Классицизм краткое описание: Классицизм, краткое описание 🤓 [Есть ответ]

Краткое описание русского классицизма 👍

Существенные преобразования в экономической, политической и культурной жизни, происшедшие в России в конце XVII – и в особенности в первые десятилетия XVIII в., связанные с грандиозным историческим процессом образования русской нации, поставили перед отечественной общественной мыслью – и тем самым перед художественной литературой – ряд неотложных задач. Нужно было осознать происшедшие перемены и, осмыслив, отобразить окружающую действительность. Литература уже не могла ограничиться только простым воспроизведением очевидных (пусть

новых) явлений русской жизни, как это было, например, в повестях петровского времени.

Возникла насущная потребность дать этим явлениям определенную оценку, сопоставив их с характерными сторонами недавнего прошлого, и выступить в защиту петровских завоеваний. С подобным отношением к задачам художественной литературы мы встретимся в 20 – начале 30-х годов только в сатирах Кантемира и в некоторых произведениях молодого Тредиаковского. Но именно такой характер будет носить литература последующего периода – литература русского классицизма.

Традиционная точка зрения дореволюционного литературоведения

на русскую литературу XVIII в. как на литературу классицистическую (да к тому же подражательную) подвергнута рядом советских исследователей достаточно аргументированной критике. Введение в наше время в научно-исследовательский оборот рукописной литературы (в том числе произведений демократических “низов”). Внимательное изучение творчества “третьесословных” писателей, значительное количество публикаций художественного наследия, отличающихся высоким текстологическим и комментаторским уровнем, – все это расширило, углубило и тем самым изменило в определенной мере наше представление о характере русского историко-литературного процесса в XVIII в.

Сейчас уже неправомерно было бы утверждать тезис о безраздельном господстве классицизма в русской литературе позапрошлого столетия: роль классицизма как ведущего литературного направления падает примерно на период 40-70-х годов XVIII в. Правда, следует учесть, что, во-первых, даже в это время не все явления литературного процесса протекали в рамках классицизма; во-вторых, классицистические произведения продолжали появляться и в последующие десятилетия XVIII в., а наиболее полная характеристика эстетики классицизма была дана в начале XIX в.

Несмотря на успехи нашего литературоведения в изучении русского классицизма, здесь еще имеется немало спорных вопросов. Так, например, некоторые исследователи, утверждая наличие в русской литературе последней четверти XVIII в. “просветительского” (Г. М. Макагоненко), “просветительного” (Н.

Л. Степанов) или “дидактического” (У. Р. Фохт) реализма, относят к нему творчество молодого Крылова и Радищева, а также произведения Фонвизина и Державина. В конечном итоге была взята под сомнение даже целесообразность употребления термина “русский классицизм XVIII века”.

Отсутствие желаемого единства среди современных исследователей в раскрытии идейно-художественных особенностей русского классицизма является результатом скорее всего недостаточной разработанности таких эстетических и литературоведческих понятий, как художественный метод, литературное направление и их взаимосвязь. Осложняют положение вопроса и попытки в ряде случаев прямолинейной подмены явлений художественного творчества факторами идеологии.

Сыграл здесь свою роль также и преувеличенный порой интерес к категориям частного (“специфического”) характера за счет анализа общеэстетических категорий. Но, как предупреждал в свое время Максим Горький, “кто берется за частные вопросы без предварительного решения общих, тот неминуемо будет на каждом шагу бессознательно для себя “натыкаться” на эти общие вопросы”.

Поэтому представляется целесообразным выяснить предварительно, является ли классицизм художественным методом или литературным направлением; проследить хотя бы кратко историю его зарождения и развития в зарубежных литературах, дать его общую характеристику и затем выявить своеобразие русского классицизма.

Если понимать художественный метод как исторически обусловленный способ творческого освоения и переработки эстетических отношений действительности в художественные образы со своими принципами отбора, обобщения и оценки жизненных фактов и явлений, со своим пониманием взаимоотношения содержания и формы, со своим утверждением исторически-конкретного эстетического идеала, то классицизм, как будет показано в дальнейшем, отвечает этим требованиям.

Классицизм как творческий метод оказался явлением общеевропейского масштаба. Но хронологические границы, а также специфика и степень художественного развития классицизма в разных странах оказались неодинаковыми. Это вполне закономерно: в национальных литературах ярко отразились их связи с конкретно-историческими обстоятельствами развития того или иного народа, его традиции, нужды, обычаи.

Наибольшей завершенности классицизм достиг во Франции во второй половине XVII в., хотя не Франция оказалась зачинательницей “теоретических” основ и творческой “практики” классицизма.

По справедливому утверждению многих исследователей, эпоха классицизма – прямой наследник эпохи Возрождения. Поэтому не случайно, что первые опыты зарождающегося классицизма были связаны с “колыбелью Возрождения” – Италией. Не случайно и то, что эти опыты были осуществлены в области драмы: одной из первоначальных задач возникавшего направления была борьба со средневековой схоластической драматургией.

В преддверии классицизма стоит трагедия итальянца Триссино “Софонизба” (1515). Написанная в подражание античным трагикам (Софоклу, Еврипиду), она выгодно отличалась от средневековых духовных представлений типа мираклей и моралите стройностью и логичностью развития сюжета, наметив вместе с тем ряд других особенностей, ставших впоследствии характерными для классицистической драматургии,- рационалистичность и абстрактность действующих лиц, нарочитая бедность действия на сцене, пространные монологи и диалоги персонажей. Утверждению эстетических нормативов, тенденции к усилению строгой регламентации произведений классицизма не в меньшей мере способствовали и многочисленные трактаты (“Поэтики”) по вопросам литературы итальянских теоретиков XV-XVI вв. (Виды, Триссино, Муцио, Ментурно). Большое влияние на формирование классицизма в европейских литературах оказала изданная в 1561 г. в Лионе “Поэтика” Юлия Цезаря Скалигера, итальянца по происхождению.

Ее воздействие сказалось и на творчестве Кор-неля, Расина и на трактате Буало. Из поэтик, появившихся в других странах, следует отметить “Поэтику” англичанина Ф. Сиднея (1595), также во многом предвосхитившую “Поэтическое искусство” Буало.

К этому следует добавить поэтики иезуитов-Якова Понтана (Шпанмюллера), Доната и др., стремившихся частично реформировать иезуитский театр, приблизив его к новым эстетическим требованиям (что необходимо было для пропагандистских целей католицизма). Становление канонов классицизма проходило в острой полемике с противниками нормативной эстетики. Противниками теоретиков чаще всего оказывались практики-драматурги, например, Лопе де Вега, Тирсо де Молина, осмеявший, в частности, требование единства времени (“Что же касается ваших 24 часов, то что может быть нелепее, чтобы любовь, начавшись с середины дня, кончалась бы к вечеру свадьбой!”).

Но все же к середине XVII в. (в первую очередь во Франции) классицизм становится господствующим литературным направлением, а его манифест – “Поэтическое искусство” Буало оказывается итоговым произведением, обобщившим как опыт предшественников-теоретиков, так и творческий опыт его современников-писателей.

Классицизм в дизайне интерьера — краткое описание и фото

Пожалуй, самым аристократичным и благородным стилем можно считать классицизм. После огромных пространств и многоярусного ажура стиля барокко классицизм принес утонченную элегантность и легкость. В его основе — греческий и римский стиль с античным минимализмом, с его гармонией, простой логикой и четкостью.

Интерьер, выполненный в стиле классицизма, сохраняет декоративность стен, их живописность, как наследие своего предшественника, но уже отказывается от излишеств лепных кружев. Для этого стиля очень важно правильно организовать пространство – геометрически правильное помещение разделяется на зоны колоннами и фронтонами и не перегружено предметами обихода.

Для классицизма присуще использование зеркал в парадных рамах, что помогает расширить пространство. А также камин, отделанный мрамором. Размер помещений не так важен, но потолки должны быть высокими. Предметы обстановки – диваны, кресла, столы – размещены так, что создают симметричные группы–островки в пространстве комнаты.

Для стиля классицизм очень важно хорошее освещение, чтобы подчеркнуть его. Для этого можно использовать массивные многоярусные люстры. Небольшие светильники можно спрятать в натяжной потолок, они помогут высветить отдельные выгодные фрагменты интерьера и прекрасно в него впишутся. На столиках и камине расставить свечи в канделябрах.
Классицизм требует делать акценты в обстановке, один предмет должен выделяться в обстановке, создавать этот акцент. В спальной комнате таким центральным предметом будет кровать с балдахином, в главной комнате – камин из мрамора, а в столовой – стол. В целом количество мебели не большое, практичность – одна из черт стиля.

Обязательными атрибутами этого стиля являются:

  • Мебель не высокая, но широкая, которая стоит на изогнутых и массивных ножках. Единственным исключением будет секретер, который будет высоким и располагаться отдельно.
  • Цветовая гамма – нежная, пастельная. Цвета – бежевый, желтый, белый, с небольшими вкраплениями зеленого или коричневого.
  • Отделка стен пышная, можно использовать пастельную роспись под скульптуру (гризайль). Также можно использовать декоративную штукатурку, обои из ткани, тростника, винила.
  • Дополнительным украшением стен будет портретная живопись, драпировки из атласа и гобелены.
  • Окна и дверные проемы должны быть большими, массивными, цельными.
  • Пол традиционно для этого стиля делают из паркета разных пород дерева – тика, ятобы и других. Допустимо использовать для покрытия пола мозаику из деревянных и мраморных плиток.

Кинотеатр или плазму можно разместить над камином, остальную технику спрятать в ниши с дверками или выдвижные ящики. В комнате обязательно должны быть вазы или горшки с цветами, небольшие статуи и большие зеркала. Только размещать их нужно так, чтобы было много свободного пространства.

Все должно быть гармонично и в меру, ведь классицизм – это эталон вкуса.

Барокко. Классицизм читать онлайн бесплатно

№1 Х.В.Глюк. Опера «Орфей»

№2 Х.В.Глюк. Опера «Орфей»

№3 Х.В.Глюк. Опера «Орфей»

№4 И.С.Бах. Менуэт

№5 И.С.Бах. Менуэт

№6 И.С.Бах. Полонез

№7 И.С.Бах. Гавот

№8 И.С.Бах. Концерт для фортепиано с оркестром

№9 И.С.Бах. Прелюдия

№10 И.С.Бах. Хроматическая фантазия и фуга

№11 И.С.Бах. Гавот в форме рондо

№12 И.С.Бах. За рекою старый дом. Текст Д. Тонского

№13 И.С.Бах. Ария

№14 И.С.Бах. Осень. Слова Т. Комарницкой

№15 И.С.Бах. Инвенция

№16 И.С.Бах. Фуга

№17 И.С.Бах. Фуга

№18 И.С.Бах. Фуга

№19 И.С.Бах. Инвенция

№20 И.С.Бах. Инвенция

№21 Г.Ф.Гендель. Оратория «Иуда Маккавей»

№22 Г.Ф.Гендель. Оратория «Самсон»

№23 Г.Ф.Гендель. Менуэт

№24 Г.Ф.Гендель. Менуэт

№25 Г.Ф.Гендель. Ария

№26 Г.Ф.Гендель. Оратория «Самсон»

№27 Г.Ф.Гендель. Маленькая фуга

№28 Г.Ф.Гендель. Куранта

№29 Г.Ф.Гендель. Сарабанда

№30 Г.Ф.Гендель. Сарабанда

№31 Г.Ф.Гендель. Менуэт

№32 Г.Ф.Гендель. Dignare

№33 Ж.Рамо. Старинный французский танец

№34 Ж.Рамо. Крестьянка

№35 Ж.Рамо. Тамбурин

№36 Ж.Рамо. Старинный французский танец

№37 А. Корелли. Прелюд

№38 А. Корелли. Сарабанда

№39 А. Корелли. Сарабанда

№40 Ж. Люлли. Гавот

№41 Ж. Люлли. Гавот

№42 Ф.Куперен. Кукушка

№42 Ф.Куперен. Девушка

№43 Ф.Куперен. Любимая

№44 Ф.Куперен. Рондо

№45 Ф. Куперен. Жнецы

№46 Дж. Перголезе. Ах, зачем я не лужайка

№47 Й.Гайдн. Соната №10

№48 Й.Гайдн. Соната №12

№49 Й.Гайдн. Соната №21

№50 Й.Гайдн. Анданте

№51 Й.Гайдн. Соната Ре мажор

№52 Й.Гайдн. Соната №23

№53. Й.Гайдн. Соната №36

№54 Й.Гайдн. Соната ми минор

№55 Й.Гайдн. Менуэт

№56 Й.Гайдн. Симфония Ми-бемоль мажор

№57 Й.Гайдн. Симфония Ми-бемоль мажор

№58 Й.Гайдн. Симфония Ми-бемоль мажор

№59 Й.Гайдн. Симфония Ми-бемоль мажор

№60. Й.Гайдн. Симфония Ми-бемоль мажор

№61 Й.Гайдн. Симфония Ми-бемоль мажор

№62 Й.Гайдн. Симфония №11, менуэт

№63 В.Моцарт. Маленькая пряха

№64 В.Моцарт «Тоска по весне»

№65 В.Моцарт. Тайна

№66 В.Моцарт. К Хлое

№67 В.Моцарт.Ария

№68 В.Моцарт. Аллегро

№69 В.Моцарт.Маленькая серенада

№70 В. Моцарт. Маленькая серенада

№71 В Моцарт. Концерт для ф-п с оркестром №3

№72 В .Моцарт. Концерт для ф-п. с оркестром №3

№73 В.Моцарт. Концерт для ф-п. №5

Читать дальше

Что такое классицизм в литературе, определение, основные правила, законы

Классицизм это художественное направление, зародившееся в эпоху Возрождения, занявшее, наряду с барокко, важное место в литературе 17 века и продолжающее развитие в эпоху Просвещения — вплоть до первых десятилетий 19 века. Прилагательное «классический» весьма древнее: еще до того, как получить свое основное значение в латинском языке, «classicus» означало «знатного, состоятельного, уважаемого гражданина». Получив смысл «образцового», понятие «классический» стало прилагаться к таким произведениям и авторам, которые становились предметом школьного изучения, предназначались для чтения в классах. Именно в таком смысле слово употреблялось и в Средневековье, и в эпоху Возрождения, а в 17 веке значение «достойный для изучения в классах» было закреплено в словарях (словарь С.П.Ришле, 1680). Определение «классический» применялось только к древним, античным авторам, но никак не к современным писателям, даже если их сочинения признавались художественно совершенными и вызывали восхищение читателей. Первый, кто употребил эпитет «классические» по отношению к писателям 17 века, был Вольтер («Век Людовика XIV», 1751). Современный смысл слова «классический», значительно расширяющий список авторов, принадлежащих к литературной классике, начал складываться в эпоху романтизма. Тогда же появилось и понятие «Классицизм». Оба термина у романтиков имели чаще негативную окраску: Классицизм и «классики» противопоставлялись «романтикам» как устаревшая литература, слепо подражающая античности, — литературе новаторской (см.: «О Германии», 1810, Ж.де Сталь; «Расин и Шекспир», 1823-25, Стендаля). Напротив, противники романтизма, прежде всего во Франции, стали употреблять эти слова как обозначение подлинно национальной литературы, противостоящей иноземным (английским, немецким) влияниям, определяли словом «классики» великих авторов прошлого — П.Корнеля, Ж.Расина, Мольера, Ф.Ларошфуко. Высокая оценка достижений французской литературы 17 века, ее значение для становления других национальных литератур Нового времени — немецкой, английской и т.д. — способствовали тому, что этот век стали считать «эпохой Классицизма», в которой ведущую роль играли французские писатели и их прилежные ученики в других странах. Писатели, которые явно не вписывались в рамки классицистических принципов, оценивались как «отставшие» или «сбившиеся с пути». Фактически установились два термина, значения которых отчасти пересекались: «классический»—т.е. образцовый, художественно совершенный, вошедший в фонд мировой литературы, и «классицистический»—т.е. относящийся к Классицизму как к литературному направлению, воплощающий его художественные принципы.

История появления

Данное направление возникает во времена прогрессивных идей о патриотизме и в период установления национальной государственности. Творят в ту пору придворные государственные мужи, которые грамотно фиксируют и развивают национальную идею свой державы.

Истоки классицизма нужно искать в Древней Греции. Именно античность становится примером эпохи, где процветает личность, где происходит ее свободное развитие: духовное и физическое совершенство. Художников, скульпторов, архитекторов привлекала строгость и простота античного искусства. Однако идеологически классицизм чужд многим проявлениям древнегреческой культуры: это более строгое и рациональное направление, которое культивирует ограничение личной свободы во благо более глобальных (национальных) интересов.

Традиции классицизма — возрождение древнегреческих представлений о внешней стороне искусства. Открытие Помпеи в 1755 году, изучение архитектуры юга Италии привели к еще большему интересу к классицизму. Кроме колонн и галерей античности, он впитал в себя элементы готики, эпохи Возрождения и развил их. Главной целью классицизма становится просвещение публики — и нравственное, и интеллектуальное.

Этапы развития классицизма:

  1. Ранний классицизм (1760-е – 1-я половина 1780-х годов) – принятие нового стиля, определение его черт;
  2. Зрелый классицизм (1780-е – 1790-е) – установление и распространение стиля;
  3. Высокий или поздний классицизм, Ампир (1-я треть XIX века) – влияние романтизма.

