Классицизм в разных видах искусств: Классицизм в литературе, живописи, архитектуре

Классицизм в литературе, живописи, архитектуре

ТЕМА: 17 ВЕК – ЭПОХА РАСЦВЕТА КЛАССИЦИЗМА В ИСКУССТВЕ (АРХИТЕКТУРА, ЖИВОПИСЬ, ЛИТЕРАТУРА, МОДА, МУЗЫКА)

ЦЕЛИ УРОКА:

  • ПРОАНАЛИЗИРОВАТЬ УСЛОВИЯ И ПРИЧИНЫ ВОЗНИКНОВЕНИЯ КЛАССИЦИЗМА

  • ДАТЬ ПОНИМАНИЕ ОТЛИЧИТЕЛЬНЫХ ОСОБЕННОСТЕЙ КЛАССИЦИЗМА

  • ПОЗНАКОМИТЬ С ЕГО ОСНОВНЫМИ ПРЕДСТАВИТЕЛЯМИ В РАЗНЫХ СТРАНАХ

  • ПРОБУЖДАТЬ ИНТЕРЕС УЧАЩИХСЯ К РАЗЛИЧНЫМ ВИДАМ ИСКУССТВА

ХОД УРОКА

1. Актуализация знаний учащихся

С чем связана смена эпох?

(С рождением новых идей, с изменением сознания людей, идеологии)

2. Объявление темы урока. Постановка целей и задач

Действительно, когда общество переживает политический, экономический, идеологический кризис, то на смену старым идеям приходят новые. В XVII веке появляется потребность в новой идеологии, которая способствовала бы созданию единого мощного государства

Эпоху Возрождения, пережившую крах ренессансной гармонии, сменила в искусстве эпоха культа разума – классицизма.

Классицизм – это художественная система, которая сложилась не только в литературе, а и в живописи, скульптуре, архитектуре, садово-парковом искусстве, музыке. Об этом мы сегодня и поговорим.

Давайте запишем тему урока.

Классицизм сложился в XVII веке во Франции, отразив подъем абсолютизма, или абсолютной монархии.

— Что такое абсолютизм?

(Форма феодального государства, при которой монарху принадлежит неограниченная власть)

Таким монархом, правление которого во Франции явилось апогеем абсолютизма, был Людовик 14, король из династии Бурбонов. Его называли “король-солнце”. Людовик не получил глубокого образования, но обладал незаурядными природными способностями и превосходным вкусом. Согласно легенде, в 1655 году молодой король явился на заседание парижского парламента в охотничьем костюме и произнес: “Государство – это я”. Тем самым он дал присутствующим понять, что служение государству это прежде всего служение ему лично. Не менее знаменитой личностью при дворе Людовика XIV был кардинал Ришелье, Арман Жан дю Плесси.

— С каким произведением и художественным фильмом связано это имя?

(“Три мушкетера”)

Действительно, благодаря усилиям Дюма-отца мы знаем увлекательную историю приключений трех храбрых мушкетеров: Атоса, Портоса и Арамиса и их друга дАртаньяна, смело и бескорыстно борющихся против козней Ришелье.

Политика Ришелье была такова: искусство призвано прославлять монарха, служить украшением двора, и потому первый министр всячески содействовал развитию культуры. При его поддержке была основана Французская Академия, прошла реконструкция Сорбонны (по завещанию Ришелье оставил ей свою богатейшую библиотеку). Герцог покровительствовал художникам и литераторам, поощрял таланты.

С возникновением классицизма связано и имя философа, физика, математика Декарта.

— С какими ассоциациями связано это имя?

(С системой координат)

Действительно, Рене Декарт ввел систему координат на плоскости или в пространстве со взаимно перпендикулярными осями.

Рационализм Декарта выражен во фразе: “Мыслю, следовательно, существую”.

Само название классицизм (от лат. Сlassicus – образцовый) подчеркивало тот факт, что художники этого направления наследовали античную “классику”. Но классицисты взяли у греков и римлян не все, а только то, что считали воплощением порядка, логики, гармонии. Как известно, в основе античной архитектуры лежит принцип прямых линий или идеального круга. Классицисты воспринимали его как выражение приоритета разума, логики над чувствами. Античное искусство импонировало классицистам еще и тем, что в нем широко была представлена патриотическая, гражданская тематика. А служение монархии, преданность королю, как мы уже говорили, много значили во Франции XVII века. Классицизм должен воспевать государство.

Так что же такое классицизм и каковы его признаки?)

(Запись в тетради)

Классицизм (от лат. Сlassicus – образцовый) – стиль и направление в искусстве XVII – начала XIX века, обратившееся к античному наследию как к норме и идеальному образцу

Принципы классицизма

  1. Основа всего – разум. Прекрасно лишь то, что разумно.

  2. Главная задача – укрепление абсолютной монархии, монарх – воплощение разумного.

  3. Главная тема – конфликт личных и гражданских интересов, чувства и долга

  4. Высшее достоинство человека – исполнение долга, служение государственной идее

  5. Наследование античности как образцу
    (Устное пояснение: действие переносилось в другое время не только с целью подражания античным образцам, но и для того, чтобы знакомая жизнь не мешала зрителю, читателю воспринимать идеи)

  6. Подражание “украшенной” природе

  7. Главная категория – красота

Версаль – резиденция французских королей – гордился своим парком, созданным по проекту Андре Ленотра. Природа приняла в нем рациональные, подчас строго геометрические формы, предписанные ей разумом человека. Парк отличался четкой симметрией аллей и прудов, строго выверенными рядами подстриженных деревьев и цветников, торжественным достоинством расположенных в нем статуй.

Для французского классицизма было характерно стремление к парадности, к раскрытию видов на дворец и от дворца, симметричное построение обеих частей сада с весьма широкой центральной аллеей.

Ленотр планировал аллеи не под прямыми углами, как раньше, а расходящимися, как спицы колеса, а вернее, как лучи солнца. Тематика солнца отнюдь не случайна, ибо это был символ самого Людовика 14, Короля-Солнца. Лучи аллей расходились из спальни Короля-Солнца в центре дворца, точнее даже – непосредственно от его пышного ложа, и символизировали солнечный свет, который король распространяет по всей Франции. Содружество искусств во французском классицизме подчеркивалось грандиозными празднествами, устраивавшимися в садах, садовыми балетами и музыкой, специально писавшейся композитором Жаном Батистом Люлли.

Замечательным образцом садово-паркового искусства является и российский Петродворец. Хотя он создавался почти на столетие позже, в нем, как и в Версале, воплотились многие сильные стороны классицизма.

Замысел и исполнение проекта принадлежат Андреасу Шлютеру и Варфоломею Растрелли. Прежде всего это строгая внутренняя соразмерность грандиозного ансамбля в целом, в котором сочетаются архитектурные строения, огромные фонтанные каскады, скульптурные группы и строгая разбивка парка, поражающая своими просторами и чистотой пропорций.

Разумная правильность, уравновешенность пропорций, исключение всего лишнего, второстепенного стали нормой в эпоху классицизма.

Перед вами самый крупный петергофский фонтан “Самсон, разрывающий пасть льва”, созданный скульптором Михаилом Козловским.

— Вспомните, кто такой Самсон?

Самсон — один из ветхозаветных судей. Скульптура показывает Самсона, который продемонстрировал свою сверхчеловеческую силу, убив льва голыми руками. Он коленом прижимает льва к земле и одновременно выворачивает челюсть страшного зверя руками. Победить Самсону помогает Б-г. Скульптура создана в год 25-летия со дня Полтавской битвы.

Богатырь Самсон олицетворял Петра I и русское воинство, а лев – поверженных шведов, на государственном гербе которых был изображен лев.

Как вы думаете, почему это классицистическое произведение?

(Античный герой, его красота, патриотическая тематика, прославление монарха)

Взгляните на скульптуру Михаила Козловского “Суворов” .

В этом памятнике автор создает обобщенный образ воина, не стремясь добиться портретного сходства. Суворов показан как защитник справедливости. Он стоит с обнаженным мечом в правой руке, а левая прикрывает щитом священный алтарь с эмблемами государств, на выручку которым спешила в Европу российская армия в 1799 году.

На герое доспехи с элементами древнеримского вооружения. Он остановлен в движении. Сильный шаг, неотразимый взмах меча. Это особенно заметно при взгляде справа.

Живописцы классицизма были не в меньшей степени, чем зодчие, верны принципам этого направления. Обратимся к творчеству знаменитого художника 17 века Никола Пуссена.

Картина “Аркадские пастухи” написана на античный сюжет.

Что такое Аркадия?

(Райский уголок, в перен.смысле – счастливая страна)

По античному преданию, счастливые пастухи Аркадии не знали зла и смерти. Но надпись на гробнице: “И я был в Аркадии”, — повергает их в смущение и печаль. Сцене присущи торжественность, величавость, соответствующие философскому осмыслению жизни.

Картина “Царство Флоры” тоже создана на основе античной легенды, рассказанной римским поэтом Овидием. Флора, как известно, богиня цветения колосьев, цветов, садов. Герои, погибающие в расцвете сил, превращаются после смерти в цветы и оказываются в царстве Флоры. Жизнь человека трактуется в ее неразрывности с жизнью природы. Строгий порядок царит в мироздании, разумны его законы. Поэтому красивы герои, уравновешена композиция. Подражая “украшенной” природе, художник отражал только возвышенное, прекрасное в человеке и в жизни.

Картина другого живописца – Жака Луи Давида “Клятва Горациев” излагает сюжет древнеримской истории.

Рим соперничал с соседним городом – Альба Лонгой. По обычаю того времени самые сильные и отважные юноши должны были сразиться между собой перед началом боя. Три римлянина, три брата Горация, должны были выступить против трех братьев Куриациев.

Мы видим внутренний дворик древнеримского жилища, где старый отец семейства и глава рода провожает своих сыновей на сражение с врагами Рима. Горации клянутся выполнить свой патриотический долг.

Три человека – и единый порыв. Три человека – и единая воля. Решительны и мужественны их лица, крепки и мускулисты руки. Высоко поднял боевое оружие старый отец, благославляя сыновей на ратный подвиг, призывая небо в свидетели произнесенной ими клятвы – победить или умереть.

Композиция картины проста и логична. Пространство распределено неравномерно: группа воинов с отцом занимают значительно больше места, чем группа женщин, расположенных в правой части. Фигура отца является центром полотна.

Тема гражданского подвига воплощена в картине русского художника-классициста Антона Лосенко “Прощание Гектора с Андромахой”.

Троянский герой Гектор уходит сражаться с врагом, осадившим город. Ему предстоит скрестить оружие с Ахиллом, и исход единоборства предрешен.

Почему?

(Ахилл был неуязвим, так как мать окунула его в священные воды реки Стикс)

Однако Гектор желает подать пример мужества защитникам Трои и собственной гибелью укрепить их стойкость.

Герой прощается с женой и маленьким сыном на многолюдной площади. Главные фигуры помещены в центре, выделенные цветом и светом. Позы героев торжественны. Для Гектора единоборство между личным и общественным заканчивается победой патриотического порыва. Андромаха тоже смирилась с происходящим. “Прощание Гектора с Андромахой” — прославление героизма и любви к отечеству.

Теоретик французского классицизма Никола Буало-Депрео в своем труде “Поэтическое искусство” изложил принципы классицизма в литературе.

Труд написан в стихах.

Как вы думаете, почему? Что такое стихи в отличие от прозы? Кстати, этим же вопросом будут задаваться герои комедии Мольера.

(Стихи – это рифма, строгий порядок, гармония)

Вот что писал Буало о рифме: “Коль вы научитесь искать ее упорно, на голос разума она придет покорно”.

Запись в тетради.

Основные требования классицизма в литературе

1. Герои — “образы без лиц”. Они не меняются, являясь выразителями общих истин.

Герою своему искусно сохраните черты характера среди любых событий.
От недостойных чувств пусть будет он свободен
И даже в слабостях могуч и благороден!
Великие дела он должен совершать.

2. Исключалось использование простонародного языка

Бегите подлых слов и грубого уродства.
Пусть низкий слог хранит и строй и благородство

3. Требование композиционной строгости

4. Соблюдение в произведении трех единств: времени, места и действия .

Вы нас, не мешкая, должны в сюжет ввести.
Единство места в нем вам следует блюсти.
Но забывать нельзя, поэты, о рассудке:
Одно событие, вместившееся в сутки,
В едином месте пусть на сцене протечет;
Лишь в этом случае оно нас увлечет.

5. Строгое деление на жанры.

“Высокие”: трагедии, эпические поэмы, оды, гимны

Они должны разрабатывать важные общественные проблемы, прибегая к античным сюжетам. Их сфера – жизнь государства и двора, религия. Язык торжествен, украшен эпитетами и мифологическими параллелями, эпитетами

“Низкие”: комедии, сатиры, басни

Их тематика – жизнь частных лиц, народный быт. Язык – просторечный.

Смешивать жанры считалось недопустимым!

Крупнейшие художественные достижения французского театра связаны с именами Пьера Корнеля, Жана Расина и Жана-Батиста Мольера. Первые двое писали трагедии, а Мольер – комедии. Кстати, Корнелю покровительствовал Ришелье.

А вот мнение Мольера: “Задача комедии состоит в том, чтобы бичевать пороки”.

Мода, как известно, также отражает веяния и требования эпохи. Кстати, склонность Людовика 14 к роскоши и увеселениям сделали Версаль самым блестящим двором Европы и законодателем моды. Как мужская, так и женская одежда этого времени свободна, легка, живописна.

— Вспомните, как были одеты герои “Трех мушкетеров”. Помните наряд короля? А эпизод, когда одевают королеву?

Круглый кружевной мужской воротник, до этого падавший на плечи, уменьшился и превратился в легкий кружевной платок. Штаны так расширились вокруг колен, что стали похожи скорее на короткую женскую юбку. Под эти штаны надевались более короткие штаны с выходящими наружу кружевными манжетами. К концу XVII века сформировались три важнейших компонента, из которых сегодня состоит мужская одежда, — сюртук, жилет и штаны. Довольно узкие штаны до колен закреплялись над коленями и удерживали чулки, большей частью цветные – красные или светло-синие. Плотные полусапожки были на высоких, большей частью красных каблуках.

В женском костюме сохраняется плотный удлиненный лиф и разделенная спереди юбка Характерным является широкий вырез. Рукава и корсаж обильно украшены кружевами и лентами.

После того, как Людовик XIV начал лысеть, стали модными мужские парики, заменяющие настоящие волосы. Парики были большими завитыми, золотистыми или рыжеватыми, расчесанные на пробор посередине темени. Мужская голова становится похожей на голову льва. При таком обилии волос на голове с лица они полностью исчезают. Лицо украшали маленькими черными наклейками – мушками.

Музыка менее всего подчинялась регламентации и нормативности. Тем не менее, композитор Люлли стал создателем классицистической оперы. Примером классицизма в музыке может быть клавирная соната Моцарта, пронизанная светом и ясной гармонией. Нам она известна под названием “Турецкое рондо”.

3, Подведение итогов

Проверь себя

Одним-двумя словами дети отвечают на вопросы, появившиеся на экране.

  1. Кому принадлежат эти слова: “Государство – это я”?

  2. Назовите автора утверждения “Мыслю, следовательно, существую”

  3. Под каким именем в романе Дюма изображен Арман Жан дю Плесси?

  4. Кого называли Королем-Солнцем?

  5. Кто считал, что “задача комедии состоит в том, чтобы бичевать пороки”?

  6. Почему аллеи версальского парка соотносятся не под прямыми углами, а расходятся от центра, как спицы колеса?

  7. Символом чего является лев в скульптуре Михаила Козловского “Самсон, разрывающий пасть льва”?

В это время звучит клавирная соната Моцарта.

Работы собираются.

Как вы думаете, зачем современному человеку знать о классицизме?

В жизни все связано. Вспомните о зверствах фашизма. Все это стало возможным потому, что существовал культ личности Гитлера. Но возникло это явление гораздо раньше. Разве не культ личности Короля-Солнца мы наблюдаем в XVII веке?

4. Задание на дом

Опираясь на план и используя учебник, рассказать об основных принципах классицизма.

Классицизм в живописи, скульптуре — презентация онлайн

Автор: Скворцова Татьяна Николаевна, учитель МХК, литературы
МБО УСОШ №2 им. Сергея Ступакова г. Удомли Тверской области
Классицизм — подражание греческому и римскому искусству,
архитектуре и литературе. Хотя обычно этим термином называют
разновидность искусства, полученного от древних, иногда под ним
подразумевают накопленный опыт, высокое художественное
качество изображений.
По окончании классического периода начался неоклассицизм,
который представлял собой видоизмененные классические мотивы,
дополненные новыми тенденциями и веяниями. Приверженность
традиционным эстетическим формальностям бытовала в течение
долгого времени. Классическое искусство отличает четкость,
порядок, равновесие, симметрия и достоинство.
Классические мотивы вначале завладели Европой. До России
классицизм дошел в годы правления великого Петра I,
просветителя, образованного человека. М. В. Ломоносов в
соответствии с новым направлением ввел множество
изменений в литературе, поэзии, а также правилах грамматики
и орфографии русского языка.
Развивался классицизм в России постепенно, наибольшего
расцвета он достиг в начале 19 века, тогда он пользовался и
наибольшей популярностью. В годы правления Екатерины II
классицизм чуть ли не насаждался, поскольку просвещенная
правительница поддерживала его проявления в дизайне и
архитектуре и всячески способствовала его распространению.
Оказавшись свежей волной после вычурного и изысканного
барокко, классицизм легко нашел своих последователей и
приверженцев.
Классицизм в живописи – это прежде всего сочетание
античного наследия с современным художнику миром.
Здесь постоянно противопоставлялся разум человека силе
природы, личное – общественному. Как и во всех других
видах искусства, в классической живописи идет обобщение
образа, на первый план выходит идея первичности нужд
большинства. Как и в литературе, в живописи идет деление
жанров на низкие (или малые) и высокие.
Классицизм как наследник античности относил к
высокому жанру. Полотна написаны на мифологические и
исторические сюжеты. В них четко виден драматизм, жертва
личных интересов ради общего блага. К низкому жанру
причислялись более прозаичные картины – натюрморты и
пейзажи.
Вакханалия
1620
Пастухи в Аркадии
1638-1640
Лондонская Национальная галерея.
Отплытие царицы Савской. 1648
Классическая живопись стала
более академичной.
Юные художники, ученики
академий, большую часть времени
проводили в античных залах, делая
наброски с греческих и римских
статуй, занимаясь антиковедением.
Мир античности был для них столь
же реален, как и мир за стенами
школы. Они переносили на холст
все свое академическое восприятие
реальности.
Однако нельзя сказать, что
классическая живопись
была полностью статична и
заимствована у древней Греции.
Эрмитаж. Санкт-Петербург
1650
Встреча Антония и Клеопатры
1747
Ангел, спасающий Агарь
1732
Пьяцетта
1733-1735
Благодаря Энгру Давиду героизм
античных персонажей
переносился на современный мир,
создавая иную, более глубокую и
трагичную атмосферу восприятия
событий. Замечательным
доказательством этому служит
«Смерть Марата», в этом полотне,
написанном на вполне
современное художнику событие,
отражен героический пафос
античности, увеличенный и
выведенный на первый план
позами, красками, светотенью.
Смерть Марата
Амур и Психея. 1817
Портрет Бонопарта
1804
Портрет мадам Ривьер
1805
Портрет мадам Сеннон
1814
Рафаэль и Форнарина
1814
Изобразительное искусство XVIII века
отразило коренные преобразования в
российской художественной культуре.
В станковой живописи успешно развивается
исторический и особенно портретный жанр.
Излюбленной областью применения
творческих сил русских мастеров XVIII века
становится портрет – парадный, камерный,
парный.
Портрет поэта В. И. Майкова
1760
Портрет графини
Елизаветы Санти
Портрет А.П. Сумарокова
1777
Портрет Александры Струйской
1772
Портрет Варвары Суровцевой
1780
Портрет Варвары Новосильцевой
1790
Портрет архитектора
А.Ф. Кокоринова
1769
Портрет Е. Н. Хрущовой и
Е. Н. Хованской 1773
Портрет Марии Дьяковой
1778
Портрет А. Ланского
1782
Портрет Екатерины Нелидовой
1773
Портрет «Екатерина II –
законодательница в храме
богини Правосудия». 1782
Портрет А. Д. Левицкой,
дочери художника. 1785
Портрет И. И. Дмитриева
1790
Портрет сестер Гагариных
1802
Портрет Марии Лопухиной
1797
Портрет Екатерины Арсеньевой
1796
Богоматерь с младенцем в
сонме ангелов. 1823
Портрет княгини М. И. Долгорукой
1811
Портрет Елены Нарышкиной
1799
Портрет Павла I в костюме
Мальтийского ордена. 1800
Портрет князя А. Б. Куракина
1801–1802
Основателем исторического жанра стал А.П. Лосенко (1737-1773). В
академии художеств Лосенко упорно овладевал искусством «большого
стиля», что в дальнейшем проявилось в крупных работах на
исторические темы. В 60-х гг., находясь на стажировке в Париже,
художник написал картины «Чудесный улов рыбы» и «Авраам
приносит в жертву сына своего Исаака», получившие высокую оценку
современников. В картине «Владимир и Рогнеда» художнику удалось
передать напряжённость сюжета в патетических тонах. Некоторая
театральная условность, характерная для живописи классицизма,
уравновешивается искренним желанием художника передать
характеры персонажей. Тема людского горя как следствие тирании,
выделенная в картине, была удивительно созвучна просветительским
идеалам века.
Чудесный улов
1762
Смерть Адониса
1764
Авраам приносит в жертву
сына своего Исаака
1765
Натурщик, сидящий на камне
Андрей Первозванный
Каин
1768
Зевс и Фетида
1769
Владимир и Рогнеда
1770
Призвание Михаила Федоровича
Романова на царство
14 марта 1613 года
Взятие Казани Иваном Грозным
1800
Явление Христа народу
1837-57
Последний день Помпеи
1830-1833
Как и в живописи, в скульптуре классицизма царило стремление
к подражанию античности. Кажется, ничто не может нарушить
покой и сдержанность скульптурных композиций, украшающих
Версаль, Веймар, Петербург. Все подчинено рациональности:
застывшие движения, идея скульптуры и даже ее расположение в
парке или дворце.
Скульптуры классицизма, словно трехмерное воплощение мифов,
рассказывают нам о могучей силе человеческой мысли, о единении
народа в достижении общих целей. Просто удивительно, как
классицисты сумели рассказать целую эпоху в жизни той или иной
нации при помощи немасштабных композиций!
В 17 веке в Петербурге сложилась сильная школа отечественных
скульпторов, представленная именами Ф. И. Шубина, Ф.Г. Гордеева,
М.И. Козловского, Ф.Ф. Щедрина, И.П. Мартоса, И.П. Прокофьева.
Три грации
1816
Венера и
Марс
Геба
1803-1828
Персей с головой медузы
Ясон
1803-1828
Геба
1806
Ганимед, кормящий орла Зевса
1817
Памятник Петру I в Петербурге
1766-1782
Зима
1771
Бюст М. Р. Паниной
1770
Портрет Екатерины II
1783
Бюст А. М. Голицына
1773
Бюст И. С. Барышникова
1788
«Самсон, раздирающий пасть льва». Скульптурная
группа Большого каскада в Петродворце.
Выполнена В. Л. Симоновым в
1947 г. по образцу 1802 г. Бронза
Памятник Суворову
1799-1801
Гименей (мрамор)
1769
Минерва и гений (бронза)
1796
Монумент Минину и князю
Пожарскому. 1804-1818
Памятник де Ришельё
в Одессе
Прометей (Гипс)
1769
Барельеф «Несение креста» для Казанского собора в Петербурге
(камень) 1807-1811
Актеон,
преследуемый собаками
1784
Портрет А. Е. Лабзиной
1802
Чем же так отличается русский классицизм от европейского?
Он удивительно гармонично сочетает в себе идеалы античности и
собственной русской, даже православной культуры.
В России трудно провести четкую границу между классическим
искусством и следовавшим за ним неоклассицизмом, настолько
тщательно и велико было переосмысление античной и европейской
культур. Россия стала перекрестком всех классических направлений:
от аскетического немецкого цопфа до наполеоновского ампира.
Художники и скульпторы, кроме античности, чаще, чем их
европейские коллеги, обращаются к библейским преданиям и героям
(фонтан «Самсона» и полотно «Явление Христа народу»).
К концу классического периода уже появляются работы,
основанные на событиях отечественной истории (памятник Суворову,
Минину и Пожарскому). В этих работах символизм и пафос античных
поз сочетается с героизмом российских исторических личностей,
именно на их примере, а не на абстрактных мифологических героях,
идет воспитание нового поколения.
Роль классицизма в мировой культуре сложно переоценить, ведь во
многом современный нам мир создавался именно в период
классицистических взглядов. Его вклад в мировое искусство и науку не
менее грандиозен, чем вклад Ренессанса. Вряд ли найдется другое такое
направление, которое буквально взбудоражило всю континентальную и
островную Европу, породив подобный взлет всех жанров и отраслей
искусства, дав толчок к новым открытиям в науке, философской
мысли.
Духовное наследие классицизма поистине велико, а само
направление достаточно популярно и по сей день. Особенно в
дизайнерском искусстве, где более всего необходимы классический
рационализм и гармония.
Давая свою интерпретацию классицизма, каждый народ вместе с тем
воспринимал и общие идеи гуманизма, величия разума и необходимости
просвещения, которые не смогла уничтожить череда воин и
конфликтов бурного XX столетия. Сегодня мы все чаще вспоминаем об
этом великом культурном наследии, сумевшем объединить столь
разные по своему характеру и быту народы.
Мировая художественная культура: от XVII века до
современности. 11 кл.:учеб. Для общеобразоват.
учреждений /Г. И. Данилова. – 3-е изд., пересмотр. – М.:
Дрофа, 2007
Википедия
Читаем, учимся, играем. Журнал-сборник сценариев для
библиотек и школ. Под ред. С. Петровой. Изд. «ЛибереяБиблиопринт». Выпуск 2. 2005

Классицизм — СтудИзба

КЛАССИЦИЗМ (от латинского classicus — образцовый) – стиль и направление в литературе и искусстве XVII — начала XIX вв., обратившиеся к античному наследию как к норме и идеальному образцу. Стремился воплотить представления о разумной закономерности мира, о прекрасной облагороженной природе, возвышенные героические и нравственные идеалы.

 В формировании и развитии этого стиля можно выделить два этапа. Первый этап относится к XVII веку. Для классиков этого периода непревзойденными образцами художественного творчества были произведения античного искусства, где идеалом являлся порядок, разумность, гармония. В своих произведениях они добивались красоты, ясности, стройности, законченности построения. Второй этап – XVIII век. В историю европейской культуры он вошел как эпоха Просвещения или Век Разума. Человек придавал большое значение знаниям и верил в способность объяснить мир. Главным героем является личность, готовая на героические поступки, подчиняя свои интересы – общим, душевные порывы – голосу разума. Его отличает нравственная стойкость, мужество, правдивость, верность долгу. Рациональная эстетика классицизма нашла отражение во всех видах искусства.

 Характерные черты классицизма:

 • Основа всего – разум. Прекрасно лишь то, что разумно.

 • Задача – укрепление абсолютной монархии, монарх – воплощение разумного.

 • Главная тема – конфликт личных и гражданских интересов, чувства и долга

 • Высшее достоинство человека – исполнение долга, служение государственной идее

 • Наследование античности как образцу

 • Подражание “украшенной” природе

Рекомендуемые файлы

 • Главная категория – красота.

 

ИНСТРУМЕНТАЛЬНАЯ МУЗЫКА ЭПОХИ КЛАССИЦИЗМА

«12. Модель сервера баз данных» — тут тоже много полезного для Вас.

В эпоху классицизма произошли коренные изменения в оркестрах, не осталось потребности в клавесине или органе, как в основных музыкальных инструментах, духовые инструменты — кларнет, флейта, труба и др. напротив, заняли свое место в оркестре и создали новый, особенный звук.

 Новый состав оркестра привел к появлению симфонии — важнейшего типа музыки, по стандарту состоящей из трех темпов — быстрого начала, медленной середины и снова быстрой концовки. Одним из первых композиторов использовавших симфонический формат был сын И.С.Баха — Карл Филипп Эммануил Бах.

 Благодаря стабильности состава, функциональной определённости оркестровых групп – сложились главные классические типы камерных ансамблей — фортепианное трио, струнный квартет и другие. Из музыки для сольных инструментов особенно выделилась фортепьянная музыка.

 Вместе с новым составом оркестра появляется и струнный квартет, состоящий из двух скрипок, альта и виолончели. Работы создаются специально для струнного квартета со своим стандартом в четыре темпа, напоминающим о симфонии.

 В эту же эпоху было создано фортепьяно. Это позволило музыкантам-клавишникам исполнять музыку в различных вариациях как мягко (piano) так и более громко (forte), в зависимости от используемых клавиш.

 

Классицизм

«Класс!» – говорим мы о том, что вызывает у нас восхищение или соответствует нашей положительной оценке предмету или явлению.
В переводе с латинского языка слово classicus и означает «образцовый». 

Классици́змом назвали художественный стиль и эстетическое направление в европейской культуре XVII-XIX вв.

А что в качестве образца? Классицизм выработал каноны, по которым должно строиться любое художественное произведение. Канон – это определённая норма, совокупность художественных приёмов или правил, обязательных в определённую эпоху.
Классицизм – строгое направление в искусстве, его интересовало только существенное, вечное, типичное, случайные признаки или проявления классицизму не были интересны.
В этом смысле классицизм выполнял воспитательные функции искусства.

Здания Сената и Синода в Петербурге. Архитектор К. Росси
Плохо это или хорошо, когда существуют каноны в искусстве? Когда можно только вот так и никак иначе? Не спешите с отрицательным выводом! Каноны давали возможность упорядочить творчество определённого вида искусства, дать направление, показать образцы и отметать всё незначительное и не глубокое.
Но каноны не могут быть вечным неизменным руководством творчества – в какой-то момент они изживают себя. Вот так и произошло в начале XX в. в изобразительном искусстве и в музыке: нормы, укоренившиеся в течение нескольких веков, изжили себя и были разорваны.
Однако мы уже забежали вперёд. Давайте возвратимся к классицизму и подробнее рассмотрим иерархию жанров классицизма. Скажем лишь, что как определенное направление классицизм сформировался во Франции в XVII в. Особенностью французского классицизма было то, что он утверждал личность человека как высшую ценность бытия. Во многом классицизм опирался на античное искусство, видя в нём идеальный эстетический образец.

Иерархия жанров классицизма

В классицизме установлена строгая иерархия жанров, которые делятся на высокие и низкие. Каждый жанр имеет определённые признаки, смешивать которые недопустимо.
Рассмотрим иерархию жанров на примерах различных видов искусства.

Литература

Крупнейшим теоретиком классицизма считают Никола Буало, но основателем – Франсуа Малерба, который провёл реформу французского языка и стиха и разработал поэтические каноны. Н. Буало выразил свои взгляды на теорию классицизма в стихотворном трактате «Поэтическое искусство».

Бюст Никола Буало работы Ф. Жирардона. Париж, Лувр
В драматургии должны были соблюдаться три единства: единство времени (действие должно происходить в течение одного дня), единство места (в одном месте) и единство действия (в произведении должна быть одна сюжетная линия). Ведущими представителями классицизма в драматургии стали французские трагики Корнель и Расин. Основной идеей их творчества был конфликт между общественным долгом и личными страстями.
Целью творчества классицизма становится изменение мира в лучшую сторону.

В России

В России появление и развитие классицизма связано прежде всего с именем М.В. Ломоносова.

М. В. Ломоносов на памятнике «1000-летие России» в Великом Новгороде. Скульпторы М.О. Микешин, И.Н. Шредер, архитектор В.А. Гартман
Им была проведена реформа русского стиха и разработана теория «трех штилей».

«Теория трёх штилей» М.В. Ломоносова

Учение о трёх сти́лях, т.е. классификация стилей в риторике и поэтике, различающая высокий, средний и низкий (простой) стили было известно давно. Оно использовалось в древнеримской, средневековой и новоевропейской литературе.
Но Ломоносов использовал учение о трех стилях для построения стилистической системы русского языка и русской литературы. Три «стиля» по Ломоносову:
1. Высокий – торжественный, величавый. Жанры: ода, героические поэмы, трагедии.
2. Средний – элегии, драмы, сатиры, эклоги, дружеские сочинения.
3. Низкий – комедии, письма, песни, басни.
Классицизм в России развивался под влиянием Просвещения: идей равенства и справедливости. Поэтому в русском классицизме обычно предполагалась обязательная авторская оценка исторической действительности. Это мы находим в комедиях Д.И. Фонвизина, сатирах А.Д. Кантемира, баснях А.П. Сумарокова, И.И. Хемницера, одах М.В. Ломоносова, Г.Р. Державина.
В конце XVIII в. усилилась тенденция видеть в искусстве главную силу воспитания человека. В связи с этим возникает литературное направление сентиментализм, в котором главным в человеческой природе было объявлено чувство (а не разум). Французский писатель Жан-Жак Руссо призывал быть ближе к природе и естественности. Этому призыву последовал русский писатель Н.М. Карамзин – вспомним его знаменитую «Бедную Лизу»!
Но в направлении классицизма произведения создавались и в XIX в. Например, «Горе от ума» А.С. Грибоедова. Хотя в этой комедии присутствуют уже и элементы романтизма и реализма.

Живопись

Поскольку определение «классицизм» переводится как «образцовый», то для него естественным является какой-то образец. И сторонники классицизма видели его античном искусстве. Это был высший образец. Существовала также опора и на традиции высокого Возрождения, которое также видело образец в античности. Искусство классицизма отражало идеи гармоничного устройства общества, но отражало конфликты личности и общества, идеала и реальности, чувства и разума, что свидетельствуют о сложности искусства классицизма.
Художественным формам классицизма свойственны строгая организованность, уравновешенность, ясность и гармоничность образов. Сюжет должен развиваться логически, композиция сюжета – ясная и уравновешенная, объем – чёткий, роль цвета – подчинённая с помощью светотени, использование локальных цветов. Так писал, например, Н. Пуссен.

Никола Пуссе́н (1594-1665)

Н. Пуссен «Автопортрет» (1649)
Французский художник, стоявший у истоков живописи классицизма. Практически все его картины созданы на историко-мифологические сюжеты. Его композиции всегда чёткие, ритмичные.

Н. Пуссен «Танец под музыку Времени» (около 1638)
На картине изображён аллегорический хоровод Жизни. В нём кружатся (слева направо): Наслаждение, Трудолюбие, Богатство, Бедность. Рядом с двуглавым каменным изваянием римского бога Януса сидит младенец, пускающий мыльные пузыри – символ быстротекущей человеческой жизни. Молодо лицо двуликого Януса смотрит в будущее, а старое обращено к прошлому. Крылатый седобородый старик, под музыку которого кружится хоровод, – Отец Время. У его ног сидит младенец, который держит песочные часы, напоминающие о быстром движении времени.
По небу мчится колесница бога солнца Аполлона, сопровождаемая богинями времен года. Аврора, богиня рассвета, летит впереди колесницы, рассыпая на своем пути цветы.

В. Боровиковский «Портрет Г.
Р. Державина» (1795)

 

В. Боровиковский «Портрет Г.Р. Державина», Государственная Третьяковская галерея
Художник запечатлел на портрете человека, которого хорошо знал и мнением которого дорожил. Это традиционный для классицизма парадный портрет. Державин – сенатор, член Российской академии, государственный человек, об этом говорят его мундир и награды.
Но в то же время это и прославленный поэт, увлеченный творчеством, просветительскими идеалами и общественной жизнью. На это указывают письменный стол, заваленный рукописями; роскошный чернильный прибор; полки с книгами на заднем плане.
Образ Г. Р. Державина узнаваем. Но внутренний мир его не показан. Идеи Руссо, которые уже активно обсуждались в обществе, ещё не проявились в творчестве В. Боровиковского, это произойдёт позже.
В XIX в. живопись классицизма вступает в полосу кризиса и становится силой, сдерживающей развитие искусства. Художники, сохраняя язык классицизма, начинают обращаться к романтическим сюжетам. Среди русских художников прежде всего это Карл Брюллов. Его творчество пришлось на тот период, когда классические по форме произведения наполнялись духом романтизма, это сочетание назвали академизмом. В середине XIX в. начало бунтовать тяготеющее к реализму молодое поколение, представленное во Франции кружком Курбе, а в России – передвижниками.

Скульптура

Скульптура эпохи классицизма также считала образцом античность. Этому способствовали в том числе и археологические раскопки древних городов, в результате которых стали известны многие скульптуры эллинизма.
Наивысшего воплощения классицизм достиг в работах Антонио Кановы.

Анто́нио Кано́ва (1757-1822)

А. Канова «Автопортрет» (1792)
Итальянский скульптор, представитель классицизма в европейской скульптуре. Самые крупные собрания его работ находятся в парижском Лувре и в петербургском Эрмитаже.

А. Канова «Три грации». Санкт-Петербург, Эрмитаж
Скульптурная группа «Три грации» относится к позднему периоду творчества Антонио Кановы. Скульптор воплотил свои представления о красоте в образах граций – античных богинь, олицетворяющих женскую прелесть и очарование. Композиция этой скульптуры необычна: грации стоят рядом, две крайние обращены лицом друг к другу (а не к зрителю) и к подруге, стоящей в центре. Все три стройные женские фигуры слились в объятии, их объединяет сплетение рук и шарф, спадающий с руки одной из граций. Композиция Кановы компактна и уравновешена.
В России к эстетике классицизма относят Федота Шубина, Михаила Козловского, Бориса Орловского, Ивана Мартоса.
Федо́т Ива́нович Шу́бин (1740-1805) работал в основном с мрамором, иногда обращался к бронзе. Большинство его скульптурных портретов исполнены в форме бюстов: бюсты вице-канцлера А. М. Голицына, графа П. А. Румянцева-Задунайского, Потёмкина-Таврического, М. В. Ломоносова, Павла I, П. В. Завадовского, статуя Екатерины II-законодательницы и другие.

Ф. Шубин. Бюст Павла I
Шубин известен и как декоратор, он создал 58 мраморных исторических портретов для Чесменского дворца, 42 скульптуры для Мраморного дворца и др. Был также мастером-косторезом холмогорской резной кости.
В эпоху классицизма получили распространение публичные памятники, в которых идеализировались воинская доблесть и мудрость государственных деятелей. Но в античной традиции было принято изображать моделей нагими, современные же классицизму нормы морали этого не допускали. Вот поэтому деятелей стали изображать в виде обнажённых античных богов: например, Суворов – в виде Марса. Позже их стали изображать в античных тогах.

Памятник Кутузову в Санкт-Петербурге перед Казанским собором. Скульптор Б.И. Орловский, архитектор К.А. Тон
Поздний, ампирный классицизм представлен датским скульптором Бертелем Торвальдсеном.

Б. Торвальдсен. Памятник Николаю Копернику в Варшаве

Архитектура

Архитектура классицизма также была ориентирована на формы античного зодчества как эталоны гармонии, простоты, строгости, логической ясности и монументальности. Основой архитектурного языка классицизма стал ордер, в пропорциях и формах близкий к античности. Ордер – тип архитектурной композиции, использующий определённые элементы. Включает в себя систему пропорций, предписывает состав и форму элементов, а также их взаиморасположение. Для классицизма свойственны симметрично-осевые композиции, сдержанность декоративного убранства, регулярная система планировки городов.

Лондонский особняк Остерли-парк. Архитектор Роберт Адам
В России представителями классицизма в архитектуре были В.И. Баже́нов, Карл Росси, Андрей Воронихин и Андреян Захаров.

Карл Барталомео-Ро́сси (1775-1849) – российский архитектор итальянского происхождения, автор многих зданий и архитектурных ансамблей в Санкт-Петербурге и его окрестностях.
Выдающееся архитектурное и градостроительное мастерство Росси воплощено в ансамблях Михайловского дворца с прилегающими к нему садом и площадью (1819-1825), Дворцовой площади с грандиозным дугообразным зданием Главного Штаба и триумфальной аркой (1819-1829), Сенатской площади со зданиями Сената и Синода (1829-1834), Александринской площади со зданиями Александринского театра (1827-1832), нового корпуса Императорской публичной библиотеки и двумя однородными протяжёнными корпусами Театральной улицы (ныне улица зодчего Росси).

Здание Главного штаба на Дворцовой площади

Музыка

Понятие классицизма в музыке ассоциируется с творчеством Гайдна, Моцарта и Бетховена, которых называют венскими классиками. Именно они определили направление дальнейшего развития европейской музыки.

Томас Харди «Портрет Йозефа Гайдна» (1792)

Барбара Крафт «Посмертный портрет Вольфганга Амадея Моцарта» (1819)

Карл Штилер «Портрет Людвига вана Бетховена» (1820)
Эстетика классицизма, основываясь на уверенности в разумности и гармоничности мироустройства, эти же принципы воплотила и в музыке. От неё требовались: сбалансированность частей произведения, тщательная отделка деталей, разработка основных канонов музыкальной формы. В этот период окончательно сформировалась сонатная форма, определился классический состав частей сонаты и симфонии.
Конечно, путь музыки к классицизму был не прост и не однозначен. Был первый этап классицизма – эпоха Возрождения XVII в. Некоторые музыковеды даже рассматривают период барокко как частное проявление классицизма. Таким образом, к классицизму можно отнести и творчество И.С. Баха, Г. Генделя, К. Глюка с его реформаторскими операми. Но высшие достижения классицизма в музыке связаны всё-таки с творчеством представителей венской классической школы: Й. Гайдна, В. А. Моцарта и Л. вана Бетховена.

Примечание

Следует различать понятия «музыка классицизма» и «классическая музыка». Понятие «классическая музыка» гораздо шире. Оно включает не только музыку периода эпохи классицизма, но и вообще музыку прошлого, выдержавшую испытание временем и признанную образцовой.

Классицизм в культуре России

В последние годы в тестах ЕГЭ увеличилось число вопросов по культуре. В особенности появилось множество вопросов по изобразительному искусству и архитектуре. Тесты проверяют знание основных художественных стилей, персоналий живописцев, скульпторов, архитекторов и других деятелей культуры, а также их произведений.

Вы сможете скачать все изображения произведений эпохи классицизма одной папкой в конце этой статьи.

Трудности вызывают у учащихся задания, в которых вопросы сопровождаются изображениями произведений искусства. Обычно в таких заданиях проверяется авторство работ, принадлежность художника к тому или иному направлению в искусстве или его приверженность какому-либо художественному стилю. Вопрос может быть связан, например, с историческим событием, которому посвящено создание картины, скульптуры или архитектурного сооружения.

Чтобы Вам успешно справиться с такими заданиями, нужно знать азы истории искусства. Для  этого необходимо усвоить основные особенности художественных стилей и направлений. Это не так сложно, как может показаться. Для примера можем рассмотреть тему «Классицизм в культуре России».

Классицизм (фр. classicisme, от лат. classicus — образцовый) в самом первом приближении — это стиль, ориентирующийся на художественное наследие античной Греции и Рима как на образец для подражания или источник вдохновения.

Для классицизма в России свойственны ясность и четкость линий, рациональность, соразмерность и уравновешенность, проявляющиеся в различных видах искусства. Для того чтобы распознавать эти особенности, нужно обратиться к изучению первоисточника – античного искусства, и попытаться понять, в чем же состоит тот самый античный эстетический идеал применительно к скульптуре, живописи и архитектуре. Позднее эти идеалы возрождали и воплощали в своих произведениях художники эпохи классицизма. 

Сначала мы разберем истоки классицизма, а затем рассмотрим, как этот стиль воплотился в культуре России

Античные истоки классицизма

Итак, в Древней Греции в V-IV вв. до н. э. после победы греков над персами наступает эпоха невиданного расцвета культуры, которая породила шедевры, считающиеся до сих пор непревзойденными, классическими. Именно этой древнегреческой классике подражали позже в Древнем Риме, а потом и в Италии эпохи Возрождения, обогащая и развивая художественные приемы.

В центре античного искусства – образ гармоничного, красивого, сильного человека, совершающего подвиги или побеждающего в спортивных состязаниях. Даже боги античного мира антропоморфны (человекоподобны), они изображались в виде прекрасных и могущественных мужчин и женщин.

Скульптура античности

Особенно ярко проявились эти идеалы античности в скульптуре. У древних греков эталоном красоты стало атлетическое, пропорционально сложенное тело. При этом каноны красоты греческие художники представляли очень четко, основываясь на математически выверенном соотношении пропорций тела и лица. Не вдаваясь в подробности канонов, покажем ряд изображений тех шедевров, которые послужили образцом для многих поколений художников и легли в основу классицизма.

Фидий. Голова Афины Лемнии.

Обратите внимание, что лица древнегреческих статуй богов и героев очень схожи друг с другом (как у мужчин, так и у женщин). Это тот самый «греческий профиль» с прямой линией лба и носа, большие глаза и маленькие пухлые губы.

Пракситель. Голова Гермеса.

А все потому, что художники эпохи греческой классики не стремились к индивидуализации образов, а изображали обобщенный ими идеал красоты. Лики статуй почти всегда бесстрастны, на них лежит печать «олимпийского спокойствия» (потому что богам, обитавшим на горе Олимп, чужда были суета бренного мира, и они, по представлениям древних греков, были спокойными и величественными).

Поликлет. Дорифор (копьеносец).

Тела античных скульптур чаще обнажены или слегка прикрыты драпировкой. Позы статуй торжественны, спокойны и уравновешены, даже если они изображены в движении.

Большинство древнегреческих статуй не сохранилось. Они дошли до нас в римских копиях, которые часто не передают всего совершенства оригинала. Древние римляне тоже внесли весомый вклад в развитие скульптуры: в отличие от греческих скульпторов, изображавших отвлеченный идеал красоты, римские авторы стремились передавать портретное сходство, доходившее до натурализма.

Мирон. Дискобол.

Своих реальных персонажей (политиков, полководцев, императоров) римские скульпторы изображали чаще всего в доспехах или задрапированными в древнеримское одеяние – тогу. Такие статуи именовались тогатусы. Римляне создавали также и конные монументы.

Античная живопись

Представления об античной живописи дает нам древнегреческая вазопись или сохранившиеся древнеримские фрески и мозаики.

Древнеримская мозаика из Помпей, изображающая битву Александра Македонского и Дария III при Иссе.

Излюбленные сюжеты живописи – иллюстрации к мифам и античному эпосу, посвященные подвигам богов и героев. В древнеримскую эпоху сюжеты пополнились деяниями великих полководцев и императоров. Живописцы следовали тем же канонам изображения людей, что и скульпторы.

Античная архитектура

Непреходящую ценность имеют и достижения античного зодчества, тоже ставшего образцом для архитекторов других эпох. Познакомимся с теми элементами античной архитектуры, которые широко применялись последователями классицизма.

Это прежде всего разработанная в Древней Греции система так называемых ордеров. В самом кратком виде ордер – это определенное соотношение между несущими и несомыми частями здания. Выделяют дорический, ионический и коринфский ордеры. Самое зримое их отличие – в исполнении колонн и их капителей – верхних украшающих частей колонны.

Дорический, ионический и коринфский ордеры

Древнегреческая архитектура гармонична и соразмерна человеческому росту, она не тяготеет к гигантизму, как, например, древнеегипетская (вспомним пирамиды). В Древней Греции появился тип храма-периптера («оперенного» колоннами со всех сторон).

Парфенон. Афинский Акрополь. Реконструкция

Такие храмы, как правило, были прямоугольными в плане, имели двускатную крышу. А между двускатной крышей и перекрытием образовывался треугольник – фронтон. Его заполняли скульптурными композициями. Появились портики – открытые галереи с колоннадой, которые обрамляли храмы или были самостоятельными сооружениями.

Пантеон (храм всех богов) в Риме.

В архитектуре Древнего Рима широко использовались полукруглые арки, например, в виде триумфальных арок. Они сооружались в честь знаменательных событий, или военных побед.

А еще римляне научились возводить купола над каменными зданиями.

Все эти особенности античного искусства в полной мере были изучены, усвоены и творчески переработаны художниками эпохи классицизма, зародившегося как художественный стиль во Франции в XVII веке.

Классицизм в Российской культуре

В Россию классицизм пришел во второй половине XVIII века и получил дальнейшее развитие в первой половине XIX столетия. Этот художественный стиль расцветал на почве идей Просвещения.

Идеалы патриотизма и общественной пользы черпались в эпохе древнегреческой классики, представлявшейся временем свободного развития гармоничной человеческой личности под эгидой справедливого государства. Провозглашение Екатериной II правления в духе просвещенного абсолютизма  придало мощный импульс развитию классицизма в русской культуре.

Архитектура классицизма

В эпоху Екатерины II рост могущества Российской империи сопровождался масштабным строительством дворцов, усадеб и общественно значимых зданий. Изменялся облик российских городов: на смену стилю барокко пришел классицизм. Античные эстетические идеалы торжественной строгости в архитектуре зримо воплощали возросший престиж России.

М. Ф. Казаков. Здание Сената в Москве. Кремль, 1776—1787 гг.

М. Ф. Казаков, В. И. Баженов, А.Ф. Кокоринов, Ж.Б.М. Валлен-Деламот, Дж. Кваренги – вот далеко не полный список имен русских и зарубежных зодчих, с которыми связано развитие классицизма в русской архитектуре в XVIII столетии. В первой четверти XIX в. зазвучали новые имена архитекторов: А.Н. Воронихин, Т. де Томон, А. Д. Захаров,  О. И. Бове, А. А. Михайлов, Д. Жилярди, К. Росси, О. Монферран.

М. Ф. Казаков. Здание Благородного собрания в Москве, 1775 г.

После победы в Отечественной войне 1812 года и заграничного похода русской армии в архитектуру России была привнесена эстетика позднего классицизма – ампира. Ампир (от фр. style Empire — «стиль империи») зародился во Франции в период правления императора Наполеона I.

Художественные средства ампира тяготели к образцам императорского Рима, Древнего Египта и отличались большей пышностью и парадностью. Сооружения в духе ампира призваны были подчеркнуть военную мощь Российской империи и увековечить ее триумф. Ампир оставался ведущим стилем в архитектуре до 1830-1840 гг.

А.Н. Воронихин Горный институт,1806—1811 гг.

Наиболее прославленные творения архитекторов эпохи классицизма нужно научиться узнавать «в лицо». Возможно, не сразу удастся запомнить, кем из них спроектировано какое из приведенных ниже зданий. Но не это самое главное. Необходимо запомнить фамилии зодчих и связать их с архитектурой классицизма. Задания в тестах ЕГЭ, как правило, предлагают определить стиль строений или соотнести их с эпохой правления того или иного князя, царя, императора, генсека и т. д.

А.Н. Воронихин. Казанский собор в Санкт-Петербурге, 1801—1811гг.

Мы можем только предполагать, какие именно памятники зодчества попадутся Вам в тестах на ЕГЭ по истории, поэтому важно уметь выделять стилистические особенности архитектурных сооружений. Даже если вы видите здание впервые (ведь все знать невозможно!), то можно легко отличить архитектуру классицизма от, например, барокко или модерна, находя знакомые элементы.

О. Монферран. Исаакиевский собор в Санкт-Петербурге, 1818—1858 гг.

По фотографиям зданий, сооруженных в России архитекторами в стилистике классицизма в XVIII-XIX вв., нужно потренироваться находить элементы античной архитектуры, характерные для этого стиля: портики с колоннами, треугольные фронтоны, купола, полукруглые арки. Обратите внимание, что у большинства архитектурных памятников эпохи классицизма — симметричные и строгие фасады с минимумом декора. Исключение – сооружения в духе ампира, обогащенные скульптурным декором, как правило, в стиле Рима эпохи империи.

Скульптура эпохи классицизма

Скульптура классицизма живо напоминает нам античные образцы с характерной для них героизацией и величием, переходящим в некоторый пафос, что, впрочем, присуще большинству монументов. Ф.И. Шубин, М.И. Козловский, И.П. Мартос, Б.И. Орловский, В.И. Демут-Малиновский и С.С. Пименов  – это имена ведущих русских скульпторов, творивших под влиянием эстетики классицизма.

Б.И. Орловский Памятник Барклаю-де-Толли, в Санкт-Петербурге. 1837 г.

Их необходимо запомнить. Они запечатлевали в своих монументальных произведениях образы правителей, великих полководцев и государственных деятелей. Однако в России работали и иностранные авторы, которые внесли серьезный вклад в развитие русской монументальной скульптуры. Среди них нужно отметить М. Э. Фальконе, одного из авторов знаменитого памятника Петру I, известного как «Медный всадник».

Живопись эпохи классицизма

Русская живопись эпохи классицизма почти не проявлялась в «чистом виде», активно смешиваясь с другими стилями того времени. Наиболее зримо классицизм проявился в историческом жанре живописи, а среди художников, работавших в этом жанре, можно выделить имена А. П. Лосенко, Г. И. Угрюмова, И. А. Акимова.

А.П. Лосенко. «Владимир и Рогнеда», 1770 г.

На картинах этих художников мы видим характерные для живописи классицизма героические сюжеты, весьма неестественные позы и патетические жесты персонажей. Даже в полотнах, посвященных русской истории, герои изображаются чаще всего в античных или фантазийных одеяниях и доспехах. В композициях картин отчетливо просматривается искусственность и надуманность.

А. П. Лосенко «Прощание Гектора с Андромахой», 1773 г.

Полотна выглядят как фрагменты театральных постановок и, в целом, достаточно далеки от исторических реалий изображаемой эпохи. Однако в те годы, когда создавались эти произведения, такой весьма условный художественный язык считался нормой и вызывал одобрение у публики.

Г. И. Угрюмов. Торжественный въезд Александра Невского в город Псков после одержанной им победы над немцами, 1793 г.

Классицистические приемы в живописи, замешанные на романтизме, длительное время культивировались в стенах Императорской Академии художеств. Такая живопись получила название академизм. На десятилетия русское изобразительное искусство едва ли не полностью замкнулось в рамках иллюстрации библейских и мифологических сюжетов, а также событий античной и древнерусской истории.

В конце концов, это привело к открытому бунту в стенах Академии художеств, когда претенденты на золотую медаль отказались писать картины на уже порядком надоевшие темы античности и мифологии. Но это – уже совсем другая история…

 Скачать изоhttps://yadi.sk/d/5B4QYAH_eeJorбражения произведений «Классицизм в культуре России»

С уважением, З.А. Цеева, кандидат исторических наук

Поделиться в соц. сетях

Классицизм — ЛАБОРАТОРИЯ СТИЛЯ

Классицизм (от латинского «classicus» – образцовый) – это так называемый «большой» стиль. Большим называют его потому, что он, так или иначе, проявился и во всех видах европейского искусства: музыке, литературе, живописи, архитектуре. Характерные для искусства классицизма черты: обращение к античности, симметрия и гармония – нашли отражение и в дизайне интерьера.

Из истории стиля

Классицизм появился в 17 веке во Франции и более двух столетий господствовал в Европе. Идеалом гармонии, простоты, строгости, логической ясности для художников этой эпохи была античность, в искусстве Древней Греции и Рима черпали они свое вдохновение. Признавая разумную закономерность мироздания, классицизм предписывает строгое следование канонам. Но, несмотря на строгость правил, классицизм в разных странах проявлялся по-разному. Во Франции он отличался торжественной пышностью и блеском, в Англии строгостью и рационализмом. В 18 веке классицизм покорил и Россию, достигнув апогея во время правления Екатерины II. Дворцовые ансамбли Петербурга и их интерьеры служили образцом для дворянских усадеб даже в самых отдаленных уголках страны. Сдержанность, достоинство и гармония присущи лучшим отечественным классическим зданиям и интерьерам.

Основные черты стиля

Интерьеры в стиле классицизма отличаются выверенными пропорциями, симметрией, четкостью линий и правильными формами. В оформлении часто используются арки, колонны, полуколонны, лепнина.

Материалы

Для классического интерьера используют дорогие высококачественные материалы: дерево ценных пород вишня, карельская береза, орех или красное дерево, мрамор, гранит, позолота, шелк. Их, впрочем, вполне могут современные строительные материалы, имитирующие натуральные, не уступающие по внешнему виду, а по потребительским качествам, порой, и превосходящие их.

Цветовая гамма

Белый цвет, кремовые, бледно-желтые, нежно-голубые, светло-зеленые оттенки – колорит классического интерьера спокоен и мягок. На фоне пастельных тонов особенно выразительно и благородно смотрится глубокий коричневый цвет мебели и сияние позолоты.

Элементы и аксессуары интерьера

Аксессуары интерьера строги и невычурны, декор сдержанный и благородный. Важные элементы классического стиля – лепнина, колонны, скульптура, картины, фарфор, люстры с хрустальными подвесками, антиквариат.

Мебель

Мебель строгих форм, возможно с резьбой или инкрустацией, но без излишеств. Часто используется мебель, покрытая белым лаком. Легкие стулья с овальными или прямоугольными спинками, круглые столы, глубокие кресла, канапе, комоды, секретеры – разнообразную мебель для классического интерьера выпускают многие известные фабрики.

Пол, потолок, стены

Пол в классических интерьерах отделывают наборным паркетом с четким геометрическим рисунком. Потолки обязательно высокие, обычно белые, украшенные лепниной: крупная розетка в центре оформляет люстру, на периферии – ступенчатые карнизы, гирлянды, бордюры. Стены гладкие однотонные или оклеенные обоями с неброским цветочным или полосатым рисунком. Полуколонны, ложные арки, роспись также характерны для оформления стен.

Окна и двери

Двери и окна обязательно деревянные. Двери прямоугольные, филенчатые, иногда в виде портала, покрытые белым лаком. На окнах сложная драпировка, французские шторы, ламбрекен.

Классицизм в современном интерьере

Интерьеры 18-19 веков с их благородным достоинством, соразмерностью и царской роскошью вызывают желание воскресить дух той далекой, давно прошедшей эпохи. Но в современном интерьере классическая ясность линий, строгость форм, уравновешенность пропорций обретает новое звучание. Не стремление поразить дворцовым блеском, а желание обрести гармонию, уверенность, сделать дом оазисом спокойствия и надежности заставляет и владельцев квартир, и дизайнеров вновь и вновь обращаться к проверенным веками традициям классицизма. Интерьер в стиле классицизма выбирают те, для кого культура и традиции представляют собой ценности, в соответствии с которыми и должна строиться жизнь. Классицизм  — это стиль людей респектабельных, состоявшихся. Высокое качество материалов и отделки обуславливают и высокую цену такого интерьера. Однако никто из наших клиентов не пожалел о том, что выбрал для своего дома именно этот стиль. Все затраты с лихвой окупаются тем удовольствием, которое доставляет своим хозяевам интерьер в стиле классицизма.

Вконтакте

Facebook

Twitter

LiveJournal

Одноклассники

Last 30 Posts
Archives by Month:
Archives by Subject:

Стили и направления живописи

Существует огромное разнообразие стилей и направлений в изобразительном искусстве. Часто они не имеют четко выраженных границ и плавно переходят из одного в другой, находясь в непрерывном развитии, смешении и противодействии. В рамках одного исторического художественного стиля всегда зарождается новый, а тот, в свою очередь, переходит в следующий и т.д. Многие стили сосуществуют одновременно и поэтому «чистых стилей» вообще не бывает. У нас вы можете заказать портрет по фотографии на холсте.

Абстракционизм

(произошло от лат. abstractio – удаление, отвлечение) – направление искусства, отказавшееся от приближенного к действительности изображения форм в живописи и скульптуре. Одна из целей абстракционизма – достижение гармонии, создание определённых цветовых сочетаний и геометрических форм, чтобы вызвать у созерцателя разнообразные ассоциации. Главными представителями абстракционизма были: Василий Кандинский (1866-1944), Пабло Пикассо (1881-1973).

Авангардизм

(произошло от фр. avant-garde – передовой отряд) – совокупность экспериментальных, модернистских, подчеркнуто необычных, поисковых начинаний в искусстве 20 века. Авангардными направлениями являются: фовизм, кубизм, футуризм, экспрессионизм, абстракционизм, сюрреализм, акционизм, поп-арт, концептуальное искусство.

Академизм

(от фр. academisme) – направление в европейской живописи XVI-XIX веков. Основывалось на догматическом следовании внешним формам классического искусства. Последователи характеризовали этот стиль как рассуждение над формой искусства древнего античного мира и эпохи Возрождения. Академизм восполнял в себе традиции античного искусства, в которых идеализирован образ натуры, компенсируя при этом норму красоты. В этом стиле писали Аннибале, Агостино и Лодовико Карраччи.

Акционизм

(от англ. action art – искусство действия) – хэппенинг, перформанс, эвент, искусство процесса, искусство демонстрации и ряд других форм возникших в авангардистском искусстве 1960-х годов. В соответствии с идеологией акционизма художник должен заниматься организацией событий, процессов. Акционизм стремится стереть грань между искусством и действительностью. Наиболее известный представитель акционизма – Джексон Поллок.

Алла прима

(аля прим) (произошло от итал. alla prima – в первый момент) – разновидность техники масляной живописи, предусматривающая выполнение картины (или её фрагмента) за один сеанс, без предварительных прописок и подмалевка.

Ампир

(произошло от франц. empire – империя) – стиль в архитектуре и декоративном искусстве возникший во Франции в начале XIX в., в период Первой Империи Наполеона Бонапарта. Ампир – финал развития классицизма. Для воплощения величества, изысканности, роскоши, мощи и воинской силы Ампиру характерно обращение к античному искусству: древнеегипетским декоративным формам (военные трофеи, крылатые сфинксы…), этрусским вазам, помпейской росписи, греческому и римскому декору, ренессансных фрескам и орнаментам. Главным представителем этого стиля был Ж.Л.Давид (картины “Клятва Горациев” (1784), “Брут” (1789))

Анималистика

(произошло от лат. animal – животное) – жанр изобразительного искусства, в котором основным предметом изображения являются животные.

Аппликация

(произошло от лат. applicatio – прикладывание) – способ создания орнаментов, изображений путём наклеивания на холст разноцветных кусочков какого-либо материала.

Анахронизм

(от греч. ana – обратно и hronos – время), другое название – гиперманьеризм – одно из направлений постмодернизма, предлагающее авторскую интерпретацию искусства прошлого. Анахронизм возник в конце 1970-х гг. в Италии, позднее и во Франции. Мастера анахронизма: Карло Мария Мариани, Омар Галлиани, Луиджи Онтани, Стефано ди Стасио, Убальдо Бартолини, Антонио Аббате, Жан Гаруй.

Андеграунд

(от англ. underground – подполье, подземелье) – ряд художественных направлений в современном искусстве, противопоставляющих себя массовой культуре, мейнстриму. Андеграунд отвергает и нарушает принятые в обществе политические, моральные и этические ориентации и типы поведения, внедряя в повседневность асоциальное поведение. В советский период в силу строгости режима почти всякое неофициальное, т.е. не признанное властями, искусство оказывалось андеграундом.

Арте повера

(от ит. arte povera – бедное искусство) – художественное направление, объединившее художников из Рима, Турина, Милана и Генуи во второй половине XXв. Художники арте повера визуализировали диалог между природой и индустрией, используя промышленные или нехудожественные материалы, хотели освободить творчество от ограничений традиционных форм искусства и художественного пространства, а также играли с политическим измерением индустриальных материалов. Движение стало заметным явлением на международной арт-сцене, находясь в противостоянии и диалоге с минимализмом в Америке, который также использовал индустриальные материалы. С точки зрения художников арте повера, минимализм занимался аспектами формы и не затрагивал поэтические, политические и исторические проблемы, которые были важны для арте повера. Арте повера не было объединением художников, имеющим свой манифест. Это было прежде всего движение, которое при помощи куратора и критика было признано и классифицировано в своей совокупности.

Ар нуво

(от фр. art nouveau, буквально – новое искусство) – распространённое во многих странах (Бельгия, Франция, Англия, США и др.) название стиля модерн. Самый известный художник этого направления живописи: Альфонс Муха.

Арт деко

(от фр. art deco, сокр. от decoratif)- направление в искусстве в середине 20 века, обозначившее синтез авангарда и неоклассицизма, пришло на смену конструктивизму. Отличительные признаки этого направления: усталость, геометрические линии, роскошь, шик, дорогие материалы (слоновая кость, крокодиловая кожа). Самым известным художником этого направления является Тамара де Лемпицка(1898-1980).

Аэрография

Техника живописного письма аэрографом (в переводе воздушная кисть – прибор для тонкого распыления краски сжатым воздухом) по трафарету.

Барокко

(произошло от итал. barocco – странный, причудливый или от порт. perola barroca – жемчужина неправильной формы, существуют и другие предположения о происхождении этого слова) – художественный стиль в искусстве позднего Возрождения. Отличительные признаки этого стиля: преувеличенность размеров, изломанность линий, обилие декоративных подробностей, тяжесть и колоссальность.

Бидермейер

(от нем. biedermeier – простодушный, обывательский) – направление в немецком и австрийском искусстве, распространённое в 1815-1848 годах. Стиль является ответвлением романтизма, пришедшего на смену ампиру, поэтому его иногда называют смесь ампира с романтизмом. В бидермейере формы стиля ампир преобразовывались в духе интимности и домашнего уюта. Для стиля характерно тонкое, тщательное изображение интерьера, природы и бытовых деталей. Представители бидермейера в живописи: Г. Ф. Керстинг, Людвиг Рихтер, Карл Шпицвег, Мориц фон Швинд и Фердинанд Вальдмюллер.

Батальный жанр

(произошло от фр. bataille – битва) – жанр изобразительного искусства, в котором изображаются темы войны: сражения, военные походы.

Бытовой жанр

(жанровая живопись) – жанр изобразительного искусства, в котором изображаются обыденные сцены из повседневной жизни человека без прикрас.

Ванитас

(от лат. vanitas, букв. – «суета, тщеславие») – жанр живописи эпохи барокко, аллегорический натюрморт, композиционным центром которого традиционно является человеческий череп. Подобные картины, ранняя стадия развития натюрморта, предназначались для напоминания о быстротечности жизни, тщетности удовольствий и неизбежности смерти. Наибольшее распространение получил во Фландрии и Нидерландах в XVI и XVII веках, отдельные примеры жанра встречаются во Франции и Испании.

Ведута 

жанр Венецианской живописи 18 века, в котором изображается городской пейзаж в виде панорамы, с соблюдением масштаба и пропорций. Великий представитель этого стиля в живописи – венецианский художник Каналетто (1697-1768). В России родоначальником архитектурной ведуты были живописцыФ.Я.Алексеев, М.Н.Воробьёв, С.Ф.Щедрин.

Веризм

(от итал. il verismo, от слова vero – истинный, правдивый) – реалистическое направление в итальянском изобразительном искусстве конца XIX века. Термин возник в XVII веке, употреблялся в изобразительном искусстве и обозначал реалистическую струю в живописи барокко. Затем термин возрождается во второй половине XIX века, являясь обозначением (весьма неопределёнными расплывчатым) реалистического и натуралистического направления в итальянском искусстве. Самыми известными художниками этого направления являютсяДж. Фаттори, С. Лега, Т. Синьрини, О. Боррани, В. Кабьянка,Дж. Аббати и др.

Возрождение

 или РЕНЕССАНС (от фр. renaissance, итал.rinascimento) – эпоха в истории культуры Европы, пришедшая на смену культуре Средних веков и предшествующая культуре нового времени. Примерные хронологические рамки эпохи – XIV-XVI века. Отличительная черта эпохи возрождения – светский характер культуры и её антропоцентризм (то есть интерес, в первую очередь, к человеку и его деятельности). Появляется интерес к античной культуре, происходит как бы её «возрождение» – так и появился термин. Рисуя картины традиционной религиозной тематики, художники начали использовать новые художественные приёмы: построение объемной композиции, использование пейзажа на заднем плане, что позволило им сделать изображения более реалистичными, оживленными. Это резко отличало их творчество от предыдущей иконографической традиции, изобилующей условностями в изображении. Наиболее известные художники этого периода: Сандро Боттичелли (1447-1515),Леонардо да Винчи (1452-1519), Рафаэль Санти (1483-1520),Микеланджело Буонарроти (1475-1564), Тициан (1477-1576),Антонио Корреджо (1489-1534), Иероним Босх (1450-1516),Альбрехт Дюрер (1471-1528).

Геометрический абстракционизм

вид абстрактного искусства, композиции которого построены из ограниченного набора правильных форм и основных цветов.

Гиперреализм

ФОТОРЕАЛИЗМ, СУПЕРРЕАЛИЗМ – стиль в живописи и скульптуре, основанный на фотореализации объекта. Гиперреализм возник в США в середине 20 века. Главная цель гиперреализма показать действительность.

Городской пейзаж

(архитектурный пейзаж) – жанр изобразительного искусства, в котором основным предметом изображения являются городские улицы, здания.

Готика

(произошло от итал. gotico – непривычный, варварский) – период в развитии средневекового искусства, охватывавший почти все области культуры и развивавшийся на территории Западной, Центральной и отчасти Восточной Европы с XII по XV век. Готика завершила развитие европейского средневекового искусства, возникнув на основе достижений романской культуры, а в эпоху Возрождения искусство средневековья считалось «варварским». Готическое искусство было культовым по назначению и религиозным по тематике. Оно обращалось к высшим божественным силам, вечности, христианскому мировоззрению. Готика в своем развитии подразделяется на Раннюю готику, Период расцвета, Позднюю готику.

Графика

 искусство изображения предметов контурными линиями и штрихами. Иногда в графике допускается применение цветных пятен, но здесь они играют вспомогательную роль.

Гризайль

(произошло от фр. grisaille, от gris – серый) – вид декоративной живописи, выполняемой в разных оттенках какого-либо одного цвета (чаще серого). Гризайль применяется с 17 века, широко распространена в росписях интерьеров классицизма, главным образом как имитация скульптурного рельефа.

Дадаизм

(произошло от фр. dadaisme, dada – деревянная лошадка; в переносном смысле – бессвязный детский лепет) – модернистское литературно-художественное течение 1916-1922 годов, для которого характерны сознательный иррационализм и демонстративный антиэстетизм. Зародился во время Первой мировой войны в Цюрихе (Швейцария), как реакция на последствия войны, жестокость которой, по мнению дадаистов, подчеркнула бессмысленность существования. Рационализм и логика объявлялись одними из главных виновников опустошающих войн и конфликтов. Исходя из этого, дадаисты считали, что современную европейскую культуру необходимо уничтожить через разложение искусства. Самые известные дадаисты: Ханс Арп (1886-1966), Марсель Дюшан (1887-1968),Макс Эрнст (1891-1976), Филипп Супо (1897-1990), Тристан Тцара (1896-1963).

Декоративная живопись

живопись, созданная с целью украшения интерьера или дополнения к дизайну помещения.

Дивизионизм

(от франц. division – разделение), пуантилизм – направление неоимпрессионизма, письмо раздельными четкими мазками в виде точек или мелких квадратов. Смешение цветов с образованием оттенков происходит на этапе восприятия картины зрителем. Самые известные художники, писавшие в этом стиле:Жорж Сёра (1859 – 1891), Поль Синьяк (1863-1935), Анри Матисс (1869-1954), Камиль Писсарро, Люсьен Писсарро, Анри Эдмон Кросс, Шарль Теофил Ангран, Максимилиан Люс, Ипполит Птижан, Жорж Леммен, Тео Ван Риссельберге, Джованни Сегантини, Николай Мещеряков.

Импрессионизм

(от фр. impression – впечатление) – направление в европейской живописи, зародившееся во Франции в середине 19 века. Импрессионисты избегали всяких подробностей в рисунке и пытались уловить общее впечатление от того, что видит глаз в конкретный момент. Этого эффекта они достигали при помощи цвета и фактуры. Самые известные художники этого направления живописи: Мане, Ренуар, Сезанн, Дега, Моне, Писсарро.

Караваджизм

стиль европейской живописи эпохи барокко, появившийся в Риме в конце XVI века. Основоположником этого стиля считается Караваджо. Караваджо оказал огромное влияние на развитие европейской реалистической живописи.
Революция Караваджо в области формы и иконографии живописи явилась результатом радикального изменения отношений между художником и внешним миром. Для караваджизма характерны: демократизм художественных идеалов; интерес к непосредственному воспроизведению натуры; драматизация изображения с помощью контрастов света и тени; стремление передать ощущение осязаемой материальности предметов; крупные планы; монументализация жанровых мотивов; бытовая трактовка религиозных и мифологических сюжетов.

Китч

 кич (от нем. kitsch – безвкусица) – термин, обозначающий одно из наиболее одиозных явлений массовой культуры, синоним псевдоискусства, в котором основное внимание уделяется экстравагантности внешнего облика, крикливости его элементов. По сути, китч – разновидность постмодернизма. Китч – это массовое искусство для избранных. Произведение, принадлежащее к китчу, должно быть сделано на высоком художественном уровне, в нем должен быть увлекательный сюжет, но это не настоящее произведение искусства в высоком смысле, а искусная подделка под него. В китче могут быть глубокие психологические коллизии, но там нет подлинных художественных открытий и откровений.

Классицизм

(произошло от лат. classicus – образцовый) – художественный стиль и эстетическое направление в европейской литературе и искусстве 17 – начала 19 вв., одной из важных черт которых являлось обращение к образам и формам античной литературы и искусства, как идеальному эстетическому эталону. Художественное произведение, с точки зрения классицизма, должно строиться на основании строгих канонов, тем самым, обнаруживая стройность и логичность самого мироздания. Интерес для классицизма представляет только вечное и неизменное. В каждом явлении он стремится распознать только существенные, типологические черты, отбрасывая случайные индивидуальные признаки. Эстетика классицизма придаёт огромное значение общественно-воспитательной функции искусства. Многие правила и каноны классицизм берет из античного искусства.

Клуазонизм

(от фр. cloison – перегородка) – термин, перенесенный в живопись из прикладного искусства. Суть данной системы заключается в том, что все полотно разделяется на несколько плоскостей разного цвета в соответствии с изображаемыми фигурами или предметами. Каждая из этих плоскостей очерчивается причудливо изгибающейся широкой контурной линией, как в  витражах свинцовыми перегородками. Главная роль в клуазонизме отводится чистым контрастным цветам, которые придают живописной плоскости особый декоративный эффект, поднимая линию горизонта и разрушая привычную перспективу натурного пространства. Фигуры уплощаются и становятся похожими на тени. Эта манера письма разработана Эмиль Бернаром и Л.Анкетеном в 1887 г.

Конструктивизм

направление в советском искусстве 20-х гг. ХХ в. Сторонники конструктивизма, выдвинув задачу конструирования окружающей среды, активно направляющей жизненные процессы, стремились осмыслить формообразующие возможности новой техники, ее логичных, целесообразных конструкций, а также эстетические возможности таких материалов, как металл, стекло, дерево. Показной роскоши конструктивисты стремились противопоставить простоту и подчеркнутый утилитаризм новых предметных форм, в чем они видели овеществление демократичности и новых отношений между людьми.

Космизм

(от греч. kosmos – организованный мир, kosma – украшение) – художественно-философское мировоззрение, в основе которого располагается знание о Космосе и представление о человеке как о гражданине Мира, а также о микрокосмосе, подобном Макрокосмосу. Космизм связан с астрономическими знаниями о Вселенной.

Кубизм

(от фр. cubisme, произошло от cube – куб) – модернистское направление в живописи начала ХХ века, которое выдвинуло на первый план формальную задачу конструирования объёмной формы на плоскости, сведя к минимуму изобразительно-познавательные функции искусства. Слово “кубисты” было употреблено в 1908 и 1909 французским критиком Л. Воселем как насмешливое прозвище группы художников, изображавших предметный мир в виде комбинации геометрических тел или фигур. Самый известный художник этого направления живописи: Пабло Пикассо (1881-1973).

Кубофутуризм

направление в искусстве авангарда в начале ХХ века, соединившее в себе наработки итальянских футуристов и французских кубистов.
Самые известные художники кубофутуризма: Казимир Малевич,Давид Бурлюк, Иван Клюин, Александра Экстер, Наталья Гончарова, Надежда Удальцова, Любовь Попова, Ольга Розанова, Иван Пуни.

Лоуброу арт

ПОП-СЮРРЕАЛИЗМ (от англ. lowbrow – малообразованный, непритязательный) – направление в изобразительном искусстве, возникшее в Лос-Анджелесе в конце 1970-х годов. На становление лоуброу арта повлияли панк-музыка, поп-искусство и другие субкультуры. У истоков движения стояли подземные карикатуристы Роберт Уильямс и Гэри Пэнтер, и художники Гэри Байсмэн и Тим Бискуп.)

Лучизм

живописное направление в русском искусстве 1910-х гг. Придумали этот стиль М. Ф. Ларионов и Н.С. Гончарова.
Лучизм это абстрактное искусство, основанное на вмещение световых спектров и светопередачи.

Маньеризм

(от итал. manierismo, от maniera – манера, стиль) – стиль в искусстве, основанный на усвоении манеры какого-нибудь большого мастера или определенной художественной школы.

Метареализм

(произошло от греч. meta – между, после, через и геalis – вещественный, действительный) – реализм многих реальностей, связанных непрерывностью метаболических превращений и перемен состояний. Есть реальность, открытая зрению муравья, и реальность, открытая блужданию электрона, и реальность, свёрнутая в математическую формулу. Метареальный образ, метаморфоза, метабола – способ взаимосвязи всех этих реальностей, утверждение их растущего единства.

Мизерабилизм

(от фр. miserable – несчастный) – направление изобразительного искусства, зародившееся во Франции после 1940-х годов. В рамках данного направления, на первое место выносятся принципы фигуративности, сюжетно-драматическое начало в живописи и графике, с подчеркиванием трагической обреченности, «покинутости» человека в мире. Основоположником мизерабилизма считается Франсис Грюбер.

Минимализм

(произошло от англ. minimal art – минимальное искусство) – художественное течение, исходящее из минимальной трансформации используемых в процессе творчества материалов, простоты и единообразия форм, монохромности, творческого самоограничения художника. Для минимализма характерен отказ от субъективности, репрезентации, иллюзионизма. Отвергая классические приемы и традиционные художественные материалы, минималисты используют промышленные и природные материалы простых геометрических форм и нейтральных цветов (черный, серый), малых объемов, применяют серийные, конвейерные методы индустриального производства. Минимализм возник в США в первой половине 60-х гг. Среди наиболее репрезентативных минималистов: К. Андре, М. Бочнер,У. Де Мариа, Д. Флэвин, С. Ле Витт, Р. Мэнголд, Б. Мэрден, Р. Моррис, Р. Раймэн.

Модерн

(произошло от фр. moderne – новейший, современный) – cтиль в европейском и американском иcкyccтвe нa pyбeжe XIX-XX вeкoв. Модерн переосмысливал и стилизовал черты искусства разных эпox, и выpaбoтaл coбcтвeнныe xyдoжecтвeнныe пpиeмы, ocнoвaнныe нa пpинципax асимметрии, орнаментальности и декоративности. Его отличительными особенностями являются: отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, природных линий. Этим oбъяcняeтcя нe тoлькo интepec к pacтитeльным opнaмeнтaм в пpoизвeдeнияx мoдepнa, нo и caмa иx кoмпoзициoннaя и плacтичecкaя cтpyктypa – oбилиe кpивoлинeйныx oчepтaний, oплывaющиx, нepoвныx кoнтypoв, напоминающих pacтитeльныe фopмы. Художники, писавшие в стиле модерн: Поль Гоген (1848-1903), Густав Климт (1862-1918).

Модернизм

(произошло от итал. modernismo – «современное течение») – общее название направлений искусства и литературы конца 19-20 века: кубизм, дадаизм, сюрреализм, модерн, футуризм, экспрессионизм, абстрактное искусство, функционализм, неоимпрессионизм, постимпрессионизм и т. п.

Натюрморт

(в переводе с фр. – мертвая, неодушевленная натура) – это художественное изображение различных предметов быта. Ими могут быть: посуда, домашняя утварь, фрукты, овощи, цветы, дичь или любое их сочетание. Самые известные школы в написание натюрморта – фламандская и голландская, в которых по-своему решили задачу передачи цвета и композиции.

Наив, наивное искусство

изобразительные виды народного искусства; творчество художников-самоучек; а также самодеятельное искусство.

Натурализм

(произошло от лат. naturalis – природный) – направление в литературе и искусстве последней трети 19 века, стремившееся к объективно точному и бесстрастному воспроизведению наблюдаемой реальности. Считается, что натурализм воспроизводит реальность без ее идейного осмысления, художественного обобщения, критической оценки и отбора.

Неоклассицизм

Де Стиль – термин, обозначающий художественные явления последней трети XIX-XX вв., которым присуще обращение к традициям античного искусства, искусства эпохи Возрождения или классицизма. Возникновение неоклассицизма обусловлено стремлением противопоставить некие “вечные” эстетические ценности тревожной и противоречивой реальности. Самый известный художник этого направления живописи: Адольф Вильям Бугро (1825-1905)

Неопластицизм

одна из ранних разновидностей абстрактного искусства. Создан к 1917 году нидерландским живописцем П. Мондрианом и др. художниками входившими в объединение “Стиль”. Для неопластицизма характерно, по словам его создателей, стремление к “универсальной гармонии”, выразившееся в строго уравновешенных комбинациях крупных прямоугольных фигур, четко разделенных перпендикулярными линиями черного цвета и окрашенных в локальные цвета основного спектра (с добавлением белого и серого тонов).

Неореализм

Неореализм

художественное направление, получившее развитие в изобразительном искусстве в середине XX века в ряде стран Европы и в США, представители которого на фоне модернистского искусства провозгласили возврат к реалистическим ценностям традиционных изобразительных форм.

Неоэкспрессионизм

направление в современной живописи, которое возникло в конце 1970-х и доминировало на арт-рынке до середины 1980-х. Неоэкспрессионизм возник в Европе как реакция на концептуальное и минималистическое искусство 1970-х. Неоэкспрессионисты вернулись к образности, фигуративности, живой и эмоциональной манере, ярким насыщенным цветам.

Ню

 (произошло от фр. nu – нагой, раздетый) – один из жанров изобразительного искусства, посвященный изображению нагого тела, преимущественно женского. В своём развитии ню тесно связан с изображением обнажённого человеческого тела и воплощает идеал красоты данной страны и эпохи. Ню зарождается в эпоху Возрождения в рамках мифологического, аллегорического, исторического и бытового жанров. Формирование ню как жанра происходит в 17 веке с распространением идей сенсуализма: изображения нагого тела проникаются откровенно чувственным началом.

Оп-Арт

(от англ. ор art, сокращение от optical art – оптическое искусство) – неоавангардистское течение в изобразительном искусстве, одна из поздних модификаций абстрактного искусства. В оп-арте эффекты пространственного перемещения, слияния и “парения” форм достигались введением резких цветовых и тональных контрастов, ритмических повторов, пересечения спиралевидных и решетчатых конфигураций, извивающихся линий.

Орфизм

(от фр. orphisme, от Orpһée – Орфей) – направление во французской живописи 1910-х гг. Название дано в 1912 французским поэтом Аполлинером живописи художника Робер Делоне. Орфизм связан с кубизмом, футуризмом и экспрессионизмом. Основные особенности живописи этого стиля эстетизм, пластичность, ритмичность, изящество силуэтов и линий.
Мастера орфизма: Робер Делоне, Соня Терк-Делоне,Франтишек Купка, Франсис Пикабиа, Владимир Баранов-Россине, Фернан Леже, Морган Рассел.

Парсуна

(искаженное лат. persona – личность, особа) – первоначально синоним современного понятия портрет вне зависимости от стиля, техники изображения, места и времени написания. Понятие парсуна в значении произведения переходного периода от иконописи к светской портретной живописи предложено И.М. Снегирёвым в 1854 году.

Пастораль

(произошло от фр. pastorale, пастушеский, сельский) – жанр поэтизирующий мирную и простую сельскую жизнь.

Примитивизм

стиль живописи, зародившийся в XIX-XX веках. Примитивисты намеренно упрощали картину, делая её формы примитивными, как народное искусство, творчество ребенка или первобытного человека. Основное отличие от наивного искусства: наив – живопись непрофессионалов, а примитивизм – стилизованная живопись профессионалов. Самыми известными художниками этого направления являются Марк Шагал, Нико Пиросмани.

Поп-арт

(произошло от англ. popular art – популярное, общедоступное искусство или от pop – отрывистый звук, лёгкий хлопок) – буквально: искусство, производящее взрывной, шокирующий эффект – неоавангардистское направление в изобразительном искусстве. Поп арт получил распространение со 2-й половины 1950-х гг. в США. Художники этого направления воспроизводят буквально типичные предметы современного быта (вещи домашнего обихода, упаковку товаров, фрагменты интерьеров, детали машин…), популярные печатные изображения известных личностей, вырезки из газет или включают эти предметы и изображения в композиции. Отличительная черта поп-арта – сочетание вызова с безразличием. Все одинаково ценно или бесценно, одинаково красиво или безобразно, одинаково достойно или недостойно. Самые известные художники поп арта: Джаспер Джонс, Роберт Раушенберг и Энди Уорхол.

(произошло от фр. слова portrait) – это художественное изображение человека с передачей его внутреннего мира. Делится на индивидуальный, групповой, парадный, автопортрет.

Постимпрессионизм

(произошло от фр. postimpressionisme, от лат. post – после и импрессионизм) – совокупность направлений, возникших во французском искусстве во второй половине 1980-х годов и пришедших на смену импрессионизму. Началом постимпрессионизма принято считать середину 1880-х, когда состоялась последняя выставка импрессионистов и был опубликован Манифест символизма (1886) поэта Жана Мореаса. Новые течения декларировали неприятие эстетики импрессионизма и реализма. Их объединяла готовность передавать в картинах не сиюминутные, но длительные, сущностные состояния жизни, как материальные, так и духовные. Поиски шли различными путями: это и пуантилизм (Жорж Сёра,Поль Синьяк), и символизм Поля Гогена.

Постмодернизм

(произошло от фр. postmodernisme – после модернизма) – новый художественный стиль, отличающийся от модернизма возвратом к красоте вторичной реальности, повествовательности, обращением к сюжету, мелодии, гармонии вторичных форм. Для постмодернизма характерно заимствование из разных эпох, регионов и субкультур стилей, образных мотивов и художественных приемов.

Прерафаэлитизм

(произошло от англ. pre перед и raphaelitism – Рафаэль) – эстетико-мистическое направление в английской поэзии и живописи во второй половине XIX в, образовавшееся в начале 50-х годов с целью борьбы против условности в английском искусстве викторианской эпохи, против академических традиций и слепого подражания классическим образцам.

Проторенессанс

(произошло (от греч. protos – первый и фр.Renaissance – Возрождение) – переходное направление в итальянском искусстве от эпохи Средневековья к эпохе Возрождения.

Пуантилизм

(дивизионизм) (произошло от фр. pointiller – писать точками) – направление неоимпрессионизма, письмо раздельными четкими мазками в виде точек или мелких квадратов. Смешение цветов с образованием оттенков происходит на этапе восприятия картины зрителем. Самые известные художники, писавшие в этом стиле: Жорж Сёра (1859 – 1891), Поль Синьяк (1863-1935), Анри Матисс (1869-1954).

Пуризм

(от фр. pur – чистый) – направление в живописи и архитектуре XX века, ищущее при создании своих произведений эстетической ясности, точности, подлинности в изображении. Это течение было создано французским художником Амеде Озенфаном и архитектором Ле Корбюзье в 1918 году с написанием ими художественного манифеста «После кубизма». Идеальной пропорцией в пуризме рассматривается золотое сечение и отвергается декоративность и манерность.

Реализм

(произошло от лат. геalis – вещественный, действительный) – направление в искусстве, характеризующееся изображением социальных, психологических и прочих явлений, максимально соответствующим действительности. Самые известные реалисты: Илья Репин, Иван Шишкин, Василий Поленов, Василий Суриков, Исаак Левитан.

Рококо

(происходит от фр. rococo, rocaille) – стиль в искусстве и архитектуре, зародившийся во Франции в начале 18 века. Отличался грациозностью, легкостью, интимно-кокетливым характером. Придя на смену тяжеловесному барокко, рококо явился одновременно и логическим результатом его развития, и его художественным антиподом. Со стилем барокко рококо объединяет стремление к завершённости форм, однако если барокко тяготеет к монументальной торжественности, то рококо предпочитает изящество и лёгкость.

Романтизм

(произошло от фр. romantisme) – идейное и художественное направление в европейской и американской живописи конца 18 – начала 19 веков, выдвигавшее на первый план индивидуальность, наделяя ее идеальными устремлениями. Романтизм выделял главенство воображения и чувств. Его основная социально-идеологическая предпосылка – разочарование в буржуазной цивилизации, в социальном, промышленном, политическом и научном прогрессе. Самые известные живописцы этого жанра: Э. Делакруа, И.К. Айвазовский (1817-1900).

Иппический жанр

(произошло от греч. hippos – лошадь) – жанр изобразительного искусства, в котором главным мотивом является изображение лошади.

Исторический жанр

 жанр изобразительного искусства, посвященный историческим событиям и деятелям, а также социально значимым явлениям в истории общества.

Каприччо

(произошло от итал. capriccio, буквально – каприз, прихоть) – архитектурный пейзаж-фантазия. Самые известные художники писавшие каприччо: Франческо Гварди, Антонио Каналетто.

Марина

МОРСКОЙ ПЕЙЗАЖ  (произошло от фр. marine, итал.marina, от лат. marinus – морской) – жанр изобразительного искусства, изображающий морской вид. Яркий представитель этого жанра – И.К.Айвазовский (1817-1900).

Сентиментализм

(произошло от лат. sentiment – чувство) – направление западного искусства второй половины XVIII., выражающее разочарование в цивилизации, основанной на идеалах разума. Сентиментализм провозглашает чувство, уединенное размышление, простоту сельской жизни “маленького человека”. Идеологом сентиментализма считается Ж.Ж.Руссо. Художники, писавшие в этом жанре: Я.Ф. Хаккерт, Р.Уилсон, Т.Джонс, Дж.Форрестер, С.Дэлон.

Символизм

(происходит от фр. symbolisme) – одно из крупнейших направлений в искусстве (в литературе, музыке и живописи), возникшее во Франции в 1870-80-х гг. и достигшее наибольшего развития на рубеже XIX и XX веков, прежде всего в самой Франции, Бельгии и России. Символисты радикально изменили не только различные виды искусства, но и само отношение к нему. Их экспериментаторский характер, стремление новаторству, космополитизм и обширный диапазон влияний стали образцом для большинства современных направлений искусства. Художники символисты: Обри Бердслей, Михаил Врубель.

Стрит-арт

(от англ. street art – уличное искусство) – искусство, получившее развитие на улицах и в городских публичных местах. Включает в себя граффити, тэги, трафаретное граффити, стикер-арт, постеры, видео проекции, флэш-мобы и уличные инсталляции.

Материал подготовлен студией Art-Spb

Каковы характеристики классического греческого искусства? — MVOrganizing

Каковы характеристики классического греческого искусства?

1200-800 до н. независимая организация (atomo).

Что определяет классическое искусство?

Классическое искусство охватывает культуры Греции и Рима и остается краеугольным камнем западной цивилизации.Включая инновации в живописи, скульптуре, декоративном искусстве и архитектуре, классическое искусство преследовало идеалы красоты, гармонии и пропорции, несмотря на то, что эти идеалы менялись и менялись на протяжении веков.

Каковы характеристики классического искусства и музыки?

Основные характеристики Классическая музыка имеет более легкую и ясную текстуру, чем музыка барокко, и менее сложна. В основном это омофоничность — мелодия выше аккордового аккомпанемента (но контрапункт никоим образом не забывается, особенно в более поздний период).

Каковы были характеристики классической скульптуры?

Помимо отдельно стоящих статуй, термин «классическая скульптура» включает в себя рельефные работы (такие как знаменитые Эльгинские мраморы Парфенона) и более плоский стиль барельефа. В то время как скульптурные произведения подчеркивали человеческую форму, рельефы использовались для создания сложных декоративных сцен.

Что такое классический стиль?

1. классический стиль — художественный стиль древнегреческого искусства с упором на пропорции и гармонию.художественный стиль, идиома — стиль конкретного художника или школы или движения; «Образная оркестровая идиома» На основе WordNet 3.0, коллекции картинок Farlex.

Когда был период классического искусства?

Классическая Греция 480–323 до н. Э. В классическую эпоху также произошло становление западной философии в учениях и трудах Сократа, Платона и Аристотеля.

Каковы 3 характеристики классического искусства?

Хотя классическое искусство варьируется от жанра к жанру, оно славится своей гармонией, балансом и чувством меры.В своей живописи и скульптуре он использует идеализированные фигуры и формы и обращается со своими предметами в непредсказуемой и эмоционально нейтральной манере. Цвет всегда подчинен линии и композиции.

Какой образец классического искусства?

Примеры классического искусства: скульптура, Discobolus и Riace Bronzes.

Какие две формы классического искусства?

Классический — термин, обычно используемый для обозначения стиля древнегреческого и римского периодов.Однако классическое искусство с годами возродилось в форме искусства эпохи Возрождения, стиля барокко и неоклассицизма. Тем не менее, поскольку все вариации следуют принципам классического стиля, они остаются образцами классицизма.

Какие виды классического искусства?

Классические художественные формы

  • Классический период.
  • Классический период • Расцвет: • греческой культуры и • Римской империи.
  • Классический период • Формы искусства: • Скульптура.
  • Классический период • Формы искусства: • Роспись керамики.
  • Классический период • Формы искусства: • Фрески — роспись на стене или потолке.

В чем важность классицизма?

Классицизм утверждает важность целостности и единства; произведение искусства объединяется без посторонних элементов или открытых выводов. И древнегреческие, и древнеримские писатели подчеркивали сдержанность и ограниченность, разум, отраженный в теме и структуре, а также единство цели и замысла.

Каковы основные характеристики классического периода?

Классический период

  • упор на элегантность и баланс.
  • коротких, сбалансированных мелодий и четких вопросов и ответов.
  • в основном простая диатоническая гармония.
  • в основном гомофонические текстуры (мелодия плюс аккомпанемент), но с некоторым использованием контрапункта (когда две или более мелодические линии объединяются)
  • использование контрастных настроений.

Каковы элементы и принципы классического периода?

В искусстве семь элементов.Это цвет, форма, линия, форма, пространство, текстура и значение. Десять общих принципов искусства — это баланс, акцент, гармония, движение, узор, пропорции, повторение, ритм, единство и разнообразие.

Как узнать классическую музыку?

Классическая музыка признана по:

  1. красивых мелодий.
  2. омофонических аккомпанементов.

Можете назвать 3 известных композиторов-классиков?

Три композитора, которые неизменно занимают первые места, — это Бетховен, Бах и Моцарт.Ученые и поклонники различаются по остальным, но перечисленные ниже часто считаются одними из самых значительных.

Может ли SoundHound определять классическую музыку?

не существует приложения, специально предназначенного для определения классической музыки, но я обнаружил, что Soundhound очень хорошо справляется с большей частью классической музыки, которой я владею.

Почему Shazam не распознает классическую музыку?

Какой бы прекрасной ни была эта концепция, Shazam имеет свои ограничения в рамках жанра классической музыки.Это не обязательно потому, что само приложение не является надежным, а потому, что часто бывает трудно отличить одно исполнение классической пьесы от другого.

Тщательное сравнение — bridgeman blog

Цифровое искусство

Компьютерная графика получила развитие, особенно в конце прошлого века. Компании, занимающиеся графическим программным обеспечением, пытаются развить больше навыков для дизайнеров и художников с помощью новых функций, которые позволяют им визуализировать свои идеи. Вы можете легко запомнить эту тенденцию, просмотрев последние обновления в таких приложениях, как Adobe Photoshop и Illustrator.Новая смешанная кисть в Photoshop создана специально для преобразования и создания работ, например, живописи.

Новая прическа в Illustrator пытается имитировать эффект рисования с помощью векторной графики, которая не требует разрешения и легко модифицируется. Цифровое искусство было распространено на оборудование с использованием инструментов, имитирующих работу художника на бумаге, таких как планшеты Wacom, скрытая камера для няни и CentiQ. Эти новые инструменты помогают художникам использовать тот же эффект, что и настоящий карандаш и бумага.

Хотя цифровое искусство не обеспечивает текстуры и объема, которые дает классическое искусство, по крайней мере, на данный момент, его легко редактировать и позволяет художникам использовать множество эффектов и фильтров, которые могут предложить совершенно новые творческие возможности.

Engulfed, 2009 (цифровой коллаж), Trygve Skogrand / Private Collection

Классическое искусство

Термин «классическое искусство» относится к областям, в которых используются старые художественные методы для создания произведений искусства, такие как карандаши, кисти, глина и другие инструменты.Хотя в классическом искусстве используются различные техники цифрового искусства, разные формы искусства связаны друг с другом одной и той же концепцией, которая также включает цифровое искусство. Художественные школы, такие как сюрреализм, можно найти не только в изобразительном искусстве и живописи, это движение, которое распространяется также на написание рассказов, стихов и музыку.

Классическое искусство отличается фактурой цвета и росписью на бумаге или холсте. Более того, он отмечен объемом, который можно потрогать и почувствовать, например, скульптурами.Этот объем и текстура позволяют зрителям по-разному участвовать в художественном произведении, например, смотреть на него и ощущать текстуру руками.

Некоторые методы классического искусства более интересны, так как предлагают зрителю другие впечатления, такие как использование света и звука во время презентации произведения искусства.

: Германия: Людвиг ван Бетховен (1770-1827), композитор. Портрет Йозефа Карла Стилера (1781-1858), холст, масло, 1820 / Картины из истории

Людвиг ван Бетховен (цифровой), Скотт Дж.Дэвис / Частная коллекция

Эти искусства конкурируют за искусство?

Конкурируют ли цифровое и классическое искусство? Простой ответ — нет. Цифровое искусство, как следует из названия, представляет собой форму искусства, которая при использовании в графическом дизайне или в коммерческих целях может рассматриваться как одно из прикладных искусств. Никто не может утверждать, что масляная живопись конкурирует с акварельными рисунками, потому что они оба используют кисти. Это другой стиль искусства с разными техниками.

И цифровое, и классическое искусство используют одни и те же художественные концепции, которые включают баланс, теорию цвета, гармонию и контраст.Однако цифровое искусство является естественным продолжением классического искусства благодаря цифровой эволюции человеческой цивилизации. В то время, когда все вокруг нас становится оцифрованным, искусство также делает эти шаги в сторону цифрового мира.

Железная дорога, 2013 (Фотомонтаж), Йохан Лилья / Частная коллекция

Нужно ли нам знать классическое искусство, чтобы стать цифровым художником?

Поскольку мы пришли к выводу, что цифровое искусство является продолжением классического искусства, у нас может возникнуть вопрос: необходимо ли изучение классического искусства для изучения цифрового искусства?

Как мы уже упоминали, цифровое искусство — это форма классического искусства, такого как живопись, рисунок, перьевой фотоаппарат и скульптура.Однако не обязательно учиться живописи, чтобы стать хорошим скульптором. В то же время вы должны иметь базовое представление о концепциях изобразительного искусства через цвета, формы, баланс и т. Д.

Даже базовые навыки рисования имеют основополагающее значение, чтобы помочь вам визуализировать свои идеи и нарисовать их в цифровом виде с помощью ваших любимых инструментов, таких как планшет Wacom или Cintiq.

Коралловый риф, 2015 (тушь, цифровые носители), Варпу Кронхольм / Частная коллекция

Заключение

В конце концов, цифровое искусство неотделимо от других форм классического искусства.Это продолжение этих искусств, использующее компьютерное программное обеспечение и оборудование в качестве инструмента для создания произведений искусства.

Очень сложно сравнивать эти виды искусства; если вы не согласны с тем, что они являются частью друг друга и следуют одним и тем же концепциям искусства. Однако они не конкурируют друг с другом, и цифровое искусство превратится в классические художественные методы просто потому, что они дополняют друг друга.

: Mantel III, 2014, (цифровой), Pollyanna Illustration / Private Collection

Подробнее

Посмотреть больше цифровых изображений из Bridgeman Studio

Свяжитесь с нами по адресу uksales @ bridgemanimages.com для получения дополнительной информации о лицензировании и авторских правах

Возрождение греко-римского вкуса

Неоклассическое искусство приобрело популярность в Европе середины 18-го века, где стиль в значительной степени опирался как на эпоху Возрождения, так и на классическое греческое и римское искусство, архитектуру и культуру. Корни движения были в первую очередь обусловлены открытием древних греческих и римских археологических памятников, которые открыли беспрецедентную возможность познакомиться с древностью из первых рук. От зданий с колоннами, вдохновленными греческими храмами, до величественных композиций французской живописи 18-го века, неоклассицизм напомнил о некоторых из самых знаковых черт и мотивов классического искусства, демонстрируя возобновленный интерес к симметрии, гармонии и пропорциям классической античности.

Что такое неоклассицизм?

Неоклассицизм, жанр, существовавший с конца 18 до начала 19 века, породил искусство и архитектуру, черпавшие вдохновение в классических формах и мотивах. В отличие от динамизма и сложных композиций стилей рококо и барокко, неоклассицизм продемонстрировал стремление к простоте, симметрии и идеализму произведений греческой и римской античности.

Жак-Луи Давид, «Вмешательство сабинянок», 1799 год.Музей Лувр. Париж, Франция

Ориентация на идеализм — философия, которая в применении к изобразительному искусству подчеркивала использование воображения и попытку реализовать ментальную концепцию красоты — определила эту эпоху. Художники в значительной степени опирались на классические формы и материалы, но, как правило, избегали потенциально душных и холодных черт прошлого, сосредотачиваясь на гармонии, простоте и соотношении форм, материалов и цветов.

В чем разница между классицизмом и неоклассицизмом?

И классицизм, и неоклассицизм черпают эстетическую чувственность в искусстве и архитектуре Древней Греции и Рима, но их несопоставимые периоды времени служат самым большим различием между ними.В то время как классическое искусство относится к искусству, созданному в период расцвета греческой и римской античности, неоклассическое искусство, хотя и сильно вдохновленное классицизмом, возникло позже. В результате термины часто используются как синонимы, но важно отметить различия.

Есть несколько отличий и с точки зрения теоретических идей. Большая часть классицизма основана на поиске теоретического совершенства до того, как произведение будет чрезмерно манипулировать до экстравагантности. Считалось, что такая высокая драматургия принижает первоначальную цель или значение произведения, как это ощущалось в предыдущие периоды рококо и барокко.Неоклассицизм был больше ориентирован на восхищение древностью, чем на ее восприятие как образ современной жизни.

Краткая история неоклассического искусства

Гийом Сеньяк, «Послеобеденный отдых», 1870-1924 гг. Продано за 49 000 долларов на Christie’s (апрель 2008 г.).

Три основных фактора способствовали возникновению неоклассицизма: археологические раскопки, «Гранд-тур» и труды Иоганна Иоахима Винкельмана.

К середине 18 века археология стала популярной новой областью науки, чему способствовали крупные открытия руин по всей Европе, включая Афины, Помпеи и Геркуланум.Подробные иллюстрации и письменные отчеты о раскопках широко распространились по континенту, вызвав интерес к недавно обнаруженным реликвиям классической древности. Неоклассицизм напрямую опирался на эту информацию, расширяя историческую перспективу общества и возрождая страсть к прошлому.

Гранд-тур, европейский обычай 17-18 веков, согласно которому молодые богатые путешественники отправлялись в познавательное путешествие по Европе в поисках искусства и культуры, также сыграл решающую роль в распространении неоклассицизма.За это время молодые представители высшего общества, путешествующие в Италию, посетили студии известных художников-неоклассиков, таких как Антонио Канова и Бертель Торвальдсен, встретили множество древних артефактов и собрали ценные сувениры, чтобы вернуть их в свои библиотеки. Эти сувениры распространились через континент, в Северную Америку и Латинскую Америку в 19 веке, способствуя расширению.

Еще одним важным вкладом, который способствовал подъему неоклассицизма, были работы немецкого философа и археолога Иоганна Иоахима Винкельмана (1717–1768).Винкельманн писал об авторитете греческого искусства, восхваляя его идеалистические образы как превосходящие природу и отвергая идею о том, что искусство должно подражать жизни. Эта идеология впервые появилась в трудах греческого философа Платона, но неоклассики приняли ее основные принципы и расширили их в своей работе. Идеи Винкельмана были настолько влиятельными, что вызвали греко-римские противоречия в 1760-х годах, дебаты, в которых рассматривалось превосходство греческого и римского искусства и архитектуры.

Характеристики неоклассического искусства

Мартин Дроллинг, «Посланник», 1815 г.Продано на аукционе Sotheby’s за 104 250 долларов (январь 2002 г.).

Историко-мифологическая тематика

Греческая и римская история и мифология были источниками вдохновения для художников-неоклассиков по всей Европе. От архитектуры и декора до фольклора, неоклассическое искусство отражало героизм и фантазию мифических сказок. Это всегда присутствовало в работах, изображающих сражения, исторические сцены и даже современные сцены, в которые были добавлены фантастические элементы для достижения желаемой устаревшей эстетики.

Идеализм

Художники, опирающиеся на историю и мифологию, были очарованы идеализмом греко-римского искусства и архитектуры, который отражал общее убеждение, что наша реальность формируется нашими собственными мыслями и идеями. Винкельманн поддержал это увлечение, заявив, что греческое искусство является воплощением качеств, превосходящих природу. Знакомство с этими произведениями искусства и археологическими реликвиями из первых рук повлияло на изучающих неоклассицизм. Такие формы и пропорции были проиллюстрированы в картинах, архитектуре и садах — даже природу манипулировали, чтобы охватить новую эстетику.

Простота

Вопреки грандиозному чутью произведений рококо и барокко, неоклассицизм отдавал предпочтение простой элегантности. Стремление к чистоте древности привлекло европейцев к симметричным композициям недавно обнаруженных произведений искусства и артефактов. Винкельманн часто отмечал «благородную простоту» греческих работ, и современные художники стремились ее воссоздать. Чистые линии, ровные пропорции и более ровные цветовые палитры были отличительными чертами этого жанра.

Великолепие

Грандиозные крупномасштабные произведения демонстрируют внимание к деталям, которые художники стараются воссоздать.Богато украшенные куполообразные потолки, фрески, украшающие целые стены, и высокие колонны появлялись по всей Европе в течение 18 века. Некоторые из самых знаковых фасадов банков и правительственных зданий, которые все еще существуют сегодня, возникли в неоклассический период.

Примеры неоклассического искусства

Джованни Паоло Панини, «Древний Рим»

Джованни Паоло Панини, «Древний Рим», 1757 г. Изображение взято с Wikimedia Commons.

«Древний Рим» Джованни Паоло Панини воплощает основные принципы неоклассицизма: фрески, картины и мраморные статуи, изображающие сцены классической античности, выставлены в большом зале, где студенты и ученые наблюдают и создают собственные копии.Произведение Панини подчеркивает важность воздействия классических произведений на распространение неоклассических идеалов.

Элизабет Виже Лебрен, «Принцесса Евдокия Ивановна Голицына в роли Флоры»

Элизабет Виже Лебрен, «Принцесса Евдокия Ивановна Голицына в образе Флоры», 1799 г. Изображение с Wikimedia Commons.

Мягкие цвета, идеально пропорциональные черты лица и включение греческой архитектуры на заднем плане: это произведение Элизабет Луизы Виже Ле Брун демонстрирует сдержанную красоту, которая определяла неоклассическую эпоху.Как французский художник-портретист, она была одной из самых успешных женщин-художников своего времени, известной своими портретами женщин. Только она написала двадцать портретов Марии-Антуанетты, и их дружба помогла ей укрепить ее влиятельную роль в неоклассическом движении.

Жак Луи Давид, «Папский пирог VII»

Жак-Луи Давид, «Портрет папиного пирога VII», 1805 г. Изображение взято с Wikimedia Commons.

Французский художник Жак-Луи Давид был одним из самых влиятельных авторов неоклассического периода; его работы были признаны образцовыми того времени.Давид в основном писал исторические события и изображал многих лидеров Французской революции после ее начала в 1789 году, включая Наполеона Бонапарта и Папу Пия VII. Исторические и мифические мотивы занимали центральное место в его работах, передавая идеализм и понимание прошлого, преобладавшие в то время.

Йозеф Мецгер, «Бюст Эжени де Богарне»

Йозеф Мецгер, «Бюст Эжени де Богарне», XIX век. Изображение взято с Wikimedia Commons.

Мраморные статуи и бюсты были основой греческой и римской архитектуры, а их внешний вид был принят в эпоху неоклассицизма.Однако на этот раз были представлены современные фигуры, такие как президенты и элита, а не боги и богини. Четкие линии и гладкие края мрамора олицетворяли желаемую простоту. Некоторые бюсты и статуи были вырезаны в традиционной одежде, относящейся к неоклассическому периоду, в то время как на других были изображены драпированные тоги, больше напоминающие ушедшую эпоху.

Восхваление прошлого в неоклассическом искусстве и противодействие более показным тенденциям произвело фурор в XVIII и XIX веках.От масляных картин и мраморных бюстов до архитектурных чудес — движение было широким. Понимание прошлого сочетается с современностью, чтобы пробудить новый интерес к симметрии, гармонии в композиции и сосредоточению внимания на пропорциях.


Источники : Музей Метрополитен 1, 2 | Британская энциклопедия 1, 2, 3

Классический реализм: живая художественная традиция

Стивен Гджертсон

Происхождение фразы

Стивен Гджертсон, Безумие Самсона , 2005.
Холст, масло, 46 x 66. Художественный музей Мэрихилл, Голдендейл, Вашингтон.

Выражение «классический реализм» в применении к определенной группе художников возникло у художника из Миннеаполиса Ричарда Лака (1928–2009). Лэк учился у бостонского художника Р. Х. Айвса Гаммелла (1893-1981) в начале 1950-х годов. В 1967 году он основал Atelier Lack, школу-студию изобразительного искусства, созданную по образцу ателье Парижа XIX века и учению бостонских импрессионистов. К 1980 году он обучил значительную группу молодых художников.В 1982 году они организовали передвижную выставку своих работ и выставок других художников в рамках художественной традиции, представленной Гаммеллом, Лаком и их учениками. Верн Суонсон, директор Спрингвильского художественного музея в Спрингвилле, штат Юта (место проведения выставки), попросил Лэка выбрать термин, который отличал бы реализм наследников бостонской традиции от реализма других художников-представительниц. Хотя он не хотел называть эту работу ярлыком, Лак выбрал выражение «классический реализм.Впервые он был использован для характеристики творчества определенной группы художников в названии выставки: Классический реализм: Другой двадцатый век . (1)

В каталоге выставки Лэк назвал одну причину, по которой такой термин был необходим: «Любая картина 20-го века, которая предлагает узнаваемый объект, даже если он грубо или по-детски передан, квалифицируется как« реалистичный ». Очевидно, простое слово« реализм »в применении к живопись, стала настолько широкой по своему размаху и общему применению, что больше не имеет смысла.Он хорошо осознавал трудности, связанные с попыткой придумать термин, который был бы узнаваемым, но описательным. Он знал, что в контексте истории искусства фраза «классический реализм» была оксюмороном.

Классицизм и реализм

Рафаэль, Триумф Галатеи , ок. 1511.
Вилла Фарнезе, Рим.

На протяжении всей истории принципы классицизма (и его производных, неоклассицизма и идеализма) и реализма противопоставлялись друг другу.Классицисты считали, что искусство Древней Греции и Рима является эталоном, по которому следует судить об искусстве. Они создавали работы на основе старинных моделей с сюжетами, взятыми из истории, мифов и легенд. Их работы характеризовались идеализацией природы ради красоты и пропорций, а также ясным и логичным выражением их предметов с помощью изысканного рисунка, формы и технических приемов. Реалисты же презирали красоту как предмета, так и методов.

Они редко представляли темы из истории или мифа и предпочитали изображение общих тем с небольшой идеализацией или без нее.Даже высокие темы редко идеализировались ради красоты. Сравните, например, работу Рафаэля с работой Караваджо или, ближе к нашему времени, работу Бугро с работой Курбе.

Западноевропейские художественные традиции

Карраваджо, Распятие Святого Петра , 1600–1601.
Холст, масло, 90½ x 70. Часовня Серази, Санта-Мария-дель-Пополо, Рим.

Имея в виду эти исторические различия, что имел в виду Ричард Лак, объединив их во фразе «Классический реализм»? В основе определения классического реализма, данного Лаком, лежит понимание художественной традиции.Определение Лака охватывает традиции европейского искусства, включая классицизм и реализм, которые передавались от мастера к ученику со времен Возрождения. В XIX веке эти традиции и методы создания изображений были фундаментальными для обучения в École des Beaux-Arts и отдельных ателье Парижа, а также в академиях и студиях Германии, Англии и Италии.

Особая художественная традиция, частью которой являются Лак и его ученики, уходит корнями в так называемую Бостонскую школу, одну из старейших школ живописи в истории американского искусства.«Бостонские художники, — утверждает Лэк, — прославились во всех Соединенных Штатах как приверженцы стиля, основанного на авторитетном мастерстве рисования, богато пигментированных поверхностях и, прежде всего, непоколебимой преданности цветовой истине или, как они выражались,« примечанию ». . »Эти художники были посвящены внешнему виду видимого мира, мимолетным эффектам света и непосредственности жестов, встречающихся в их повседневном окружении, и преуспели в создании искусства, правдивость которого к природе и красоте цвета редко была превзойдена их творчеством. Европейские современники.Их работы объединили академические и импрессионистские традиции в истинно американское искусство.

Жан-Леон Жером, Дуэль после бала , 1857-9.
Холст, масло, 15 х 21 см. Художественная галерея Уолтерса, Балтимор.

Среди основных участников этого проекта были Деннис Миллер Банкер, Эдмунд К. Тарбелл, Джозеф Р. ДеКэмп и Уильям МакГрегор Пакстон. Уильям МакГрегор Пакстон (1869-1941) обучался в Париже у Жан-Леона Жерома в конце 1880-х — начале 1890-х годов.Он обеспечил связующее звено с развитием этой традиции в Америке после Второй мировой войны через своего ученика Р. Х. Айвса Гаммелла. Гаммелл был человеком независимых средств, первоклассным интеллектуалом и исключительно одаренным художником. Он стремился сохранить и передать некоторые из быстро уменьшающихся знаний в области традиционного фотоизображения, основав ателье в Бостоне. Эта школа-студия, единственная в своем роде в период расцвета модернизма, продолжала функционировать до его смерти в 1981 году.

Р. Х. Айвс Гаммелл, Сад Персефоны, , 1938.
Холст, масло, 48 x 24. Частное собрание.

Гаммелл признал необходимость продолжения как академических, так и импрессионистских традиций, не желая продолжать катастрофический раскол между ними, который разрушил искусство живописи в начале этого века. Классический реализм, как его представлял Лак, прочно укоренился в основных художественных принципах, воплощенных в европейских французских академических и американских импрессионистских традициях, завещанных ему Р.Х. Айвз Гаммелл. В нем подчеркивается образная живопись фигур, жанр, получивший наибольшую известность во Франции 19 века и практикуемый исключительно Айвсом Гаммеллом и Ричардом Лаком. Именно эта двойная традиция красивого академического рисунка, импрессионистского цвета и атмосферы и творческой живописи фигур отличает классический реализм от других американских художественных традиций.

Принципы, присущие этой двойной академической / импрессионистской традиции, являются критериями, по которым произведения создаются и оцениваются теми, чье искусство правомерно проходит под знаменем классического реализма.Давайте кратко рассмотрим некоторые из этих основных принципов.

Истина к природе

Аллан Р. Бэнкс, Девушка с цветами , 2005.
Холст, масло, 18 x 14.

«Глядя на великие традиции западной живописи, — утверждает Лак, — мы обнаруживаем, что как художники, так и любители искусства рассматривали репрезентативный элемент как первостепенный при оценке достоинств картины. Критическая оценка сосредоточивалась на таких вопросах, как хороший или плохой рисунок, правдоподобие цвета, правдивость света и тени и высокоразвитые навыки исполнения.В комментариях художников прошлого мы снова и снова читаем об их преданности правдивому изображению природы. Интенсивность этой преданности бесспорна. Свидетельство этой самоотдачи можно найти в их работах. Использование репрезентации становится центром интереса зрителя и дает художнику доступ к богатому хранилищу форм и цветов природы, более разнообразному и многочисленному, чем может предоставить любое человеческое воображение ».

Правдивое изображение природы, однако, зависит от того, как человек воспринимает или научен воспринимать видимый мир.Есть три основных подхода к такому восприятию: классицист, реалист и импрессионист. Были изложены общие характеристики двух первых подходов, которые могут быть помещены в раздел «Академический». Видя и изображая природу, академический художник подчеркивает рисунок и стремится использовать свет и тень для объяснения формы. Истинная визуальная «заметка» или цвет объекта не обязательно важны или подчеркнуты. Импрессионист рассматривает природу как единое и гармоничное целое и подчеркивает влияние света на изображаемые предметы.Тон и цвет используются для обозначения эффекта света, а не формы, хотя лучшие импрессионисты никогда не пренебрегают формой. Очень важно нарисовать правильную «заметку» или цвет, наблюдаемый в природе. Импрессионисты в первую очередь передают только то, что видят перед глазами, поэтому их предмет обязательно ограничен тем, что можно увидеть или создать в природе. Воображаемые или исторические миры мало интересуют истинного импрессиониста. Каким бы ни был подход, тонкое изображение природы — это фундамент, на котором строится искусство классицизма, реализма и импрессионизма.

Всесторонняя художественная подготовка

Ричард Уитни, Дебора, , 1985.
Холст, масло, 24 x 17. Собрание художника.

Как художник и учитель, Лак подчеркивал тот факт, что «прежде чем картина может быть квалифицирована как профессиональная, необходимо достичь высокого уровня компетентности в изображении природы, и что истинное совершенство изображения доступно очень немногим художникам. Эти художники должны обладать природным талантом к рисованию (обычно это проявляется к тому времени, когда начинающие художники достигают подросткового возраста), необычной зрительной памятью, тонким глазом для тонких переходов между светом и темнотой и чувствительностью к цвету.Все эти сходства необходимы для того, чтобы стать первоклассным художником, и скрыты в том, что мы называем талантом. Однако, как и в других областях, этот основной талант должен быть подвергнут надлежащей тренировке, если он хочет раскрыть свой потенциал. Требуются многие годы упорного труда под руководством мастера, чтобы раскрыть талант и реализовать его. После этого увлеченные художники должны постоянно работать, чтобы отточить свои навыки изображения и не позволять слабости воли, лени или компромиссу их художественной целостности просачиваться в их работу, если они хотят сохранить эти навыки.Несомненно, координация рук и глаз, необходимая для создания выдающегося представительства, — редкость ». Независимо от того, является ли подход академическим, импрессионистским или синтезом обоих, такое выдающееся представление заметно правильное по пропорциям и убедительно по форме, форме, значению, жесту и выражению. Правдоподобие или истинность цвета зависит от восприятия художника и типа выполняемой работы, но цвет во всех случаях должен соответствовать предмету и гармонировать для глаз.

«В наше время, — отмечает Лак, — мы должны разъяснить использование фотографии в процессе создания репрезентативных картинок. Мы знаем, что многие мастера XIX века, включая Дега, Икинса, Жерома и Бугро, были очарованы возможностями недавно разработанной науки фотографии. Они ограниченно использовали его в своей работе, не повредив, однако, существенному достоинству и артистичности своего стиля. Напротив, использование черно-белых фотографий или цветных слайдов в работах очень многих современных реалистов приводит либо к красивому стилю (который в некоторых кругах воспринимается как художественное достоинство), либо к яркому стилю, достигнутому благодаря использованию ложной ловкости, чтобы замаскировать тот факт, что художник полагался на фотографию как для вдохновения, так и для визуализации.Даже самые лучшие фотографии могут искажать формы, перспективу, цвет и значения, придавая фальшивый оттенок картине, полностью сделанной по фотографиям. Однако по большей части это видно только натренированному глазу ».

Красота

Вильгельм-Адольф Бугро, Дева Утешения, , 1877.
Холст, масло, 80¼ x 58½. Musée des Beaux-Arts , Страсбург.

«Картина в рамках этой традиции должна быть красивой по линиям и цвету, чтобы считаться искусством», — заявляет Лак.«Я подчеркиваю слово« красота », поскольку простого использования ярких цветов и четких линий недостаточно для создания хорошего дизайна. Линии и цвета, используемые художником, должны вызывать в глазах образованного зрителя гармоничное и приятное ощущение. Это верно независимо от предмета. Художник, как гласит старая фраза, должен радовать глаз ». Классический реалист рассматривает искусство как прекрасное искусство: Les Beaux-Arts , Le Belle Arti . Хотя аспекты визуальной красоты разнообразны, она достигается в первую очередь за счет дизайна и рисования.Его суть — в гармоничном сочетании линий, тонов и цветов произведения. Эти узоры поддерживают доминирующий фокус и обеспечивают упорядоченное движение глаз зрителя. Результат — положительный эмоциональный отклик зрителя. Красота в разной степени соответствует конкретным произведениям искусства, в зависимости от конкретного художественного замысла отдельного художника и характера конкретного произведения. Красоту можно искать в концепции, дизайне, рисунке, цвете и исполнении произведения.

Умелое мастерство

Техническое мастерство — широчайший критерий, отделяющий творчество профессионального художника от любительского. Это достигается усердными тренировками и практикой. Навыки необходимы на протяжении всего процесса, с помощью которого художники развивают и выполняют свою работу. «До последней трети XIX века, — объясняет Лак, — считалось, что художники заканчивают свои картины в меру своих возможностей. Этот процесс отделки передал зрителю завершенность замысла и исполнения, в понятной форме воплотив все, что хотел сказать художник.Отделка вынуждала художников решать все свои проблемы создания картин — рисование, объединение темных и светлых тонов и цвета ─ в максимально творческой манере. Как известно каждому подготовленному художнику, современная страсть к рисованию, похожему на эскиз, и яркому цвету часто скрывает множество недостатков, таких как плохой рисунок и неразрешенный дизайн. Сохранять единство и в то же время создавать ощущение жизни в высокодетализированной картине труднее, чем в эскизе. Как сказал Дега: «Нетрудно вдохнуть жизнь в шестичасовое исследование.Сложность состоит в том, чтобы удержать его там через 60 лет ».

Классический реализм

Кирк Ричардс, Circe , 2004.
Холст, масло, 20 x 16. Частное собрание.

Таким образом, классический реализм — это художественная точка зрения, характеризующаяся любовью и уважением к великим традициям западного искусства. Он основан на тонком изображении природы, представлении, которое возможно только человеку с натренированным и чувствительным глазом. Некоторые классические реалисты могут разумно использовать фотографии, но их работы реалистичны, а не фотографичны.Классические реалисты часто идеализируют или стилизуют свои работы ради красоты и гармонии. Особое внимание уделяется элементам композиции и дизайна. Прилагаются все усилия, чтобы овладеть техническими навыками, необходимыми для создания работ, которые выгодно отличаются от работ мастеров прошлого, академических или импрессионистских. Их работы классические, потому что они демонстрируют предпочтение порядка, красоты, гармонии и завершенности; он реалистичен, потому что его основной словарный запас основан на представлении формы и цвета природы.Современные произведения искусства, которые демонстрируют эти общие характеристики, подпадают под широкий заголовок классического реализма. Превосходство отдельных произведений зависит от степени освоения и использования этих характеристик.

Классический реализм — это более всеобъемлющий термин, чем классицизм, реализм и импрессионизм. Он охватывает эти традиции и может использоваться для описания весьма разнообразных произведений. Работы, отнесенные к классу реализма, могут демонстрировать характеристики классицизма и реализма, которые являются частью европейской академической традиции, и — хотя это и не подразумевается под названием — импрессионизм, на примере художников Бостонской школы.Картины классиков-реалистов покажут высокую степень правдивости цвета природы. Работа классических реалистов не ограничивается так называемыми классическими или реалистическими темами и включает в себя большинство жанров, общих для западного искусства: натюрморт, портрет, пейзаж и морской пейзаж, фигурная живопись в помещении и на открытом воздухе и художественная живопись. Классический реализм — это живая традиция. Это не смешение стилей и методов, собранных воедино из прошлого. Классические реалисты обычно могут проследить свою художественную родословную от ученика к учителю до Франции, Германии, Англии или Италии 19 века.Хотя его корни уходят в прошлое, его практикующие живут настоящим и создают работу, которая имеет для них значение сегодня. Связно, а не реакционно. Принципы, на которых основано их искусство, выходят за рамки быстротечности популярных тенденций и связывают их работу в целом с вневременными качествами, присущими лучшим произведениям прошлого.

Американское общество классического реализма (1989-2005)

Ричард Лак, Триптих.
Левая панель, Откровение Святому Иоанну , 1980.Масло на панели, 67 x 38.
Центральная панель, Day of Wrath , 1990. Холст, масло, 67 x 135.
Правая панель, Final Destruction , 1992. Масло на панели, 67 x 38.

В 1989 году Ричард Лэк, Майкл Койл, Гэри Кристенсен и Аннетт Лесюер основали Американское общество классического реализма, чтобы продвигать опытных художников, работающих в традициях западноевропейского академического искусства и американского импрессионистского искусства. Они основали Общество как добровольную организацию, управляемую художниками; он издает « Classical Realism Quarterly, », « Classical Realism Journal», «» и « Classical Realism Newsletter». Профессиональным сердцем ASCR была Гильдия художников. Члены гильдии практиковали различные жанры в рамках этих традиций. Некоторые специализировались на одном или двух; другие действительно работали в нескольких или даже во всех из них. ASCR стремился к признанию и поощрению художников, чьи работы демонстрируют владение основными элементами, которые считаются важными для этих художественных традиций: тонкий рисунок, сбалансированный и гармоничный дизайн, красота, правдивость цвета и умелое мастерство. Через свой стипендиальный фонд Atelier он также поддерживал художников, которые серьезно учили принципам в рамках этих традиций, и историков искусства, которые добросовестно исследовали и писали о художниках, которые работали или работают с ними.ASCR успешно функционировал до конца декабря 2005 года.

Историческая перспектива

Джеффри Т. Ларсон, Rose Print , 2000.
Холст, масло, 24 x 30. Частное собрание.

Когда Ричард Лак выбрал термин «классический реализм», он попытался отделить свою конкретную репрезентативную традицию от различных традиций других репрезентативных художников. Его традиция была объединением академической традиции изящного искусства XIX века с традицией американского импрессионизма бостонских художников.В нем сочетаются рисунок и форма французской традиции Beaux-Arts с наблюдаемым цветом и атмосферой бостонских художников. Этот термин впоследствии был расширен другими, чтобы описать работы художников, на которых повлияли академические художники 19-го века, но которые работают с цветовыми системами и формулами, а не с наблюдаемой природой. Таким образом, термин потерял значение, изначально задуманное Лаком. Если он хочет сохранить свое первоначальное значение, он должен относиться к работе, которая сочетает в себе академический рисунок и форму академической традиции XIX века с колоритом и атмосферой бостонских импрессионистов.

1. На выставке Classical Realism: The Other Twentieth Century участвовали следующие художники: Курт Андерсон, Аллан Р. Бэнкс, Джеймс Г. Костон, Томас Р. Данли, Р. Х. Айвс Гаммелл, Ян Гендрон, Стивен Гджертсон, Стивен Д. Хэй, Джордж Херман, Гэри Д. Хоффманн, Роберт Дуглас Хантер, Карл Джонсон, Дон Кестнер, Ричард Ф. Лэк, Дэвид Х. Лоури, Томас С. Мэйрс, Роберт С. Мур, Люсинда Мерфи, Уильям МакГрегор Пакстон, Джеймс К. Прол, Кирк Ричардс, Сэмюэл Роуз, Анна Ван Демарк и Ричард В.Уитни.


Источники
Классический реализм: Другой двадцатый век , каталог выставки, Музей искусств Спрингвилля, 1982 г.
Гильдия художников американского общества классического реализма , каталог выставки, Гильдия художников Бостона, 1996.

Классическая мифология в искусстве

Классическая мифология в искусстве поздней античности

Следующее обсуждение использования классической мифологии в искусстве предназначено для широкого обзора и продолжается в хронологическом порядке.Для более глубокого изучения конкретных мифологических тем и персонажей в искусстве обратитесь к отдельным разделам «Репрезентации в искусстве» в соответствующих главах.

Несмотря на снижение влияния богов в жизни городов и отдельных людей, они продолжали оставаться источником аллегории, особенно в погребальном искусстве. С распространением ингумации (примерно с 140 г. н.э.) богатые покровители заказывали рельефы на саркофагах (т.605, был особенно популярен в этой связи), торжество добродетели над злом (например, подвиги Геракла или сцены битв с амазонками) или надежда на вечную жизнь (особенно символизируемые Дионисом и виноградной лозой). Эти предметы были одинаково подходящими для языческих и христианских покровителей, поэтому классическая мифология продолжала предоставлять материал для художественных представлений даже после триумфа христианства.
Вот несколько примеров из третьего и четвертого веков. На кладбище под св.Базилика Петра в Ватикане — это настенная мозаика III века, на которой изображен Христос с атрибутами Аполлона как бога солнца (см. Стр. 268). Он поднимается в колеснице солнца, лучи которого, как и крест, исходят из его головы, а на заднем плане виноградная лоза Диониса является одновременно декоративным и символическим элементом. Также в третьем веке Христос появляется как Орфей на фреске в христианских катакомбах в Риме, а столетие спустя Геракл изображен убивающим Гидру на другой христианской фреске катакомб.В четвертом веке христианка по имени Проекта украсила свой великолепный позолоченный серебром свадебный гроб с фигурами муз, морских богов и богинь, сопровождаемых мифологическими чудовищами. Музы и морские божества появляются на мозаиках из провинций, включая Великобританию и Германию, а миф об Актеоне является предметом мозаики третьего века из Сайренчестера (римский Кориниум) в Британии.
Из всех мифологических фигур Дионис оказался наиболее прочным, отчасти потому, что виноградная лоза была мощным символом в христианской аллегории, отчасти потому, что Дионис и его мифы были связаны с тайнами, которые давали людям надежду на спасение.По этой причине часто появляется миф об Ариадне (упомянутый ранее). В церкви Санта-Костанца в Риме, построенной в четвертом веке для размещения саркофагов членов семьи христианского императора Константина, мозаики сводов изображают Диониса и урожай в христианском контексте. Винтаж снова является предметом рельефов на саркофаге дочери Константина. В контексте, который может быть христианским или языческим, Дионис и его менады, наряду с Гераклом и его львом, появляются на серебряных блюдах четвертого века, которые были найдены в Милденхолле в Британии.Противник Диониса, фракийский царь Ликург, изображен на мозаике пола, которая сейчас находится в Вене, и на знаменитой стеклянной чаше, на которых изображен Ликург, запертый в лозе бога.
Сцены из классической мифологии продолжали вдохновлять художников иллюминирования рукописей. Например, рукопись «Ватиканский Вергилий» ок. 400 содержит сорок одну миниатюру, и их десять в так называемой рукописи Vergilius Romanus , которая датируется V веком (см. Стр. 682). Мифологические фигуры лучше сохранили свои классические формы на Византийском Востоке, чем на Западе.Они появляются в рукописях, на пластинах из слоновой кости (см. Иллюстрацию на стр. 559) и коробках, а также во многих других средствах массовой информации, включая изделия из серебра, керамику и текстиль.

Мифологические представления и звезды

Мы видели, как мифологические фигуры выжили в астрономии и астрологии, и они часто изображались в астрономических и астрологических рукописях. Рукописи Арата девятого века (в латинском переводе Цицерона) показывают Персея все еще в узнаваемой классической форме, с шапкой, мечом, крылатыми сандалиями и головой Горгоны, а древние классические формы все еще встречаются в некоторых рукописях даже в одиннадцатом веке.
Две другие традиции, однако, объединились, чтобы до неузнаваемости изменить классических богов: западную и восточную. На Западе художник рисовал положение созвездия, а затем соединял отдельные звезды в виде мифологической фигуры, имя которой носило созвездие. Поскольку художников больше интересовали живописные качества предмета, иллюстрации обычно были неточными с астрономической точки зрения. Однако на Востоке этот подход был более точным с научной точки зрения, поскольку арабы использовали астрономические работы Птолемея, которые (из-за искажения слова megiste в греческом названии) они назвали Almagest .Поэтому арабские художники точно изобразили созвездия, а мифологические фигуры приобрели новые формы. Геракл появился в образе араба в ятагане, тюрбане и восточных брюках; Персей нес вместо головы Горгоны голову бородатого демона, которая дала название Algol (по-арабски «демон») одной из звезд в созвездии Персея. Некоторые из этих изменений восходят к вавилонской религии. В арабских рукописях Меркурий — писец, а Юпитер — судья, точно так же, как в вавилонской мифологии бог Небо был писцом, а Мардук — судьей.Даже на Западе в итальянской скульптуре XIII века (например, на Кампаниле Джотто во Флоренции) Меркурий появляется как писец или учитель, Юпитер как монах или епископ, и другие классические боги принимают аналогичные обличья.

Мифологические справочники и их иконография

Мы уже упоминали о важности справочников в выживании классической мифологии. В более поздних средневековьях появились справочники с подробными инструкциями по внешнему виду богов, поскольку в астрологии и магии было важно иметь точное изображение божества, благосклонность которого была необходима.Один арабский справочник появился в латинском переводе на Западе после X века под названием Picatrix и содержал, помимо магических ритуалов и молитв, пятьдесят подробных описаний богов. Некоторые, такие как Сатурн с «головой вороны и лапами верблюда», были превращены в восточных чудовищ; но у некоторых, например, у Юпитера, который «восседает на троне, и он сделан из золота и слоновой кости», классическая форма остается.
Важной иконографией этого периода была Liber ymaginum Deorum «Альбрика» (возможно, Александра Некхэма, умершего в 1217 году), которую, безусловно, использовал Петрарка в своем описании олимпийских богов ( Africa 3.140–262), из которого мы приводим краткий отрывок (140–146):
Во-первых, это Юпитер, восседающий на троне со скипетром и молнией. Перед ним его оруженосец [орел] возносит троянского мальчика [то есть Ганимеда] над звездами. Следующим с более величавой походкой, отягощенным мрачным возрастом, идет Сатурн; с покрытой покрывалом головой и серым плащом, держащим в руках грабли и серп, в облике фермера, он пожирает своих сыновей.
Третий тип справочников представлен Emblemata Андреа Альчати (1531 г.), в котором были изображены ксилографии богов, добродетелей и пороков, пословицы и афоризмы и многие другие предметы, каждая из которых содержит несколько строк латинских элегических двустиший. , обычно содержащие моральный урок.Дружба, например, представляла собой виноградную лозу с гроздьями винограда, обвитыми вокруг ствола безлистного вяза. Альчати заключил: «[Виноградная лоза] своим примером предупреждает нас выбирать друзей, которых последний день с ее законами не может расстаться с нами». В 1571 году французский юрист Клод Миньо добавил к Emblemata латинский комментарий, который сам по себе был обширным и важным. Расширенные работы часто переиздавались, включая издания duodecimo, достаточно маленькие, чтобы их можно было носить в кармане или седельной сумке художника или экскурсанта.Эмблема Альчати Emblemata была одним из наиболее важных источников для «правильного» использования мифологических фигур в качестве символов или аллегорий, а его эмблемы часто можно найти на картинах поздних периодов Возрождения и Барокко.
Два других справочника были не менее важны. Iconologia Чезаре Рипа была опубликована в 1593 году и переиздана с гравюрами на дереве в 1603 году. Комментарий Рипы на итальянском языке отделил мифологические фигуры от их повествовательного контекста, так что они часто становились абстракциями с моральным смыслом.Такой подход был ценен для художников, которые хотели использовать аллегорию, и книга часто переводилась и переиздавалась до конца восемнадцатого века.
Другой важной иконографией была картина Филострата Imagines , греческое произведение III века н. Э. описывая коллекцию произведений искусства в Неаполе. Он был переведен на французский язык Блезом де Виженером в 1578 году и переиздан в великолепно иллюстрированной версии в 1614 году с гравюрами на дереве, пояснительными стихами и комментариями, содержащими очень широкий спектр классических мифов.

Классическая мифология в искусстве Возрождения

Классические боги сохранились в поздней античности и средневековье, но во многих обличьях. Художники эпохи Возрождения вернули им классические формы. Во Флоренции Боттичелли (1444–1510) сочетал средневековую аллегорию с классической мифологией в своих аллегорических шедеврах, Рождение Венеры, Примаверы, Венеры и Марса, и Паллада и Кентавр . В Венеции Джованни Беллини (1430–1516 гг.), Джорджоне (1478–1510 гг.) И его ученик Тициан (1487–1576 гг.) Также опирались на различные традиции, представляя мифы более или менее в соответствии со справочниками.Конечно, великие художники, такие как четверо, упомянутые здесь, вряд ли были ограничены этими критериями, как это видно из книги Беллини «Праздник богов » (см. Стр. 670).
Помимо уже упомянутых художников, Микеланджело во Флоренции и Риме, Корреджо в Ферраре, Паоло Веронезе и Тинторетто в Венеции были мастерами шестнадцатого века, которые черпали вдохновение в классической мифологии. Одна из самых обширных мифологических программ — большая серия картин братьев Карраччи в Галерее дворца Фарнезе в Риме (1597–1604), изображающих торжество Любви посредством одной классической легенды за другой (см.198).
Две другие работы эпохи Возрождения показывают, как классические боги восстановили свои античные формы. Одним из них является карта неба, опубликованная в 1515 году немцем Альбрехтом Дюрером, в которой классические формы западной астрономической традиции сочетаются с научной точностью арабов. Дюрер придал мифологическим фигурам их древние формы; Геракл снова грек и возвращает свою дубинку и львиную шкуру.
Вторая работа — украшение Ватиканской Stanza della Segnatura Рафаэля после 1508 года.Здесь классические, аллегорические и христианские традиции объединились, чтобы возвеличить славу церкви и ее доктрины. На почетном месте (хотя и не высшем) был Аполлон в окружении муз, поэтов античности и гуманистов эпохи Возрождения. Классическая мифология и гуманизм эпохи Возрождения достигли совершенного синтеза.

Иллюстрированные издания Овидия

В шестнадцатом и семнадцатом веках произведения Овидия неоднократно выпускались в иллюстрированных изданиях, которые часто использовались художниками в качестве источников.Серия началась с прозаического перевода книги Metamorphoses , известной как Grande Olympe , опубликованной в Париже в 1539 году. Самым важным из ранних изданий было издание Бернара Саломона, La Métamorphose d’Ovide Figurée , опубликованное на Lyons в 1557 году и переиздан в Лионе в 1559 году (на итальянском языке) и в Антверпене в 1591 году. Немецкий перевод Metamorphoses был выпущен Вирджилио Солисом во Франкфурте в 1563 году, а другой — в Лейпциге в 1582 году, а итальянский перевод Андреа d’Anguillara была опубликована в Венеции в 1584 году.
Наиболее влиятельные издания принадлежали Антонио Темпеста и Джорджу Сэндису. Темпеста опубликовал Metamorphoseon sive Transformationum Ovidianarum Libri Quindecim в Амстердаме в 1606 году. Его книга состоит из гравюр 150 сцен из Metamorphoses без текста, и она стала важным сборником классических рассказов для художников. Важность Сэндиса заключалась, скорее, в его связи картинок с текстом и комментариями, о которых мы упоминали ранее.В своем предисловии к изданию 1632 года он говорит:
И для вашего дальнейшего удовольствия я сжал сущность каждого Букка в таком же количестве Фигур. . . так как между Поэзией и Изображением существует такое большое собрание; тот самый . . . говорящая картина, а другая немая поэзия: обе дочери воображения.
Сэндису помогли выдающиеся качества его художника Фрэнсиса Клейна и его гравера Саломона Савери. Они выгравировали иллюстрацию на всю страницу для каждой книги стихотворения, в которой были представлены истории книги, выбирая чаще момент величайшей драмы, чем момент метаморфозы (см.717). Кроме того, Клейн разработал великолепный титульный лист и портрет Овидия, каждый из которых украшен аллегорическими фигурами из классической мифологии.
Принцип взаимодействия слов и изображений остается постоянной чертой влияния Овидия с момента публикации издания Сэндиса 1632 года. Овидий — самый наглядный из поэтов, а его пейзажи и повествование предполагают графическое изображение, что можно увидеть в большом количестве школьных изданий «Метаморфоз » .

Европейское искусство семнадцатого-девятнадцатого веков

Рубенс
Питер Пауль Рубенс (1577–1640) нашел в классической мифологии постоянный источник вдохновения на протяжении всей своей карьеры.Во время своего пребывания в Италии, между 1600 и 1608 годами, он изучал и копировал классические произведения искусства и полностью ознакомился с представлениями классической мифологии. Он уже хорошо знал латинскую литературу и через своего брата Филиппа (превосходного классика) имел доступ к блестящему кругу гуманистов, центром которого был его соотечественник Юстус Липсиус. Рубенс написал множество сцен, в которых он энергично и ярко показал свое понимание классической мифологии.
В последние годы своей жизни Рубенсу было поручено украсить охотничий домик короля Филиппа IV недалеко от Мадрида серией картин, иллюстрирующих легенды в «Метаморфозах » Овидия . Рубенс, начавший комиссию на шестидесятом году жизни, выполнил не менее 112 масляных набросков, из которых сохранилось около сорока пяти (см. Стр. 302, 581, 625 и 688). Сохранилась лишь горстка окончательных полноразмерных картин, которые еще предстоит увидеть вместе в Мадриде. Эта серия, пожалуй, самая амбициозная из всех иллюстрированных Овидий, а эскизы маслом — одни из самых красивых из всех барочных репрезентаций классических мифов.Рубенс также обратился к Гомеру и Статию за вдохновением для разработки гобеленов, изображающих жизнь Ахилла (см. Стр. 503). Большинство этих масляных эскизов все еще можно увидеть вместе в Роттердаме.

Пуссен
Николя Пуссен (1594–1665), француз по происхождению, провел почти всю свою продуктивную жизнь в Риме, и, как Рубенс, он никогда не переставал черпать вдохновение из классических легенд и размышлять над их более глубоким смыслом. повествование. Среди художников он является наиболее интеллектуальным толкователем классических мифов, и тем, кто хочет лучше понять, что означает «классицизм» в века, последовавшие за эпохой Возрождения, следует изучить длинные серии рисунков и картин Пуссена на мифологические темы (см.169, 329 и 596).

Другие художники
Со времен Пуссена до наших дней художники снова и снова возвращались к классическим мифам, а древние боги и герои выжили в искусстве, как и в литературе. Мы не можем здесь дать удовлетворительный обзор даже части этой обширной области исследования, но мы можем сослаться на некоторые важные этапы использования классических мифов художниками.
Художники Франции и Италии в семнадцатом и восемнадцатом веках использовали классические мифы для повествовательных картин в героическом масштабе, поскольку они считались принадлежащими к исторической живописи, наиболее уважаемому жанру.Ведущий художник при дворе Людовика XV Франсуа Буше (1703–1770) создал длинную серию классических сцен, часто пасторальных и обычно эротических (например, Земля: Вертумн и Помона ). В последней трети восемнадцатого века этот несколько сентиментальный подход к классической мифологии уступил место более суровому взгляду на классическое прошлое, в котором высоко ценились моральные уроки, извлекаемые из истории. Таким образом, в девятнадцатом веке, когда художники Англии и Франции вернулись к предметам, взятым из классической мифологии, их подход имел тенденцию быть моралистическим, параллельным (насколько искусство может параллелировать литературу) подходу, типичному для Хоторна и Кингсли, который обсуждался ранее.

ДВА РОМАНТИЧЕСКИХ ИДЕАЛИСТА

Гюстав Моро (1826–1898) и Эдвард Бёрн-Джонс (1833–1898) были глубоко вдохновлены классической мифологией, и их искусство выходит далеко за рамки морали и символизма многих их современников. Великие картины Моро Прометей, Эдип (см. Стр. 417) и Геракл (см. Стр. 569) исследуют значение классических текстов и выражают героический гуманизм, соответствующий вызовам своего времени. В Англии Бёрн-Джонс, разделявший с Уильямом Моррисом идеалы движения прерафаэлитов, снова и снова возвращался к классическим мифам, чтобы поддержать свои поиски чистоты и красоты в прошлом.В Даная и Медная башня (1888: см. Стр. 547) он сосредотачивается на чувствах Данаи при возведении башни, а не на похоти Зевса и гневе Акрисия. В сериях Pygmalion (1878: см. Стр. 193 для The Godhead Fires ) и Perseus Series (1887: см. Стр. 556) Бёрн-Джонс отворачивается от гнева богов и насилия герой идеалов благочестия, рыцарства и целомудренной любви. Тем не менее, эти самые идеалы включают психологическое и сексуальное напряжение, которое Фрейд (1856–1939) в то же время начал исследовать.

Классическая мифология в американском искусстве

В течение первого столетия американской республики мифологические сюжеты часто копировались школьницами с гравюр (излюбленным источником были иллюстрации к переводу Папой Илиады ) или женщины в свободное время творчески обрабатывали их дома (см. 526). Художники, учившиеся в Европе, копировали картины классической тематики и выставляли их по возвращении. Самая ранняя такая выставка, проведенная в Бостоне в 1730 году Джоном Смибертом (1688–1751), вызвала большой общественный интерес.Десятью годами ранее шведский иммигрант Густав Хесселиус (1682–1755) написал самые ранние известные американские мифологические произведения: Вакх и Ариадна (сейчас в Детройте) и Вакханалия (сейчас в Филадельфии).
В то время как ведущие американские художники (такие как Копли, Уэст, Олстон и Вандерлин) иногда писали мифологические сюжеты, американский вкус вскоре обратился к историческим темам и драматическому потенциалу американского пейзажа. Одна из лучших американских мифологических картин — это картина Джона Вандерлина «Ариадна », написанная в 1811 году и сейчас находится в Филадельфии.На нем изображена сцена, описанная в произведении Овидия «Герои » (10. 7–10), когда Ариадна просыпается и обнаруживает, что заброшена. Когда он был впервые выставлен, он вызвал интерес и споры. Но ко времени Вандерлина уже было ясно, что американские художники найдут материал не в классической мифологии, а в других источниках.
В скульптуре, однако, классическое влияние продолжало оставаться сильным. Горацио Гриноу (1805–1852) использовал статую Зевса Фидия в Олимпии в качестве основы для сидящей статуи Джорджа Вашингтона (1832–1839), которая сейчас находится в Национальном музее американской истории, но изначально планировалась для Ротонды Капитолия.По бокам вашингтонского престола расположены мифологические рельефы: с одной стороны Аполлон в виде бога солнца, поднимающегося в небо со своей колесницей, а с другой — младенцы Геракл и Ификл со змеями, посланными Герой. Грино хотел, чтобы Геракл был аллегорией Северной Америки, которая «успешно борется с препятствиями и опасностями зарождающегося политического существования».
Группа американских художников-эмигрантов, живущих в Риме, описана в книге Хоторна «Мраморный фавн » (1859 г.).Среди них была Харриет Хосмер (1820–1908), бюсты которой Медуза и Дафна (оба завершены в 1854 году) должны были выразить ее взгляды на безбрачие и красоту. Ее Oenone был основан на стихотворении Теннисона Oenone , а не непосредственно на Ovid Heroides .

Классическая мифология в искусстве с 1900 года

Классическая мифология продолжает оставаться мощным источником вдохновения для художников с 1900 года. Во Франции и Испании особенно Жорж Брак (1882–1963) и Пабло Пикассо (1881–1973) часто возвращались к классическим темам.Пожалуй, самым известным примером такого вдохновения является длинная серия работ Пикассо с участием легенды о Минотавре, которую он использовал (особенно в период гражданской войны в Испании), чтобы прокомментировать ужас и насилие большей части современной жизни, как он наблюдал. это (см. стр. 603).
В последние десятилетия художники интерпретировали классические мифы аллегорически, и многие из них испытали влияние психологических теорий (особенно теорий Фрейда). Ярким примером является серия скульптур Рувима Накиана на Леде и Лебеде .Наш текст включает в себя « изнасилование Лукреции » Накиана (см. Стр. 693). Группа художников-неоклассиков более реалистично интерпретировала классические мифы, иногда изображая их в современном пейзаже (например, Милет Андреевич, Аполлон и Дафна [изображение внизу страницы] действие происходит в городском парке). или в строго формальной классической обстановке, которая напоминает действие, завершенное давным-давно (например, Дэвид Лигар, Пейзаж для Филимона и Бавкида, , см. стр. 653 и 684).Наконец, Ромаре Бирден (см. Стр. 167 и 535) эффективно интерпретировал мифы о Троянской войне и возвращении черных героев и героинь в обстановке, которая отдает дань (собственное слово Бирдена) интерпретациям художников эпохи Возрождения, но была преобразована. в его собственное. Действительно, классические мифы будут и дальше вдохновлять всех, кому небезразлично творческое использование воображения.

Краткое руководство по 7 различным формам искусства

Этот пост может содержать партнерские ссылки

Существует так много удивительных и разнообразных видов искусства, но в целом их можно разделить на одну из семи категорий.Понимание каждой отдельной категории искусства важно для понимания ее роли в нашей жизни и истории. Семь категорий искусства:

1. Живопись
2. Скульптура
3. Литература
4. Архитектура
5. Кино
6. Театр
7. Музыка

Со времен наскальных рисунков до цифрового искусства, вдохновленного технологиями, наша история как художников и креативщиков со временем изменилась.При этом сами категории остались прежними. Если подумать, это просто невероятно. Давайте погрузимся в каждую из этих 7 форм искусства и узнаем, откуда они пришли.

Обратите внимание, что эти семь видов искусства перечислены без определенного порядка.

1. Живопись

Исследователи нашли наскальные рисунки, датируемые более чем 40 000 лет назад (источник). В те дни не было никаких художественных магазинов, где можно было бы купить товары. Вместо этого этим доисторическим художникам приходилось полагаться на все, что они могли найти.

Грязь, древесный уголь, охра, животный жир и различные виды природных материалов объединились для создания пигментов. Затем воду можно было использовать для превращения этих пигментов в пасты, которые имели консистенцию, аналогичную краске (источник). Это упростило нанесение на стены пещеры и создание произведений искусства, которыми мы восхищаемся сегодня.

На протяжении всей истории живопись оставалась основой художественной культуры. От Моны Лизы до Сикстинской капеллы и банок с супом Кэмпбелла Энди Уорхола невозможно думать об истории нашего художественного общества, не думая о живописи.

Великая Мона Лиза

2. Скульптура

Скульптура отлично сочетается с живописью, как по сюжету, так и по долговечности в истории человечества (источник). Самая старая известная скульптура была найдена в Германии и ей более 35 000 лет (источник). В самом начале скульптура была не просто видом искусства, а источником полезного использования.

Когда был открыт огонь, стало проще использовать глину для изготовления гончарных изделий, посуды и других инструментов. Но скульптура на этом не остановилась.

Сверхурочные, поскольку инструменты и доступ к материалам улучшались, росло и искусство скульптуры. Художники могли сколоть камень, мрамор, дерево и даже бронзу. Скульптура остается важной частью нашей истории и прекрасным видом искусства для художников.

Обязательно загадайте желание и бросьте монетку в фонтан Треви!

3. Литература

Первый известный автор литературы датируется 2285 годом до нашей эры (источник). Поскольку живопись была влиятельной на протяжении всей нашей истории, можно утверждать, что литература соответствует этому влиянию, если не превосходит его.У слов есть сила, и люди использовали эту силу тысячи лет.

Категория «литература» включает широкий спектр письменных произведений — стихи, драмы, биографии, художественную литературу, научную литературу, сатиры, эссе и т. Д. В наши дни, с развитием технологий, расширением возможностей печати и расширением публикаций, литература продолжает расти только как средство обмена нашими мыслями, мнениями и знаниями.

Независимо от того, являетесь ли вы убежденным поклонником Гарри Поттера или преданным исследователем Шекспира, литература является важным элементом нашей художественной жизни и занимает прочное место в семи формах искусства.

Узнайте больше о приключениях с искусством!

4. Архитектура

Если вы когда-нибудь восхищались величественными римскими соборами или любовались драматическими изгибами Сиднейского оперного театра, вы знаете, что архитектура — это искусство. Если вы цинично относитесь к архитектуре после того, как были окружены пригородами, включившими «печеньки», включите Travel Channel и осмотрите одни из самых известных построек мира.

Истоки архитектуры зависят от того, что вы определяете как «здание». Возможно, мы можем датировать архитектуру той эпохой, когда человек впервые создал убежище, даже если это убежище было всего лишь несколькими палками и пальмовыми листьями.

Если мы думаем об архитектуре, которую все еще можно ценить сегодня, мы можем вспомнить еще Стоунхендж, который восходит к 3000 году до нашей эры (источник). Несмотря на то, что мы можем не думать о Стоунхендже как о типичной архитектуре, это раннее представление о желании человека строить значимые конструкции.

Подобно скульптуре, архитектура — это одновременно и полезность, и искусство. Нам нужны здания и строения, чтобы жить в них, так что мы могли бы сделать их красивыми, верно? Конечно, не все здания красивы, но несомненно, что самые известные образцы архитектуры — действительно произведения искусства.

Драматический Сиднейский оперный театр

5. Кинотеатр

Учитывая его зависимость от технологий, кино имеет самое недавнее происхождение всех семи форм искусства. В 1891 году кинематограф дебютировал в мире благодаря кинетоскопу, который был устройством, которое позволяло людям смотреть фильмы по одному. Затем, в 1895 году, братья Люмьер представили первый в истории фильм, который был представлен большой группе (источник).

С того знаменательного момента в 1895 году кино превратилось в крупную индустрию, которую мы знаем сегодня.Спецэффекты, анимация, грим, костюмы, сценарии, режиссуры и многое другое. Количество художественного видения и навыков, которые необходимо вложить в одну кинематографическую постановку, поражает.

В следующий раз, когда вы пойдете в кино, подумайте, как далеко продвинулся этот вид искусства за чуть более ста лет.

Катушки с классическими фильмами

6. Театр

История театра уводит нас к древним грекам 6 века до нашей эры (источник). Эти удивительные амфитеатры, которые мы видим так хорошо сохранившимися, когда-то были сценами для самых ранних представлений.

Театр, зародившийся в Греции, становился все более популярным. Подумайте о Шекспире и, в наши дни, о знаменитом Бродвее в Нью-Йорке. Как и кино, театр и исполнительское искусство полагаются на несколько видов искусства, которые объединяются для создания успешного шоу. Художники-декораторы, драматурги, мастера по костюмам и многие другие.

И театр не ограничивается актерским мастерством. Особенно с появлением музыкального театра мы увидели, что этот вид искусства включает в себя музыку и танцы.

В отличие от кино, люди тысячелетиями использовали театр и исполнительское искусство как источник развлечений.Черт возьми, это могло произойти и раньше, но у нас нет ископаемых доказательств, подтверждающих это. Кто знает, чем развлекались наши предки.

Как одна из семи форм искусства, театр показывает долгую и важную историю развлечений и общественных мероприятий.

Маски комедии и трагедии никогда не устареют

7. Музыка

Вполне вероятно, что музыка была частью жизни наших предков с самого начала истории. Вполне вероятно, что звуки голоса играли важную роль в нашем общении и выживании до развития речи.Также было обнаружено, что наши предки изготавливали инструменты из костей, камней и других природных материалов (источник).

По мере развития цивилизаций музыка стала важной частью религиозных практик. Например, в средние века григорианское пение стало обычной религиозной практикой. Проходя через Ренессанс, период барокко, классический период, романтический период и то, что мы знаем сейчас в 20 веке, музыка росла и расширялась как в религиозном, так и в светском контексте (источник).

Что бы вы ни думали о современной поп-музыке, музыка — это интересное окно в культуру общества. В конце концов, он станет окном в мир, в котором мы жили, точно так же, как музыка прошлого делает для нас сейчас.

Нет ничего лучше, чем звук оркестра

И разве это не относится ко всем этим видам искусства? Картины, фильмы, здания, скульптуры, литература и музыка. Все семь этих форм искусства показывают нам, как наш мир и общество со временем изменились к лучшему или к худшему.И это само по себе является формой искусства.

13 основных направлений искусства для понимания современного изобразительного искусства

Оглядываясь назад на западную историю, невероятно видеть, сколько видов искусства оказали влияние на общество. Прослеживая временную шкалу по различным направлениям в искусстве, мы можем не только увидеть, как развивалось современное искусство, но и то, как искусство является отражением своего времени.

Например, знаете ли вы, что импрессионизм когда-то считался андерграундным спорным движением или что абстрактный экспрессионизм означал сдвиг в мире искусства из Парижа в Нью-Йорк? Подобно строительным блокам, от реализма до лаконичного, эти разные виды искусства взаимосвязаны.Когда творческий маятник колеблется, художественные стили часто являются реакцией или данью уважения своим предшественникам. И, оглядываясь назад на некоторые из наиболее важных направлений в искусстве в истории, мы лучше понимаем, как известные художники, такие как Ван Гог, Пикассо и Уорхол, произвели революцию в мире искусства.

Эти 13 направлений визуального искусства имеют фундаментальное значение для понимания различных видов искусства, формирующих современную историю.

Искусство итальянского Возрождения

«Давид» Микеланджело.1501-1504. Galleria dell’Accademia (через Википедию)

С 14 по 17 век Италия пережила беспрецедентную эпоху просвещения. Известный как Возрождение — термин, образованный от итальянского слова Rinascimento , или «возрождение», — этот период стал годом повышенного внимания к таким культурным предметам, как искусство и архитектура.

Итальянские художники эпохи Возрождения, такие как Микеланджело, Леонардо да Винчи и Рафаэль, черпали вдохновение в классическом искусстве Древнего Рима и Греции, переняв древние интересы, такие как баланс, натурализм и перспектива.В Италии эпохи Возрождения этот вдохновленный античностью подход материализовался в виде гуманистической портретной живописи, анатомически правильной скульптуры и гармоничной симметричной архитектуры.

Узнайте больше о эпохе Возрождения.

Знаменитые художники: Микеланджело, Леонардо да Винчи, Рафаэль

Культовая работа: Давид Микеланджело

Барокко

«Экстаз Святой Терезы» Бернини.1647–1652. Капелла Корнаро, Санта-Мария-делла-Виттория, Рим

Ближе к концу эпохи Возрождения в Италии появился механизм Baroque . Как и предыдущий жанр, искусство барокко продемонстрировало художественные интересы в реализме и богатой цветовой гамме. Однако, в отличие от искусства и архитектуры эпохи Возрождения, произведения барокко также подчеркивали экстравагантность.

Это богатство очевидно в живописи, скульптуре и архитектуре в стиле барокко. Такие художники, как Караваджо, предлагали драматизм через обращение со светом и изображение движения.Скульпторы, такие как Бернини, достигли ощущения театральности благодаря динамичным контурам и сложной драпировке. А архитекторы по всей Европе украсили свои проекты орнаментом, от сложной резьбы до внушительных колонн.

Узнайте больше о механизме в стиле барокко.

Знаменитые художники: Караваджо, Рембрандт, Бернини

Знаковое произведение искусства: Экстаз Святой Терезы — Бернини

Реализм

«Собиратели» Жана-Франсуа Милле.1857. Музей Орсе, Париж (через Google Arts & Culture через Wikimedia Commons Public Domain)

Реализм — это жанр искусства, зародившийся во Франции после Французской революции 1848 года. Явный отказ от романтизма, господствовавшего до него стиля, художники-реалисты сосредоточились на сценах современных людей и повседневной жизни. То, что сейчас может показаться нормальным, было революционным после столетий живописи, когда художники изображали экзотические сцены из мифологии и Библии или создавали портреты знати и духовенства.

французских художника, таких как Гюстав Курбе и Оноре Домье, а также международных художников, таких как Джеймс Эббот Макнил Уистлер, в своих произведениях сосредоточились на всех социальных классах, впервые давая голос бедным членам общества и изображая социальные проблемы, возникшие в результате промышленной революции. . Фотография также оказала влияние на этот вид искусства, побуждая художников создавать реалистичные изображения, конкурируя с этой новой технологией.

Узнайте больше о реализме.

Знаменитые художники: Густав Курбе, Жан-Батист-Камиль Коро, Жан-Франсуа Милле

Iconic Painting: The Gleaners Жан-Франсуа Милле

Импрессионизм

«Водяные лилии» Клода Моне. 1906. Художественный институт Чикаго. (через Википедию)

В это трудно поверить, но этот любимый ныне художественный жанр когда-то был изгоем из визуального движения. Отойдя от реализма, художники-импрессионисты отошли от реалистичных представлений, чтобы использовать видимые мазки, яркие цвета с небольшим смешиванием и открытые композиции, чтобы передать эмоции света и движения. Импрессионизм начался, когда группа французских художников нарушила академические традиции, написав на пленэре — шокирующее решение, когда большинство пейзажистов выполняли свои работы в помещении в студии.

Первоначальная группа, в которую входили Клод Моне, Пьер-Огюст Ренуар, Альфред Сислей и Фредерик Базиль, образовалась в начале 1860-х годов во Франции. Дополнительные художники присоединятся к формированию своего собственного общества, чтобы выставлять свои произведения искусства после того, как традиционные французские салоны отвергли их, считая их слишком спорными для выставок.Эта первая подземная выставка, состоявшаяся в 1874 году, позволила им завоевать признание публики.

Узнайте больше об импрессионизме.

Знаменитые художники: Клод Моне, Пьер-Огюст Ренуар, Мэри Кассат

Знаковая картина: Кувшинки Серия Клода Моне

Постимпрессионизм

«Звездная ночь» Винсента Ван Гога. 1889 г. МоМА, Нью-Йорк. (через Википедию)

Снова возникший из Франции, этот вид искусства развивался между 1886 и 1905 годами как ответ импрессионистскому движению.На этот раз художники отреагировали на необходимость натуралистического изображения света и цвета в искусстве импрессионистов. В отличие от более ранних стилей, Постимпрессионизм охватывает множество различных видов искусства, от пуантилизма Жоржа Сёра до символизма Поля Гогена.

Не объединенные единым стилем, художники были объединены включением абстрактных элементов и символического содержания в свои произведения. Возможно, самым известным постимпрессионистом является Винсент Ван Гог, который использовал цвет и мазки кисти не для передачи эмоциональных качеств пейзажа, а для передачи собственных эмоций и душевного состояния.

Узнайте больше о постимпрессионизме.

Знаменитые художники: Винсент Ван Гог, Поль Сезанн, Поль Гоген

Культовая картина: Звездная ночь Винсента Ван Гога

Кубизм

«Авиньонские девицы» Пабло Пикассо. 1907. MoMA (через Википедию)

Поистине революционный стиль искусства, Кубизм — одно из важнейших направлений в искусстве 20-го века.Пабло Пикассо и Жорж Брак разработали кубизм в начале 1900-х годов, причем этот термин был придуман искусствоведом Луи Вокселлем в 1907 году для описания художников. На протяжении 1910-х и 1920-х годов двое мужчин, к которым присоединились другие художники, использовали геометрические формы для создания окончательного изображения. Полностью нарушая все предыдущие направления в искусстве, объекты анализировались и разбивались на части, а затем снова собирались в абстрактную форму.

Это сокращение изображений до минимальных линий и форм было частью стремления кубистов к упрощению.Минималистский взгляд также просочился в цветовую палитру: кубисты отказались от теней и использовали ограниченные оттенки для сглаженного внешнего вида. Это был явный отход от использования перспективы, которая была стандартом со времен Возрождения. Кубизм открыл двери для более поздних художественных движений, таких как сюрреализм и абстрактный экспрессионизм, выбросив предписанный свод правил художника.

Узнайте больше о кубизме.

Знаменитые художники: Пабло Пикассо, Жорж Брак, Хуан Гри

Iconic Painting: Les Demoiselles d’Avignon Пабло Пикассо

Сюрреализм

«Постоянство памяти» Сальвадора Дали.1931. МоМА, Нью-Йорк.

Точное определение Сюрреализм может быть трудным для понимания, но ясно, что это некогда авангардное движение сохраняет силу, оставаясь одним из самых доступных жанров искусства даже сегодня. Воображаемые образы, порождаемые подсознанием, являются отличительной чертой этого вида искусства, зародившегося в 1920-х годах. Движение началось, когда группа визуальных художников приняла автоматизм — технику, творческую составляющую которой полагалось подсознание.

Призывая художников освободиться от ограничений и обрести полную свободу творчества, сюрреалисты часто бросали вызов восприятию и реальности в своих произведениях.

About Author


alexxlab

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *