Классицизм в искусстве 18 в: Извините, запрашиваемая страница не найдена!

Искусствоед.ру – сетевой ресурс о культуре и искусстве

Просмотры: 13 190

Своеобразие яркого вклада, которое внесло европейское искусство 18 века в историю мировой художественной культуры, определяется в основном тем, что этот период был последним историческим этапом длительной переходной от феодализма к капитализму эпохи. В 17 веке ранние буржуазные революции привели к победе только в двух странах. В большинстве стран Европы был сохранен в измененном виде старый порядок. Основное содержание исторического процесса в Европе 18 в. состояло в подготовке перехода к промышленному капитализму, к утверждению господства классических форм развитого буржуазно-капиталистического общества и его культуры. В Англии промышленная революция — переход к машинной капиталистической индустрии — развернулась уже в течение этого столетия. Наиболее полно и последовательно подготовка и обоснование идеалов буржуазной революции осуществлялись во Франции. Французская революция была классической буржуазной революцией, поднявшей на борьбу самые широкие народные массы. В ходе ее развития беспощадно и последовательно ликвидировались феодальные порядки.

В отличие от ранних буржуазных революций 16—17 вв. французская революция освободилась от религиозной оболочки в выражении своих политических и социальных идеалов. Открытое и страстное разоблачение с «позиций разума» и «всеобщего народного блага» противоестественности господствовавших социальных отношений явилось новой типичной особенностью французской буржуазной революции.

Основная тенденция социального и идейного развития Европы в 18 веке проявила себя в разных странах неравномерно и, конечно, в национально своеобразных, конкретно- исторических формах. Однако сколь бы ни были значительны такие различия в исторической и культурной эволюции отдельных стран, основные ведущие черты общности заключались в кризисе старого феодального порядка, его идеологии и в формировании и утверждении прогрессивной идеологии просветителей. 18 век — век «разума», век философов, социологов, экономистов.

В этом столетии расцветает материалистическая философия деятелей французского и английского просвещения. Одновременно в Германии складывается школа классической немецкой идеалистической философии (Кант, Фихте). В Италии Джованни Баттиста Вико осуществляет первые опыты внесения диалектического метода в философию нового времени. В Англии (Адам Смит) и во Франции (физиократы) закладываются основы политэкономии как научной дисциплины. Естественные натки, все более связываемые с производством, с техникой, получают ускоренное развитие. Трудами Ломоносова и Лавуазье закладываются основы химии как современной науки. Создаются новые машины, подготовляющие переход к индустриальному веку. Утверждается могущество разума, широкое распространение получает критика сословных предрассудков и церковного обскурантизма представителей старой идеологии.

Большое значение приобретает обмен между странами философскими, научными, эстетическими идеями. Широта и интенсивность культурных взаимодействий, обмен творческими достижениями, обычай переездов художников, зодчих, музыкантов из одной страны в другую еще усилились по сравнению с 17 веком.

Так, венецианский мастер Тьеполо работает не только у себя на родине, но и привлекается к созданию монументальных росписей в Германии и Испании. Скульптор Фальконе, многие другие французские и итальянские мастера подолгу живут в России. Шведский портретист Рослин много работает во Франции и России. Широкое распространение французского языка, ставшего языком международного общения просвещенных слоев общества, относительное расширение круга образованных лиц, в частности сложение в большинстве стран интеллигенции, представляющей интересы непривилегированных классов (главным образом городской буржуазии), способствовали более широкому представлению о единстве культуры человеческого общества.

Новые условия общественной и идейной жизни определяют сложение нового большого этапа в истории ‘художественной культуры. В 18 веке берет начало процесс решительного изменения в соотношении видов и жанров искусства, получивший свое завершение в следующем столетии. По сравнению с предшествующими эпохами возрастает удельный вес литературы и музыки, достигающих той ступени художественной зрелости, которую живопись обрела уже в 16—17 вв. Литература и музыка постепенно начинают приобретать значение ведущих видов искусства. Так как специфические возможности художественного языка этих форм художественного творчества наиболее непосредственно соответствовали основным эстетическим запросам времени, музыка и литература, дополняя друг друга, удовлетворяли потребности времени в эстетическом осознании жизни, в ее движении и становлении. В прозаической литературе находит свое воплощение стремление показать судьбу отдельного человека в ее сложном развитии во времени, в ее подчас запутанных и лишенных пластической наглядности взаимоотношениях с окружающей социальной средой, стремление к широкой картине быта и нравов эпохи, к решению коренных вопросов о месте и роли человека в жизни общества.

Таковы при всем различии почерков и стиля «Хромой бес» Лесажа, «Манон Леско» Прево, «Кандид» Вольтера, романы Филдинга, Смолетта, «Сентиментальное путешествие» Стерна, «Страдания молодого Вертера» и «Вильгельм Мейстер» Гёте и другие. Начиная с 18 века роман превращается как бы в прозаический эпос, дающий всеобъемлющую картину лира. Однако, в отличие от мифологической преображенности жизни в эпической поэзии, в романе 18 века картина мира дана в образах житейски достоверных и социально-исторически конкретных.

Потребность в поэтическом, непосредственно эмоциональном целостном выражении душевного мира человека, его чувствований и раздумий, отвлеченных от изображения околичностей повседневной жизни, непосредственное раскрытие мироощущения и мироотношения человека в их развитии и противоречивой цельности предопределили расцвет музыки как самостоятельного вида искусства.

Значительны в 18 в. и успехи театрального искусства, в частности драматургии, тесно связанной с литературой. Для последней характерен постепенный переход к середине 18 в. от традиции классицизма к реалистическим и предромантическим творческим направлениям.

Характерной чертой культуры этого времени является пристальное исследование основных вопросов эстетики театра, природы актерского мастерства и в особенности освещение общественно-воспитательной роли театра.

Если многоголосие возникло в музыкальном искусстве еще в эпоху позднего Возрождения как средство передачи сложной многогранности мира человеческих переживаний, то создание в 18 в. Бахом, Моцартом, Глюком, Гайдном таких музыкальных форм, как фуга, симфония, соната, раскрыло способность МУЗЫКИ передавать сам процесс становления переживаний человека. Музыка оказалась способной воплотить и конфликты жизни, и трагическую скорбь, и гармоническую ясность, и бурные порывы борьбы за счастье, глубокие раздумья одинокой человеческой души и единство чувствований и стремлений большого коллектива.

В области изобразительного искусства художественный прогресс имел несколько двойственный характер. Все же в некоторых отношениях лучшие мастера 18 века создали искусство, представляющее собой шаг вперед не только по отношению к своим предшественникам, но и в развитии мировой художественной культуры в целом. Они создали искусство индивидуал чо утонченное, дифференцированно анализирующее тончайшие нюансы чувств и настроений. Изящная интимность, сдержанная лиричность, вежливо-беспощадная, аналитическая наблюдательность— характерные особенности этого искусства. Точное чувство тонко уловленной или остроумно «инсценированной» сюжетной ситуации суть качества, свойственные и замечательному портрету этого века (Латур, Гейнсборо, Рокотов, Гудон) и лучшим многофигурным жанровым композициям, будь то галантные празднества и бытовые сценки Ватто и Фрагонара, скромные бытовые мотивы Шардена или городские пейзажи Гварди.

Эти качества художественного восприятия жизни впервые с такой последовательностью утверждались в искусстве. Однако существенные достижения века были куплены дорогой ценой частичной утраты художественных завоеваний предшествующих эпох расцвета искусства. Сам по себе этот факт не представляет специфической особенности искусства 18 века. Неравномерность художественного развития, порожденная односторонностью социального и духовного прогресса в стихийно антагонистическом классово- эксплуататорском обществе проявляла себя в истории художественной культуры и прежде. Однако изобразительное искусство 18 века не только частично утрачивало ту универсальную полноту охвата духовной жизни человека, ту непосредственную художественную органичность, синтетическую цельность, с которой великие мастера предшествующей эпохи расцвета живописи — Рубенс, Пуссен, Рембрандт, Веласкес — воплощали в создаваемых ими образах основную эстетическую и этическую проблематику своей эпохи. Не меньшее значение имело и то, что по сравнению с искусством 16 и 17 вв. живопись и скульптура 18 в. постепенно утрачивали способность воплощать с наибольшей художественной наглядностью и органичностью эстетические представления общества об основных проблемах своего существования.

Для сознания общества, вступившего в переходную к капитализму стадию своего развития, как уже упоминалось выше, был характерен такой круг эстетических задач и потребностей, который наиболее полно и художественно раскрывался не столько в изобразительном искусстве и архитектуре, сколько в литературе и музыке. Не следует, однако, преувеличивать последствия этой тенденции в развитии культуры. В 18 веке она только начинает себя проявлять. Со всей остротой проблема удельного веса изобразительных искусств и архитектуры в художественной культуре человечества будет поставлена лишь в эпоху капитализма, в эпоху общего кризиса эксплуататорского классового общества и его культуры. Поэтому не только живопись и скульптура, но и зодчество переживают новый этап в своем развитии. В нем падает удельный вес церковного и резко возрастает объем гражданского строительства. Блестящие планировочные решения французских архитекторов, великолепные сооружения, созданные в России, в Петербурге, дворцы и усадьбы в Англии, шедевры позднего барокко в Центральной Европе и Италии — свидетельство одного из последних взлетов европейского зодчества в рамках Эксплуататорского общества.

Основное прогрессивное направление, определившее лицо европейского искусства 18 века, в целом развивалось противоречиво и сложно. Во-первых, формирование новой культуры отдельных странах Европы шло весьма неравномерно, поскольку они находились на разных стадиях подготовки своего перехода к капитализму. Во-вторых, само утверждение эстетических принципов искусства 18 века проходило в своем развитии ряд этапов. Так в Италии, лишенной национального единства, отстающей в своем экономическом развитии, искусство продолжало и видоизменяло традиции культуры 17 века. Характерно при этом, что наивысшие достижения итальянского искусства этого столетия были связаны с венецианской школой, в большей мере сохранявшей дух светской жизнерадостности, чем искусство остальных областей Италии.

Во Франции, где наиболее последовательно в области философии, литературы и искусства осуществлялась подготовка буржуазной революции, искусство постепенно ко второй половине века приобретает сознательно программную гражданственную направленность. 18 столетие начинается печально мечтательным и утонченно изящным искусством Ватто, а завершается революционным пафосом произведений Давида.

В искусстве Испании последней четверти века творчество молодого Гойи, проникнутое в противовес классицизму страстным интересом к ярким, характерно выразительным сторонам жизни, подготавливало переход западноевропейского изобразительного искусства к реалистическому романтизму первой трети 19 в.

В Англии буржуазная революция была уже позади. В этой стране, в условиях экономического и политического господства крупных землевладельцев, приспособившихся к новому строю, и верхушки торгово-промышленной буржуазии, осуществлялся промышленный переворот. У некоторых мастеров изобразительного искусства (например, Хогарта) и особенно в литературе уже зарождались характерные черты реализма развитого буржуазного общества с его прямым анализом конкретных социальных условий жизни, с великолепным чувством социальной характеристики, типов и ситуаций, а также со свойственными ему чертами описательности и прозаизма.

В России переход от изживших свою историческую роль средневековых религиозных форм культуры и искусства к новой, светской культуре, к светским, реалистическим формам искусства завершился в конце 17—начале 18 в. Этот новый этап в развитии русской культуры был вызван внутренними потребностями русского общества, развитием его экономики, потребностью в соответствующем изменении форм государственного устройства. Он был связан с укреплением абсолютизма, обеспечивающим в сложившихся исторических условиях успешное решение стоящих перед государством важных исторических задач. Активное участие России в формировании европейской науки и культуры 18 в., значительность и ценность вклада русского искусства в мировое искусство того времени — существенная черта эпохи.

В отличие от большинства стран Западной Европы абсолютизм в России не изжил своей относительно прогрессивной исторической роли. Буржуазия была еще слаба, в русском купечестве отсутствовали и те длительные культурные традиции, которые были накоплены со времен городских коммун западноевропейским бюргерством, а главное, русская буржуазия была лишена сознания своей исторической миссии. Крестьянское восстание, возглавленное Пугачевым, носило стихийный характер и закончилось разгромом восставших. В этих условиях прогрессивная линия развития в русском искусстве на протяжении почти всего 18 в. осуществлялась в рамках-дворянской культуры.

Хотя, как мы видим, развитие искусства 18 века, формирование его основных прогрессивных эстетических идеалов протекало по-разному в разных странах, все же в целом для его развития характерны два этапа. Первый продолжался в зависимости от конкретных исторических условий в одних странах до середины 1740—1750-х гг., в других — до 1760-х гг. Этот этап связан с завершением поздних форм барокко и выделением в ряде стран художественно-стилистического направления, получившего наименование «рококо» или «рокайльного стиля» (Рококо — от французского слова рокайль, то есть раковинообразный; в искусстве этого направления один из излюбленных декоративных мотивов напоминал по форме прихотливо изогнутую раковину.). Для второго этапа характерно утверждение искусства классицизма и сентиментализма в качестве господствующих направлений.

Архитектура позднего барокко, более динамически усложненная, декоративно перегруженная и менее величаво-монументальная, чем в 17 в., получила широкое развитие в тех странах, где не назревали еще предпосылки к ликвидации абсолютизма и переходу к капитализму. Например, в Италии барочные традиции продолжали существовать на протяжении первых двух третей 18 в. не только в архитектуре, но и в живописи и в скульптуре.

В Германии, Центральной Европе архитектура позднего барокко и монументальное искусство были связаны еще в значительной мере со старой клерикально-феодальной культурой. Блестящее исключение, как уже говорилось выше, представляло собой венецианское искусство, главным образом живопись, завершающая празднично- жизнерадостные традиции этой замечательной школы. В других областях Италии, в Центральной Европе реалистические тенденции лишь с трудом и очень робко проявляли себя в рамках господствующего направления. Особый характер носило искусство барокко в России. Наиболее полно своеобразие русского барокко воплотилось в архитектуре. Пафос утверждения находящейся на подъеме мощной российской дворянской державы, занявшей достойное место в мире, строительство Петербурга, ставшего одним из красивейших городов мира, рост новых городов предопределили в основном светский характер русского барокко. Во Франции был создан ряд блестящих ансамблевых решений, таких, как, например, площадь Согласия в Париже, представляющих собой своеобразное переосмысление в духе классицизма принципов планировки городского ансамбля. Вообще же во Франции процесс преодоления барочных традиций был связан в течение первой половины века с зарождением интереса к более интимной трактовке архитектурного образа отдельного особняка, хозяева которого скорее заботились об элегантной праздничности и комфорте здания, чем о его торжественной представительности. Все это привело в 1720-х гг. к сложению принципов рококо, то есть искусства более камерного, чем барокко. Однако в зодчестве рококо не сформировалась законченная архитектурная система, подобная барокко и классицизму. Рококо в архитектуре проявило себя главным образом в области декора, плоскостного, легкого, капризно-прихотливого, изысканного, постепенно превращающего репрезентативный, полный пространственной динамики архитектурный декор барокко в его противоположность.

Рокайльная живопись и скульптура, сохранявшие свою связь с архитектурным оформлением интерьера, носили во многом декоративный характер. Однако стремление к искусству более интимному, рассчитанному на украшение досугов чуткого к «изящному» и обладающего «изысканным вкусом» частного человека, определило создание стиля живописи более дифференцированного в оттенках настроения, в тонкостях сюжетного, композиционного, колористического и ритмического решения. Живопись и скульптура рококо избегали обращения к драматическим сюжетам, не стремились к развернутому познанию реальной жизни, к постановке значительных социальных проблем. Откровенно гедонистический, подчас изящно-жеманный характер живописи рококо предопределил ее узость и ограниченность.

Очень скоро, уже к 1740-м гг., живопись рококо выродилась в бездумно-поверхностное искусство, выражающее вкусы и настроения верхушки обреченного на исчезновение старого мира. К середине 18 в. наметилась резкая грань между искусством, выражающим мироощущение хозяев старой Франции, не уверенных в завтрашнем дне и живущих согласно своеобразному афоризму Людовика XV «после нас — хоть потоп!», и пафосом представителей третьего сословия, иногда с излишней дидактической прямолинейностью утверждавших значительность этических и эстетических ценностей искусства, связанного с идеями разума и прогресса. Характерно в этом отношении обращение Дидро к художнику из его «Опыта о живописи»: «На твоей обязанности лежит прославлять, увековечивать великие и благородные дела, почитать несчастную и оклеветанную добродетель, клеймить счастливый, всеми почитаемый порок … отомстить преступнику, богам и судьбе за добродетельного человека, предугадать, если осмелишься, приговор грядущих поколений». Конечно, как и обычно, искусство в своем реальном развитии не укладывалось в жесткую схему эстетических и этических программ. Оно лишь в отдельных своих, художественно не самых совершенных проявлениях буквально следовало соответствующим рецептам.

На раннем этапе формирования рококо, в условиях еще не наступившего четкого размежевания художественных течений, было возможно появление такого большого художника, как Ватто. Его творчество не только заложило основы рококо как стилевого направления, но и явилось одним из самых ярких его художественных воплощений. Вместе с тем оно по своему эстетическому содержанию решительно выходило за его достаточно узкие художественно-идейные рамки. Именно Ватто, первым обратившись к жанру так называемых галантных празднеств, создал изысканно изящную, камерно интимную манеру исполнения этих сюжетов. Но, в отличие от бездумной праздничной элегантности таких типичных мастеров рококо, как Ланкре или галантно-гривуазный Буше, работавший во второй трети 18 в. , искусству Ватто свойственны тонкая передача душевных оттенков внутреннего мира человека, сдержанно печальный лиризм. Творчество Ватто стало важным этапом в переходе от изжившей себя помпезности и велеречивости официального традиционного стиля французского классицизма конца 17 в. к искусству, более тесно связанному с душевным миром отдельного человека.

В других странах Европы, например в некоторых областях Германии и Австрии, рококо получило распространение в области дворцовой и садово-парковой архитектуры. Некоторые черты стиля рококо проявились и в искусстве Чехии 1740— 1750-х гг. Моменты аналогичные или близкие стилю рококо давали себя чувствовать в декоре архитектурного интерьера и в прикладных искусствах других стран Европы. Хотя 18 в. иногда и называют веком рококо, это искусство не получило повсеместного господства. Несмотря на широту своих влияний, оно лишь в нескольких странах приобрело значение действительно ведущего стиля. Рококо не было стилем эпохи даже в том смысле, в каком это иногда говорят применительно к барокко в искусстве 17 века. Оно было скорее наиболее важным и характерным стилевым направлением, занимавшим господствующее положение в искусстве ряда ведущих стран Западной и Центральной Европы в первой половине 18 столетия.