Основоположники русского классицизма — А.Ф. Кокоринов и Ж.Б. Вален-Деламот. Они были авторами проекта «Академия художеств в Петербурге». В этом здании есть основные черты классицизма: четкий ритм колонн, строгие формы.

Также классицизм связан с национальными интересами государства. Идеал человека, по мнению классицистов, – это гражданин патриотических взглядов, который трудится на благо Отечества. Он готов на всё во имя своего долга. Поэтому монархи в то время активно поддерживали такое искусство.

Великие имена эпохи классицизма

Основоположником стиля считается французский художник Никола Пуссен (Nicolas Poussin), чьи картины на темы истории и мифологии (в основном связанные с античностью) отличаются поразительной геометрической точностью композиции и взвешенной колористической гармонией.

Большую известность получили пейзажи другого француза — Клода Лоррена (Claude Lorrain), прославившегося изображением окрестностей вечного города — Рима. Эти пейзажи называют антиквизированными, поскольку Лоррен подавал виды через историческую призму.

Новый художественный язык прекрасно подошёл для восхваления абсолютистской монархии, поэтому Версаль при короле-«солнце» Людовике XIV благосклонно отнёсся к модной живописной манере. На этом поприще особенно проявил себя придворный живописец Шарль Лебрён (Charles Le Brun).

А во второй половине XVIII века, благодаря открытию фресок во время раскопок Помпей, наступила эра неоклациссизма. Стиль обрёл новое дыхание, а его главным представителем стал Жак-Луи Давид (Jacques-Louis David) со своими драматично-лаконичными полотнами, полными трагики и героики.

Основные черты

Классицизм охватывает живопись, музыку, архитектуру, литературу и театр. Ему присущи следующие признаки:

  1. Обращение к искусству античности;
  2. Сатирическая направленность;
  3. Патриотизм;
  4. Интерес к простому человеку;
  5. Идея просвещенной монархии;
  6. Обращение к фольклору.

Суть классицизма заключалась в отражении идеи гармоничного общества: морально зрелого, патриотичного и рационального. Однако конфликты чувства и разума, личности и общества показывают всю сложность этого направления. Авторы прекрасно понимали, что люди не смогут без борьбы отказаться от чувств и желаний. Этот конфликт был наиболее драматичным проявлением новой философии.

Классицизму были свойственны гармоничность, организованность и ясность образов. Его сторонники говорили в аудиторией прямо и немного свысока, как учителя с классом.

«О курсе»

Рис. 1 ()

Во время бурного царствования Петра литература исчезает, и вся Россия превращается в некое подобие театральной сцены, на которой Петр – главный драматург, главный актер и режиссер, который ставит спектакль. В этом грандиозном спектакле участвовали практически все жители страны. Этот спектакль был построен по законам классицизма.

Классицизм — это искусство, основанное на подражании классицистическим, образцовым произведениям. Такими произведениями являются произведения античности. (Древней Греции, Рима). Эти источники были открыты в эпоху Возрождения. Сначала в Европе, а потом и по всему миру.

Особенности: темы и жанры

Классицизм связан с Просвещением, основывается на идеях рационализма и на представлениях о закономерности мира. Ориентирование на античность приводит к возникновению системы жанров. Именно древние греки впервые систематизировали типы и виды однородных явлений в литературе и философии.

Так, в литературе жанры классицизма подразделялись на высокие и низкие. Высокими жанрами являлись трагедия, ода, героическая поэма, а низкими – комедия, сатира, басня. Высокие жанры описывали исторические события, бытие царей и знатных людей. Низкие жанры рассказывали истории об обыкновенных людях, например, о крестьянах или слугах. Соответственно, для высоких жанров была характерна возвышенная речь, а для низких – простая речь.

Культура классицизма элитарна и предъявляет к личности очень высокие требования. Каждый автор в ту пору подчеркивал важность преобладания разума над чувством, долга — над желанием, морали — над страстью. Классицисты считали, что только только ум и мораль помогут познать окружающий мир и выстроить нравственную систему ценностей. Их интересовали проблемы борьбы разума и чувства, долга и страстей. Также было заметно преобладание национально-исторической тематики над античной. Очевидно наличие патриотического пафоса и сатирической направленности во многих произведениях (в баснях, сатирах и комедиях). Человек того времени стремился назидать, учить, совершенствовать. Каждый автор был своего рода пастором и не раз обращался к религиозной теме. Творчество было сакрально и элитарно: только люди с положением и состоянием могли позволить себе творить.

Основные темы классицизма:

  • Исторические сюжеты
  • Жизнь высшей знати
  • Античные сюжеты (с опорой на мифологию)
  • Нравоучительные истории (с сатирическим обличением безнравственности и невежества)

Понятие классицизма в литературе, главные правила и нюансы

Классицизм – литературное направление, переводится с латинского как «образцовый». В качестве образцов выступали творения античных авторов.

В Европе классицизм появился значительно раньше, чем в России: произошло это в 17 веке после выхода в свет статьи Н.Буало «Поэтическое искусство».

В русской литературе господство классицизма утвердилось в 18 веке. Его появление напрямую связано с установлением абсолютной монархии, что было резким скачком вперед по сравнению со средневековой отсталостью.

Эстетические принципы и правила

Принципы классицизма:

  1. Наличие воспитательного характера;
  2. Стремление к совершенству;
  3. Обращение к античности;
  4. Стремление к строгости, логичности и гармонии формы и содержания;
  5. Простота, симметричность форм и правильные пропорции;
  6. Литературные произведения создавались по четким канонам в соответствии с жанром произведения.

Характеристика классицизма умещается в 5 понятиях: консерватизм, рационализм, гармония, категоричность форм и величественность. Всё это выражалось в четких геометрических формах, линиях, светотени и в строгих канонах. Эксперименты не приветствовались, а ассоциировались с дурным вкусом и незнанием «правильной» формулы искусства. Классицизм — это не свобода античности, а диктатура Древнего Рима. Он с бряцанием орудий и строевым шагом гимнов захватил культуру и навязал ей единство формы, как в боевом строю.

Если Вы хотели бы заслужить уважение Тредиаковского и Сумарокова, Вам необходимо знать правила классицизма:

  1. Следование правилам и канонам – путь к достижению идеала античности;
  2. Строгая жанровая система в литературе: высокие и низкие жанры;
  3. Преобладание разума над чувствами;
  4. Универсальность типов человеческих характеров (персонажи обладали определенной чертой характера, например, жадность или храбрость) в литературе;
  5. Четкое деление героев и персонажей на положительных и отрицательных в литературе;
  6. Три единства в театре: единство времени (действие должно было уместиться в один узкий временной промежуток — день), действия (одна сюжетная линия) и места (все должно было происходить в одном месте).
  7. В драматических произведениях было единство времени, места и действия;
  8. Наличие воспитательной функции.

Эстетизм классицизма заключался в желании бороться за высокое, возвышенное, при этом придерживаясь точности и ясности стиля. Этому направлению в искусстве были свойственны: простота, сбалансированность, спокойствие, рационализм, логичность, пропорциональность, симметрия и строгость.

Экстерьер направления классики: сооружения

Внешние признаки классицизма в архитектуре ярко выражены, их можно выявить при первом взгляде на здание.

  1. Конструкции: устойчивые, массивные, прямоугольной и арочной формы. Композиции чётко спланированы, соблюдается строгая симметрия.
  2. Формы: чёткая геометричность, объёмность и монументальность; статуи, колонны, ниши, ротонда, полусферы, фронтоны, фризы.
  3. Линии:строгие; регулярная система планировки; барельефы, медальоны, плавный рисунок.
  4. Материалы: камень, кирпич, древесина, лепнина.
  5. Крыша: сложной, замысловатой формы.
  6. Преобладающие цвета: насыщенные белый, зелёный, розовый, пурпурный, небесно-голубой, золотой.
  7. Характерные элементы: сдержанный декор, колонны, пилястры, античный орнамент, мраморная лестница, балконы.
  8. Окна: полукруглые, прямоугольные, удлинённые вверх, скромно оформленные.
  9. Двери: прямоугольные, филенчатые, часто украшены статуями (льва, сфинкса).
  10. Декор: резьба, позолота, бронза, перламутр, инкрустация.


Схема строения зданий эпохи классицизма

Как проявил себя в русской…

Архитектуре

Основные признаки классицизма в архитектуре:

  • строгая симметрия;
  • пропорциональность;
  • четкая планировка и продуманная величественная композиция.

Основные детали – купол и колонны в зданиях, акцентированные лестницы и античный декор (портики, ниши со скульптурами и т.д.).

Для ампира была характерна воинская тематика (здание Сената в Санкт-Петербурге).

Яркие представители классицизма в архитектуре:

  1. В.И. Баженов (дом Пашкова в Москве),
  2. М.Ф. Казаков (Голицынская больница),
  3. И.Е. Старов (Таврический дворец).

Классицизм оказал сильное влияние на облик Москвы и Санкт-Петербурга. Все эти здания до сих пор сохраняют свою привлекательность и отображают историю;

Литературе

Для русского классицизма характерны следующие черты:

  • преобладание разума над чувствами;
  • конфликт долга и страстей;
  • равенство и справедливость.

Основные представители классицизма в литературе: М. Ломоносов, Д. Фонвизин, Г. Державин.

  • М. Ломоносов заложил основы стихосложения и создал новый русский жанр – оду.
  • Д. Фонвизин в своих произведениях («Недоросль», «Бригадир») подвергал критике отрицательные стороны русской жизни, используя говорящие фамилии, сатиру, деление персонажей на положительных и отрицательных.
  • Г. Державин соединял лирику с сатирой в одах;

Музыке

Для русского классицизма характерно сохранение национальных особенностей при восприятии европейских норм. За основу произведений они брали национальные фольклорные мотивы и героические события из русской истории. Музыка того времени звучала пафосно и монументально, в ее исполнении был задействован весь оркестр.

Основные представители: Д.С. Бортянский, В.А. Пашкевич, Е.И. Фомин.

Так, Д.С. Бортянский вкладывал в музыку стройность, законченность форм, сочетая строгость с чувствительностью;

Живописи

Для живописи эпохи классицизма характерны сдержанность, величественность и строгость. Основные элементы – линия и светотень.

Большой популярностью пользовались портреты, например, парадные (В.Л. Боровиковский «портрет А.Б. Куракина») и аллегорические (Д.Г. Левицкий «Екатерина II – законодательница»). К тому же, происходило освоение новых жанров: натюрморт, пейзаж.

Классицизм особенно сильно отразился в исторической живописи, например, картина А.П. Лосенко «Прощание Гектора с Андромахой». Другие представители: А.П. Антропов, И.Н. Никитин, Г.И. Головкин.

Театре

Классицизм — это «золотой век» в театральном искусстве. Театр развивался динамично, становясь высоко профессиональным. Театральный стиль был провозглашен искусством декламации.

Если раньше на сцене преобладали французские труппы, то в первом же десятилетии 18 века русские актеры составили им достойную конкуренцию. Та же ситуация была с драматургами: наряду с шедеврами Расина и Корнеля в России ставили «Бригадира» и «Недоросля» Фонвизина.

Для всех театральных постановок было применимо главное правила классицизма — единство времени, места и действия. Все 4 акта (именно столько занимала каждая пьеса) должны были проходить в одном месте, в один временной промежуток, а сюжет должен представлять собой одну основную линию, где роль второстепенных персонажей сводится к минимуму.

Автор: Ольга Макарова

Характеристика и черты мирового стиля

Характеристика классики во всех направлениях творчества:

  • чёткие геометрические формы,
  • высококачественные материалы,
  • благородная отделка и сдержанность.

Величественность и гармония, изящество и роскошь – вот основные отличительные черты классицизма. Эти черты позднее отобразились в интерьерах в стиле минимализм.

Характерные особенности классицизма в современном интерьере

Существенные особенности стиля:

  • гладкие стены с мягкими цветочными мотивами;
  • элементы античности: дворцы и колонны;
  • лепнина;
  • изысканный паркет;
  • тканевые обои на стенах;
  • изящная, грациозная мебель.

Особенностью русского классицистического стиля стали спокойные прямоугольные формы, сдержанное и в то же время многообразное декоративное оформление, выверенные пропорции, достойный вид, гармоничность и вкус.


Интерьер в стиле классицизма

Жизнь и творчество Антиоха Кантемира

Антиох Дмитриевич Кантемир – сын молдавского господаря. Молдавия была завоевана Османской империей. Отец поэта попал в плен, но Петр спас его и принял всю семью в России. Благодаря образованию за рубежом, А. Кантемир оказался проповедником и основоположником классицистических учений в России.

Рис. 4 (Источник)

Знаменитое произведение Кантемира, которое может восприниматься как реальное действующее. Одно из главных произведений А. Кантемира – «На хулящих учениях к уму своему», что классифицируется как сатира. Главная идея этого произведения – господство разума над всем остальным, что есть в жизни человека. А. Кантемир пишет: «Уме недозрелый, плод недолгой науки! Покойся, не понуждай к перу мои руки: не писав летящи дни века проводити. Можно, и славу достать, хоть творцом не слыти. Ведут к ней нетрудные в наш век пути многи, на которых смелые не запнутся ноги…»

Все то, что писали первые русские классицисты, нуждается в переводе на современный русский язык. Речь идет о том, что ум есть свойство приобретаемое человеком в учении и хулящие учения, отвергающие свет науки. Главным образом здесь предполагаются оппоненты Петра, церковники, которые предполагали, что учения должно ограничиваться священными книгами.

Авторы.

Вершиной классицизма в трагедии стали произведения французских поэтов П.Корнеля (Сид, Гораций, Никомед), которого называли отцом французской классической трагедии и Ж.Расина (Андромаха, Ифигения, Федра, Гофолия). Своим творчеством эти авторы при жизни вызвали горячие споры по поводу неполного соблюдения регламентированных классицизмом правил, но возможно, именно отступления сделали произведения Корнеля и Расина бессмертными. О французском классицизме в его лучших образцах А.И.Герцен писал: «…мир, имеющий свои пределы, свою ограниченность, но и имеющий свою силу, свою энергию и высокое изящество…».

Трагедия, как демонстрация нормы нравственной борьбы человека в процессе самоутверждения личности, и комедия, как изображение отступления от нормы, показ нелепых и потому смешных сторон жизни, – вот два полюса художественного осмысления мира в театре классицизма.

О другом полюсе классицизма, комедии, Н.Буало писал:

Коль вы прославиться в комедии хотите,

Себе в наставницы природу изберите…

Узнайте горожан, придворных изучите;

Меж них сознательно характеры ищите.

В комедиях требовалось соблюдение тех же канонов. В иерархически упорядоченной системе драматических жанров классицизма комедия занимала место низкого жанра, являясь антиподом трагедии. Она была обращена к той сфере человеческих проявлений, где действовали сниженные ситуации, царил мир быта, своекорыстия, человеческих и общественных пороков. Комедии Ж-Б.Мольера являются вершиной комедий классицизма.

Если домольеровская комедия стремилась главным образом забавлять зрителя, приобщая его к изящному салонному стилю, то мольеровская комедия, вбирая в себя карнавальное и смеховое начало, в то же самое время содержала жизненную правду и типическую достоверность действующих лиц. Однако теоретик классицизма Н.Буало, воздавая должное великому французскому комедиографу как создателю «высокой комедии», одновременно порицал его за обращение к фарсово-карнавальным традициям. Практика бессмертных классицистов вновь оказалась шире и богаче теории. В остальном Мольер верен законам классицизма – характер героя, как правило, заострен на одной страсти. Энциклопедист Дени Дидро ставил в заслугу Мольеру то, что в Скупом и Тартюфе драматург «воссоздал всех скупых и тартюфов мира. Тут выражены наиболее общие, наиболее характерные черты, но это не портрет кого-нибудь из них, поэтому никто из них не узнает себя». С точки зрения же реалистов такой характер является односторонним, лишенным объема. Сравнивая произведения Мольера и Шекспира А.С.Пушкин писал: «У Мольера скупой скуп и только; у Шекспира Шейлок скуп, сметлив, мстителен, чадолюбив, остроумен».

Для Мольера сущность комедии заключалась по преимуществу в критике общественно вредных пороков и в отимистической вере в торжество человеческого разума (Тартюф, Скупой, Мизантроп, Жорж Данден).

Скульптура классицизма: описание, история

   Основой классицизма служило античное искусство. Однако, в в отличие от Возрождения, классицизм перенял лишь внешнюю форму. Важнее была декоративная составляющая. Скульптура эпохи классицизма была призвана украшать интерьер дома, служить идеальным образцом, безупречной усладой для взора. Одновременно с этим, содержание многих скульптур носит гражданский, патриотический характер, присущий всему направлению классицизма.

   Сюжеты скульптуры во многом повторяют греческую и римскую мифологии, есть откровенные реплики работ античных мастеров, среди которых преобладают работы эпохи эллинизма.

   В работах скульпторов, особенно в предназначенных для публичного выставления, воспевается военная доблесть, отвага и преданность долгу.

   Аллегорические скульптуры также были популярны (что сближает по содержанию с другим направлением в искусстве — Барокко).

   Античная традиция предполагала изображение обнаженной натуры, а мораль 18 века не позволяла это делать. Выход из этого противоречия был найден простой: полководцев и государственных деятелей скульпторы изображали в виде античных богов в полном боевом снаряжении. Женские скульптуры также «одевались» в туники. Позже государственных деятелей изображали в римских тогах.

   Широкое распространение получили надгробные памятники в виде скульптур. Это было связано с тем, что около крупных городов стали образовываться публичные кладбища. Надгробные памятники отличаются статичностью, эмоциональной скудностью. В качестве образца мастера выбирают лучшие скульптуры эпохи архаики.

   Мода на классицизм была общеевропейской, поэтому многие русские скульпторы творили в рамках этого направления.

   Среди самых известных мастеров классицизма в скульптуре — итальянский скульптор Антонио Канова. При жизни его сравнивали с античными ваятелями. Его работы отличались необыкновенным изяществом, текучестью форм и декоративностью.


   Работы Кановы украшают Лувр, Эрмитаж, а также площади нескольких итальянских городов. Самые известные скульптуры: Наполеон Бонапарт (Пинакотека Брера в Милане), Амур и Психея (Лувр), Три грации (Эрмитаж).
   Несмотря на известность и безупречную художественную репутацию, критики обвиняли скульптора в отвлеченности образов и довлеющей декоративности.

   Скульптура Наполеона до сих пор вызывает споры критиков. Одни считают ее примером точного следования античным традициям — император изображен в виде Зевса с миниатюрной богиней Никой на ладони. Другие отмечают излишнюю «красивость» статуи, нарушении традиции пропорций мужского тела в угоду эффектной позе и преувеличенной державности изображения.


   Среди русских скульпторов классицизма одним из самых известных был Федот Шубин, чьи скульптурные портреты снискали славу не только в России, но и во всей Европе. Самые известные работы: портреты Потемкина и Румянцева, Орлова и Голицына. Внешность великого Ломоносова многие также знают по шубинскому портрету. Обращался мастер и к образам монархов: он создал портрета Екатерины Великой и Павла Первого.
   Несомненно к стилю классицизма относится творчество Ивана Мартоса, чьи работы (Минин и Пожарский и Дюк Ришелье) известны каждому.
   Поздний классицизм приобретает некоторую холодность образов, возрастает декоративная составляющая и сентиментализм. Среди мастеров поздней эпохи несомненное лидерство принадлежит Бертелю Торвальдсену, скульптору из Дании. Его работы — памятник Копернику (Варшава), статуи апостолов (собор Копенгагена), Ганимед кормящий орла (музей Торвальдсена, Копенгаген) — несомненно работы талантливые и высокохудожественные. Мастер вошел в историю искусства, как один из самых плодовитых скульпторов. Заказы поступали к нему со всех концов Старого Света. Но при внимательном рассмотрении можно заметить, что большинство его работ — памятников, надгробий, портретов — выполнены весьма «поверхностно».

   Безупречные с технической точки зрения, работы Торвальдсена по своей сути неглубокие, лишенные идеологической основы классицизма. Мастер прекрасно владел формой, но содержание его работ не оставляет никакого впечатления.

   Уступив место другим течениям в искусстве, классицизм еще не раз возвращался и становился модным, правда в несколько видоизмененном виде.

Коллектив авторов — Барокко. Классицизм читать онлайн бесплатно

№1 Х.В.Глюк. Опера «Орфей»

№2 Х.В.Глюк. Опера «Орфей»

№3 Х.В.Глюк. Опера «Орфей»

№4 И.С.Бах. Менуэт

№5 И.С.Бах. Менуэт

№6 И.С.Бах. Полонез

№7 И.С.Бах. Гавот

№8 И.С.Бах. Концерт для фортепиано с оркестром

№9 И.С.Бах. Прелюдия

№10 И.С.Бах. Хроматическая фантазия и фуга

№11 И.С.Бах. Гавот в форме рондо

№12 И.С.Бах. За рекою старый дом. Текст Д. Тонского

№13 И.С.Бах. Ария

№14 И.С.Бах. Осень. Слова Т. Комарницкой

№15 И.С.Бах. Инвенция

№16 И.С.Бах. Фуга

№17 И.С.Бах. Фуга

№18 И.С.Бах. Фуга

№19 И.С.Бах. Инвенция

№20 И.С.Бах. Инвенция

№21 Г.Ф.Гендель. Оратория «Иуда Маккавей»

№22 Г.Ф.Гендель. Оратория «Самсон»

№23 Г.Ф.Гендель. Менуэт

№24 Г.Ф.Гендель. Менуэт

№25 Г.Ф.Гендель. Ария

№26 Г.Ф.Гендель. Оратория «Самсон»

№27 Г.Ф.Гендель. Маленькая фуга

№28 Г.Ф.Гендель. Куранта

№29 Г.Ф.Гендель. Сарабанда

№30 Г.Ф.Гендель. Сарабанда

№31 Г.Ф.Гендель. Менуэт

№32 Г.Ф.Гендель. Dignare

№33 Ж.Рамо. Старинный французский танец

№34 Ж.Рамо. Крестьянка

№35 Ж.Рамо. Тамбурин

№36 Ж.Рамо. Старинный французский танец

№37 А. Корелли. Прелюд

№38 А. Корелли. Сарабанда

№39 А. Корелли. Сарабанда

№40 Ж. Люлли. Гавот

№41 Ж. Люлли. Гавот

№42 Ф.Куперен. Кукушка

№42 Ф.Куперен. Девушка

№43 Ф.Куперен. Любимая

№44 Ф.Куперен. Рондо

№45 Ф. Куперен. Жнецы

№46 Дж. Перголезе. Ах, зачем я не лужайка

№47 Й.Гайдн. Соната №10

№48 Й.Гайдн. Соната №12

№49 Й.Гайдн. Соната №21

№50 Й.Гайдн. Анданте

№51 Й.Гайдн. Соната Ре мажор

№52 Й.Гайдн. Соната №23

№53. Й.Гайдн. Соната №36

№54 Й.Гайдн. Соната ми минор

№55 Й.Гайдн. Менуэт

№56 Й.Гайдн. Симфония Ми-бемоль мажор

№57 Й.Гайдн. Симфония Ми-бемоль мажор

№58 Й.Гайдн. Симфония Ми-бемоль мажор

№59 Й.Гайдн. Симфония Ми-бемоль мажор

№60. Й.Гайдн. Симфония Ми-бемоль мажор

№61 Й.Гайдн. Симфония Ми-бемоль мажор

№62 Й.Гайдн. Симфония №11, менуэт

№63 В.Моцарт. Маленькая пряха

№64 В.Моцарт «Тоска по весне»

№65 В.Моцарт. Тайна

№66 В.Моцарт. К Хлое

№67 В.Моцарт.Ария

№68 В.Моцарт. Аллегро

№69 В.Моцарт.Маленькая серенада

№70 В. Моцарт. Маленькая серенада

№71 В Моцарт. Концерт для ф-п с оркестром №3

№72 В .Моцарт. Концерт для ф-п. с оркестром №3

№73 В.Моцарт. Концерт для ф-п. №5

№74 В Моцарт. Концерт для ф-п. №5

№75 В.Моцарт. Фантазия №3

№76 В.Моцарт. Фантазия №3

№77 В. Моцарт Вальс

№78 В.Моцарт. Опера»Свадьба Фигаро»

№79 В.Моцарт. Опера «Свадьба Фигаро»

№80 В.Моцарт. Опера «Свадьба Фигаро»

№81 В.Моцарт. Опера «Свадьба Фигаро»

№82 В.Моцарт. Опера «Свадьба Фигаро»

№83 В.Моцарт. Опера «Свадьба Фигаро»

№84 В.Моцарт. Опера «Дон Жуан»

№85 В.Моцарт. Опера «Дон Жуан»

№86 В.Моцарт. Симфония №2

№87 В Моцарт. Симфония №40, соль минор

№88 В.Моцарт. Симфония №40, соль минор

№89 В.Моцарт. Симфония №40, соль минор

№90 В.Моцарт. Трио Соль мажор

№91 В.Моцарт. Соната Ре мажор

№92 В.Моцарт. Соната Ре мажор

№93 В.Моцарт. Соната Ре мажор

№94 В.Моцарт. Реквием

№95 В.Моцарт. Реквием

№96 Ф.Верачини. Ларго

№97 В.Моцарт. Волынка

№98 Л.Бетховен. Волшебный цветок

№99 Л.Бетховен. Майская песня

№100 Л.Бетховен. Рондо о потерянном гроше

№101 Л.Бетховен. Прощание Молли

№102 Л.Бетховен. Экосез

№103 Л.Бетховен. Краса родного края

№104 Л.Бетховен. Концерт №1 для ф-п. с оркестром

№105 Л.Бетховен. Концерт №3, рондо

№106 Л.Бетховен. Концерт №5 для ф-п. с оркестром

№107 Л.Бетховен. Сонатина для мандолины

Читать дальше

Охарактеризуйте классицизм как литератур­ное направление. Назовите черты русского класси­цизма 🎓❤️

Почему А. Н. Радищев называет «осьмнадцатое столетие» одновременно безумным и мудрым?

Восемнадцатый век Радищев оценивал как век противоречий. С одной стороны, Россия достигла большого прогресса в по­литической сфере, в укреплении государ­ственности, авторитета на международ­ной арене. Расширились и укрепились границы России. Радищев, несомненно, высоко оценивал распространение и раз­витие идей просвещения и их влияние на общественную и интеллектуальную жизнь страны.

Мудрость века проявилась также в больших научных достижениях,

сказавшихся и на прогрессе в промышлен­ности, в создании замечательных произве­дений русской литературы, скульптуры, градостроительства, живописи. «Осьмнадцатое столетие» в то же время «безумно» из-за постоянных кровопролитий. Это в первую очередь крестьянские войны, крупнейшей из которых стало восстание Пугачева, их жесточайшее подавление, дальнейшее усиление крепостнического гнета, произвола «власть имущих». Это и безумная реакция властей на стремление передовой части общества к духовной свободе.

Вспомним судьбы просветителя Н. И. Новикова и самого Радищева, за свою литературную деятельность

подверг­шихся репрессиям.

Охарактеризуйте классицизм как литератур­ное направление. Назовите черты русского класси­цизма.

Классицизм прежде всего следует рас­сматривать как художественное направ­ление, объединившее по своим философ­ским, политическим и эстетическим пози­циям деятелей искусства, выражавших идею поддержки сильного централизован­ного государства во главе с абсолютным монархом, укрепляющим единство стра­ны. Во Франции XVII века, а затем и в России XVIII века классицизм становится единым общегосударственным стилем в литературе и других видах художествен­ного творчества. Классицисты испове­довали философию Р. Декарта, согласно которой отдавали предпочтение разуму перед чувствами и эмоциями. Любой кон­фликт в их произведениях решался в пользу разума, долга перед отечеством, служения обществу, верности традициям.

Слово «классицизм» в переводе с латин­ского означает «образцовый». Писатели этого направления таковыми образцами считали произведения античной литера­туры — древнегреческой и римской. По­тому часто их собственные эпические, драматические и стихотворные произве­дения были написаны на античные сюже­ты, содержали в себе указания на них, имена героев и мифологических персона­жей античного мира.

Классицисты также использовали основы античной эстетики при построении своих творений, напри­мер трехчастную композицию в оде и ар­хитектурных сооружениях, три единства в драме, прямые ораторские обращения, строгое деление согласно античной эсте­тике на роды и жанры, притом каждому жанру соответствовал свой стиль: коме­дии и сатире — низкий, оде, трагедии — высокий, драме — средний. Герои также делились на возвышенных и низких. Эс­тетические требования, которыми руко­водствовались классицисты, были сфор­мулированы еще Аристотелем в трактате «Поэтика» и закреплены в «Поэтическом искусстве» французского теоретика клас­сицизма Н. Буало.

Литература русского классицизма раз­вивалась в середине XVIII века. Учитывая опыт и принципы западноевропейской ли­тературы, имела ряд своих особенностей. Их можно кратко сформулировать сле­дующим образом: а) повышенный интерес к русским национальным традициям, к историческому прошлому нашего отече­ства, а также и к некоторым актуальным проблемам современников; б) большее развитие, чем на Западе, в классицизме получило сатирическое направление, об­личавшее пороки российского общества; в) перенесение идеи абсолютной монар­хии на идею просвещенного абсолютизма, что привело к возникновению новой в ис­тории классицизма антидеспотической, тираноборческой направленности произ­ведений, выразившейся в обличении по­роков людей, наделенных властью и не исполнявших должным образом свои обя­занности; г) наконец, проявление интере­са к судьбе простого русского человека, крепостного крестьянина, а также интере­са к русскому народному творчеству.

Неоклассицизм: определение и характеристики — видео и стенограмма урока

Архитектура и искусство

Неоклассицизм в искусстве и архитектуре взаимосвязаны, но все они немного отличаются друг от друга, поэтому давайте сначала рассмотрим архитектуру. Здания, выполненные в неоклассическом стиле, перекликаются с древнегреческими и римскими постройками. У них есть колонны и фасады, которые соответствуют греческим архитектурным порядкам , системам структурных элементов в древнегреческой архитектуре, которые объединяются для единого дизайна.Неоклассическая архитектура подчеркивает порядок и гармонию. Элементы здания симметричны, с четкими геометрическими акцентами, и все части укладываются в единое целое. Неоклассические постройки отличаются сдержанным декором и минимальным орнаментом.

Неоклассицизм в искусстве фокусируется на идеальной человеческой форме в отличие от менее совершенных форм реальных людей. Сюжеты картин перекликаются с древней классической историей и одеждой. В портретной живописи, даже если объект жил во Франции 18-го века, он изображен в одежде Древней Греции.Фигуры идеализированы, каждый мускул и каждая черта переданы безупречно. Композиции подчеркнуты чистыми четкими линиями и аккуратным точным рисунком. Фигуры выдают мало эмоций или не выражают их вообще, независимо от того, что происходит в изображаемой сцене. В неоклассическом искусстве есть ощущение прохладного спокойствия.

Отличным примером является The Greek Slave Хирама Пауэрса. Это одно из самых известных произведений неоклассической скульптуры в раннем американском искусстве. На нем изображена молодая девушка в цепях и обнаженной, захваченная в плен во время конфликта между греками и турками.Ее форма идеализирована, и она похожа на классическую греческую статую. Несмотря на травму подопытного, девушка спокойно смотрит в землю.

Литература и театр

В письменных произведениях неоклассицизм развился как ответ на безудержные идеи и дикие теории, продвигавшиеся в период Возрождения. Это было особенно влиятельно в Англии, где это был важный стиль литературы и театра с 1660 по конец 1700-х годов. В целом неоклассическая литература была сосредоточена на логике и здравом смысле, и в этот период изучение грамматики также было очень важным.Неоклассические произведения были скорее интеллектуальными, чем эмоциональными, и они часто содержали уроки или каким-то образом обучали читателя, даже если читатель этого не осознавал. Вы можете найти примеры романов, дневников, моральных басен и эссе, отражающих этот сдержанный стиль, и это в работах таких авторов, как Джонатан Свифт , который написал Путешествие Гулливера в 1726 году.

В театре неоклассицизм оказал большое влияние в середине 17 — начале 18 веков, примерно в тот же период времени он оказал влияние на литературу.Это часто означало выступления, которые отличались достойным поведением (иногда вместе с примерами недостойного поведения) и тщательно продуманным реализмом с очень детализированными декорациями и костюмами, которые погружали зрителей в историю. Постановки должны были развлекать и преподавать урок. Среди писателей, известных произведениями неоклассического театра, был французский писатель и драматург

Мольер .

Неоклассицизм в музыке

Неоклассицизм в музыке возник гораздо позже. Это движение 20-го века, возникшее в период между Первой и Второй мировыми войнами, и оно было реакцией на сочные звуки и драматическую музыку романтического периода.В неоклассической музыке вы не услышите эмоциональных парящих пассажей. Вместо этого он фокусируется на порядке, балансе и эмоциональной сдержанности. Неоклассическая музыка также возрождает более ранние форматы композиции, такие как сюита , серия небольших музыкальных движений контрастного темпа. Неоклассическая музыка часто писалась для небольших ансамблей, а не для симфонического оркестра в целом. В этом стиле работали композиторы Игорь Стравинский и Пауль Хиндемит.

Теперь вы знаете, что такое неоклассицизм в нескольких творческих дисциплинах.Когда вы читаете роман, смотрите пьесу, слушаете музыку, видите картину или смотрите на определенные здания, постарайтесь увидеть, сможете ли вы определить какие-либо неоклассические элементы.

Краткое содержание урока

Неоклассицизм — это термин, используемый для обозначения творческих движений, отражающих влияние культуры Древней Греции и Рима. Со временем его использовали в искусстве и архитектуре, литературе и театре, а также в музыке. В целом, неоклассицизм отдает предпочтение порядка , гармонии и эмоциональной сдержанности, а не замысловатому убранству и крайним эмоциям.

Неоклассические здания используют греческих архитектурных орденов , систему связанных элементов, таких как колонны и капители. Неоклассическое искусство, будь то живопись или скульптура, фокусируется на идеализированных человеческих формах и отсутствии эмоций. В неоклассической литературе, в произведениях таких авторов, как

Джонатан Свифт , романы и эссе сосредоточены на здравом смысле и часто тем или иным образом обучают читателя.

Неоклассический театр, созданный такими драматургами, как Мольер , сосредоточен на рассказах, которые преподают урок.Они были поставлены очень реалистично. В музыке неоклассицизм развился в 20 веке. Он отличался порядком и сдержанностью по сравнению с крайними эмоциями и возродил более ранние музыкальные формы, такие как сюита , серию небольших отрывков разного темпа. Композиторы, работавшие в неоклассическом стиле, включали Игоря Стравинского и Пола Хиндемита.

Краткая история неоклассического искусства

«Единственный способ стать великими или даже неповторимыми, если это возможно, — это подражать грекам.
— Иоганн Иоахим Винкельманн

Как следует из этого термина, неоклассицизм — это возрождение классического прошлого. Движение началось примерно в середине 18-го века, ознаменовав время в истории искусства, когда художники начали подражать греческой и римской античности и художникам эпохи Возрождения. Помимо Дидро, другие искусствоведы стремились к «лучшему» виду искусства, которое следовало бы стилям мастеров прошлого, таких как Николя Пуссен (французский, 1594–1665), Микеланджело (итальянец, 1475–1564) и Рафаэль (итальянец, 1483–1520 годы). ), на которых очень сильно повлиял классический мир.

Иоганн Иоахим Винкельманн, основатель современной археологии и истории искусства, восхвалял греков и считал их максимально приближенными к совершенству. Следуя словам Винкельмана, многие художники начали изучать греческую архитектуру и создавать произведения искусства, вдохновленные классикой. В 1738 году раскопки Помпеи и Геркуланума привели к обнаружению хорошо сохранившихся красочных картин, мозаик и керамики. Эти открытия только подогрели художественное очарование и любопытство к древности, и художники начали использовать эти новые знания прошлого в своем искусстве, создав свой собственный «новый» классический стиль, который сильно отличался от рококо — стиля, популярного в период с начала до середины середины XX века. -18-ый век.

Одним из таких художников был Жан-Огюст-Доминик Энгр (француз, 1780–1867). Его картина «Эдип и Сфинкс » (1808) представляет собой сцену из классических греческих пьес Софокла. Эдип, главный герой пьес, оказывается лицом к лицу со Сфинксом, который задает ему теперь известную загадку: он ходит на четырех ногах утром, на двух днем ​​и на трех вечером. Помимо предмета, вдохновленного греческой культурой, физические характеристики традиционно классические: красота, гармония, баланс и линия.Использование строгих горизонтальных и вертикальных линий, ясно видимых в позе Эдипа, — очень важная неоклассическая характеристика, которая помогает создать гармоничную и сбалансированную композицию. Хотя изображение Эдипа Энгра не изображает идеализированную человеческую форму, необходимую для классицизма, его изображение мужской фигуры согласуется с идеей Винкельмана о «несовершенной природе». Совершенство находится в пределах воображения, а образ, который создается в реальности, — это всего лишь идея совершенства.

Жан-Огюст-Доминик Энгр, Эдип перед Сфинксом , карандаш, продается на Christie’s в Лондоне

Обнаружение сохранившихся древних артефактов также сыграло огромную роль в декоративном искусстве того времени.Джозайя Веджвуд (британец, 1730–1795), один из самых известных английских производителей керамики XVIII века, в 1759 году основал компанию Wedgwood, которая производила изделия из яшмы, кремовые изделия и черный базальт в классическом стиле с использованием простых геометрических линий и декорированием. с фризовыми сценами, напоминающими древнегреческую и римскую керамику. Джон Флаксман (британец, 1755–1826 гг.), Выдающийся скульптор, иллюстратор и дизайнер неоклассицизма, начал работать на Веджвуд примерно в 1775 году. Его творчество включает иллюстрации к классической литературе, такой как «Одиссея

» , и эскизы произведений декоративного искусства в классическом стиле. Веджвуда, памятники военным героям и дворянам.

Ваза Веджвуд Dark Blue Jasper Dip Portland, 19 век, продается в Скиннер, Бостон, Массачусетс

Джон Флаксман, Пара прямоугольных бляшек из синего и белого яшмы Веджвуда , c.1795–1800, продано на Sotheby’s в Нью-Йорке

Неоклассицизм также был важным движением в Америке. Соединенные Штаты копировали древние цивилизации Рима и Греции, как в архитектурном, так и в политическом плане. В новообразованной республике свободно текли неоклассические идеалы, возводились здания и памятники в классическом стиле.Вашингтон, округ Колумбия, до сих пор украшают эти белые мраморные фасады, имитирующие старину, и портреты президентов, созданные в стиле римских императоров и прославленные в колоссальных памятниках.

Хирам Пауэрс,

Бюст Джорджа Вашингтона , мрамор, продано на Sotheby’s в Нью-Йорке


Следите за новостями Artnet в Facebook:

Хотите опередить мир искусства? Подпишитесь на нашу рассылку, чтобы получать последние новости, откровенные интервью и острые критические замечания, которые продвигают разговор.

рококо, неоклассицизм, романтизм | Информационный бюллетень Smore

Искусство 18 века

Восемнадцатый век в Европе часто называют временем Просвещения. Идеи Просвещения подготовили почву для быстрого «прогресса» следующего столетия. В различных отраслях искусства новые идеи развивались, взаимодействовали друг с другом и формировали культуру и художественное наследие Европы.

Рококо

Художественный стиль восемнадцатого века, в котором акцент делался на изображении беззаботной жизни аристократии, а не на великих героях или благочестивых мучениках. Любовь и романтика считались лучшими предметами для искусства, чем исторические или религиозные предметы. Стиль характеризовался свободным изящным движением; игривое использование лески; и нежные цвета.

Неоклассицизм

Французский художественный стиль и движение, возникшие как реакция на барокко в середине восемнадцатого века и продолжавшиеся до середины девятнадцатого века. Он стремился возродить идеалы древнегреческого и римского искусства. Художники-неоклассики использовали классические формы, чтобы выразить свои идеи о мужестве, самопожертвовании и любви к стране.

Романтизм

Искусство и стиль, процветавшие в начале девятнадцатого века. Он подчеркнул эмоции, написанные смело, драматично. Художники-романтики отвергли холодные рассуждения классицизма — устоявшееся искусство того времени — чтобы нарисовать картин природы в ее необузданном состоянии или других экзотических декораций, наполненных драматическим действием, часто с акцентом на прошлое.Классицизм тоже был ностальгическим, но романтики были более эмоциональными, обычно меланхоличными, даже мелодраматически трагичными.

  • Картины членов французской романтической школы включают картины Теодора Жерико (французский, 1791–1824) и Эжена Делакруа (французский, 1798–1863), наполненные яркими цветами, энергичной манерой письма и драматическими и эмоциональными предметами.
  • В Англии романтическая традиция началась с Генри Фузели (швейцарский англичанин, 1741-1825) и Уильяма Блейка (1757-1827) и завершилась Джозефом М.У. Тернер (1775–1851) и Джон Констебл (1776–1837).
  • Немецкий художник-пейзажист Каспар Давид Фридрих (1774–1840) создал изображения одиноких фигур, помещенных в уединенные места среди руин, кладбищ, замерзших, водянистых или каменистых пустошей.
  • А в Испании Франсиско Гойя (1746-1828) изобразил ужасы войны вместе с аристократическими портретами.

На этой неделе — Календарь на доске

Важные даты

  • Руководство по чтению Глава 28, срок сдачи Пятница, 21 марта
  • Темы по истории искусства: 10 записей должны быть Пятница, март 21
  • На этой неделе викторины нет.Наша следующая викторина будет: , среда, 26 марта, , , блоки 20, 21, 22.
  • Также будет раздача карточек в Пятница, 28 марта

Короткометражный фильм. ..Bendito Machine. Эпизод II «The Spark of Life»

Bendito Machine — это анимационное шоу, отражающее невинность маленького, наивного и неуклюжего вида, который не может жить без своих машин, и которым руководят маленькие просвещенные жадные ублюдки , которые верят, что у них есть ответы на все вопросы.Шоу охватывает множество тем и содержит ситуации, узнаваемые в любом уголке мира, показанные примитивно, без диалогов. Приливы и отливы этого неуклюжего вида, дрейфующего в огромной и загадочной вселенной, могут показаться вам довольно знакомыми.

неоклассических характеристик поэзии | Краткое содержание на английском языке

Введение

Неоклассическая литература была написана между 1660 г.D. — 1798 г. н.э.Это было время формальности и искусственности. Писатели неоклассического периода пытались подражать стилю римлян и греков.

Таким образом, комбинация двух терминов — «нео» , что означает «новый», и , «классический», , что означает «как во времена римской и греческой классики» .

Это была также эпоха Просвещения, в которой упор делался на логику и разум. Ему предшествовало Возрождение, а за ним — эпоха романтизма.Фактически, неоклассический период закончился в 1798 году нашей эры, когда Вордсворт опубликовал романтические лирические баллады .

Характеристики

Рационализм

Рационализм — неотъемлемая черта неоклассической поэзии. Неоклассическая поэзия — это реакция на стиль поэзии эпохи Возрождения. Это не похоже на поэзию эпохи Возрождения, в которой чувства играют жизненно важную роль в написании стихов. Но в нем доминирующими элементами являются разум и интеллект.

Научные ссылки

Поэты-неоклассики всегда любили использовать в своих стихах научные намеки.Поскольку все они были высокообразованными и хорошо разбирались в различных областях исследований, все они много знали о религиях, библейской и классической литературе.

аллюзий помогли им лучше донести свое сообщение до читателей. Они хотели писать в манерах своих классических мастеров, таких как Вергилий, Гораций и Гомер.

Нравственность

Неоклассические поэты восстали против романтической природы поэзии эпохи Возрождения. Поэты эпохи Возрождения любили сочинять стихи только ради стихов.например Джон Китс.

Их главной целью было выразить свои чувства. С другой стороны, поэты-неоклассики делали упор на мораль. Их интересовали главным образом дидактические аспекты своей поэзии.

Реализм

Реализм — отличительная черта неоклассической поэзии. Поэты неоклассицизма, в отличие от поэтов эпохи Возрождения, не жили в своем собственном мире фантазий. Они были жесткими реалистами и представляли истинную картину своего общества.

Они углубились в суровые реалии.Поэты неоклассицизма были людьми действия и практически жили среди людей. В своей поэзии они избегали абстрактных идей, фантазий, мыслей и идеализма. Произведения стихов Драйдена и Поупа — прекрасные образцы реализма.

Соблюдение классических правил

Поэты-неоклассики, несомненно, были большими приверженцами классических правил. Они возродили классицизм в своей поэзии, следуя всем правилам классицизма. Их высшей задачей было придерживаться классических правил и как можно больше использовать их в своей поэзии.По этой причине неоклассическая поэзия также называется «Псевдоклассическая поэзия» .

Героический куплет

Героическое двустишие — еще одна отличительная черта неоклассической поэзии. Героический двустишний или рифмованный двустиший состоит из двух пятисторонних ямбических строк, которые рифмуются вместе. Каждая строка состоит из пяти ударений или десяти слогов. например:

«Человеку свойственно ошибаться, божественное прощать»

Папа

Его называют «героическим» из-за того, что этот показатель часто используется в героической поэзии.Поэты-неоклассики были поборниками героического двустишия.

Ни один поэт в истории английской литературы не может сравниться с мастерством неоклассических поэтов в обработке героических двустиший. В этом отношении они превзошли всех без исключения поэтов.

Чосер был первым поэтом, использовавшим в своих стихах героический двустиший. Хотя многие известные поэты мира пробовали свои силы в героическом двустишии, все же Драйден и Поуп — единственные поэты, которые превзошли всех в этом отношении.

Что самое главное в этих двух поэтах, так это то, что они отполировали героический куплет, исправили его, сделали регулярным и гибким? Говорят, что Драйден написал почти 30 000 героических куплетов.

Mock Epic

Мок-эпос — это подраздел более крупного сатирического героического стиля, который можно использовать для чего угодно, от романов до комиксов. Это длинная эпическая поэма, написанная на тему, не достойную эпоса. Психологический эпос — продукт неоклассической эпохи.

Папа «» Похищение замка «» — хороший пример псевдо-эпической поэмы. «Изнасилование ведра » Тассони «» также является отличным псевдонимом. Термин «Психоделический эпос» часто применяется к другим достойным поэтическим формам.например Комикс Томаса Грея, Ода о смерти любимого кота (1748 г. н.э.)

Без страстного лиризма

Поэзия эпохи Возрождения популярна благодаря своей лиричности, в то время как неоклассической поэзии недостает лирических черт из-за отсутствия интереса поэтов-неоклассиков к страсти, чувствам и эмоциям.

На самом деле, они ненавидели такие чувства. Это причина; очень мало текстов было написано в эпоху Поупа и Драйдена. Они не давали волю своему воображению; скорее они останавливались на интеллектуальных аспектах поэзии.

Объективность

Объективность — еще одна важная черта неоклассической поэзии. Поскольку неоклассические поэты были полностью против субъективности в поэзии, они проявляли интерес к написанию объективной поэзии.

Они не уступили своим чувствам, а сосредоточились на несчастьях, невзгодах и проблемах людей. Вот почему мы находим очень мало информации о жизни поэтов-неоклассиков в их стихах.

Поэтическая дикция

Поэтическая дикция неоклассической поэзии полностью отличается от поэзии эпохи Возрождения.В более поздних версиях дикция гибкая и простая в использовании, а в неоклассической поэзии — сдержанная, конкретная и жесткая.

Поэты-неоклассики любили использовать разные языки для поэзии. Они сделали упор на особый стиль поэзии, отличный от стиля прозы. Поуп очень внимательно относится к языку своих стихов.

Неоклассические поэты

Прочтите о поэтах-неоклассиках и их произведениях.

Неоклассическая / романтическая живопись | Основные гуманитарные науки

Введение

Сводная таблица

Краткое содержание неоклассической и романтической живописи
Период неоклассицизма / романтизма
ок.1750-1900
Неоклассический Дэвид
Романтический рисунок Жерико, Делакруа
пейзаж Барбизонская школа, Тернер, Констебль

Общие характеристики

Эпохи неоклассицизма и романтизма охватывают примерно конец восемнадцатого и девятнадцатого веков.1,2 (В этот период сначала достигла пика неоклассическая художественная активность, а затем — романтика). Оба движения процветали в Западной Европе (особенно на севере) и Соединенных Штатах и в меньшей степени в Восточной Европе.

Вслед за экстравагантностью барокко и рококо возникло общее стремление к сдержанности классицизма , подпитывающее подъем механизма Neoclassical . Другим фактором были раскопки нескольких крупных классических памятников (включая Помпеи и Афины), которые расширили знания о древнем искусстве и дали огромный импульс вдохновения.3,15 («Помпейские стили» настенной живописи, например, были приняты для неоклассического внутреннего убранства. H913) Сердцем неоклассической живописи была France , где наследие Пуссена продолжало находить отклик19

Между тем, многие художники этого периода стремились открыть новые горизонты в выражении эмоций , как тонких, так и бурных (см. «Западная эстетика»). Это было движение Romantic , которое охватывало ряд отличительных тем , включая историческую ностальгию, сверхъестественные элементы, социальную несправедливость и природу.Действительно, романтическое поклонение природе привело к беспрецедентному расцвету пейзажной живописи . (Пейзажную живопись можно определить как «живопись, в которой окружающая среда является основным предметом; фигуры отсутствуют или второстепенны».)

Живописный и линейный стиль

Неоклассическая живопись обычно представляет собой линейный стиль (в котором очертания объектов четко очерчены благодаря тщательно контролируемым мазкам), тогда как художники-романтики склонны отдавать предпочтение живописному стилю (в котором свобода цвета преобладает над резко- определенные формы; мазки менее сдержанные, что приводит к несколько «неаккуратным» очертаниям).Живописный стиль часто имеет видимых мазков кисти , в то время как линейный стиль включает гладких областей цвета, на которых не видно мазков кисти.

Современные разработки

В мире живописи произошла революция в результате индустриализации . Смешивание краски , трудоемкая процедура, выполняемая вручную (такая, что ее часто делегировали ученикам), все более автоматизировалось. Новые цвета стали доступны по мере разработки искусственных пигментов, а упаковка краски в металлических тюбиках , наконец, позволила художникам покинуть студию и нарисовать на месте .(Вплоть до изобретения тюбика с краской художники обычно готовили эскизы только на месте, а затем возвращались в студию для фактического рисования.) E78,16

В эпоху неоклассицизма и романтизма также было основано государственных музеев по всему Западу. Впервые в истории большие коллекции художественных (и исторических) предметов стали доступны для всеобщего обозрения. Самым первым публичным музеем был Louvre , который открылся во времена правления Наполеона.C100

Неоклассическая живопись

ок. 1750-1900

Неоклассицизм обращался к художникам, поддерживающим французскую революцию , учитывая демократическое наследие Древней Греции и Рима. Среди таких художников был Жак-Луи Давид, прежде всего из всех художников неоклассицизма. Первым великим произведением Давида была «Клятва Горациев», на которой изображены три легендарных воина, присягнувшие Римской республике. Более поздние основные работы включают изображение революционного мученика в «Смерти Марата» (его шедевр) и «Наполеон, переходящий Альпы», одной из многих работ, созданных Давидом в качестве официального художника императора.2,6,16

Основная статья

Романтическая живопись

ок. 1750-1900

Романтическая живопись может быть разделена на два основных типа: фигурная живопись (в которой фигуры являются основным предметом) и пейзажная живопись (в которой окружающая среда является основным предметом). Первый тип возглавлял France , второй — England . Каждая нация произвела на свет двух выдающихся мастеров-романтиков.

Первым французским мастером был Теодор Жерико, чей шедевр «Плот Медузы» изображает жертв современного кораблекрушения.На этом плоту находилось французских эмигрантов , направлявшихся в Западную Африку, чей корабль затонул в море. Спасательные шлюпки были захвачены командой, в то время как колонисты (их было больше сотни) были брошены на импровизированном плоту с небольшим количеством воды и еды; только пятнадцать пережили ожидание спасательного корабля.E76

Эжен Делакруа, считающийся величайшим французским художником-романтиком, достиг блестящих визуальных эффектов с помощью небольших смежных мазков контрастного цвета .(В то время как ряд художников-романтиков использовали эту технику, которая в конечном итоге была принята и расширена импрессионистами , Делакруа был самым влиятельным.) Его шедевр «Свобода, ведущая народ» изображает Французскую революцию во всей ее героической славе и ужасных разрушениях. .E78,4,7

Романтическая пейзажная живопись во Франции возглавлялась школой Барбизона, кружком художников, которые проводили собрания в деревне Барбизон.9 Двумя самыми известными членами этой школы могут быть Теодор Руссо и Камиль Коро .

Джозеф Мэллорд Уильям Тернер, в работах которого обычно царит густая мечтательная атмосфера, часто считается величайшим художником Англии. По мере развития своей карьеры Тернер все чаще жертвовал физическим реализмом ради богатых текстур тумана и света , тем самым предвещая подъем современного искусства.17

Другим ведущим английским художником-романтиком был Джон Констебл, выдающийся художник идиллической сельской Англии, который уделял особое внимание своей родной сельской местности Саффолк (на восточном побережье Англии).19 Яркая, чистая атмосфера и прямолинейный реализм работы Констебля резко контрастируют с плотной атмосферой и искажениями Тернера. Повозку для сена часто считают шедевром Констебля.

1 — «Романтизм», Колумбийская энциклопедия. По состоянию на май 2009 г.
2 — «Классицизм», Колумбийская энциклопедия. По состоянию на май 2009 г.
3 — «Неоклассическое искусство и архитектура», Энкарта. По состоянию на май 2009 г.
4 — «Романтизм», Британская энциклопедия. Проверено в мае 2009 г.
5 — «Живопись: неоклассическая живопись», Энкарта.По состоянию на май 2009 г.
6 — «Давид, Жак-Луи», Колумбийская энциклопедия. По состоянию на май 2009 г.
7 — «Eugène Delacroix», Encarta. Проверено в мае 2009 г.
8 — «Живопись: романтическая живопись», Энкарта. По состоянию на май 2009 г.
10 — «Барбизонская школа», Колумбийская энциклопедия. По состоянию на май 2009 г.
11 — «Джозеф Мэллорд Уильям Тернер», Энкарта. По состоянию на май 2009 г.
12 — «Джон Констебл (британский художник)», Британская энциклопедия. По состоянию на май 2009 г.
13 — «Джон Констебл», Энкарта. По состоянию на май 2009 г.
14 — «Пленэрная живопись», Британская энциклопедия. По состоянию на май 2009 г.
15 — «Западная архитектура: классицизм, 1750-1830 гг.», Британская энциклопедия. По состоянию на июнь 2009 г.
16 — «Western Painting», Encyclopedia Britannica. По состоянию на июль 2009 г.
17 — «Тернер, Джозеф Мэлфорд Уильям», Колумбийская энциклопедия. По состоянию на июль 2009 г.
18 — «Каспар Давид Фридрих», Британская энциклопедия. По состоянию на июль 2009 г.
19 — «Живопись», Всемирная книжная энциклопедия. По состоянию на ноябрь 2009 г.

Введение в неоклассицизм — Weylin

Неоклассицизм — это возрождение стилей и духа классической античности, вдохновленное непосредственно классическим периодом, который совпал и отразил развитие философии и других областей Эпохи Просвещения и изначально был реакцией на эксцессы предшествующего стиля рококо. .Хотя движение часто называют противоположным ему аналогом, это большое упрощение, которое, как правило, неэффективно, когда рассматриваются конкретные художники или произведения. Случай с предполагаемым главным поборником позднего неоклассицизма Энгра демонстрирует это особенно хорошо. Возрождение можно проследить до создания формальной археологии.

Труды Иоганна Иоахима Винкельмана сыграли важную роль в формировании этого движения как в архитектуре, так и в изобразительном искусстве. Его книги Мысли об имитации греческих произведений в живописи и скульптуре (1750) и История древнего искусства (1764) были первыми, в которых проводилось резкое различие между древнегреческим и римским искусством и определялись периоды в греческом искусстве, прослеживая их течение. траектория от роста к зрелости, а затем имитация или упадок, которая продолжает оказывать влияние и по сей день.Винкельманн считал, что искусство должно стремиться к «благородной простоте и спокойному величию» , и восхвалял идеализм греческого искусства, в котором, по его словам, мы находим «не только природу в ее самом прекрасном, но и что-то за ее пределами, а именно определенные идеальные формы. ее красота, которая, как учит нас древний толкователь Платона, проистекает из образов, созданных одним только умом ». Эта теория была далеко не новой в западном искусстве, но его акцент на точном копировании греческих моделей был следующим: «Единственный способ для нас стать великими или, если это возможно, неподражаемыми, — это подражать древним».

С появлением «Гранд-тура» началось увлечение коллекционированием древностей, положившее начало множеству великих коллекций, распространяющих неоклассическое возрождение по всей Европе. «Неоклассицизм» в каждом искусстве подразумевает определенный канон «классической» модели.

В английском языке термин «неоклассицизм» используется в основном в отношении изобразительного искусства; подобное движение в английской литературе, начавшееся значительно раньше, называется литературой Августа. Это положение, которое доминировало в течение нескольких десятилетий, начало приходить в упадок к тому времени, когда неоклассицизм в изобразительном искусстве стал модным.Хотя термины различаются, ситуация во французской литературе была аналогичной. В музыке этот период стал свидетелем расцвета классической музыки. Оперы Кристофа Виллибальда Глюка представляли собой специфически неоклассический подход, изложенный в его предисловии к опубликованной партитуре Alceste (1769), целью которой было реформирование оперы путем удаления орнамента, повышения роли хора в соответствии с греческой трагедией. и используя более простые мелодические линии без украшений.

Термин «неоклассический» был изобретен только в середине 19 века, и в то время стиль описывался такими терминами, как «истинный стиль», «реформированный» и «возрождение»; то, что считалось возрожденным, значительно варьировалось.Конечно, в нем были задействованы старинные модели, но этот стиль также можно было рассматривать как возрождение эпохи Возрождения, особенно во Франции, как возврат к более строгому и благородному барокко эпохи Людовика XIV, по которому испытывала значительную ностальгию. развивалась по мере того, как доминирующее военное и политическое положение Франции начало серьезный упадок. Коронационный портрет Наполеона Энгра даже позаимствовал из позднеантичных консульских диптихов и их каролингинского возрождения, к неодобрению критиков.

Неоклассицизм был наиболее сильным в архитектуре, скульптуре и декоративном искусстве, где классические модели в той же среде были относительно многочисленными и доступными; примеры из древней живописи, которые продемонстрировали качества, которые письменность Винкельмана обнаружила в скульптуре, и которых не хватает. Винкельманн участвовал в распространении знаний о первых крупных римских картинах, обнаруженных в Помпеях и Геркулануме.

Что касается живописи, то греческая живопись была полностью утеряна: художники-неоклассики творчески возродили ее, частично с помощью барельефных фризов, мозаики и керамической росписи, а частично с помощью примеров живописи и декора эпохи Высокого Возрождения поколения Рафаэля, фресок в Доме Нерона. Ауреа, Помпеи и Геркуланум, и через новое восхищение Николасом Пуссеном.Большая часть «неоклассической» живописи более классична по своей тематике, чем по чему-либо еще. Ожесточенный, но часто очень плохо информированный спор велся на протяжении десятилетий по поводу относительных достоинств греческого и римского искусства, причем Винкельманн и его коллеги-эллинисты, как правило, побеждали.

Команда Weylin.

Скульптура: Психея, возрожденная поцелуем Амура.

Художник: Антонио Канова.

Год: C. 1790.

Краткая история классической музыки

Экскурсия с гидом по ключевым композиторам и художественным направлениям, которые сделали классическую музыку богатой формой искусства, которая сегодня все еще захватывает, движет и возвышает

Установить дату «начала музыки» так же сложно, как точно указать тысячелетие, в котором вымерли динозавры.1000 г. н.э. — всего лишь удобная отправная точка для зарождения современной западной музыки. Примерно в то время впервые возникла идея объединить несколько голосов, чтобы спеть мелодию; это было также время, когда Церковь, которая так долго оказывала самое большое влияние и вдохновляла на развитие музыки, осознала необходимость стандартизации однострочных песнопений без аккомпанемента, которые веками использовались в священных церемониях.

Эта ранняя христианская музыка, полученная из греческих песен и пения, используемого в синагогах, превратилась в то, что мы теперь называем простой песней, равнинным или григорианским пением, традиционной музыкой Западной церкви — единственной мелодической строкой, обычно исполняемой без аккомпанемента.(Григорианские напевные мелодии, исполняемые сегодня, появились после смерти Папы Григория в 604 году нашей эры.) Без какой-либо принятой письменной системы для обозначения высоты или длины ноты, оценка музыки неизбежно была случайной.

Гвидо д’Ареццо, бенедиктинский монах, чья жизнь в качестве учителя и теоретика музыки совпала с потребностью церкви в музыкальном единстве, обычно приписывают введение нотоносца из горизонтальных линий, с помощью которого можно было точно записывать высоту нот.Он также придумал то, что мы теперь называем тонической системой соль-фа, используемой певцами, в которой ноты называются по их положению на шкале, а не по буквам алфавита (практика, унаследованная от древних греков. ).

По-прежнему не существовало метода определения длины банкноты. Без этого трудно понять, как можно измерить чувство ритма. Некоторые ученые говорят, что это определялось естественным акцентом и акцентом речевых паттернов, и поэтому не требовалось никакого специального приспособления — певцы (конечно, без дирижера) обеспечивали свой собственный «поток» и выражение.

В процессе кодификации двух из трех основных элементов музыки — мелодии и ритма — в мир вошла идея гармонии. Естественно, не все певцы в хоре имеют одинаковый вокальный диапазон, что является проблемой для комфортного пения псалмов в унисон. Таким образом, голоса начали разделяться в соответствии с естественным диапазоном, повторяя Plainsong в параллельных строках на двух высотах, на расстоянии пяти нот (например, CG). Промежуток между двумя нотами называется интервалом, поэтому певцы пели интервал идеальной квинты. .Из этой, казалось бы, простой концепции, но реализация которой потребовалось так много времени, выросла идея о том, что, пока одна линия исполняет Plainsong («тенор» или «удерживающую» часть), другие могут плести вокруг нее другую мелодию.


Добро пожаловать в Граммофон

Мы пишем о классической музыке для наших преданных и знающих читателей с 1923 года, и мы хотели бы, чтобы вы присоединились к ним.

Подписка на Gramophone проста, вы можете выбрать, как вы хотите получать удовольствие от каждого нового выпуска (наш красиво оформленный печатный журнал или цифровое издание, или и то, и другое), а также хотите ли вы получить доступ к нашему полному цифровому архиву (растянувшись назад к нашему самому первому выпуску в апреле 1923 года) и беспрецедентную базу данных обзоров, охватывающую 50 000 альбомов и написанную ведущими специалистами в своей области.

Чтобы найти идеальную подписку для вас, просто посетите: gramophone.co.uk/subscribe


Были составлены правила о том, какая часть услуги может использовать какой тип интервалов. Постепенно разрешился интервал трети (C-E), долгое время считавшийся диссонансом. В течение умеренно короткого столетия у нас есть Перотен из Нотр-Дама — один из первых мастеров полифонии, сочиняющий музыку для трех и четырех голосов.

Параллельно с развитием литургической (церковной) музыки происходил расцвет светской музыки трубадуров, поэтов-музыкантов, воспевающих прекрасных дам, рыцарства, весны и т.п.Это были преемники придворных менестрелей, исполнявших великие саги и легенды, у которых сами были менее образованные коллеги в виде жонглеров, странствующих певцов и инструменталистов. По большей части благородные, трубадуры были выходцами из Прованса и Аквитании (труверы, их северные коллеги и миннезингеры Германии были почти современниками). Лишь около 60 рукописей стихов трубадуров и труберов сохранились до наших дней, и немногие из них содержат нотные записи, которые, опять же, имеют указания только на высоту звука, но не на длину нот.

Эти 200 лет были свидетелями зарождения гармонии, современной нотной записи, увлечения танцами и песнями, которое охватило Европу во времена крестовых походов, и сложной структуры поэзии трубадуров — более чем достаточно, чтобы воспламенить воображение человека эпохи Возрождения.

Изучение и использование аккордов — это то, что мы называем гармонией. Диафония — «двуголосая» музыка — доминировала во всей музыкальной композиции до 13 века; это двухчастное пение применительно к plainchant также называлось органом.Голоса будут петь на октаву (C-C), безупречную квинту (C-G), безупречную четвертую (C-F) или мажорную треть (C-E).

Полифония также касается звучания более чем одной ноты, но через мелодию — слово означает «многоголосый», «многоголосый». Следующим очевидным событием стало добавление третьей, четвертой или более независимых музыкальных строк, спетых или звучащих вместе, и именно выдающийся Филипп де Витри, французский епископ, музыкальный теоретик, композитор, поэт и дипломат, указал путь вперед в этой области. известная книга под названием «Новое искусство» — Ars Nova (в отличие от Ars Antiqua Гвидо д’Ареццо).Временные размеры указывали ритм музыки, а улучшения в обозначениях символизировали длину нот — предков наших минимумов, бреве и полубреве. Гийом де Машо (еще один французский священник, поэт и композитор) продвинул идеи де Витри еще дальше и написал как светские песни, так и постановки мессы (1364 — самый ранний известный полный сеттинг одного композитора) с тремя и четырьмя полифоническими голосами.

Хотя Франция в то время была музыкальным центром Европы, Италия самостоятельно разрабатывала свою собственную ars nova с музыкой, которая отражала теплоту и чувственность страны, в отличие от более интеллектуального галльского письма.Англия, менее пострадавшая от ars nova , не внесла значительного вклада в музыкальное развитие до прибытия Джона Данстейбла. Живя во Франции в качестве придворного композитора герцога Бургундского (младшего брата Генриха V), Данстейбл использовал ритмические фразы, традиционную простоту и добавлял другие свободные части, объединяя их в плавный, сладкозвучный стиль. До сих пор сохранилось около 60 произведений его музыки.

Данстейбл, в свою очередь, оказал влияние на бургундских композиторов Гийома Дюфе и Жиля Биншуа, чью музыку можно назвать стилистическим мостом между ars nova и полностью развитой полифонией 15 века.Технические аспекты музыкальной композиции и почти математическое увлечение комбинацией нот начали медленно открывать дверь к личности композитора, отраженной в его музыке.

К середине 15 века королевские дворцы и величественные дома знати узурпировали Церковь как наиболее важный фактор, оказавший влияние на музыкальный ход (в 1416 году английский король Генрих V использовал более 30 голосов в Часовне). Королевской тогда папской капеллы их было всего девять).Одним из побочных продуктов была более тесная связь между светской музыкой и музыкой церкви, взаимное опыление, которое пошло на пользу развитию обеих. Музыканты, прошедшие через бургундский двор, распространили его стиль и знания на все точки европейского компаса.

Самыми заметными достижениями в этот период стали возросшая свобода композиторов в отношении своих вокальных линий и различие в трактовке написанных ими текстов. Раньше слова должны были соответствовать музыке; Теперь же произошло обратное, и это лучше всего иллюстрирует работа Хоскена Деспре, одного из композиторов следующего поколения, получивших известность во всей Европе.Его музыка включает в себя большее разнообразие выражений, чем когда-либо — есть даже вспышки причудливого юмора — и включает попытки символизма, в которых музыкальные идеи совпадают с идеями текста. Когда разные голоса поют в полифонии, трудно уследить за словами; там, где испытуемый требовал, чтобы слова были четко слышны, Жоскен писал музыку, в которой разные голоса поют разные ноты, но одни и те же слова одновременно — другими словами, аккордовая музыка. Неудивительно, что Жоскина называют «первым композитором, чья музыка обращается к нашему современному чувству искусства».После него нашим ушам легко проследить развитие музыки на язык, который нам сегодня знаком по произведениям великих композиторов-классиков два столетия спустя.

16 век стал свидетелем четырех крупных музыкальных явлений: школа полифонии достигла своего апогея, была основана традиция инструментальной музыки, была поставлена ​​первая опера и впервые началось издание музыки. Для большинства людей просто не было возможности смотреть и читать музыку; музыканты впервые могли стоять вокруг партитуры, напечатанной в книге, и петь или играть свою роль.Хотя это было ограниченно и дорого, музыка теперь была доступна. Неудивительно, что он так быстро процветал.

Трудно представить себе центральное значение христианской церкви в это время. Здания, возведенные людьми эпохи Возрождения с таким великолепием и уверенностью, символизировали эпоху «возрождения», и музыка того времени стала заполнять нефы великих соборов Европы. Палестрина в Италии, Лассус в Нидерландах и Берд в Англии продолжили то, с чего остановился Жоскин, создавая сложные и богато выразительные произведения, которые подняли искусство полифонического письма для голоса на новый уровень и продемонстрировали способность человека выражать свою веру с помощью слава и пыл, которых не было ни в одном предыдущем столетии.

Как была соткана эта богатая ткань из музыкального золота? Один выдающийся писатель Перси Скоулз провел яркую аналогию с музыкальной «тканью», обсуждая музыку Палестрины. Он считал, что «тканый» подходящее слово для такого рода композиции. «Музыка состоит из переплетения фиксированного количества нитей. И пока [композитор] плетет, он создает как «уток», так и «основу». С точки зрения основы композиция представляет собой горизонтальное сочетание мелодий; смотрел как гав это перпендикулярный набор аккордов.Композитор обязательно имеет в уме оба аспекта, когда пишет свою пьесу, но горизонтальный аспект (или «деформация»), вероятно, для него важнее всего. Такую музыку мы называем «контрапункт» или «контрапункт». Элемент «woof» (= перпендикулярный, т.е. «Harmonic») присутствует, но менее заметен, чем «warp» (= горизонтальный, то есть «Contrapuntal»). Момент размышлений покажет, что вся музыка Contrapuntal также должна быть гармонической, а вторая секунда мысли, что не вся гармоническая музыка должна быть Counterpoint.’

Прошло 1000 лет с самой ранней Песни Равнины, прежде чем традиция превратилась в сложную, очень сложную форму искусства, которая произвела такие шедевры, как Stabat mater Палестрины, Ave verum Corpus Виктории и O Quam Gloriosum Берда.

Теперь новые занятия бросили вызов композиторам. Благоговейные, пышные хоровые произведения Церкви, в основном из Северной Европы, были оплодотворены живыми солнечными танцами и песнями юга.Светские коллеги церковных музыкантов привели к мадригалу, контрапунктной постановке стихотворения, обычно длиной около 12 строк, и тема которой обычно была любовной или пасторальной. Акцент был сделан на качестве словосочетания, а форма оказалась чрезвычайно популярной, хотя и недолго — особенно в Англии (возможно, из-за нашего большого литературного наследия), где такие, как Гиббонс, Велкес и Морли, были лучшими представителями мадригала.

Мадригалы, как и литургические песнопения и постановки мессы, были предназначены для голосов без сопровождения аккомпанемента — именно так задумано подавляющее большинство произведенной до этого времени музыки.Лишь в конце XIV века инструментальная музыка стала самостоятельной формой искусства. Блокфлейта, лютня, виола и спинет сыграли свою роль в танцевальной музыке и в сопровождении голосов (иногда заменяя их), но теперь такие композиторы, как Берд, Гиббонс, Фарнаби и Фрескобальди, начали писать музыку для определенных инструментов, хотя следует сказать, что эта форма искусства по-настоящему процветала только в эпоху барокко. Музыканты объединялись, чтобы сыграть серию различных танцевальных мелодий, образуя свободно построенную сюиту; или музыкант может сымпровизировать свою собственную мелодию вокруг другой — «фантазии» или «фантазии»; или они могут сочинять вариации мелодии, исполняемой на одной и той же повторяющейся басовой партии — «вариации на основе земли», как это называется.Другими нововведениями были итальянцы Андреа Габриэли ( c 1510-86) — первые, кто объединил голоса с медными инструментами — и его племянник Джованни (1557-1612), чьи антифонные эффекты для хоров медных инструментов могли быть написаны для наших современных стереосистемы.

Именно из Италии был сделан следующий важный шаг в истории музыки. Действительно, Италия была страной — фактически совокупностью небольших независимых государств в то время, управляемой множеством богатых и культурных семей — которая будет доминировать в музыкальном мире в течение полутора веков с 1600 года.Итальянское влияние в то время было настолько сильным, что музыка приняла этот язык в качестве своего лингва-франка. По сей день композиторы почти повсеместно пишут свои выступления на итальянском языке. Одно конкретное слово, опера, описывает новую форму искусства: сочетание драмы и музыки. До конца XVI века об этой концепции никто не догадывался.

В конце 16 века художники, писатели и архитекторы заинтересовались древними культурами Греции и Рима. Во Флоренции группа художественной интеллигенции заинтересовалась тем, как разыгрываются древнегреческие драмы.Экспериментируя с декламированием более поэтических отрывков и используя несколько аккордов инструментальной музыки для сопровождения других отрывков в естественном речевом ритме, родилась идея музыки, отражающей, поддерживающей и комментирующей драматическое действие: dramma per musica (‘драма посредством музыка ‘), спектакль с музыкальным оформлением.

Затем на ринг вышел один из величайших музыкантов истории Клаудио Монтеверди. Он не написал первую оперу (эта честь принадлежит Якопо Пери и его Дафне , ныне утерянному, 1594 или 1597 годов), но в одной работе, Орфео (1607), он обрисовал будущие возможности медиума.Сольным певцам был придан драматический характер в изображении и витиеватые песни для пения, были припевы, танцы, оркестровые интермедии, декорации. Опера была развлечением, разительно отличавшимся от всего, что было раньше, но, что более важно, это был совершенно новый способ использования музыки.

Преемники

Монтеверди, такие как Пьер Кавалли и Марк’Антонио Чести, разработали тип плавной лирической песни, вдохновленной потоком разговорного итальянского — bel canto («красивое пение»), что, в свою очередь, способствовало известности певца.Драматическая правда вскоре исчезла в пользу тщательно продуманных вокальных проявлений солистов оперы — композиторы были только рады предоставить то, чего хотела их новая публика, — и ни один класс певцов не был более популярным, чем кастраты. Где бы они ни появлялись, кастраты, которым в детстве удалили яички, чтобы сохранить высокий голос, были высокооплачиваемыми и чрезвычайно популярными, что не отличалось от сегодняшних «Трех теноров» (с двумя небольшими отличиями). Практика кастрации для создания артиста, чрезвычайно варварская концепция, была прекращена только в начале 19 века.Последний кастрат, Алессандро Морески, фактически дожил до 1922 года и сделал около дюжины рекордов в 1902 году.

Святой Павел написал, что женщины должны хранить молчание в церкви. Поэтому они были недоступны из-за обременительных высоких строк в церковной музыке. Если бы истоки кастратов могли быть твердо поставлены перед церковью, подобная догма также может считаться ответственной за медленный прогресс инструментальной композиции. С давних времен Церковь выражала свое неодобрение этой практике.Святой Иероним заявил, что ни одна христианская девушка не должна знать, как выглядят лира или флейта (не говоря уже о том, чтобы слышать, как они звучали). Ослабление авторитета церкви после Реформации подтолкнуло композиторов к написанию инструментальной музыки для групп, причем с учетом относительной силы и цвета различных инструментов — еще одна новая концепция. Та же смена акцентов привела к потоку блестящих инструментальных солистов. Среди них был блестящий скрипач итальянского происхождения по имени Жан-Батист Люлли, который в 1646 году уехал во Францию.Здесь он работал на короля Людовика XIV, экстравагантного строителя Версаля, который нанял 120 музыкантов в различные оркестры. Оркестр «Двадцать четыре скрипки» исполнял музыку при французском дворе; с добавлением Лулли флейт, гобоев, фаготов, труб и литавр, современный оркестр начал появляться.

Еще одним важным побочным продуктом итальянской оперы было введение сонаты — этот термин изначально означал просто произведение, которое нужно озвучить (сыграть), в отличие от спетого (кантаты). Несмотря на то, что она быстро приняла множество форм, соната началась с того, что итальянские скрипачи имитировали вокальные элементы оперы — единую мелодию, сыгранную на гармоничном фоне или, если хотите, в сопровождении аккордов.Это было огромным отличием от хоровых произведений века назад, обусловленных их полифоническим переплетением. Теперь была музыка, которая, даже если не было фонового аккомпанемента, уши слушателя могли мысленно обеспечить гармонию — вы могли сказать, где мелодия будет разрешаться, вы могли легче почувствовать ее форму и предназначение. С музыкальным акцентом на гармонию — ключевой чертой грядущих полутора веков — ритм стал играть все более важную роль. Хордовые паттерны естественным образом складываются в последовательности, в обычные такты или такты.Послушайте чакону Перселла или Генделя, и вы поймете, что тема — это не мелодия, а последовательность аккордов. Измерение ударов в такте ( один, — два или один, — два-три или один, — два-три-четыре — акцент всегда на первой доле) придает музыке ощущение формы и помогает ей двигаться вперед. прогресс. Фразы приводят ухо к следующей последовательности, такой как диалог между двумя людьми, обмен мыслями отдельными словами, короткими предложениями или длинными абзацами. Спойте простую гимновую мелодию, например «». Все люди, живущие на земле, «», и вы знаете, что теперь приобрела музыка — сильный тональный центр.

Создатели музыкальных инструментов отреагировали на это адаптацией и усовершенствованием инструментов: великие итальянские скрипичные мастера Страдивари, Амати и Гварнери, семья Ракерс из Антверпена с ее клавесинами и семья Харриса в Англии, занимающаяся сборкой органов.

Заключительный вклад в этот период внесла итальянская опера. Использование оркестра в опере естественным образом привело к выражению драматических музыкальных идей — одна из причин, почему итальянский оркестр развивался быстрее, чем где-либо еще. Примерно в начале 18-го века композиторы начали писать увертюры в трех частях (быстро-медленно-быстро), создавая модель для классической формы сонаты, используемой в инструментальных пьесах, концертах и ​​симфониях в течение следующих 200 лет и более.

Таким образом, этот «омофонический» период, подчеркивающий музыку с единой мелодией и гармоническим сопровождением, плавно перетек в течение 17 века в эпоху барокко Вивальди, Баха и Генделя.

Рождение концерта

Концерт разработан на основе танцевальных сюит, популярных в Италии в начале 17 века, известных как соната da camera . Первоначально композиция, которая противопоставляла две группы инструменталистов друг другу, превратилась в Concerto Grosso («великий концерт»), первым ведущим представителем которого был Арканджело Корелли.Здесь группа солирующих струнных инструменталистов чередуется с основным корпусом струнных в произведении, обычно состоящем из трех или четырех частей. Близнецы, Альбинони, Торелли, Гендель и другие внесли свой вклад в эту форму. Сольный концерт был всего в нескольких шагах от того места, где солист противопоставляется (позже противопоставляется) оркестру. Ни один из концертов этого периода не достиг такой популярности, как Вивальди, 500 сочинений которого в этом жанре (в основном для струнных, но иногда и для духовых инструментов) являются продуктом одного из самых выдающихся музыкальных умов начала 18 века. Four Seasons , одно из самых известных и наиболее часто исполняемых произведений классической музыки, иллюстрирует новую концепцию.

Северная Европа стала плацдармом для быстрого развития клавишной музыки: северогерманская школа органной музыки, основанная Фрескобальди и Свелинком за столетие до этого, с ее интересом к контрапунктному письму, проложила путь для таких, как Пахельбель и Букстехуде, чья линия достигла своего пика в великих произведениях Баха. Тем временем Рамо и Куперен во Франции создавали короткие описательные пьесы для клавесина (а также оперы) в стиле, который получил название «рококо» — от французского rocaille , термин, первоначально относившийся к причудливым ракушкам и свиткам в искусстве.Это было преимущественно развлечением, а не возвышением, и рококо полезно определяет характер более легкой музыки, написанной в период барокко, особенно в сравнении с произведениями двух музыкальных тяжеловесов того времени, Иоганна Себастьяна Баха и Джорджа Фридриха Генделя.

Бах в свое время считался старомодным провинциальным композитором из центральной Германии. Но его музыка содержит некоторые из самых благородных и возвышенных проявлений человеческого духа, и вместе с ним искусство контрапункта достигло своего апогея.48 прелюдий и фуг для Хорошо темперированный клавир исследуют все перестановки фугального письма во всех мажорных и минорных тональностях; его последняя работа, Искусство фуги (оставшаяся незавершенной после его смерти), представляет собой математическое удовольствие в переплетении контрапунктических вариаций на одну и ту же тему. Тем не менее технический блеск музыки Баха заключен в выразительной силе его композиций, в частности его органной музыки, церковных кантат и великих Страстей по Матфею и Мессы си минор.Его инструментальная музыка свидетельствует о том, что он ни в коем случае не всегда был суровым богобоязненным лютеранином — шесть буйных концертов Бранденбург показывают, что он был хорошо знаком с солнечным итальянским образом жизни и многими из его самых красивых и глубоких. мысли сосредоточены на концертах и ​​оркестровых сюитах. Его влияние на композиторов и музыкантов на протяжении многих лет было неизмеримо. Для многих он остается краеугольным камнем их искусства.

Великий современник Баха, Гендель, также был выходцем из Германии, но, напротив, был много путешествующим, светским человеком, который поселился в Англии и стал проницательным предпринимателем и манипулятором в музыкальных делах.В инструментальных формах, таких как Concerto Grosso , Гендель одинаково хорошо писал в омофоническом или полифоническом стиле и ввел множество комбинаций духовых и струнных в свою красочную партитуру. Он разработал типичную танцевальную сюиту 17-го века в такие известные (и до сих пор чрезвычайно популярные) эпизодические произведения, как The Water Music и Royal Fireworks Music . Опера была областью, в которую Бах никогда не рисковал, но Гендель — между 1711 и 1729 годами — поставил около 30 опер в итальянском стиле, пока публика не устала от них, когда, будучи прагматиком, он обратился к оратории.Оратория — это расширенный сеттинг (обычно) религиозного текста в драматической форме, который не требует декораций или сценического действия. Генделя обладают огромным драматическим и эмоциональным диапазоном и часто используют смелые гармонии, не говоря уже о бесконечном потоке великолепных мелодий и поднимающих настроение припевов

Бах был последним великим композитором, нанятым церковью, что вполне уместно, поскольку церковь была движущей силой развития полифонической музыки, а Бах — ne plus ultra стиля.С тех пор музыкальный патронат исходил от знати, а знать предпочитала музыку, которая была элегантной, развлекательной и определенно не имела привкуса чего-либо «церковного». Следуя примеру французского двора и итальянских княжеств XVII века, каждый достойный европейский герцог стремился к собственному оркестру и музыкальному руководителю. Одним из таких примеров был двор Мангейма, где оркестр под руководством Иоганна Стамица поднял оркестровую игру до уровня, о котором раньше не слышали. Наступила новая эра, оторвавшаяся от контрапунктного письма позднего барокко.

Термин «классическая музыка» имеет два значения: используется для описания любой музыки, которая предположительно является «тяжелой» (в отличие от поп-музыки или джаза, как в фразе «Я терпеть не могу классическую музыку»), а также определенного периода в развитии музыка, классическая эпоха. Это можно кратко охарактеризовать как музыку, которая отличается мастерской экономией форм и ресурсов, а также отсутствием открытой эмоциональности. Если Бах и Гендель доминировали в первой половине 17 века, то Гайдн и Моцарт — их двойники во второй половине и представляют все достоинства классического стиля.

Это можно проследить от поколения или около того до рождения Гайдна до стиля рококо Куперена и Рамо и, что еще более убедительно, в бодрящих клавишных произведениях Доменико Скарлатти, более 500 коротких сонат которого, написанных в его шестидесятые годы, демонстрируют великолепие. на что равнялся только Бах. Однако Скарлатти, писавший в меньшем масштабе, имел особую цель восхищать и наставлять свою ученицу, королеву Испании. Его современник Георг Филипп Телеман принес в Германию стиль рококо.Более легкий и даже более плодовитый, чем Бах, Телеман при жизни пользовался гораздо большим уважением, чем Иоганн Себастьян. Несмотря на его заявленное кредо («Тот, кто пишет для многих, работает лучше, чем тот, кто пишет только для немногих… Я всегда стремился к возможности. Музыка не должна быть усилием, оккультной наукой»), эти двое очень восхищались друг другом. до такой степени, что Бах назвал своего сына Карла Филиппа Эмануэля в честь Телемана и выбрал его крестным отцом.

CPE Музыка Баха представляет собой перекресток между франко-итальянским рококо и зарождающимися классическими школами — действительно, в некоторых своих клавишных произведениях он, кажется, предвосхищает Бетховена.Его фортепианные сонаты, в которых используются выразительные возможности недавно изобретенного фортепиано, заставляют нас пересмотреть термин «соната», использовавшийся в предыдущем столетии. Теперь соната стала формализованной структурой со связанными тональностями и темами. Эти Бах развились в расширенные части, в отличие от коротких частей формы барокко. Слушая CPE, возможно, самого оригинального и смелого композитора середины 18 века, начинаешь осознавать серьезность и комичность, вдохновенность и рутину, лежащие бок о бок с захватывающей непредсказуемостью.

Параллельно с этим работал Иоганн Стамиц. Его музыку сегодня редко можно услышать, но он и его сын Карл (1746–1801) были пионерами в развитии симфонии. Эта форма выросла из коротких быстрых-медленных-быстрых одночастных увертюр или симфоний итальянской оперы. Стамиц, служивший при дворе Мангейма, руководил одним из самых выдающихся оркестров Европы. Написанные им симфонии должны были стать образцом для симфоний Гайдна и Моцарта — в них мы можем видеть, как и в сонатах К.П.Э. Баха, использование связанных клавиш, двух контрастирующих предметов (тем) первой части и изящную проработку и развитие материала. .Он был первым, кто ввел кларнет в оркестр (и, вероятно, первым написал концерт для этого инструмента), что также сделало медные и деревянные духовые инструменты более заметными. Говорят, что его оркестровые крещендо, новый эффект того времени, заставляли публику вставать со своих мест.

Италия доминировала в музыкальном мире 17 и начала 18 веков благодаря своим операм и великим скрипачам. С середины 18 века центр музыкального превосходства переместился в Вену, которую он сохранял до последнего императора Габсбургов в первые годы 20 века.Габсбурги любили музыку и привлекали ко двору лучших иностранных музыкантов; Императорская часовня стала вторым центром музыкального мастерства. Не менее важным было расположение Вены в центре Европы. В центре внимания венского двора находились самые разные влияния из соседней Германии, Богемии и Италии.

Между смертью Генделя (1759) и первым исполнением Бетховена « Фиделио » (1809) прошло менее полувека. Бах и Гендель все еще сочиняли, когда Гайдн был подростком.Сравнивать индивидуальный «звуковой мир» любого из этих четырех композиторов — значит слышать удивительно быстрый прогресс музыкального мышления. Без сомнения, важнейшим элементом этого было развитие сонатных и симфонических форм. В течение этого периода типичный пример обычно следовал той же базовой схеме: четыре части — 1) самая длинная, иногда с медленным вступлением, 2) медленное движение, 3) менуэт, 4) быстрое, короткое и легкое по характеру. Работая в рамках этой формальной структуры, каждое движение, в свою очередь, имело свою внутреннюю структуру и порядок развития.Большинство сонат, симфоний и камерной музыки Гайдна и Моцарта написаны в соответствии с этим образцом, и три четверти всей музыки Бетховена так или иначе соответствуют «сонатной форме».

Вклад Гайдна в историю музыки огромен, его прозвали «отцом симфонии» (несмотря на предыдущие заявления Стамица) и он был родоначальником струнного квартета. Как и все его хорошо обученные современники, Гайдн досконально знал полифонию и контрапункт (и, действительно, не прочь использовать это), но его музыка преимущественно гомофонична.Его 104 симфонии охватывают широкий диапазон выразительности и гармонической изобретательности. То же самое и со струнными квартетами. Благодаря идеальному балансу струнного звука (две скрипки, альт и виолончель), неявной экономии в партитуре, точности и элегантности в обращении со средой, струнный квартет является квинтэссенцией классического искусства.

Моцарт сочинил 41 симфонию, и в более поздних из них (попробуйте знаменитое открытие № 40 соль минор) входит в царство за пределами Гайдна — ищущий, трогательный и далеко не безличный.Это еще более верно в отношении великой серии фортепианных концертов, среди самых возвышенных музыкальных произведений, где сочинение глубоко вовлекается — медленная часть Большого концерта (K488) убивает горем, предвосхищая сочинение будущего поколения. Моцарт тоже поднял оперу на новую высоту. Глюк в одиночку оторвался от окостеневшей итальянской оперы, в которой доминируют певцы, и показал в таких произведениях, как Orfeo ed Euridice (1762), что музыка должна соответствовать настроению и стилю пьесы, цвету и дополнять сценическое действие; арии должны быть частью непрерывного действия, а не просто зацикливаться на вокальных способностях певца.Моцарт пошел дальше и в своих четырех шедеврах Женитьба Фигаро , Così fan tutte , Don Giovanni и Волшебная флейта раскрыл более реалистичные персонажи, более искренние эмоции (и, конечно же, несравненно лучшую музыку), чем что-либо еще. это было раньше. Здесь опера впервые отразила слабости и чаяния человечества, темы, на которых композиторы-романтики должны были подробно остановиться.

«Старый порядок Changeth»: в первой половине XIX века Европа, взяв пример с Французской революции и Войны за независимость Америки, была проникнута духом всеобщих политических волнений, кульминацией которых стали восстания 1848 года.Национализм, борьба за личную свободу и самовыражение были отражены и действительно созданы всеми искусствами — одно подпитывало другое. Аккуратный стройный режим парика и менуэта уступил место безудержному, страстному миру взъерошенного революционера.

Людвиг ван Бетховен сочетал свой музыкальный талант с глубоко укоренившимися политическими убеждениями и почти религиозной уверенностью в своих целях. За исключением, пожалуй, Вагнера, ни один другой композитор в одиночку не изменил музыкальный курс так кардинально и продолжал развиваться и экспериментировать на протяжении всей своей карьеры.Его ранняя музыка, построенная на классических путях, пройденных Гайдном и Моцартом, демонстрирует его индивидуальность в использовании устоявшихся музыкальных структур и их изменении в своих целях. Исследуются необычные тональности и гармонические отношения, а уже в Третьей симфонии ( Eroica ) музыка намного изобретательнее и убедительнее, чем все, что Моцарт достиг даже в позднем шедевре, таком как Jupiter . Последовали еще шесть симфоний, все разные по характеру, все они пытались достичь новых целей человеческого самовыражения, кульминацией которых стала великая Хоровая симфония (№ 9) с ее экстатическим финальным хоровым движением, прославляющим существование человека.Неудивительно, что так много композиторов испугались попытки симфонической формы после Бетховена, и что немногие когда-либо пытались сделать больше, чем волшебное бетховенское число девять.

Его камерная музыка рассказывает аналогичную историю, опираясь на классическую форму струнного квартета, постепенно превращая ее в свою (послушайте квартеты Среднего периода Разумовского ) до последней группы поздних квартетов, которые содержат музыку глубоко духовно и глубоко почувствовал личные заявления — световые годы от недавнего мира его прославленных предшественников.Цикл из 32 сонат для фортепиано отражает аналогичный портрет его жизненного пути; последние три из его пяти фортепианных концертов и величественный скрипичный концерт находятся на одном уровне с симфониями и квартетами. Его единственная опера Fidelio , хотя и не имела успеха в качестве театрального произведения, кажется, выражает все темы, которые Бетховен особенно дорожил: его вера в братство людей, его отвращение к революционерам, превратившимся в диктаторов, искупительную силу человеческая любовь. Все это было достигнуто достаточно романтично, а сам он боролся с глубокой глухотой.Неугасимый дух Бетховена и его способность использовать музыку для самовыражения ставят его в авангарде творческих достижений человека. «Приходите, мужчина, наступайте момент» — продолжительность жизни Бетховена помогает очерчивать поздний классический период и ранние романтики. Его музыка — это титанический промежуток между ними двумя.

Те, кто последовали за ним, почитали его как бога. Шуберт, следующий великий венский мастер, на 27 лет моложе, но переживший его всего на 18 месяцев, трепетал перед Бетховеном.Он не совершенствовал ни симфонические, ни сонатные формы, в его гриме не было революционного рвения. Он подарил мелодию. Шуберт, возможно, является величайшим мастером мелодии, которого когда-либо знал мир, и в его более чем 600 песнях заложена немецкая песенная (или Lied) традиция. Начиная с его Erlkönig (1815) и далее, Шуберт безошибочно улавливал суть смысла стихотворения и отражал его в своей обстановке. Впервые фортепиано приобрело равное значение с вокальной партией, рисуя тональный рисунок или улавливая настроение пьесы в ее аккомпанементе.

И именно новые пианино с железными струнами стали излюбленным инструментом первой половины эпохи романтизма. На рубеже веков родилось удивительное количество композиторов-пианистов, самыми известными из которых были Лист, Шопен, Шуман и Мендельсон. Из них Мендельсон опирался на элегантные, традиционные структуры классицизма, в которых заключался его изысканный поэтический и мелодический дар. Многие из его фортепианных произведений (например, песен без слов, ) и оркестровые пьесы ( Гебридские увертюры, увертюра и итальянская симфония , № 4) описывают природу, места, эмоции и так далее.Шуман тоже предпочитал такие короткие музыкальные эссе с названиями, как Traümerei и Des Abends , чтобы вызвать настроение или событие — «характерные пьесы», которые позже стали называть «программной музыкой». Бесспорным мастером романтического клавишного стиля был Фредерик Шопен. Практически все его творчество посвящено фортепиано в череде очень индивидуальных и выразительных произведений, написанных за короткие 20 лет. Спустя пятьдесят лет после его ранней смерти в 1849 году композиторы все еще писали произведения, на которые он оказал сильное влияние.Шопен редко использовал описательные названия для своих работ (помимо таких лейблов, как Nocturne, Berceuse или Barcarolle). Технические и лирические возможности инструмента были подняты на новую высоту в таких шедеврах, как Четыре баллады, последние две (из трех) фортепианных сонат и множество коротких танцевальных композиций. Большинство из них происходили из его родины, Польши, и, будучи добровольным изгнанником, живущим в Париже, Шопен, естественно, стремился выразить свою любовь к своей стране. Гораздо более пылкий национализм должен был стать ключевым фактором в музыке композиторов, писавших позже в романтической традиции (сам Шопен, кстати, не любил, чтобы его называли «романтиком»).

Но чтобы по-настоящему определить «эпоху романтизма» в музыке, мы должны взглянуть на трех композиторов, которые доминировали в музыкальном мире во второй и третьей четвертях 19 века и которые продвигали музыку вперед на заре следующего: Листа, Берлиоз и Вагнер.

Бунт и свобода самовыражения лежат в основе романтического движения в музыке, литературе, живописи и архитектуре, сознательный разрыв связей и вера в права художника. Лист, байроник по внешнему виду и темпераменту, величайший пианист того времени, подарил нам сольный фортепианный концерт, «симфоническую поэму» — расширенный оркестровый эквивалент «характерных пьес» Шумана — и ошеломляющее разнообразие музыки во всех формах и формах. .Соната для фортепиано си минор, в которой все элементы традиционной сонатной формы объединены в единое целое, является одним из краеугольных камней репертуара; его последние фортепианные произведения предвосхищают гармонии Дебюсси, Бартока и других. Хотя вся его музыка отнюдь не глубока — в ней много лоска и блеска, — его авантюрные партитуры, его покровительство и поддержка со стороны любого молодого композитора, который приходил к нему, сделали его одним из самых влиятельных музыкальных гениев века.

Берлиоз пианистом не был. Возможно, именно поэтому он является самым важным композитором того времени с точки зрения оркестрового письма. Он основывал свою музыку на «прямой реакции чувств» и мог с необычайной яркостью вызывать сверхъестественное, скажем, или сельскую местность, или страстных влюбленных. Как и Лист, он никогда не писал формальной симфонии: Симфония Фауста Листа и Фантастическая симфония Берлиоза являются «программными» и опираются на их литературное вдохновение в своей структуре.Берлиоз писал в эпическом масштабе, используя огромные силы, чтобы передать свое видение: например, Grande Messe des Morts требует соло тенора, духовых оркестров и массивного хора, а также расширенного оркестра. Теофиль Готье, чей Nuits d’été Берлиоз поставил на музыку, подытожил Берлиоза так: «[Он] олицетворяет романтическую музыкальную идею, ломку старых форм, замену неизменными квадратными ритмами новыми формами, сложный и компетентное богатство оркестровки, правдивость местного колорита, неожиданные звуковые эффекты, шумная и шекспировская глубина страсти, любовная или меланхолическая мечтательность, тоски и вопрошания души, бесконечные и таинственные чувства, которые нельзя передать словами, и это нечто большее, чем все, что ускользает от языка, но может быть угадано в музыке.’Технические усовершенствования в производстве оркестровых инструментов — особенно медных и деревянных духовых — помогли таким композиторам, как Берлиоз, достичь своих целей, поскольку современные инструменты обеспечивают более широкий диапазон и разнообразие звука. Этот дополнительный цвет в оркестровой палитре композитора побуждал к более обширным (иногда кажущимся бесформенным) произведениям. Опора симфонической структуры была нужна меньше, хотя, когда писали это в начале 21-го века, многие до сих пор наслаждаются сложностями сочинения в такой форме.

Третий титан романтиков был самым известным и обсуждаемым композитором всех времен: Рихард Вагнер. Такой же умный и трудолюбивый, как он был безжалостным и эгоцентричным, великим достижением Вагнера стал цикл из четырех опер «Кольцо нибелунгов» , который перевел оперу из сферы развлечений в квазирелигиозный опыт. Под влиянием Бетховена, Моцарта (считающегося первым по-настоящему немецким оперным композитором) и Мейербера (чье чувство эпического театра, дизайна и оркестровки впечатлило его) видение Вагнера состояло в том, чтобы создать произведение, которое было бы сплавом всех искусств — литературы, живопись и музыка.Свое видение он назвал «музыкальной драмой».

Некоторые из его идей были предвосхищены 40 годами ранее Карлом Марией фон Вебером, одним из первых, кто настоял на полном контроле над всеми аспектами производства своих работ и который еще в 1817 году писал о своем желании объединить все воедино. формы искусства в одну великую новую форму. Опера Вебера « Der Freischütz », первая немецкая романтическая опера, явилась важной вехой в развитии этих идей, основанных на немецкой мифологии.

Вагнер решил, что музыка должна вырасти из либретто (он поставил свое собственное), что не должно быть никаких демонстрационных арий ради самих себя, вставленных только для того, чтобы угодить публике; музыка, как и повествовательный поток оперы, никогда не должна прекращаться, поскольку музыка одинаково важна в повествовании истории и комментариях к действию и персонажам; лейтмотивы, короткие музыкальные фразы, связанные с разными персонажами и настроениями, будут повторяться на протяжении всей партитуры, чтобы поддерживать и связывать всю работу.Оркестровый вклад был не менее важен, чем вокальный элемент. Но Вагнер был больше, чем просто оперный реформатор. Он открыл новый гармонический язык, особенно в использовании хроматизма (см. Стр. XXXI). Это не только оказало глубокое влияние на последующие поколения композиторов, но и логически привело к атональной музыке 20-го века.

Не все композиторы подпадали под чары Вагнера. Брамс был воплощением традиционной музыкальной мысли. Его четыре симфонии гораздо ближе к стилю Бетховена, чем симфонии Мендельсона или Шумана, и первая из них была написана только в 1875 году, когда Вагнер почти закончил The Ring .Действительно, Брамс — безусловно, самый классический из немецких романтиков. Писал программную музыку и никаких опер. Любопытное совпадение, что он проявил себя в тех самых музыкальных формах, которые Вагнер предпочитал игнорировать, — в области камерной музыки, концертов, вариационного письма и симфоний.

Лишь в преклонном возрасте Джузеппе Верди перенял некоторые музыкальные идеи Вагнера. Итальянец представляет собой кульминацию различных школ оперы. Оперы Вагнера — потомки Бетховена и Вебера; Верди развивался на основе комических шедевров Россини и романтических драм Беллини и Доницетти.В знаменитой трилогии Rigoletto (1851), Il trovatore (1853) и La traviata (1853) Верди соединил свое драматическое мастерство с потоком незабываемых лирических мелодий, создав шедевры жанра публика никогда не устает. Don Carlos (1867), Aida (1871), Otello (1887) и Falstaff (1893) демонстрируют развитие и неустанно ищущий ум, которые остаются среди великих чудес музыки.

Вагнера и Верди объединял неистовый патриотизм. При жизни Верди считался мощным символом независимости Италии, в то время как Вагнер придерживался сомнительных теорий, которые сделали его героем Третьего рейха. В течение столетия западная музыка, в которой теперь преобладали немецкие традиции и формы, все больше и больше находилась под влиянием роста национализма. Композиторы хотели отразить характер и культурную самобытность своих родных земель, используя материал и формы, заимствованные из их собственной страны.Россия была в авангарде национализма, который теперь оплодотворял эпоху позднего романтизма. Глинка был первым крупным русским композитором, который использовал русские сюжеты и народные мелодии в своей опере «Жизнь за царя». Под влиянием итальянской традиции, он тем не менее сумел передать типично русскую песню и гармонию и оказал глубокое влияние на Бородина, Балакирева, Кюи, Мусоргского и Римского-Корсакова — так называемую «Могучую пятерку» (или «Могучую горстку» — хотя Цуй вряд ли можно назвать «могущественным» по сравнению с гением своих сверстников).

Чайковский, наиболее образованный из всех своих русских современников, на словах говорил националистам, сочиняя музыку в основном в немецких традициях. Повсюду в Европе возникли националистические музыкальные школы: в Чехии были Сметана, Дворжак и Яначек; в Скандинавии — Нильсен, Григ и Синдинг; в Финляндии — Сибелиус, семь симфоний которого раскрыли эту среду очень захватывающе и индивидуально; в Испании — Альбенис, Гранадос и де Фалья. Британия и Соединенные Штаты медленно развивали националистическую школу: Парри и Элгар твердо писали на немецкий манер, и только позднее прибытие Вогана Уильямса и Холста придало «британское» (или, по крайней мере, «английское») звучание. начали появляться.Америка была любопытным случаем. Его первый отечественный композитор любой ноты, Готтшалк, использовал местные ритмы для своих фортепианных произведений (в основном) еще в 1850-х годах — южноамериканские, новоорлеанские и кубинские элементы смело выходят на первый план. Прошло еще полвека, прежде чем любая музыка, непосредственно заимствованная из американского фолка, начала заявлять о себе в форме джаза.

К датам каждого музыкального периода нужно подходить гибко. Романтический период включает в себя широкое разнообразие личных стилей и представляет собой длительный и быстрый период в развитии западной музыки.Как и во всех сферах жизни, искусство развивалось все более быстрыми темпами. Параллельно с ростом национализма появилась итальянская школа оперы verismo , школа реализма или натурализма, воплощенная в работах Пуччини, Леонкавалло и Масканьи, сюжеты которых были взяты из современной жизни, представленной с повышенной жестокостью и эмоциями. В последние годы этого периода, возникшие под влиянием Вагнера, пришли неоромантики, чье использование массивных симфонических структур и сложной оркестровки слышно в музыке Брукнера, Малера, Скрябина и ранних произведениях Рихарда Штрауса.

Ближе к концу столетия возникла реакция на излишества романтиков — слишком очевидный подход «сердце на рукаве», чрезмерное эмоциональное баловство, внемузыкальные программы и философские взгляды начали приходить в восторг. Подобно тому, как период барокко растворился в классическом периоде, классика перешла в раннюю романтическую эпоху, поэтому в конце 19-го века появилась тенденция к смелым экспериментам с новыми стилями и техниками. На смену французскому импрессионистскому движению в живописи и поэзии пришла импрессионистская музыка, воплощенная в смелой (в то время) личной гармонической идиоме Клода Дебюсси.Здесь акцент был сделан не на предмете музыкального произведения, а на эмоции или ощущении, вызванном этим предметом. Его музыка так же тщательно организована, как и все в классической немецкой манере, но, используя цельнотональную гамму и свежие гармонии, Дебюсси вызывает чувственное, атмосферное очарование в своей фортепианной музыке и оркестровых произведениях. Прихотливый Морис Равель пошел по его стопам, создав экзотические воспоминания о свете и цвете, позже окрашенные джазовыми отсылками.

На рубеже веков уже было невозможно определить доминирующее общее музыкальное направление.Под ее многочисленными фрагментированными разделами мы можем только назвать наследника классического и романтического периодов несколько неубедительным словом «современная музыка».

Игорь Стравинский учился у одного из великих музыкальных оркестров Римского-Корсакова. Он оркестровал некоторые фортепианные сонаты Бетховена в качестве упражнения; он работал контрапунктом и узнал о классических формах — иными словами, о здравом, традиционном консерваторском обучении. Менее чем через десять лет мы обнаруживаем, что Стравинский пишет музыку, которая находится далеко от того, что было у его наставника. Жар-птица (1909), Петрушка (1911) и Весна священная (1913), три его балетных шедевра, становились все более авантюрными: в Петрушка мы находим битональные отрывки (то есть музыку, написанную в двух тонах). одновременно), диссонирующие аккорды, новая ритмическая свобода и перкуссионное оркестровое качество; в «Весна священная », партитуре, которая на премьере вызвала бунт, Стравинский сократил все элементы музыки, чтобы усилить ритм.Дебюсси и Шенберг в некоторых своих произведениях сводили музыку к вертикальному эффекту одновременно звучащих нот, поэтому Стравинский сводил мелодию и гармонию к ритму. Как выразились Алек Харман и Уилфред Меллерс в своей книге Man and His Music : «Гармония без мелодии и ритма, ритм без мелодии и гармонии статичны. И столпотворение «Весны священной » Стравинского, и « Voiles» Дебюсси «» лишают музыку чувства движения от одной точки к другой.Хотя они начали с диаметрально противоположных позиций, оба композитора отмечают радикальный отход от традиций европейской музыки времен Возрождения ».

Стравинский на протяжении своей замечательной карьеры продолжал писать в других стилях, доминируя в музыкальном мире в течение 50 лет, точно так же, как его почти точный современник Пабло Пикассо доминировал в своей области. Можно утверждать, что ни один другой композитор этого столетия не оказал большего влияния, чем Стравинский — Дебюсси и Равель были менее широкими, Сибелиус и Барток менее смелыми, Шенберг и Веберн менее доступными.

Арнольд Шенберг — единственный соперник Стравинского как музыкальный колосс своего времени. Некоторым он открыл дверь в совершенно новый мир музыкальной мысли, столь же захватывающий, сколь и сложный; для других он — жупел музыки, который послал ее по спирали вне досягаемости обычного обывателя, пока, почти сто лет спустя, она не обнаружила себя как тупик.

Начиная с эпохи Возрождения, вся музыка имела тональный центр. Как бы далеко ни уходила музыка от тоника — основной тональности, слушатель всегда осознавал неизбежность окончательного возвращения к этому центру.К концу 19-го века музыка все чаще стала включать интервалы за пределами преобладающей диатонической гаммы, в результате чего в произведении появлялось необычайное количество модуляции. Это называется хроматическим письмом, поскольку для гармонизации пьесы используются интервалы хроматической шкалы (а не диатонической шкалы). Послушайте, например, более поздние работы Вагнера и работы Малера и Рихарда Штрауса, которые следовали им по пятам. Слыша их, становится менее ясно, в какой тональности написана пьеса, ее тональный центр менее очевиден.То, что сделал Шенберг, было логическим следствием этого и спросил: «Если я могу ввести эти хроматические ноты в свою музыку, можно ли вообще сказать, что существует конкретная тональность? Почему любая нота должна быть чужой для любого данного ключа? Гармония — это просто звучание нот вместе, так почему бы не придать 12 полутонов хроматической гаммы одинаковое значение? »

Теории и музыка так называемой Второй венской школы, последовавшей за Первой венской школой Гайдна, Моцарта и др., Опровергают ожидания слушателя.Нет ни одной из знакомых нам черт аккордов, которые мы узнаем, мелодий, которые мы можем напевать, или ритмов, в которые мы можем стучать ногами. Остается только традиционный способ обозначения на партитуре отдельных нот, временных подписей и экспрессионных знаков. Поскольку подавляющее большинство музыки, которую мы слышим в детстве, является тональной, довольно легко усвоить симфонию Бетховена с первого прослушивания. Поскольку серийная музыка написана на совершенно иностранном языке, с которым у большинства из нас нет ориентиров, ее эффект подобен прослушиванию скандинавской эпической поэмы на японском языке.Меломан должен овладеть знанием языка — другими словами, музыкальной техникой, задействованной в композиции, — прежде чем ее можно будет оценить. Сравнительно мало у кого есть время, так сказать, изучать скандинавскую поэзию в японском переводе.

Не всех композиторов привлекла новая техника, но диссонанс, атональность и отказ от мелодии — сильные стороны творчества многих композиторов этого века. Очень мало серийной или атональной музыки утвердилось в регулярном концертном репертуаре; еще меньше нашло свое место в сердцах и привязанностях обычной любящей музыку публики.Если заглянуть в будущее, это особенно верно в отношении музыки, написанной со времен Второй мировой войны. Список произведений, написанных пером всемирно известных современных композиторов, вызовет у большинства людей тупой отклик. Сегодняшний авангард ассимилируется гораздо дольше, чем авангард предыдущих веков. Мнения по поводу достоинств такого композитора, как, например, Чарльз Айвз, разошлись во мнениях, чьи полиритмические, политональные произведения слишком сложны для того, чтобы они когда-либо стали популярными; Штокхаузен, Биртвистл, Кейдж, Картер, Берио, Ноно (список бесконечен) останется закрытой книгой для большинства людей.Тем не менее, у каждого из этих композиторов есть множество фанатичных поклонников в определенных кругах. Мы надеемся, что в музыкальном развитии всегда будут смелые, фантастические новаторы, исследующие новые возможности, выражающие себя новыми и оригинальными способами. Найдут ли они когда-нибудь широкую, отзывчивую и благодарную аудиторию, покажет время. У большинства новых комиссий есть премьера, трансляция (если им повезет), а затем они предаются забвению — на каком бы музыкальном языке они ни были написаны.

Другой путь, выбранный музыкой в ​​этом столетии, — это путь, который сохраняет свою связь с тональностью и (в настоящее время все чаще) с мелодией.Несмотря на резкость и едкость музыки Прокофьева, его стиль является явным потомком романтиков. Шостакович, разделяющий любовь Прокофьева к острому, юмористическому и сатирическому, а также мрачному и интроспективному, следует из той же традиции. Рахманинов в еще большей степени писал в духе позднего романтизма, создав некоторые из самых популярных симфоний и концертов, написанных в этом столетии. Во Франции наиболее важными композиторами после Равеля и Дебюсси были Онеггер, Мийо и Пуленк, три разрозненных композитора, бесполезно сгруппированных в Les Six (остальные три внесли незначительный вклад), и все они находились под влиянием причудливого и эксцентричного Эрика Сати.Самым значительным французским композитором со времен импрессионистов является Оливер Мессиан, который ввел элементы индийской музыки и пение птиц в язык западной музыки. Пьер Булез, чьи сложные произведения часто основаны на математических соотношениях, и Карлхайнц Штокхаузен, чьи партитуры для его новаторской электронной музыки представлены в виде диаграмм и диаграмм, оба являются учениками Мессиана.

Больше нет ни одной музыкальной школы. Кажется, мало что связывает социально-политические оперы Курта Вейля и их хрупкие, навязчивые мелодии с его современником Полом Хиндемитом и его плотной контрапунктовой неоклассической идиомой.Гораздо меньше Аарон Копленд, родившийся всего пятью годами позже, в 1900 году, имеет какое-либо отношение ни к одному из них. Первый выдающийся композитор американского происхождения, Копленд использовал в своей музыке народный материал, шестую и седьмую блюзовые интервалы, отголоски ковбойских песен, джаз и память о еврейских синагогах. Его « Аппалачская весна » (1944) один критик сравнил с «Пасторальной симфонией » Воана Уильямса «».

А что случилось с британской музыкой в ​​этом веке? Столетие Перселла в 1895 году стимулировало интерес к великому наследию музыкального прошлого Англии; Общество английской народной песни было основано в 1898 году; Лондонские концерты «Променад» открылись в 1895 году, и внезапно «страна без музыки» оказалась в эпицентре музыкального возрождения.Никто не заслуживает большего признания в возрождении музыкальных достижений страны, чем Ральф Воан Уильямс и Густав Холст. Воан Уильямс своим кредо считал убеждение, что «Музыкальное искусство, прежде всего, является выражением души нации». Английская тюдоровская музыка, средневековые тональности и народные песни привлекали его, сочиняя музыку в том, что можно условно назвать романтическим неоклассическим стилем, с использованием контрапункта, классических форм (таких как симфония и фуга) и современной гармонии. Холст был вдохновлен аналогичным образом, но также черпал вдохновение с востока — его самая известная работа, The Planets , была основана на идеях халдейской астрологии.Из следующего поколения наиболее важными были Бенджамин Бриттен, Майкл Типпетт и Уильям Уолтон. Бриттен, в частности, с его многочисленными сценическими работами, сделал английскую музыку на международной арене, написав для самых разных сред, включая оперу для телевидения ( Owen Wingrave ). Питер Граймс , Билли Бадд , Военный реквием , Серенада для тенора, валторны и струнных , Руководство для молодых людей по оркестру — список сочинений, сочиненных им после Второй мировой войны, теперь регулярно концертный репертуар замечательно велик.Выдающийся вклад Уолтона был сделан перед войной, выпустив Façade , Belshazzar’s Feast , Концерт для альта и Первую симфонию. Типпет имел менее устойчивый успех по сравнению с двумя его современниками, но A Child of Our Time (1941), Концерт для парного струнного оркестра (1939) и Fantasia Concertante на тему Корелли (1953), несомненно, останутся на первом месте. курс.

Из более поздних поколений британских композиторов еще слишком рано говорить с какой-либо уверенностью, кого и что будут помнить в великой схеме вещей через 50 лет.У Элизабет Лютьенс, Хамфри Сирла и так называемой Манчестерской школы Питера Максвелла Дэвиса, Харрисона Биртвистла и Александра Гера есть свои защитники и преданные поклонники; они не всегда комфортно сочетаются с такими, как Ричард Родни Беннетт, Малкольм Арнольд и Джордж Ллойд — чтобы назвать тех, кто родился до войны и у каждого из которых есть преданные последователи.

Музыка, написанная в наше время, пишет Джеймс Джолли , остается спорной формой искусства, где боевые порядки выстраиваются ее сторонниками.Вот несколько руководств по изучению новой музыки.

Одной из сильнейших «школ», привлекавшей людей «извне» классического мира, были так называемые минималисты. Стив Райх (1936 г.р.), Филип Гласс (1936 г.р.) и Джон Адамс (1947 г.р.) — три ведущих представителя, пишущих музыку, основанную на повторяющихся нотах или фразах и создающую волнообразные узоры при взаимодействии фраз. У всех троих появились музыкальные голоса, которые покорили сердца публики. Филип Гласс легко перемещался между оперным театром, концертным залом и киностудией, хотя в последнее время вернулся к чисто абстрактной композиции.Джону Адамсу удалось добиться расположения как критиков, так и публики. Такие произведения, как его недавняя опера « Doctor Atomic », занимают достойное место в репертуаре, а его оркестровые произведения исполняются регулярно. Одно из последних произведений Стива Райха, его Daniel Variations , произведение, которое послужило толчком для убийства исламскими экстремистами журналиста Дэниела Перла, является мощным и творческим ответом на современные события. Как пишет газета The New Yorker : «В самых последних произведениях Райх консолидировал четыре десятилетия изобретений.Фактуры с неоновым освещением уступили место плотным, сумрачным пейзажам с нежными лирическими пассажами в основе каждого произведения. Это как если бы Райх наконец позволил себе оглянуться назад во времени, возможно, даже потакая тайному романтическому побуждению ».

В настоящее время огромной популярностью по обе стороны Атлантики пользуется аргентинско-еврейский композитор Освальдо Голиев. Его музыка представляет собой «фьюжн» на очень высоком уровне сложности и легко пересекает границы. Его опера Лорка Ainadamar , записанная Д.Г. (и включенная в это руководство), представляет собой великолепно представленное волшебное творение.Его музыка, пересекающая границы, затронула современный аккорд, и его эхо заполнило концертные залы по всему миру.

Как и Голиджов, живущий в США, но с растущим числом поклонников в Великобритании, где была премьера его первой оперы « Два мальчика », — это Нико Мухли (1981 г.р.), композитор с огромным талантом. Его симпатия к англиканской хоровой традиции придает его музыке сильное чувство родословной, но он является одним из самых разносторонних молодых музыкантов, меняющих разные жанры, одну минуту он работает с музыкантами в Английской национальной опере, а в следующую — с экспериментальными рок-музыкантами из Исландии. .Он музыкант, поклонники которого принадлежат к разным слоям музыкальной жизни.

Генрик Горецки (1933 г.р.), Арво Пярт (1935 г.р.) и Джон Тавенер (1944 г.р.) приобрели огромную популярность в 1980-х годах благодаря своим индивидуальным и часто нежным голосам, усиленным сильной духовной составляющей. Третья симфония Гурецкого была одним из музыкальных феноменов того времени — произведением огромной популярности, ставшим практически культовым благодаря эфирной игре на Classic FM. Джон Тавенер черпает вдохновение в своих глубоко укоренившихся греческих православных убеждениях и создал целый ряд захватывающих произведений.Его концерт для виолончели The Protecting Veil приобрел огромную популярность и очень быстро собрал на свой счет пять записей. Совсем недавно он написал произведение Concertante для скрипача Никола Бенедетти.

Оливер Кнуссен (р. 1952) вырос под влиянием Бенджамина Бриттена, который тогда был доминирующим голосом в британской музыке. Самыми известными его произведениями являются две одноактные оперы « Хигглети Пигглети»! и Где обитают дикие существа ; Его «Танцы Офелии» и Симфонии № 2 и 3 раскрывают работу мастера.Джордж Бенджамин (1960 г.р.), родившийся менее десяти лет спустя, подтвердил свою репутацию еще ребенком. Ученик Мессиана и Гёра и друг Булеза его первая значительная работа — , окруженная плоским горизонтом . Его тонкое ухо к цвету позволило создать несколько удивительно прозрачных партитур, и этот подход, несомненно, усилен его навыками дирижера.

Современник Бенджамина Марк-Энтони Тернэдж (род. 1960) пользуется популярностью и покровительством по обе стороны Атлантики — он является композитором Лондонского филармонического оркестра и Чикагского симфонического оркестра.Его более ранние высокооктановые произведения, такие как Greek, Blood on the Floor и Three Screaming Popes (после тревожного триптиха Фрэнсиса Бэкона), были заменены более лиричным музыкальным языком. Многие из его комиссий LPO были записаны и дают ценную информацию о развитии основного композиционного голоса.

Марк-Андре Дальваби (род. 1961) — французский композитор, к которому стоит прислушиваться — его занятия с Булезом и Мюрей явно высвободили очарование текстуры и цвета, и иногда трудно совместить музыкальное образование Далбави с реальным звучанием его музыки.Он может быть невероятно пышным, но красиво оформлен.

Вернувшись в Великобританию, Джулиан Андерсон (1967 г.р.), хотя последние несколько лет преподавал в США, приобрел верных последователей. Его увлечение и любовь к народной музыке придают его произведениям измерение, которого часто не хватает в новой музыке, и он не боится мелодии: его музыка поразительно прекрасна. Его Book of Hours (2005) вплетает электронику в оркестровую палитру с эффектом вознаграждения, а Eden , с 2005 года, исследует потенциал нетемперированной настройки.

Золотой мальчик музыки в англоязычном мире — невероятно одаренный Томас Адес (род. 1971), чье понимание музыкальных форм, столь же разнообразных, как опера и фортепианный квинтет, ошеломило его аудиторию. Его оркестровая Asyla (1999) была выбрана Саймоном Рэттлом для его первого концерта с Берлинской филармонией, и те же исполнители с тех пор дали премьеру Tevot (2007): работа была высоко оценена критиками в Лондоне и Нью-Йорке. Его оперы Powder Her Face (1995) и The Tempest (2004) вошли в оперный репертуар.

Современная музыкальная сцена богата и ярка — нет недостатка в талантах и ​​есть лояльная аудитория для новой музыки. И также приятно видеть, как так много известных музыкантов посвящают свою энергию исполнению новой музыки. Владимир Юровски регулярно дирижирует музыкой Тернэджа, Марин Олсоп поддерживает музыку Кристофера Роуза, Джона Корильяно и Дженнифер Хигдон, Саймон Рэттл следит за тем, чтобы новая музыка занимала видное место в Берлине.

About Author


alexxlab

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *