейская невеста, около 1666 г. (холст, масло) Рембрандта Харменса. ван Рейн (1606-69)
© Государственный музей, Амстердам, Голландия / Художественная библиотека Бриджмена

Кредит: Мост Ватерлоо, 1902 г. (холст, масло) Моне, Клод (1840-1926)
© Hamburger Kunsthalle, Гамбург, Германия / Художественная библиотека Бриджмена

Кредит: Юдифь (холст, масло) Валентина де Булонь, (1594-1632)
© Musee des Augustins, Тулуза, Франция / Жиро / Художественная библиотека Бриджмена

Кредит: Женщина с зонтиком повернулась к Слева, 1886 г. (холст, масло) Моне, Клод (1840-1926)
© Musee d’Orsay, Paris, France / Giraudon / Художественная библиотека Бриджмена

Предоставлено: Gare St.Лазар, 1877 г. (холст, масло) Моне, Клод (1840-1926)
© Musee d’Orsay, Париж, Франция / Художественная библиотека Бриджмена

Кредит: Фасад Руанского собора и Tour d’Albane (Утренний эффект) 1894 г. ( холст, масло) Моне, Клод (1840-1926)
© Музей изящных искусств, Бостон, Массачусетс, США / Коллекция Томпкинса / Художественная библиотека Бриджмена

Предоставлено: Grainstack (Sunset) 1891 (холст, масло) Моне, Клод (1840-1926)
© Музей изящных искусств, Бостон, Массачусетс, США / Коллекция Джулианы Чейни Эдвардс / Художественная библиотека Бриджмена

Предоставлено: St.Иоанн Креститель, 1513-16 (холст, масло), Винчи, Леонардо да (1452-1519)
© Лувр, Париж, Франция / Художественная библиотека Бриджмена

Предоставлено: Бурное море в Этрета, 1883 г. (холст, масло). Моне, Клод (1840-1926)
© Musee des Beaux-Arts, Lyon, France / Giraudon / The Bridgeman Art Library

Кредит: Ecce Homo (холст, масло) Миньяра, Пьера (1612-95)
© Musee des Изящное искусство, Руан, Франция / Лорос / Жиро / Художественная библиотека Бриджмена

Кредит: Св. Анна ведет Богородицу в храм, ок.1635-45 (холст, масло) Стелла, Жак (1596-1657)
© Musee des Beaux-Arts, Руан, Франция / Lauros / Giraudon / Художественная библиотека Бриджмена

Предоставлено: Руанский собор в полном солнечном свете: гармония в синем и золото, 1894 г. Автор: Моне, Клод (1840-1926)
© Musee d’Orsay, Paris, France / Lauros / Giraudon / The Bridgeman Art Library

Кредит: Впечатление: Восход солнца, Гавр, 1872 г. (холст, масло) Моне, Клод (1840-1926)
© Musee Marmottan, Paris, France / Giraudon / Художественная библиотека Бриджмена

Кредит: Парижское суждение, ок.1632-35 (масло на панели) Рубенс, Питер Пол (1577-1640)
© Национальная галерея, Лондон, Великобритания / Художественная библиотека Бриджмена

Кредит: Пляж в Трувиле, 1870 (холст, масло) Моне, Клод (1840-1926)
© Национальная галерея, Лондон, Великобритания / Художественная библиотека Бриджмена

Кредит: Сусанна и старейшие Бланшар, Жак (1600-38)
© Agnew & Sons, Лондон, Великобритания / © Agnew’s, Лондон, Великобритания / Художественная библиотека Бриджмена

Кредит: Шествие Людовика XIV (1638-1715) через Пон-Нёф (холст, масло) Мейлен, Адам Франс ван дер (1632-90)
© Musee de Grenoble, France / Peter Вилли / Художественная библиотека Бриджмена

Преданный классицист

Деталь дверцы туалетного шкафа Джордж Альфред Щастей для примерочной Арабеллы Уоршам. Фото: Метрополитен-музей.

Преданный классицист — давний поклонник комнат музейного периода. На какое-то время эти инсталляции потеряли популярность из-за их стоимости и места, необходимого для успешной демонстрации. Но традиционалиста отрадно видеть, как крупное учреждение шагает вперед с новой инсталляцией с артефактами, которые томятся на хранении в течение многих лет: Гримерной Уоршема-Рокфеллера в Метрополитен-музее.

Модель резиденции Worsham 4 West 54th Street, New York City. Фотография Джона Дж. Тэкетта для Блог «Преданный классицизм».

Помещение, заказанное Арабеллой Уоршем (позже Хантингтон) в рамках комплексной внутренней реконструкции существующего особняка из коричневого камня, представляет собой редкую сохранившуюся комиссию Золотого века от ныне малоизвестного краснодеревщика / декоратора Джорджа А.Shastey в 1881 году. Комната происходит из дома Уоршема на 54-й Вест-стрит, 4, собственности, которая также включала в себя два фланговых участка; на этом месте сейчас находится сад Музея современного искусства.

Портрет Александра Кабанеля 1882 года Арабеллы Уоршам, коллекция Музеев изящных искусств Сан-Франциско. Фотография Джона Дж. Тэкетта для номера Преданный классицист.

Предыстория Арабеллы «Белль» Уоршем немного отрывочна и, возможно, «очищена», мягко говоря. Арабелла Дюваль Яррингтон родилась в 1850 году в Юнион-Спрингс, штат Алабама, и выросла в Ричмонде, штат Вирджиния, жестком, но шумном городке в годы гражданской войны. Ее овдовевшая мать владела пансионатом, и, как говорят, Арабелла вышла замуж за Джона Арчера Уоршэма, когда ей было 18 или 19 лет, и вскоре овдовела, прежде чем родила сына. Вне зависимости от того, женат он или нет, Дж. А. Уоршем уже был женат и жив, владел игорным залом в Ричмонде, который часто посещал Коллис Б.Хантингтон , что привело к покупке им в 1869 году восточного участка своей железнодорожной империи, протянувшейся от побережья до побережья. Хотя Хантингтон не был пьяницей и курильщиком, он любил играть и любил молодых женщин, хотя был женат и жил на Парк-авеню на 38-й улице в Нью-Йорке. Вскоре Арабелла, ее сын, несколько братьев и сестер и ее мать поселились на Манхэттене, где они купили несколько объектов недвижимости, финансируемых Хантингтоном, но всегда на имя Арабеллы, что привело к покупке этого дома.

Примерочная Worsham-Rockefeller. Фото: Метрополитен-музей.

Арабелла распотрошила дом до основания и приступила к установке роскошных интерьеров по последнему слову техники, при этом расходы не были проблемой. Дом был одним из первых частных домов с пассажирским лифтом, что было одним из многих нововведений того времени.

Примерочная Worsham-Rockefeller. Фото: Метрополитен-музей.

Гардеробная — образец высокого стиля эстетизма, сочетание европейского ренессанса, исламского, японского и современного стилей, смешанных, чтобы создать роскошную приватную среду для хозяйки дома. Атласное дерево и амарант (или темно-пурпурное сердце) используются для создания замысловатого маркетри с геометрическими узорами и мотивами, такими как швейные инструменты и парикмахерские инструменты, а также украшения плюс резные детали с головами херувимов, гирляндами и гирляндами.

Примерочная Worsham-Rockefeller. Фото: Метрополитен-музей.

Под массивным зеркалом и дополнительным газовым светильником расположен широкий туалет с мраморным верхом. Верхние стены оклеены обоями бирюзового цвета с орнаментом из четырехлистников из золота и серебра, которые переливаются при слабом освещении.

Встроенное оборудование в Worsham-Rockefeller Гардеробная, как установлено в Метрополитен-музей. Фотография Джона Дж. Тэкетта для номера Преданный классицист.

Ни одна деталь не осталась без внимания. Даже потолок был тщательно продуман. В серебряный набор туалетных принадлежностей входят гребни, зеркала, ножницы, игольница и яйцо для штопки. Все элементы складываются в единое Gesamtkunstwerk, — полное произведение искусства.

Потолок в раздевалке Уоршем-Рокфеллера , установленный в Метрополитен-музее. Фотография Джона Дж. Тэкетта для The Devoted Classicist.

Жена Хантингтона Элизабет умерла в 1889 году после продолжительного приступа рака, что позволило Хантингтону жениться на Белль и усыновить ее сына Арчера; Церемония проводилась в доме под председательством преподобного Генри Уорда Бичера, брата Гарриет Бичер-Стоу. Они переехали в дом Хантингтона на Парк-авеню (а затем построили дом в 1893 году на Пятой авеню и 57-й улице на месте, которое сейчас занимает Tiffany & Company), и дом был продан полностью меблированным Джону Д.и Лаура Спелман Рокфеллер. Мебель и украшения сохранялись нетронутыми до его смерти в 1937 году, когда части были переданы музеям, а затем снесены в 1938 году. Курительная комната в мавританском стиле была передана Бруклинскому музею, а эта гардеробная и прилегающая (главная) спальня были переданы в распоряжение Бруклинского музея. Музей города Нью-Йорка. После того, как стало ясно, что последний больше не может выставлять комнаты, спальню передали Музею изящных искусств Вирджинии, а эту гримерку — Музею искусств Метрополитен.

Туалетный набор Анабеллы Уоршэм , представленный в Метрополитен-музее. Фотография Джона Дж. Тэкетта для The Devoted Classicist.

После смерти Коллис Хантингтон Белль унаследовала треть его состояния, 150 миллионов долларов (около 3,1 миллиарда долларов сегодня), что сделало ее одной из самых богатых женщин в стране. Никогда не входившая в нью-йоркское общество, она купила в Париже дом с 14 спальнями, который был полностью отремонтирован и стал еще более интересным в коллекционировании произведений искусства.Тринадцать лет спустя она вышла замуж за племянника своего покойного мужа, Генри Э. Хантингтона , который построил роскошное поместье в Сан-Марино, штат Калифорния, некоторые говорят, чтобы ухаживать за ней. Но она не заботилась об этом районе и до конца своей жизни не провела там больше месяца.