Вообще следует еще раз подчеркнуть, что для 18 в., в особенности для его второй половины, невозможно установить наличие некоего общего стиля эпохи в целом, охватывающего собой все виды пространственных искусств. В этот период в европейской культуре в формах более открытых, чем раньше, проявляется борьба идейно- художественных направлений; одновременно продолжается процесс формирования национальных школ. Все большую роль в искусстве начинает играть непосредственное реалистическое отображение жизни; в живописи и скульптуре, постепенно лишающихся органической связи с архитектурой, нарастают черты станковости. Все эти моменты подтачивают ту старую, основанную на синтетической связи искусств с архитектурой систему, основанную на «стилевом» единстве художественного языка и приемов, которая была присуща предшествующим этапам в истории искусства.

Второй этап развития искусства 18 в. связан с обострением противоречий между идеологией господствующего строя и его противниками.

Наиболее дальновидные представители абсолютизма стремятся ценой некоторых уступок по-новому приспособить к «духу времени» старые формы управления, так сказать, осовременить их, придать им видимость «просвещенности», выдать свое классовое дворянско-абсолютистское государство за носителя общегосударственного, общегражданского правопорядка. Представители же третьего сословия (а в России передовые круги дворянской, преодолевающей узость своих классовых интересов интеллигенции) стремились утвердить в общественном самосознании принципы гражданственности, принципы служения государства интересам «общества в целом», критиковали деспотический произвол монархов и надменный эгоизм светской и церковной аристократии.

Новый этап прогрессивного развития художественной культуры выступал в форме двух основных идейно-художественных направлений, то противостоящих друг другу, то чаще взаимопереплетающихся,— классицизма, с одной стороны, и не укладывающегося в рамки стилевого направления классицизма, более непосредственно реалистического по форме развития искусства, проявившегося главным образом в портрете. Творчество мастеров портрета в живописи и скульптуре второй половины 18 в. во Франции, Англии, России (Гейнсборо, Левицкий, Шубин, близкий к классицизму Гудон) противостояло линии парадно-сословного портрета позднего барокко или условно-салонному светскому портрету, связанному с доживающими свой век рокайльными традициями.

Конечно, некоторые, так сказать, остаточные связи с тем или другим стилевым направлением имелись в творчестве тех или иных портретистов. Но не этим моментом, а непосредственной реалистической жизненностью образов определялось художественное своеобразие их вклада в развитие искусства. Еще в большей мере выходят за пределы стилевых направлений реалистическая, обращенная к непосредственному отражению жизни станковая живопись и гравюры Хогарта, отчасти живопись Шардена, Греза. В целом искусство 18 в. не только не знало, в отличие от средних веков и Возрождения, «единого стиля эпохи», но и сами стилевые направления далеко не всегда воплощали в себе основные тенденции развития искусства своего времени.

Классицизм в своем стремлении создать новые одновременно естественно простые и. возвышенные формы искусства, способного воспитывать благородные мысли, вкусы и «добродетель», обратился к художественной культуре античного мира. Она стала примером для изучения и подражания. Основные положения доктрины классицизма были сформулированы немецким теоретиком и историком искусства Винкельманом. Деятельность Винкельмана весьма характерна для 18 века. Именно в этом столетии закладываются основы эстетики и искусствознания как подлинно научной дисциплины, тесно связанные с успехами философии.

Винкельман обратился к античному искусству как к классическому образцу культуры, свободной от пышной фразеологии, «искусственности» позднего барокко и «фривольной испорченности» рококо. Винкельман считал, что искусство Древней Греции было обращено к природе и воспитывало благородные, достойные чувства в свободных гражданах.

При известной половинчатости и политической робости теория Винкельмана соответствовала прогрессивным тенденциям эпохи.

Классицизм 18 века при безусловной общности ряда своих стилистических признаков с классицизмом 17 века вместе с тем отнюдь не представляет простого его развития. Это принципиально новое историко-художественное явление.

Качественное различие двух этапов в развитии классицизма обусловливается не только тем, что первый развивался, так сказать, в контексте с барокко и в своеобразном соотношении с ним, а второй возник в процессе преодоления в одних странах искусства рококо, а в других — позднего барокко. Были и различия, пожалуй, более существенные, непосредственно связанные с кругом художественных идей и с особенностями социальной функции классицизма в 17 и 18 веках. Обращение к античности как к норме и художественному образцу, утверждение примата долга над чувством, возвышенная отвлеченность стиля, пафос разума, порядка и гармонии — суть общие черты классицизма как в 17, так и в 18 веке. Однако в 17 веке классицизм складывался в условиях консолидации нации в рамках абсолютистской монархии, в рамках дворянского абсолютизма и не поднимался до открытого отрицания тех социальных отношений, которые лежали в основе этого строя. Антифеодальная же направленность прогрессивной линии в классицизме 18 века была выражена гораздо ярче. Классицизм 18 века не только продолжал, апеллируя к почерпнутым из античности примерам, утверждать величие победы разума над чувством, долга над страстью. Античное искусство объявлялось в 18 веке нормой и идеальным образцом и потому, что в нем, по мнению идеологов классицизма, нашли свое наиболее гармоническое и совершенное воплощение постоянные, исконные добродетели, свойственные человеку, живущему в разумном, свободном обществе городов-республик античности. В зависимости от меры и глубины прогрессивности того или другого представителя классицизма 18 века либо подчеркивалось эстетическое и нравственное превосходство идеала облагороженной естественности и изящной простоты нового направления по сравнению с фривольностью позднего рококо или усложненной пышностью позднего барокко, либо акцентировался гражданский пафос классицизма.

Развитие в духе последовательной гражданственности и воинствующей революционности принципов классицизма было осуществлено в творчестве Давида, преодолевшего сословно-мещанскую узость и сентиментальное морализирование, свойственное более раннему этапу в формировании мировоззрения третьего сословия. Давид в своих картинах воспевал гражданскую доблесть героев республиканского Рима, призывая «друзей свободы» вдохновляться их высоким примером. Принципы революционного классицизма конца 18 в. связаны, однако, с рождением в период революции следующей исторической эпохи. Во французском зодчестве второй половины века наряду с более элегантно- камерными формами классицизма, так называемого стиля Людовика XVI, в творчестве Суфло закладываются основы и более строгого, собственно монументально- гражданственного понимания задач архитектуры.

В большинстве остальных европейских стран классицизм не имел столь последовательно революционного характера, как накануне и в первые годы революции во Франции.

В России в величавых гражданских сооружениях (гениальные проекты Баженова, творчество Деламота и Кваренги), а также в более изящно-простом искусстве Фельтена и Камерона, в монументально-героических скульптурах Козловского утверждался идеал благородной разумности и гражданского патриотизма, не вступивший еще в открытое противоречие с государственным устройством Российской державы. В Германии художественная практика классицизма носила более ограниченный и компромиссный характер. Окрашенное элементами сентиментализма и созерцательности искусство Менгса и слащавое творчество Анжелики Кауфман представляли собой то крыло в классицизме, которое выражало в сфере искусства попытки старого режима модернизироваться и приспособиться к новым веяниям времени.

Следует отметить, что классицизм, ставший господствующим стилем в зодчестве и отчасти в скульптуре и живописи, не добился гегемонии в области литературы. Как реалистическая сторона классицизма, так и его некоторая рационалистическая отвлеченность были подхвачены главным образом театром трагедии Вольтера. Заметное влияние классицизм оказал и на поэзию (Шенье). Такие формы литературы, как роман и повесть, непосредственно связанные с анализом противоречий реальной жизни, продолжали развиваться в более последовательно и открыто реалистических художественных формах.

Наряду с классицизмом в культуре второй половины 18 в. получили развитие такие направления, как сентиментализм и так называемое предромантическое движение в искусстве. Эти направления наиболее полно воплотились в поэзии, театре, прозаической литературе. В изобразительных искусствах их влияние было менее заметным и, особенно во Франции, менее плодотворным. Если классицизм выражал преимущественно высокие гражданские и этические идеалы эпохи в их наиболее всеобщей и отвлеченной форме, то сентиментализм и предромантизм обращались непосредственно к утверждению ценности личного мира чувств человека или драматичности его конфликтов с окружающей действительностью.

Стерн в своем «Сентиментальном путешествии» не только отвергает сословную и реакционную этику старого режима, но и высмеивает уже проявившие себя в Англии ханжество и пошлость буржуазной морали. В Германии движение «бури и натиска», иногда характеризуемое как предромантизм, занимает резко полемическую позицию по отношению к немецкому классицизму, рассудочно-рациональному, идейно робкому и половинчатому. «Буря и натиск»—движение, к которому примыкали молодой Шиллер и Гёте, было проникнуто антифеодальным обличительным пафосом.

Во Франции, где со второй половины 18 в. назревал решительный революционный взрыв, где буржуазия обладала большими культурными традициями и достаточной социальной мощью, основная линия развития искусства вела к зарождению полного гражданского пафоса революционного классицизма Давида. В 1780-е гг. во Франции складывается непосредственно предреволюционная ситуация. Буржуазная революция 1789 года заключила собой целую эпоху в истории человечества и открыла путь новому этапу в развитии общества и его художественной культуры.


Всеобщая история искусств, т. 4.

Вконтакте

Facebook

Twitter

Google+

LiveJournal

Одноклассники

Мой мир

Классицизм в архитектуре Петербурга 18 века

Таврический дворец в Санкт-Петербурге

С 18-го века начинается планомерная застройка городов. Существенное значение в их облике приобретают дворцы и усадьбы, здания общественного характера. Изменился не только стиль их архитектуры, но и местоположение на улицах и площадях. Здания выходят из глубины дворов прямо на улицу или отделяются от нее прозрачной решеткой.

В 1703 году в устье Невы на месте, удобном в военном и торговом отношении, был заложен город, основанный Петром и названный в его честь. Санкт-Петербург был задуман как будущая столица России и поэтому создавался по единому плану. Каждый, кому приходилось побывать в Петербурге, не перестает удивляться художественной цельности и гармоничности великого города на Неве, красоте его архитектурных ансамблей и памятников. Тот архитектурный облик, который сохранился до наших дней, в основном сложился в конце 18-го века. На протяжении всего существования Петербург поражал всех своей красотой . А красота его поистине легендарна. Его великолепные памятники, его царственные площади и набережные, его белые ночи, его туманы надолго заворожили русское искусство. Ему посвящали и до сих пор посвящают свои произведения поэты и писатели, художники и музыканты. Но, кажется, лучше Пушкина о Петербурге никто сказать не мог:

Люблю тебя, Петра творенье, люблю твой строгий, стройный вид,
Невы державное теченье, береговой ее гранит.
Твоих оград узор чугунный, твоих задумчивых ночей
Прозрачный сумрак, блеск безлунный,
Когда я в комнате моей пишу, читаю без лампады,
И ясны спящие громады пустынных улиц и светла
Адмиралтейская игла!

А. Н. Воронихин.Казанский собор (1801-1811)

Строительство «Северной Пальмиры» — Петербурга, а также его пригородов — Царского Села и Павловска — связано с именами таких знаменитых зодчих, как Растрелли, Росси, Ринальди, Фельтона, Кваренги. Камерона, Тома де Томона, Старова, Воронихина, Захарова и многих других. Многие из них были иностранцами, но у себя на родине были совершенно неизвестны или вовсе ничего не строили. Россия дала возможность осуществляться их дарованиям.

В это время в архитектуре более всего были распространены два стиля: "барокко" и "классицизм".

"Барокко" - художественный стиль, буквально с итальянского "причудливый, вычурный". Художественная задача - ослепить, поразить роскошью, пышностью, иногда в ущерб чувству меры.

"Классицизм" - художественный стиль, в переводе с латинского «образцовый», взявший за идеал традиции античности и Эпохи Возрождения. Классицизм возвышает героическое, высокую гражданственность, чувство долга, осуждает пороки. Это последний великий стиль в изобразительном искусстве. В архитектуре он предполагает строгость, четкость линий и форм, гармонию всех частей сооружения. Архитекторы используют в своих постройках элементы античного зодчества: колонны, фронтоны, арки, портики, П-образную планировку зданий.

Однако, видимо под воздействием русского ли характера или русской природы, даже иностранные архитекторы привносили в эти европейские стили что-то особенное, какую-то русскую самобытность.

Уже в первые годы строительства Петербурга возник его композиционный центр -Петропавловская крепость и Адмиралтейство, построенные в стиле классицизм. Золотые шпили Петропавловской крепости и Адмиралтейства сияют над городом, во многом определяя своеобразие его художественного облика.

ПЕТРОПАВЛОВСКАЯ КРЕПОСТЬ. Д. Трезини.

В 1712 году по проекту архитектора Доменико Трезини началось сооружение Петропавловского собора на небольшом острове Заячьем. Этот остров являлся крепостью, которая защищала строящийся город и порт Петербург. Петропавловский собор с высокой колокольней и стройным золоченым шпилем (122,5м) является уникальным памятником архитектуры в стиле [qtip:классицизм|.Также по проекту Трезини были выстроены мощные, двойные стены крепости из кирпича. На территории крепости были построены Инженерный деловой двор, Комендантский дом, здания Монетного двора, Гауптвахта и другие.

На протяжении двух веков Петропавловская крепость служила политической тюрьмой, в мрачных застенках которой томились многие известные люди. Ныне это крепость — музей, пользуется огромной популярностью и является украшением Петербурга.

АДМИРАЛТЕЙСТВО. Андреян Дмитриевич Захаров.


Перестройка велась в стиле классицизма в 1812 году. В результате перестройки здание приобрело вид, сохранившийся до наших дней. Длинное, как бы стелющееся по земле, низкое сооружение состоит из нескольких, соединенных между собой, корпусов. Крылья главного и двух боковых фасадов украшены колоннами, белый цвет которых четко выделяется на желтом фоне стены. Горизонтальная линия фасадов еще больше подчеркивается мощным взлетом центральной башни, увенчанной позолоченным шпилем с корабликом на конце. В нижней части башни сделана арка, служащая проездом. По бокам ее помещены скульптурные группы нимф, поддерживающих небесные сферы. Верхняя часть башни кажется изящной и легкой, неудержимо стремящейся вверх.

Адмиралтейство. Классицизм. А. Захаров.

ЗДАНИЕ ГЛАВНОГО ШТАБА (1819). Карл Иванович Росси.

Стиль "ампир" («империя») , художественный стиль, возник в эпоху Наполеона, как поздний классицизм. Он предполагает помпезность, использование военной символики. Его называют поздний классицизм.

Гениальным художником являлся архитектор Карл Иванович Росси, приехавший в Россию еще ребенком и проживший в ней всю жизнь. Он построил много блистательных творений, памятников архитектурного зодчества в Петербурге.

Одним из самых замечательных его произведений является Здание главного штаба, построенного в 1819 году на Дворцовой площади. Центральная часть здания представляет собой однопанорамную триумфальную арку. Внизу и вверху по обеим ее сторонам помещены так называемые трофеи, т.е. изображения военных доспехов, щитов, копий. На уровне второго этажа между колоннами установлены статуи воинов в римских доспехах. Венчает здание колесница и крылатая фигура Победы — Нике. Использование в архитектуре изображений военных трофеев, военных доспехов стало модным в начале 18-го века. Здание Главного Штаба должно было увековечить победу России в Отечественной войне 1812 года.

Триумфальная арка с военными доспехами. Ампир. К. Росси.

СМОЛЬНЫЙ ИНСТИТУТ БЛАГОРОДНЫХ ДЕВИЦ (1808). Джакомо Кваренги


В 1808 году в Петербурге было построено еще одно замечательное сооружение — здание института для благородных девиц. Построено оно итальянским зодчим Джакомо Кваренги в стиле классицизма. Это здание имеет более 220 метров в длину. Архитектура его отличается поразительной торжественностью. Выдвинутый вперед центр с восемью колоннами придает сооружению величие, завершенность. После революции и до сих пор в здании размещаются официальные органы власти.

КАМЕРОНОВА ГАЛЕРЕЯ. Чарльз Камерон


Стиль классицизм. В 1779 году в Россию приезжает из Англии очень талантливый архитектор Чарльз Камерон.Одно из лучших его творений — галерея Екатерининского дворца в Царском Селе (г.Пушкин). Она была названа в честь создателя Камероновой галереей. Это необычная, изящная постройка, которая как бы одновременно принадлежит и дворцу и парку — построена в стиле классицизма.

Вход в Камеронову галерею

Классицизм | История искусства

Колонный зал. Москва. арх. Казаков

Классицизм - это художественный стиль в литературе и искусстве 17-го - начала 19го веков. В переводе с латинского "классицизм" - значит "образцовый". Зародился во Франции в 17 веке. В основе классицизма лежат традиции искусства эпохи Возрождения и античности. Это последний великий стиль в архитектуре, скульптуре и живописи. 

Европейский классицизм

Классицизм провозглашал идею гражданского долга, согласно которой каждый сознательный член общества должен был полностью подчинять свои интересы интересам нации и государства. Искусство классицизма должно возывышать героическое, оно должно было поучать, восхвалять достоинства человека, осуждать пороки. Художники, скульпторы и архитекторы в своих произведениях опирались на образцы шедевров античного искусства.

Интерьер в стиле классицизма

Архитекторы использовали в своих постройках элементы античности: фронтоны. колонны, портики, П-образную планировку зданий. Большое внимание архитекторы уделяли на соотношение дворца и парка. В отличие от пышной, роскошной архитектуры барокко, здания в стиле классицизма отличаются строгостью, гармоничностью, четкостью линий, в них все соразмерно и ничего лишнего. Они выглядят внушительно, величественно. Большое значение приобретает планомерная застройка городов.

Таврический дворец. С.-Петербург. Классицизм.

В живописи  и скульптуре художники брали за идеал античные скульптуры. Фигуры в произведениях  художников и скульпторов часто похожи на греческие и римские статуи. Сюжеты выбирались поучительные, а поступки героев были призваны служить примером для подражания. Сюжеты из античной литературы, однако, часто переплетается с современностью. 

Памятник Суворову. М.Козловский. Классицизм.

Лица героев редко выражают страсти, они выразительны, но спокойны и уверенны.  Краски на полотнах художников приглушенные. Скульптура в основном является декоративным дополнением к архитектурным сооружениям.

Танкред и Эрминия. Н.Пуссен. Классицизм.

Следует сказать, что как и в барокко, в России классицизм имеет свои особенности, наложенные русской природой, древнерусской архитектурой. В произведениях художников больше теплоты, душевности.

Здание Сената. Москва. арх.Козловский. Классицизм.

