Конспект барокко: Конспект урока по искусству на тему «Барокко» (8 класс)

Стиль барокко – краткое определение

Барокко (ит. barocco, фр. baroque, нем. Barock) – в буквальном переводе «косо-округлый» (термин, первоначально применявшийся к жемчугу, и происходивший от португальского pérola barroca – необделанная, неотшлифованная жемчужина; жемчужина «с пороком»). Потом европейцы стали употреблять это выражение в общем смысле «неравномерный, странный, причудливый». Оно служило в обыденной жизни для обозначения всего, носящего отпечаток странности, каприза, нелепости, доходящего до глупости и бессмыслицы, всего, что являлось следствием несоответствия внешней формы и средств её исполнения – лежащей в основе их идее, отдельных частей – целому, того, что граничило с нелепостью но в то же время не было лишено и комизма. Такое уклонение от привычных понятий о красоте допускалось в эстетике там, где требовалось вызвать смех, либо достичь желаемого впечатления путем контраста, например, в комических выходках низшего сорта, в некоторых музыкальных пьесах, где добивались определенного эффекта путем причудливых аккордов, странных модуляций, идущих вразрез с основным ритмом и т.

д.

Великие эпохи европейского искусства. Барокко

В западном искусстве стилем барокко называется направление, возникшее в Италии под влиянием последних работ Микеланджело в XVI в., достигшее господства в Европе в XVII в. и перешедшее, в первой трети XVIII в., в рококо. Барочный стиль характеризуется более грубой, резкой, напыщенной передачей форм эпохи Возрождения, отчего теряется их простота и прелесть, но зато часто вызывается впечатление живописности, силы и мощи. Элемент живописности считался в стиле барокко наиболее важным. Это вызвало в архитектуре – исчезновение прямых линий и закругленность, а в скульптуре – оттопыренность покровов, преувеличенность, напыщенность форм, переходящие границы истинной пластики.

Главнейшие представители стиля барокко – итальянские архитекторы Бернини, Борромини, Гварини, живописцы Рубенс, Караваджо, Лука Джордано и др.

Художественные стили: Барокко

Название стиля произошло от итальянского барокко — странный, вычурный, замысловатый. Этот стиль распространился в Европе и в Латинсской Америке в 17в — первой половине 18в. Архитектурные формы величественные, динамичные, свободные. Линии плана зданий и экстерьер более кривые, волнистые. В нарядных интерьерах много декоративных архитектурных форм, скульптур и произведений живописи. В искусстве характерна игра света и теней. Родина архитектуры стиля барокко — Рим. Новый стиль прежде всего утвердился в церковной архитектуре. На архитектуру этой эпохи влияли рост городов, строительство нарядных домов. Королевские дворцы и виллы с величественными ансамблями парков показывали могущество и богатство аристократии, комфортабельные дворцы вельмож, культовые здания украшались фресками, внутренние стены — дорогими тканями, в парках сооружаются нарядные фонтаны. Искусству Барокко характерны: обилие внешних эффектов и элементов. Фигуры рисунка и их группы изображены торжественно, выражения лиц чувственны. В 17 веке исключительное место в искусстве занимает живопись. Эпоха Барокко расширила круг изображаемых предметов, обогатила эту область искусства новыми жанрами. Художники любили тёплые тона и нежные переходы цвета, их притягивала игра света и тени, контрасты света и тьмы, большое внимание уделяли материалистическому изображению. Неотъемлемая часть архитектуры Барокко — скульптуры. Они украшали фасады зданий и внутренние помещения. Скульптуры Барокко декоративно, эмоцианально дополняли архитектуру зданий и ансамблей. Парки украсились группами скульптур на античные сюжеты, на площадях устанавливались памятники правителям, они оживляли фонтаны и лестницы.

Слово “барокко” итальянского происхождения, буквально означает “странный”, “причудливый”. Такое название весьма соответствует особенностям основного стилистического направления в европейском искусстве с конца 16 века — середины 18 века. В истории искусства 19 и особенно 20 века термином “барокко” начинают обозначать все европейское искусство 17-18 веков. Искусство барокко сложилось и расцвело в Италии, где работали крупнейший архитектор и скульптор Л. Бернини, живописец, глава демократического реализма Караваджо, последователи академизма братья Карраччи и др. Барокко было связано с дворянско-церковной культурой эпохи расцвета абсолютизма. Был призван прославлять могущество церкви и светской аристократии, тяготел к парадной торжественности и пышности. В этот период наблюдается расцвет архитектуры, выразившийся в создании грандиозных городских ансамблей и дворцово-парковых комплексов (Собор и площадь святого Петра в Риме, образованная колоннадой Бернини (1657-1663гг)). Основополагающей чертой барокко можно считать его стремление к синтезу искусств, объединению в один ансамбль архитектуры, скульптуры, живописи и декоративного искусства. В изобразительном искусстве этого периода преобладали сюжеты, в основе которых был заложен драматический конфликт, — религиозного, мифологического или аллегорического характера. Создаются парадные портреты, предназначенные для украшения интерьеров. Особенность барокко – не соблюдение ренессансной гармонии ради более эмоционального контакта со зрителем. Большое значение приобрели композиционные эффекты, выраженные в смелых контрастах масштабов, цветов, света и тени. Но при этом художники барокко стремятся к достижению ритмического и цветового единства, живописности целого. Барокко получило распространение во Фландрии (знаменитые представители барокко во Фландрии – П.П. Рубенс, Ф. Снейдерс, Я. Йорданс, А. ван Дейк), в Испании, Португалии, на юге Германии, в Австрии, Чехии, Словакии, Хорватии, на западе Украины, в Литве. Во Франции барокко слилось с классицизмом в единый пышный стиль. (итал. barocco, букв.— причудливый, странный) Один из главенствующих стилей в европейской архитуктуре и искусстве конца 16—середины 18 вв., барокко утвердилось в эпоху интенсивного сложения наций и национальных государств (главным образом абсолютных монархий). Барокко воплотило новые представления о единстве, безграничности и многообразии мира, о его драматической сложности и вечной изменчивости, интерес к реальной среде, к окружающей человека природной стихии барокко пришло на смену гуманистической художественной культуре Возрождения и изощрённому субъективизму искусства маньеризма. Отказавшись от присущих классической ренессансной культуре представлений о гармонии и строгой закономерности бытия, о безграничных возможностях человека, его воли и разума, эстетика барокко строилась на коллизии человека и мира, идеальных и чувственных начал, разума и власти иррациональных сил. Человек в искусстве барокко предстаёт многоплановой личностью, со сложным внутренним миром, вовлечённым в круговорот и конфликты среды. Для искусства барокко характерны грандиозность, пышность и динамика, патетическая приподнятость, интенсивность чувств, пристрастие к эффектным зрелищам, совмещению иллюзорного и реального, сильным контрастам масштабов и ритмов, материалов и фактур, света и тени. Синтезу искусств в барокко, носящему всеобъемлющий характер и затрагивающему практически все слои общества (от государства и аристократии до городских низов и отчасти крестьянства), свойственно торжественное, монументально-декоративное единство, поражающее воображение своим размахом. Городской ансамбль, улица, площадь, парк, усадьба — стали пониматься как организованное, развивающееся в пространстве художественное целое, многообразно разворачивающееся перед зрителем. Дворцы и церкви барокко благодаря роскошной, причудливой пластике фасадов, беспокойной игре светотени, сложным криволинейным планам и очертаниям приобрели живописность и динамичность и как бы вливались в окружающее пространство. Парадные интерьеры зданий барокко украшались многоцветной скульптурой, лепкой, резьбой; зеркала и росписи иллюзорно расширяли пространство, а живопись плафонов создавала иллюзию разверзшихся сводов. В изобразительном искусстве барокко преобладают виртуозные декоративные композиции религиозного, мифологического или аллегорического характера, парадные портреты, подчёркивающие привилегированность общественного положения человека. Идеализация образов сочетается в них с бурной динамикой, неожиданными композиционными и оптическими эффектами, реальность — с фантазией, религиозная аффектация — с подчёркнутой чувственностью, а нередко и с острой натуральностью и материальностью форм, граничащей с иллюзорностью.

«Барокко и рококо. Основные признаки стиля, стилевые особенности формы»

Место урока: 8-й урок III четверти, авторской программы «Дизайн» Волошаненко Т.Б. для 8-х классов

Тип урока : Комбинированный

Вид урока: Исследование

Цель: Учить работать с формой и линией, видеть особенности стиля.

Задачи:

Познакомить со стилями в искусстве: барокко и рококо. Выявить основные признаки стиля, стилевые особенности формы.
Развивать кругозор учащихся, умение видеть взаимосвязь между видами искусства во времени и пространстве. Прослеживать характер эпохи в музыке, архитектуре и дизайне.
Воспитывать любознательность к окружающим явлениям и неравнодушие к происходящему, внимательность.

Оборудование:

(для учителя) Мультимедийный проектор, музыкальные фрагменты Гендель; Боккорини «Менуэт», таблицы «Барокко», «Рококо», «элементы стиля»; репродукции Церковь Иль-Джезу, Собор Св. Петра, Церковь Сан-Карло, Площадь Св. Петра, Церковь Сант-Аньезе, Проект кенотафа, Застава Ла Виллет, Проект города Шо, интерьеры.
Карточки – задания.
(для ученика) тетрадь, альбом, фломастеры, маркер, карандаш.

Ход урока

Сообщение цели и задач урока

Сегодня у нас необычный урок - урок, который находится на стыке нескольких предметов: музыки, МХК, истории искусства и дизайна. Нам предстоит познакомиться с европейскими художественными стилями барокко и рококо.

Повторение. Фронтальный опрос

Учитель просит вспомнить: какие художественные стили, и в какой последовательности существовали в Европе?

(после обсуждений и ответов учитель еще раз озвучивает порядок стилей: романский, готика, возрождение, барокко, рококо, ампир, романтизм, модерн)

Тест на определение стилей: Учитель читает несколько цитат.

— «Название стиля происходит от названия племени. Искусство этого стиля считали варварским. Искусствовед Джорджо Вазари отзывался о нем следующими словами: «Упаси Боже, любую страну от одной мысли о работах подобного рода, столь бесформенных по сравнению с красотой наших построек…»

О каком стиле идет речь? (готика)

О каких «наших постройках говорит Вазари?» (возрождение)

— Автор хроник, Рауль Глабер, писал о начале нового европейского периода: «С наступлением третьего года, последовавшего за тысячным, почти все земли, но особенно Италия и Галлия, оказались свидетелями перестройки церковных зданий…» происходит от слова «римский» (романский)

Изложение нового материала

Барокко и рококо. Два красивейших стиля в искусстве. Мне на уроке будут помогать эксперты по стилю (заранее подготовленные ученики с докладами). Давайте послушаем определение первого термина.

Эксперт 1:Барокко – первоначально это жаргонное словечко португальских моряков для обозначения бракованных жемчужин неправильной формы стало использоваться в значении «смягчить, растворить контур, сделать форму более мягкой, подвижной и живописной».

Учитель: Откройте словари, лежащие у вас на столах, стр.10 Внимательно прочитайте характеристику. Вслух комментирует Эксперт 2..

Эксперт 2: Основные черты барокко – парадность, торжественность, пышность, динамичность, жизнеутверждающий характер. Искусству барокко свойственны контрасты масштабов, света и тени, цвета, совмещение реальности и фантазии. Особенно стоит отметить слияние различных искусств в единый ансамбль. Это изобразительное искусство, музыка и театр.

Эксперт 3: Французы барочную чрезмерность называли «блестящим безумием». Эту тягу к преувеличениям прекрасно выразил английский поэт Томас Кэрью в стихотворении «Нетерпимость к обыденному»:

Дай мне любви, презренья дай,
Дай насладиться полнотой.
Мне надо жизни через край –
В любви невыносим покой!
Огонь и лед – одно из двух!
Чрезмерное волнует дух.
Пускай любовь сойдет с небес,
Как сквозь гранит златым дождем
К Данае проникал Зевес!
Пусть грянет ненависть, как гром,
Разрушив все, что мне дано.
Эдем и ад – из двух одно.
О, дай упиться полнотой –
Душе невыносим покой.

Известными представителями этого стиля были: Лоренцо Бернини – в скульптуре и архитектуре, Питер Пауэл Рубенс – великолепный живописец барокко, Антонио Вивальди, Иоганн Себастьян Бах, Гендель – крупнейшие представители того времени в музыке.

Учитель: Посмотрите на доску. Вам нужно будет ответить на следующие вопросы после просмотра фильма (написаны на доске).

Какими прилагательными мы можем раскрыть сущность стиля барокко? (пышный, вычурный, богатый, блестящий)
Что занимает главное место в архитектуре? (пышность, контрасты)
В каких видах искусства проявился стиль барокко? (архитектура, скульптура, живопись, музыка)

просмотр фильма «Барокко» 2 мин. [4]

— Откройте ваши словари на стр. 67 [1]. Определение читает и характеристику эксперт 4.

Эксперт 4: Рококо – вычурный, причудливый – стиль европейского искусства второй четверти и середины XVIII века. Название получил от орнамента рокайль, характерного для данного стиля. Интерьеры, мебель и декоративные изделия украшались причудливыми, изысканными орнаментами, состоящими из рокайльных завитков, резными и лепными узорами.

Эксперт 5: Предметы мебели исполняются в едином стиле с потолком и стенами, светильниками, дверными ручками, бронзовыми обрамлениями замочных скважин.

Декор рококо – это букет цветов, растительные узоры, вписанные в строгие и торжественные прямоугольные формы.

Эксперт 6: Лаковая мебель рококо очень хрупкая, легкая и элегантная. Излюбленный тип мебели: пузатые комоды на гнутых ножках. Появляются первые платяные шкафы.

Учитель: давайте сейчас с вами мысленно представим, что мы – жители XVII века (экскурсия-погружение).

— Теплый летний день, мы гуляем с вами по апельсиновому парку, легко шелестит атласная многослойная юбка светской дамы, ее высокая напудренная прическа виде парусника или каскада неспокойных морских волн особенно привлекает наше внимание. Позади остались аляповатые, многогранные дома, с обилием картушей и розеток овальной формы на лестницах и фонтанах. Золотые пластины и распускающиеся на них цветы украшают декольте знатных дам и обувь известного щеголя.

Мы приближаемся к овальному зеркальному залу, откуда уже доносятся звуки менуэта…(звучит музыкальный фрагмент менуэта Боккорини)

— Откройте глаза, вы слышите? Менуэт звучит и в нашей мастерской, где собрались лучшие художники, архитекторы, рисовальщики – орнаменталисты, и … дизайнеры. Внимание, для каждого из вас сохранился заказ государственного двора, который нужно выполнить безотлагательно.

Учитель раздает карточки - задания, на которых уже есть рисунок одного обыкновенного предмета с одной стороны (могут быть чаша, бокал, вилка, подушка, стул, стол, шкаф, лестница, здание, и тд.) и текстовое пояснения с другой стороны (Заказъ. Государственного двора, который нужно выполнить безотлагательно! Уважаемый мастер, Вам дана лестница Его Величества. Проявите все свои знания, умения и навыки, чтобы оформить данную лестницу в стиле барокко, достойную самого царя (т.е. придать конструкции свойственные стилю элементы).

Комментарии к выполнению задания

Учитель обращает внимание класса на экран. На рисунке из стул в стиле барокко превращен в простой стул, т.е. отняты у него узоры и орнаменты. Учащимся нужно сделать обратное — придать предмету элементы или особенности стиля барокко или рококо. У класса должны получиться изящные дверные ручки, замысловатые замочные скважины, очаровательные зеркала и ювелирные изделия. Задание выполняют на кальке поверх карточки. Сначала карандашом, затем фломастером или маркером.

Практическая работа

Ребята работают по карточкам. Для тех, кто справится с работой раньше, подготовлены более сложные задания, оформление интерьера в рамках изучаемых стилей. Педагог следит за ходом выполнения здания, выявляет общие ошибки, обращает на них внимание класса.

Подведение итогов

Учитель подводит итоги. Дает оценку и характеристику первым работам, за помощью обращается к классу. Выбирают самые правильные и аккуратные работы, которые соответствуют выбранному стилю.

Закрепление
Мы научились видеть стиль не только в архитектуре, но и в музыке, одежде, ювелирных изделиях. Благодаря каким элементам мы понимаем, что данный предмет выполнен в стиле барокко или рококо? (завиток, букеты цветов, растительные орнаменты, плавные изгибающиеся линии, пышность, роскошь, чрезмерная декоративность)

Задание на дом
Найти дома, на улице, в кафе современные предметы, которые мы можем также отнести к барокко и рококо. Сделать один набросок.

Литература:
Сокольникова Н.М. Краткий словарь художественных терминов – Обн., 1996

Емохонова Л.Г. Мировая художественная культура. – М., 1999

Гнедич П.П.Всемирная история искусств. – М., 1996

СD – Художественная энциклопедия зарубежного искусства. – М., 2004

CD – Орнамент. Электронная энциклопедия. – М., 2004

CD – История искусства. Электронная энциклопедия. – М., 2004

Конспект урока «Архитектура барокко.
Изобразительное искусство барокко»
Тема: Архитектура барокко. Изобразительное искусство барокко. Цель урока:  углубление и систематизация знаний по теме «Искусство эпохи барокко»;  выявить особенности основных направлений искусства эпохи барокко;  систематизировать знания учащихся по теме, дополнив их новыми сведениями;  стимулировать развитие способностей к самообразованию. Ход урока: I. Организационный момент. II. Актуализация опорных знаний. Проверочная работа по теме «Эпоха Возрождения». Проверка конспекта. III.Изучение нового материала 1. Вступительное слово учителя. Сегодняшний наш урок посвящен одной из самых ярких тем в искусстве. Эта эпоха не оставит равнодушным ни одного человека. Сегодня я предлагаю вам углубиться в этот волшебный мир причудливых образов, систематизировать свои знания, еще более проникнуться творчеством людей, чьими шедеврами и открытиями мы восторгаемся по сей день. Формирование европейской культуры XVII в. было связано со стремительно меняющейся «картиной мира» и кризисом идеалов итальянского Возрождения. Кругосветное плавание Фернанда Магеллана и Христофора Колумба, новейшие открытия в астрономии Николая Коперника, Галилео Галилея и Джордано Бруно, изобретение телескопа и микроскопа раздвинули горизонты, показали относительность пространства, разрушили образ ренессансного замкнутого мироздания, центром которого являлся человек. Английский поэт Джон Донн, современник Шекспира, с печалью констатировал: Так много новостей за двадцать лет И в сфере звезд и в области планет, На атомы Вселенная крошится, Все связи рвутся, все в куски дробится. Основы расшатались, и сейчас Все стало относительным для нас. {Перевод О. Румера) О чём свидетельствуют эти строки? Относительность, изменчивость, непостижимость пространства и времени приводили к трагическому ощущению жизни как непрерывного движения, цель которого человеку неведома. «Вчерашнего уж нет, а Завтра не явилось, / Сегодня движется вперед без передышки»,— восклицал в одном из сонетов испанский писатель Франсиско КеведоиВильегас, а французский мыслитель Блёз Паскаль сравнивал человека всего лишь с «мыслящим тростником, колеблющимся на грани бесконечности и небытия». Говоря о таком стиле в искусстве, как барокко, прежде всего, необходимо определить, что следует понимать под этим термином. Кроме того, следует определить, с чем связано его появление. 2. Словарная работа.  пояснить термин «Барокко»  объяснить когда и почему он возник  В чем заключается особенность стиля?  Архитектура и скульптура эпохи барокко.  Живопись эпохи барокко.  Наука и литература эпохи барокко  Музыка и театр эпохи барокко. IV. Итог урока. Рефлексия.  Ребята, до конца урока осталось несколько минут. Давайте подведем предварительный итог нашей сегодняшней работы.  Что изучали сегодня на уроке?  Чему вы научились?  Что понравилось на уроке?  Что получилось?  В чём были проблемы? Дом. задание: IV. Конспект, презентация по теме.
Конспект урока «Культура барокко» | Образовательный портал EduContest.Net — библиотека учебно-методических материалов

Тема 3 . Культура барокко. (4ч).
Цель: познакомить студентов с основными чертами культуры барокко; показать особенности исторических условий развития культуры, раскрыть особенности культуры, разъяснить основные черты искусства, показать значимость литературы и музыкально-театрального искусства. Развивать умение работать с литературой, внимание. Воспитывать интерес к предмету, эстетический вкус.
Тип урока: лекция
Оборудование: Г. Данилова «Мировая художественная культура», иллюстрации (стенд), Л. Емохонова «Мировая художественная культура».
Ход урока.
I. Организационный момент. Сообщение темы и цели урока. План.
1. Предпосылки зарождения стиля барокко. Понятие.
2. Архитектура и скульптура барокко.
3. Изобразительное искусство.
4. Театр и декоративно-прикладное искусство
5. Музыка барокко.
II.Сообщение новых знаний.1. Предпосылки зарождения стиля барокко. Понятие.
Барокко (итал. Странный, причудливый) – жаргонное слово итальянских моряков для обозначения бракованных жемчужин. Стиль, который означал стремление к подвижному, живописному, постоянно меняющемуся облику.
Предпосылки.
1. Стремительно меняющаяся картина мира в 17 – 18 вв.
2.Кризис итальянского Возрождения.
3. Для духовной жизни большое значение имели географические открытия (Колумб, Васко да Гама, Магеллан, Коперник, Галилей, Бруно, Ньютон), которые разрушили образ замкнутого мироздания, в центре которого находился человек.
4. Человек начал ощущать зыбкость и неустойчивость своего положения, противоречие между реальностью и иллюзией. Новое мировосприятие преломилось в культуре: все необычное, неясное, призрачное стало привлекательным, красивым, а ясное и простое – скучным и неинтересным. Потеснились прежние представления подражания природе, ясности, уравновешенности.
2. Архитектура и скульптура барокко.
Особенности архитектуры.
1. «Тревожный силуэт». Достигалось дробление стен выступами, нишами, колоннами, пилястрами, отказ от прямой линии и плоскости, замена на кривые линии и эллипсы.
2. Динамизм – художественная основа барокко.
3. В скульптуре мистическая экспрессия достигла максимального выражения: каменные одеяния развеваются как не имеющие силы тяжести.
4. Чрезмерная декоративность, иллюзорность, динамичность удовлетворяет стремление к величию католического мироощущения. Цель – привести верующих в религиозный экстаз.
5. Неправдоподобное увеличение масштабов, гигантизм, усиление чувства иррациональности.
6. Стирание границ между архитектурой, скульптурой, живописью. Перспективные росписи создавали ощущение светового столпа, выражали эстетический идеал искусства барокко – динамизм, возвышенную духовность на грани аффекта, стремление к величию и пышности, совмещение реальности и иллюзии.
Слушание докладов студентов.
1. Джакомо дела Порта с. 321-322.
2. Лоренцо Бернини с. 322-324 и скульптура 324-326.
3. Франческо Борромини с. 326.
3. Изобразительное искусство.
Особенности живописи.
1. Присущи черты стиля барокко: динамизм, возвышенная духовность, изящество, иллюзорность.
2. Главный критерий – красота, но не в природе и в жизни, а в мистическом озарении, в величественном, выраженном через намеренно укрупненные формы, пышные драпировки.3. Передача движения, пластики.
Слушание докладов студентов.
1. Питер Пауль Рубенс.с. 327-328.
2. Ян Брейгель Старший.
3. Антонис Ван Дейк
4. Франс Снейдерс4. Театр и декоративно-прикладное искусство барокко.
Слушание докладов студентов.
1. Комедия масок Дель арте.
2. Опера.
3. Декоративно-прикладное искусство: мебель, деревянная мозаика, стекло, ткань. С. 329-331.
5. Музыка барокко.
Особенности музыки.
Появление новых жанров – опера, оратория, кантата, концерта, сюита, прелюдия, токката, фуга.Рождение оперы.
Прославление, дворцовые празднества, трагические развязки, причудливая смена образов, пышность и декоративность оформления.
Слушание докладов
1. Клаудио Монтеверди с. 331-332.
2. Алессандро Скарлатти с. 332.
3. Жан Батист Люлли с. 332.
4. Арканджело Корелли с. 332.
5. Антонио Вивальди. С. 332.
6.Иоганн Себастьян Бах. С. 333-334.
7. Георг Фридрих Гендель с. 334-335.
III. Закрепление новых знаний.
IV. Подведение итога урока. Выставление оценок.
V. Домашнее задание: Емохонова с. 320-335.
Тема урока: Барокко в западноевропейской живописи и музыке 👍
Форма урока: комбинированный урок. Цель: овладеть навыками анализа музыкальных и живописных произведений, созданных в стиле барокко. Задаче: 1. Продолжить работу над овладением учащимися арсеналом средств художественной выразительности стиля барокко (живопись, музыка). 2. Развитие способностей к анализу.
Ход урока 1 этап. Учитель.
Слово “барокко” имеет несколько значений: причудливый, вычурный, жемчужина неправильной, формы. Этим словом стали называть художественные стиль, господствовавший в культуре Европы с начала XVII века и
до 30-х годов XVIII века. Это стиль резких контрастов и неожиданных сопоставлений.
Ему свойственно тяготение к гиперболе, к преувеличению, что проявляется во всех видах искусства: чрезвычайная эмоциональная наполненность, стремление вырваться из рамок привычного, воспарить духом свойственно и живописи, и музыке, и литературе. Формы барокко не обладают пропорциональностью и уравновешенностью, они стремятся к нарушению симметрии, к изобилию, к тяжеловесной детализации. Искусство барокко обладает страстным характером, и эта страсть поистине безгранична: радость неизменно оборачивается ликованием, печаль –
скорбью, а упрек легко превращается в проклятье.
Эту тягу барокко к преувеличениям прекрасно выразил английский поэт Томас Кэрью в стихотворении “Нетерпимость к обыденному”: Дай мне любви, презренья дай, Дай насладиться полнотой. Мне надо жизни через край – В любви невыносим покой! Огонь и лед – одно из двух!
Чрезмерное волнует дух.
Пускай любовь сойдет с небес, Как сквозь гранит златым дождем К Данае проникал Зевес! Пусть грянет ненависть, как гром, Разрушив все, что мне дано. Эдем и ад – из двух одно. О, дай упиться полнотой – Душе невыносим покой. (Стихотворение читает один шучеников.) 2 этап.
Учитель.
В музыке барокко действует правило одкоаф-фектностн: словом “аффект” в то время называли чувство, страсть. Правило одвоаффектиости подразумевает: композитор в произведении будет разворачивать одну картину, одну главную мысль, которая будет расцвечиваться и обрастать новыми подробностями.
Тест на определение: Какой из музыкальных фрагментов относится к стилю барокко, а какой нет и почему? (Имена композиторов называются только после обсуждения. ) Прослушивание I части из концерта Вивальди “Весна” из цикла “Времена года”. Общее время звучания 3.28. Прослушивание Фантазии ре минор Моцарта: Общее время звучания 4.57. Учитель (после обсуждения) дает правильный Ответ.
Первый фрагмент можно отнести к стилю барокко, потому что в своем концерте Вивальди использует правило одно эффектности: он повествует о том, как люди встречают обновление в природе (ведь концерт носит название “Весна”), водят хороводы.
И если, не зная название концерта, сложно догадаться об этом, то все равно ощущается, что в музыке идет развитие одной мысли, одного переживания. Во втором фрагменте в произведении Моцарта мы слышим не одну данную в развитии мысль, а две, представленные двумя контрастными Тема уроками. Тест на определение: Какие из представленных произведений живописи, с вашей точки зрения, можно отнести к стилю барокко и почему?
Зрительный ряд: 1.Рубенс “Поклонение волхвов”. 2. “Снятие с креста”.
3. “Крестьянский танец”. 4. Пуссен “Отдых на пути в Египет”.
5. “Суд Соломона”. Учитель (после обсуждения сучащимися ух предположений) предлагает правильный ответ. 1, 2, 3-е произведения, т. е. картины Рубенса, относятся к стилю барокко, а 4,5-е (картины Пуссена) – нет.
Учитель.
Выделим несколько характерных особенностей, благодаря которым мы сможем определить принадлежность картины к стилю барокко: 1. Эмоциональность, экспрессивность, перегруженность деталями. 2. Барочная картина часто изображает одновременность не скольких различных событий, переживаний, чтобы подчеркнуть динамику времени.
3. Художники, пишущие в стиле барокко, краску воспринимают как элемент живописной фантазии, а не как имитативное средство.
Вспомним картины Рубенса: для этого художника главное не сымитировать природный цвет предмета, а создать мощный цветовой аккорд – яркий, насыщенный, волнующий чувства зрителя. 4.
Большинство мастеров барокко (например, Рубенс, Караваджо) предпочитают вертикальный формат картин, который позволяет выделить торжественность, величавость момента и воплотить движение сверху вниз: например, в картине “Воздвижение креста” Рубенсом запечатлен процесс воздвижения креста с телом распятого Иисуса. Рубенс фиксирует момент, когда крест уже не лежит на земле, но еще, и не принял вертикальное положение, т.
Е. художник изображает именно движение сверху вниз. Или для картины “Обращение святого Павла” Караваджо потребовался вертикальный формат, чтобы показать именно торжественность момента – момента общения Павла с Богом, что в корне изменит не только жизнь Павла, но и его самого. 5. Динамичность, для чего часто вводятся мотивы схватки, погони: например, картина “Похищение дочерей Левкиппа” Рубенса, где запечатлен момент острой борьбы, или картина “Воздвижение креста” – участникам действия приходится предпринимать такие усилия для воздвижения креста, что внешне это напоминает скорее схватку с крестом, нежели его воздвижение.
Задание классу: опираясь на полученные сведения о характерных особенностях стиля барокко, доказать, что данное произведение обладает характерными чертами данного стиля.
(Задание выполняется письменно, и учащиеся самостоятельно выбирают из предложенного зрительного ряда произведение для анализа.) Зрительный ряд: 1. Рубенс “Кермесса”. 2. “Поклонение волхвов”.
3. “Воздвижение креста”. 4. “Персей и Андромеда”. Домашнее задание (по выбору учащихся): 1. Описание одного из произведений Рубенса с выявлением характерных черт стиля барокко.
2. Прослушать любое произведение Вивальди и описать, используя правило одно эффектности. 3. Подготовить сообщение на тему “Стиль барокко в западноевропейском искусстве XVII века”. Вопросы я задания: 1. Какие значения имеет слова “барокко”?
2. Дать общую характеристику стиля барокко. 3. Сформулировать правило одно эффектности. 4. Перечислить черты, характерные для барочной картины.
Опера в стиле барокко | Признательность музыки

Дворец Гарнье Парижской оперы, один из самых известных оперных театров мира

Opera
Опера — это вид искусства, в котором певцы и музыканты исполняют драматическое произведение, сочетающее текст (называемое либретто) и партитуру, обычно в театральной обстановке. Опера включает в себя многие элементы разговорного театра, такие как актерское мастерство, декорации и костюмы, а иногда и танец.Спектакль обычно дается в оперном театре в сопровождении оркестра или небольшого музыкального ансамбля.
Опера — часть традиций западной классической музыки. Он начался в Италии в конце 16 века (с утерянного Якопо Пери Dafne , произведенного во Флоренции в 1598 году) и вскоре распространился по остальной Европе: Schütz в Германии, Lully во Франции и Purcell в Англии — все помогли. устанавливают свои национальные традиции в 17 веке. В 18 веке итальянская опера продолжала доминировать в большей части Европы, за исключением Франции, привлекая зарубежных композиторов, таких как Гендель.Opera seria была самой престижной формой итальянской оперы, пока Глюк не отреагировал на ее искусственность своими «реформаторскими» операми в 1760-х годах. Сегодня самая известная фигура в опере конца 18 века — Моцарт, который начинал с Opera seria, но наиболее известен своими итальянскими комическими операми, особенно «Свадьба Фигаро» (Le Nozze Di Figaro), «Дон Жуан» и Così fan tutte. , а также Волшебная флейта (Die Zauberflöte) , знаковая в немецкой традиции.
Первая треть 19-го века стала периодом расцвета стиля бельканто, когда Россини, Доницетти и Беллини создали произведения, которые исполняются до сих пор. Это также ознаменовалось появлением Гранд-оперы, олицетворяемой работами Обера и Мейербера. Середина и конец 19 века были «золотым веком» оперы, во главе которого стояли Вагнер в Германии и Верди в Италии. Популярность оперы продолжалась в эпоху веризма в Италии и современной французской оперы до Пуччини и Штрауса в начале 20 века.В 19 веке параллельные оперные традиции возникли в Центральной и Восточной Европе, особенно в России и Богемии. В 20 веке было много экспериментов с современными стилями, такими как атональность и сериализм (Шенберг и Берг), неоклассицизм (Стравинский) и минимализм (Филип Гласс и Джон Адамс). С развитием технологий записи такие певцы, как Энрико Карузо, стали известны публике за пределами круга поклонников оперы. Оперы также исполнялись (и писались) на радио и телевидении.
Оперативная терминология
Слова оперы известны как либретто (буквально «книжка»). Некоторые композиторы, особенно Рихард Вагнер, написали свои собственные либретти; другие работали в тесном сотрудничестве со своими либреттистами, например Моцарт с Лоренцо да Понте. Традиционная опера, которую часто называют «числовой оперой», состоит из двух режимов пения: речитатива, сюжетных отрывков, исполняемых в стиле, призванном имитировать и подчеркивать интонации речи, и арии («воздушная» или формальная песня. ), в которой персонажи выражают свои эмоции в более структурированном мелодическом стиле.Часто встречаются дуэты, трио и другие ансамбли, а для комментариев к действию используются припевы. В некоторых формах оперы, таких как зингшпиль, комическая опера, оперетта и полуопера, речитатив в основном заменяется разговорным диалогом. Мелодические или полумелодические отрывки, происходящие посреди речитатива или вместо него, также называются ариозо. В эпоху барокко и классики речитатив мог проявляться в двух основных формах: secco (сухой) речитатив, исполняемый в свободном ритме, продиктованном акцентом слов, в сопровождении только континуо , который обычно был клавесином и виолончель; или сопровождение (также известное как струментато ), в котором оркестр обеспечивал аккомпанемент.К 19-му веку conspagnato взяли верх, оркестр играл гораздо большую роль, и Рихард Вагнер произвел революцию в опере, отменив почти все различия между арией и речитативом в своем стремлении к тому, что он назвал «бесконечной мелодией». Последующие композиторы, как правило, следовали примеру Вагнера, хотя некоторые, например Стравинский в его The Rake’s Progress , пошли против этой тенденции. Терминология различных оперных голосов подробно описана ниже.
История
Истоки
Итальянское слово opera означает «работа», как в смысле проделанной работы, так и в смысле ее результата. Итальянское слово происходит от латинского opera , существительного в единственном числе, означающего «работа», а также множественного числа существительного opus . Согласно Оксфордскому словарю английского языка, итальянское слово впервые было использовано в смысле «композиция, в которой сочетаются поэзия, танец и музыка» в 1639 году; первое зарегистрированное английское употребление в этом смысле относится к 1648 году.
Дафне Якопо Пери было самым ранним сочинением, которое считается оперным в современном понимании. Он был написан примерно в 1597 году, во многом по вдохновению элитного круга грамотных флорентийских гуманистов, которые собирались как «Камерата де ‘Барди». Примечательно, что Dafne был попыткой возродить классическую греческую драму, частью более широкого возрождения античности, характерного для эпохи Возрождения. Члены камеры считали, что изначально исполнялись «хоровые» части греческих драм и, возможно, даже весь текст всех ролей; Таким образом, опера задумывалась как способ «восстановить» эту ситуацию. Dafne , к сожалению, утеряна. Более поздняя работа Пери, Euridice , датируемая 1600 годом, является первой оперной партитурой, сохранившейся до наших дней. Однако честь быть первой оперой, которая до сих пор регулярно исполняется, принадлежит пьесе Клаудио Монтеверди L’Orfeo , написанной для двора Мантуи в 1607 году. Мантуанский суд Гонзагов, работодателей Монтеверди, сыграл значительную роль в этом процессе. зарождение оперы, в которой работали не только придворные певцы Concerto delle donne (до 1598 г.), но и один из первых настоящих «оперных певцов»; Мадама Европа.
Итальянская опера
Эпоха барокко

Джордж Фридрих Гендель, 1733

Частный театр в стиле барокко в Чески Крумлов

Театро Аргентина (Панини, 1747, Лувр)

Opera недолго оставалась ограниченной придворной публикой. В 1637 году в Венеции возникла идея «сезона» (карнавала) публичных опер, поддерживаемых продажей билетов.Монтеверди переехал в город из Мантуи и написал свои последние оперы « Il ritorno d’Ulisse in patria » и « L’incoronazione di Poppea » для венецианского театра в 1640-х годах. Его самый важный последователь Франческо Кавалли способствовал распространению оперы по всей Италии. В этих операх в стиле раннего барокко широкая комедия смешивалась с трагическими элементами в смеси, которая всколыхнула некоторые образованные чувства, вызвав первое из множества реформаторских движений оперы, спонсируемых Аркадской академией, которая стала ассоциироваться с поэтом Метастазио, либретти которого помогли кристаллизоваться. жанр оперной серии, который до конца 18 века стал ведущей формой итальянской оперы.Как только метастазианский идеал был твердо утвержден, комедия в опере эпохи барокко была зарезервирована для того, что стало называться оперой буффа.
До того, как такие элементы были вытеснены из opera seria, во многих либретто был отдельно разворачивающийся комический сюжет как своего рода «опера в опере». Одной из причин этого была попытка привлечь в публичные оперные театры представителей растущего купеческого класса, недавно разбогатевших, но все еще не столь культурных, как дворянство. Эти отдельные сюжеты почти сразу возродились в отдельно развивающейся традиции, частично заимствованной из комедии дель арте, давно процветающей импровизационной сценической традиции Италии.Подобно тому, как когда-то между актами театральных постановок исполнялись промежуточные звенья, оперы нового комического жанра «интермецци», который в основном развивался в Неаполе в 1710–20-е годы, первоначально ставились в антрактах Opera seria. Однако они стали настолько популярными, что вскоре стали предлагаться как отдельные постановки.
Opera seria была повышена по тону и сильно стилизована по форме, обычно состояла из речитатива secco , перемежающихся с длинными ариями da capo .Это предоставило прекрасную возможность для виртуозного пения, и в золотой век оперы seria певец действительно стал звездой. Роль героя обычно писалась для голоса кастрата; кастраты, такие как Фаринелли и Сенезино, а также женские сопрано, такие как Фаустина Бордони, стали пользоваться большим спросом по всей Европе, поскольку opera seria управляла сценой во всех странах, кроме Франции. Действительно, Фаринелли был одним из самых известных певцов 18 века. Итальянская опера установила стандарты барокко.Итальянские либретти были нормой, даже когда такой немецкий композитор, как Гендель, обнаружил, что сочиняет для лондонской публики такие песни, как Rinaldo и Giulio Cesare . Итальянские либретти оставались доминирующими и в классический период, например, в операх Моцарта, который писал в Вене в конце века. Среди ведущих итальянских композиторов оперной серии Алессандро Скарлатти, Вивальди и Порпора.

Иллюстрация к партитуре оригинальной венской версии Orfeo ed Euridice (опубликовано в Париже, 1764 г.)

Opera seria имела свои слабые стороны и критику.Вкус к приукрашиванию со стороны великолепно подготовленных певцов и использование зрелища вместо драматической чистоты и единства вызвали нападения. Эссе Франческо Альгаротти об опере (1755) оказалось источником вдохновения для реформ Кристофа Виллибальда Глюка. Он выступал за то, чтобы opera seria вернуться к основам и что все различные элементы — музыка (как инструментальная, так и вокальная), балет и постановка — должны подчиняться доминирующей драме. В 1765 году Мельхиор Гримм опубликовал «Poème lyrique» , влиятельную статью для Энциклопедии о лирических и оперных либретто.Несколько композиторов того времени, в том числе Никколо Джоммелли и Томмазо Траэтта, пытались претворить эти идеалы в жизнь. Однако первым преуспел Глюк. Глюк стремился добиться «красивой простоты». Это очевидно в его первой опере-реформаторе, Orfeo ed Euridice , где его невиртуозные вокальные мелодии поддерживаются простыми гармониями и более богатым оркестровым присутствием.
Реформы Глюка имели резонанс на протяжении всей оперной истории. Вебер, Моцарт и Вагнер, в частности, находились под влиянием его идеалов.Моцарт, во многом преемник Глюка, объединил превосходное чувство драмы, гармонии, мелодии и контрапункта, чтобы написать серию комедий, в частности Così fan tutte , The Marriage of Figaro и Don Giovanni (в сотрудничестве с Лоренцо да Понте), которые сегодня остаются одними из самых любимых, популярных и известных опер. Но вклад Моцарта в оперу opera seria был более неоднозначным; к его времени оно угасало, и, несмотря на такие прекрасные работы, как Idomeneo и La clemenza di Tito , ему так и не удалось вернуть эту форму искусства к жизни.
Бель канто, Верди и веризм

Джузеппе Верди, Джованни Болдини, 1886 (Национальная галерея современного искусства, Рим)

Движение бельканто в опере процветало в начале 19 века и представлено операми Россини, Беллини, Доницетти, Пачини, Меркаданте и многих других. Опера bel canto буквально «красивое пение» происходит от одноименной итальянской стилистической школы пения. Линии бельканто обычно витиеватые и замысловатые, требующие высочайшей ловкости и контроля высоты тона.Примеры известных опер в стиле бельканто: « Il barbiere di Siviglia » и « La Cenerentola » Россини, а также «Лючия ди Ламмермур » Доницетти.

Вслед за эпохой бельканто Джузеппе Верди быстро популяризировал более прямой и сильный стиль, начиная с его библейской оперы Nabucco . Оперы Верди перекликались с растущим духом итальянского национализма в постнаполеоновскую эпоху, и он быстро стал иконой патриотического движения (хотя его собственная политика, возможно, была не столь радикальной).В начале 1850-х годов Верди поставил три свои самые популярные оперы: Риголетто , Трубадур и Травиата . Но он продолжал развивать свой стиль, сочинив, возможно, величайшую французскую Гранд-оперу, Don Carlos , и закончил свою карьеру двумя произведениями, вдохновленными Шекспиром, Otello и Falstaff , которые показывают, насколько итальянская опера выросла в изысканности. с начала 19 века.

После Верди в Италии появилась сентиментальная «реалистическая» мелодрама веризма.Это был стиль, представленный произведениями Пьетро Масканьи Cavalleria rusticana и Руджеро Леонкавалло Pagliacci , которые практически заняли доминирующее положение на мировых оперных сценах с такими популярными произведениями, как « Богема » Джакомо Пуччини, «Богема» , Tosca , Madama Butterfly и Madama Butterfly . Позднее итальянские композиторы, такие как Берио и Ноно, экспериментировали с модернизмом.

Немецкая опера

Иллюстрация по мотивам музыкальной драмы Вагнера Das Rheingold

Рихард Вагнер в 1871 г.

Первой немецкой оперой была Дафне , написанная Генрихом Шютцем в 1627 году, но нотная запись не сохранилась.Итальянская опера имела большое влияние в немецкоязычных странах до конца 18 века. Тем не менее, несмотря на это влияние, местные формы будут развиваться. В 1644 году Зигмунд Штаден выпустил первые Singspiel , Seelewig , популярную форму немецкоязычной оперы, в которой пение чередуется с разговорным диалогом. В конце 17 — начале 18 века в Гамбургском Театре на Генземаркт были представлены немецкие оперы Кейзера, Телеманна и Генделя. Тем не менее, большинство крупных немецких композиторов того времени, включая самого Генделя, а также Грауна, Хассе и позже Глюка, предпочитали писать большинство своих опер на иностранных языках, особенно на итальянском.В отличие от итальянской оперы, которая, как правило, создавалась для аристократического сословия, немецкая опера в основном создавалась для широких масс и, как правило, состояла из простых народных мелодий, и только с приходом Моцарта немецкая опера смогла сравниться с ней. Итальянский аналог в музыкальной изысканности.

Моцарта « Singspiele », « Die Entführung aus dem Serail » (1782) и Die Zauberflöte (1791) стали важным прорывом в достижении международного признания немецкой оперы.Традиция была развита в 19 веке Бетховеном с его Fidelio , вдохновленным климатом Французской революции. Карл Мария фон Вебер восстановил немецкую романтическую оперу в противовес господству итальянского бельканто. Его Der Freischütz (1821) демонстрирует его гений в создании сверхъестественной атмосферы. Среди других оперных композиторов того времени — Маршнер, Шуберт и Лорцинг, но наиболее значимой фигурой, несомненно, был Вагнер.

Вагнер был одним из самых революционных и противоречивых композиторов в истории музыки.Начав под влиянием Вебера и Мейербера, он постепенно развил новую концепцию оперы как Gesamtkunstwerk («законченное произведение искусства»), смесь музыки, поэзии и живописи. Он значительно увеличил роль и мощь оркестра, создав партитуры со сложной сетью лейтмотивов, повторяющихся тем, часто связанных с персонажами и концепциями драмы, прототипы которых можно услышать в его более ранних операх, таких как Der fliegende Holländer , Tannhäuser и Lohengrin ; и он был готов нарушить общепринятые музыкальные условности, такие как тональность, в своем стремлении к большей выразительности.В своих зрелых музыкальных драмах « Тристан и Изольда» , «Мейстерзингер фон Нюрнберг» , Der Ring des Nibelungen и Parsifal он отменил различие между арией и речитативом в пользу непрерывного потока «бесконечной мелодии». Вагнер также привнес новое философское измерение в оперу в своих произведениях, которые обычно основывались на историях из германских или артуровских легенд. Наконец, Вагнер построил свой собственный оперный театр в Байройте при частичном покровительстве Людвига II Баварского, посвященный исключительно исполнению своих собственных произведений в том стиле, который он хотел.

Опера уже никогда не будет прежней после Вагнера, и для многих композиторов его наследие стало тяжелым бременем. С другой стороны, Рихард Штраус принял идеи Вагнера, но развил их в совершенно новых направлениях. Впервые он получил известность благодаря скандальному Salome и мрачной трагедии Elektra , в которых тональность была доведена до предела. Затем Штраус изменил курс в своем величайшем успехе, Der Rosenkavalier , где Моцарт и венские вальсы оказали такое же влияние, как и Вагнер.Штраус продолжал создавать самые разнообразные оперные произведения, часто с либретто поэта Гуго фон Хофманнсталя. Среди других композиторов, которые внесли индивидуальный вклад в немецкую оперу в начале 20-го века, были Александр фон Землинский, Эрих Корнгольд, Франц Шрекер, Пауль Хиндемит, Курт Вайль и Ферруччо Бузони итальянского происхождения. Оперные нововведения Арнольда Шенберга и его последователей обсуждаются в разделе, посвященном модернизму.

В конце 19 века австрийский композитор Иоганн Штраус II, поклонник французских оперетт Жака Оффенбаха, написал несколько немецкоязычных оперетт, самой известной из которых была Die Fledermaus , которая регулярно исполняется до сих пор. сегодня.Тем не менее, вместо того, чтобы копировать стиль Оффенбаха, оперетты Штрауса II имели отчетливо венский колорит, который закрепил за Штраусом II место одного из самых известных композиторов оперетты всех времен.

Французская опера

В соперничестве с импортированными итальянскими оперными постановками отдельная французская традиция была основана итальянцем Жан-Батистом Люлли при дворе короля Людовика XIV. Несмотря на свое иностранное происхождение, Люлли основал Музыкальную академию и монополизировал французскую оперу с 1672 года.Начиная с Cadmus et Hermione , Люлли и его либреттист Куино создали tragédie en musique , форму, в которой танцевальная музыка и хоровое сочинение были особенно заметны. В операх Люлли также проявляется забота о выразительном речитативе, который соответствовал контурам французского языка. В 18 веке самым важным преемником Люлли был Жан-Филипп Рамо, сочинивший пять трагедий и музыку , а также множество произведений в других жанрах, таких как опера-балет, все они отличались богатой оркестровкой и гармоничной смелостью.Несмотря на популярность итальянской серии опер на большей части Европы в период барокко, итальянская опера так и не получила широкого распространения во Франции, где ее собственная национальная оперная традиция была более популярной. После смерти Рамо немца Глюка убедили поставить шесть опер для парижской сцены 1770-х годов. Они показывают влияние Рамо, но упрощенно и с большим акцентом на драму. В то же время к середине XVIII века во Франции набирал популярность другой жанр: opéra comique .Это был эквивалент немецкого зингшпиля, где арии чередовались с разговорным диалогом. Известные образцы этого стиля были созданы Монсиньи, Филидором и, прежде всего, Гретри. В эпоху революции такие композиторы, как Мехул и Керубини, которые были последователями Глюка, привнесли новую серьезность в жанр, который никогда не был полностью «комическим». Другим феноменом этого периода была «пропагандистская опера», прославляющая революционные успехи, например, Госсека Триумфальная машина Республики (1793).

Кармен с Магдаленой Кожена и Йонасом Кауфманном, Зальцбургский фестиваль 2012

К 1820-м годам глюковское влияние во Франции уступило место вкусу итальянского бельканто, особенно после прибытия Россини в Париж. Модель Россини Guillaume Tell помогла основать новый жанр Гранд Опера, наиболее известным представителем которой был другой иностранец, Джакомо Мейербер. В работах Мейербера, таких как Les Huguenots , особое внимание уделялось виртуозному пению и экстраординарным сценическим эффектам.Зажигалка opéra comique также пользовалась огромным успехом в руках Бойельдье, Обера, Герольда и Адольфа Адама. В этой обстановке оперы французского композитора Гектора Берлиоза изо всех сил пытались добиться внимания. Эпический шедевр Берлиоза Les Troyens , кульминация глюковской традиции, не исполнялся в полном объеме почти сто лет.

Во второй половине XIX века Жак Оффенбах создал оперетту с остроумными и циничными произведениями, такими как Orphée aux enfers , а также оперу Les Contes d’Hoffmann ; Шарль Гуно добился огромного успеха с Faust ; и Бизе написал Кармен , которая, когда публика научилась принимать смесь романтизма и реализма, стала самой популярной из всех комических опер.Жюль Массне, Камиль Сен-Сансан Лео Делиб — все сочиненные произведения, которые до сих пор являются частью стандартного репертуара, например, Массне Manon , Сен-Санса Samson et Dalila и Делиба Lakmé . В то же время влияние Рихарда Вагнера воспринималось как вызов французской традиции. Многие французские критики гневно отвергли музыкальные драмы Вагнера, в то время как многие французские композиторы имитировали их с переменным успехом. Пожалуй, самый интересный ответ пришел от Клода Дебюсси.Как и в произведениях Вагнера, в уникальной опере Дебюсси « Пеллеас и Мелизанда » (1902) оркестр играет ведущую роль, а настоящих арий нет, только речитатив. Но драма заниженная, загадочная и совершенно невагнеровская.

Другие известные имена 20-го века включают Равеля, Дюка, Русселя и Мийо. Франсис Пуленк — один из очень немногих послевоенных композиторов любой национальности, чьи оперы (включая Dialogues des Carmélites ) прочно вошли в международный репертуар.Широкое внимание привлекла длинная священная драма Оливье Мессиана « Saint François d’Assise » (1983).

Англоязычная опера

В Англии антецедентом оперы была модель jig 17 века. Это было после пьесы в конце пьесы. Часто он был клеветническим и скандальным и состоял в основном из диалогов, поставленных на музыку, переложенную на популярные мелодии. В этом отношении джиги предвосхищают балладные оперы 18 века.В то же время французская маска прочно закрепилась при английском дворе, обладая еще более роскошным великолепием и очень реалистичными пейзажами, чем это было раньше. Иниго Джонс стал типичным дизайнером этих постановок, и этот стиль доминировал на английской сцене в течение трех столетий. Эти маски содержали песни и танцы. В произведении Бена Джонсона « Lovers Made Men » (1617) «вся маска спета в итальянской манере, stilo recitativo». Приближение Английского Содружества закрыло театры и остановило любые события, которые, возможно, привели к созданию английской оперы.Однако в 1656 году драматург сэр Уильям Давенант поставил Осада Родоса . Поскольку его театр не имел лицензии на постановку драмы, он попросил нескольких ведущих композиторов (Лоуса, Кука, Локка, Коулмана и Хадсона) переложить в пьесе музыку. За этим успехом последовали Жестокость испанцев в Перу, (1658) и История сэра Фрэнсиса Дрейка, (1659). Эти произведения были поддержаны Оливером Кромвелем, потому что они критиковали Испанию. С английской реставрацией снова были приглашены иностранные (особенно французские) музыканты.В 1673 году Томас Шедвелл « Psyche » по образцу одноименной комедии-балета 1671 года поставил Мольера и Жан-Батиста Люлли. В том же году Уильям Давенант выпустил серию «Буря », ставшую первой музыкальной адаптацией пьесы Шекспира (сочиненной Локком и Джонсоном). Около 1683 года Джон Блоу сочинил Венеру и Адонис , которую часто считают первой настоящей англоязычной оперой.

Непосредственным преемником

Блоу был более известный Генри Перселл.Несмотря на успех его шедевра Dido и Aeneas (1689), в котором действие продвигается за счет использования речитатива в итальянском стиле, большая часть лучших работ Перселла не была связана с сочинением типичной оперы, но вместо этого он обычно работал в рамках ограничений формата полуоперы, где отдельные сцены и маски содержатся в структуре устной пьесы, например, Шекспир в пьесе Перселла Королева фей (1692) и Бомонт и Флетчер в Пророчица (1690). ) и Bonduca (1696).Главные герои пьесы обычно не участвуют в музыкальных сценах, а это значит, что Перселлу редко удавалось развивать своих персонажей через песню. Несмотря на эти препятствия, его целью (и целью его сотрудника Джона Драйдена) было создание серьезной оперы в Англии, но эти надежды закончились ранней смертью Перселла в возрасте 36 лет.

После Перселла популярность оперы в Англии на несколько десятилетий пошла на убыль. Возрождение интереса к опере произошло в 1730-х годах, что в значительной степени приписывается Томасу Арне, как для его собственных сочинений, так и для предупреждения Генделя о коммерческих возможностях крупномасштабных произведений на английском языке.Арне был первым английским композитором, который экспериментировал с полностью спетой комической оперой в итальянском стиле. Его наибольшим успехом стал Thomas и Sally в 1760 году. Его опера Artaxerxes (1762) была первой попыткой создать полноценную оперу. seria на английском языке и имела огромный успех, продержавшись на сцене до 1830-х годов. Хотя Арне имитировал многие элементы итальянской оперы, он был, пожалуй, единственным английским композитором в то время, который смог выйти за рамки итальянских влияний и создать свой собственный уникальный и отчетливо английский голос.Его модернизированная опера-баллада « Любовь в деревне » (1762) положила начало моде на оперные стилизации, которая просуществовала до 19 века. Чарльз Бёрни писал, что Арне представил «легкую, воздушную, оригинальную и приятную мелодию, полностью отличную от мелодии Перселла или Генделя, которых все английские композиторы либо грабили, либо имитировали».

Помимо Арне, другой доминирующей силой в английской опере в то время был Джордж Фридрих Гендель, чьи оперных серий заполнили лондонские оперные сцены на протяжении десятилетий и оказали влияние на большинство отечественных композиторов, таких как Джон Фредерик Лампе, писавший по итальянским образцам. .Эта ситуация продолжалась на протяжении 18 и 19 веков, в том числе в творчестве Майкла Уильяма Балфа, а оперы великих итальянских композиторов, а также Моцарта, Бетховена и Мейербера продолжали доминировать на музыкальной сцене Англии.

Единственным исключением были балладные оперы, такие как « Опера нищего» Джона Гея (1728 г.), музыкальные бурлески, европейские оперетты и световые оперы поздней викторианской эпохи, в частности, Савойские оперы У.С. Гилберта и Артура Салливана, все эти типы музыкальные развлечения часто подделывали оперные условности.Салливан написал только одну большую оперу, Ivanhoe (после усилий ряда молодых английских композиторов, начиная примерно с 1876 года), но он утверждал, что даже его легкие оперы составляли часть школы «английской» оперы, призванной вытеснить французскую. оперетты (обычно исполняемые в плохих переводах), которые доминировали на лондонской сцене с середины 19 века до 1870-х годов. Лондонская газета Daily Telegraph согласилась, описав The Yeomen of the Guard как «настоящую английскую оперу, предшественницу многих других, будем надеяться и, возможно, значительную для продвижения к национальной лирической сцене.”

В 20-м веке английская опера начала утверждать большую независимость благодаря произведениям Ральфа Воана Уильямса и, в частности, Бенджамина Бриттена, который в ряде произведений, которые сегодня остаются в стандартном репертуаре, проявил превосходное драматическое чутье и великолепную музыкальность. Сегодня такие композиторы, как Томас Адес, продолжают экспортировать английскую оперу за границу. Совсем недавно сэр Харрисон Биртвистл стал одним из самых значительных современных композиторов Великобритании, начиная со своей первой оперы «Панч« »и« Джуди »и заканчивая его последним успехом у критиков -« Минотавром ».В первое десятилетие 21-го века либреттист ранней оперы Биртвистла Майкл Найман сосредоточился на написании опер, в том числе Лицом к Гойе , Мужчина и мальчик: Дада и Любовь имеет значение .

Также в 20-м веке американские композиторы, такие как Леонард Бернстайн, Джордж Гершвин, Джан Карло Менотти, Дуглас Мур и Карлайл Флойд, начали создавать англоязычные оперы с элементами популярных музыкальных стилей. За ними последовали такие композиторы, как Филип Гласс, Марк Адамо, Джон Корильяно, Роберт Моран, Джон Кулидж Адамс, Андре Превен и Джейк Хегги.

Русская опера

Федор Шаляпин в роли Ивана Сусанина в фильме Глинки Жизнь за царя

Опера была привезена в Россию в 1730-х годах итальянскими оперными труппами и вскоре стала важной частью развлечения для российского императорского двора и аристократии. Многие зарубежные композиторы, такие как Бальдассаре Галуппи, Джованни Паизиелло, Джузеппе Сарти, Доменико Чимароза (а также многие другие) были приглашены в Россию для написания новых опер, в основном на итальянском языке.Одновременно некоторые отечественные музыканты, такие как Максим Березовский и Дмитрий Бортнянский, были отправлены за границу учиться писать оперы. Первой оперой, написанной на русском языке, была опера итальянского композитора Франческо Араджа « Цефал и Прокрис» (1755). Развитие русскоязычной оперы поддержали российские композиторы Василий Пашкевич, Евстигней Фомин и Алексей Верстовский.

Однако настоящее рождение русской оперы произошло с Михаилом Глинкой и его двумя великими операми Жизнь за царя (1836) и Руслан и Людмила (1842).После него в XIX веке в России были написаны такие оперные шедевры, как Русалка и Каменный гость Александра Даргомыжского, Борис Годунов и Хованщина Модеста Мусоргского, Князь Игорь Александра Бородина, Евгений Онегин и Пиковая дама Петра Чайковского и Снегурочка и Садко Николая Римского-Корсакова. Эти события отражали рост русского национализма во всем художественном спектре как часть более общего движения славянофильства.

В 20 веке традиции русской оперы развивались многими композиторами, в том числе Сергеем Рахманиновым в его произведениях Скупой рыцарь и Франческа да Римини , Игорь Стравинский в Le Rossignol , Mavra , Oedipus rex , и The Rake’s Progress , Сергей Прокофьев в Игрок , Любовь к трем апельсинам , Огненный ангел , Обручение в монастыре и Война и мир ; а также Дмитрия Шостаковича в The Nose и Lady Macbeth из Мценского района , Эдисона Денисова в L’écume des jours и Альфреда Шнитке в Life with an Idiot и Historia von D.Иоганн Фаустен .

Другие национальные оперы

Испания также создала свою собственную отличительную форму оперы, известную как сарсуэла, которая имела два отдельных периода расцвета: один с середины 17 века до середины 18 века, а другой — около 1850 года. В течение конца 18 века до середины -19 века итальянская опера была чрезвычайно популярна в Испании, вытеснив родную форму.

Чешские композиторы также развили свое собственное процветающее национальное оперное движение в 19 веке, начиная с Бедржиха Сметаны, написавшего восемь опер, включая всемирно популярную Проданная невеста .Антонин Дворжак, самый известный по произведению Rusalka , написал 13 опер; и Леош Яначек получил международное признание в 20 веке за свои новаторские работы, включая Jenůfa , The Cunning Little Vixen и Káťa Kabanová .

Украинская опера создана Семеном Гулак-Артемовским (1813-1873), чье самое известное произведение « Запорожец за Дунаем» (Казак за Дунаем) регулярно ставится во всем мире. Среди других украинских оперных композиторов — Николай Лысенко ( Тарас Бульба и Наталка Полтавка ), Георгий Майборода и Юлий Мейтус.

Ключевой фигурой венгерской национальной оперы 19 века был Ференц Эркель, произведения которого в основном были посвящены исторической тематике. Среди его наиболее часто исполняемых опер — Hunyadi László и Bánk bán . Самая известная современная венгерская опера — «Замок герцога Синяя Борода » Белы Бартока.

Опера Станислава Монюшко « Straszny Dwór » (на английском языке: The Haunted Manor ) (1861–1864 гг.) Представляет собой вершину польской национальной оперы XIX века.В 20-м веке другие оперы, созданные польскими композиторами, включали King Roger Кароля Шимановского и Ubu Rex Кшиштофа Пендерецкого.

Ранние оперы из Кавказского региона включают Лейли и Маджнун (1908) и Короглу (1937) азербайджанского композитора Узеира Гаджибекова и Абсалом и Этери (1913–1919) грузина Закария Палиашвили.

Первая киргизская опера, Ай-Чурек , премьера состоялась в Москве в Большом театре 26 мая 1939 года в рамках Декады кыргызского искусства.Его составили Владимир Власов, Абдылас Малдыбаев и Владимир Фер. Либретто написали Жоомарт Боконбаев, Жусуп Турусбеков и Кыбанычбек Маликов. Опера основана на киргизском героическом эпосе Манас .

Современная китайская классическая опера, китайская языковая форма оперы в западном стиле, которая отличается от традиционной китайской оперы, имеет оперы, относящиеся к году «Девушка с белыми волосами» в 1945 году.

В юго-западном штате Карнатака в Индии находится классическая опера под названием Якшгана.Артисты, одетые в маски и костюмы, громко поют и энергично танцуют в такт барабанам и тарелкам. Обычно разыгрываются стихотворные композиции из индийских эпосов (Рамаяна и Махабхарата) и индуистских мифологических сказок, составленные на народных языках.

Современные, недавние и модернистские тенденции

Модернизм

Пожалуй, наиболее очевидным стилистическим проявлением модернизма в опере является развитие атональности. Отход от традиционной тональности в опере начался с Рихарда Вагнера, особенно с аккорда Тристана.Композиторы, такие как Рихард Штраус, Клод Дебюсси, Джакомо Пуччини, Пол Хиндемит, Бенджамин Бриттен и Ганс Пфицнер, продвинули вагнеровскую гармонию еще дальше с более экстремальным использованием хроматизма и более широким использованием диссонанса.

Арнольд Шенберг в 1917 году.
Портрет Эгона Шиле.

Оперный модернизм по-настоящему зародился в операх двух венских композиторов, Арнольда Шенберга и его ученика Альбана Берга, композиторов и сторонников атональности и ее более позднего развития (разработанного Шенбергом), додекафонии.Ранние музыкально-драматические произведения Шенберга, Erwartung (1909, премьера в 1924 году) и Die glückliche Hand , демонстрируют интенсивное использование хроматической гармонии и диссонанса в целом. Шенберг также иногда использовал Sprechstimme.

Две оперы ученика Шенберга, Альбана Берга, Wozzeck (1925) и Lulu (неполная на момент его смерти в 1935 году) имеют многие из тех же характеристик, что описаны выше, хотя Берг объединил свою очень личную интерпретацию двенадцатитонной пьесы Шенберга. техника с мелодическими пассажами более традиционно тонального характера (вполне малеровского характера), что, возможно, частично объясняет, почему его оперы остались в стандартном репертуаре, несмотря на их противоречивую музыку и сюжеты.С тех пор теории Шенберга повлияли (прямо или косвенно) на значительное число оперных композиторов, даже если они сами сочиняли не с использованием его техник.

Композиторы, оказавшиеся под таким влиянием, включают англичанина Бенджамина Бриттена, немца Ганса Вернера Хенце и русского Дмитрия Шостаковича. (Филип Гласс также использует атональность, хотя его стиль обычно описывается как минималистский, что обычно считается еще одной разработкой 20-го века.)

Однако использование атональности в оперном модернизме также вызвало негативную реакцию в форме неоклассицизма. Одним из первых лидеров этого движения был Ферруччо Бузони, который в 1913 году написал либретто для своей неоклассической номерной оперы « Арлекино » (впервые исполненной в 1917 году). Также в авангарде был россиянин Игорь Стравинский. После написания музыки для балетов « Петрушка » (1911) и «Весна священная» (1913), поставленных Дягилевым, Стравинский обратился к неоклассицизму, кульминацией которого стала его опера-оратория « Царь Эдип » (1927).Вскоре после своих произведений « Соловей » (1914) и «Мавра » (1922), вдохновленных Римским-Корсаковым, Стравинский продолжал игнорировать сериалистическую технику и в конечном итоге написал полноценную диатоническую оперу в стиле 18-го века «Прогресс граблей» . (1951). Его сопротивление сериализму (отношение, которое он изменил после смерти Шенберга) оказалось источником вдохновения для многих других композиторов.

Прочие тенденции

Общая тенденция на протяжении ХХ века, как в оперном, так и в общем оркестровом репертуаре, заключалась в использовании небольших оркестров в качестве меры по сокращению затрат; великие оркестры эпохи романтизма с огромными струнными секциями, несколькими арфами, дополнительными рожками и экзотическими ударными инструментами больше не существовали.По мере того как государственное и частное покровительство искусству уменьшалось на протяжении 20-го века, новые произведения часто заказывались и выполнялись с меньшими бюджетами, что очень часто приводило к работам камерного размера и коротким одноактным операм. Многие оперы Бенджамина Бриттена оценены всего для 13 инструменталистов; Двухактная реализация Марка Адамо « Маленьких женщин » была оценена для 18 инструменталистов.

Еще одна особенность оперы конца 20-го века — появление современных исторических опер, в отличие от традиции основывать оперы на более далекой истории, пересказывая современные вымышленные истории или пьесы, или на мифах или легендах. Смерть Клингхоффера , Никсон в Китае и Доктор Атомик Джона Адамса, Мертвец идет Джейка Хегги и Анна Николь Марка-Энтони Тернэджа иллюстрируют драматизацию сцены событий недавней жизни. память, где персонажи оперы были живы во время премьерного спектакля.

Метрополитен-опера в США сообщает, что средний возраст ее аудитории в настоящее время составляет 60 лет. Многие оперные труппы испытали подобную тенденцию, а веб-сайты оперных трупп изобилуют попытками привлечь более молодую аудиторию.Эта тенденция является частью более широкой тенденции поседеть аудитории классической музыки с последних десятилетий 20-го века. Стремясь привлечь более молодую аудиторию, Метрополитен-опера предлагает студентам скидки на покупку билетов. Крупные оперные компании смогли лучше пережить сокращение финансирования, потому что они могут позволить себе нанимать звездных певцов, которые привлекают значительную аудиторию.

Небольшие компании в США живут более хрупко и обычно зависят от «лоскутного одеяла» поддержки со стороны правительств штата и местных властей, местных предприятий и сборщиков средств.Тем не менее, некоторые небольшие компании нашли способы привлечь новую аудиторию. Opera Carolina предлагает скидки и акции «счастливый час» для людей в возрасте от 21 до 40 лет. В дополнение к радио- и телевизионным трансляциям оперных спектаклей, которые имели некоторый успех в привлечении новой аудитории, трансляции живых выступлений в HD в кинотеатрах продемонстрировали потенциал для охвата новой аудитории. С 2006 года Метрополитен транслирует живые выступления на несколько сотен киноэкранов по всему миру.

От мюзиклов к опере

К концу 1930-х годов некоторые мюзиклы стали писать с более оперной структурой. Эти произведения включают сложные полифонические ансамбли и отражают музыкальные разработки своего времени. Porgy and Bess (1935) под влиянием джазовых стилей и Candide (1956) с его широкими, лирическими пассажами и фарсовыми пародиями на оперу, оба открылись на Бродвее, но были приняты как часть оперного репертуара. Show Boat , West Side Story , Brigadoon , Sweeney Todd , Evita , The Light in the Piazza , The Phantom of the Opera и другие рассказывают драматические истории через сложную музыку и теперь иногда можно увидеть в оперных театрах. The Most Happy Fella (1952) — квази-оперный спектакль, возрожденный оперой Нью-Йорка. Другие мюзиклы, на которые повлиял рок, такие как Tommy (1969) и Jesus Christ Superstar (1971), Les Misérables (1980), Rent (1996), Spring Awakening (2006) и Natasha, Пьер и Великая комета 1812– (2012) используют различные оперные условности, такие как композиция, речитатив вместо диалога и лейтмотивы.

Улучшение акустики в опере

Тонкий тип электронного усиления звука, называемый акустическим усилением, используется в некоторых современных концертных залах и театрах, где ставятся оперы. Хотя ни один из крупных оперных театров «… не использует традиционное звукоусиление в бродвейском стиле, при котором большинство, если не все певцы оснащены радиомикрофонами, смешанными с рядом неприглядных громкоговорителей, разбросанных по всему театру», многие используют систему звукоусиления для акустического улучшения, а также для тонкого усиления закулисных голосов, детских певцов, диалогов на сцене и звуковых эффектов (например,г., церковные колокола в Tosca или эффекты грома в вагнеровских операх).

Оперные голоса

Оперная вокальная техника развивалась еще до появления электронного усиления, чтобы позволить певцам производить достаточную громкость, чтобы их можно было слышать в оркестре, без необходимости существенно снижать громкость инструменталистам.

Классификация вокала

Певцы и роли, которые они исполняют, классифицируются по типу голоса, в зависимости от тесситуры, ловкости, мощности и тембра их голоса.Певцов мужского пола можно разделить по вокальному диапазону на асбас, бас-баритон, баритон, тенор и контратенор, а певцов-женщин — на контральто, меццо-сопрано и сопрано. (Мужчины иногда поют в «женских» вокальных диапазонах, и в этом случае их называют сопранистами или контртенорами. Контртенор часто встречается в опере, иногда поют партии, написанные для кастратов — мужчин, кастрированных в молодом возрасте специально, чтобы дать им более высокий уровень пения. Затем певцы классифицируются по размеру — например, сопрано можно описать как лирическое сопрано, колоратуру, субретт, спинто или драматическое сопрано.Эти термины, хотя и не полностью описывают певческий голос, связывают голос певца с ролями, наиболее подходящими для его вокальных характеристик.

Еще одна подклассификация может быть сделана в соответствии с актерскими навыками или требованиями, например, Basso Buffo , который часто должен быть специалистом по скороговорке, а также комическим актером. Это подробно реализовано в системе Fach немецкоязычных стран, где исторически опера и устная драма часто ставились одной и той же труппой.

Голос конкретного певца может резко измениться в течение его или ее жизни, редко достигая вокальной зрелости до третьего десятилетия, а иногда и до среднего возраста. Два французских типа голоса, premiere dugazon и deuxieme dugazon , были названы в честь последовательных этапов в карьере Луизы-Розали Лефевр (мадам Дюгазон). Другие термины, происходящие из системы звездного кастинга парижских театров, — это baryton-martin и falcon .

Историческое использование голосовых частей

Нижеследующее предназначено только в качестве краткого обзора.Для основных статей см сопрано, меццо-сопрано, альт, тенор, баритон, бас, контртенор и кастрато .

Голос сопрано обычно использовался в качестве голоса главной героини оперы со второй половины 18 века. Раньше эту партию исполнял любой женский голос или даже кастрат. Нынешний упор на широкий вокальный диапазон был в первую очередь изобретением классического периода. До этого приоритетом была виртуозность вокала, а не диапазон, при этом партии сопрано редко выходили выше высокой ля (например, Гендель написал только одну роль до высокой до), хотя кастрат Аринелли, как утверждалось, обладал вершиной. D (его нижний диапазон также был необычным, простираясь до тенора C).Меццо-сопрано, термин сравнительно недавнего происхождения, также имеет обширный репертуар, от главной женской роли в «Дидоне » Перселла и Энея до таких тяжелых ролей, как Брангена в «Тристане и Изольда » Вагнера (обе роли иногда исполняются. сопрано; между этими двумя типами голоса довольно много движения). Для настоящего контральто диапазон партий более ограничен, что привело к шутке инсайдеров о том, что контральто поют только роли «ведьм, сук и штанов».В последние годы многие «брючные роли» эпохи барокко, изначально написанные для женщин и исполняемые кастратами, были переданы контртенорам.

Голосу тенора, начиная с классической эпохи, традиционно отводилась роль главного героя мужского пола. Многие из самых сложных теноровых ролей в репертуаре были написаны в эпоху bel canto , например, последовательность Доницетти из 9 Cs выше среднего C во время La fille du régiment .Вместе с Вагнером акцент был сделан на вокальном весе его главных героев, эта вокальная категория описывалась как Heldentenor ; у этого героического голоса был более итальянский аналог в таких ролях, как Калаф в пьесе Пуччини « Турандот ». Басы имеют долгую историю в опере: они использовались в опере opera seria во вспомогательных ролях, а иногда и для облегчения комиксов (а также для контраста с преобладанием высоких голосов в этом жанре). Репертуар басов широк и разнообразен: от комедии Лепорелло в «Дон Жуане » до благородства Вотана в «Цикле колец » Вагнера.Между басом и тенором находится баритон, который также варьируется по весу от, скажем, Гульельмо в « Così fan tutte » Моцарта до Посы в «Дон Карлос » Верди; собственно название «баритон» не было стандартным до середины 19 века.

Известные певцы

Кастрат Сенезино, ок. 1720

Ранние постановки оперы были слишком редки, чтобы певцы могли зарабатывать на жизнь исключительно этим стилем, но с рождением коммерческой оперы в середине 17 века начали появляться профессиональные исполнители.Роль мужского героя обычно доверялась кастрату, и к XVIII веку, когда итальянская опера стала ставиться по всей Европе, ведущие кастраты, обладавшие необычайной виртуозностью вокала, такие как Сенезино и Фаринелли, стали звездами мирового масштаба. Карьера первой крупной звезды женского пола (или примадонны) Анны Ренци датируется серединой 17 века. В 18 веке ряд итальянских сопрано приобрели международную известность и часто вступали в ожесточенное соперничество, как это было в случае с Фаустиной Бордони и Франческой Куццони, которые начали драку друг с другом во время исполнения оперы Генделя.Французы не любили кастратов, предпочитая, чтобы их героев-мужчин воспевал haute-contre (высокий тенор), ярким примером которого был Жозеф Легро.

Хотя оперный патронат в прошлом веке уменьшился в пользу других искусств и средств массовой информации (таких как мюзиклы, кино, радио, телевидение и звукозаписи), средства массовой информации и появление звукозаписи поддержали популярность многих известных певцов, включая Марию Каллас, Энрико Карузо, Кирстен Флагстад, Марио Дель Монако, Рисе Стивенс, Альфредо Краус, Франко Корелли, Монтсеррат Кабалье, Джоан Сазерленд, Биргит Нильссон, Нелли Мельба, Роза Понсель, Бениамино Джигли, Триапин Бьёрлинг, Федор Тхали Лучано Паваротти, Пласидо Доминго и Хосе Каррерас).

Проблемы с языком и переводом

Со времен Генделя и Моцарта многие композиторы предпочитали итальянский язык в качестве языка либретто своих опер. От эпохи Бельканто до Верди композиторы иногда руководили версиями своих опер на итальянском и французском языках. Из-за этого оперы, такие как Лючия ди Ламмермур или Дон Карлос , сегодня считаются каноническими как в их французской, так и в итальянской версиях.

До середины 1950-х годов было приемлемо выпускать оперы в переводах, даже если они не были санкционированы композитором или либреттистами.Например, оперные театры Италии обычно ставили Вагнера на итальянском языке. После Второй мировой войны оперная наука улучшилась, художники переориентировались на оригинальные версии, а переводы вышли из моды. Знание европейских языков, особенно итальянского, французского и немецкого, сегодня является важной частью подготовки профессиональных певцов. «Самая большая часть оперного обучения приходится на лингвистику и музыкальность», — объясняет меццо-сопрано Долора Заджик. «[Я должен понимать] не только то, что я пою, но и то, что поют все остальные.Я пою на итальянском, чешском, русском, французском, немецком, английском ».

В 1980-х годах стали появляться субтитры (иногда называемые субтитрами). Хотя сначала субтитры почти повсеместно осуждались как отвлечение, сегодня многие оперные театры предоставляют либо субтитры, обычно проецируемые над аркой авансцены театра, либо отдельные экраны на сиденьях, где зрители могут выбирать из более чем одного языка. Субтитры на одном или нескольких языках стали стандартом в оперных трансляциях, одновременных передачах и выпусках DVD.

Сегодня оперы редко исполняются в переводе. Редкие исключения включают Английскую национальную оперу и Оперный театр Сент-Луиса, которые, как правило, предпочитают переводы на английский язык. Другим исключением являются оперные постановки, предназначенные для юной аудитории, такие как « Гензель» Хампердинка и «Гретель » и некоторые постановки Моцарта «Волшебная флейта ».

Финансирование оперы

За пределами США, особенно в Европе, большинство оперных театров получают государственные субсидии от налогоплательщиков.

Например, в Милане, Италия, 60% годового бюджета Ла Скала в 115 миллионов евро приходится на продажи и частные пожертвования, а остальные 40% поступают из государственных средств. В 2005 году Ла Скала получила 25% от общей государственной субсидии Италии в размере 464 миллиона евро на исполнительское искусство.

Кино и интернет

Крупные оперные труппы начали представлять свои спектакли в местных кинотеатрах США и многих других стран. Метрополитен-опера начала серию прямых трансляций видео высокой четкости в кинотеатры по всему миру в 2006 году.В 2007 году спектакли Met были показаны более чем в 424 театрах в 350 городах США. La bohème вышла на 671 экран по всему миру. Опера Сан-Франциско начала транслировать видеотрансляции с предварительной записью в марте 2008 года. По состоянию на июнь 2008 года показы проводились примерно в 125 кинотеатрах в 117 городах США. Передачи оперы в формате HD транслируются через те же цифровые кинопроекторы HD, которые используются в основных голливудских фильмах. Европейские оперные театры и фестивали, включая Королевскую оперу в Лондоне, Ла Скала в Милане, Зальцбургский фестиваль, Ла Фениче в Венеции и Maggio Musicale во Флоренции, также с 2006 года транслировали свои постановки в театры в городах по всему миру, в том числе в 90 городах. в U.С.

Появление Интернета также повлияло на то, как зрители смотрят оперу. Впервые в этом жанре в 2009 году оперная компания British Glyndebourne Festival предложила загрузить в цифровом формате онлайн-видео своего полного производства 2007 года оперы Вагнера « Тристан и Изольда ».

В июле 2012 года состоялась премьера первой общественной оперы на Оперном фестивале в Савонлинне. Free Will был написан, составлен и визуализирован группой добровольцев в Интернете под названием Opera by You.Профессиональные солисты, оперный хор из 80 человек, симфонический оркестр и живая аудитория из 2700 были частью этого исторического события, когда Free Will была представлена в средневековом замке Олавинлинна.

Дополнительная литература

Затирка, Дональд Джей. Краткая история Opera . Один том. изд. Нью-Йорк: Columbia University Press, 1947.

Внешние ссылки

Baroque — Codex Gamicus — Коллективные игровые знания человечества у вас под рукой.

Производитель (и)

Такеши Санто

Baroque — это консольная ролевая игра, разработанная Sting Entertainment и опубликованная Atlus, первоначально разработанная для Sega Saturn, а затем перенесенная на PlayStation.Позже он был переделан Стингом и должен был стать эксклюзивным для Японии. Однако выпуск Baroque в США был запланирован на 18 марта 2008 года для PlayStation 2 и Wii. ^[1] Atlus USA в итоге выпустила обе версии игры 8 апреля 2008 г. ^[2]

Участок []

История

Барокко происходит после катаклизма, изменившего мир под названием Пламя, который произошел 14 мая 2032 года. Мир, существующий теперь в искаженном состоянии, населен Мета-Существами, существами, которые когда-то были людьми, но утратили свое сердца и умы барокко внутри них.Цель игрока — добраться до подножия Нейробашни, бывшего дома Ордена Малкут, религиозной организации, стремящейся спасти Бога. В начале игры главному герою говорят, что, очистив Мета-Существа внутри башни и достигнув нижнего этажа, он найдет искупление за совершенные грехи, которые он не может вспомнить.

По мере развития истории становится известно, что Архангел удалил норадреналин («боль») из Абсолютного Бога и вылил искаженные данные в Сферы Сознания, чтобы Абсолютный Бог не исправлял искажение, растущее внутри себя.Затем он пожинал боль Абсолютного Бога как Малыши. Маленькие существа, олицетворяющие боль, могут жить только внутри «ампул» и были выращены Доктором Ангеликусом и Лонгнеком. Их цель состояла в том, чтобы использовать их в качестве пуль для Ангельской винтовки, чтобы Архангел мог очистить Абсолютного Бога и принять его Идею Сефирата, чтобы стать новым Абсолютным Богом.

Кориэль, группа Ложных Ангелов в Ордене Малкут, пыталась остановить Архангела, пытаясь осуществить слияние Дабар (слияние человека с Абсолютным Богом, чтобы «услышать волю Бога»).У главного героя был сросшийся брат-близнец, и у них было одно сердце. Только один из них мог функционировать одновременно, и оба умирали. Они принесли в жертву старшего брата и выбрали главного героя для слияния. Когда Архангел узнал о планах Кориэля, он прервал синтез и вызвал Пламя.

Абсолютный Бог создал несколько божеств (Алису и Элизу), чтобы заполнить пробел, оставленный главным героем. Он получил способность главного героя говорить, в то время как главный герой получил способность очищать.Сознание умершего старшего брата главного героя было поглощено Сферами Сознания и слилось с ним во время Дабара. Главный герой выбирается Архангелом для выполнения сизифовой задачи — направиться к основанию Нейробашни, чтобы очистить Абсолютного Бога, потому что он единственный человек, обладающий силой очищения.

В конце концов, главный герой сливается с Абсолютным Богом вместе с Алисой, Элиза и Литтлс. Мир все еще искажен, но они решают сформировать консенсусную реальность (очищение мира невозможно) путем слияния с Барокко Мета-Существ.

символов []

Главный герой

Этот молодой человек несет бремя греха, которого он не может вспомнить. Он потерял память и не может говорить. Архангел находит его блуждающим по пустынному городу и приказывает ему отправиться к основанию Нейробашни. Он единственный, кто обладает способностью очищать Мета-Существа.

Архангел

У лидера Ордена Малкут большие крылья и красные глаза. Он передает Ангельскую винтовку главному герою и говорит ему спуститься к основанию Нейробашни.Однако его причина этого неизвестна.

Алиса

Коротковолосая мятежная девушка. Кажется, она питает к главному герою легкую обиду. Она одна из странствующих девушек.

Элиза

Длинноволосая девушка, ищущая Чистой Воды. Она мало разговаривает и избегает главного героя. Еще одна из странствующих девушек.

Доктор Ангеликус

Ложный ангел, которого в Ордене Малкут называли «Доктором ангелов».Она помогает Архангелу.

Маленькие

Эти персонажи летают внутри Нейробашни. У них есть крылья, и они чем-то похожи на ангелов.

Кулак и коса

Бронированные солдаты Ордена Малкут, известные как Ангелы Резни. Они бродят по Нейробашне в поисках чего-то.

Неофит

Ложный ангел бродит по Нейробашне в поисках предателей внутри Ордена Малкут.Абсолютно верен Архангелу.

Сторожевой ангел

Он стоит на страже Внешнего мира.

Барочный торговец

Человек, стоящий в углу Внешнего Мира. У него есть способность читать информацию, содержащуюся в Идеей Сефирата.

Коллектор

Мальчик, который любит собирать предметы из Внешнего мира и запихивать их в сумку на этой голове.Похоже, у него нет никаких интересов, кроме коллекционирования вещей.

Геймплей []

Игра

Baroque очень похожа на стандартный roguelike, с основным отличием в том, что игрок перемещается в полном трехмерном пространстве в реальном времени, а не ограничивается пошаговой системой передвижения, основанной на сетках.

Игрок начинает игру за пределами Neuro Tower, основного подземелья игры, без каких-либо предметов. Перед первым входом в Нейробашню игроку дарится Ангельская винтовка, особое оружие, которое может очистить любое мета-существо одним выстрелом.Однако боезапас винтовки составляет пять выстрелов. В башне нет возможности перезарядить винтовку.

Оказавшись внутри Neuro Tower, игрок должен пройти вниз, исследуя каждый этаж и находя выход. Игрок может найти предметы, мечи и снаряжение, разбросанные по башне наугад и побеждая врагов. Победа над врагами также дает игроку очки опыта, которые позволяют главному герою повышать уровень и становиться более могущественным. Однако, если главный герой умрет до того, как достигнет конца подземелья, игрок вернется в исходную точку за пределами башни, потеряет все предметы, которые были либо экипированы, либо находятся в инвентаре, и вернется к уровню персонажа 1.Исключением из этих правил является использование сфер сознания, разбросанных по всей башне. Если бросить предмет в сферу сознания, он снова появится за пределами башни и будет поднят персонажем по имени Коллекционер. Таким образом вначале можно сохранить до пяти элементов, но их количество может увеличиваться при соблюдении определенных условий.

Игра использует два индикатора жизни для измерения здоровья главного героя. Шкала очков жизни отображает текущие и максимальные значения очков жизни главного героя.Индикатор жизнеспособности отображает аналогичные значения, отражающие жизнеспособность главного героя. Индикатор живучести постоянно истощается во время игры. Если он опустеет, шкала здоровья начнет истощаться. Оба индикатора можно пополнить, съев различные формы плоти и сердца, чтобы восстановить хиты и жизнеспособность соответственно. Если плоть или сердце потребляются, когда соответствующий показатель заполнен до максимума, максимальные очки жизни / жизнеспособности главного героя увеличиваются на фиксированную величину.

Как и в традиционных рогаликах, планировка большинства этажей Neuro Tower генерируется случайным образом, что означает, что карта меняется каждый раз, когда игрок входит внутрь.Однако определенные аспекты, такие как особые комнаты и персонажи, всегда будут появляться на определенных этажах.

Смерть и продвижение заговора []

Дальнейшая часть сюжета раскрывается, когда главный герой умирает и перезапускается. Определенные сюжетные ролики и разговоры будут происходить только в том случае, если игрок умер или достигнув дна Нейробашни и начав все заново.

Музыка []

Первоначально музыку для Baroque сочинил Масахару Ивата при содействии Джона Пи и Тошиаки Сакоды.

Ремейк был полностью написан Сигеки Хаяси и выполнен в новом стиле с более сильным акцентом на более индустриальный рок, в отличие от эмбиентного материала в оригинале.

Английская озвучка (Wii и PlayStation 2) []

Кайл Хеберт как Архангел
Мэри Элизабет МакГлинн как Элиза
Мишель Рафф как Алиса , Урим
Дэйв Виттенберг в роли Человек в гробу
Карен Страссман в роли Рогатая девушка
Венди Ли as The Bagged One
Дерек Стивен Принс в роли Главный герой , Longneck , Thummim

Spin-off []

Baroque послужило вдохновением для продолжения, Baroque Syndrome , а также для нескольких дополнительных проектов, таких как Baroque Typing и Baroque Shooting .

Приемная []

Baroque получил смешанные отзывы: общая оценка в рейтинге игр составила 53% для версии Wii ^[3], и 58% для версии для PS2. ^[4] Самая популярная жалоба касалась экстремальной сложности игры. RPGFan объяснил, что «… это не для всех. Только те, кто действительно ценит ролевые игры в жанре rogue-like, смогут получить от этого максимум удовольствия».

GameFAN присудил игре награду «Лучшее аудио» за 2008 год, сетуя на то, что игровой процесс не соответствует качеству музыки.^[5]

См. Также []

Список литературы []

Внешние ссылки []

видеоигр ужасов выживания — Codex Gamicus

Видеоигры ужасов выживания
Основная информация
Тип (а)	Терминология

Видеоигры ужасов на выживание — это видеоигры, которые включают атмосферу ужасов с элементами игрового процесса, которые требуют от игрока быть внимательным к своему окружению.Хотя бой может быть частью игрового процесса, игрок чувствует себя менее сильным, чем в обычных играх-боевиках, часто из-за ограниченных боеприпасов, здоровья, скорости или других подобных ограничений. Игроку также обычно приходится искать предметы, открывающие пути к новым областям, и которые могут потребоваться для решения головоломок в определенных местах. В видеоиграх этого жанра также часто используются сильные темы ужасов, и игроку часто приходится перемещаться по темным лабиринтным средам и реагировать на неожиданные атаки врагов.

Термин «survival horror» впервые был использован в оригинальном японском выпуске Resident Evil в 1996 году, на который повлияли более ранние игры с темой ужасов, такие как Sweet Home 1989 года. С тех пор это имя использовалось для игр с похожим игровым процессом, а также задним числом применено к более старым играм. Начиная с выпуска Resident Evil 4 в 2005 году, этот жанр начал включать в себя больше функций из экшн-игр, что заставило игровых журналистов усомниться в том, что давние франшизы ужасов на выживание отказались от этого жанра.Тем не менее, жанр survival horror сохранился в той или иной форме, хотя с Resident Evil 6 Capcom использовала ярлык «драматический ужас», чтобы обозначить это отступление. ^[1]

Обзор []

«Ужас выживания» — это причудливый способ сказать «Монстры будут проходить через окна» — Penny-Arcade

Ужас выживания — жанр, который был популяризирован в Resident Evil и последующих играх. .Хотя Sweet Home и Alone in the Dark можно считать более ранним примером Survival Horror, жанр еще не был назван. Сегодня игры Survival Horror обычно следуют примеру серии Resident Evil . Вид от третьего лица, ограниченные боеприпасы и жуткие вещи, которые появляются, чтобы вас убить. Все игры Survival Horror должны быть устрашающими и, как правило, пытаться вызвать у игрока чувство паники и напряжения, когда он пытается выжить. Resident Evil — самая известная игра про хоррор на выживание с зомби, собаками и т. Д.

Хотя Survival Horror в основном включает в себя перечисленные выше характеристики, такие как страх, в разных играх они реализуются по-разному. Серия Resident Evil фокусируется на быстрых «всплывающих» пугающих моментах, когда игрок пугается внезапным моментом, в то время как серия Silent Hill фокусируется на ужасающих изображениях, чтобы напугать игрока. А серия Dead Space фокусируется на неожиданностях и тревожном чувстве опасности, но при этом сохраняет чувство действия.

Определение []

Survival horror относится к поджанру приключенческих видеоигр, которые в значительной степени опираются на условности фантастики ужасов. ^[2] ^[3] Игровой персонаж уязвим и недостаточно вооружен, ^[4], в котором упор делается на решение головоломок и уклонение, а не на насилие. ^[5] Игры обычно требуют от игрока управлять своим инвентарем ^[6] и распределять дефицитные ресурсы, такие как боеприпасы. ^[4] ^[5] Другой важной темой жанра является изоляция.Как правило, в этих играх относительно мало персонажей, не являющихся игроками, и, как следствие, они часто рассказывают большую часть своей истории из вторых рук за счет использования журналов, текстов или аудиозаписей. ^[7]

В то время как во многих играх-боевиках одинокие главные герои сражаются с толпами врагов в напряженной обстановке, ^[8] хоррор-игры на выживание отличаются от остросюжетных игр-жанров ужасов. ^[9] ^[10] Они склонны принижать значение боя в пользу таких проблем, как укрытие или бегство от врагов и решение головоломок.^[8] Тем не менее, в играх ужасов на выживание нередко используются элементы шутеров от первого лица, приключенческих боевиков или даже ролевых игр. ^[2] «Хоррор на выживание отличается от типичных игровых жанров тем, что он не определяется строго конкретной механикой, а определяется предметом, тоном, темпом и философией дизайна». ^[7]

Игровой дизайн []

Бой без акцентов []

Игры ужасов на выживание — это поджанр приключенческих игр, ^[3], где игрок не может полностью подготовить или вооружить свой аватар.^[4] Игрок должен столкнуться с большим количеством врагов, ^[11] но боеприпасов меньше, чем в других играх, ^[12] и мощное оружие, такое как ракетные установки, редко, если вообще доступно. ^[4] Таким образом, игроки более уязвимы, чем в других играх-боевиках, ^[4] и враждебность окружающей среды создает повествование, в котором шансы решительно оцениваются против аватара. ^[2] Этот игровой процесс отличается от прямого боя, и игроки должны научиться уклоняться от врагов или обращать окружающую среду против них.^[8] Игры пытаются улучшить восприятие уязвимости, делая игру однопользовательской, а не многопользовательской, ^[11] и предоставляя игроку более хрупкий аватар, чем типичный герой боевиков. ^[12]

Жанр survival horror также известен другими небоевыми задачами, такими как решение головоломок в определенных местах игрового мира, ^[8] и сбор и управление инвентарем предметов. Области игрового мира будут закрыты до тех пор, пока игрок не получит определенные предметы.Иногда уровни разрабатываются с альтернативными маршрутами. ^[6] Уровни также бросают вызов игрокам в лабиринте, который проверяет навигационные навыки игрока. ^[8] Уровни часто спроектированы как темные и вызывающие клаустрофобию (часто с использованием условий тусклого или темного освещения, а также ракурсов и линий обзора, которые ограничивают видимость), чтобы бросить вызов игроку и обеспечить напряжение, ^[4] ^[13] хотя игры этого жанра также используют огромную пространственную среду.^[2]

Вражеская конструкция []

Сюжетная линия ужасов на выживание обычно включает в себя расследование и противостояние ужасным силам, ^[14], и поэтому многие игры превращают общие элементы из фантастики ужасов в проблемы игрового процесса. ^[4] В ранних версиях использовались ракурсы, которые можно было увидеть в фильмах ужасов, что позволяло врагам скрываться в областях, скрытых от поля зрения игрока. ^[15] Кроме того, многие игры ужасов на выживание используют закадровый звук или другие предупреждающие сигналы, чтобы уведомить игрока о надвигающейся опасности.Эта обратная связь помогает игроку, но также вызывает чувство беспокойства и неуверенности. ^[14]

В играх обычно присутствует множество монстров с уникальными моделями поведения. ^[6] Враги могут появиться неожиданно или внезапно, ^[4] и уровни часто создаются с использованием сценариев, в которых враги падают с потолка или врезаются в окна. ^[13] Игры ужасов на выживание, как и многие другие приключенческие игры, построены вокруг встречи с боссом, где игрок должен противостоять грозному противнику, чтобы перейти к следующей области.В этих столкновениях с боссами используются элементы антагонистов из классических страшилок, а победа над боссом продвинет историю игры. ^[2]

История []

Origins (1980-е – 1996) []

Истоки игры ужасов на выживание можно проследить до более ранних фантастических фильмов ужасов. Архетипы были связаны с книгами Г. П. Лавкрафта, которые включают исследовательские рассказы или путешествия в глубины. Были проведены сравнения между Cthulhoid Old Ones Лавкрафта и встречами с боссами, которые можно увидеть во многих играх ужасов на выживание.Темы выживания также восходят к поджанру слэшеров, где главный герой переживает конфронтацию с главным антагонистом. ^[2] Еще одно существенное влияние на жанр — японский хоррор, в том числе классический театр ужасов Но, книги ужасов Эдогавы Рампо начала 20 века, ^[16] и японское кино. ^[17] Жанр survival horror в значительной степени основан как на западных (в основном американских), так и на азиатских (в основном японских) традициях, ^[17] с западным подходом к ужасу, в основном, в пользу ориентированного на действие висцерального ужаса, в то время как японский подход имеет тенденцию к выступает за психологический ужас.^[8]

Некоторые видеоигры задним числом были описаны как хоррор на выживание. Nostromo Акиры Такигучи (1981) была первой хоррор-игрой на выживание. ^[18] ^[19] ^[20] ^[21] ^[22] ^[23] ^[24]

Некоторые общие элементы игр Survival Horror можно найти в 1982 году. Игра для Atari 2600 Дом с привидениями . Геймплей был типичным для будущих игр жанра survival horror, поскольку в нем упор делался на решение головоломок и уклонение, а не на насилие.^[5] В игре использовались монстры, обычно изображаемые в фантастике ужасов, такие как летучие мыши и призраки, каждый из которых имел уникальное поведение. Геймплей также включает сбор предметов и управление инвентарем, а также области, недоступные до тех пор, пока не будет найден соответствующий предмет. Поскольку в ней есть несколько функций, которые были замечены в более поздних играх жанра Survival Horror, некоторые обозреватели задним числом классифицировали эту игру как предшественницу жанра. ^[6] В том же году была выпущена еще одна ранняя игра ужасов, Bandai’s Terror House , ^[25], основанная на традиционном японском хорроре, ^[26] выпущена как портативная игра Bandai LCD Solarpower.Это была игра на солнечной энергии с двумя ЖК-панелями, расположенными друг над другом, чтобы обеспечить впечатляющие изменения сцены и ранние псевдо-3D эффекты. ^[27] Количество окружающего света, получаемого игрой, также повлияло на игровой процесс. ^[28] Еще одним ранним примером игры ужасов, выпущенной в том же году, была аркадная игра Sega Monster Bash , в которой были представлены классические монстры из фильмов ужасов, в том числе Дракула, монстр Франкенштейн и оборотни, что помогло заложить основы для будущих игр ужасов на выживание.^[29] В его римейке 1986 года Ghost House был геймплей, специально разработанный на тему ужасов, с участием домов с привидениями, полных ловушек и секретов, и врагов, которые были быстрыми, мощными и устрашающими, заставляя игроков изучать тонкости игры дома и полагаться на их смекалку. ^[7] Еще одна игра, которая была названа ранней игрой на тему ужасов, — это игра-лабиринт Quicksilva 1983 года Ant Attack . ^[30]

Игра, в которой использовались ранние элементы выживания, — это Panorama Toh , ролевой боевик 1983 года.Игрок может умереть от голода или усталости, представленных в виде показателей здоровья и выносливости. Выносливость уменьшается с каждым выполненным действием, но ее можно восполнить с помощью (F) кучи или пайка. Определенные виды еды можно найти только над деревьями, по которым нужно карабкаться по веревке. В игре также есть фонарик, необходимый для освещения темных подземелий, и батарейки необходимы для питания фонарика. [2] [3]

В 1985 году Magical Zoo’s The Screamer была ролевой игрой в жанре био-ужасов, выпущенной для NEC PC-88, действие которой происходило в постапокалиптическом исследовательском центре, в то время как игровой процесс включал боевые действия на основе шутера и необратимую смерть.^[31] ^[32] Во второй половине 1980-х было выпущено несколько других игр на тему ужасов, включая Konami Castlevania в 1986 году, и Sega Kenseiden и Namco Splatterhouse в 1988 году, хотя, несмотря на мрачные образы этих игр, их игровой процесс не сильно отличался от других экшенов того времени. ^[7] Splatterhouse , в частности, примечателен большим количеством кровопролития и террора, несмотря на то, что это аркадная игра «beat ’em up», в которой очень мало внимания уделяется выживанию.^[33]

Другая игра 1986 года, Carmine , содержала несколько элементов ужасов выживания, включая упор на выживание, ограниченное здоровье и боеприпасы, жестокие кровавые сцены и чувство опасности. Акцент на выживание еще больше усиливается тем, что бой почти полностью рандомизирован, полагаясь на тип системы бросков кубиков, чтобы определить, поражен враг или нет. Хотя это могло еще больше подчеркнуть элемент выживания и чувство опасности, этот аспект рандомизации подвергался критике за то, что временами делал игровой процесс несколько разочаровывающим.[4]

Shiryou Sensen: War of the Dead , игра 1987 года, разработанная Fun Factory и опубликованная Victor Music Industries для платформ MSX2, PC-88 и PC Engine. ^[34] считается первой настоящей хоррор-игрой на выживание. Авторы: Кевин Гиффорд (из GamePro, и 1UP) ^[35] и Джон Щепаниак (из Retro Gamer и The Escapist ). ^[34] Разработанная Кацуей Ивамото, игра представляла собой ролевую игру в жанре ужасов, в которой участница спецназа Лила спасает выживших в изолированном городке, кишащем монстрами, и уводит их в безопасное место в церкви.В нем есть среда с открытым миром, такая как Dragon Quest , и сражения с боковым обзором в реальном времени, такие как Zelda II , хотя War of the Dead отличается от других ролевых игр своей мрачной и жуткой атмосферой, выраженной через повествование, графику и music, ^[35], в то время как в игровом процессе отсутствовала система выравнивания и были представлены боевые действия на основе шутера с боковой полосой прокрутки с ограниченными боеприпасами для каждого огнестрельного оружия, что заставляло игрока искать и сохранять боеприпасы и часто убегать от монстров, хотя игрок мог ударить или использовать нож, если нет боеприпасов.В игре также был ограниченный инвентарь предметов и ящики для хранения предметов, а также введен цикл день-ночь, игрок может спать, чтобы восстановить здоровье, и ведется запись о том, сколько дней игрок выжил. Сюжет позже предполагает портал в другой мир. ^[34] В том же году был выпущен Laplace no Ma , еще один гибрид жанра Survival Horror и RPG, хотя и с более традиционными элементами RPG, такими как пошаговые сражения. В основном это происходило в особняке, кишащем нежитью, и игрок управлял группой из нескольких персонажей с разными профессиями, включая ученого, который конструирует инструменты, и журналиста, который фотографирует.^[36] В 1988 году War of the Dead Part 2 для MSX2 и PC-88 отказались от элементов ролевой игры своего предшественника, таких как случайные столкновения, и вместо этого переняли элементы приключенческого боевика из Metal Gear , сохранив при этом атмосфера ужаса своего предшественника. ^[34]

Тем не менее, первым настоящим хоррором на выживание, который оказал наибольшее влияние на Resident Evil , был выпуск 1989 года Sweet Home для Nintendo Entertainment System.^[37] Геймплей был сосредоточен на решении множества головоломок с использованием предметов, хранящихся в ограниченном инвентаре, ^[38], во время сражения или побега от ужасающих существ, что могло привести к необратимой смерти любого из персонажей, создавая тем самым напряженность. и упор на выживание. ^[38] Это была также первая попытка создать пугающую и пугающую сюжетную линию в игре, в основном рассказанную через разрозненные дневниковые записи, оставленные за пятьдесят лет до событий игры.^[39] Игра, разработанная Capcom, стала главным источником вдохновения для их более позднего выпуска: Resident Evil , ^[37] ^[38], в котором также были заимствованы различные другие элементы из игры, такие как обстановка особняка. , экран загрузки «открывающаяся дверь», ^[37] анимации смерти, несколько концовок в зависимости от того, какие персонажи выживают, ^[39] пути для двух персонажей, индивидуальные навыки персонажей, ограниченное управление предметами, история, рассказанная через дневниковые записи и фрески, выделение об атмосфере и ужасающих образах.Последняя помешала ее выпуску в западном мире, хотя ее влияние ощущалось через Resident Evil , которая изначально задумывалась как римейк игры. ^[40] Некоторые считают, что Sweet Home — первая настоящая игра ужасов на выживание. ^[41] Трэвис Фахс из IGN утверждает, что Sweet Home — это скорее ролевая игра, несмотря на свое влияние, и что Project Firestart (выпущенный в том же году, что и Sweet Home ) более точно воплощает жанровые условности, несмотря на отсутствие влияния. .^[7]

В 1989 году Electronic Arts опубликовала проект Firestart , разработанный Dynamix. В отличие от большинства других ранних игр этого жанра, в ней использовалась научно-фантастическая обстановка, вдохновленная фильмом Alien , но игровой процесс во многом напоминал более поздние игры ужасов на выживание. Фас считает его первым, кто достиг «своего рода полностью сформированного видения ужаса выживания, каким мы его знаем сегодня», ссылаясь на его баланс действия и приключений, ограниченные боеприпасы, слабое вооружение, уязвимого главного героя, чувство изоляции, повествование в журналах, графическое насилие и использование динамически запускаемой музыки — все это характерные элементы более поздних игр в жанре survival horror.Несмотря на это, это не повлияло на более поздние игры этого жанра, и сходство во многом случайно. ^[7] В 1989 году также была выпущена игра Friday the 13th для NES с открытым миром в жанре survival horror.

В 1992 году Infogrames выпустили серию Alone in the Dark , которая считается родоначальником этого жанра. ^[6] ^[42] В игре одинокий главный герой сражается с полчищами монстров и использует традиционные приключенческие игры, такие как решение головоломок и поиск скрытых ключей к новым областям.Графически Alone in the Dark использовал статические предварительно обработанные виды камеры, которые были кинематографическими по своей природе. Хотя у игроков была возможность сражаться с монстрами, как в играх-боевиках, у игроков также была возможность уклоняться от них или блокировать их. ^[3] Многие монстры невозможно убить, и поэтому с ними можно справиться только с помощью способностей к решению проблем. ^[43] В игре также использовался механизм заметок и книг в качестве поясняющих устройств. ^[5] Многие из этих элементов использовались в более поздних играх ужасов на выживание, и, таким образом, игре приписывают создание жанра ужасов на выживание.^[3]

В 1994 году Riverhillsoft выпустила первую полностью трехмерную игру ужасов на выживание, Doctor Hauzer , для 3DO. И персонаж игрока, и окружающая среда были полностью отрисованы в многоугольниках, что позволяло игроку переключать вид между тремя разными перспективами: от третьего лица, от первого лица и вид сверху. В отличие от большинства других игр Survival Horror до и после него, в Doctor Hauzer также не было врагов, но главной угрозой был разумный дом, в котором происходит игра, с игроком, который должен выжить в ловушках дома и решить загадки.Он также эффективно использовал звук, в том числе фоновую музыку, которая усиливает напряжение и меняется в зависимости от ситуации, и звук эхом шагов персонажа игрока, который может меняться в зависимости от поверхности; Позже они будут использоваться более эффективно в Resident Evil . Сегодня игра считается формирующим шагом в создании жанра survival horror, улучшая Alone in the Dark и прокладывая путь к Resident Evil . ^[44] В том же году Chunsoft выпустила Banshee’s Last Cry в Японии, хотя на английском языке она будет выпущена только через двадцать лет в 2014 году.Игра представляла собой визуальный роман с хорошо написанным психологическим хоррор-повествованием, которое может кардинально меняться в зависимости от решений, которые принимает игрок, всего с более чем 40 различными концовками. [5]

В 1995 году игра Clock Tower: The First Fear от Human Entertainment была игрой в жанре хоррор на выживание, в которой использовался графический приключенческий геймплей в стиле «укажи и щелкни» и добавлен собственный уникальный поворот: смертоносный сталкер, известный как Ножницы, преследовал игроков по всему миру. игра. ^[45] Игра также представила элементы скрытной игры, ^[46], и была уникальна отсутствием боя, когда игрок мог только убежать или перехитрить Ножницы, чтобы выжить как можно дольше, и это представлены до девяти различных возможных концовок.^[47] В том же году хоррор-приключенческая игра WARP D показала вид от первого лица, полнометражное видео CGI, игровой процесс, полностью состоящий из решения головоломок, и табуированный контент, такой как насилие и каннибализм. ^[48] ^[49]

Термин «ужас выживания» был впервые использован Capcom для продажи своего релиза 1996 года, Resident Evil . ^[50] ^[51] Игра была вдохновлена названием Capcom 1989 года: Sweet Home , ^[37], которое изначально задумывалось как римейк.^[40] Resident Evil также перенял несколько функций, которые можно было увидеть в Alone in the Dark , в том числе кинематографический фиксированный угол обзора камеры и некоторые проблемы с решением головоломок. ^[3] Схема управления в Resident Evil также стала основным продуктом жанра, и будущие игры имитировали ее задачу нормирования очень ограниченных ресурсов и предметов. ^[5] Коммерческий успех игры объясняется тем, что PlayStation стала доминирующей игровой консолью, ^[3], а также привела к серии фильмов Resident Evil .^[2] Многие игры пытались воспроизвести успешную формулу из Resident Evil , и каждая последующая игра Survival Horror, возможно, занимала определенную позицию по отношению к ней. ^[2]

Золотой век (1996 — начало 2000-х) []

Успех Resident Evil в 1996 году стал причиной того, что его шаблон использовался в качестве основы для волны успешных игр ужасов на выживание, многие из которых назывались «клонами Resident Evil ».^[52] Золотой век Survival Horror, начатый с Resident Evil , достиг своего пика на рубеже тысячелетий с Silent Hill , после чего несколько лет спустя последовал общий спад. Resident Evil клонов в то время выделялось несколько игр жанра survival horror, например Clock Tower 2 (1996) и Clock Tower: Ghost Head (1998) для PlayStation. Эти игры Clock Tower оказались хитами, опираясь на успех Resident Evil , оставаясь верным графическому приключенческому геймплею оригинального Clock Tower , а не следуя формуле Resident Evil .^[45] Еще одна игра в жанре Survival Horror, которая отличилась, была Corpse Party (1996), инди, психологическая приключенческая игра в жанре хоррор, созданная с использованием движка RPG Maker. Подобно Clock Tower и более позднему Haunting Ground (2005), персонажи игроков в Corpse Party не имеют никаких средств защиты; в игре также было до 20 возможных концовок. Однако игра выйдет на западные рынки только в 2011 году. ^[53] Riverhillsoft Overblood , выпущенная в 1996 году, считается одной из первых игр ужасов на выживание, в которых используется полностью трехмерная виртуальная среда, ^[2] уступает только собственному Doctor Hauzer Riverhillsoft в 1994 году.^[44] В Note в 1997 году и Hellnight в 1998 году экспериментировали с использованием трехмерной перспективы от первого лица в реальном времени, а не с предварительно обработанными фонами, такими как Resident Evil . ^[45]

В 1998 году Capcom выпустила успешное продолжение Resident Evil 2 , создатель сериала Синдзи Миками намеревался использовать классическое понятие ужаса как «обычное превращается в странное», вместо того, чтобы настраивать игру на новый уровень. жуткий особняк, который никто бы не посетил, он хотел использовать знакомые городские условия, преобразованные хаосом вирусной вспышки.Игра была продана тиражом более пяти миллионов копий, что доказывает популярность survival horror. В том же году была выпущена игра Square Parasite Eve , которая объединила элементы из Resident Evil с ролевым геймплеем Final Fantasy . За ним последовало продолжение, более основанное на боевиках, Parasite Eve II , в 1999 году. ^[45] В 1998 году галерианцы отказались от использования оружия в пользу психических способностей, которые затрудняют борьбу более чем с одним человеком. враг по очереди.^[54] Также в 1998 году Blue Stinger был полностью трехмерным хоррором на выживание для Dreamcast, включающим элементы экшена из игр beat ’em up и шутеров. ^[55] ^[56]

Konami Silent Hill , выпущенный в 1999 году, во многом основывался на Resident Evil при использовании трехмерной среды в реальном времени в отличие от предварительно обработанной графики Resident Evil . ^[57] Silent Hill , в частности, получил высокую оценку за переход от элементов ужасов B-фильмов к психологическому стилю, характерному для арт-хауса или японских фильмов ужасов, ^[2] из-за акцента в игре на скорее тревожной атмосфере. чем интуитивный ужас.^[58] В игре также присутствовали элементы скрытности, в которых использовался туман, чтобы уклоняться от врагов, или выключаться фонарик, чтобы избежать обнаружения. ^[59] Оригинальная Silent Hill считается одной из самых страшных игр всех времен, ^[60] и сильное повествование из Silent Hill 2 2001 года сделало серию Silent Hill одной из самый влиятельный в жанре. ^[5] Согласно IGN, «золотой век Survival Horror достиг апогея» с выпуском Silent Hill .^[45]

Fatal Frame из 2001 года был уникальным входом в жанр, поскольку игрок исследует особняк и фотографирует призраков, чтобы победить их. ^[43] ^[61] Серия Fatal Frame с тех пор завоевала репутацию одной из самых выдающихся игр в жанре, ^[62] с первой игрой в серии, признанной одной из лучших. написанные игры ужасов на выживание, когда-либо созданные UGO Networks. ^[61] Между тем, Capcom включила элементы шутера в несколько игр Survivor Horror, таких как Resident Evil: Survivor 2000 года, в которой использовались как элементы шутера с легким оружием, так и элементы шутера от первого лица, и Resident Evil: Dead Aim 2003 года, в которой использовались элементы легкий пистолет и элементы шутера от третьего лица.^[63]

Западные разработчики начали возвращаться к формуле survival horror. ^[5] Thing 2002 года называли игрой в жанре survival horror, хотя она отличается от других игр этого жанра из-за акцента на боевых действиях и сложности сплоченной команды. ^[64] Название 2004 года « Doom 3 » иногда классифицируется как survival horror, хотя считается американизированным подходом к жанру из-за способности игрока напрямую противостоять монстрам с помощью оружия.^[43] Таким образом, обычно считается шутером от первого лица с элементами survival horror. ^[65] Несмотря на это, возросшая популярность жанра побудила западных разработчиков включить элементы ужасов в экшн-игры, а не следовать японскому стилю выживания. ^[5]

В целом, в традиционном жанре survival horror по-прежнему доминировали японские дизайнеры и эстетика. ^[5] Модель Clock Tower 3 (2002). отказалась от графической формулы приключений, представленной в оригинальной версии Clock Tower , и приняла полный трехмерный игровой процесс в жанре ужасов на выживание.^[5] ^[66] В 2003 году игра Resident Evil Outbreak представила новый элемент игрового процесса в жанре: многопользовательский онлайн-режим и совместный игровой процесс. ^[67] ^[68] Sony наняла директора Silent Hill Кейитиро Тояма для разработки Siren . ^[5] Игра была выпущена в 2004 году, ^[69] и добавила беспрецедентный вызов жанру, сделав игрока практически беззащитным, что сделало жизненно важным узнать маршруты патрулирования врага и спрятаться от них.^[70] Тем не менее, рецензенты в конце концов раскритиковали традиционную японскую формулу ужасов выживания за застой. ^[5] По мере того, как рынок консолей перемещался в сторону экшн-игр в западном стиле, ^[8] игроков стали нетерпеливыми из-за ограниченных ресурсов и громоздких элементов управления, которые присутствовали в японских играх, таких как Resident Evil Code: Veronica и Silent Hill 4 : Комната . ^[5]

Преобразование (середина 2000-х годов — настоящее время) []

В 2005 году Resident Evil 4 попыталась переопределить жанр, сделав упор на рефлексы и точность прицеливания, ^[71] расширив игровой процесс элементами более широкого жанра боевиков.^[72] Его амбиции оправдались, получив несколько наград «Игра года» в 2005 году, ^[73] ^[74] и первое место в рейтинге Readers ‘Picks Top 99 Games IGN. ^[75] Однако это также побудило некоторых рецензентов предположить, что серия Resident Evil отказалась от жанра survival horror, ^[42] ^[76], разрушив установленные жанровые условности. ^[5] Другие крупные серии хорроров выживания последовали их примеру, разработав свои боевые системы, чтобы показать больше действий, таких как Silent Hill Homecoming , ^[42] и версия Alone in the Dark 2008 года.^[77] Эти изменения были частью общей тенденции консольных игр к переходу на интуитивный игровой процесс. ^[8] Эти изменения в игровом процессе привели некоторых пуристов к предположению, что этот жанр превратился в условности других экшн-игр. ^[8] ^[42] Джим Стерлинг предполагает, что этот жанр потерял свой основной игровой процесс, когда он улучшил боевой интерфейс, тем самым сместив игровой процесс от скрытия и бегства к прямому бою. ^[42] Ли Александер утверждает, что это представляет собой сдвиг в сторону более западной эстетики ужасов, которая подчеркивает действие и жестокость, а не психологический опыт японского ужаса.^[8]

Первоначальный жанр сохранился в той или иной форме. Выпуск 2005 года F.E.A.R. хвалили как за атмосферную напряженность, так и за быстрое действие, ^[43] успешно сочетали японский хоррор с кинематографическим действием, ^[78], а Dead Space из 2008 года перенесли ужасы выживания в научно-фантастический сеттинг. ^[79] Однако критики утверждают, что эти названия представляют собой продолжающуюся тенденцию отхода от чистого ужаса выживания в сторону общих действий.^[42] ^[80] Выпуск Left 4 Dead в 2008 году помог популяризации кооперативного многопользовательского режима среди игр ужасов на выживание, ^[81], хотя по сути это шутер от первого лица. ^[82] Между тем, серия Fatal Frame осталась верной корням жанра, ^[42] даже после того, как Fatal Frame IV перешла от использования фиксированных камер к точке обзора через плечо. . ^[83] Совсем недавно выпуск Resident Evil 5 2009 года получил высокую оценку, несмотря на то, что критики подвергли сомнению его статус настоящей игры ужасов на выживание.^[84] ^[85] Также в 2009 году Silent Hill перешла на точку обзора через плечо в Silent Hill: Shattered Memories . Однако это усилие Wii было расценено большинством рецензентов как возвращение к форме для серии из-за нескольких решений по развитию, принятых Climax Studios. ^[86] Это включало решение открыто сломать четвертую стену путем психологического профилирования игрока, а также решение удалить любое оружие из игры, заставляя игрока бежать всякий раз, когда он видит врага.

Примерами независимых игр ужасов на выживание являются серия Penumbra и Amnesia: The Dark Descent от Frictional Games, обе из которых получили высокую оценку за создание ужасающей обстановки и атмосферы без чрезмерного использования насилия или кровопролития. ^[87] ^[88] В 2010 году культовая игра Deadly Premonition от Access Games примечательна тем, что представила в жанре нелинейный игровой процесс с открытым миром и тему комедийных ужасов. ^[89] В целом разработчики игр продолжали создавать и выпускать игры ужасов на выживание, и этот жанр продолжает расти среди независимых разработчиков игр.^[15]

В последние годы хоррор-боевики, или «драматический ужас» (новый ярлык, придуманный Capcom для Resident Evil 6 ), сыграли свою роль в растущем «зомби-увлечении», очевидном среди популярных культура. Популярные кросс-медийные примеры этой тенденции включают франшизу видеоигр и фильмов Resident Evil , франшизу игр и фильмов Silent Hill и серию комиксов, телешоу и игр The Walking Dead .

Список литературы []

↑ Брелстон (11.04.2012).Официальный подкаст Capcom-Unity — «Captivate Special»: Resident Evil 6. Проверено 15 апреля 2012 г.
↑ ^2,0 ^2,1 ^2,2 ^2,3 ^2,4 ^2,5 ^2,6 ^2,7 ^2,8 ^2,9 Ричард Дж. Хэнд (2004). «Распространение ужасов: ужасы выживания и франшиза Resident Evil». в Штеффен Хантке. Фильм ужасов . Univ. Пресса Миссисипи. С. 117–134.
↑ ^3,0 ^3.1 ^3,2 ^3,3 ^3,4 ^3,5 Бретт Тодд. Современная история игр ужасов. GameSpot. Проверено 18 марта 2007 г.
↑ ^4,0 ^4,1 ^4,2 ^4,3 ^4,4 ^4,5 ^4,6 ^4,7 Rollings, Andrew; Эрнест Адамс (2006). Основы игрового дизайна . Прентис Холл. http://wps.prenhall.com/bp_gamedev_1/54/14053/3597646.cw/index.html.
↑ ^5.00 ^5,01 ^5,02 ^5,03 ^5,04 ^5,05 ^5,06 ^5,07 ^5,08 ^5,19 ^5,10 ^5,11 ^5,11 ^5,10 ^5,11 907-06 5,11 907-06 . Страх 101: Руководство по ужасу выживания для начинающих. IGN. Проверено 17 апреля 2009 г.
↑ ^6,0 ^6,1 ^6,2 ^6,3 ^6,4 Кристофер Бюхелер (2008-12-08). Зал славы GameSpy: Дом с привидениями.GameSpy. Проверено 6 февраля 2009 г.
↑ ^7,0 ^7,1 ^7,2 ^7,3 ^7,4 ^7,5 Трэвис Фахс (30 октября 2009 г.). IGN представляет историю ужасов выживания. IGN. Проверено 2 ноября 2009 г.
↑ ^8,0 ^8,1 ^8,2 ^8,3 ^8,4 ^8,5 ^8,6 ^8,7 ^8,8 ^8,9 Ли Александер (2008-09-29). Ужас выживания все еще существует ?.Котаку. Проверено 16 апреля 2009 г.
↑ Крис Колер (16 апреля 2009 г.). Silent Hill переосмысливает клише хорроров для Wii. Проводной. Проверено 6 мая 2009 г.
↑ Джастин Липер (17 августа 2004). Охотник за приведениями. GameSpy. Проверено 6 мая 2009 г.
↑ ^11.0 ^11.1 Left 4 Dead Q&A — Первые подробности. GameSpot. Проверено 10 марта 2007 г.
↑ ^12,0 ^12,1 Ричард Роуз III (2004-06-09). Постмортем: игровой дизайн Surreal’s The Suffering.Проверено 6 февраля 2009 г.
↑ ^13,0 ^13,1 Phil Co (2006). Дизайн уровней для игр . Новые игры наездников. п. 40.
↑ ^14,0 ^14,1 Бернар Перрон (2004). Знак угрозы: эффекты систем предупреждения в играх ужасов на выживание . COSIGN 2004 Proceedings, Художественная Академия, Университет Сплита.
↑ ^15,0 ^15,1 Кейт Стюарт (12 декабря 2008 г.). Дестуктоид о смерти ужаса выживания. Хранитель . Проверено 16 апреля 2009 г.
↑ Ричард Дж. Хэнд (2004). «Распространение ужасов: ужасы выживания и франшиза Resident Evil». в Штеффен Хантке. Фильм ужасов . Университетское издательство Миссисипи. С. 117–134 [123–5]. http://books.google.co.uk/books?id=oAX81WbAcfcC. Проверено 10 мая 2011.
↑ ^17,0 ^17,1 Бернард Перрон и Клайв Баркер (2009), Бернард Перрон, изд., Видеоигры ужасов: эссе о слиянии страха и игры , МакФарланд, стр.96, 98, 103–4, 108, ISBN 0-7864-4197-6, http://books.google.co.uk/books?id=pNaQLQC9XhEC, получено 10 мая 2011 г.
↑ 10 «Первых», навсегда изменивших видеоигры
↑ ТОП-5 ВИДЕОИГР, НАВСЕГДА ИЗМЕНИЛИ ИГРУ
↑ Дома — Райт! Журнал
↑ Почему игры ужасов страшнее фильмов
↑ Первая хоррор-игра — начало хоррор-истории или AX 2 Uchuu Yusousen Nostromo
↑ AX-2: Uchuu Yusousen Nostromo (Игра) — Гигантская бомба
↑ [1]
↑ Ранние японские игры ужасов
↑ Лоуренс К.Буш (2001), Азиатская энциклопедия ужасов: азиатская культура ужасов в литературе, манге и фольклоре , стр. 8, Пресса Клуба писателей, ISBN 0-595-20181-4
↑ Музей портативных устройств: дань уважения ранней истории портативных игр, CNET
↑ Десять главных секретов ретро-игр, CNET
↑ Monster Bash, А.В. Клуб
↑ Персонал Edge (31.07.2009). Изготовление: Атака муравьев. Край . Проверено 8 декабря 2009 г.
↑ Крикун (Перевод), 4Gamer.нетто
↑ Крикун в MobyGames
↑ EGM Heads to the Splatterhouse, 1UP
↑ ^34,0 ^34,1 ^34,2 ^34,3 Джон Щепаньяк, Война мертвецов, Hardcore Gaming 101, 15 января 2011 г.
↑ ^35.0 ^35.1 Кевин Гиффорд, Shiryō Sensen: War of the Dead, Magweasel.com , 10 ноября 2009 г.
↑ Laplace no Ma в MobyGames
↑ ^37.0 ^37,1 ^37,2 ^37,3 Top 11 Survival Horror Games: Sweet Home. UGO Networks (21 мая 2008 г.). Проверено 17 апреля 2009 г.
↑ ^38,0 ^38,1 ^38,2 Джим Стерлинг (9 июня 2008 г.). Страх 101: Руководство по ужасу выживания для начинающих. IGN. Проверено 26 августа 2009 г.
↑ ^39,0 ^39,1 Макс Берт. GOTW: Милый дом. GameSpy. Проверено 28 августа 2009 г.
↑ ^40,0 ^40,1 Машина времени: милый дом, Компьютерные и видеоигры
↑ Харрисон, Томас Ноулин (2006). Милый дом Resident Evil .
↑ ^42,0 ^42,1 ^42,2 ^42,3 ^42,4 ^42,5 ^42,6 Джим Стерлинг (2008-12-08). Как выживание ужасов превратилось в исчезновение. Деструктоид. Проверено 16 апреля 2009 г.
↑ ^43,0 ^43,1 ^43,2 ^43,3 Клара Барраса (01.09.2008). Эволюция жанра хоррор на выживание. IGN. Проверено 17 апреля 2009 г.
↑ ^44.0 ^44,1 Адам Романо (8 марта 2008 г.). Доктор Хаузер. Несуществующие игры. Проверено 12 мая 2011 г.
↑ ^45,0 ^45,1 ^45,2 ^45,3 ^45,4 Трэвис Фахс (30 октября 2009 г.). IGN представляет историю ужасов выживания. IGN. Проверено 26 января 2011 г.
↑ Шейн Паттерсон (3 февраля 2009 г.), Подлая история стелс-игр, GamesRadar, проверено 21 июня 2009 г.
↑ Алекс Лукард (22 мая 2006 г.). «Нигофа». Diehard GameFAN II (XXXV).http://diehardgamefan.com/2006/05/22/48715/. Проверено 7 марта 2011.
↑ Угур Сенер (28 августа 2003 г.). Обзор игры. Просто приключение. Проверено 10 мая 2011 г.
↑ Кендзи Ино: Создатель затворнической японской игры прерывает молчание. 1UP.com (7 августа 2008 г.). Проверено 8 августа 2008 г.
↑ Джастин Спир и Клифф О’Нил. История Resident Evil. GameSpot. Проверено 17 апреля 2009 г.
↑ «Войдите в ужас выживания … Resident Evil Retrospective», Game Informer 174 (октябрь 2007): 132-133.
↑ ^52,0 ^52,1 Трэвис Фахс (30 октября 2009 г.). IGN представляет историю ужасов выживания. IGN. Проверено 26 января 2011 г.
↑ Фэйи, Майк (31 октября 2011 г.). Паранойя, безумие, самоубийство и каннибализм; Кто сказал, что 16-битная версия не может быть страшной ?. Котаку. Проверено 12 июня 2012 г.
↑ Galerians Review. IGN (5 апреля 2000 г.). Проверено 5 апреля 2010 г.
↑ Blue Stinger — Dreamcast. Губка. Проверено 9 мая 2011 г.
↑ Бартолоу, Питер.Обзор Blue Stinger для DreamCast на GameSpot. GameSpot . Доступ 17 июля 2005 г.
↑ Бобба Фатт (2000-11-24). Обзор: Silent Hill (PlayStation). GamePro . Архивировано из оригинала 27 декабря 2008 г. Проверено 17 апреля 2009 г.
↑ Балдрик (1999-03-01). Страница обзора Game Revolution — Game Revolution. Игровая революция. Проверено 17 апреля 2009 г.
↑ Шейн Паттерсон (3 февраля 2009 г.). Коварная история стелс-игр: прятки сквозь века.GamesRadar. Проверено 21 июня 2009 г.
↑ Gametrailers.com — GT Countdown — Десять самых страшных игр. GameTrailers (27 октября 2007 г.). Проверено 17 апреля 2009 г.
↑ ^61.0 ^61.1 Best Survival Horror Games — Fatal Frame. UGO Networks. Проверено 17 апреля 2009 г.
↑ Kaiser Hwang (15 августа 2003 г.). Fatal Frame 2 Интервью. IGN. Проверено 17 апреля 2009 г.
↑ Райан Дэвис (15 ноября 2007 г.). Resident Evil: Обзор Хроник Амбрелла. GameSpot. Проверено 7 мая 2011 г.
↑ Дуглас К.Перри (20 августа 2002). Вещь. IGN. Проверено 23 апреля 2009 г.
↑ Джефф ‘Фингер’ Бакленд (2004). Обзор DOOM 3. UGO Networks. Проверено 23 апреля 2009 г.
↑ Джереми Данэм (2003-04-03). Часовая башня 3. IGN. Проверено 17 апреля 2009 г.
↑ Видеоигры ужасов выживания в Allgame через Wayback Machine
↑ Ривз, Бен (30 декабря 2011 г.). Предварительный просмотр издания для игроков, занесенного в Книгу рекордов Гиннеса 2012 года. Информер игры . Проверено 31 декабря 2011 г.
↑ Понг шифу (16.04.2004).Обзор сирены. GamePro . Архивировано 9 октября 2008 г., дата обращения 17 апреля 2009 г.
↑ Best Survival Horror Games — Siren. UGO Networks. Проверено 17 апреля 2009 г.
↑ Джеймс Брайтман (2 марта 2005 г.). RE4 от Capcom оживляет франшизу. GameDaily. Проверено 16 апреля 2009 г.
↑ Врата ужаса. UGO Networks (17.10.2008). Проверено 16 апреля 2009 г.
↑ «Обитель зла 4». Nintendo Power : 105. Март 2005 г.
↑ «Обитель зла 4». Game Informer : 134. Март 2005 г.
↑ 99 лучших игр по версии читателей. IGN. Проверено 16 апреля 2009 г.
↑ Мэтью Пеллетт (06.12.2008). Resident Evil 5. Компьютерные и видеоигры. Проверено 16 апреля 2009 г.
↑ Элли Гибсон (29 мая 2008 г.). Интервью Фила Харрисона из Atari. Eurogamer. Проверено 16 апреля 2009 г.
↑ Музыка к вашему F.E.A.R. с. GameSpot (4 октября 2005 г.). Проверено 4 октября 2006 г.
↑ Джефф Хейнс (10.10.2008).IGN: Обзор мертвого пространства. IGN. Проверено 16 апреля 2009 г.
↑ Джейсон Пикер (19 апреля 2008 г.). Моя любимая трата времени №2. PALGN. Проверено 23 апреля 2009 г.
↑ Edge Staff (20 ноября 2008 г.). Обзор: Left 4 Dead. Край . Проверено 23 апреля 2009 г.
↑ Энди Эдди (17.11.2008). Обзор Left 4 Dead (Xbox 360). TeamXbox. Проверено 23 апреля 2009 г.
↑ Edge Staff (15 октября 2008 г.). Обзор: Fatal Frame 4. Edge . Проверено 23 апреля 2009 г.
↑ Ларк Андерсон.Обитель зла 5 (Xbox 360). Сети CNET. Проверено 16 апреля 2009 г.
↑ Джеймс Мильке (12 марта 2009 г.). Resident Evil 5 (Xbox 360). 1UP.com. Проверено 16 апреля 2009 г.
↑ IGN Nintendo Team. Лучшее с E3 2009 для Wii.
↑ Анураг Гош (05.10.2010). Почему вы должны добавить игры Penumbra в свою коллекцию компьютерных игр ужасов. Яркий хаб. Проверено 11 октября 2010 г.
↑ Джон Уокер (07.09.2010). Что я думаю: Амнезия — Темный спуск. Камень, бумага, дробовик. Проверено 11 октября 2010 г.
↑ Стерлинг, Джим (27 февраля 2010 г.).Обзор: Смертельное предчувствие. Деструктоид. Проверено 3 мая, 2010 г.

Поздняя барочная опера — Музыка 1600-1800

Алессандро Скарлатти:

(1660-1725) НАЖМИТЕ ЗДЕСЬ, чтобы прочитать больше об Алессандро Скарлатти

Алессандро Скарлатти родился в 1660 году и считался самым плодовитым композитором оперы в мире. 1700 г. (Льюис А. и Форчун Н. 1975). Его ранние оперы возникли во время его пребывания в Риме, а его более поздние произведения были опубликованы во время его пребывания в Неаполе.

Считается его величайшим успехом. Gli Equivoci nel sembiante (1679) был создан во время его пребывания в Риме. Это произведение путешествовало по другим городам Италии из-за своей популярности как комедия для четырех солистов. Первая опера Скарлатти Opera Seria была Il Pompeo (1683). Либретто было основано на либретто Минато из оперы Кавалли Il Pompeo Magno (1666). Еще одно произведение Скарлатти, известное своими короткими мотивами в вокальных и оркестровых партиях, — это Clearco in Negroponte (1686).Стиль этих коротких заметок стал более распространенной практикой в 18 веке.

Среди других работ Скарлатти были его Il Teodosio (1709) , L’amor volubile e tiranno (1709) и La Principess fedele (1710). Все эти были посвящены его другу кардиналу Винченцо Гримани. Гримани был владельцем театра, который привез в свой театр Teatro San Giovanni Grisostomo постановки оперы Скарлатти « Il Mitridate Eupatore (1707)».

Некоторые из более поздних работ Скарлатти — это Il trionfo dell’onore (1718). Эта комедия оживляет современных жителей Пизы и является прекрасным примером более позднего гуманистического движения. Он был исполнен в Театро де Фьорентини в Неаполе и был известен тем, что привносил иностранный диалект. Еще одна важная работа Скарлатти в конце его жизни — La Griselda (1721). Это либретто известного Апостоло Зенона, где Скарлатти заканчивает, действия завершились ансамблевым произведением.Эта практика в конечном итоге стала обычным явлением в 18 веке, так как была хорошо принята и была впечатляющим способом положить конец действию.

Антонио Вивальди:

(1678 — 1741) НАЖМИТЕ ЗДЕСЬ, чтобы прочитать больше об Антонио Вивальди

Родившийся в 1678 году, Вивальди был известен как «Красный священник», потому что он был рукоположенным священником с особенно ярко-рыжими волосами. Он был музыкальным директором Хосписа сострадания (Ospedale della Pieta) в Венеции. Во время своего пребывания там он работал с девочками-сиротами, которые учились играть на музыкальных инструментах и петь.Для этих талантливых девушек было написано большое количество его работ, одновременно сложных и творческих. После этого периода своей карьеры он в конечном итоге стал директором дворов Мантуи (1718 г.) и Карла VI в Вене (1727 г.).

Вивальди за свою жизнь написал 46 опер, к сожалению, до наших дней дошла только 21, и все те, что у нас есть, были написаны в стиле Opera Seria Style. Orlando Finto Pazzo (1714) — опера с особенно интересным сопровождением в арии Alla rosa rugiadosa. Вивальди использовал струны для сопровождения арии в стиле Pizzicato (щипковый). Этот стиль не стал распространенным до более позднего периода классики. Вивальди « L’olimpiade » (1734) был основан на либретто Метастазио. Эта Opera Seria — отличный пример сюжета для серьезного стиля. Греческий Мегакл соревнуется на Олимпийских играх за своего друга Ликида, надеясь выиграть для него дочь короля. Он не понимает, что эта дочь — давняя любовь Мегакл, Аристея.Мегаклс разрывается между любовью к принцессе и преданностью своему другу. В арии он приходит к выводу, что он скорее убьет себя, чем предаст своего друга.

Джордж Фредерик Гендель:

(1685 — 1759) НАЖМИТЕ ЗДЕСЬ, чтобы узнать больше о Георге Фридрихе Генделе

Джордж Фредерик Гендель родился в Галле, Германия, тратит много времени и энергии, путешествуя по Европе. учиться и сочинять. Во время своего пребывания в Гамбурге, Германия (1703 — 1705), он большую часть своего времени проводил, сочиняя музыку в традиции Opera Seria .После этого периода композиции Гендель отправляется в Италию, где он продолжает сочинять и в конце концов пишет свою первую Ораторию. Он провел здесь 1706–1710 годы, изучая и сочиняя музыку, а затем вернулся в Германию и в 1710 году стал музыкальным руководителем гамбургского курфюрста. Находясь в Англии, опера Генделя «Ринальдо» получает хорошие отзывы и пользуется популярностью в Англии. Из-за успеха работ Гендель в конце концов поселяется в Англии в 1712 году.

Во время своего пребывания в Англии Гендель назначается музыкальным директором Королевской музыкальной академии и продолжает писать оперу до тех пор, пока политические и финансовые ситуации не заставят его остановиться. пишу оперу и сосредотачиваюсь исключительно на Ораториях.По прошествии некоторого времени у Генделя начинает ухудшаться зрение. Несколько раз пытались сделать операцию на глазу, но не удалось исправить его ухудшение зрения. В конце концов Гендель ослеп и умер 14 апреля 1759 года. После смерти он был похоронен в Вестминстерском аббатстве.

Из опер Генделя из Гамбурга сохранилось только одно произведение, это произведение было Альмира (1705). Опера Агриппина (1709) была написана в Венеции, эта опера цитируется Генделем в его «Ораториях Джошуа, Джепта». , и Иуда Маккавей.(обычная практика того времени) и была написана в стиле венецианской сатирическо-комической оперы. «Персонажи древней истории изображались людьми эпохи барокко и часто были вовлечены в сложные и неожиданные любовные романы. Известность Генделю принесла пьеса« Ринальдо »(1711). Широко ценился в Лондоне. Это помогло Генделю в дальнейшем добиться успеха с его операми и ораториями. Либретто было написано Джакомо Росси по мотивам оперы Тассо « Джерусалемме Либерата», и проходило в Театре Королевы.

Еще один отличный пример Opera Seria — Giulio Cesare (1724). Это произведение, опубликованное в разгар его оперной писательской карьеры, было создано под влиянием французской трагической оперы Корнеля «Помпеи» . Гендель продолжил свое восхищение французским языком своей Opera Rodelinda (1725), созданной по образцу французской трагической оперы Корнеля Pertharite. В отличие от рукописного использования Opera Seria, рука пишет комическую оперу Serse (1738), эта пьеса, в частности, показывает влияние балладной оперы на характер Эльвиро.

Оперные труппы, связанные с Генделем:

Гендель написал оперы для многих компаний. Две из компаний были оперными сериями в Королевском театре и Королевской музыкальной академии. Из-за финансовых трудностей, политики и разногласий между исполнителями труппа Королевской музыкальной академии не процветала и была закрыта в 1728 году. На это частично повлиял успех оперы « The Beggar’s Opera » Джона Гэя. Эта баллада-опера Гей была более доступной для обычного человека, поскольку содержала комедию, затрагивающую повседневную жизнь граждан с более низким статусом.Программа оперы Королевского театра соперничала с Дворянской оперой (оперная труппа, поддерживаемая политическими противниками короля Георга II) и была вовлечена в большую политическую неразбериху.

Forms:

Opera Seria:

НАЖМИТЕ ЗДЕСЬ, чтобы прочитать больше об Opera Seria

Opera Seria, переведенная как серьезная опера, в основном то, на что это похоже. Этот вид искусства представлял собой постановочное драматическое (ВЫСОКОДРАМАТИЧЕСКОЕ) произведение, в котором фантастические персонажи участвовали в фантастических событиях.Героем обычно играл Кастрато, и ему поклонялись в основном как женщины, так и мужчины, подобно Битлз и сегодняшнему Джастину Биберу.
Кастрато (показан слева) — хирургически измененный мужчина, кастрированный до изменения голоса. Эта типичная для того времени операция позволяла мужским голосовым связкам оставаться в их предварительно опушенных размерах, поскольку тело мужчины продолжало расти. Этот искусственно созданный художник, как правило, был высоким и с большой грудью.Из-за этого большого сундука певец мог петь очень длинные фразы, которые могли доходить до невероятной высоты.
Искусственность этой формы певца — прекрасный пример искусственности этого вида искусства. Сюжеты были чрезвычайно щедрыми, включая богов, любовь, предательство, верность и, конечно же, смерть. Эта чрезмерная форма производства в конечном итоге привела к более сдержанной форме, которая нравилась обычному человеку. Контрастные постановки, такие как «Опера« Нищие »и« Король Артур », содержали разговорный текст на родном языке страны, в которой была написана пьеса, а также менее роскошные« Да Капо Арии ».
Примеры: обратите внимание на чрезмерную драму в этих сюжетах.
1.) Il Pompeo , Scarlatti (1683)
Сюжет: основан на либретто Минато для « Il Pompeo Magno » Кавалли в 1666 году. История связана с любовью римлянина Секста к заключенной в тюрьму жене царя Митридата. Позже в опере Помпей предотвращает самоубийство семьи Митридата.
2.) Джулио Чезаре, Гендель (1724)
Эта постановка в настоящее время идет в Метрополитен-опера в Нью-Йорке.Их онлайн-синопсис очень подробный и информативный. КЛИКНИТЕ СЮДА!
3.) L’Olipiade, Vivaldi (1734)
Сюжет: «Мегклс, который участвует в Олимпийских играх от имени своего друга Ликида, надеясь выиграть для него руку дочери короля, которая является приз победителя.Мегакл не подозревает, что речь идет об Аристее, в которую он сам долгое время был счастливо влюблен.В последующем конфликте между верностью своему другу и любовью к женщине Мегакл выбирает первую.Он решает убить себя, а не нарушить свое обещание Ликида, а затем принять смертную казнь, наложенную на него за обман, практикуемый в играх. Однако, в конце концов, Лицида, как зачинщика преступления, казнят, и любовники объединяются »(стр. 102 Льюис, А. и Форчун, Н. 1975)
Scene Buffe
Комедийная сцена в нем обычно присутствовали два персонажа, в которых тема эротических сексуальных отношений рассматривалась откровенно и банально.Они иногда использовались в сатирической манере и содержали популярную музыку, комическую речь, звуковые эффекты, заикание, паузы, а также инструментальные звуки.
Ballad Opera:
Оперный стиль, который содержал много баллад, которые не следовали строгому порядку речитатива, а затем арии, вместо этого содержал устный текст в стиле игры между падающими ариями. Был написан на родном языке страны для облегчения понимания простыми людьми и часто содержал музыку на популярные темы того времени.Этот вид искусства был ориентирован на простых людей и процветал, потому что это привело к сокращению числа любителей оперы.
Пример:
1.) The Beggars Opera by John Gay
Сюжет: пожалуйста, посетите этот сайт, созданный студентами Мичиганского университета НАЖМИТЕ ЗДЕСЬ! Этот синопсис дает представление о контрастирующем сюжете стихов балладной оперы и оперы сериа.

Речитатив и ария
Речитатив часто используется композиторами в этот период времени для продвижения сюжета в опере или оратории.Это может произойти, потому что композиторы традиционно позволяют естественным ритмам речи влиять на их нотацию, изображая своего рода усиленный диалог. Иногда эти быстрые разговоры сопровождаются продолжительными нотами Basso Continuo и иногда концертными инструментами, когда композитор хочет поднять настроение. После того, как певец завершает утверждение или предложение, аккомпанемент традиционно воспроизводит точку каденции, чтобы дать певцу время подышать, а также акцентировать предыдущую фразу.После речитатива у певца будет тщательно продуманный Da Capo Aria , в котором певец размышляет о событиях, которые только что произошли в речитативе, и продемонстрирует свои виртуозные техники, которые они разработали. (Чрезвычайно высокие или низкие ноты и быстрая или сложная fioritura)
Речитатив Secco:
Страсть Баха, противопоставляющая речитативы Secco и Accompagnato

Термин secco , переведенный как сухой, означает тонкую текстуру голоса поверх удерживаемых и прокрученных аккордов в Basso Contino .Голос будет петь в речи, подобной моде, с ритмами, на которые влияет естественное словесное ударение того языка, на котором была написана опера. После голоса будут точки каденции, которые, кажется, акцентируют предложение певца. Эта форма речитатива была наиболее распространенной в опере, поскольку позволяла ясно и быстро произносить речь, что было важно для развития сюжета.
Пример слева — отличный пример, показывающий контрастирующие стили речитатива. Это прослушивание из произведения Баха Св.Мэтью Страсти, однако, не из оперы, но все же отличное сравнение двух форм. Тенор начинает прослушивание речитативом Secco (речитатив без аккомпанемента), а баритон завершает прослушивание речитативом Recitativo Accompagnato (речитатив с аккомпанементом). Бах использует речитатив, чтобы усилить речь баритона, потому что баритон играет персонажа Иисуса.

Accompagnato Речитатив:
alma del gran Pompeo

Accompagnato, переводится как «Сопровождаемый».Эта форма певческой речи предназначена для самых драматических моментов оперы. Во время речитатива певцам часто аккомпанирует продолжение баса, но в этой форме композитор добавляет к голосу струнные или другие инструменты, чтобы сделать звуки более плотными и добавить к голосу эмоциональный акцент.
Примеры:
— Alma del gran Pompeo , из Джулио Чезаре Генделя, Г. Ф.
Послушайте, как контратенор поет этот речитатив и арию, изначально написанную для исполнения кастратами.Контртенор воссоздает правильную высоту тона, но тембр кастрата очень трудно определить из-за физических различий в голосовых связках и строении тела.
Следующий пример — единственная доступная запись кастрата. Этот конкретный кастрат не дает отличного примера длины фраз или высоты тона, которыми был известен кастрат, но дает пример тембра, который кастрат мог бы создать.
Castrato Clip

Da Capo Aria:
Non disperar, chi sa?

дословно переводится как «с головы», в форме ABA.По возвращении секции А певец традиционно импровизирует мелодию. Длинные ноты должны быть украшены, а дополнительные высокие или низкие ноты должны быть добавлены, чтобы помочь певцу продемонстрировать свою виртуозность. Эта форма арии обычно начинается с речитатива. Речитатив и ария написаны для совместного исполнения, в речитативе сцена развивается и происходит диалог, ария — это отражение событий речитатива.
Пример:
— Не дисперар, хи са? от Джулио Чезаре Генделя, Ф.
Послушайте богато украшенный характер этой арии. По возвращении орнамент поднимается на другой уровень, который является чрезмерным и эффектным. Эта виртуозная фиоритура очень типична для того времени и является главной причиной, по которой люди приходили посмотреть оперу.
Вся информация для композиторов и их произведений взята из следующих источников:
1.) Облигации, М. Э. (2010). А история музыки в западной культуре: от античности до барокко гг. эпоха. Pearson Education. Река Аппер Сэдл, штат Нью-Джерси.
2.) Льюис, А. и Форчун, Н. [ред.]. (1975). Опера и церковная музыка 1630 — 1750 гг. Оксфордский университет. Эли Хаус, Лондон.
Западная архитектура | Britannica
Острова восточного Средиземноморья и Эгейского моря образуют естественную связь между сушей Ближнего Востока и Европы. Экспансия на запад цивилизаций Западной Азии и Египта началась около 3000 г. до н.э. и привела к поселениям на Крите, Кикладах и материковой Греции.Принципиальное отличие этих культур от более ранних, неолитических, состоит в том, что каменные орудия труда и оружие были заменены на сделанные из меди, а затем и из бронзы. Энеолитический (медно-каменный) век, продолжавшийся в районе Эгейского моря с начала 3-го тысячелетия до нашей эры до начала 2-го, обычно считается частью большого бронзового века, который был вытеснен железным веком примерно с 1200 года до нашей эры.
Отличительной чертой эгейских цивилизаций была легкость, с которой азиатские мотивы и техники были адаптированы для создания оригинальных местных стилей.В архитектуре, безусловно, наиболее важными достижениями были цивилизации минойского Крита и микенской Греции.
Минойский Крит
Великая морская цивилизация Крита кристаллизовалась вокруг дворцов, таких как Кносский, Фест, Айя-Триада, Маллиа и Тилиссос. Чрезвычайно важный дворец Миноса в Кноссе, раскопанный и реконструированный в начале 20-го века сэром Артуром Эвансом, представляет собой свидетельство непрерывного архитектурного и художественного развития с начала неолита, кульминацией которого стало блестящее проявление строительной деятельности во время третьей фазы среднего минойского периода. период (1700–1580 гг. до н.э.) и продолжался до вторжения ахейцев в XII веке.Однако дворец, по сути, представляет собой сооружение двух поздних средних минойских периодов (1800–1580 гг. До н. Э.). По монументальности он, несомненно, соперничал с ближневосточными и египетскими дворцами. Следуя примеру таких структур, Дворец Миноса представляет собой четырехугольный комплекс комнат и коридоров, сгруппированных вокруг большого центрального двора, размером примерно 175 × 100 футов (50 × 30 метров). В северном конце, к морю, величественный портик из 12 пилястр открывал доступ к центральному двору. В этом конце также находится большая театральная площадка, прямоугольный театр под открытым небом, который, возможно, использовался для ритуальных представлений.Восточное крыло дворца разделено на две части длинным коридором, идущим по оси восток-запад; Первоначально он возвышался на четыре или пять этажей над склоном долины. В юго-восточной части дворца находятся жилые апартаменты, тщательно продуманные с сантехникой и смывом, а также святилище. Широкая лестница вела на верхний этаж, которого больше нет. Северо-восточная часть дворца занята офисами и кладовыми. Западная часть снова разделена главным коридором длиной более 200 футов (60 метров), идущим на север и юг.Позади этого коридора, вдоль западной стороны, была обнаружена серия длинных узких кладовых, содержащих большое количество питофов, или емкостей для хранения нефти размером с человека. По другую сторону коридора, обращенного к центральному двору, находятся государственные залы, в том числе тронный зал с его уникальным гипсовым троном и всемирно известными фресками с грифонами. Ярко окрашенные фрески играли важную роль как во внутреннем, так и во внешнем убранстве дворца. Свет подавался сверху с помощью оригинальной системы фонарных колодцев, а несколько портиков с колоннами обеспечивали вентиляцию в жаркое критское лето.
Кносос
Часть реконструированного минойского дворца, Кносс, Крит, Греция.
Петерак
Развитие других минойских дворцов (Фест, Маллиа, Айя Триада, Тилиссос) примерно соответствует развитию Кносса. Каждый из них примечателен, и Фест особенно интересен благодаря обширным итальянским раскопкам. Морская гегемония позволила критским морским королям строить эти дворцы в низких и незащищенных местах; следовательно, заметно отсутствие крепостных стен по сравнению с большими стенами месопотамских дворцов.Поскольку критское поклонение, по-видимому, проводилось в основном на открытом воздухе, настоящих храмов, как на Ближнем Востоке, нет. Тем не менее, расположение различных частей дворца вокруг центрального двора и максимально возможное избегание внешних окон — это характеристики, которые, кажется, указывают на ранний контакт с Ближним Востоком. Пристрастие к длинным прямым дворцовым коридорам, а также к высокоразвитой системе водоснабжения, возможно, также унаследовали от древних цивилизаций на востоке.Впервые в Европе колонна появилась в критском дворце, где ее часто использовали индивидуально для разделения входа.
Phaestus
Вход во дворец Феста, Крит, Греция.
Марсий
Развитие погребальной архитектуры на Крите продолжается от старых камерных оссуариев раннего минойского периода (2750–2000 гг. До н. конец средне-минойского периода.
На гребне минойского процветания произошел великий крах. Вторжение с материка около 1400 г. до н.э. разрушило дворцы и привело к утрате власти микенской Греции. На Крите очень редко встречаются архитектурные остатки построек догреческого происхождения, построенных после этой катастрофы. Несколько деревенских святынь принадлежат этому периоду после разрушения, а в Приниасе уникальное храмовое здание может быть датировано 700 годом до нашей эры. Вход в этот храм украшен барельефами на его архитектурных элементах.Проем над перемычкой обрамлен сидящими фигурами, а сама перемычка с нижней стороны вырезана фигурами богини и животных. Колонна, которая, кажется, стояла посередине этого дверного проема, как и во дворце Миноса, указывает на то, что минойская традиция не исчезла полностью.
Музыка на время — Перселл: Музыка на время — Edexcel — Редакция музыки GCSE — Edexcel
Эдип — греческая легенда
Царю Лаю говорят, что у него будет ребенок, который убьет его и женится на его матери.Король оставляет новорожденного сына на склоне горы умирать, но пастух находит ребенка и забирает его жить к другому королю. Ребенка назвали Эдипом, а позже он посещает оракула, чтобы узнать, кто его биологические родители. Оракул говорит ему, что он убьет своего отца и переспит с его матерью.
Эдип в конце концов убивает своего биологического отца, царя Лая, и женится на его матери, не зная, что она его биологическая мать.
Будущий рассказчик и два священника вызывают призрак короля Лая, чтобы узнать, кто его убил.Алекто — страшная богиня, которая мучает виноватых своими кровоточащими глазами и змеями вместо волос — успокаивается. Лирика в Music for a While рассказывает историю о том, как Алекто успокаивается.
Правда рассказана много лет спустя — мать Эдипа убивает себя, и Эдип выколол ему глаза.
Краткое изложение сюжета Эдипа
Царю Лаю говорят, что его ребенок убьет его и заберет его жену.
Краткое содержание «Эдипа»
Царь оставляет новорожденного умирать.
Краткое изложение «Эдипа»
Младенец найден и доставлен другому царю.
Краткое изложение «Эдипа»
Сын Эдип посещает оракула.
Краткое изложение сюжета Эдипа
Оракул говорит Эдипу, что он убьет своего отца и переспит с его матерью.
Краткое изложение сюжета Эдипа
Эдип убивает своего биологического отца, царя Лая, и по незнанию женится на своей биологической матери.
Краткое изложение сюжета Эдипа
Призрак Лая вызван, чтобы обнаружить своего убийцу.
Краткое содержание Эдипа
Алекто, богиня, мучающая виновных, успокаивается.
Краткое изложение «Эдипа»
Спустя годы правда раскрыта. Мать Эдипа, Иокаста, убивает себя, и Эдип ослепляет себя.
Dokuz Eylül University Информационный пакет / Каталог курсов
Неделя Тема Описание
1 Формирование репертуара
2 Дж.Произведение С. Баха по синопсису, либретто, характеру и стилю выбрано для голосового типа ученика
3 Произведение И.С. Баха по синопсису, либретто, характеру и стилю выбрано для студенческого типа голоса
4 Произведение И.С. Баха по синопсису, либретто, характеру и стилю выбрано для студенческого типа голоса
5 Этюд А.Произведение Вивальди, которое по синопсису, либретто, характеру и стилю выбирается для голосового типа ученика
6 Этюд одной пьесы А. Вивальди, выбранной для типа голоса учащегося с точки зрения синопсиса, либретто, характера и стиля
7 Этюд одной пьесы А. Вивальди, выбранной для типа голоса учащегося с точки зрения синопсиса, либретто, характера и стиля
8 Этюд одной пьесы в стиле барокко, выбранной для типа голоса учащегося с точки зрения синопсиса, либретто, характера и стиля
9 Этюд одной пьесы в стиле барокко, выбранной для типа голоса учащегося с точки зрения синопсиса, либретто, характера и стиля
10 Исследование одного C.Произведение В.
About Author

alexxlab
Добавить комментарий Отменить ответ
Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *
Комментарий *
Имя *
Email *
Сайт

Найти:

Рубрики
Гараж
Каркас
Крыш
Крыша
Профлист
Разное
Ремонт
Своими руками
Советы
Строительство
Фундамент

Наш принцип – Ваша правовая безопасность и совместный успех!
2023 © Все права защищены.

Конспект барокко: Конспект урока по искусству на тему «Барокко» (8 класс)

Стиль барокко – краткое определение

Художественные стили: Барокко

Рекомендуем прочитать:

«Барокко и рококо. Основные признаки стиля, стилевые особенности формы»

Конспект урока «Архитектура барокко.

Конспект урока «Культура барокко» | Образовательный портал EduContest.Net — библиотека учебно-методических материалов

Тема урока: Барокко в западноевропейской живописи и музыке 👍

Опера в стиле барокко | Признательность музыки

Opera

Оперативная терминология

История

Истоки

Итальянская опера

Эпоха барокко

Бель канто, Верди и веризм

Немецкая опера

Французская опера

Англоязычная опера

Русская опера

Другие национальные оперы

Современные, недавние и модернистские тенденции

Модернизм

Прочие тенденции

От мюзиклов к опере

Улучшение акустики в опере

Оперные голоса

Классификация вокала

Историческое использование голосовых частей

Известные певцы

Проблемы с языком и переводом

Финансирование оперы

Кино и интернет

Дополнительная литература

Внешние ссылки

Baroque — Codex Gamicus — Коллективные игровые знания человечества у вас под рукой.

Производитель (и)

Участок []

символов []

Геймплей []

Смерть и продвижение заговора []

Музыка []

Английская озвучка (Wii и PlayStation 2) []

Spin-off []

Приемная []

См. Также []

Список литературы []

Внешние ссылки []

видеоигр ужасов выживания — Codex Gamicus

Обзор []

Определение []

Игровой дизайн []

Бой без акцентов []

Вражеская конструкция []

История []

Origins (1980-е – 1996) []

Золотой век (1996 — начало 2000-х) []

Преобразование (середина 2000-х годов — настоящее время) []

Список литературы []

Поздняя барочная опера — Музыка 1600-1800

Алессандро Скарлатти:

Антонио Вивальди:

Джордж Фредерик Гендель:

Forms:

Opera Seria:

Scene Buffe

Ballad Opera:

Речитатив и ария

Речитатив Secco:

Страсть Баха, противопоставляющая речитативы Secco и Accompagnato

Accompagnato Речитатив:

alma del gran Pompeo

Castrato Clip

Da Capo Aria:

Non disperar, chi sa?

Западная архитектура | Britannica

Минойский Крит

Музыка на время — Перселл: Музыка на время — Edexcel — Редакция музыки GCSE — Edexcel

Эдип — греческая легенда

Dokuz Eylül University Информационный пакет / Каталог курсов