Классицизм в живописи, скульптуре - презентация онлайн

Автор: Скворцова Татьяна Николаевна, учитель МХК, литературы
МБО УСОШ №2 им. Сергея Ступакова г. Удомли Тверской области
Классицизм - подражание греческому и римскому искусству,
архитектуре и литературе. Хотя обычно этим термином называют
разновидность искусства, полученного от древних, иногда под ним
подразумевают накопленный опыт, высокое художественное
качество изображений.
По окончании классического периода начался неоклассицизм,
который представлял собой видоизмененные классические мотивы,
дополненные новыми тенденциями и веяниями. Приверженность
традиционным эстетическим формальностям бытовала в течение
долгого времени. Классическое искусство отличает четкость,
порядок, равновесие, симметрия и достоинство.
Классические мотивы вначале завладели Европой. До России
классицизм дошел в годы правления великого Петра I,
просветителя, образованного человека. М. В. Ломоносов в
соответствии с новым направлением ввел множество
изменений в литературе, поэзии, а также правилах грамматики
и орфографии русского языка.
Развивался классицизм в России постепенно, наибольшего
расцвета он достиг в начале 19 века, тогда он пользовался и
наибольшей популярностью. В годы правления Екатерины II
классицизм чуть ли не насаждался, поскольку просвещенная
правительница поддерживала его проявления в дизайне и
архитектуре и всячески способствовала его распространению.
Оказавшись свежей волной после вычурного и изысканного
барокко, классицизм легко нашел своих последователей и
приверженцев.
Классицизм в живописи – это прежде всего сочетание
античного наследия с современным художнику миром.
Здесь постоянно противопоставлялся разум человека силе
природы, личное – общественному. Как и во всех других
видах искусства, в классической живописи идет обобщение
образа, на первый план выходит идея первичности нужд
большинства. Как и в литературе, в живописи идет деление
жанров на низкие (или малые) и высокие.
Классицизм как наследник античности относил к
высокому жанру. Полотна написаны на мифологические и
исторические сюжеты. В них четко виден драматизм, жертва
личных интересов ради общего блага. К низкому жанру
причислялись более прозаичные картины – натюрморты и
пейзажи.
Вакханалия
1620
Пастухи в Аркадии
1638-1640
Лондонская Национальная галерея.
Отплытие царицы Савской. 1648
Классическая живопись стала
более академичной.
Юные художники, ученики
академий, большую часть времени
проводили в античных залах, делая
наброски с греческих и римских
статуй, занимаясь антиковедением.
Мир античности был для них столь
же реален, как и мир за стенами
школы. Они переносили на холст
все свое академическое восприятие
реальности.
Однако нельзя сказать, что
классическая живопись
была полностью статична и
заимствована у древней Греции.
Эрмитаж. Санкт-Петербург
1650
Встреча Антония и Клеопатры
1747
Ангел, спасающий Агарь
1732
Пьяцетта
1733-1735
Благодаря Энгру Давиду героизм
античных персонажей
переносился на современный мир,
создавая иную, более глубокую и
трагичную атмосферу восприятия
событий. Замечательным
доказательством этому служит
«Смерть Марата», в этом полотне,
написанном на вполне
современное художнику событие,
отражен героический пафос
античности, увеличенный и
выведенный на первый план
позами, красками, светотенью.
Смерть Марата
Амур и Психея. 1817
Портрет Бонопарта
1804
Портрет мадам Ривьер
1805
Портрет мадам Сеннон
1814
Рафаэль и Форнарина
1814
Изобразительное искусство XVIII века
отразило коренные преобразования в
российской художественной культуре.
В станковой живописи успешно развивается
исторический и особенно портретный жанр.
Излюбленной областью применения
творческих сил русских мастеров XVIII века
становится портрет – парадный, камерный,
парный.
Портрет поэта В. И. Майкова
1760
Портрет графини
Елизаветы Санти
Портрет А.П. Сумарокова
1777
Портрет Александры Струйской
1772
Портрет Варвары Суровцевой
1780
Портрет Варвары Новосильцевой
1790
Портрет архитектора
А.Ф. Кокоринова
1769
Портрет Е. Н. Хрущовой и
Е. Н. Хованской 1773
Портрет Марии Дьяковой
1778
Портрет А. Ланского
1782
Портрет Екатерины Нелидовой
1773
Портрет «Екатерина II –
законодательница в храме
богини Правосудия». 1782
Портрет А. Д. Левицкой,
дочери художника. 1785
Портрет И. И. Дмитриева
1790
Портрет сестер Гагариных
1802
Портрет Марии Лопухиной
1797
Портрет Екатерины Арсеньевой
1796
Богоматерь с младенцем в
сонме ангелов. 1823
Портрет княгини М. И. Долгорукой
1811
Портрет Елены Нарышкиной
1799
Портрет Павла I в костюме
Мальтийского ордена. 1800
Портрет князя А. Б. Куракина
1801–1802
Основателем исторического жанра стал А.П. Лосенко (1737-1773). В
академии художеств Лосенко упорно овладевал искусством «большого
стиля», что в дальнейшем проявилось в крупных работах на
исторические темы. В 60-х гг., находясь на стажировке в Париже,
художник написал картины «Чудесный улов рыбы» и «Авраам
приносит в жертву сына своего Исаака», получившие высокую оценку
современников. В картине «Владимир и Рогнеда» художнику удалось
передать напряжённость сюжета в патетических тонах. Некоторая
театральная условность, характерная для живописи классицизма,
уравновешивается искренним желанием художника передать
характеры персонажей. Тема людского горя как следствие тирании,
выделенная в картине, была удивительно созвучна просветительским
идеалам века.
Чудесный улов
1762
Смерть Адониса
1764
Авраам приносит в жертву
сына своего Исаака
1765
Натурщик, сидящий на камне
Андрей Первозванный
Каин
1768
Зевс и Фетида
1769
Владимир и Рогнеда
1770
Призвание Михаила Федоровича
Романова на царство
14 марта 1613 года
Взятие Казани Иваном Грозным
1800
Явление Христа народу
1837-57
Последний день Помпеи
1830-1833
Как и в живописи, в скульптуре классицизма царило стремление
к подражанию античности. Кажется, ничто не может нарушить
покой и сдержанность скульптурных композиций, украшающих
Версаль, Веймар, Петербург. Все подчинено рациональности:
застывшие движения, идея скульптуры и даже ее расположение в
парке или дворце.
Скульптуры классицизма, словно трехмерное воплощение мифов,
рассказывают нам о могучей силе человеческой мысли, о единении
народа в достижении общих целей. Просто удивительно, как
классицисты сумели рассказать целую эпоху в жизни той или иной
нации при помощи немасштабных композиций!
В 17 веке в Петербурге сложилась сильная школа отечественных
скульпторов, представленная именами Ф. И. Шубина, Ф.Г. Гордеева,
М.И. Козловского, Ф.Ф. Щедрина, И.П. Мартоса, И.П. Прокофьева.
Три грации
1816
Венера и
Марс
Геба
1803-1828
Персей с головой медузы
Ясон
1803-1828
Геба
1806
Ганимед, кормящий орла Зевса
1817
Памятник Петру I в Петербурге
1766-1782
Зима
1771
Бюст М. Р. Паниной
1770
Портрет Екатерины II
1783
Бюст А. М. Голицына
1773
Бюст И. С. Барышникова
1788
"Самсон, раздирающий пасть льва". Скульптурная
группа Большого каскада в Петродворце.
Выполнена В. Л. Симоновым в
1947 г. по образцу 1802 г. Бронза
Памятник Суворову
1799-1801
Гименей (мрамор)
1769
Минерва и гений (бронза)
1796
Монумент Минину и князю
Пожарскому. 1804-1818
Памятник де Ришельё
в Одессе
Прометей (Гипс)
1769
Барельеф «Несение креста» для Казанского собора в Петербурге
(камень) 1807-1811
Актеон,
преследуемый собаками
1784
Портрет А. Е. Лабзиной
1802
Чем же так отличается русский классицизм от европейского?
Он удивительно гармонично сочетает в себе идеалы античности и
собственной русской, даже православной культуры.
В России трудно провести четкую границу между классическим
искусством и следовавшим за ним неоклассицизмом, настолько
тщательно и велико было переосмысление античной и европейской
культур. Россия стала перекрестком всех классических направлений:
от аскетического немецкого цопфа до наполеоновского ампира.
Художники и скульпторы, кроме античности, чаще, чем их
европейские коллеги, обращаются к библейским преданиям и героям
(фонтан «Самсона» и полотно «Явление Христа народу»).
К концу классического периода уже появляются работы,
основанные на событиях отечественной истории (памятник Суворову,
Минину и Пожарскому). В этих работах символизм и пафос античных
поз сочетается с героизмом российских исторических личностей,
именно на их примере, а не на абстрактных мифологических героях,
идет воспитание нового поколения.
Роль классицизма в мировой культуре сложно переоценить, ведь во
многом современный нам мир создавался именно в период
классицистических взглядов. Его вклад в мировое искусство и науку не
менее грандиозен, чем вклад Ренессанса. Вряд ли найдется другое такое
направление, которое буквально взбудоражило всю континентальную и
островную Европу, породив подобный взлет всех жанров и отраслей
искусства, дав толчок к новым открытиям в науке, философской
мысли.
Духовное наследие классицизма поистине велико, а само
направление достаточно популярно и по сей день. Особенно в
дизайнерском искусстве, где более всего необходимы классический
рационализм и гармония.
Давая свою интерпретацию классицизма, каждый народ вместе с тем
воспринимал и общие идеи гуманизма, величия разума и необходимости
просвещения, которые не смогла уничтожить череда воин и
конфликтов бурного XX столетия. Сегодня мы все чаще вспоминаем об
этом великом культурном наследии, сумевшем объединить столь
разные по своему характеру и быту народы.
Мировая художественная культура: от XVII века до
современности. 11 кл.:учеб. Для общеобразоват.
учреждений /Г. И. Данилова. – 3-е изд., пересмотр. – М.:
Дрофа, 2007
Википедия
Читаем, учимся, играем. Журнал-сборник сценариев для
библиотек и школ. Под ред. С. Петровой. Изд. «ЛибереяБиблиопринт». Выпуск 2. 2005

черты, признаки, особенности, 136 картин, художники-представители, отличия от реализма

Классицизмом называют эстетическое направление в культуре и искусстве Европы в XVII-XIX столетиях. Мастера, творившие в этом стиле, стремились возродить каноны античных эпох, сделать акцент на чёткости и простоте композиции, форм, геометрии.

Выдающиеся представители первой волны – Пуссен и Лоррен. Второй период, названный неоклассицизмом – время Давида, Энгра, Менгса. В России это направление в живописи представлял Брюллов, а также портретисты Рокотов и Левицкий.

Подробное описание стиля

Классицизм как явление появился во Франции в XVII веке. Со временем новое течение дошло до всех ведущих стран Старого Света: Британии, Германии, Испании, Российской Империи.

Сама глубинная суть направления классицизма заложена в его названии. На латыни classicus буквально значит «образцовый», «высший». Так называли тех представителей древнеримского общества, кого относили к самому высокому сословию.

Именно искусство античных греков и римлян возводили в эталон творцы классицизма. Они воспринимали его как идеал, который следует возвращать к жизни в современных реалиях.

В своих произведениях сторонники свежего течения жаждали познать подлинную суть, истину вещей и явлений. Главной задачей считали помочь человеку возродить или впервые найти в себе принципы морали, нравственности, и далее жить уже по ним.

Также в творениях классицистов нередко заложены правила превосходства высшего над мелким, личным, земным. Вселенная как эталон и одновременно прообраз всего – вот что считалось основой мировоззрения.

Классицизм затрагивает только глубинные смыслы, оперирует вечными категориями, не делая акцент на частном, наносном. Картина, скульптура, строение: любое произведение делается по чётко означенным канонам, логичным и устоявшимся, как Вселенная.

Жанры

Именно в эпоху классицизма была выстроена чёткая иерархия жанров. Их отныне разделяли на две категории – высокие и низкие. К первому виду причисляли живопись на темы истории, мифологии, религии, ко второму – портрет, пейзаж и натюрморт.

Высокие жанры наделяли глубоким, значительным смыслом, и прямо противоположное отношение было к низким. Смешение двух этих категорий было строго запрещено.

Портрет

Основные черты жанра задал «отец» классицизма Никола Пуссен. Именно в его «Автопортрете» сосредоточено главное художественное кредо: выразительные, несколько приукрашенные черты лица, чётко выдержанная композиция, строгость формы.

Ещё одним знаковым образцом позже стал запечатлённый на полотне самим собой Жак Луи Давид. Хорошо развился этот жанр классицизма и в Российской Империи. «Портрет Екатерины II» Левицкого, «Дмитрий Голицын» и «Григорий Орлов» Рокотова – показательные примеры.

Пейзаж

Природные ландшафты сделал неотъемлемой частью стиля классицизм Клод Лоррен. На его произведениях пейзаж органично дополняет руины построек и, в то же время, противостоит им. Налицо борьба вечного против тленного.

Прекрасные образцы классицизма Лоррена – «Пейзаж с Аполлоном и Марсием», «Утро в гавани», «Отплытие царицы Савской».

Натюрморт

По-своему развитие стиля проходило в Голландии. Там характерные черты классицизма наиболее чётко проявились в технике натюрморт в XVII-XVIII столетиях. Яркие представители – Виллем ван Алст, Абрахам Миньон.

Цветы и фрукты
Ян ван Хёйсум

Наивысшего цвета нидерландский классицистический натюрморт достиг при Яне ван Хёйсуме. Он стал блестящим мастером жанра. «Цветы и плоды» ван Хёйсума – едва ли не эталонный образец позднего натюрморта.

Черты классицизма в живописи

Классицизм на полотне можно определить по таким характерным признакам:

  • строгое соблюдение пропорций;
  • упорядоченность, стройность общей композиции;
  • чёткие линии и формы;
  • стремление к симметричности;
  • спокойствие, отсутствие хаоса и чрезмерного пафоса;
  • стремление следовать строгим канонам живописи;
  • затрагивание вопросов только высоких и вечных тем.

Ещё один из важнейших признаков классицизма в произведениях – анатомическая идеализация тела. С натуры не рисовали. Считалось, что человек должен быть запечатлён на картине с максимально развитым телом, что в действительности можно встретить нечасто.

В этом, например, лежит принципиальное различие между классицистическим подходом и реализмом. Здесь нет изображения действительности, какой она есть, без прикрас, ретуши. Реализм работает с более обыденными явлениями и героями, приземлёнными и простыми.

В то же время классика далека и от романтизма. Бунт, излишняя идеализация, попытка побега от реальности – всего этого нет на полотнах Пуссена, Лоррена, Давида.

Главным же антиподом классицизма смело можно назвать барокко. Особенно ярок контраст между барочной эстетикой и прагматизмом Давида и его последователей. Хаотичность, драма, экспрессивность противостоят холодному рассудку и сдержанности. По сути классицистический метод был призван несколько «приструнить» повсеместное распространение барокко, предложить другие взгляды на искусство.

История возникновения

Хронологически классицизм можно поделить на 3 этапа, причём в европейских странах и России их классифицируют по-разному.

Первый период – до конца XVII столетия. Искусствоведы Франции и остальной Европы называют этот этап настоящим, истинным классицизмом.

Вторая волна – неоклассицизм (середина-конец XVIII века). В России этот временной отрезок именовали русским классицизмом.

Наконец, последняя стадия интереса к жанру выпадает на первую треть XIX столетия. Искусствоведы в Российской Империи окрестили это неоклассицизмом, в Европе же никакого названия этап не получил, и был он, скорее, угасанием. Теперь подробнее о каждом историческом отрезке.

Первая волна

Один из отцов-основателей и наиболее ярких представителей классицизма в живописи – француз Никола Пуссен. В 30-летнем возрасте он переехал в Рим.

В Италии на тот момент вспыхнул с новой силой интерес творческой интеллигенции к наследию античности и эпохи Возрождения. Пуссен был одним из многих иностранцев, что приезжали в Вечный город для исследования культурного богатства древности, поиска творческих вдохновений.

Француз применял в своих работах мифологические образы, искал сочетания цветов, геометрических форм. Рим предоставлял Пуссену, огромному поклоннику античного искусства, непаханое поле для накопления знаний и оттачивания навыков в любимом направлении.

Дополнительным ориентиром для него было современное переосмысление наследия Высокого Ренессанса, которое вела Болонская академия живописи. Три брата Карраччи, основавшие это заведение в конце предыдущего, XVI века, считали работы Леонардо, Рафаэля, раннего Микеланджело безупречными и образцовыми. Основу, смысловой и визуальный каркас их составлял базовый принцип классицизма: соблюдение античных канонов, следование законам природы и Вселенной в целом.

Параллельно с Никола Пуссеном, там же, в Риме, развил активную деятельность его соотечественник Клод Лоррен. Он продолжал в своих трудах традиции болонской школы. Ключевой творческий приём Лоррена – сочетание в произведениях пейзажа, стихий и архитектурных руин.

Художник много внимания уделял работе со светом, цветами, композицией. Ландшафты и стихии на картинах Лоррена символизируют вечность, вселенский порядок. В руинах же античных строений выражена бренность всего живого, неминуемость смерти и разрушения. Кроме того, это – выражение связи времён в человеческой памяти.

Во Франции XVII столетие – эпоха буйства классицизма. Правление короля Людовика XIV сопровождало постоянное возрождение и культивирование славных традиций античности. Так, эпосы Гомера и Овидия, трагедии Эврипида, Эсхила служат глубочайшими источниками поиска новых смыслов и вдохновений для плеяды молодых поэтов, художников, скульпторов.

Дополнительно живопись классицизма XVII века подпитывает деятельность выдающегося философа и математика Рене Декарта. Его тезисы полностью легли в концепцию божественного происхождения мира и Вселенной. К тому же идеи Декарта об иерархии и строгом порядке создавали хорошую почву для становления абсолютной монархии – главной задачи правления «короля-солнца» Людовика XIV.

Труды Пуссена, Лоррена и их последователей в других видах искусства вдохновляли новое поколение французской творческой интеллигенции. Более того, главные принципы и особенности классицизма послужили основой для возведения грандиозного Версальского дворцового ансамбля. Все мельчайшие детали этого громадного комплекса – аллеи, клумбы, фонтаны – наполнены смыслами следования неизменным законам Вселенной и космоса.

Другая дань классицистическим канонам – постройка восточного крыла Лувра в 1667-1678 гг. В республике «короля-солнца» это направление стало поистине главенствующим и системным. В то же время приходящее из Италии барокко ещё не могло полноценно конкурировать с классицизмом.

Вторая волна

Середина и начало второй половины XVIII века ознаменованы большими изменениями, даже сломами в укоренённом сознании европейского человека. Бог как творец и покровитель всего живого, процессов и явлений, постепенно уступал место научным прагматичным учениям, зарождался и получал новых адептов атеизм.

Этот период вошёл в историю как эпоха Просвещения. Великие мыслители Вольтер, Дидро, Жан-Жак Руссо своими тезисами буквально разбили в прах столпы, на которых веками непоколебимо зиждилось мировоззрение. Научные взгляды вытесняли религию, подвергали сомнениям её базовые принципы, переводили гуманитарные учения в разряд точных.

Вместе с тем спадали оковы, которыми религиозные концепции ограничивали простор для человеческой мысли, слова, дела. Параллельно с этими общими метаморфозами изменялось каждое отдельное направление. В том числе классицизм.

В конце 40-х годов Старый Свет получил колоссальный толчок для возрождения интереса к античным эпохам. В ходе раскопок руин древних городов Помпей и Геркуланума исследователи обнаружили уникальные, доселе неизвестные образцы римского искусства и архитектуры – например, виллу Папирусов I века до н. э.

Эти находки с новой силой возродили увлечение людей творчества наследием античности. Но теперь уже на него смотрели не через призму божественной сущности. В первую очередь акцент делали на высоких моральных стандартах древних римлян: дисциплине, рассудительности, чувстве долга, готовности жертвовать личным во имя общего успеха.

Рождённый примерно в те же годы, когда проводились раскопки, Жак Луи Давид спустя 40 лет стал настоящим символом нового направления – неоклассицизма. Работы мастера, в которых было мало общего с Пуссеном, показывали ключевые отличия этого жанра от «предшественника». Философичность, задумчивость Пуссена сменил прагматизм Давида.

Во время творческого взлёта художника уже неслась на полных парах Великая французская революция, задававшая полностью новые смыслы и основы во всех сферах жизни общества. Жак Луи Давид выступал одним из наиболее ярких представителей наступавшей эпохи. Впоследствии он станет активным поклонником Наполеона, а затем и придворным художником императора.

Учеником Давида был Жан Огюст Доминик Энгр. Впрочем, называть его прямым продолжателем традиций мастера не совсем верно. В своём творчестве Энгр очень скоро вышел за пределы неоклассицизма, пытаясь черпать вдохновение в разных стилях, совмещать их.

Третья волна и угасание

С приходом к власти во Франции Наполеона Бонапарта начался очередной виток трансформации классицистического жанра. Что характерно – уже другой была сама суть его.

Новое французское государство укрепляло своё величие, и для этого, среди прочего, использовало богатые традиции классицизма. Заключительная волна жанра получила название «ампир» («империя»), которое о многом говорит. И во Франции, и на всех просторах, куда доходил Наполеон, насаждали этот стиль, что славил правителя, буквально создавал культ личности.

Раздача знамён на Марсовом поле
Жак Луи

В основном ампир коснулся архитектуры и скульптуры, но изобразительное искусство он тоже не обошёл стороной. Основной герой произведений – конечно, Наполеон. Полотна пестрели батальными сценами, дворцовыми церемониями, то есть тематика была сосредоточена исключительно на величии империи.

Коронация Наполеона
Жак Луи Давид

Это уже имело крайне мало общего с пейзажами и руинами Пуссена, Лоррена, прагматичными образами Давида. Сам Жак Луи к тому времени был придворным художником Бонапарта и воспевал патрона до самого его поражения при Ватерлоо. Картины тех лет – «Раздача знамён на Марсовом поле», «Коронация Наполеона».

Всё сильнее становилась повсеместная неприязнь к классицизму. Помимо обслуживания лишь государственных интересов, жанру вменяли в вину излишнюю консервативность и банальное устаревание. Уже к экватору XIX века классицизм в живописи постепенно ушёл в прошлое, уступая дорогу новым направлениям – в первую очередь, реализму.

Классицизм в России

Популяризация стиля в Российской Империи происходила в период правления Екатерины II. Её Величество разделяла идеи Просвещения, общалась с представителями движения и вводила на своих землях моду на всё французское. Классицизм проникал в живопись, архитектуру, скульптуру.

Самые выдающиеся художники – Брюллов, Левицкий, Рокотов, Кипренский, Лосенко. Особенно хорошо развился в России классицистический портретный жанр. На полотнах Левицкого, Рокотова запечатлены и простые люди, и первые лица.

Подлинным увековечением русского классицизма стала архитектура Санкт-Петербурга, созданная итальянцами. Стиль доминировал в империи вплоть до 30-х годов XIX века, когда уже правил Николай II.

15 великих художников-классицистов

Никола Пуссен (1594-1665)

Этот мастер по праву считается одним из основоположников классицизма в живописи. Переехав в Рим, Пуссен постоянно учился, оттачивал навыки, экспериментировал с композицией. Художник одним из первых ставил главные акценты на локальном цвете и точности геометрических линий.

Клод Лоррен (1600-1682)

Великий мастер, который вывел искусство пейзажа на качественно новый уровень. На своих полотнах Лоррен играет с солнечным светом, изображает то утро, то полдень. Одинаково важную роль в его работах играют буйные краски природы и полуразрушенные строения.

Чем старше становился Лоррен, тем больше произведения перерастали рамки традиционного классицизма. Всё холоднее были тона, а общее настроение ставало отстранённым.

Жак Луи Давид (1748-1825)

Ведущий представитель второй волны французского классицизма. Его шедевр «Смерть Марата» не раз видел даже человек, совсем далёкий от живописи.

Став сторонником, а впоследствии придворным художником Наполеона, Давид сосредоточился на изображении батальных сцен и портретов высоких особ. Всё это работало на укрепление культурной мощи империи. После отречения Наполеона от престола Давид был вынужден бежать из Франции, и остаток лет прожил в Бельгии.

Жан Огюст Доминик Энгр (1780-1867)

Знаковый художник XIX века, который начинал в неоклассицизме, но постепенно только расширял стилевой диапазон. Из-за непрерывных экспериментов и поисков Энгр конфликтовал с истовыми академистами и романистами, прерывал отношения с модными выставками.

Под конец жизни мастер практиковал портретную живопись. В 82 года Энгр написал знаменитую «Турецкую баню» — шедевр жанра ню.

Антон Рафаэль Менгс (1728-1779)

Главный живописец-классицист в Германии. Его считают одним из наиболее видных портретистов в жанре.

Как верный адепт античных канонов, Менгс одной из главных задач ставил возврат массового интереса от рококо к классике. Помимо портрета, немецкий мастер сполна реализовал себя во фресках.

Генрих Фридрих Фюгер (1751-1818)

Ещё один видный представитель германского классицизма, большую часть творческой жизни провёл в Вене. Из-за этого он вошёл в историю как достояние Австрии. Наибольшее влияние на Фюгера оказал Менгс.

Живописец, как и его «наставник», работал в жанрах портрета и фрески. Фюгер также затрагивал мифологические, библейские сюжеты. Состоял в масонских ложах.

Бенджамин Уэст (1738-1820)

Художник, творивший в США, затем – в Англии. На Альбионе его и вовсе наградили прозвищем «американский Рафаэль».

Александр III Шотландский, спасен от нападения оленя бесстрашным Колином Фицджеральдом
Бенджамин Уэст

На своих полотнах Уэст изображал исторические события родины. Был близким другом и кумом президента Франклина.

Пьер Поль Прюдон (1758-1823)

Расцвет творчества этого француза – конец XVII – начало XVIII века. Прюдон, в основном, практиковал мифологические сюжеты с глубинной аллегорией. Кроме живописи, реализовал себя в создании классицистических интерьеров.

Антоний Бродовский (1784-1832)

Главный представитель стиля в Польше. Ученик выдающихся французских мастеров – Давида и Жерара.

Эдип и Антигона
Антоний Бродовский

Бродовский творил на родине. Основные направления – история, мифология, библейские сюжеты, портретная живопись.

Карл Брюллов (1799-1852)

Глыба русского классицизма. Как художник сформировался в Италии, затем творил на родине.

Брюллов был выдающимся портретистом. Кроме того, склонность к экспериментам и смешению жанров позволило специалистам называть его последователем Энгра.

Фёдор Рокотов (1735-1808)

Выдающийся русский мастер портретного классицизма. Рокотов запечатлевал на своих полотнах простой люд и высокие чины. К примеру, его перу принадлежат семейные портреты графов Воронцовых.

Дмитрий Левицкий (1735-1822)

Ещё один живописец, который реализовал себя в портретном классицизме. Левицкий отводил равнозначные роли работе со светом и расширению палитры оттенков. Одно из лучших его произведений – портрет Екатерины II.

Якоб Филипп Хаккерт (1737-1807)

Итальянский пейзаж
Якоб Филипп Хаккерт

Блестящий мастер пейзажа. Уроженец Германии, Хаккерт творил в Скандинавии, Франции, Италии. Пейзажи его играют богатыми насыщенными красками, нередко на них запечатлены морские сражения.

Николай Абильгор (1743-1809)

Прощание
Николай Абильгор

Видный представитель неоклассицизма в Дании. Помимо живописи, работал со скульптурой, архитектурой. Его вдохновляли болонские, а затем – французские мастера поры Революции. Абильгор, в основном, творил на мифологические мотивы.

10 известных картин в стиле классицизм

«Автопортрет» Пуссена (1650)

Автопортрет
Никола Пуссен

Одна из самых значимых работ в жизни мастера. Не будучи красавцем, Пуссен сделал акцент на самом образе – величественном, уверенном, холодном. Лицо его не идеализировано, как обычно принято в классицизме, но строгость форм и чёткость линий выдержаны отменно.

«Суд Соломона» Пуссена (1648-49)

Суд Соломона
Никола Пуссен

Здесь французский мастер изобразил библейские сюжеты. Обращает внимание на себя насыщенность цветов и эмоции, застывшие на лицах людей.

«Пейзаж с Аполлоном и Марсием» Лоррена (1639)

Пейзаж с Аполлоном и Марсием
Клод Лоррен

Один из лучших образцов прекрасного лорреновского пейзажа. Сама сцена взята из греческой мифологии, а в фигурах героев эксперты обнаруживают влияние фресок Рафаэля. Лоррен применяет тут мягкие тона.

«Смерть Марата» Давида (1793)

Смерть Марата
Давид

Вероятно, самая известная работа в живописи классицизма XVIII века. Запечатлён заколотый ножом в своей ванной предводитель якобинцев Жан Поль Марат. Шедевр Давида обладает огромной популярностью до сих пор; на нём общий трагизм передан нежными, умиротворёнными оттенками.

«Клятва Горациев» Давида (1784)

Клятва Горациев
Давид

Здесь мастер изобразил римский сюжет. Три брата, вздымая руки, дают клятву своему отцу, что победят врагов или слягут в бою, и принимают мечи из его рук.

«Эдип и Сфинкс» Энгра (1808, 1827)

Эдип и Сфинкс
Жан-Огюст-Доминик Энгр

Эту картину Энгр написал как студенческую работу, но спустя 20 лет дополнил и завершил её. На полотне запечатлён древнегреческий царь Эдип, что разгадывает загадку злой богини Сфинкс и свергает её с правления Фивами.

«Разгром турецкого флота под Чесмой» Хаккерта (1771)

Разгром турецкого флота под Чесмой
Якоб Хаккерт

В центре композиции – огненные клубы взрыва. Турецкая флотилия разбита, а люди в лодках на переднем плане, очевидно, пытаются скорее отплыть и спастись. Серо-зелёные тона моря и неба подчёркивают общее воинственное настроение.

«Цветы и плоды» ван Хёйсума (1723)

Цветы и плоды
Ян ван Хёйсум

Один из ярчайших образцов нидерландского классицистического натюрморта. Цветы и фрукты играют богатыми насыщенными цветами.

«Последний день Помпеи» Брюллова (1833)

Последний день Помпеи
Карл Брюллов

Знаменитая картина русского мастера, сочетающая классицизм и романтизм. Ужас людей, которые спасаются побегом от извержения Везувия, падающие с постаментов скульптуры, молнии, дождь: всё пронизано трагедией.

«Портрет Екатерины II» Левицкого (1783)

Портрет Екатерины II
Левицкий

Эта работа дышит аллегорией. Поза, в которой стоит императрица, лавровый венок на её голове, статуя Фемиды на заднем плане, корабли в море. Во всём заложен образ справедливой, величественной предводительницы народа.

Классицизм в архитектуре

Возведение в эталон античных канонов, тяга к простым и строгим формам – этим же базовым принципам следовало в XVII-XVIII веках и зодчество. Основы стиля сформировал венецианец Палладио и его ученик Скамоцци.

Постепенно классицистические архитектурные композиции украсили главные города Европы и Америки. Площадь Согласия в Париже, Зал Вальхаллы близ Регенсбурга, Банк Англии в Лондоне, Капитолий в Вашингтоне – все эти строения стали памятником эпохи.

В наполеоновской Франции неоклассицизм перетёк в ампир. Этот стиль представлен, в частности, Триумфальной аркой в Париже и колонной Нельсона в Лондоне.

В России оплотом классицизма стал Петербург. Среди ярких образцов – Казанский собор, Юсуповский и Таврический дворцы, Исаакий.

Классицизм в скульптуре

Серьёзным толчком к развитию стиля в скульптуре стали раскопки Помпеев середины XVIII века. Античные мотивы стали тем элементом, через который можно было достоверно запечатлеть героизм старых и новых воинов, отвагу полководцев, мудрость мыслителей и философов.

Почти всегда классицизм в скульптуре сочетался с барочными вкраплениями. Более поздний ампирный стиль обращается, скорее, к религиозным мотивам, но верность античной традиции сохраняет. Это заключается в сути работ Бертеля Торвальдсена («Амур и Психея», «Ганимед, кормящий орла») и Антонио Кановы («Персей с головой Горгоны», «Венера Италийская»).

В Российской Империи классицизм в скульптуре развивали Козловский, Орловский, Мартос. Минин и Пожарский в Москве, Дюк де Ришельё в Одессе – эти памятники мгновенно всплывают в памяти.

Классицизм в других видах искусства

Литература

В литературе основы направления заложил французский поэт Франсуа Малерб ещё в первой четверти XVII столетия. Позже в том же веке классицизм в трагедии развивал Расин, в комедии – Мольер, в жанре басни – Жан де Лафонтен.

XVIII столетие – расцвет этого стиля в прозе. Вольтер во Франции, Свифт в Британии своими трудами стремились донести идеи общественного строя по канонам классицизма. В России проводниками жанра были Ломоносов, Фонвизин, Сумароков.

Музыка

В музыке эпохой классицизма считают промежуток с середины XVIII по 20-е гг. XIX века. На первых этапах законодателем моды была Франция. В произведениях отмечено единение и, в то же время, противостояние классики и барокко.

Авторы той поры не оставили после себя значимых творений, и поэтому стиль ассоциируют с творцами второй волны. Она происходила уже не во Франции, а в Австрии. В произведениях Гайдна, Моцарта, Бетховена классицистическая музыка достигла своего пика.

Значение направления в искусстве

Роль классицизма в истории культуры XVII-XIX веков переоценить трудно. После изящных торжественных барокко и рококо возвращение к античным канонам, облачение их в современные реалии через точность форм и линий, прагматику, сдержанность дало новые веяния в европейском и мировом искусстве.

Развитие классицизма проходило параллельно с великими событиями: раскопками Помпеев, Французской революцией. Творцы с помощью художественных приёмов воплощали в своих работах реакцию на события настоящего через оптику античности, и участвовали в формировании сознания европейского человека новой формации. Классицизм прошёл через две волны активного развития и оставил для потомков выдающиеся шедевры во всех видах искусства.

Классицизм в русской живописи 18 века. — Студопедия

Во второй половине ХVIII века в русском искусстве формируется стиль классицизм, для которого характерны строгость рисунка, следование в композиции определенным правилам, условность колорита, использование сюжетов из Библии, античной истории и мифологии. Своеобразие русского классицизма заключалось в том, что его мастера обращались не только к античности, но и к родной истории, что они стремились к простоте, естественности и человечности. Классицизм как направление в русской художественной культуре безраздельно утвердился в конце XVIII - начале XIX веков. Этот период расцвета классицизма в русской истории живописи обыкновенно именуют высоким классицизмом. Характерным для живописцев этого времени было романтическое утверждение красоты неповторимого, индивидуального, необычного, однако наивысшим достижением этой эпохи изобразительного искусства в России можно считать не историческую живопись, а портрет .

О.А.Кипренский (1782-1836) открыл не только новые качества человека, но и новые возможности живописи. .

"Передвижники" совершили подлинные открытия в пейзажной живописи.

А. К. Саврасов сумел показать красоту и тонкий лиризм простого русского пейзажа. Его картина "Грачи прилетели" (1871) заставила многих современников по-новому взглянуть на родную природу. Своей вершины русская пейзажная живопись XIX века достигла в творчестве ученика Саврасова И. И. Левитана (1860-1900)


На вторую половину XIX в. приходится творческий расцвет И. Е. Репина, В. И. Сурикова и В. А. Серова.

В раннем творчестве М. В. Нестерова наиболее полно раскрылись лирические стороны его дарования

 

Реалистические искания русской живописи 1 половины 19 века.

Для русского изобразительного искусства были характерны романтизм и реализм. Однако официально признанным методом был классицизм. Академия художеств стала консервативным и косным учреждением, препятствовавшим любым попыткам свободы творчества. Она требовала строго следовать канонам классицизма, поощряла написание картин на библейские и мифологические сюжеты. Молодых талантливых русских художников не удовлетворяли рамки академизма. Поэтому они чаще обращались к портретному жанру.

В живописи воплотились романтические идеалы эпохи национального подъема. Отвергнув строгие, не допускающие отступлений принципы классицизма, художники открыли многообразие и неповторимость окружающего мира. Это не только отразилось в привычных уже жанрах – портрете и пейзаже, - но и дало толчок к рождению бытовой картины, которая оказалась в центре внимания мастеров второй половины столетия. Пока же первенство оставалось за историческим жанром. Он был последним прибежищем классицизма, однако и здесь за формально классицистическим «фасадом» скрывались романтические идеи и темы.

В изобразительном искусстве Романтизм наиболее ярко проявился в живописи и графике, менее отчетливо - в скульптуре и архитектуре (например, ложная готика). Большинство национальных школ Романтизма в изобразительном искусстве сложилось в борьбе с официальным академическим классицизмом.

 

Классицизм в искусстве Англии 18 века. — Студопедия.Нет

Победа буржуазной революции 1640-1660 г. изменила ход экономического и политического развития страны. Расцвет английской культуры: развитие философии, точных наук, классической, политической экономики, возникновение и распространение идей Просвещения. Становление и расцвет национальной школы живописи в Англии 18 века.

Архитектура.Ро́бертА́дам (англ. RobertAdam; 3 июля 1728, Керколди — 3 марта 1792, Лондон) — шотландский архитектор из династии палладианцев Адамов, крупнейший представитель британского классицизма 18 века. Разработал Адамов стиль — воздушную, лёгкую и непринуждённую версию раннего классицизма с упором на изящный дизайн интерьеров. Не чуждался неоготики. Оказал большое влияние на вкусы современников в отношении мебели (10. Эдинбургский университет (позже надстроен куполом) (2)

1       2

 

Палладианство- направление в европейском зодчестве 17—18 вв., развивавшее в рамках классицизма принципы, заложенные в творчестве Андреа Палладио, венецианского архитектора эпохи Возрождения.

Созданные Палладио типы городского дворца, церкви, виллы в силу строгой упорядоченности и вместе с тем необычайной гибкости примененных в них композиционных приёмов и ордерных систем обрели высокую авторитетность для зодчих, настроенных против аффектированности и иррационализма барокко.

Особое значение в распространении идей Палладио имел его трактат «Четыре книги об архитектуре» (1570). Первым представителемпалладианства считается В. Скамоцци, завершивший некоторые постройки Палладио.

В 17 в.палладианство наиболее последовательно воплощается в зодчестве Англии (И. Джонс) и Голландии (Я. ванКампен).

Расцвет палладианства приходится на 18 в., когда английские (Р. Бойл — лорд Бёрлингтон, У. Кент, К. Кэмпбелл, позднее — Дж. Пейн и У. Чеймберс) и испытавшие их влияние немецкие (Г. В. Кнобельсдорф, Ф. В. Эрдсмансдорф) зодчие возводят здания (преимущественно загородные виллы), отмеченные изяществом лаконичного декора, целесообразностью и комфортабельностью планировки, органической связью с окружающей средой (пейзажные парки).

В России палладианские постройки появились в 80—90-х гг. 18 в.; в большинстве своём они отличаются интимностью и изысканной простотой. Чертыпалладианства проявились в творчестве Ч. Камерона, Дж. Кваренги, Н. А. Львова.

                               

Классицизм в Англии 18 века. – ни один из европейских стилей не существовал в искусстве Англии в чистом виде, поскольку все они пришли в эту страну со значительным опозданием и им следовали формально. Архитектура. Черты барокко и классицизма могли соединяться в одной постройке. Кристофер Рен – родоначальник английской национальной архитектурной школы. Собор Св. Павла в Лондоне. Разработка английского пейзажного парка. – самое важное, новое, оригинальное, что внесла Англия в архитектуру и развитие ландшафтного дизайна. Этот типа парка также называют иррегулярным, или ландшафтным.

 В отличие от французского регулярного парка, который был распланирован по строгой геометрически правильной схеме, английский пейзажный парк наоборот создавал иллюзию нетронутой природы – воплощение английского представления о свободе и независимости личности. Первый такой пейзажный парк возник в усадьбе поэта Александра Поупа в Твикнеме, пригороде Лондона. Регулярный парк дляПоупа был олицетворением государственной тирании, которая подчинила себе даже природу. В свободной Англии к природе должно быть иное отношение.

Лучшие пейзажные парки Англии были созданы архитектором Уильямом Кентом. Это парк на вилле лорда Берлингтона в Чизвике, пригороде Лондона, и парк «Елисейские Поля» в Стоу, в Центральной Англии. Парк в Стоу (1) украшали павильоны в разных архитектурных стилях, они были частью пейзажа. Характерной чертой стали искусственные руины. Прогулка по такому парку превращалась в путешествие – не только в пространстве, но и во времени. Английский пейзажный парк Пейншилл. Вид на руины. Графство Суррей (2)

1 2

К середине столетия пейзажные парки широко распространились в Европе – во Франции, Германии, России (парк в Павловске в окрестностях Санкт-Петербурга).

Живопись.идеи Просвещения проявились в английской живописи в особом внимании к личности человека, к чувствам и ощущениям. Ведущая роль портретного жанра.

Формирование и расцветнациональной английской портретной школы 18 века. Ульям Хогарт – первый крупный английский художник этого времени, стал предтечей критического реализма.

Крупнейшие мастера английского парадного портрета в стиле классицизма: ДжошуаРейнольдс, Томас Гейнсборо, Томас Лоуренс. – но английский портрет не был в чистом виде классицистическим, а имел черты стиля романтизма, его можно отнести к предромантизму.

ДжошуаРейнольдс (1723-1792) – крупнейший мастер английской живописи, первым из английских мастеров учился в Италии, путешествовал по Европе. Блестящее художественное образование, знание основных направлений современного ему искусства позволили переработать в своем творчестве разные стили. Художник учитывал характер и род деятельности модели. Адмирала изображал на фоне поля битвы с клубящимся дымом. Литераторов и актеров окружал аллегорическими фигурами, или изображал в виде античных или исторических персонажей: «Сара Сидонс в виде музы трагедии». Знаменитая трагическая актриса изображена на троне в облаках. По бокам аллегорические фигуры – Страдание и Ужас, погруженные в тень, в то время как на героиню эффектно падает свет. Лицо озарено вдохновением. Впечатление, что она на сцене и играет роль. Ее портрет превратился в живописный символ актерского искусства. Характерные особенности живописи художника: важная роль света в композиции, динамическая, смело развернутая композиция. Уверенный рисунок, крепкая пластическая лепка формы, звучный золотистый колорит, богатство рефлексов, сочетание плотной кладки с лессировками. Основные портреты, свойственные им ярковыраженная индивидуальная характеристика моделей: «Сара Сидонс в образе Музы трагедии» (1783-1784), «Миссис Хор с ребенком» (1788). Картины на мифологические темы.

1 2

Рейнольдс искренне заботился о процветании национальной школы живописи. Он восстановил в Лондоне Королевскую академию искусств и стал ее первым президентом.

 

Томас Гейнсборо (1727-1788) - создатель своеобразного портрета-настроения. Самобытность творчества, лиризм полотен, текучая живописность мягких тонов. Влияние сентиментализма, обусловившего подчеркнутую чувствительность, увлечение красотой природы. Портреты: «Портрет дамы в голубом» (1770), «Мальчик в голубом» (1770), «Портрет Сары Сидонс» (1784-1785). Интерес художника к внутреннему миру человека, к передаче его эмоционального состояния.

1 2 3

Пейзажи Гейнсборо: «Повозка» (1770), «Водопой» (1770). Жизненная передача характерных состояний природы Англии.

1 2

 «Деревенская девочка» (1), «Портрет четы Эндрюс» (2)

1 2

Гейнсборо- предшественник романтизма. Основной жанр творчества – портрет. В этом жанра Гейнсборо обрел успех, имел много заказов. Но сам художник всегда любил пейзаж и хотел бы быть пейзажистом.

Сравнительный анализ портретов актрисы Сары Сидонс, выполненных Рейнольдсом и Гейнсборо (самостоятельно).

Художники, работы и классический идеал

Palazzina di Caccia of Stupinigi

ИСКУССТВО XVIII ВЕКА: ХУДОЖНИКИ, РАБОТЫ И КЛАССИЧЕСКИЙ ИДЕАЛ

Искусство 18 века характеризуется переходом от барокко и рококо к неоклассицизму.
Это век революций, - от американских до французских и промышленных, но это также век Просвещения и великих археологических открытий.

Итак, в условиях больших перемен , Искусство 18 века развило новые идеи и были созданы великие шедевры.

Искусство 18 века

Жак Луи Давид, Смерть Марата (1793)

В начале 18, -го, века все еще преобладал барочный вкус, который отдавал предпочтение сценографическому аспекту и стремлению поразить зрителя.
Эта тенденция продолжалась долгое время, копируя себя, развиваясь в этом движении под названием рококо, , но в то же время стиль , черпавший вдохновение в греческом и латинском искусстве, возник в середине 18 - века: Неоклассицизм .

ВОЗРОЖДЕНИЕ ДРЕВНЕГО ИСКУССТВА И ИСКУССТВА 18 ВЕКА

В 18 веке пробудилась страсть к античному искусству и эпохе Возрождения, черпавшая вдохновение в классических произведениях искусства.
новых археологических открытий взволновали ученых и художников.

На самом деле, удивительное открытие Помпеи и Геркуланума датируется первой половиной 18 века, когда возникли уникальные образцы римской живописи и исторические памятники, похороненные и забытые на протяжении веков.
Эти открытия улучшили исследования и повторное открытие древнего искусства за счет разработки публикаций и работ по исследованию и изучению классической цивилизации, которая стала моделью, эстетической, политической и моральной точкой отсчета .

Каналетто (канал, Джованни Антонио 1697-1768): бассейн Сан-Марко, Венеция. Бостон, Музей изящных искусств

ХУДОЖНИКИ И ИСКУССТВО 18 ВЕКА

Филиппо Юварра - архитектор, сочетающий барокко с классическими элементами.Работает в регионе Пьемонт для семьи Савой, черпает вдохновение у Микеланджело и Борромини.
Базилика Суперга и Палаццина ди Качча в Ступиниджи (охотничья резиденция Ступиниджи) - его шедевры.

Луиджи Ванвителли на службе у правителя Неаполитанского королевства спроектировал дворец в Казерте, вдохновленный Версальским дворцом, но сохранив классические традиции благодаря геометрическим формам этой впечатляющей резиденции.

Каналетто - главный сторонник Vedutismo, , нового живописного жанра, изображающего городские пейзажи, где пейзаж является главным героем картины.

Жак-Луи Давид сохраняет красоту классического искусства и его идеалы, такие как идеалы человека, который борется за свою родину и готов рисковать собственной жизнью, как греческие и латинские герои.
В картине «Смерть Марата» художник изображает смерть революционного якобинца, преданного и убитого, как мученика Французской революции.

Ingres сохранил совершенство форм классического искусства и черпает вдохновение в картинах Рафаэля. В Турецкая баня тела имеют форму скульптур.

Антонио Канова - крупнейший скульптор, работавший в период с 18 по 19 века. В своих работах он сохранил идеал красоты, проистекающий из наблюдения за произведениями греческой и латинской античности.
Он вырезал скульптуры, изображающие мифологические сюжеты, такие как Психея, возрожденная поцелуем Купидона , а также портреты своих современников, таких как Наполеон и Полина Бонапарт, не отказываясь от образцов античного искусства.

Антонио Канова, Психея, возрожденная поцелуем Амура

КНИГ, РЕКОМЕНДУЕМЫХ ДЛЯ ИЗУЧЕНИЯ ИСКУССТВА XVIII ВЕКА

  • - содержит 75+ профессионально скорректированных репродукций религиозных, портретных, мифических и жанровых сцен с профессиональной цветовой коррекцией с названием, датой и страницей интересных фактов ниже.

Неоклассицизм | Безграничная история искусства

Неоклассицизм

Неоклассицизм относится к направлениям в искусстве, черпающим вдохновение в «классическом» искусстве и культуре Древней Греции и Рима.

Цели обучения

Определение атрибутов неоклассицизма и некоторых его ключевых фигур

Основные выводы

Ключевые моменты
  • Расцвет неоклассицизма совпал с эпохой Просвещения 18 века и продолжался до начала 19 века.
  • С ростом популярности Гранд-тура стало модным собирать предметы старины в качестве сувениров, что распространило неоклассический стиль по Европе и Америке.
  • Неоклассицизм охватил все виды искусства, включая живопись, скульптуру, декоративное искусство, театр, литературу, музыку и архитектуру.
  • Вообще говоря, неоклассицизм стилистически определяется использованием прямых линий, минимальным использованием цвета, простотой формы и, конечно же, приверженностью классическим ценностям и методам.
  • Рококо с его акцентом на асимметрию, яркие цвета и орнамент обычно считается прямой противоположностью неоклассическому стилю.
Ключевые термины
  • Grand Tour : Традиционное турне по Европе, проводимое в основном состоятельными европейскими молодыми людьми из высшего сословия.Этот обычай процветал примерно с 1660 года до появления крупного железнодорожного транспорта в 1840-х годах.
  • Просветление : Концепция духовности, философии и психологии, относящаяся к достижению ясности восприятия, разума и знания.
  • Рококо : Стиль барочной архитектуры и декоративного искусства из Франции 18-го века со сложным орнаментом.

Классическое возрождение, также известное как неоклассицизм, относится к движениям в искусстве, черпающим вдохновение в «классическом» искусстве и культуре Древней Греции и Рима.Расцвет неоклассицизма совпал с эпохой Просвещения 18 века и продолжался до начала 19 века. Доминирующими стилями в 18 веке были барокко и рококо. Последний, с его акцентом на асимметрию, яркие цвета и орнамент, обычно считается прямой противоположностью неоклассическому стилю, основанному на порядке, симметрии и простоте. С ростом популярности Гранд-тура стало модным собирать предметы старины в качестве сувениров.Эта традиция коллекционирования заложила основу для многих великих коллекций произведений искусства и распространила классическое возрождение по всей Европе и Америке.

Неоклассицизм охватил все виды искусства, включая живопись, скульптуру, декоративное искусство, театр, литературу, музыку и архитектуру. Стиль обычно можно определить по использованию прямых линий, минимальному использованию цвета, простоте формы и, конечно же, его приверженности классическим ценностям и методам.

В музыке этот период ознаменовался подъемом классической музыки, а в живописи работы Жака-Луи Давида стали синонимом возрождения классики.Однако неоклассицизм наиболее сильно ощущался в архитектуре, скульптуре и декоративном искусстве, где классические модели в той же среде были довольно многочисленными и доступными. Скульптура, в частности, имела огромное количество древних моделей, по которым можно было учиться, однако большинство из них были римскими копиями греческих оригиналов.

Rinaldo Rinaldi, Chirone Insegna Ad Achille a Suonare La Cetra : Выполненная в классическом стиле с соблюдением классических тем, эта скульптура является типичным образцом неоклассического стиля.

Неоклассическая архитектура была создана по образцу классического стиля и, как и в случае с другими формами искусства, во многом была реакцией на бурный стиль рококо. Архитектура итальянского архитектора Андреа Палладио стала очень популярной в середине 18 века. Кроме того, археологические руины, найденные в Помпеях и Геркулануме, явились источником многих стилистических ценностей неоклассического дизайна интерьера, основанного на заново открытых древних римских открытиях.

Вилла Годи Вальмарана, Лонедо ди Луго, Венето, Италия : Вилла Годи была одной из первых работ Палладио.Его строгий фасад, арочные дверные проемы и минимальная симметрия отражают его приверженность классическим стилистическим ценностям.

Картины в неоклассическом стиле

Неоклассическая живопись, созданная мужчинами и женщинами, черпала вдохновение в классическом искусстве и культуре Древней Греции и Рима.

Цели обучения

Обсудить всеобъемлющие темы, присутствующие в неоклассической живописи

Основные выводы

Ключевые моменты
  • Неоклассическая тематика основана на истории и общей культуре Древней Греции и Древнего Рима.Его часто называют реакцией на беззаботный и «легкомысленный» сюжет рококо.
  • Неоклассическая живопись характеризуется использованием прямых линий, гладкой поверхности краски, изображением света, минимальным использованием цвета и четким четким определением форм.
  • Работы Жака-Луи Давида обычно называют воплощением неоклассической живописи.
  • Давид привлек в свою студию более 300 студентов, в том числе Жан-Огюста-Доминика Энгра, Мари-Гийемин Бенуа и Анжелик Монжес, последняя из которых пыталась продолжить неоклассическую традицию после смерти своего учителя.
Ключевые термины
  • Просвещение : философское движение в Европе 17 и 18 веков. Эта эпоха, также известная как Эпоха разума, делала упор на рационализм.

Предпосылки и характеристики

Неоклассицизм - это термин, обозначающий движения в искусстве, которые черпают вдохновение в классическом искусстве и культуре Древней Греции и Рима. Расцвет неоклассицизма совпал с эпохой Просвещения 18 века и продолжался до начала 19 века.С появлением Гранд-тура - очень увлекательного путешествия по Европе, цель которого - познакомить молодых людей с расширенной культурой и людьми их мира - стало модным собирать предметы старины в качестве сувениров. Эта традиция заложила основы многих великих коллекций и обеспечила распространение неоклассического возрождения по Европе и Америке. Французский неоклассический стиль внесет большой вклад в монументализм Французской революции с акцентом как на добродетели, так и на патриотизме.

Неоклассическая живопись характеризуется использованием прямых линий, гладкой поверхности краски, скрывающей работу кисти, изображением света, минимальным использованием цвета и четким четким определением форм. Его предмет обычно относится либо к греко-римской истории, либо к другим культурным атрибутам, таким как аллегория и добродетель. Мягкость нанесения краски и беззаботный и «легкомысленный» сюжет, характеризующие живопись рококо, признаны противоположностью неоклассического стиля.Работы Жака-Луи Давида считаются воплощением неоклассической живописи. До успеха Давида многие художники сочетали аспекты романтизма с неопределенно неоклассическим стилем, но эти работы не находили отклика у публики. Обычно предмет неоклассической живописи состоял из изображения событий из истории, мифологических сцен, архитектуры и руин Древнего Рима.

Школа Давида

Неоклассическая живопись получила новый импульс с большим успехом Давида Клятва Горациев на Парижском Салоне 1785 года.Картина была заказана королевским правительством и была создана в стиле, идеально сочетающем идеализированную структуру и драматический эффект. Картина вызвала бурю негодования, и было заявлено, что Давид идеально определил неоклассический вкус в своем стиле живописи. Таким образом, он стал типичным художником этого движения. В Клятва Горациев перспектива перпендикулярна картинной плоскости. Его определяет темная аркада за несколькими классическими героическими фигурами.Есть элемент театра или постановки, вызывающий величие оперы. Вскоре Давид стал ведущим французским художником и пользовался большим покровительством правительства. За свою долгую карьеру он привлек в свою студию более 300 студентов.

Жак Луи Давид. Клятва Горациев (1784) : Холст, масло. Музей Лувра, Париж.

Жан-Огюст-Доминик Энгр, художник-историк и портретист в стиле неоклассицизма, был одним из учеников Давида.Глубоко преданный классическим техникам, Энгр, как известно, считал себя консерватором стиля древних мастеров, хотя позже он писал предметы в романтическом стиле. Примеры его неоклассических работ включают картины Вергилия, читающего Августу (1812), и Эдипа и Сфинкса (1864). И Давид, и Энгр использовали высокоорганизованные образы, прямые линии и четко определенные формы, которые были типичными для неоклассической живописи 18 века.

Вергилий читает Августу Жан-Огюст-Доминик Энгр (1812) : Холст, масло. Художественный музей Уолтерса.

Хотя традиции и правила, регулирующие Французскую академию, запрещали женщинам учиться с обнаженной натуры (необходимость для создания эффективной неоклассической живописи), Дэвид считал, что женщины способны создавать успешное искусство этого стиля, и приветствовал многих в качестве своих учеников. Среди наиболее успешных были Мари-Гийемин Бенуа, которая в конечном итоге получила заказы от семьи Бонапарт, и Анжелик Монжес, завоевавшая покровителей даже из России.

Автопортрет Мари-Гийемин Бенуа (1788) : Бенуа (тогда Леруль-де-ла-Виль) рисует на этом неизведанном холсте маслом отрывок из знаменитой неоклассической картины Давида, на которой ослепленный генерал Юстиниана Велизарий просит милостыню. Ее возвращение к взору зрителя и классическая одежда демонстрируют ее уверенность в себе как художника и соответствие художественным тенденциям.

Монгез наиболее известна как одна из немногих женщин, которые рисовали монументальные сюжеты, которые часто включали обнаженную мужскую натуру, за что враждебные критики часто критиковали ее.

Тесей и Пиритос очищают землю от разбойников, спасают двух женщин от рук их похитителей Анжелик Монгес (1806) : Холст, масло. Эрмитаж, Санкт-Петербург, Россия.

Монжес и Антуан-Жан Гро, еще один ученик Давида, пытались продолжить неоклассическую традицию после смерти Давида в 1825 году, но безуспешно перед лицом растущей популярности романтизма.

Неоклассическая скульптура

Реакция на «легкомыслие» рококо. Неоклассическая скульптура изображает серьезные сюжеты, на которые оказало влияние древнегреческое и римское прошлое.

Цели обучения

Объясните, какие мотивы являются общими для неоклассической скульптуры

Основные выводы

Ключевые моменты
  • Неоклассицизм возник во второй половине 18 века после раскопок руин Помпеи, что вызвало новый интерес к греко-римскому миру.
  • Неоклассическая скульптура отличается симметрией, от натурального до монументального, и серьезным сюжетом.
  • Сюжеты неоклассической скульптуры варьировались от мифологических фигур до героев прошлого и крупных современных персонажей.
  • Неоклассическая скульптура могла передать свой предмет либо в идеализированной, либо в более реалистичной манере.
Ключевые термины
  • веризм : Древнеримская техника, в которой субъект изображается с «бородавками и прочим» реализмом.

Как и живопись, неоклассицизм проник в скульптуру во второй половине 18 века. В дополнение к идеалам Просвещения, раскопки руин в Помпеях начали возрождать интерес к классической культуре.В то время как скульптура в стиле рококо состояла из небольших асимметричных объектов, сосредоточенных на темах любви и веселья, неоклассическая скульптура приобрела монументальный размер в натуральную величину и сосредоточилась на темах героизма, патриотизма и добродетели.

В его скульптуре гробницы, философ Просвещения Вольтер почитается в истинно неоклассической форме. В стиле, навеянном древнеримским веризмом, он выглядит пожилым человеком, чтобы почтить его мудрость. Он носит современную блузку простого человека, чтобы передать его скромность, а его халат издалека напоминает древнеримскую тогу.Как и у его древних предшественников, его выражение лица и язык тела наводят на мысль о серьезности ученого.

Могила Вольтера. : Пантеон, Париж.

Скульпторы неоклассического стиля извлекли выгоду из обилия древних моделей, хотя в большинстве случаев это были римские копии греческих бронзовых изделий. Ведущие скульпторы неоклассицизма пользовались большим успехом при жизни. Одним из них был Жан-Антуан Удон, чьими работами были в основном портреты, очень часто бюсты, которые не приносили в жертву идеализму сильное впечатление о личности натурщика.Его стиль стал более классическим по мере продолжения его долгой карьеры и представляет собой довольно плавный переход от очарования рококо к классическому достоинству. В отличие от некоторых скульпторов неоклассицизма, он не настаивал на том, чтобы его натурщики носили римскую одежду или были раздеты. Он изобразил большинство великих деятелей Просвещения и отправился в Америку, чтобы изготовить статую Джорджа Вашингтона, а также бюсты Томаса Джефферсона, Бенджамина Франклина и других светил новой республики. Его портретный бюст Вашингтона изображает первого президента Соединенных Штатов как сурового, но компетентного лидера, с влиянием римского веризма, очевидным в его морщинистом лбу, залысинах и двойном подбородке.

Бюст Джорджа Вашингтона работы Жана-Антуана Удона (ок. 1786)

Национальная портретная галерея, Вашингтон, округ Колумбия.

Итальянский художник Антонио Канова и датский художник Бертель Торвальдсен оба жили в Риме, и наряду с портретами создали множество амбициозных фигур и групп в натуральную величину. Оба представляют собой сильно идеализирующую тенденцию в неоклассической скульптуре.

Hebe Антонио Канова (1800–05). : Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург.Петербург, Россия.

Канова отличается легкостью и грацией, а Торвальдсен - более суровым. Различие иллюстрируется в книге Кановы Hebe (1800–05), контрапост которой почти имитирует живые танцевальные шаги, когда она готовится перелить нектар и амброзию из маленькой амфоры в чашу, и в памятнике Торвальдсена Копернику (1822-30). , чей объект сидит вертикально с циркулем и армиллярной сферой.

Памятник Копернику работы Бертеля Торвальдсена (1822–1830 гг.).: бронза. Варшава, Польша.

Неоклассическая архитектура

Неоклассическая архитектура обращается к классическому прошлому греко-римской эпохи, Возрождения и классицизированного барокко, чтобы передать новую эпоху, основанную на принципах Просвещения.

Цели обучения

Определите, что отличает неоклассическую архитектуру от других механизмов

Основные выводы

Ключевые моменты
  • Неоклассическая архитектура была создана неоклассическим движением в середине 18 века.Он проявился в деталях как реакция на стиль натуралистического орнамента рококо и в его архитектурных формулах как следствие классицизирующих черт позднего барокко.
  • Первая фаза неоклассицизма во Франции выражена в «стиле Людовика XVI» таких архитекторов, как Анж-Жак Габриэль (Пти Трианон, 1762–68), а вторая фаза выражена в стиле Директории конца 18 века.
  • Неоклассическая архитектура подчеркивает ее плоские качества, а не скульптурные объемы.Выступы и углубления, а также их светотени более плоские, в то время как скульптурные барельефы более плоские и имеют тенденцию обрамляться фризами, таблицами или панелями.
  • Такие сооружения, как Триумфальная арка, Пантеон в Париже и Чизвик-хаус в Лондоне, имеют элементы, передающие влияние древнегреческой и римской архитектуры, а также некоторые влияния периодов Возрождения и позднего барокко.

Неоклассическая архитектура, начавшаяся в середине 18 века, обращена к классическому прошлому греко-римской эпохи, Возрождения и классицизированного барокко, чтобы передать новую эпоху, основанную на принципах Просвещения.Это движение проявилось в деталях как реакция на стиль натуралистического орнамента рококо и в его архитектурных формулах как следствие некоторых классицизирующих черт позднего барокко. В чистом виде неоклассицизм - это стиль, в основе которого лежит архитектура классической Греции и Рима. По форме неоклассическая архитектура подчеркивает стену и сохраняет индивидуальность каждой из ее частей.

Первая фаза неоклассицизма во Франции выражается в стиле Людовика XVI таких архитекторов, как Анж-Жак Габриэль (Пти Трианон, 1762–68).Анж-Жак Габриэль был главным архитектором в Версале, и его неоклассические проекты королевского дворца доминировали во французской архитектуре середины 18-го века.

Анж-Жак Габриэль. Замок Малый Трианон. : Малый Трианон в парке Версаля демонстрирует неоклассический архитектурный стиль времен Людовика XVI.

После Французской революции вторая фаза неоклассицизма выразилась в стиле Директории конца 18 века. Стиль Директории отражал революционную веру в ценности республиканского Рима.Этот стиль был периодом декоративного искусства, моды и особенно дизайна мебели, совпадающим с постреволюционным Французским управлением (2 ноября 1795 г. - 10 ноября 1799 г.). Стиль использует неоклассические архитектурные формы, минимальную резьбу, плоские просторы из высокозернистого шпона и прикладную декоративную роспись. Стиль Директории в первую очередь был создан архитекторами и дизайнерами Шарлем Персье (1764–1838) и Пьером-Франсуа-Леонаром Фонтеном (1762–1853), которые работали над Триумфальной аркой в ​​Париже, которая считается символом французской неоклассической архитектуры.

Триумфальная арка : Триумфальная арка, хотя и закончена в начале 19 века, является символом французской неоклассической архитектуры, которая доминировала в период Директории.

Хотя неоклассическая архитектура использует тот же классический словарь, что и архитектура позднего барокко, она имеет тенденцию подчеркивать ее плоские качества, а не скульптурные объемы. Проекции, спады и их влияние на свет и тень более плоские. Скульптурные барельефы более плоские и, как правило, обрамлены фризами, таблицами или панелями.Его четко сформулированные индивидуальные черты изолированы, а не взаимопроникают, автономны и завершены сами по себе.

Даже сакральная архитектура была классифицирована в неоклассический период. Пантеон, расположенный в Латинском квартале Парижа, изначально был построен как церковь, посвященная святой Женевьеве и служившая помещением для реликвария, содержащего ее мощи. Однако во время Французской революции Пантеон был секуляризован и стал местом упокоения икон Просвещения, таких как Вольтер и Жан-Жак Руссо.Дизайнер Жак-Жермен Суффло намеревался объединить легкость и яркость готического собора с классическими принципами, но его роль в качестве мавзолея требовала блокирования больших готических окон. В 1780 году Суффло умер, и его заменил его ученик Жан-Батист Ронделет.

Жак-Жермен Суффло (оригинальный архитектор) и Жан-Батист Ронделе. Пантеон. : Начало 1758 г., завершение 1790 г.

Подобно римскому храму, в Пантеон можно попасть через портик, состоящий из трех рядов колонн (в данном случае коринфских), увенчанных классическим фронтоном.В стиле, более близком к древнегреческому, фронтон украшен рельефами по всему треугольному пространству. Под фронтоном надпись на антаблементе переводится как: «Великим людям, благодарная родина». С другой стороны, на купол больше повлияли предшественники эпохи Возрождения и барокко, такие как собор Святого Петра в Риме и собор Святого Павла в Лондоне.

В интеллектуальном плане неоклассицизм был симптомом желания вернуться к воспринимаемой «чистоте» искусства Рима.Движение также было вдохновлено более расплывчатым восприятием («идеалом») древнегреческого искусства и, в меньшей степени, классицизмом эпохи Возрождения 16 века, который также был источником академической архитектуры позднего барокко. Есть штамм анти-рококо, который можно обнаружить в некоторой европейской архитектуре начала 18 века. Этот штамм наиболее ярко представлен в палладианской архитектуре грузинской Британии и Ирландии.

Лорд Берлингтон. Chiswick House : на дизайн Chiswick House в Западном Лондоне оказала влияние внутренняя архитектура Палладио, в частности, Вилла Ротонда в Венеции.Ступенчатый купол и фасад храма явно находились под влиянием римского Пантеона.

Тенденция к классике также прослеживается в классицизирующем духе архитектуры позднего барокко в Париже. Это прочная архитектура самоограничения, академически отобранная теперь «лучшим» римским образцам. Эти модели становились все более доступными для внимательного изучения с помощью архитектурных гравюр на обмерных рисунках сохранившейся римской архитектуры.

Французский неоклассицизм продолжал оставаться главной силой в академическом искусстве на протяжении 19 века и позже - постоянной противоположностью романтизму или возрождению готики.

Барокко и классицизм - французское искусство 17-18 веков

About-France.com - тематический справочник по Франция

► Вы здесь: Франция ›

Барокко и рококо

Арт во Франции -: 1590 - 1790


От классический от барокко до французского рококо



Джордж де Латур - Игроки в кости - Музей Престон Холла - Стоктон От К концу XVI века французское Возрождение подошло к конец, когда писатели, мыслители, художники и архитекторы двинулись дальше, чтобы исследовать новые горизонты.Как и в эпоху Возрождения, новые направления во французском искусстве изначально были вдохновлены тем, что происходило в Италии. Здесь инновационный художники давно отошли от натурализма Высокого Возрождения. искусство, сначала в более преувеличенный стиль, известный как маньеризм, как представлен в работах Бронзино или Тинторетто, а затем конец 16 века к новому типу эксцентричного классицизма, который позднее получило название «искусство барокко»
Барокко не было отходом от Возрождения классицизм, это было развитие.В то время, художников и архитекторов, которых мы сегодня считаем мастерами Искусство итальянского барокко рассматривало себя как живопись и работало в новом фаза классицизма, подчеркивающая эмоции, опасения, движение и жизненная сила. Барокко было новым классицизмом, преувеличенным интенсивный свет и тень, драматические перспективы, а иногда и обильное использование цвет.
Взгляд на искусство барокко как на смену классицизма иногда требуется прыжок веры, когда кто-то смотрит на дела из великие художники эпохи барокко Италии, Фландрии или Испании, такие как Караваджо, Рубенс или Сурбаран.Напротив, большая часть французского барокко полностью более четко классический, с меньшим излиянием, наблюдаемым в другие части Европы, оставаясь более «классическими» и покоренными в своем развитие идиомы искусства эпохи Возрождения.
Прилагательное «барокко» даже кажется неуместным, когда его используют Опишите работы некоторых из величайших французских художников семнадцатого века века, особенно Клода Лоррена и Николя Пуссена; но сидит хорошо с двумя выдающимися художниками, современниками Караваджо, Жорж де Латур и Филипп де Шампень.
Когда-то названный «французским Караваджо», Латур (1593-1652) из ​​Лотарингии, специализируется на картинах, в основном небольших полотнах, показывающих интимные сцены при свечах с интенсивным светом и тенью. Напротив, Филипп де Шампань, родившийся в Брюсселе в 1602 году, работал на протяжении большей части его жизнь в Париже, где ему приходилось писать много крупных религиозных картины, а также портреты, в том числе несколько кардиналов Мазарини. Его картины на религиозные темы, особенно когда они касаются смерть показывает всю интенсивность эмоция, характерная для искусства барокко.

Николя Пуссен - Святое семейство со святой Елизаветой И Иоанна
Креститель - Санкт-Петербург - Эрмитаж Среди французских художников первой половины 17 в. век тот, с чьими произведениями довольно легко ассоциируется слово барокко был Николя Пуссен. Рожден в В Нормандии в 1593 году Пуссен молодым художником приехал в Париж, где он работал несколько лет, прежде чем переехать в Рим в 1624 году и остаться там на всю оставшуюся жизнь. Он был довольно плодовитым художником, черпая вдохновение из великих религиозных и классических темы, которую он интерпретировал в грандиозном, но интимном стиле, менее размытым, чем произведения его великих итальянских современников, менее оторванных от стиль Высокого Возрождения.
Пуссен разработал свои собственные теории живописи, особенно его представление о величии маньер мнение, что произведение искусства должно рассказывать историю самым ясным образом возможный способ, не запутывая проблему слишком сильно отвлекающей деталь. Таким образом, его искусство отличается от Основной поток искусство барокко, в котором обилие деталей часто отвлекает из основной темы.
Современник Пуссена, Клод Лоррен (1600-1682), был совсем другим художником, чьи работы должны были вдохновить многих художников-неоклассиков.Для записи, полезно понимать, что Клод Лоррен подпадает под несколько разные имена: родился в 1600 году в Лотарингии и известен от рождения как Клод Гелле, он стал известен в мире искусства просто как Клод, или Клод ле Лоррен (Клод из Лотарингии). По-французски его часто называют Ле Лорреном.

Клод Лоррен - Пасторальная сцена с классическими руинами. Гренобль - Музей изящных искусств Как и Пуссен, Клод Лоррен большую часть жизни работал в Рим, где он специализировался на воображаемых сценах из классической мифологии. и история.В каком-то смысле он был первым великим французским пейзажистом. художник, убирая элемент пейзажа с фона, где он был основным, но второстепенным элементом в творчестве многих эпохи Возрождения. художников, превратив его в доминирующий элемент живописи. Таким образом, картины Лоррена отходят от традиций, поскольку изображения людей или событий в случайном пейзаже, но картины с пейзажами или морскими пейзажами, которые служат декорациями для идеализированное изображение случайной истории или события, взятого из библейский репертуар или из классической мифологии.Лоррена почти мистическое изображение идеализированных классических итальянских пейзажей должно было вдохновляют многих художников не только во Франции - таких как Орас Верне или Хьюберта Роберта - но также в Англии и других частях Европы для следующие сто пятьдесят лет
С двумя величайшими Французские художники своего времени работали в Риме, меценаты в Франция ищу портреты или произведения искусства для церквей, часовен и замки пользовались услугами большого количества малоизвестных художники, часто рисующие со значительным мастерством, но как последователи, а не новаторы, в области искусства.Стоят два имени из остальных - Шарль Лебрен и Гиацинт Риго.
Шарль Ле Брун (1619 - 1690), учившийся в Риме у Пуссена, считался Король Людовик XIV был величайшим французским художником всех времен и заказанный им для монументальных работ и потолков в его дворцах на Лувр и Версаль. Ле Брен также работал на других покровители на проектах в различных замках, таких как Vaux le Vicomte, где его работы можно увидеть и сегодня.
Ле Брен тоже был одним из ключевых участников борьбы за официальное признание лучших художников Франции, идея, которая в конечном итоге привела короля Людовика XIV к основал в январе 1848 г. первую Французскую Королевскую академию живописи и скульптура.С тех пор величайшие художники страны получить официальное признание, сделав Академию официальный арбитр хорошего искусства.
Гиацинт Риго (1659 - 1743) был великим портретистом Великого Сикля, и портреты, написанные им во второй половине 17 века определили способ, которым люди видят или представляют себе великое и знаменитый, который тяготел к Солнцу в этот период абсолютистская монархия во Франции.
Влияние Людовик XIV об искусстве в его время нельзя недооценивать.Если второй Часть XVII века не была периодом больших инноваций во французском языке. искусства, это было в немалой степени из-за роли, сыгранной Королем и его суд как арбитров моды, стиля и искусства. Художники, пожелавшие пробиться в жизни, зная, что для этого они должны следовать в путь Лебрена или Риго, рисование портретов для богатых и украшать свои дома и церкви богато украшенными полотнами и фрески в стиле эпохи. Так было только в начале 18-го века, когда все стало меняться.
Предвестником перемен был Антуан Ватто (1684 г. - 1721). Родился в Валансьене, городе на границе с Фландрией, Ватто впервые нашел работу в качестве художника в Париже, рисуя копии Фламандские жанровые картины для буржуазных заказчиков. Позже он стал Самостоятельный жанровый художник, специализирующийся на театральных сценах. Его изображения постановочных деревенских сцен сильно отличаются от деревенских сцены, написанные Клодом Лорреном; и пока элемент ландшафта остается важным в творчестве Ватто, именно люди являются главными предмет.С Ватто французское искусство начало переход от величия искусство барокко в сторону меньшего масштаба и более интимного стиля, известного как рококо.
Современник Ватто и другой жанр Художником, хотя и не принадлежащим к тому же жанру, был Жан Симеон Шарден. (1699 - 1779). На Шардена сильно повлияла голландская жанровая живопись. которые стали популярными по всей Европе, поскольку новый средний класс и расширяющаяся аристократия искала и заказывала произведения искусства для украсить свои дома. Искусство Шардена - это ни барокко, ни рококо, ни классический; он перекликается с работами таких художников, как Вермеер или Питер де Hooch, черпая вдохновение в Северной Европе, а не в Италии, из повседневная жизнь и обычные люди, а не из великих моментов истории, религия или мифология.Шарден нарисовал натюрморты, домашние сцены и портреты обычных людей, и тем самым помогли двигаться Французское искусство в новом направлении, которое должно было вдохновить многих французских художников уже более века. И Мане, и Сезанн признали влияние Шардена на собственное искусство.
Но пока французский искусство вместе с Шарденом перешло на новую территорию, неподвластную влиянию барокко другие художники следовали за Ватто; в первую очередь среди это был этот родившийся в Париже художник Франсуа Буше (1703-1770), который даже в свое время был признан мастером искусства рококо.
Будучи плодовитым художником, Баучер был одновременно живописцем и гравером. хорошо как дизайнер гобеленов. После поступления в Королевский Королевский Академии в 1731 году он был очень востребован как портретист, и получил многочисленные заказы от королевских и аристократических покровителей, большинство особенно от мадам де Помпадур, которой он написал ряд из портреты.
Буше нарисовал в менее нежном стиле чем Ватто, и его работы гораздо более тематически разнообразны. Он нарисованные жанровые сцены, портреты, религиозные полотна, классические сюжеты и даже шинуазри, привнося во французское искусство новую чувственность это чем-то обязано и Рубенсу, и Тьеполо.Пока его портреты мадам де Помпадур, любимой любовницы Людовика XV, полностью одетый, Буше преуспел в обнаженных телах, которые по-разному изображали как Венеру, Диана или другие мифологические красавицы.
Его смелое использование цвет - гораздо менее сдержанный, чем у Ватто - был источником вдохновения для многих молодые художники, но не понравились первому великому французскому искусствоведу, Дидро, написавший об одной из своих картин, выставленных в Салоне 1763 года: "Этот человек - развалины всех молодых начинающих художников. Вряд ли они умеют держать кисть и палитру, чем мучают сами с гирляндами детей, раскрашивая толстые киноварь задницы и бросаются на всякие излишества которые не компенсируются ни теплотой, ни оригинальностью, ни по доброте или магии своей модели: они просто подражают его ошибки.«
В то время как Дидро критиковал Буше частично на по моральным соображениям, он был в восторге от другого молодого художника, Жан-Батиста Грёза (1725 г. - 1805). Грёз приобрел популярность как жанровый художник в манера Шардена, специализирующаяся на сентиментальных портретах и ​​сценах с моралью, которая хорошо подходила Дидро и хорошо понимала в соответствии с духом времени.
Грёза морализаторские сцены с их стилизованными позами и классическими движениями, также являются прообразом великих героических произведений подрастающего и грядущего поколения неоклассиков, особенно Дэвида и Жерара, которые восприняли морализаторство искусство на новый уровень, вне интимности семейной сцены и небольшого жанровой живописи, и на обширные полотна Имперской эпохи, которая была скоро рассвет
Однако к 1770-м годам Грёз пал. ушел с Академией и стал чем-то вроде независимого художника и гравер, популярный в народе, больше не в заведении - популярность, которая, несомненно, помогла ему пережить французское Революция невредима.

Классика позднего рококо: Качели, Фрагонар - 1767.
Лондон - коллекция Уоллеса И вот, наконец, последний великий художник дореволюционный эпохи, и последний великий представитель искусства французского рококо, Оноре Фрагонар (1732–1806). После непродолжительного обучения у Шардена Фрагонар продолжил обучение. работал в студии Буше, с которым он чувствовал сочувствие - до такой степени, что Баучер позволил ему копировать собственное работает.
После периода, когда он работал по существу на исторических картинах, интерпретированных с легкостью его рококо прикосновение, Фрагонар позже стал известен - и сегодня запомнился - как художник легкомыслия, рисующий сцены из аристократия на досуге в идеализированных садах или парках, или дома со своими детьми.Таким образом, он пользовался большим спросом до тех пор, пока аристократия продолжала вести свой привилегированный образ жизни; но это было не надолго.
К 1785 году рококо как жанр распространился своим ходом, и просвещенная Франция шла к драматическим событиям. 1789 года, что окажет глубокое влияние не только на то, как организованный, но почти все о французской жизни и культура тоже. В то время как революционная Франция найдет место для исторического искусства, для некоторых форм жанрового искусства и для искусства с моралью это не имело бы место для легкомыслия рококо, так тесно связанного с образ жизни и вкусы древнего режима.И хотя Fragonard человек пережил революцию, а художник Фрагонар - нет. Это будет поколение или больше, прежде чем любой более поздний французский художники признал бы любой исторический долг перед Ватто, Буше или Фрагонар.

История About-France.com искусства во Франции:




Веб-сайт Copyright © About-France.com 2003 - 2021

Фото: все фото на этой странице находятся в открытом доступе.

Классицизм - Arthistory.net

Что касается искусства, то классицизм - это подражание искусствам древнего мира, особенно Греции и Рима.Это художественный жанр, который был популярен во многие периоды, такие как эпохи Возрождения и Просвещения. Классицизм как художественное влияние обычно представляет свои классические идеалы в искусстве, литературе, архитектуре и музыке. Изучение греческого и латыни, а также искусства древности также на протяжении многих веков становилось важнейшими компонентами образования. Некоторые определения этого термина обсуждают художественное превосходство и консерватизм как компоненты классицизма.

Классицизм впервые появился после падения Византии во время итальянского Возрождения.По мере того как образование начало расцветать после средневековья и появилась информация о древнем прошлом Европы, люди начали подражать его формам и идеалам. Художники начали подражать классическому искусству по форме, симметрии, балансу и общему чувству порядка. Ведущие художники классицизма эпохи Возрождения - Микеланджело, Рафаэль и Корреджо. Классические идеалы особенно выразились в эпоху Возрождения в скульптуре, графике и живописи.

В течение шестнадцатого и семнадцатого веков классицизм рассматривался более формально и наделен большей художественной дисциплиной.Например, художественные и музыкальные институты разработали педагогику для разъяснения идеалов классицизма. Хотя порядок и элегантность по-прежнему были отличительными чертами произведений, вдохновленных классикой, атмосфера предсказуемости также окружала многие работы того периода. Двор Людовика XIV особенно символичен для классицизма второй половины этого периода.

В XVIII веке и в эпоху Просвещения классицизм был важным компонентом формального образования. Основные идеалы того периода, такие как свобода и демократия, уходят корнями в древность, особенно демократическое управление классических Афин, Греция.Классицизм породил неоклассицизм в искусстве, в котором больше внимания уделялось западным канонам признанных классических произведений. Хотя эти термины часто используются как синонимы, они привязаны к определенным векам, но оба движения представляют художественное влияние Древней Греции и Рима. Классицизм также оказал влияние на искусство девятнадцатого и двадцатого веков.

Хотя произведения классицизма демонстрируют характеристики порядка и баланса, они также часто воплощают классические сюжеты.Многие произведения классицизма изображают классические сцены античности, такие как Афинская школа (1509-1510) Рафаэля или Смерть Сократа (1787) Жака Луи-Давида. Многие произведения классицизма изображали сцены из мифологии, а также античной истории. Среди других известных художников, вдохновленных классикой, - Николя Пуссен, Джан Лоренцо Бернини и Леон Баттиста Альберти.

Неоклассицизм и религиозное искусство в Европе 18-го века

Резюме

Термин «неоклассицизм» относится к эпохе, когда большое количество художников и ученых по всей Европе 18-го века черпали вдохновение из истории и материальных остатков классической античности. который был определен как Древняя Греция и Рим.Хотя неоклассицизм часто считается стилистической тенденцией, художники работали со стилистическими категориями, но все они были частью широкой среды, которая реагировала на глубокие социальные изменения, ища классические прецеденты для вопросов, заданных мыслителями Просвещения. Эти вопросы включали цель религии в обществе, где философы, в том числе Джон Локк (1632–1704) и Франсуа-Мари Аруэ Вольтер (1694–1778), теоретизировали новые духовные способы изучения человеческого существования.

Многие религиозные художники 18-го века учились во Французской академии живописи и скульптуры, основанной в Париже в 1648 году при королевской спонсорской поддержке, которая диктовала вкус, и этих художников отстаивали за их способность изображать грандиозные выражения человеческих эмоций, извлеченные из древности и из прошлого. классифицирует художников эпохи Возрождения и барокко, в том числе французского художника Николя Пуссена (1594–1665), который популяризировал римскую концепцию expla virtutis .Жан-Батист Кольбер, первый министр короля Людовика XIV и вице-протектор Академии, продвигал этот великий классический стиль барокко как возвышенный стиль аристократии, положивший начало неоклассицизму. Для французского философа Дени Дидро (1713–1784) искусство могло доставлять удовольствие, но превосходные произведения искусства обеспечивали визуальную красоту, которая вдохновляла на добродетельное поведение; таким образом, хотя не все искусство выполняло религиозную функцию, произведения искусства часто демонстрировали примеры добродетели. Например, Дидро, сообщавший о проводимых раз в два года выставках, спонсируемых Академией в Париже, похвалил Жак-Луи Давид (1748–1825) Клятву Горациев (1784, Лувр, Париж), изображение 7-го века. до римской легенды за демонстрацию патриотического самопожертвования.Многие из этих морализаторских повествований основывались на историях классической античности, изученных художниками, обучавшимися во Французской академии в Риме (основанной в 1666 году) в период обучения, который иногда называют Великим туром.

Неоклассическое искусство также было сформировано в результате интенсивных культурных вопросов, возникших во время Французской революции, и оно нашло благодатную почву во время промышленной революции. Религиозное искусство в 18 веке пережило сложное историческое развитие, учитывая драматические изменения, которые разрушили религиозные институты и церковный патронаж в пользу светских покровителей и новых субъектов.Тем не менее морализаторские тенденции неоклассицизма и академическое предпочтение исторической живописи продолжали предоставлять место религиозному искусству и архитектуре на протяжении всего 18 века, многие из которых заслуживают дальнейшего изучения.

Искусство восемнадцатого и начала девятнадцатого веков в Европе и Северной Америке

За это время было создано большое количество произведений искусства, поэтому мне нравится включать близлежащие архитектурные образцы и произведения искусства из местных музеев. Эти движения также имеют множество вариаций.Если вы ограничитесь тремя основными географическими областями: Франция, Великобритания и североамериканские английские колонии / Соединенные Штаты Америки, лекция будет намного более управляемой.

За час и пятнадцать минут вы сможете охватить следующие произведения искусства и архитектуры:

Барокко

  • Гиацинт Риго, Людовик XV в возрасте пяти лет в коронационных одеждах , ок. 1715 (Франция, барокко)

Рококо

  • Жан-Антуан Ватто, Возвращение из Киферы , 1717–179 (Франция, ранний рококо)
  • Жан-Оноре Фрагонар, Качели , 1766–17 (Франция, поздний рококо)

Просвещение

  • Джордж Стаббс, Анатомия лошади , 1766 (Англия, наука)
  • Жак-Луи Давид, Клятва Горациев , 1784–175 (Франция, неоклассицизм)
  • Бенджамин Уэст, Смерть генерала Вульфа , 1771 (Англия, нео-неоклассицизм)
  • Жан-Антуан Удон, Джордж Вашингтон , 1785–92, установлен в 1796 году (Франция / Америка, неоклассицизм)
  • Стивен Халлет, Уильям Торнтон, Б.Х. Латроб, Чарльз Булфинч, Томас У. Уолтер и другие, Капитолий Соединенных Штатов, ок. 1793–1828, 1851–7 и 1856–63, в основном (Америка, неоклассицизм)

Романтизм

  • Теодор Жерико, Плот Медузы , 1818–189 (Франция)
  • Антуан-Луи Бари, Тигр, пожирающий Гавиал , 1831 (Франция)

Глоссарий:

Для более подробных определений рококо, просвещения и романтизма я рекомендую использовать Oxford Art Online.

Académie Royale de Peinture et de Sculpture (Французская королевская академия) : основана в Париже в 1648 году группой художников, в том числе Шарлем Лебреном. Одной из целей учреждения было отвести живопись и скульптуру от ассоциаций, основанных на ремеслах, таких как средневековая система гильдий, путем подчеркивания интеллектуального статуса живописи и скульптуры над деятельностью, основанной на ручном управлении. В рамках своей деятельности он организовал Prix de Rome, конкурс для молодых художников, который позволил победителю учиться в Академии Франции в Риме.Чтобы получить членство во Французской Королевской Академии, художникам необходимо было предоставить приемную работу . Эта работа навсегда привяжет художника к определенному жанру искусства. Иерархия жанров была систематизирована Французской королевской академией: историческая живопись заняла самое важное место, затем портрет, пейзаж и натюрморт соответственно. Только художники-историки могли занимать должности во Французской Королевской Академии. После революции в 1795 году Французская Королевская академия была переименована в Школу изящных искусств.

Просвещение : термин, характеризующий культурное преобладание в Западной Европе и Северной Америке определенных общих идей с конца восемнадцатого до начала девятнадцатого века. Хотя это не единое движение, оно было основано на вере в прогресс и в силу разума. Последние достижения науки укрепили веру в то, что через приобретение знаний и применение разума могут быть осуществлены социальные, интеллектуальные и моральные реформы.Влияние Просвещения на искусство принимало различные формы. Одни художники отдавали дань науке, другие изучали классическое прошлое. В то время реализм, сдержанность, гармония и порядок классического искусства соответствовали мышлению эпохи Просвещения. Считалось, что использование классического стиля и тематики в современных произведениях способно морально улучшить зрителя.

Fête galante : [по-французски «вечеринка ухаживания»] категория живописи, специально разработанная Французской академией в 1717 году для описания вариаций Ватто на тему fête champêtre, , на которых изображены фигуры в бальных или маскарадных костюмах любовно размещен в парковой зоне.Короче говоря, эти работы изображают изящные развлечения элиты на открытом воздухе.

The Grand Tour : образовательная поездка, предпринятая богатыми людьми и художниками с акцентом на искусство и культуру Италии. Этот интерес проявился на примерах неоклассического искусства. Это путешествие может занять несколько лет.

Историческая картина : форма повествовательной картины, на которой изображены несколько фигур, разыгрывающих сцену, обычно взятую из классической истории, мифологии или Библии.

Золотая середина : метафора межкультурных отношений. Это пространство для проживания и гибридности.

Неоклассицизм : Рассматриваемый как противовес легкомыслию и экстравагантности рококо, он был преобладающим художественным стилем в Европе и Северной Америке в конце восемнадцатого и начале девятнадцатого веков. Отличительной чертой этого особого классического возрождения был упор на археологическую точность. Научное изучение артефактов заполнило множество публикаций.

Prix de Rome : термин, применяемый к высшей студенческой премии, присуждаемой последовательно спонсируемыми государством академиями в Париже. Это позволило художнику, скульптору или архитектору учиться в Академии Франции в Риме от трех до пяти лет. Золотой век Prix de Rome пришелся на конец восемнадцатого - начало девятнадцатого века в период неоклассицизма. В то время сильно поощрялась историческая живопись.

Приемная часть : произведение искусства, представленное художником Французской Королевской Академии для получения членства.Работа была представлена ​​художником в определенном жанре: историческая живопись, портретная живопись, пейзаж или натюрморт.

Рококо : стиль искусства и декора, характеризующийся легкостью, пастельными тонами, изяществом, игривостью и интимностью, возник во Франции в начале восемнадцатого века и распространился по Европе до конца восемнадцатого века. Хотя в первую очередь это направление дизайна интерьера, художники живописи и скульптуры отошли от серьезного предмета барокко.Когда во Франции произошло Просвещение, рококо подверглось критике, потому что считалось, что оно не имеет интеллектуальной основы.

Романтизм : доминирующая западная культурная тенденция в западном мире в конце восемнадцатого и начале девятнадцатого веков. Трудно определить, движение включает в себя размещение эмоций и интуиции перед разумом (или, по крайней мере, наравне с ним), веру в то, что есть важные области опыта, которыми рациональный ум пренебрегает, и веру в общую важность личности. , личное и субъективное.

Рококо

Жан-Антуан Ватто « Возвращение из Киферы» (1717–179) относится к раннему периоду рококо. В настоящее время ученые считают, что на картине изображены пары, покидающие Киферу - мифический остров любви - после того, как они провели там день. Если понимать композицию как движущуюся справа налево, пара, сидящая ближе всего к герме Афродиты (сужающийся четырехгранный стержень, увенчанный бюстом), кажется, все еще находится под чарами Афродиты, поскольку их головы близко друг к другу в разговоре.По мере того как пары удаляются от гермафродита, это заклинание снимается. Двигаясь налево, следующая пара начинает подниматься, и пара рядом с ними уходит, а дама с тоской смотрит через плечо на первую сидящую пару. Вниз по склону чары любви полностью разрушены. Люди участвуют в социальном разговоре, а не в интимном типе, примером которого является пара, наиболее близкая к герме.

Этот тип заколдованных сцен, обычно связанных с любовью, был обычным явлением в начале восемнадцатого века.Цитера и ее эффекты изображались в театральных постановках и описывались в современной литературе. Ватто создал эту большую картину маслом на холсте (129 x 194 см), которая будет представлена ​​Королевской академии в качестве своего приемного экспоната в соответствии с категорией исторической живописи. Однако важность этой картины проистекает из ее способности игнорировать категоризацию в рамках существующей иерархии жанров (1-историческая картина, 2-портретная живопись, 3-пейзаж, 4-натюрморт). Присмотревшись к работе, студенты должны понять, почему она не вписывается ни в один из существующих жанров.Проще говоря, здесь не изображено религиозное или историческое событие с возвышающим или морализирующим посланием. В самом деле, это относится к путешествию в мир незаконной сексуальности, хотя и довольно скромно представленного. Включение классических деталей, таких как Герма Афродиты, делает картину больше, чем пейзаж. Поэтому жанр исторической живописи был вычеркнут и мудро заменен на fête galante , что в переводе означает «элитные элегантные развлечения на свежем воздухе».К сожалению, отказав Ватто в звании исторического художника, ему никогда не разрешили стать профессором Французской Королевской академии.

Существует большая разница между скромной сексуальностью, изображенной в работах Ватто, и инсинуациями, изображенными на картине Жана-Оноре Фрагонара в стиле позднего рококо под названием The Swing . Композиция, созданная по заказу богатого человека для своего миниатюрного дома (дом отдыха) , изображает огороженный сад (о чем свидетельствует стена и садовые инструменты, лежащие на переднем плане), занятый тремя фигурами: пожилой мужской фигурой, толкающей качели, и прекрасным барышня, которая качается, и молодой джентльмен, спрятанный в кустах.

Скульптуры, маленькая белая лающая собачка у ног пожилого человека и другие детали намекают на отношения между этими тремя фигурами. Собака, традиционный символ верности, находится ближе всего к пожилому мужчине, который, вероятно, состоит в официальных отношениях с молодой леди. Лающая собака (которая кажется рассерженной) смотрит на даму, что заставляет зрителя предполагать, что собака (а не пожилой мужчина) знает об измене женщины. Отсюда становится очевидным, что объект привязанности женщины - молодой человек, прячущийся в кустах.Скульптура над молодым человеком предупреждает о тишине, а две фигуры путти под дамой смотрят на нее и впиваются взглядом в собаку. Молодой человек находится в идеальном положении, чтобы мельком увидеть ноги дамы, когда она качается. В статье Дональда Познера раскрывается сексуальный подтекст, стоящий за потерянной женской туфлей на картине и снятой шляпой молодого человека.

Ваши ученики могут быть знакомы с этим произведением из-за его вариации, представленной в мультфильме Disney Frozen .На Youtube.com мне нравится включать песню «Впервые за всю жизнь» и ставить ее на паузу, когда Анна подпрыгивает перед The Swing . Различия между версией в фильме и картиной значительны. В фильме снимается молодой человек, а вспомогательных статуй нет. Хотя обувь снимается, зрители видят смягченную версию картины Фрагонара, которая теперь становится простым невинным флиртом.

Рококо было эпохой аристократического покровительства.К концу восемнадцатого века он уступил место своему контрапункту - Просвещению. Просвещение, объединенное верой в прогресс и силой разума, было больше озабочено пониманием и рационализацией нашего мира посредством изучения. Для естественного мира это означало систематизацию природы и создание зверинцев, для других - тщательное наблюдение и документирование классического прошлого и эпохи Возрождения. Создание публикаций, документирующих эти открытия, ускорило распространение знаний (ярким примером является книга Джеймса Стюарта и Николаса Реветта Древности Афин , опубликованная в 1762–1816 годах в Лондоне), по крайней мере, среди тех, кто имел деньги и умел читать.Просвещение принимало разные формы в разных странах в зависимости от образования и интересов художника / мецената.

Просвещение

Создан в том же году, что и The Swing , Джордж Стаббс Анатомия лошади - один из лучших документов, демонстрирующих союз искусства и науки в эпоху Просвещения. Стаббс считается художником-самоучкой, получив лишь некоторую подготовку у провинциального портретиста.В годы становления он потратил значительное количество времени на обучение в больницах и преподавание анатомии человека. В обязательном порядке он предпринял поездку в Италию между 1754–176 годами, как и ожидалось от известных художников и молодых джентльменов того времени, но это фигурирует в его творчестве менее заметно. Вернувшись в Англию, он поселился в Линкольншире и начал проект, который определил его карьеру - точное изучение анатомии лошадей. Анатомия лошади была неразвитой областью, в которой не было реальных достижений в живописи после публикации Карло Руини в 1598 году Dell’anatomia et dell’infermità del cavallo .

После восемнадцати месяцев препарирования лошадей, интенсивного изучения скелета и различных слоев мускулатуры, Стаббс получил знания, позволяющие изображать лошадей с точностью, которая никогда не была достигнута ранее. В Лондоне эта способность привлекла покровительство аристократии вигов (которая привела к возвышению Ганноверского дома), которые придерживались аналогичных интересов в естественных науках. Стаббс опубликовал результаты своих вскрытий в тексте 1766 года Анатомия лошади .Выполненные без фона, скрупулезные гравюры Стаббса привлекают внимание зрителя исключительно к мышцам и скелету лошади спереди, сзади и сбоку, которые кажутся парящими в воздухе. За пять шагов Стаббс проводит зрителей через слои мускулов к скелету. Это издание предназначалось в первую очередь для художников, а затем и для сообществ коневодов и коневодов. Исторически сложилось так, что в 1768 году Англия основала собственную Королевскую академию по образу французской, что поместило художника-анималиста в самый низ иерархии жанров.Хотя Стаббс без всяких споров боролся со стигматизацией конного художника всю свою жизнь, он был лучшим спортивным художником восемнадцатого века.

Клятва Горациев Жака-Луи Давида (1784–175 гг.) Также относится к эпохе Просвещения, что свидетельствует о сильном интересе того периода к неоклассицизму. Признание древних было привито Давиду с юных лет, его буржуазное происхождение позволяло ему получить классическое образование. Тренировался в студии Жозефа-Мари Вьен, признанного почитателя античного мира.В 1774 году Давид выиграл Римскую премию, на которую было потрачено пять лет обучения в Италии. Находясь там, Дэвид впитал визуальную культуру вокруг себя, что повлияло на уровень археологической точности в будущих заказах, таких как Клятва Горациев . В Клятва Горациев Давид привнес в жанр исторической живописи неоклассическую чувствительность. В статье Эндрю Стюарта 2001 года представлены убедительные доказательства того, что позы братьев Горациев могли быть вдохновлены античными скульптурами, которые Давид видел в Риме в коллекции Фарнезе.

Сюжет картины вдохновлен эпизодом из древнеримской истории, который недавно стал предметом современного театра. В центре - Гораций, отец троих молодых людей слева и патриарх семьи Горациев. Молодые люди клянутся в верности до смерти защищать Рим от вражеской семьи Куриатов. Справа - женщины и дети Горациев. Среди них дочь Горация Камилла, обрученная с членом семьи Куриатий, и невестка Сабина, происходящая из семьи Куриатти.Много было сказано о контрасте между мужской и женской фигурами. Однако морализаторское послание - ценить свой долг перед своей страной превыше всех других обязательств, включая любовь и семью - объявляет эту работу исторической живописью. Учитывая, что эта работа возникла благодаря королевскому покровительству Людовика XVI во время революции во Франции в 1789 году, эта картина послужила объединяющим фактором для республиканцев.

Важная причина, по которой я предпочитаю Oath of the Horatii другим великим неоклассическим исследованиям, таким как книга Анжелики Кауфманн «Корнелия, указывающая на своих детей как ее сокровища » (1785), заключается в пигментах, которые использовал Давид.Более темная цветовая палитра с ее битумно-коричневым / черным цветом стала клеймом, несомненно, связанным с французским академическим искусством середины девятнадцатого века. Это позволяет студентам тренировать свой глаз, чтобы распознавать академические произведения искусства, а также создает больший контраст с яркими пигментами, которые использовали импрессионисты.

Художник Бенджамин Уэст, родившийся в Северной Америке в колониях, достиг совершеннолетия в эпоху Просвещения и надлежащим образом совершил поездку по Италии, впитывая ее художественную среду между 1760 и 1763 годами.Уэст обосновался в Англии и поступил на королевскую службу в 1768 году. Его шедевр « Смерть генерала Вульфа » иллюстрирует совершенно другой подход к исторической живописи, поскольку он сочетает в себе современные предметы, обстановку и одежду с традиционными вдохновляющими посланиями патриотизма и жертвенности. . Как следует из названия, на этой картине изображена смерть генерала Вульфа во время решающей битвы за Квебек в 1759 году в ходе французско-индийской войны. Лидерство Вульфа явилось причиной британской победы, и его смерть возвысила его до звания национального мученика.По общему признанию, Уэст в своих картинах пользовался художественной свободой.

На переднем плане тринадцать человек окружают умирающего Вулфа, шестерых из них можно опознать. На самом деле Вулф умер в окружении только троих. На среднем уровне мы видим довольно точную версию военных событий дня в хронологическом порядке, изложенную справа налево. Справа англичане бросили якорь в реке Святого Лаврентия. Войска поднимаются и тащат пушки вверх по скалам реки.В средней сцене войска выстраиваются в линию, а в крайнем левом углу к группе на переднем плане бежит солдат с новостями о том, что британцы выиграли битву. Картина размером пять на семь футов, представленная в Королевской академии Англии в 1771 году, произвела фурор. В отличие от статичного, непреходящего качества работ Дэвида, Уэст создал динамичную композицию, в которой смешались фактические детали (почерпнутые из предметов из коллекции произведений искусства Уэста, которая содержала все, от образцов артефактов американских индейцев до копий картин Мастера), ярких цветов, жестов, взгляда. контакт и выражения, и диагонали.Несмотря на все инновации, некоторые неоклассические привычки сохраняются. Было замечено, что поза американского индейца основана на туловище Бельведера, что взгляд Вулфа, возможно, вдохновлен картиной Гвидо Рени, и что стоящий в полный рост офицер, держащий повязку на груди, является производным от Дорифора. .

Смерть генерала Вульфа также позволяет обсудить «золотую середину» или слияние культур / гибридности. Фигура рейнджера в зеленом цвете является ярким примером золотой середины.Этот рейнджер носит комбинацию одежды и экипировки американских индейцев и европейцев, что укрепляет его позицию связующего звена между британцами и Конфедерацией ирокезов (могавками, онейдами, тускарорами, онандагами, кайюгами и сенеками).

Это желание привить благородство исторического жанра искусства к современным событиям использовали и французы. Произведение скульптуры, которое, вероятно, лучше всего пересекает границу между неоклассицизмом и современностью, - это статуя Жана-Антуана Гудона Джорджа Вашингтона .В 1784 году Законодательное собрание штата Вирджиния проголосовало за создание мраморной статуи Джорджа Вашингтона в ознаменование его службы в войне за независимость. По необходимости, из-за отсутствия сильной местной академической художественной традиции, правительству Вирджинии пришлось обратиться к европейским художникам для завершения работы. Послы Томас Джефферсон и Бенджамин Франклин, находящиеся во Франции, рекомендовали Гудона. В детстве Гудон был окружен художниками и начал лепить рано, в возрасте девяти лет.Он учился в студии Мишеля Анж Слодца (занявший второе место на Римской премии 1724 и 1726 годов) и сам выиграл Римскую премию в 1761 году. В Риме он был очарован древними произведениями, но именно работы Микеланджело очаровали ему. Его мечтой на всю жизнь стало создание монументальной конной статуи.

Гудон отправился в Америку на Маунт-Вернон, чтобы снять мерки Вашингтона и слепить его лицо. Он также надеялся убедить федеральное правительство США заказать у него конную скульптуру, когда позволят средства.Вернувшись во Францию, Гудон столкнулся с проблемой одежды - изобразить Вашингтон в современной одежде а-ля Запад или в старинных одеждах, как того требовала традиция. В итоге было решено изобразить Вашингтон в современной одежде. Хотя Вашингтон стоит в своей униформе, которую он носил как главнокомандующий армией, Гудон добавил много классических элементов, наиболее примечательными из которых являются фасции (символ власти, есть 13 жезлов, которые представляют 13 колоний). , и плуг (который ссылается на историю римского солдата V века до нашей эры, Цинцинната, который отказался от предложения абсолютной власти, чтобы вернуться на свою ферму).В 1796 году скульптура Джорджа Вашингтона, созданная Жаном Антуаном Гудоном (1741–1828), была установлена ​​в Капитолии штата Вирджиния, где она стоит по сей день.

Капитолий США был революционным достижением неоклассицизма. Это федеральное здание в Вашингтоне, округ Колумбия, задумывалось как кирпичное здание с семнадцатью комнатами, в котором будет размещаться законодательная ветвь власти. Со временем к Капитолию добавились и другие функции, такие как гробница Вашингтона и помещение для Верховного суда.Первые представленные материалы показали, что американские джентльмены-архитекторы / строители не смогли создать адекватные элегантные и монументальные формы, которые определяли бы новый тип здания страны. Даже тогда президент Вашингтон называл их «скучными». В конечном итоге выбранный дизайн был синтезом конкурсных работ, в которых упоминались многие символы и распределение пространств, используемых в других государственных домах, а именно: портик, купол, центральный общественный пространство, и два дома напротив друг друга.

Несмотря на наличие множества разных создателей (Уильям Торнтон, Б.Х. Латроба, Чарльза Булфинча и Томаса У. Уолтера, которые представляли собой смесь профессиональных архитекторов и джентльменов), различные части Капитолия объединены в неоклассическом стиле, в центре которого находится купол Уолтера (1856–1863 гг.), Который был смоделирован после Пантеона. Строительство Капитолия вытеснило американских строителей из зоны материального комфорта. Изначально предполагавшаяся кирпичная кладка, было решено использовать кирпичную кладку снаружи. Для свода Томас Джефферсон хотел использовать дерево, а Латроб настаивал на каменной кладке.Десятилетия спустя строители были доведены до пределов своих технологических возможностей, используя новый материал - железо - для создания знаменитого купола Капитолия.

Романтизм

Романтизм , просуществовавший с конца восемнадцатого до начала девятнадцатого века, был неточным движением, основные верования которого были противоположны убеждениям Просвещения, в особенности обвинению в разуме. Романтизм известен тем, что делает упор на эмоции и интуицию или, как утверждает Oxford Art Online, по крайней мере на равных с разумом.Это началось как литературное движение, которое затем перешло в изобразительное искусство.

« Плот Медузы » Жерико (1818–189) относится к периоду романтизма. Жерико получил небольшое формальное образование, предпочитая копировать картины в Лувре. Эта массивная картина была показана в Салоне 1819 года под названием A Scene of Shipwreck . Хотя имя «Медуза» не фигурировало в названии, публике не составило бы труда установить связь между работой Жерико и недавней катастрофой.Подводя итог: «Медуза» была злополучным кораблем, который покинул Францию ​​в 1816 году и направился в Кабо-Верде, Африка. Корабль сел на мель и затонул. Спасательные шлюпки могли спасти только часть экипажа. Около 150 человек, оставшихся позади, построили плот, брошенный на произвол судьбы. В течение тринадцати дней продолжались ужасы - драки, голод, обезвоживание и каннибализм. Когда плот был наконец обнаружен, в живых осталось только пятнадцать человек. Заявления выживших были быстро опубликованы, что запечатлелось в умах французов.Возвращаясь к картине Жерико, ужасы, которые пережили выжившие, подразумеваются, а не показаны. Хотя Жерико соответствовал академическим стандартам идеализации человеческих фигур, в отличие от традиционной исторической живописи, акцент делается не на возвышающих моральных или героических идеях, которые традиционно ассоциируются с этим жанром. Вместо этого картина сосредоточена на элементарной борьбе человечества с природой. Формальный выбор Жерико, особенно цвет, отдавал предпочтение драматическому эмоциональному, романтическому эффекту картины.

Бронзовая скульптура Антуана-Луи Бари Тигр, пожирающий Гавиал (1831 г.) также относится к периоду романтизма. Бари (1796–1875) обучался в Ecôle des Beaux Arts с 1818 по 1824 годы. Изучение анатомии, особенно анатомии животных, которую он изучал в Саду растений и в Музее естественной истории, представляло для него особый интерес. . Однако Бэри не использовал анатомическое исследование как самоцель и включил его в эмоциональные повествования. Показанный на Французском салоне 1831 года, «Тигр, пожирающий гавиал» произвел фурор, многие были поражены жестокостью сцены и принесли ему серебряную медаль.Здесь анатомическая точность подчинена изображению насилия, эмоций и инстинктов и используется просто как способ повысить натурализм сцены. Учитывая, что начало девятнадцатого века было временем, когда инстинктивное поведение животных использовалось для объяснения человеческого инстинкта, скульптуры хищника / жертвы Барье оказали глубокое, возможно, познавательное воздействие на зрителей.

Краткая история неоклассического искусства

«Единственный способ стать великими или даже неповторимыми, если это возможно, - это подражать грекам.
- Иоганн Иоахим Винкельманн

Как следует из этого термина, неоклассицизм - это возрождение классического прошлого. Движение началось примерно в середине 18 века, ознаменовав время в истории искусства, когда художники начали подражать греческой и римской античности и художникам эпохи Возрождения. Помимо Дидро, другие искусствоведы стремились к «лучшему» виду искусства, которое следовало бы стилям мастеров прошлого, таких как Николя Пуссен (французский, 1594–1665), Микеланджело (итальянец, 1475–1564) и Рафаэль (итальянец, 1483–1520 годы). ), на которых очень сильно повлиял классический мир.

Иоганн Иоахим Винкельманн, основатель современной археологии и истории искусства, восхвалял греков и считал их максимально приближенными к совершенству. Следуя словам Винкельмана, многие художники начали изучать греческую архитектуру и создавать произведения искусства, вдохновленные классикой. В 1738 году раскопки Помпеи и Геркуланума привели к обнаружению хорошо сохранившихся красочных картин, мозаик и керамики. Эти открытия только подогрели художественное очарование и любопытство к древности, и художники начали использовать эти новые знания прошлого в своем искусстве, создав свой собственный «новый» классический стиль, который сильно отличался от рококо - стиля, популярного в период с начала до середины середины прошлого века. -18-ый век.

Одним из таких художников был Жан-Огюст-Доминик Энгр (француз, 1780–1867). Его картина Эдип и Сфинкс (1808) представляет собой сцену из классических греческих пьес Софокла. Эдип, главный герой пьес, оказывается лицом к лицу со Сфинксом, который задает ему ставшую знаменитой загадку: он ходит на четырех ногах утром, двумя днем ​​и тремя вечером. Помимо предмета, вдохновленного греческой культурой, физические характеристики традиционно классические: красота, гармония, баланс и линия.Использование строгих горизонтальных и вертикальных линий, ясно видимых в позе Эдипа, - очень важная неоклассическая характеристика, которая помогает создать гармоничную и сбалансированную композицию. Хотя изображение Эдипа Энгра не изображает идеализированную человеческую форму, необходимую для классицизма, его изображение мужской фигуры согласуется с идеей Винкельмана о «несовершенной природе». Совершенство заключается в воображении, а образ, который создается в реальности, - это всего лишь идея совершенства.

Жан-Огюст-Доминик Энгр, Эдип до Сфинкса , карандаш, продается на Christie’s в Лондоне

Обнаружение сохранившихся древних артефактов также сыграло огромную роль в декоративном искусстве того времени.Джозайя Веджвуд (британец, 1730–1795), один из самых известных английских производителей керамики XVIII века, в 1759 году основал компанию Wedgwood, которая производила изделия из яшмы, кремовые изделия и черный базальт в классическом стиле с использованием простых геометрических линий и декорированием. с фризовыми сценами, напоминающими древнегреческую и римскую керамику. Джон Флаксман (британец, 1755–1826 гг.), Выдающийся скульптор, иллюстратор и дизайнер неоклассицизма, начал работать на Веджвуд примерно в 1775 году. Его творчество включает иллюстрации к классической литературе, такой как «Одиссея » , и эскизы произведений декоративно-прикладного искусства в классическом стиле. Веджвуда, памятники военным героям и дворянам.

Ваза Веджвуд Dark Blue Jasper Dip Portland, 19 век, продается в Скиннер, Бостон, Массачусетс

John Flaxman, Пара прямоугольных бляшек Wedgwood из синего и белого яшмы , c.1795–1800, продано на Sotheby’s в Нью-Йорке

Неоклассицизм был также важным движением в Америке. Соединенные Штаты копировали древние цивилизации Рима и Греции, как в архитектурном, так и в политическом плане. В новообразованной республике свободно текли неоклассические идеалы, возводились здания и памятники, вдохновленные классикой.Вашингтон, округ Колумбия, до сих пор украшают фасады из белого мрамора, имитирующие старину, и портреты президентов, созданные в стиле римских императоров и прославленные в колоссальных памятниках.

Хирам Пауэрс, Бюст Джорджа Вашингтона , мрамор, продано на Sotheby’s New York


Следите за новостями Artnet в Facebook:

Хотите опередить мир искусства? Подпишитесь на нашу рассылку, чтобы получать последние новости, откровенные интервью и острые критические моменты, которые продвигают разговор.

About Author


alexxlab

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *