Наиболее яркий представитель живописи барокко: Наиболее яркий представитель живописи барокко

Урок 5. Искусство Нового времени

Искусство Нового времени является, пожалуй, одним из наиболее запутанных и в то же время интересных для изучения. Если предыдущим периодам была свойственна определенная линейность процессов, в исторический отрезок Нового времени можно наблюдать параллельное сосуществование сразу нескольких стилей, каждый из которых мог бы считаться отдельной и самодостаточной эпохой в искусстве.

Цель урока: разобраться в многообразии художественных стилей эпохи Нового времени, понять их основные отличия и характеристики.

Пройдя этот урок, вы получите общие ориентиры, по которым сумеете определить принадлежность того или иного произведения искусства к тому или другому стилю Нового времени.

Содержание:

Изучая предыдущие темы, вы уже поняли, что искусство достаточно сложно загнать в какие-то строго определенные рамки, в том числе хронологические, ввиду того, что культурно-исторические процессы в разных странах развиваются неравномерно и несинхронно.

Поэтому условно очертим хронологические границы данного периода в пределах 17-19 веков и будем уточнять их отдельно для каждого жанра и направления в искусстве.

Как и в прошлом уроке, мы сосредоточимся на европейской культуре, т.к. именно в Европе зародились основные стили искусства. В этом плане культура прочих регионов в некотором смысле вторична либо заимствована. Начнем со стиля барокко и посмотрим, как оно отразилось в архитектуре, скульптуре, живописи, литературе, музыке и зрелищных искусствах.

Искусство барокко и рококо

Одним из главных стилей, предопределивших развитие искусства 17-18 столетий, был стиль барокко. В целом, барокко присущи контраст и динамика, сложность и многообразие, стремление к величию и некоторая аффектация. Эти признаки наглядно демонстрируют все произведения искусства, созданные в данном стиле.

Архитектура

Отличительными признаками архитектуры барокко являются размах пространственных решений, слитность и плавное перетекание криволинейных форм.

Одним из первых образцов барокко в архитектуре считается фасад церкви Санта-Сусанна в Риме, построенной еще в 4 веке, которую перестроил в стиле барокко в 1603 году итальянский архитектор Карло Мадерна (1556-1629):

Сходные черты можно увидеть и в творениях прочих архитекторов барокко. Наиболее известны такие деятели архитектуры барокко, как Джованни Лоренцо (1598-1680), Франческо Борромини (1599-1667), Гварино Гварини (1624-1683).

Отдельно стоит сказать о барокко во Франции: этот стиль часто определяют как «барочный классицизм», отличающийся повышенной страстью к роскоши и великолепию. Типичным образцом французского барокко или «барочного классицизма» считаются Версальский дворец и дворцово-парковый ансамбль при нем, сооружавшиеся во времена Людовика XIV, которого современники величали не иначе, как «Король-Солнце».

Такой дрейф стиля в сторону роскоши и великолепия можно считать предтечей возникновения рококо: стиля на основе барокко, отличавшегося большей легкостью, непринужденностью, вольным обращением с правилами и пропорциями, избытком декоративных элементов. При том, что барокко очень склонен к разным криволинейным формам, в рококо этот тренд достиг своего апогея. Украшаются едва ли не все плоскости на поверхности строения снаружи и внутри. Такой подход можно наблюдать во всех странах, где рококо получил распространение. Возьмем для примера церковь Азамкирхе, она же церковь Святого Иоанна в Германии:

Есть образцы рококо и на территории России, которые появились благодаря работе приглашенных из Италии архитекторов. Это, в частности, Летний дворец Елизаветы Петровны (Санкт-Петербург), построенный Франческо Растрелли (1700-1771). Кроме того, к стилю рококо относят и работы Антонио Ринальди (1709-1794): дворец Петра III, Китайский дворец и другие строения в Ораниенбауме.

Скульптура

Скульптуре барокко, как и архитектуре, свойственна сложность линий и вычурность форм. Скульпторы предпочитают сложные замысловатые сюжеты, которые весьма талантливо реализуют. В качестве примера приведем работу итальянского скульптора Лоренцо Бернини (1598-1680) «Похищение Прозерпины», где он предложил свое видение мифологического сюжета:

Стоит отдельно сказать о воплощении стиля барокко в работах испанских скульпторов. В отличие от своих коллег, они предпочитали работать с деревом. Наиболее известен своими работами скульптор Педро де Мена (1628-1688). Образцом могут служить сделанные им деревянные Хоры в соборе Малаги:

Стиль рококо стал естественным продолжением барокко в скульптуре, отличаясь лишь еще большей сложностью формы и избытком деталей декора. Наиболее знаменитым скульптором, работавшим в стиле рококо, считается Этьен Морис Фальконе (1716-1791), много работавший на заказ и вынужденный угождать не всегда изысканному художественному вкусу представителей знати.

Тем не менее даже в условиях определенных ограничений он создал выдающиеся скульптуры, которые восхищают красотой и сложностью по сей день. Например, интерпретация сказания про древнего атлета Милона Кротонского и его схватку со львом:

Живопись

Человек в искусстве нового времени занимает центральное место, и в живописи барокко это заметно особенно явно. Главные фигуры в живописи барокко – это Рубенс (1577-1640) и Караваджо (1571-1610), причем у каждого из них есть свои хорошо узнаваемые черты в творчестве.

Так, Караваджо очень любил экспериментировать со светом и тенью, а многие его картины буквально погружены в полумрак. Как, например, «Призвание апостола Матфея»:

Рубенс использует более светлые тона, но более пышные формы в изображении людей, особенно женщин. В живописи, как и в скульптуре, в чести сложные запутанные сюжеты и положения. В качестве примера возьмем картину Рубенса «Похищение дочерей Левкиппа». И, да, тема похищения в живописи, как и в скульптуре, тоже актуальна:

Словосочетание «рубенсовские формы» со временем стало именем нарицательным и используется, если нужно в тактичной форме описать весогабаритные характеристики женщин весом от 85 кг и выше.

Рококо в живописи можно вкратце охарактеризовать, как «много всего» на единицу площади картины.

Примером может служить картина Антуана Ватто (1684-1721) «Отплытие на остров Цитеру»:

Там, где, по сюжету, предполагалась меньшая численность народа, холст перегружался избытком деталей окружающей действительности. Допустим, тщательной прорисовкой листочков растений, как у Николы Ланкре (1690-1743) и Фрагонара (1732-1806), детализованным изображением лавы вулкана, как у Франсуа Буше (1703-1770) и т.д.

Литература

Литературная жизнь барокко была весьма богата. В произведениях широко используются символы и метафоры, риторические вопросы и оксюмороны, а стремление к разнообразию часто приводит к хаотичности сюжета. Авторов барокко интересуют самые разные темы, а многообразие возникших в этот период жанров просто зашкаливает: галанто-героический роман, сатирический роман, бытовой роман, маринизм, гонгоризм, эвфуизм, метафизическая школа и многие другие.

Особое распространение получила так называемая прециозная литература (от французского précieux, что значит «драгоценный»), которая распространилась в придворно-аристократической среде.

Наиболее яркие представители направления – это Жорж де Скюдери (1601-1667) и Мадлен де Скюдери (1607-1701).

К прециозной литературе относят и произведения в жанре пасторали, описывающие беззаботную жизнь пастухов и пастушек в окружении живой цветущей природы. Наиболее яркий представитель – Оноре д’Юрфе (1568-1625) со своим романом «Астрея».

В отличие от барокко, стиль рококо в литературе – это преимущественно малые литературные формы, стихи, новеллы и сказки, хотя есть и исключения. Например, роман Жана-Батиста Луве де Кувре «Любовные похождения шевалье де Фобласа». Всем произведениям в стиле рококо свойственна игривость, фривольность и беззаботность, они несут в себе идею удовольствия от жизни. К слову, похожие тренды наблюдаются и в музыке рококо, о которой мы и поговорим далее.

Музыка и зрелищные искусства

Типичные представители барокко в музыке – это Антонио Вивальди (1678-1741), Себастьян Бах (1685-1750), Георг Гендель (1685-1759). Они оказали значительное влияние на развитие инструментальной музыки. Барокко свойственно противопоставление хора и солиста, голосов и музыкальных инструментов. Все это оказало значительное влияние на развитие оперы.

Музыка рококо более легкая и более тяготеющая к различным мелким музыкальным и звуковым украшениям, мелизмам, прочим приемам, собственно и создающим ощущение легкости мелодии. Наиболее яркими представителями рококо в музыке считаются Франсуа Куперен (1668-1733) и Луи Клод Дакен (1694-1772).

Вот так в общем и целом повлияли барокко и рококо на развитие искусства. Узнать больше можно из книги «Мастера и шедевры эпохи барокко» [Е. Яйленко, 2015]. Тем же, кого заинтриговала непревзойденная роскошь рококо, рекомендуем книгу «Рококо. От Ватто до Фрагонара» [С. Даниэль, 2007]. А мы переходим к искусству классицизма.

Искусство классицизма

Классицизм – это стиль в искусстве, формировавшийся и развивавшийся параллельно с барокко в 17-18 веках и оказавший заметное влияние на культуру 19 столетия. В отличие от барокко, классицизм проповедует простоту, строгость и соразмерность, свойственную искусству Античности. Жанр зародился во Франции, и именно деятели французского классицизма оставили значительный след в его наследии.

Архитектура

Архитектуре классицизма свойственна четкость форм и планировок, стремление к логике и ясности. Причем это касается не только отдельных строений, но и градостроительных решений. Типичный пример классицизма – это площадь Согласия в Париже, спроектированная архитектором Жак-Анж Габриэлем (1698-1782):

Часто в отдельное направление выделяют ампир, зародившийся в рамках классицизма. В целом, это и есть поздний классицизм в архитектуре и прикладном искусстве, охвативший первую четверть 19 столетия. Ампир еще называют «королевским стилем» за использование большого числа декоративных элементов, украшений при том, что сохраняется симметрия, равновесие и умеренность в их использовании.

Скульптура

Скульптура классицизма аналогично стремится к правильности форм, наследуя античные традиции. И тут хотелось бы сделать ремарку и обратить ваше внимание, что для характеристики искусства конца 18 – начала 19 веков часто можно встретить термин «неоклассицизм».

В начале урока мы говорили о том, что разные стили и направления в искусстве получили неодинаковое распространение в разных странах, а сами культурно-исторические процессы развиваются неравномерно и несинхронно. Поэтому зачастую под неоклассицизмом понимается тот же самый классицизм, но имеющий национальные особенности культуры какого-либо государства.

Как вариант, к неоклассицизму относят произведения искусства, имеющие все признаки принадлежности к классицизму, но более украшенные различными мелкими деталями и склонные к сложности и некоторой запутанности. Примером могут служить скульптуры Антонио Кановы (1757-1822). В частности, его «Амур и Психея»:

Если совсем обобщить, неоклассицизм соотносится с классицизмом примерно так, как рококо соотносится с барокко или маньеризм с искусством высокого Ренессанса.

Живопись

Живопись классицизма вдохновляется традициями Ренессанса. Считается, что основы классицизма и его принципы работы с многофигурной композицией заложены Рафаэлем в ранее упомянутой нами работе «Афинская школа». Никола Пуссен (1594-1665) в своих работах заметно усложняет игру тени и света, и предпочитает более сложные сюжеты. В качестве примера приведем его картину «Танец под музыку времени»:

Из других ярких представителей живописи классицизма можно выделить Клода Лоррена (1600-1682) и Шарля Лебрена (1619-1690). Показательно, что французская монархия поддерживала развитие классицизм в противовес захватывающему умы знати барокко, финансируя «Школу изящных искусств» и награждая лучших «Римской премией», которая предполагала возможность провести в Риме 3-5 лет за счет государства, изучая античное искусство.

Еще один интересный нюанс: именно в классицизме произошло разделение жанров на «возвышенные» и «низкие». К «высокому искусству» отнесено творчество, посвященное истории, религии и мифологии, к «низкому» – бытовая тематика и натюрморт.

Литература

Основоположником поэзии классицизма считается Франсуа Малерб (1555-1628), осовременивший и обогативший нормы литературного французского языка. При этом в творчестве самого Малерба сильны традиции барокко.

В литературе, как и в живописи, произошло разделение на «высокое искусство», к которому отнесли драматургию и трагедию, и «низкое», к которому приписали комедию, басни, юмор и сатиру.

Представителями «высокого искусства» считаются Пьер Корнель (1606-1684) и Жан-Батист Расин (1639-1699). Широко известные за пределами Франции комедии Мольера (1622-1673) и басни Жана де Лафонтена (1621-1695), согласно канонам классицизма, считаются «низким» искусством.

Литература 18 столетия испытала серьезное влияние Просвещения – культурно-исторического течения в научной, философской и общественной мысли. Идеи Просвещения, прав и свобод человека и гражданина легли в основу многих художественных произведений Вольтера (1694-1778), в частности, его философских романов «Простодушный», «Задиг, или Судьба», «Кандид, или Оптимизм» и других.

Музыка и зрелищные искусства

Под музыкой классицизма принято понимать академическую музыку второй половины 18 – начала 19 веков. Самыми яркими музыкальными деятелями классицизма являются Людвиг ван Бетховен (1770-1792) , Вольфганг Амадей Моцарт (1756-1791), Франц Йозеф Гайдн (1732-1809). Все они принадлежат к Венской классической школе, отличительной особенностью которой является сочетание множества стилей и приемов классической музыки, трагичного и комичного в музыкальных сочинениях, баланса точного расчета и непринужденности звучания.

Развитие литературы и музыки дало толчок развитию театрального искусства. Принципы классицизма в театральном искусстве воплощались следующим образом:

  • Единство времени – действие вмещалось в некий условный 24-часовой период.
  • Единство места – действие происходило в одной локации.
  • Единство действия – действие имело одну сюжетную линию (как правило, личная трагедия или конфликт межу личным и общественным).

Вот такой путь прошло искусство классицизма. Желающим знать больше мы рекомендуем книгу «Классицизм и романтизм. Архитектура. Скульптура. Живопись. Рисунок» [Р. Томан, 2001]. Как вы уже поняли, она полезна и для желающих поближе познакомиться с искусством романтизма.

Романтизм в искусстве

Романтизм зародился как протест против «правильности» классицизма, рациональности Просвещения. Романтизму были чужды строгость первого и реализм второго. Идеи романтизма требовали признать самостоятельную ценность духовной и творческой жизни личности, воспевали бунтарское начало и культ естественного в человеке. Хронологически романтизм охватывает конец 18 – первую половину 19 века.

Архитектура

В архитектуре отойти от «правильности» строительных традиций прошлых столетий удалось благодаря началу широкого использования металлических конструкций в строительстве. Они давали больше технических возможностей для выражения чувств и эмоций, реализации нестандартных, в том числе бунтарских идей без ущерба прочности конструкции. Появились причудливые своды зданий и чугунные мосты. Первый в мире арочный чугунный мост был переброшен через реку Северн в Англии:

Ныне этот мост находится под охраной ЮНЕСКО.

Скульптура

Скульптуре романтизма тоже присуще использование металлических изваяний, хотя мрамор по-прежнему широко используется как материал для изготовления скульптур. В отличие от прочих периодов, скульпторы романтизма стараются передать, в первую очередь, эмоции и переживания, а не просто динамику или статику положений.

В этом плане интересен французский романтизм, получивший особо мощное развитие после наполеоновских войн и определенного разочарования общества в прежних идеалах. Скульпторы стремились передать эмоции сильной личности, возвеличивали героизм простых воинов. Показательны работы Франсуа Рюда (1784-1855) и, в первую очередь, его «Марсельеза», украшающая Триумфальную арку в Париже:

Композициям романтизма свойственен огромный накал страстей, при котором герои вот-вот выйдут за пределы своих человеческих возможностей. Человек в искусстве Нового времени – это всегда личность, а в работах французских деятелей романтизма – еще и творец истории.

Живопись

Все вышесказанное справедливо и по отношению к живописи. Портретная живопись получила новый толчок, когда портрет – это не просто самоцель, а средство передачи эмоциональной составляющей события. Как, например, в работе Эжена Делакруа (1798-1863) «Свобода, ведущая народ»:

Считается, что романтический стиль стимулировал появление множества художественных школ, оказал влияние на будущее развитие многих направлений живописи. В частности, таких, как эстетизм, символизм, авангард и импрессионизм.

Литература

В литературе романтизма сформировалась целая плеяда авторов, чьи произведения человечество читает до сих пор. Отметим при этом, что идеи романтизма многие литераторы разных стран понимали по-своему, однако везде человек рассматривается как основное звено и, если можно так сказать, «центр тяжести» всех событий.

Это поэзия Генриха Гейне (1797-1856) и Джорджа Байрона (1788-1824), это романы Виктора Гюго (1802-1885) и Александра Дюма (1802-1870), это сказки братьев Гримм и Эрнста Теодора Гофмана (1776-1822). Это множество других авторов, не всегда признанных при жизни, как, к примеру, Уильям Блейк (1757-1827), чьи стихи получили известность уже после его смерти.

Еще раз акцентируем, что понимание романтизма у разных авторов может существенно отличаться, что никоим образом не умаляет их художественного значения.

Музыка и зрелищные искусства

Музыка эпохи романтизма – это гимн человеческой душе, это звучащая в каждой ноте убежденность, что душа всегда будет властвовать над разумом и если разум может заблуждаться, то душа никогда. Среди образцов романтизма представлена самая разная музыка, от патриотической до академической.

Так, в период Французской революции появился гимн «Марсельеза», воодушевлявший народные массы на борьбу. В академической музыке основоположником романтизма считается Франц Шуберт (1797-1828), а наиболее знаковыми представителями романтизма стали Иоганнес Брамс (1833-1897), Фридерик Шопен (1810-1849), Феликс Мендельсон (1809-1847), Роберт Шуман (1810-1856). Больше вы узнаете из статьи «Романтизм в музыкальной культуре Западной Европы» [Л. Зорилова, 2014].

Даже беглый взгляд на годы жизни показывает, что в музыке влияние романтизма зачастую выходит за пределы условно очерченного периода конца 18 – первой половины 19 веков. Это еще более заметно, если обратить взор на творчество российских композиторов.

Так, к образцам романтизма традиционно причисляют творчество Петра Чайковского (1840-1893), Римского-Корсакова (1844-1908), Даргомыжского (1813-1869), Мусоргского (1839-1181) и других. Это еще раз подтверждает тезис, что в разных странах сходные культурно-исторические процессы имели свои особенности, в том числе и хронологические.

Развитие литературы и музыки дало почву для дальнейшего становления театрального и оперного искусства. Наиболее активно театры развивались во Франции. К слову, первый финансируемый государством театр появился во Франции еще во времена Людовика XIV, а в начале 19 столетия свой театр имели все большие и не очень большие города.

В России придворные театры известны с 17 века. При Петре I театральное искусство получило мощнейший толчок к развитию, далее поддержанный императрицами Елизаветой Петровной и Екатериной II. В 1803 году в российском театральном искусстве произошло разделение драматургических и музыкальных трупп, а музыкальные труппы далее разделились на балетные и оперные. Идея принадлежала Катерино Кавосу (1775-1840), итальянскому дирижеру и композитору, работавшему тогда в России.

Так или иначе, российский театр на протяжении всей своей первоначальной истории развивался под мощным влиянием западноевропейских деятелей искусства, при этом не теряя своей самобытности и нарабатывая свой русскоязычный репертуар.

Так развивалось искусство разных стран в Новое время. Далее мы предлагаем пройти проверочный тест и перейти к материалу следующего урока.

Проверьте свои знания

Если вы хотите проверить свои знания по теме данного урока, можете пройти небольшой тест, состоящий из нескольких вопросов. В каждом вопросе правильным может быть только один вариант. После выбора вами одного из вариантов система автоматически переходит к следующему вопросу. На получаемые вами баллы влияет правильность ваших ответов и затраченное на прохождение время. Обратите внимание, что вопросы каждый раз разные, а варианты перемешиваются.

Далее давайте познакомимся с модернизмом.

Ольга Обломова

Позднее барокко, туры и отдых в Италии по дешевым ценам в марте

 Джованни Баттиста Гаули – представитель позднего итальянского барокко

Во второй половине семнадцатого века в Италии наступает новый этап развития искусства, который получил название «позднее барокко». Этот период характеризуется легкостью фигур, тонкостями колорита, меньшей композиционной строгостью, усилением декоративности. Наиболее ярко новые тенденции проявляются в работах Джованни Баттисты Гаули (увидеть творения мастера можно, выбрав отдых в Италии).

Искусство Гаули перекликается с поздними работами Бернини. К его лучшим работам можно отнести роспись церкви Сант-Аньеза-ин-пьяцца-Навона, что находится в Риме. Работы художника выдержаны в светлых тонах, на них изображены христианские добродетели в аллегорических сценах. На то время легкость форм на картинах была новаторской. Особенно запоминается та сцена, на которой изображены две девушки. Они молоды и красивы, одна из них возлагает цветочный венок на голову другой.

Отдых в Италии – возможность ознакомиться с тенденциями позднего барокко в искусстве

Если вы купили недорогие авиабилеты на рейсы в Рим или комбинированные туры по Италии, то посетите церковь Иль-Джезу. Это главное культовое сооружение иезуитского ордена под одноименным названием. Над росписью купола, плафона и конхи абсиды работал Джованни Баттиста Гаули. Следует отметить, что плафон – это особенно показательный пример тенденций позднего барокко. Он носит название «Поклонение имени Иисуса». Здесь можно увидеть небесное пространство, которое уходит в глубину. Оно заполнено множеством фигур, которые переходят от темных к светлым. Также Гаули является автором портретов современников («Портрет Бернини», «Папа Климент IX»). Эти работы выполнены психологически тонко, без использования декоративных элементов.

Еще одним представителем искусства позднего барокко является Андреа Поццо. Его роспись плафона в церкви Сен-Иньяцио (Рим) известна во всем мире, так как являет собой яркий пример расширения архитектурного пространства.

В станковой живописи позднего барокко выделяются работы Карло Марата, они характеризируются спокойной композицией и плавностью линий.

Будем рады ответить на Ваши дополнительные вопросы о турах в Италию — воспользуйтесь формой запроса или звоните:
(495) 730-13-30.
Мы работаем с 09:00 до 20:30 в будние дни и с 11:30 до 17:00 по субботам.
Отзывы наших клиентов приведены здесь

Дополнительная информация:

Национальный музей западного искусства. Барокко

Геррит Доу (Gerrit Dou) — голландский художник эпохи барокко, родом из Лейдена . Он специализировался на жанровых сценах, автор многих картин с ночными сценами при свечах с сильной светотенью. Был учеником Рембрандта, от него воспринял эффект светотени. Мыльные пузыри часто используют в своих играх дети, а тема мыльных пузырей была довольно популярной еще в нидерландской школе живописи 16-го века. Художники изображали детей, выдувающих мыльные пузыри, чтобы передать краткости человеческой жизни, быстротечности красоты и неизбежности смерти.

Roman View of Ruins of Temple of Venus and Rome, Colosseum, and Arch of Constantine. 1634 год

художник Герман ван Сваневельт (1603 — 1655), голландская школа,

Национальный музей западного искусства (NMWA) — Токио

Герман ван Сваневельт (Herman van Swanevelt) — голландский живописец и гравер эпохи барокко, учился в Голландии. Двадцатилетним юношей приехал в Париж, а в 1629 году переехал в Рим, где писал пейзажи, ввел новый тип идиллического пейзажа. Писал так же пейзажи на библейские и мифологические сюжеты. В 1641 году Герман ван Сваневельт вернулся в Париж, где и жил, за исключением редких визитов на родину. Он стал членом Королевской академии, его покровителем во Франции были кардинал Ришелье и король Людовика XIV.


Натюрморт с корзиной фруктов, 1654 год

художник Корнелис де Хем (1631 — 1695), нидерландская школа,

Национальный музей западного искусства (NMWA) — Токио

Корнелис де Хем (Cornelis de Heem) — яркий представитель голландско-фламандской живописи, родился в семье художника в Лейдене, учился живописи у своего отца Яна Давидса де Хема. Основной жанр его работ — натюрморт. Его живопись принадлежит одновременно двум школам — Голландии и Фландрии, куда он переехал. Он был членом гильдии живописцев Антверпена, работал в Утрехте и Гааге. Работы художника хранятся во многих музеях Европы.


Натюрморт с книгой и черепом. 1663 год

художник Эдвард Кольер (1630/1650 -1708), голландская школа,

Национальный музей западного искусства (NMWA) — Токио

Эдвард Кольер (Edward Collier) — голландский художник эпохи барокко, был родом из города Бреда, Северный Брабант. Учился живописи в Харлеме , истытал влияние Питера Класа. К 1667 году переехал в Лейден, где стал членом гильдии Святого Луки. Затем жил и работал в Амстердаме. Писал натюрморты, его картины есть в Художественном музее Денвера, в Академии художеств Гонолулу, в Национальной портретной галерее (Соединенное Королевство) , Государственном музее (Амстердам) и галерее Тейт (Лондон).


Дубовый лес у дороги. XVII век

художник Якоб Исаакс ван Рёйсдал (1628/29 — 1682), голландская школа,

Национальный музей западного искусства (NMWA) — Токио


Пейзаж с дюной и небольшим водопадом. 1646 год

художник Якоб Исаакс ван Рёйсдал (1628/29 — 1682), голландская школа,

Национальный музей западного искусства (NMWA) — Токио

Якоб Исаакс ван Рёйсдал (Jacob van Ruisdael) — наиболее значительный голландский художник-пейзажист. Учился живописи у своего дяди художника Саломона ван Рёйсдала, вступил в харлемскую гильдию художников в 1648 году, затем работал в Амстердаме. Рёйсдал считается ведущим мастером пейзажной живописи Голландии. Ему удалось превратить ландшафтную живопись в зеркало человеческих эмоций. Художник любил писать лесные чащи, болота и водопады.


Лиман Маас (Дордрехт). 1644 год

художник Ян ван Гойен (1596 -1656), голландская школа,

Национальный музей западного искусства (NMWA) — Токио

Ян ван Гойен (Jan Josephsz. van Goyen) — выдающийся голландский художник-пейзажист, вместе с Саломоном ван Рёйсдалом и Питером де Молейном является представителем тонального пейзажа, появившегося в конце двадцатых годов XVII века. Учился живописи в Хорне у мастера пейзажа Виллема Герритса. После поездки во Францию Гойен в течение года обучался у Эсайаса ван де Вельде. Композиции картин Гойена, отличающиеся уверенными напряжёнными диагоналями перспективы к линии горизонта, экономность в цвете — монохромная палитра и просвечивающий грунт придают им невероятную глубину и неповторимое очарование.


Сельская свадьба. XVII век

художник Ян Стен (1626 — 1679), голландская школа,

Национальный музей западного искусства (NMWA) — Токио

Ян Стен ( (Jan Havickszoon Steen) — голландский живописец, родом из Лейдена. Учился живописи у Николауса Кнюпфера в Утрехте, в Харлеме у Адриана ван Остаде и Дирка Халса. В 1648 году вступил в лейденскую гильдию художников. Ян Стен считается одним из самых остроумных мастеров голландской жанровой живописи, он с долей изрядного юмора подходил к изображению библейских сцен. Разносторонне образованный, любознательный и весёлый человек, художник писал семейные портреты и сцены на постоялых дворах. Его творческое наследие составляют почти 400 картин, среди которых много написано на библейские сюжеты. Очень много работ Стен хранится в Рейксмузее в Амстердаме.


Мария Магдалина. XVII век

художник Филипп де Шампань (1602-1674), французская школа,

Национальный музей западного искусства (NMWA) — Токио

Филипп де Шампань (Philippe de Champaigne) — французский художник эпохи барокко. Родился в Брюсселе, был учеником пейзажиста Жака Фукьера, испытал влияние Рубенса. В 1621 году перебрался в Париж, где работал с Николя Пуссеном над украшением Люксембургского дворца под началом Николя Дюшене. Работал для королевы-матери Марии Медичи и кардинала Ришелье. Филипп де Шампань оставил достаточно крупное количество полотен, по большей части на религиозные сюжеты, и портреты. Мария Магдалина — персонаж Нового Завета, следовала за Иисусом Христом, присутствовала при Распятии и была свидетельницей его посмертного явления. Вероятно, Мария Магдалина является сочетанием трех женщин, упоминаемых в канонических Евангелиях, — Марии из Магдалы, из которой Иисус изгнал семерых бесов, Марии из Вифании — сестры Марфы и Лазаря, и Марии-грешницы, которая умастила миром ноги Иисуса. Последняя, возможно, была любовницей Христа. В апокрифическом Евангелие от Филиппа есть такие строчки — «И была Спасителю спутницей Мария Магдалина. Христос любил ее более всех, и часто лобзал ее уста». В повествования V века указано на прибытие Марии Магдалины в Прованс, в местечко, именуемое сегодня Сен-Мари-де-ла-Мер. Там она поселилась в одном из гротов в лесу Бом, ставшем еще в Средневековье местом паломничества. Реликвии, обнаруженные здесь в XIII веке, признаны Ватиканом как подлинные.


Пейзаж с танцами сатиров и нимф. 1646 год

художник Клод Лоррен (1600 -1682), французская школа,

Национальный музей западного искусства (NMWA) — Токио

Клод Лоррен (Claude Lorrain) — знаменитый французский живописец и гравёр пейзажей, был родом из Лотарингии. Учился в Италии у художника-пейзажиста Агостино Тасси, в Неаполе у Готфрида Вельса и Агостино Тасси. Жил и работал в Риме, за исключением двух лет, когда Клод Лоррен возвращался на родину и жил в Нанси. В эпоху барокко пейзаж считался второстепенным жанром, но картины Лоррена принесли ему богатство и признание. С большим мастерством художник изображал игру солнечных лучей в различные часы дня, свежесть утра, полуденный зной. В отличие от Пуссена, выходил за рамки академического пейзажа, в его работах всегда важен свет.


Божия Матерь. 1650 год

художник Карло Дольчи (1616 — 1686), итальянская школа,

Национальный музей западного искусства (NMWA) — Токио

Карло Дольчи (Carlo Dolci) — итальянский художник флорентинской школы барокко. Учился в художественной школе Якопо Виньяли. Испытал влияние Гвидо Рени, из-за его картин придает своим полотнам более интенсивное, красочное выражение. Развивал традиции мастерства классиков раннего Возрождения Филиппо Липпи и Пьетро Перуджино. В конце жизни Дольчи делает изображения своих персонажей на картинах более неподвижными и тяжёлыми, чтобы подчеркнуть их религиозность.


Лукреция. 1636/38 год,

художник Гвидо Рени (1575 — 1642), итальянская школа,

Национальный музей западного искусства (NMWA) — Токио

Гвидо Рени (Guido Reni) — итальянский живописец болонской школы. Учился в Италии у фламандского живописца Дениса Калверту, затем — в школе Лодовико Карраччи, в Риме изучал произведений Рафаэля. Испытал влияние М.-А. да Караваджо. В Эрмитаже есть 11 картин Гвидо Рени. Имя римлянки Лукреции с древности было синонимом женского целомудрия. История гибели Лукреции наиболее подробно рассказана у Тита Ливия. Во время осады войсками царя Тарквиния Гордого города рутулов Ардеи, сын царя, Секст Тарквиний, устроил пир для воинов своего отряда. Все пирующие восхваляли своих жен и решили проверить, чем занимаются римлянки, пока их мужья воюют. Так как Ардеи недалеко от Рима, то через несколько часов царский сын Секст Тарквиний и другие воины его легиона были уже в городе. Как и предполагалось, многие жены воинов предавались блуду, лишь жена родственника царя Коллатина Лукреция сидела за прялкой. Пораженный ее красотой, Секст Тарквиний через некоторое время вернулся в дом Лукреции и надругался над ней, обесчестив имя семьи Коллатина. Лукреция отправила вестника в военный лагерь к своему мужу. Коллатин вместе со своим другом Брутом приехал в Рим. Лукреция рассказала ему о своей беде и приняла смерть, заколовшись мечом мужа. Коллатин и Брут над телом Лукреции поклялись отомстить Тарквиниям. Тело Лукреции было отнесено в небольшой город недалеко от Рима, жители которого также принесли клятву об отмщении и начали восстание, завершившееся изгнанием из Рима этрусских царей. Коллатин и Брут стали первыми консулами возникшей в результате восстания республики.


Давид и Голиаф . 1650 год,

художник Гверчино (1591 — 1666), итальянская школа,

Национальный музей западного искусства (NMWA) — Токио

Гверчино (Guercino) — итальянский живописец болонской школы, был уроженцем феррарской провинции. Как художник сложился под влиянием Лодовико Карраччи, но непосредственно не обучался в Академии. В 1621 году Гверчино был приглашён в Рим папой Григорием XV. Голиаф — огромный филистимлянский воин в Ветхом Завете. Молодой Давид, будущий царь Иудеи и Израиля, побеждает Голиафа в поединке с помощью пращи, а затем отрубает его голову . Победой Давида над Голиафом началось наступление израильских и иудейских войск, которые изгнали со своей земли филистимлян .


Санкт-Хуста и Санкт-Руфина. Около 1665/66 года,

художник Бартоломе Эстебан Мурильо (1617-1682), испанская школа,

Национальный музей западного искусства (NMWA) — Токио

Бартоломе Эстебан Мурильо (Bartolome Esteban Murillo) — знаменитый испанский живописец, глава севильской школы. Учился у Хуана де Кастильо и вначале работал в его сухой, жесткой манере, затем испытал влияние ван Дейка. В Мадриде изучал и копировал в королевских дворцах произведения Тициана, Рубенса, ван Дейка и Риберы.


Философ Кратет Фиванский. 1636 год,

художник Бартоломе Хосе де Рибера (1591—1652), испанская школа,

Национальный музей западного искусства (NMWA) — Токио

Хосе де Рибера (Jose de Ribera) — испанский живописец, рисовальщик и гравер, представитель барокко в живописи. Ученик Рибальты из Валенсии, он совершенствовал своё художественное мастерство в Италии под влиянием Караваджо. С 1616 года и до конца жизни жил в Неаполе, работая по заказам местного духовенства и мадридского двора. Большинство его произведений хранятся в музее Прадо и в неаполитанских церквях. В 1626 году он был избран членом Римской академии Святого Луки. Кратет Фиванский ( IV в. до н. э. — III в. до н. э.) — древнегреческий философ, наиболее известный ученик Диогена Синопского. Изречения Кратета Фиванского:

Фламандская живопись в период барокко

Стиль живописи, созданный во Фландрии в 17 веке, известен как фламандское барокко. Этот стиль создавался примерно между 1585 годом, когда Голландская республика отделилась от южных областей Габсбургской Испании, до примерно 1700 года, когда правление Габсбургов закончилось после смерти короля Карла II. Антверпен — дом Питера Пауля Рубенса, Энтони Ван Дейка и Якоба Йорданса — занимал видное место в качестве точки художественного творчества в то время, как и Брюссель и Гент в меньшей степени.Питер Пауль Рубенс, выдающийся художник стиля фламандского барокко, оказал сильное влияние на художественную эстетику 17 века.

Фламандская живопись в стиле барокко примечательна тем, что она была разделена на разные тематические категории, и художники того времени, как правило, специализировались на одной из этих областей. Эти жанры включали историю, портретную живопись, жанр, пейзаж и натюрморты.

Историческая живопись

Историческая живопись, считавшаяся самым благородным жанром в 17 веке, состояла из изображений исторических, библейских, мифологических и аллегорических сцен.Питер Пауль Рубенс был доминирующим художником в этой категории, хотя его ученик Энтони Ван Дайк также стал заметным. В большей степени, чем в любой другой категории, фламандские художники-историки продолжали черпать влияние итальянской живописи. Рубенс провел девять лет в Италии, изучая работы мастеров, и познакомил с живописью монументальную сцену охоты. Примером этого служит его работа «Охота на волков и лис », которая изображает крупномасштабное благородное сражение и была вдохновлена ​​его исследованием классической древности.

Охота на волков и лис Питера Пауля Рубенса

Охота на волков и лис — это пример монументальной сцены охоты, которую Рубенс представил в живописи.

Портретные картины

Портретные картины были по большей части монументальными или в натуральную величину, хотя групповой и семейный портрет приобрел известность в 17 веке. Хотя он не был портретистом, Рубенс завершил некоторые ранние работы в этой категории.Он также оказал влияние через своего ученика Энтони Ван Дейка, который стал придворным художником Карла I Английского и оказал влияние на последующую портретную живопись в Англии.

Жанровая живопись

Жанровые картины изображают сцены из повседневной жизни и были очень распространены во Фландрии 17 века. На этих картинах изображены фигуры без определенной идентичности, обычно занятые деятельностью, связанной с «крестьянской жизнью». Многие художники жанра следуют традиции Питера Брейгеля Старшего в изображении низших слоев общества.Картины Адриана Брауэра, на которых часто изображены дерущиеся и пьяные крестьяне, служат образцом фламандской жанровой живописи. Брауэр известен тем, что рисует предметы в интерьере, а не в экстерьере. Он также был известен своими экспрессивными исследованиями лица, характерными для жанра «трони» (лица) и использовавшимся в таких работах, как «Горький напиток».

Village Lawyer Питер Брейгель

Жанровая картина Питера Брейгеля.

Пейзажи

Пейзажная живопись была еще одной важной категорией в 17 веке. Стиль развивался из фламандских пейзажных картин 16-го века, которые не были особенно реалистичными и использовали полуавтоматический вид, типичный для Питера Брейгеля Старшего. Архитектурная роспись интерьера также стала популярной примерно в это время, развиваясь из работ Ганса Вредмана де Вриза и изображая реалистичные интерьеры существующих церквей и соборов.

Натюрморты

Цветочные натюрморты были широко распространены во Фландрии 17 века, популяризированы Брейгелем Старшим около 1600 года. Его сыновья, Ян Брейгель Младший и Амброзиус Брейгель, также были известными специалистами по цветам того времени. Другие предметы или подкатегории натюрморта включали банкетный натюрморт, натюрморт с животными и сцены с гирляндами. В натюрмортах часто присутствует моралистический посыл о краткости жизни, характерной чертой которой являются «vanitas».»Ванитас — это символический натюрморт, который предназначен для иллюстрации бессмысленности земной жизни и быстротечности всех земных занятий. Картины Ванитас были очень популярны во фламандских и голландских работах 17-го века, и они часто изображают такие символы, как черепа, цветы. , гниющие фрукты, часы, часы, дым и песочные часы — все это призвано передать эфемерную природу жизни на Земле.

Картина Vanitas

Образец vanitas 17 века работы Франциска Гисбрехта.

Пробел в американских исследованиях по JSTOR

Информация о журнале

Миссия Art Journal, основанного в 1941 году, состоит в том, чтобы предоставить форум для научных исследований и визуальных исследований в области изобразительного искусства; быть уникальным голосом в этой области в качестве авторитетного, профессионально опосредованного форума по искусству; работать в пространстве между коммерческими издательствами, академическими изданиями и издательствами художников; быть педагогически полезным, устанавливая связи между теоретическими вопросами и их использованием в обучении на уровне колледжа и университета; изучить взаимосвязи между различными формами художественной практики и производства, а также между созданием искусства, историей искусства, визуальными исследованиями, теорией и критикой; дать возможность высказаться и публиковаться художникам, историкам искусства и другим писателям в области искусства; быть чутким к актуальным вопросам искусства как на национальном, так и на мировом уровне; сосредоточить внимание на темах, связанных с проблемами двадцатого и двадцать первого веков; способствовать диалогу и дебатам.Журнал, который приветствует авторов и художников со всего мира и на всех этапах карьеры, издается Ассоциацией искусств колледжей четыре раза в год весной, летом, осенью и зимой.

Информация об издателе

Основанное в 1911 году Художественное объединение колледжа … Способствует передовому опыту и преподаванию истории и критики. изобразительного искусства и творчества и технических навыков в преподавании и практики искусства.Облегчает обмен идеями и информацией между заинтересованными в искусстве и истории искусства. Выступает за всестороннее и инклюзивное образование в области изобразительного искусства. Выступает от имени членов по вопросам, касающимся изобразительного искусства и гуманитарных наук. Предоставляет возможности для публикации стипендий, критики и работ художников. сочинения. Способствует развитию карьеры и профессионального роста. Определяет и разрабатывает источники финансирования практики искусства и стипендий в искусство и гуманитарные науки.Отмечает достижения художников, искусствоведов и критиков. Формулирует и подтверждает высочайшие этические стандарты поведения профессия. Разрешение на фотокопирование текстов для внутреннего или личного использования (помимо этого разрешено разделами 107 и 108 Закона США об авторском праве), или однократно, ограниченное использование в некоммерческих учебных заведениях в учебных пакетах или закрытый доступ в учебных заведениях. веб-сайты курса Интранет, предоставленный Ассоциацией искусств колледжа без плата. Для других целей, пожалуйста, сначала свяжитесь с отдельным автором и / или другим правообладатели, чтобы получить письменное разрешение, затем Колледж художественной ассоциации.

Искусство барокко в Голландской Республике — Искусство 109 от Возрождения до Модерна

Карта Европы в 1648 году после Вестфальского договора

Тридцатилетняя война закончилась Вестфальским договором, который предоставил Европе свободу религиозного выбора. В то время как южная Фландрия оставалась под контролем католиков Испании, северные провинции отделились и образовали независимую республику, названную Соединенными провинциями Нидерландов или Голландской республикой. Голландская республика, управляемая процветающим средним классом, процветала благодаря торговле.Амстердам стал одним из крупнейших торговых центров мира, и на его складах хранились специи, золото, шелк, слоновая кость, сахар и фарфор. Хотя большинство населения составляли протестанты, к другим религиозным верованиям относились терпимо, что сделало такие города, как Антверпен, привлекательным убежищем для евреев, столкнувшихся с преследованиями в менее терпимых католических странах.

Питер Саенредам, Интерьер Св. Баво, Харлем, 1660
Художественный музей Вустера

Большинство протестантских церквей были похожи на эту, написанную голландским художником Питером Саенредамом, который специализировался на росписях церковных интерьеров.Протестантский запрет на религиозные изображения лишил художников прибыльных церковных комиссий, которые были опорой их профессии. Поэтому художникам, работающим в протестантских странах, приходилось искать новые предметы для привлечения клиентов.

Куиринг ван Брекеленкам, Мастерская портного, 1661
Рейксмузеум

Из-за протестантского запрета на религиозные изображения голландские художники специализировались на рисовании жанровых сцен — то есть сцен повседневной жизни.

«Художники теперь используют термин жанр, — французское слово, означающее« тип »или« добрый », для описания сцен, в которых люди работают, играют или отдыхают.Голландцы семнадцатого века, которые сделали больше, чем кто-либо другой, для популяризации таких изображений, не считали их отдельной категорией, а говорили о «веселых компаниях», «пикниках», «сценах в борделях» и т.п. Независимо от термина, цель жанровой живописи не в том, кто такие люди, как в портретной живописи, а в том, что они делают ».
Йоханнес Вермеер и голландские сцены повседневной жизни 1600-х годов (NGA)

Картины, как правило, были небольшого размера — поскольку они предназначались для домов среднего класса, а не для грандиозных церквей и дворцов — и не только банкиры и торговцы покупали произведения искусства! Мелкие лавочники, мясники и портные также покупали картины для украшения своих домов, что можно увидеть на этой картине портновской мастерской.И картины не были «сделаны на заказ», как это было в прошлом; вместо этого художники массово производили картины, которые потом покупали заказчики (конечно, портреты все еще делались на заказ). Чтобы облегчить этот массовый подход, художники специализировались на определенных жанрах. Типичные жанровые предметы — портреты, пейзажи, натюрморты и сцены повседневной жизни среднего класса.

Протестантская этика и дух капитализма
Как голландцы стали такими процветающими? Немецкий социолог Макс Вебер попытался ответить на этот вопрос в известной серии эссе под названием Протестантская этика и дух капитализма , опубликованной в 1930 году.В этом исследовании Вебер заметил, что протестанты сместили акцент с религиозной преданности на трудолюбие, полагая, что тяжелый труд был «призванием» и моральным долгом, а накопление богатства было признаком милости бога:

«Кальвинисты верят в предопределение — что Бог уже определил, кто будет спасен и проклят. По мере развития кальвинизма возникла глубокая психологическая потребность в разгадывании того, был ли человек на самом деле спасен, и кальвинисты искали эти ключи в своих успехах в мирской деятельности.Таким образом, они стали ценить прибыль и материальный успех как знаки Божьего благоволения ».
http://www.sparknotes.com/philosophy/protestantethic/summary.html

голландских жанровых сцены по-разному отражают эти ценности. Сцены благополучной жизни среднего класса прославляли достоинства промышленности, в то время как праздность осуждалась в сатирических картинах, предостерегающих от пороков лени. Натюрморты воспевали накопление богатства, изображая дорогие предметы с любовью к деталям, но протестантские лидеры также предостерегали от расточительных расходов на предметы роскоши. Vanitas символов, которые напоминали зрителям о быстротечности всего земного имущества, донесли до дома мысль о том, что такие удовольствия временны.

Питер де Хох, «Льняной шкаф», 1665,
, Рейксмузеум,

. Голландский мастер Питер де Хох специализировался на домашних сценах, дающих представление о повседневной жизни голландского среднего класса. На этом изображении две хорошо одетые женщины кладут стопку свежевыстиранного и выглаженного белья в шкаф. Дом хорошо обставлен (хотя и не слишком «эффектен») и безупречно чист (пол буквально блестит!).На заднем плане тихонько играет воспитанный ребенок. Подобно популярным телешоу 1950-х годов, изображавшим «идеальную семью» (например, «Отец знает лучше»), домашних сцен, подобных этой, служили уроками чистоте и порядку в доме.

Ян Стин, In Luxury Look Out (Остерегайтесь роскоши), 1663
Художественно-исторический музей, Gemäldegalerie, Вена, Австрия

Голландские художники одинаково восхищались сатирическими сценами, высмеивающими людей, которые не соблюдали правила протестантской трудовой этики ( аналог популярных комедий, таких как Симпсоны и Гриффины) .На этой картине Яна Стина изображена семья в полном беспорядке. Хозяйка дома заснула, и в доме царит хаос. Слева ребенок на стульчике швырнул еду на землю, а собака ест пирог на столе; за спящей матроной другой маленький ребенок курит трубку, а третий исследует шкаф, который обычно хранится под замком. В центре сидит молодая девушка (которая выглядит довольно навеселе) с молодым человеком, чья нога кокетливо скрещена с ее ногой.Позади них находится квакер с уткой на плече (что свидетельствует о том, что квакер — «шарлатан»), который слабо пытается навести порядок, читая Библию. Между тем, пол усыпан остатками пищи, что привлекло свинью, которая пробирается через дверь справа. Для голландцев все это послужило бы восхитительным предупреждением против опасностей «роскоши» и излишеств.

Якоб Ван Рейсдал, Вид на Харлем, ок. 1670

Самым популярным жанром на сегодняшний день была пейзажная живопись.На этой картине Якоба Ван Рейсдала изображен вид на Харлем и собор Святого Бавона вдали. Горизонт усеян ветряными мельницами, а на переднем плане полотно белят на солнце. Сосредоточившись на возделанном ландшафте — природе, преобразованной промышленностью и производительным трудом, — голландская пейзажная живопись отражает чувство гордости за национальную промышленность и производительность, а также веру в то, что процветание Голландии является признаком Божьей милости.

Фра Андреа Поццо, Прославление св. Игнатия, 1691-94

Как и во многих пейзажах Рейсдаля, три четверти изображения занимает небо, а темнеющие облака указывают на приближающуюся бурю.Это внимание к метеорологии (изучение атмосферы и погодных процессов) отражает научное мировоззрение, которое резко контрастирует с католическими художниками эпохи барокко, такими как фра Андреа Поццо, которые все еще представляли небо как место для чудесных явлений!

Питер Клас, Vanitas Still Life, 1630–19000 гг.

Натюрморты, изображающие различные предметы, расположенные на столе, также были популярны. Они часто включают дорогие предметы роскоши, такие как серебро, хрусталь и экзотические предметы, привезенные из далеких стран.Голландские натюрморты отражают стремление среднего класса к материальным благам, но при этом часто содержат напоминания о «тщеславии земных владений», о которой предупреждали протестантские священники. На этой картине череп — очевидный символ vanitas — напоминание о том, что всем земным удовольствиям когда-нибудь придет конец. Но другие напоминания о быстротечности жизни включают часы, треснувший орех и перевернутое стекло.

Отраженный в глобусе образ художника за работой (вспоминая отражение в вогнутом зеркале портрета Арнольфини Ван Эйка ) , представляет противоречивое желание со стороны художника увековечить себя среди всех этих символов намекая на быстротечность жизни!

Рембрандт ван Рейн, Тобит и Анна с ребенком, 1626
Рейксмузеум

Рембрандт ван Рейн
Одним из величайших мастеров голландской живописи в стиле барокко был Рембрандт ван Рейн, который работал в различных областях и был известен своими офортами и гравюрами , как и его картины.Рембрандт продолжал писать религиозные сюжеты, несмотря на протестантские взгляды. Однако его подход к религиозным вопросам оставался совместимым с протестантскими ценностями: Лютер и Кальвин подчеркивали важность чтения Библии, а религиозные предметы Рембрандта отражают его глубоко личное толкование историй из Ветхого и Нового Заветов.

t enebrism Караваджо можно увидеть в мрачных ночных сценах Рембрандта; как и Караваджо, он использовал реальных людей в качестве моделей для своих религиозных предметов.Иногда он изображал членов семьи (а также себя самого) в облике религиозных святых и пророков, чтобы выразить свою глубокую веру в то, что святость может быть найдена в каждом человеке и что красота — это то, что исходит изнутри.

Рембрандт ван Рейн, Глава Иисуса Христа, ок. 1648-54
Детройтский институт искусств

Рембрандт часто использовал еврейские модели для своих сцен из Ветхого Завета, признавая, что исторические персонажи Библии сами были евреями и ближневосточниками по рождению:

«Для Рембрандта работа по еврейской модели была бы средством вернуться к исторической истине, изобразить Иисуса чистым, как еврея, которым он был, — формой реализма, насмехающегося над традициями.”
Лувр

Питер Пауль Рубенс, Снятие с креста, 1612-1614

Рембрандт ван Рейн, Снятие с креста, 1634

Подход Рембрандта к религиозным вопросам сильно отличался от его современников-католиков, как видно из этого сравнения. Хотя работа Рембрандта «« Спуск с креста »была основана непосредственно на этой более ранней версии Рубенса, различия между двумя работами говорят сами за себя: в то время как работа Рубенса является оперной, полна величественных жестов и великолепно одетых фигур, версия Рембрандта, кажется, избегает всякого величия. , чтобы сильнее сосредоточиться на нежных человеческих эмоциях сцены.Как отмечает Гарднер «Искусство сквозь века» :

«Образы Рембрандта — это не роскошное, подавляющее искусство Италии в стиле барокко. Скорее, его искусство — это искусство убежденного кальвиниста, который хотел интерпретировать библейские повествования в человеческих (в отличие от возвышенных теологических) терминов. Духовная тишина религиозного искусства Рембрандта — это созерцание, обращенное внутрь себя, вдали от хоров и труб и небесного шума Бернини или Поццо. . . . »
Искусство Гарднера сквозь века, с.310

Психология света
Если картины Рембрандта «тихие», они не менее психологически напряжены — и одно из его основных средств передачи эмоций и психологии — использование света. В картинах Рембрандта освещение несет в себе всю эмоциональную насыщенность:

«Рембрандт обнаружил, что, управляя направлением, интенсивностью, расстоянием и текстурой поверхности света и тени, он может передать самые тонкие нюансы характера и настроения.. . »
Искусство Гарднера сквозь века, с. 303

Рембрандт, Христос с больным (гравюра на сто гульденов), 1649
Rijksmuseum

На этом офорте, изображающем Христа среди больных, мы видим, как Рембрандт использует освещение для передачи психологии и эмоций. Как и Альбрехт Дюрер, Рембрандт был мастером печати. Этот конкретный офорт был продан за рекордную сумму в 100 гульденов, поэтому он получил прозвище «Сотня гульденов».

Изображение отражает глубоко гуманистическую интерпретацию Рембрандтом истории жизни Христа.В этой сцене Христос кажется тихим, нежным и безмятежным, а не героическим и величественным. Его окружают изгои общества: больные, слепые, хромые и молодые — все они учились с натуры. Христос жестом призывает людей собраться рядом с ним, поскольку его окружают лучи света, неся яркость мрака, надежду и спасение страждущим. Рембрандт использует освещение, чтобы усилить человеческую нежность сцены и подчеркнуть весть о любви Христа ко всему человечеству, независимо от богатства.


Рембрандт и эстамп (Художественный музей Филадельфии)
https://www.youtube.com/watch?v=RM0qlQ0lyBc

Рембрандт, Портрет Германа Думера, 1640 г.
Метрополитен-музей

Основным источником дохода Рембрандта были портреты. Фактически, он стал одним из самых востребованных портретистов в Голландии, вероятно, потому, что он точно знал, чего хотят его голландские покровители. Служители-кальвинисты призывали своих прихожан остерегаться тщеславия мирских владений, а голландцы намеренно одевались в приглушенные цвета, чтобы избежать ярких нарядов, которые были обычным явлением в других странах.Но голландцы также хотели отпраздновать свое богатство, и в своих портретах Рембрандт знал, как сделать так, чтобы его натурщики выглядели «богатыми», оставаясь при этом «скромными». Как говорит Саймон Шама, он знал, как позволить им «хвастаться, не выпендриваясь».

Франс Халс, Лучники Святого Адриана, 1633 Корнелис Антонис, Банкет членов Амстердамской гражданской гвардии, 1533 Амстердамский исторический музей

Самые престижные заказы на портреты поступали от голландских ополченцев, которые регулярно заказывали групповые портреты в честь своих ежегодных банкетов.Традиционно эти портреты были очень жесткими и формальными — во многом как фотография класса 5 th — но Франс Халс, который специализировался в этом жанре, привнес новую живость, изображая участников в момент откровенного веселья. Некоторые из натурщиков смотрят на зрителя, заставляя нас чувствовать, будто мы только что присоединились к вечеринке. Такое «зрительское участие» связывает Хальса с художниками католического барокко, даже если цели очень разные.

Рембрандт ван Рейн, Компания Франса Баннинга Кокка и Виллема ван Рюйтенберча (Ночной дозор), 1642
Рейксмузеум

Рембрандт сделал еще один шаг вперед в этом подходе к групповому портрету, показав свою роту в действии, когда они выстраиваются в шеренги, чтобы поприветствовать собравшихся. прибытие королевы Франции.


Рембрандт, Ночная стража (Академия Хана)

Посмотрите следующее видео и послушайте, как Саймон Шама обсуждает портреты Рембрандта и провал его «Ночного дозора »:


Саймон Шама: Сила искусства — Рембрандт 2/4

Более поздняя работа
Покровителю «Ночного дозора» Рембрандта работа не понравилась, и они отказались платить ему. Мы можем только догадываться об их причинах, но неудача была лишь одной из многих, которые Рембрандт пережил в то время: в 1642 году умерла его жена Саския, а в 1656 году он был объявлен банкротом (Рембрандт был печально известным расточителем и испытывал большие затруднения. управление его деньгами).Именно в этот момент его религиозные предметы стали более интроспективными и созерцательными (как говорит Саймон Шама, «он уменьшил громкость мира и переключился на внутреннее, тихое сияние»), но его стиль рисования также резко изменился.

Рембрандт, Женщина, купающаяся в ручье (Хендрикье Стоффельс?), 1654
Национальная галерея, Лондон

По сравнению с его более ранними работами, эта картина, изображающая женщину, плывущую в ручье, очень схематична и написана небрежно. Рембрандт использовал различные техники, такие как тряпка, импасто и сграфитто.Современникам этот стиль казался неряшливым и незавершенным, но Рембрандт понимал, что эта схематичная картина дает его предметам непосредственность , чего нельзя было достичь с помощью более детализированного и реалистичного стиля. Как объясняет Гарднер «Искусство сквозь века », художник на самом деле пытался добиться еще более натуралистической передачи ускользающих эффектов света:

«Эта техника ближе к реальности, потому что глаза воспринимают свет и тьму не как статичные, а как всегда слегка изменяющиеся.»
Искусство Гарднера сквозь века, стр. 309

Рембрандт, Автопортрет, 1659-60

Рембрандт написал множество автопортретов на протяжении всей своей жизни, и они позволяют проникнуть в глубину души художника и человека. Как и Леонардо, Рембрандт стремился выразить неосязаемые нюансы настроения и психологии:

«Ни один из его портретов не является наблюдаемым документом внешности человека. Каждый из них — это вопрос о том, что значит существовать. Каждый пытается добраться до невидимого разума, души, характера — как бы вы ни называли внутреннего человека, Рембрандт рисует это.»
Джонатан Джонс,« Автопортрет в возрасте 63 лет, Рембрандт », The Guardian

Чтобы передать неосязаемую психологию «невидимого разума», Рембрандт использовал световые эффекты, которые создают тонкие нюансы характера и настроения, и он применил свою краску в свободном «живописном» стиле, жертвуя деталями в пользу выражения. Характер и личность, которые проявляются в его автопортретах, настолько убедительны, что мы чувствуем себя так, будто находимся в присутствии самого человека.Как выразился Джонатан Джонс: « Это не похоже на взгляд на картину. Это похоже на встречу с Рембрандтом. Вы не знаете, что ему сказать, и боитесь того, что он собирается вам сказать ».

В автопортретах Рембрандта мы являемся свидетелями кульминации гуманизма эпохи Возрождения и его пробуждающегося самосознания — поскольку здесь мы встречаем человека в современном смысле этого слова.


Рембрандт, Автопортрет, 1659 (Академия Хана)
https: // www.khanacademy.org/humanities/monarchy-enlightenment/baroque-art1/holland/v/rembrandt-nga-self-portrait

Ян Вермеер, Кухонная горничная, 1658
Rijksmuseum

Другим великим голландским художником был Ян Вермеер, который зарабатывал себе на жизнь трактирщиком и торговцем произведениями искусства. За свою жизнь он написал лишь небольшую горстку картин, большинство из которых — это внутренние сцены, подобные этой, с единственной фигурой в интерьере, освещенной светом из окна слева. Атмосфера спокойная и безмятежная, как будто время остановилось:

«Картины Вермеера всегда освещены даже дневным светом, в отличие от темного и светлого контраста в работах Рембрандта.Свет Вермеера не предназначен для создания драматического эффекта. Скорее, это помогает создать спокойную атмосферу ».
Государственный музей

Крошечные точки света
Как нарисовать «блики» на том, что уже имеет светлый цвет? Вермеер добился яркого света на этой картине, нанеся крошечные белые пятна на желтый лиф доярки, края кувшина и миски, а также хлеб. Вблизи это может показаться сильным проявлением перхоти, но с нормального расстояния белые пятна создают видимость яркого света.

Камера-обскура
Широко распространено мнение, что Вермеер использовал камеру-обскуру для своих картин. Камера-обскура представляет собой коробку (или комнату) с отверстием, которое создает апертуру. Предметы вне коробки проецируются на внутреннюю стену и переворачиваются. Эту теорию подтверждают «круги замешательства», которые появляются на фотографиях Вермеера. Они похожи на размытые части изображения, которые немного не в фокусе.


Ян Вермеер и камера-обскура (Национальная художественная галерея)
https: // www.youtube.com/watch?v=5SpaJtCv1hI

Подробнее: http://www.nga.gov/exhibitions/verm_4.shtm


Tim’s Vermeer — новый фильм о художнике-графике, который исследовал использование Вермеером технологий для создания своих картин

Ян Вермеер, «Молодая женщина с кувшином», 1662
Метрополитен-музей

Научное исследование Вермеера свойств света также можно увидеть на этой фотографии молодой женщины, остановившейся у открытого окна. Атмосфера спокойная, бледный ясный свет, заливающий комнату, вызывает мягкое тепло раннего утреннего солнца.Яркость рисунка можно отнести к тому, как Вермеер рисовал тени. Он обнаружил, что тени не бесцветны, а фактически отражают цвет окружающих их предметов. Тени на белой вуали женщины не серые и тусклые, а имеют пурпурный и синий оттенок, отражаясь от голубого неба за окном. Точно так же кувшин подбирает синий цвет одежды, висящей на спинке стула, а поднос подбирает бесчисленные цвета ковра, покрывающего стол.


Девушка Вермеера с кувшином, Smarthistory

Свет Вермеера
Как мы видели, свет был центральным элементом в искусстве барокко.Бернини использовал его для драматического эффекта в своих работах, а Караваджо использовал его, чтобы указать на таинственное присутствие Бога. Рембрандт манипулировал светом, чтобы передать нюансы психологии, настроения и эмоций, но Вермеер использовал свет совсем по-другому: он изучал свет как ученый и применял его как поэт!


Йоханнес Вермеер, Женщина, держащая равновесие (Академия Хана
https://www.khanacademy.org/humanities/monarchy-enlightenment/baroque-art1/holland/v/vermeer-woman-with-balance

_______________________________________

Интернет-ресурсы:

Жанровая живопись в Северной Европе, Хейльбрунн Хронология истории искусств
http: // www.metmuseum.org/toah/hd/gnrn/hd_gnrn.htm

Голландские натюрморты и пейзаж 1600-х годов (NGA)
http://www.nga.gov/collection/gallery/gg47/gg47-main1.html

Рейксмузеум
http://www.rijksmuseum.nl/meesterwerken?lang=en

Автопортреты Рембрандта
http://www.rembrandtpainting.net/rembrandt_self_portraits.htm

Рембрандт Ван Рейн, Хейлбрун, хронология истории искусств
http://www.metmuseum.org/toah/hd/rmbt/hd_rmbt.htm

Репродукции Рембрандта Ван Рейна, Хронология истории искусств
http: // www.metmuseum.org/toah/hd/rembp/hd_rembp.htm

Йоханнес Вермеер, Хейлбрун, Хронология истории искусств
http://www.metmuseum.org/toah/hd/verm/hd_verm.htm

Йоханнес Вермеер и голландские сцены повседневной жизни 1600-х годов (Национальная художественная галерея)
http://www.nga.gov/collection/gallery/gg51/gg51-main1.html

Йоханнес Вермеер, Искусство живописи, Национальная художественная галерея
http://www.nga.gov/exhibitions/verm_4.shtm

Нравится:

Нравится Загрузка…

Западные художественные движения и их влияние

История искусства восходит к десяткам тысяч лет назад, когда древние цивилизации использовали доступные методы и средства массовой информации для изображения культурно значимых предметов. Начиная с этих ранних примеров, последовало множество художественных движений, каждое из которых несло свои собственные отличные стили и характеристики, отражающие политические и социальные влияния того периода, из которого они возникли. Независимо от того, являетесь ли вы начинающим коллекционером или просто цените работы великих художников истории, стоит начать с изучения основных движений временной шкалы истории искусства.

Влиятельные жанры искусства от эпохи Возрождения до подъема модернизма, несомненно, оставили свой след в истории. Сегодня многие художники, такие как Бэнкси, Керри Джеймс Маршалл, Микален Томас и Кехинде Вили, постоянно вливают исторические отсылки к искусству в современные произведения, поэтому понимание исторического контекста и значения каждого периода и движения имеет решающее значение как для коллекционеров, так и для любителей искусства. Ниже представлена ​​подробная хронология художественных движений, в которой исследуются характеристики, ведущие участники и важные влияния каждого выдающегося периода в истории западного искусства.

Нажмите на жанры ниже, чтобы узнать больше об основных характеристиках и основных участниках поворотных периодов западного искусства.

  1. Доисторическое искусство ~ 40–4 тыс. До н. Э.

    Характеристики Резьба по камню, живописные изображения, скульптуры и каменные композиции

    Ведущие участники Доисторические культуры, существовавшие до появления письменности

    Влиятельные работы Наскальные рисунки Ласко, эпоха палеолита

    Наскальные рисунки Ласко, эпоха палеолита
  2. Древнее искусство 30 000 лет до н. Э.C.–A.D. 400

    Характеристика Религиозно-символическая образность, украшения утилитарных предметов, мифологические сюжеты

    Ведущие участники Цивилизации Месопотамии, Египта, Греции и Америки

    Влиятельные произведения Кодекс Хаммурапи , 1754 г. до н. Э.

    Месопотамия, Кодекс Хаммурапи , 1754 г. до н. Э.
  3. Средневековье от 500 до нашей эры. 1400

    ХарактеристикиТемные образы, библейские сюжеты, Классическая мифология, Готическая архитектура

    ведущих авторов Аббат Сугер Чимабуэ Джотто

    Влиятельные работы Чимабуэ
    Распятие , 1288 Джотто
    Оплакивание Христа , 1305

    Чимабуэ, Распятие , 1288
  4. Возрождение 1400–1600 гг.

    Характеристики Природные элементы, индивидуализм, реализм, внимание к деталям, точность анатомии человека

    Ведущие авторы: Леонардо да Винчи, Микеланджело, Рафаэль,

    .

    Влиятельные работы Леонардо да Винчи
    Мона Лиза , 1503 Микеланджело
    Давид , 1504 Рафаэль
    Афинская школа , 1511

    Рафаэль, Афинская школа , 1511
  5. Маньеризм 1527–1580 гг.

    Характеристики Стилизованные элементы, преувеличенные детали, декоративные элементы

    ведущих авторов Бронзино Франческо Сальвиати Джорджио Вазари

    Влиятельные произведения Бронзино, Венера, Амур, Безумие и время , 1540 Джорджо Вазари
    Аллегория Непорочного зачатия , 1541

    Бронзино, Венера, Амур, Безумие и время , 1540
  6. Барокко 1600–1750 гг.

    Характеристики Изысканный, величавый, богатый, стилистически сложный, драматичный

    ведущих авторов Караваджо Йоханнес Вермеер Рембрандт ван Рейн

    Влиятельные работы Караваджо
    Призвание святого Матфея , 1600 Рембрандт
    Ночной дозор , 1642 Йоханнес Вермеер
    Девушка с жемчужной сережкой , 1665

    Караваджо, Призвание св. Матфея , 1600
  7. Рококо 1699–1780 гг.

    Характеристики Легкость, элегантность, естественные формы, асимметричный дизайн, нежные цвета

    Ведущие участники Антуан Ватто Франсуа Буше

    Влиятельные работы Антуан Ватто
    Посадка на Киферу , 1718 Франсуа Буше
    Венера, утешающая любовь , 1751

    Антуан Ватто, Посадка на Cythera , 1718
  8. Неоклассицизм 1750–1850 гг.

    Характеристики Возобновленный интерес к классической старине, гармонии, простоте и пропорции

    ведущих авторов Антонио Канова Жак-Луи Давид

    Влиятельные работы Жак-Луи Давид
    Наполеон пересекает Альпы , 1801 Антонио Канова
    Три грации , 1816

    Жак Луи Давид, Наполеон пересекает Альпы , 1801
  9. Романтизм 1780–1850 гг.

    Характеристики Элементы воображения, сосредоточенность на страсти, эмоциях и наблюдении за чувствами

    ведущих авторов Франсиско Гойя Генри Фузели Уильям Блейк

    Влиятельные работы Генри Фусели
    Кошмар , 1781 Уильям Блейк
    Призрак блохи , 1820 Франсиско Гойя
    Сатурн, пожирающий своего сына , 1823

    Уильям Блейк, Призрак блохи , 1820
  10. Реализм 1848–1900 гг.

    ХарактеристикиПодробные изображения повседневной жизни

    Ведущие участники Гюстав Курбе Жан-Франсуа Милле

    Влиятельные работы Жан-Франсуа Милле
    Собиратели , 1857 Гюстав Курбе
    Женщина с попугаем , 1866

    Жан-Франсуа Милле, Собиратели , 1857 г.
  11. Модерн 1890–1910

    Характеристики Длинные, извилистые линии и кривые

    ведущих авторов Альфонс Муха Антони Гауди Густав Климт

    Влиятельные работы Антонио Гауди
    Церковь Святого Семейства , 1882 г. Густав Климт
    Поцелуй , 1908 Альфонс Муха
    Принцесса Гиацинт , 1911

    Альфонс Муха, Принцесса Гиацинт , 1911 г.
  12. Импрессионизм 1865–1885 гг.

    Характеристики Короткие, быстрые мазки, разделение цветов, отделка в стиле эскиза, современная тематика

    Ведущие авторы: Клод Моне, Пьер Огюст Ренуар,

    Влиятельные произведения Пьер Огюст Ренуар
    Танец в городе , 1872 Клод Моне, Впечатление, Восход солнца , 1899

    Клод Моне, Впечатление, Восход солнца , 1899
  13. Постимпрессионизм 1885–1910 гг.

    Характеристики Субъективные видения, символика, абстракция

    Ведущие участники Жорж Сёра Винсент Ван Гог

    Влиятельные работы Жорж Сёра
    Воскресный полдень на острове Ла Гранд Жатт , 1886 Винсент Ван Гог
    Звездная ночь , 1889

    Жорж Сёра, Воскресный полдень на острове Ла Гранд Жат , 1886
  14. Фовизм 1900–1935 гг.

    Характеристики Выразительные цвета, линии и манера письма, жирный дизайн поверхности, плоская композиция

    ведущих авторов Андре Дерен Анри Матисс

    Влиятельные работы Анри Матисс
    Женщина в шляпе , 1905 Андре Дерен
    Здание парламента , 1905-1906

    Анри Матисс, Женщина в шляпе , 1905
  15. Экспрессионизм 1905–1920 гг.

    Характеристики Искажение формы, сильное использование цветов

    Ведущие авторы Эдвард Мунк Василий Кандинский

    Влиятельные работы Эдвард Мунк
    Танец жизни , 1900 Василий Кандинский
    Синий всадник , 1903

    Эдвард Мунк, Танец жизни , 1900
  16. Кубизм 1907–1914 гг.

    Характеристики Абстракция, плоские, двумерные поверхности, геометрические формы, контрастные точки обзора

    ведущих авторов Жорж Брак Пабло Пикассо

    Влиятельные произведения Жорж Брак
    Скрипка и палитра , 1909 Пабло Пикассо
    Герника , 1937

    Жорж Брак, Скрипка и палитра , 1909
  17. Сюрреализм 1917–1950

    Характеристики Исследование сновидений и бессознательного, вдохновленное Зигмундом Фрейдом

    ведущих авторов Макс Эрнст Рене Магритт Сальвадор Дали

    Влиятельные произведения Сальвадор Дали
    Постоянство памяти , 1931 Макс Эрнст
    Облачение невесты , 1940 Рене Магритт
    Сын Человеческий , 1964

    Рене Магритт, Сын Человеческий , 1964
  18. Абстрактный экспрессионизм 1940–1950-х гг.

    Характеристики Спонтанность, импровизация, колоссальные масштабы, уникальные техники

    ведущих авторов Джексон Поллок Марк Ротко

    Influential Works Джексон Поллок
    Осенний ритм (номер 30) , 1950 Марк Ротко
    Оранжевый и желтый , 1956

    Джексон Поллок, Осенний ритм (номер 30) , 1950
  19. Оп-арт 1950–1960-х годов

    Характеристики Использование цветов, узоров, форм и контраста для создания движущихся или размытых изображений

    Ведущие авторы: Бриджит Райли Жан-Пьер Ивараль Виктор Вазарели

    Influential Works — Бриджит Райли
    Blaze , 1964

    Бриджит Райли, Blaze , 1964
  20. Поп-арт 1950–1960-х гг.

    Характеристики Использование повседневных, обыденных предметов, смелые, яркие цвета, средства массовой информации

    Ведущие авторы Энди Уорхол Рой Лихтенштейн

    Influential Works Энди Уорхол
    Банки с супом Кэмпбелла , 1962 Рой Лихтенштейн
    Мазки , 1962

    Энди Уорхол, Банки с супом Кэмпбелла , 1962 г.
  21. Арте повера 1960-х годов

    Характеристики Использование почвы, камней, бумаги и других природных элементов для создания доиндустриального настроения

    ведущих авторов Алигьеро Боэтти Джованни Ансельмо Марио Мерц

    Influential WorksМарио Мерц
    Иглу Зиапа , 1968

    Марио Мерц, Иглу Зиапа, , 1968 г.
  22. Минимализм 1960–1970-х гг.

    Характеристики Сосредоточение на том, что изображает искусство, помимо внешних реалий и эмоций

    ведущих авторов Карл Андре Дональд Джадд Фрэнк Стелла

    Influential Works Фрэнк Стелла
    Black Series I , 1967

    Фрэнк Стелла, Black Series I , 1967
  23. Концептуальное искусство середины 1960-х — середины 1970-х гг.

    Характеристики Упор на идеи, а не на визуальные компоненты в виде перформансов, эфемерных и других форм

    Ведущие участники Джозеф Кошут Марсель Дюшан Сол Левитт

    Influential Works Джозеф Кошут
    Одно и три стула , 1965

    Джозеф Кошут, Одно и три стула , 1965
  24. Современное искусство 1970 – настоящее время

    Характеристики Исследование постмодернизма, феминистского искусства, неоэкспрессионизма, уличного искусства, искусства присвоения, цифрового искусства и других небольших школ

    Ведущие участники Джефф Кунс

    Influential Works Джефф Кунс
    Майкл Джексон и Бабблз , 1988

    Джефф Кунс, Майкл Джексон и Бабблз , 1988

Характеристики Резьба по камню, живописные изображения, скульптуры и каменные композиции

Ведущие участники Доисторические культуры, существовавшие до появления письменности

Влиятельные работы Наскальные рисунки Ласко, эпоха палеолита

Доисторическое искусство (~ 40 000–4 000 до н.э.С.)

Истоки истории искусства восходят к доисторической эпохе, когда еще не велись письменные записи. Самые ранние артефакты происходят из эпохи палеолита или древнего каменного века в виде наскальных рисунков, гравюр, живописных изображений, скульптур и каменных композиций.

Искусство этого периода основывалось на использовании натуральных пигментов и резьбе по камню для создания изображений предметов, животных и ритуалов, которые управляли существованием цивилизации. Один из самых известных примеров — это палеолитические наскальные рисунки, найденные в сложных пещерах Ласко во Франции.Хотя они были обнаружены в 1940 году, им, по оценкам, около 20 000 лет, и на них изображены крупные животные и растительность этого района.

Древнее искусство (4000 г. до н.э. — 400 г. н.э.)

Неизвестно, Кодекс Хаммурапи, около 1792 — около 1750 гг. До н. Э. Изображение взято с Wikimedia Commons.

Древнее искусство было создано развитыми цивилизациями, которые в данном случае относятся к тем, у кого есть устоявшаяся письменность. Эти цивилизации включали Месопотамию, Египет, Грецию и страны Северной и Южной Америки.

Средство создания произведения искусства этого периода варьируется в зависимости от цивилизации, создавшей его, но большинство произведений искусства служило аналогичным целям: рассказывать истории, украшать утилитарные предметы, такие как чаши и оружие, отображать религиозные и символические образы и демонстрировать социальный статус. На многих работах изображены истории о правителях, богах и богинях.

Одним из самых известных произведений древней Месопотамии является Кодекс Хаммурапи . Созданный около 1792 года до нашей эры, этот предмет несет в себе вавилонский свод законов, высеченный на камне, украшенный изображением царя Хаммурапи — шестого царя Вавилонии — и месопотамского бога Шабаша .

Средневековое искусство (500–1400)

Симоне Мартини. Продано на аукционе Sotheby’s за 4 114 500 долларов (январь 2012 г.).

Средние века, часто называемые «темными веками», ознаменовали период экономического и культурного упадка после падения Римской империи в 476 году нашей эры. гротескными образами и жестокими декорациями. Искусство, произведенное в то время, было сосредоточено вокруг церкви. По прошествии первого тысячелетия появились более сложные и искусно украшенные церкви; окна и силуэты украшали библейские сюжеты и сцены из классической мифологии.

Этот период также был ответственен за появление иллюминированной рукописи и стиля готической архитектуры. Яркие примеры влиятельного искусства этого периода включают катакомбы в Риме, собор Святой Софии в Стамбуле, Евангелие Линдисфарна года , один из самых известных примеров иллюминированной рукописи, и Нотр-Дам, парижский собор и выдающийся образец готической архитектуры. .

Искусство эпохи Возрождения (1400–1600)

Рафаэлло Санцио да Урбин, Афинская школа, 1511 г.Изображение взято с Wikimedia Commons.

Этот стиль живописи, скульптуры и декоративного искусства характеризовался акцентом на природе и индивидуализмом. — мыслью о человеке как независимом и самостоятельном. Хотя эти идеалы присутствовали в период позднего средневековья, они процветали в 15 и 16 веках, параллельно с социальными и экономическими изменениями, такими как секуляризация.

Эпоха Возрождения достигла своего апогея во Флоренции, Италия, во многом благодаря Медичи, богатой купеческой семье, которая упорно поддерживала искусство и гуманизм , множество верований и философий, делающих упор на человеческое царство.Итальянский дизайнер Филиппо Брунеллески и скульптор Донателло были ключевыми новаторами в этот период.

Высокое Возрождение, продолжавшееся с 1490 по 1527 год, породило таких влиятельных художников, как да Винчи, Микеланджело и Рафаэль, каждый из которых принес творческую силу и руководил идеалами эмоционального выражения. Произведения искусства в эпоху Возрождения характеризовались реализмом, вниманием к деталям и точным изучением анатомии человека. Художники использовали линейную перспективу и создали глубину за счет интенсивного освещения и затенения.Искусство начало стилистически меняться вскоре после Высокого Возрождения, когда столкновения христианской веры и гуманизма уступили место маньеризму.

Маньеризм (1527–1580)

Последователь Джорджо Вазари, Святое Семейство, 17 век. Предлагается по цене от 6000 до 8000 евро на сайте Artcurial (май 2010 г.).

Художники-маньеристы возникли из идеалов Микеланджело, Рафаэля и других художников позднего Возрождения, но их внимание к стилю и технике перевешивало смысл предмета.Часто фигуры имели изящные вытянутые конечности, маленькие головы, стилизованные черты лица и преувеличенные детали. Это привело к созданию более сложных стилизованных композиций, вместо того, чтобы полагаться на классические идеалы гармоничной композиции и линейной перспективы, используемые их предшественниками в стиле эпохи Возрождения.

Некоторые из самых известных художников-маньеристов включают Джорджо Вазари, Франческо Сальвиати, Доменико Беккафуми и Бронзино, который широко считается самым важным художником-маньеристом во Флоренции своего времени.

Барокко (1600–1750)

Караваджо, Призвание святого Матфея, около 1599-1600 гг. Изображение взято с Wikimedia Commons.

Период барокко, последовавший за маньеризмом, привел к появлению изящных, неповторимых изобразительных искусств и архитектуры. Он отличался величием и богатством, перемежающимися интересом к расширению человеческого интеллекта и глобальным открытиям. Художники барокко были стилистически сложными.

Картины в стиле барокко характеризовались драматизмом, как это видно в культовых произведениях итальянского художника Караваджо и голландского художника Рембрандта.Художники использовали интенсивный контраст между светом и тьмой и создавали энергичные композиции, сочетающиеся с богатой цветовой палитрой.

Рококо (1699–1780)

Антуан Ватто, Посадка на Киферу 1717. Изображение взято с Wikimedia Commons.

Рококо зародилось в Париже и охватывает декоративное искусство, живопись, архитектуру и скульптуру. Эстетика предлагала более мягкий стиль декоративного искусства по сравнению с изобилием барокко. Рококо отличается легкостью и элегантностью, с акцентом на использование естественных форм, асимметричный дизайн и нежные цвета.

Такие художники, как Антуан Ватто и Франсуа Буше, использовали беззаботные обработки, богатую манеру письма и свежие цвета. Стиль рококо также легко переносится на серебро, фарфор и французскую мебель. Многие стулья и шкафы отличались изогнутыми формами, цветочным орнаментом и выразительным использованием позолоты.

Неоклассицизм (1750–1850)

Жак-Луи Давид, «Наполеон пересекает Альпы», 1801 год. Изображение взято с Wikimedia Commons.

Как следует из названия, неоклассический период опирался на элементы классической античности.Археологические руины древних цивилизаций в Афинах и Неаполе, которые были обнаружены в то время, разожгли страсть ко всему прошлому, и художники стремились воссоздать великие произведения древнего искусства. Это привело к возобновлению интереса к классическим идеалам гармонии, простоты и пропорции.

Художники-неоклассики испытали влияние классических элементов; в частности, ориентация на идеализм. Неизбежно, что они также включали в свои работы современные, исторически актуальные изображения. Например, итальянский скульптор Антонио Канова использовал классические элементы в своих мраморных скульптурах, но избегал холодной искусственности, которая была представлена ​​во многих из этих ранних творений.

Романтизм (1780–1850)

Уильям Блейк, Сошествие человека в долину смерти. Продана за 225 000 долларов на аукционе Sotheby’s (январь 2016 г.).

Романтизм включает в себя широкий спектр дисциплин, от живописи до музыки и литературы. Идеалы, присутствующие в каждой из этих форм искусства, отвергают порядок, гармонию и рациональность, которые были приняты как в классическом искусстве, так и в неоклассицизме. Вместо этого художники-романтики подчеркивали индивидуальность и воображение. Еще одним определяющим романтическим идеалом была любовь к природе, многие обратились к живописи на пленэре , которая выводила художников из темных интерьеров и позволяла им рисовать снаружи.Художники также сосредоточили внимание на страсти, эмоциях и ощущениях над интеллектом и разумом.

Выдающиеся художники-романтики включают Генри Фузели, создавшего странные мрачные картины, исследующие темные тайны человеческой психологии, и Уильяма Блейка, чьи загадочные стихи и изображения передают мистические видения и его разочарование в социальных ограничениях.

Реализм (1848–1900)

Жан-Франсуа Милле, Собиратели, 1857. Изображение взято с Wikimedia Commons.

Вероятно, первое движение в современном искусстве, реализм, зародилось во Франции в 1840-х годах.Реализм стал результатом множества событий: антиромантического движения в Германии, подъема журналистики и появления фотографии. Каждый из них вызвал новый интерес к точному изображению повседневной жизни. Это внимание к точности очевидно в произведениях искусства, созданных во время движения механизма, в котором были детализированные, реалистичные изображения предметов.

Один из самых влиятельных лидеров реалистического движения — Гюстав Курбе, французский художник, посвятивший себя рисованию только того, что он мог физически видеть.

Модерн (1890–1910)

Альфонс Муха, принцесса Хязинта, 1911 г. Изображение взято с Wikimedia Commons.

Art Nouveau, что переводится как «новое искусство», пытается создать полностью аутентичное движение, свободное от имитации стилей, которые ему предшествовали. Это движение сильно повлияло на прикладное искусство, графику и иллюстрацию. Он сосредоточен на мире природы, характеризующемся длинными извилистыми линиями и кривыми.

Влиятельные художники в стиле модерн работали в различных средах, включая архитектуру, графику и дизайн интерьеров, изготовление ювелирных изделий и живопись.Чехословацкий графический дизайнер Альфонс Муха наиболее известен своими театральными плакатами с французской актрисой Сарой Бернхардт. Испанский архитектор и скульптор Антони Гауди не ограничился рамками линий и создал изогнутые, ярко окрашенные конструкции, такие как Базилика Саграда Фамилия в Барселоне.

Импрессионизм (1865–1885)

Клод Моне, Impression, Sunrise, 1872. Изображение взято с Wikimedia Commons.

Художники-импрессионисты стремились запечатлеть впечатлений определенного момента.Это характеризовалось короткими быстрыми мазками и ощущением незавершенного эскиза. Художники-импрессионисты использовали современную жизнь в качестве своего предмета, изображая такие ситуации, как танцевальные залы и парусные регаты, а не исторические и мифологические события.

Клод Моне, французский художник, который возглавил идею выражения своего восприятия перед природой, фактически является синонимом импрессионистского движения. Его известные работы включают «Пруд с водяными лилиями», (1899 г.), «Женщина с зонтиком», (1875 г.) и «Впечатление », «Восход солнца» (1872 г.), от которых и произошло название самого механизма.

Постимпрессионизм (1885–1910)

Джордж Сёра, Воскресенье на острове Ла Гранд Жатт, 1884 год. Изображение взято с Wikimedia Commons.

художников-постимпрессионистов работали независимо, а не как группа, но у всех влиятельных художников-постимпрессионистов были схожие идеалы. Они концентрировались на субъективных видениях и символических личных значениях, а не на наблюдениях за внешним миром. Часто это достигалось с помощью абстрактных форм.

Художники-постимпрессионисты включают Жоржа Сера, известного своей техникой пуантилизма , в которой для формирования изображения использовались маленькие отчетливые точки.Винсент Ван Гог также считается художником-постимпрессионистом, ищущим личного выражения в своем искусстве, часто с помощью грубых мазков и темных тонов.

Фовизм (1900–1935)

Анри Матисс, Женщина в шляпе, 1905 г. Изображение взято с Wikimedia Commons.

Возглавляемый Анри Матиссом фовизм основан на примерах Винсента Ван Гога и Жоржа Сера. Как первое авангардное движение 20-го века, этот стиль характеризовался выразительным использованием интенсивных цветов, линий и мазков, смелым чувством дизайна поверхностей и плоской композицией.

Как видно из многих работ самого Матисса, отделение цвета от его описательной, репрезентативной цели было одним из основных элементов, сформировавших это движение. Фовизм был важным предшественником кубизма и экспрессионизма.

Экспрессионизм (1905–1920)

Эдвард Мунк, Танец жизни, 1899. Изображение с Wikimedia Commons.

Экспрессионизм возник как ответ на все более противоречивые мировоззрения и утрату духовности. Искусство экспрессионизма стремилось рисовать изнутри художника, используя искажение формы и яркие цвета, чтобы показать беспокойство и грубые эмоции.Художники-экспрессионисты в поисках аутентичности искали вдохновение, выходящее за рамки западного искусства, и часто посещали этнографические музеи, чтобы пересмотреть местные народные традиции и племенное искусство.

Корни экспрессионизма восходят к Винсенту Ван Гогу, Эдварду Мунку и Джеймсу Энсору. Выдающиеся группы, включая Die Brücke (Мост) и Der Blaue Reiter (Синий всадник), сформировали, чтобы художники могли публиковать работы и коллективно выражать свои идеалы.

Кубизм (1907–1914)

Скрипка и палитра, Жорж Брак, 1909.Изображение взято с Wikimedia Commons.

Кубизм был основан Пабло Пикассо и Жоржем Браком, которые отвергли концепцию, согласно которой искусство должно копировать природу. Они отошли от традиционных техник и перспектив; вместо этого они создали радикально фрагментированные объекты посредством абстракции. Многие работы художников-кубистов отмечены плоскими двухмерными поверхностями, геометрическими формами или «кубами» объектов и множеством точек обзора. Часто их предметы были даже не различимы.

Сюрреализм (1916–1950)

Рене Магритт, Сын Человеческий, 1964.Изображение взято из Википедии.

Сюрреализм возник из художественного движения Дада в 1916 году, демонстрируя произведения искусства, бросающие вызов разуму. Сюрреалисты осудили рационалистическое мышление. Они обвинили этот мыслительный процесс в таких событиях, как Первая мировая война, и считали, что он подавляет образные мысли. Сюрреалисты находились под влиянием Карла Маркса и теорий, разработанных Зигмундом Фрейдом, который исследовал психоанализ и силу воображения.

Влиятельные художники-сюрреалисты, такие как Сальвадор Дали, использовали подсознание, чтобы изобразить откровения, обнаруживаемые на улице и в повседневной жизни.В частности, картины Дали соединяют яркие и причудливые сны с исторической точностью.

Абстрактный экспрессионизм (1940–1950)

Созданный наследием сюрреализма, абстрактный экспрессионизм возник в Нью-Йорке после Второй мировой войны. Его часто называют «Нью-Йоркская школа» или «». Картина «». Эти художники и абстрактные скульпторы отошли от того, что считалось традиционным, и вместо этого использовали спонтанность и импровизацию для создания абстрактных произведений искусства. Сюда входили колоссальные по размеру произведения, размер которых уже не мог вместить мольберт.Вместо этого холсты будут размещены прямо на полу.

Известные художники-абстрактные экспрессионисты включают Джексона Поллока, известного своим уникальным стилем капельной живописи, и Марка Ротко, в картинах которого использовались большие цветные блоки, чтобы передать чувство духовности.

Оп-арт (1950–1960-е)

Вдохновленное достижениями науки и техники, а также интересом к оптическим эффектам и иллюзиям, движение Op art (сокращенно от «оптического» искусства) было запущено с Le Mouvement , групповой выставки в Galerie Denise Rene в 1955 году.Художники, работающие в этом стиле, использовали формы, цвета и узоры для создания движущихся или размытых изображений, часто создаваемых в черно-белом цвете для максимального контраста. Эти абстрактные узоры должны были сбивать с толку и волновать глаз.

Английская художница Бриджит Райли — одна из самых известных практиков оп-арта. Ее работа 1964 года Blaze отличается зигзагообразными черно-белыми линиями, которые создают иллюзию круглой формы.

Поп-арт (1950–1960-е годы)

Лот 16: Энди Уорхол.Продано на аукционе Sotheby’s за 17 327 500 долларов (май 1998 г.).

Поп-арт — одно из самых узнаваемых художественных достижений ХХ века. Движение отошло от методов, используемых в абстрактном экспрессионизме, и вместо этого использовало повседневные, обыденные предметы для создания инновационных произведений искусства, бросающих вызов потребительству и средствам массовой информации. Это введение в опознаваемые образы было сдвигом в сторону модернизма.

Поп-художники, такие как Энди Уорхол и Рой Лихтенштейн, стремились утвердить идею о том, что искусство может черпать из любого источника, и нет никакой иерархии культуры, которая могла бы этому помешать.Пожалуй, самым известным произведением искусства в области поп-культуры является постановка Уорхола « Campbell’s Soup Cans ».

Арте Повера (1960-е)

Буквально переводя слово «бедное искусство», Arte Povera бросил вызов модернистским современным системам, вливая в свои творения обычные материалы. Художники использовали землю, камни, бумагу, веревку и другие земляные элементы, чтобы вызвать доиндустриальные настроения. В результате многие известные работы этого движения являются скульптурными.

Итальянский художник Марио Мерц вместе с другими итальянскими художниками, такими как Джованни Ансельмо и Алигьеро Боэтти, создавал антиэлитарные работы, опираясь на материалы повседневной жизни.Его 1968 Giap’s Igloo , одно из того, что вскоре станет его фирменной серией иглу, сосредоточено на его занятиях с предметами первой необходимости: кров, тепло и еда.

Минимализм (1960–1970-е годы)

Движение минимализма возникло в Нью-Йорке, когда группа молодых художников начала подвергать сомнению чрезмерно выразительные работы художников-абстрактных экспрессионистов. Вместо этого минималистское искусство сосредоточено на анонимности, обращая внимание на материальность произведений. Художники призывали зрителей сосредоточиться именно на том, что перед ними, а не проводить параллели с внешними реальностями и эмоциональными мыслями, используя очищенные формы, порядок, простоту и гармонию.

Американский художник Фрэнк Стелла был одним из первых приверженцев минимализма, создавая нерепрезентативные картины, как видно из его Black Paintings , завершенных между 1958 и 1960 годами. Каждая из них имеет узор из прямолинейных полос одинаковой ширины, напечатанный металлическими черными чернилами.

Концептуальное искусство (1960–1970-е годы)

Концептуальное искусство полностью отвергало предыдущие направления в искусстве, а художники ценили идеи выше визуальных компонентов, создавая искусство в виде перформансов, эфемерных и других форм.Картина « Active Poetry » польской художницы Эвы Партум состоит из ее разбросанных букв алфавита по разным ландшафтам. Американский художник Джозеф Кошут исследовал производство и роль языка в искусстве, как показано в его 1965 году, One and Three Chairs . В нем он представляет один стул тремя разными способами, чтобы представить разные значения одного и того же объекта. Поскольку этот вид искусства сфокусирован на идеях и концепциях, не было четкого стиля или формы.

Современное искусство (1970 – настоящее время)

1970-е ознаменовали начало современного искусства, которое продолжается до наших дней.В этот период преобладают различные школы и возникшие более мелкие движения.

  • Постмодернизм : В ответ на модернизм художники создавали произведения, отражающие скептицизм, иронию и философскую критику.
  • Феминистское искусство : Это движение возникло в попытке изменить стереотипы и разрушить модель истории искусства, в которой доминируют мужчины.
  • Неоэкспрессионизм : Художники стремились возродить оригинальные аспекты экспрессионизма и создать высокотекстурные, выразительные, большие работы.
  • Уличное искусство : Художники, такие как Кейт Харинг, Жан-Мишель Баския, Барри МакГи, Бэнкси и другие, создавали рисунки, похожие на граффити, на поверхностях в общественных местах, таких как тротуары, здания и путепроводы.
  • The Pictures Generation : Художники Синди Шерман, Луиза Лоулер, Гэри Симмонс и другие, на которых повлиял концептуальный и поп-арт, экспериментировали с узнаваемыми образами, чтобы исследовать образы, формирующие наше восприятие мира.
  • Присвоение искусства : это движение сосредоточено на использовании изображений в искусстве с небольшими изменениями по сравнению с их первоначальной формой.
  • Молодые британские художники (YBA): Эта группа лондонских художников была известна своей готовностью шокировать публику своими образами и готовностью выйти за рамки приличия. Они также известны своим энтузиазмом и предприимчивостью.
  • Цифровое искусство : Появление камеры открыло путь к этой художественной практике, которая позволила художникам использовать вливание искусства и технологий для создания таких сред, как компьютеры, аудио и визуальное программное обеспечение, звук и пиксели.
Просмотр полной инфографики

Художественные движения на протяжении всей истории западного искусства предлагали широкий спектр разнообразных, влиятельных стилей, техник и средств массовой информации по всему миру. Каждое движение проливало свет на отличительную живопись, скульптуру, архитектурные достижения и другие определяющие работы. Понимание хронологии истории искусства и того, как каждый период повлиял на более поздние движения, имеет первостепенное значение для создания продуманной, сплоченной коллекции.

Источники : Музей Метрополитен | Совенок | Британская энциклопедия | История | Художественная история | Оксфордское искусство онлайн | ThoughtCo.

Бартоломе Эстебан Мурильо, испанский художник в стиле барокко. Биография

Он родился в Севилье в 1617 году. В 1633 году он начал свое обучение в мастерской Хуана дель Кастильо. Его работы, наряду с работой Вальдеса Леаля, знаменуют собой последний этап эпохи испанского барокко и сосредоточены, по большей части, на религиозных темах. В 1660 году он основал престижную художественную школу. Он также рисовал нежные детские и подростковые сцены, а также портреты. Его живопись, на которую сильно повлиял Ван Дайк, адаптирована к испанскому вкусу и преданности, и он стал очень популярным художником.Влияние Мурильо на испанскую живопись продолжалось до 19 века, в основном в Севилье. В настоящее время он считается одним из великих мастеров, его картины представлены во всех великих музеях мира. Он умер в Кадисе в 1682 году.

Основные работы

  • La Colosal (Непорочное зачатие)

    В этой картине Мурильо создает новый иконографический прототип с изображениями огромной динамической силы и движения.

    Севильский музей изящных искусств (Севилья)

    Больше информации
  • Богородица с младенцем (Мадонна из салфетки)

    Очарование этой замечательной композиции объясняется умением Мурильо побуждать нас к благочестию посредством изображения повседневных сцен.

    Севильский музей изящных искусств (Севилья)

    Больше информации
  • Стигматизация святого Франциска

    Это было последнее поручение Мурильо перед его смертью.Он был изготовлен для монастыря монахов-капуцинов в Кадисе.

    Кадисский музей (Кадис)

    Больше информации
  • Основание Санта-Мария-Маджоре в Риме: I. Мечта патриция Иоанна

    Это одна из самых важных живописных композиций Мурильо, как по размеру, так и по амбициям, а также по мастерскому подходу, использованному в живописном повествовании.

    Музей Прадо (Мадрид)

    Больше информации
  • Непорочное зачатие преподобных или души

    Необыкновенный образец искусства барокко, благодаря плавным и четким мазкам, спиральной композиции, использованию света и ощущению движения.

    Музей Прадо (Мадрид)

    Больше информации

Другие избранные работы

  • Святое семейство с птицей
  • Добрый пастырь

10 лучших представителей барокко | Жизнь Персона

Некоторые из Главных представителей барокко В литературе, музыке, живописи и архитектуре — Мигель де Сервантес, Антонио Вивальди, Караваджо и Карло Фонтана.

Период барокко имел очень влиятельных представителей по всему миру. Этот стиль зародился в Западной Европе и охватил семнадцатый и восемнадцатый века, достиг нескольких латиноамериканских колоний и нашел отражение в различных культурных и художественных проявлениях того времени.

Бах, один из великих представителей барокко.

Литература, живопись, скульптура, архитектура и музыка — вот лишь некоторые из областей, на которые сильно повлиял этот стиль.

Общие характеристики периода барокко связаны с возвышением орнаментов, реалистичностью изображения и работами с высоким уровнем контрастности, в некоторых случаях даже жестокими.

Исторический контекст, в котором появляется стиль барокко, характеризуется намерением католической церкви продемонстрировать свою мощь; Библейские и религиозные отсылки появляются в разных жанрах. Цель заключалась в том, чтобы вызвать волнение с помощью художественного выражения, поэтому были использованы драматические ресурсы, чтобы преувеличить реализм и вызвать эмоции.

10 самых представительных художников периода барокко

Литература

Мигель де Сервантес

Этот романист, поэт и драматург родился в Мадриде, Испания, в 1547 году. Хотя он рано начал писать, у него были военные обязательства, которые заставили его сосредоточиться на поле битвы.

Он сражался в битве при Лепанто в 1571 году, был пленником турецкой армии в 1575 году и освобожден через пять лет.Именно тогда он вернулся в Испанию и посвятил себя написанию романов.

Между 1605 и 1615 годами он опубликовал « Гениальный джентльмен Дон Кихот из Ла-Манчи », его главную работу и величайший представитель литературы в стиле барокко.

Литературное поле барокко характеризовалось как арена споров между реализмом и идеализмом, и в «Дон Кихоте» очевиден постоянный контраст этих концепций.

Сор Хуана Инес Де Ла Крус

Хуана Рамирес де Асбахе, более известная как Сор Хуана Инес де ла Крус, была мексиканской писательницей-самоучкой, родившейся между 1648 и 1651 годами (дата его рождения точно не известна).

Он специализировался на поэзии, хотя его сочинения охватывают такие разные фигуры, от сонетов до так называемой испанской комедии «Пальто и меч», пьес, главный аргумент которых касается отношений между дамой и джентльменом.

Его работы характеризуются объединением напыщенных форм барокко с важностью поиска знаний. Его стихотворение «Первый сон» (1692) является отражением его характерного стиля.

Музыка

Иоганн Себастьян Бах

Бах, один из великих представителей барокко.

Бах родился в Германии в 1685 году. Он был композитором и певцом, а также играл на скрипке, альте, органе и клавесине.

Его музыка считается в первую очередь выражением эпохи барокко. Его композиции характеризуются наличием основной мелодии с аккомпанементом и акцентом на «гармонический цвет» — термин, обозначающий взаимодействие мажорных и минорных тональностей.

Он был очень религиозным человеком, и его композиции были в поисках порождения радости духа и прославления Бога.Одна из его наиболее представительных работ — «Tocata e fuga en re menor», которая даже использовалась в современном аудиовизуальном контексте.

Антонио Вивальди

Вивальди родился в 1678 году в Венеции и считается самым представительным итальянским композитором периода барокко. Он был рукоположен в священники, но полностью посвятил себя музыке.

Он был виртуозом в игре на скрипке и композитором концертов в стиле барокко, оказавших большое влияние на музыку.Его сочинения требуют большого мастерства от переводчиков.

Одно из самых значительных его произведений — «Времена года», концерт, состоящий из четырех сонетов. Полное собрание сочинения Вивальди включает около 500 концертов.

Живопись

Рембрандт ван Рейн

Этот голландский художник родился в 1606 году. Работы Рембрандта характеризуются очень реалистичностью за счет использования света и тени. Темы его картин в основном библейские, мифологические и исторические.

Он сделал много портретов, а также автопортретов; Последние составляют примерно десятую часть их работы. Его самая важная особенность — способность реалистично и ярко воспроизводить лица и эмоции.

Караваджо

Микеланджело Меризи да Караваджо родился в Италии в 1571 году. Как хороший представитель периода барокко, он был художником, чьи работы характеризовались его реализмом и натурализмом.

Караваджо избегал идеализированных творений; Предпочитали воспроизводить предметы такими, какие они есть, и использовали настоящие модели для рисования своих картин, что было революционной практикой для того времени.Он считался самым важным художником Рима между 1600 и 1606 годами.

Скульптура

Джан Лоренцо Бернини

Этот итальянский скульптор и архитектор родился в 1598 году и считается величайшим представителем скульптуры и архитектуры барокко.

Скульптуры Бернини отличаются выразительными жестами и демонстрируют простые, но сильные эмоции; Его работы динамичны и позволяют зрителю оценить их со всех сторон.

Бернини уделял пристальное внимание деталям фактуры в своих работах и ​​всегда стремился передать ощущение движения в своих творениях. Среди его самых знаковых скульптур — «Похищение Прозерпины», «Экстаз Святой Терезы» и «Аполлон и Дафна».

Франсуа Жирардон

Этот французский художник, родившийся в 1628 году, является самым известным скульптором в стиле барокко во Франции. Работал в отделке Версальского дворца во время правления Людовика XIV.

Шедевром Жирардона была бронзовая конная статуя Людовика XIV, установленная на Вандомской площади в Париже. Он был разрушен во время Французской революции, но меньшие копии все еще существуют.

Его творчество находится под влиянием школы барокко, хотя его работы считаются более консервативными и менее энергичными, чем художественные выражения того периода.

Архитектура

Франческо Борромини

Он родился в 1599 году под именем Франческо Кастеллини (в 1627 году сменил название).Работу Борромини отличает изгибы фасадов и сложность конструкций.

Он был художником-новатором: он осмелился экспериментировать с формами и создал «живую» архитектуру, полную движения, динамизма. Его работы основывались на геометрических, модульных формах.

Борромини жил в безбрачии, полностью и дисциплинированно посвятил себя архитектуре. Одна из его наиболее представительных работ — церковь Сан-Карло-алле-Кватро-Фонтане, которую также называют «Сан-Карлино» из-за своих небольших размеров.

Карло Фонтана

Фонтана родился в 1638 году. Он был архитектором и инженером. Он работал помощником Джан Лоренцо Бернини над несколькими проектами и после смерти Бернини стал самым влиятельным римским архитектором в стиле барокко.

Fontana придавал большое значение взаимодействию скульптур и городской среды. Одно из самых представительных сооружений — фасад церкви Сан-Марчелло-аль-Корсо в Риме.

В наследство Фонтаны находится большое количество рукописей, хранящихся в Королевской библиотеке Виндзорского замка.

Список литературы
  1. «Don Quijote de la Mancha» в Don Quijote Испанский английский Learning Получено 18 июля 2017 г. с: donquijote.org
  2. «Miguel de Cervantes» в Британской энциклопедии Получено 18 июля 2017 г. из Британской энциклопедии: britannica.com
  3. » Мигель де Сервантес »в биографии. Получено 18 июля 2017 г. из биографии: biography.com
  4. Beuchot, M.« Сор Хуана, философия барокко »в виртуальной библиотеке Мигеля де Сервантеса.Получено: 18 июля 2017 г. из виртуальной библиотеки Мигеля де Сервантеса: cervantesvirtual.com
  5. Madrid Moctezuma, P. «Сор Хуана Инес де ла Крус и барокко newhispano через модели исторической фантастики и Boom Hispanic female» (2010 ) в институциональном репозитории Университета Аликанте. Получено 18 июля 2017 г. из Институционального хранилища Университета Аликанте: rua.ua.es
  6. Сарториус М. и Сарториус Л. «Иоганн Себастьян Бах: подробная информативная биография» (1964) в книге «Композиторы и музыканты в стиле барокко».Получено 18 июля 2017 г. с сайта композиторов и музыкантов эпохи барокко: baroquemusic.org
  7. Пентрит, Р. «Оценка музыкального стиля Вивальди» (4 марта 2015 г.) в журнале BBC Music. Получено 18 июля 2017 г. из музыкального журнала BBC: classic-music.com
  8. Биография «Антонио Вивальди» Получено 18 июля 2017 г. из биографии: biography.com
  9. Кристиансен, К. Караваджо (Микеланджело Меризи) (1571- 1610) и его последователи »(2003) в The Met. Получено 18 июля 2017 года издательством The Met: metmuseum.org
  10. «Рембрандт ван Рейн» в Британской энциклопедии Получено 18 июля 2017 года из Британской энциклопедии: britannica.com
  11. «Бернини, Джан Лоренцо» в Национальной галерее искусства Получено 18 июля 2017 года из Национальной галереи искусств: nga. gov
  12. «Франсуа Жирардон. Первый скульптор короля (1628-1715)» в Версальском дворце. Получено 18 июля 2017 г. из Версальского дворца: en.chateauversailles.fr
  13. «Франческо Борромини» в Британской энциклопедии Получено 18 июля 2017 из Британской энциклопедии: britannica.com
  14. Гланси, Дж. «Борромини: первый архитектор» (2011) в The Guardian. Получено 18 июля 2017 г. из The Guardian: theguardian.com
  15. «Карло Фонтана» в Оксфордском индексе Получено 18 июля 2017 г. из Оксфордского индекса: oxfordindex.oup.com
  16. «Фонтана, Карло (1638-1714)» в коричневом цвете Библиотека университета Получено 18 июля 2017 г. из библиотеки Университета Брауна: library.brown.edu.

Искусство барокко в Содружестве 17 века

Вид на дворец в Вилянуве; фото: W.Holnicki

В польско-литовском государстве в конце 16 -го века идти в ногу с «модным» в европейском искусстве было частью естественной утонченности, смешанной с самотворением на арене общественных дел. Примеры, которым следует подражать, были предоставлены королевским двором, а после времен «потопа» в равной степени магнатами, которые были почти полновластными правителями обширных земель своих латифундий. Тогдашние укладчики искусства интуитивно доходили до центров, занимавших прочное положение.Они были расположены на Апеннинском полуострове и в Северной Европе. Во времена Иоанна III Собеского сильное вдохновение пришло также из Франции. Это привело к стилистическому разнообразию, подкрепленному адаптацией художественных новинок к местным потребностям и традициям, а также финансовым средствам и ожиданиям заказчиков. Наконец, значительное влияние на искусство барокко в Республике Польша также оказали художники с различными творческими способностями — как местные, так и привезенные почти со всей Европы.Эта двусмысленность, в том числе из-за установления региональных версий барокко на обширной территории Польско-Литовского государства, затрудняет определение четких хронологических и стилистических разделительных линий. Полезно связать их с последующими правителями на троне Республики Польша. Таким образом, во время правления Сигизмунда III Вазы был принят новый стиль. Время правления его сыновей: Владислава IV и Яна Казимира — это период бесспорного господства барокко, когда были созданы многочисленные изысканные произведения европейского класса, особенно в придворных кругах.Время после «потопа» — это период зрелого барокко, которое было более спокойной версией, относящейся к классицизму, или формально и эмоционально неурегулированной, называемой эмоциональной версией. Оба подхода представлены в искусстве, созданном в кругах Иоанна III. Начало 18 -го века знаменует приход позднего барокко.

Первые формы барокко возникли очень рано в Республике Польша, почти одновременно с их утверждением в итальянском искусстве, то есть уже в 1780-1790-х годах, и функционировали рядом с формами позднего ренессанса и маньеризма.Наиболее подвержены изменениям архитектура и скульптура — искусство эпохи Возрождения. Архитектура барокко была представлена ​​в Республике Польша религиозными орденами, связанными с обновлением после Тренто. Особое значение в этом отношении имели иезуиты, которые привезли своих архитекторов-монахов прямо из Италии. По инициативе Миколая «Сирота» Радзивилла в Несвее, самом центре его имения, был построен один из самых современных храмов первого этапа функционирования ордена иезуитов в Республике Польша, а также этапа принятия формальных решений, соответствующих новому духу.Храм возведен в 1585–1593 годах по проекту Джованни Мария Бернардони. Сооружение представляет собой трехнефную базилику с куполом на пересечении главного нефа и трансепта. В боковых нефах (первоначально с матронеумами) открываются две симметричные часовни, задуманные как гробницы. Пресвитерий замыкается полукругом с прилегающей ризницей и небольшой сокровищницей. Монументальное здание с интерьером, уже характерным для артикуляции в стиле барокко, с концентрическим акцентом в форме купола, дополняется фасадом, в то время наиболее вдохновленным римскими решениями.

Еще один важный храм иезуитов был построен в тогдашней столице Кракове. Хотя его дизайн все еще обсуждается, он, должно быть, знал знаменитую иезуитскую церковь Иль Джезу, а также другие римские храмы, в том числе Сан Андреа делла Валле и Сан Джованни деи Фьорентини. Планировка корпуса церкви Святых Петра и Павла (1597—1619), то есть неф с открывающимися в него тремя парами соединенных часовен, по сравнению с прототипом, среди прочего, лишена соединения, примыкающие к трансепту, который в Кракове был расширен.Творческий подход привел к еще большей композиционной плотности и доминирующему куполу, а также к четкой вертикальности интерьера и его стройных пропорциях с акцентом на вид на идеологически наиболее значимое место — пресвитерий. Прекрасным дополнением к структуре Краковской церкви является фасад римского происхождения: двухэтажный, со сбалансированными вертикальными и горизонтальными разделениями, осевыми и симметричными, а также с последовательно оформленными декоративными элементами, созданными придворными художниками.

Церковь Святых Петра и Павла была построена под королевским покровительством, что до сих пор хорошо видно благодаря гербу Сигизмунда III, размещенному на верхней части фасада, сделанному из массивного и точно обработанного камня. Первый правитель из династии Васа, восседавший на троне Республики Польша с 1587 года, имел прекрасное образование, был страстным художником и ювелиром и очень хорошо разбирался в искусстве своего времени. Поэтому неудивительно, что по его вдохновению в Вавельском замке, реконструированном с 1595 года, были представлены решения в стиле раннего барокко.Работы, которые сохранились до наших дней и которые были начаты из-за пожара, вероятно, вызванного самим королем, проводившим алхимические эксперименты, включают, в основном, лестницу (Сенаторские лестницы) в северо-западном углу замка, в то время довольно современную. один. Он состоит из двухпролетной лестницы, разделенной удобными широкими площадками. Монументальное впечатление создают также каменные порталы, напоминающие античный стиль, форма которых станет частью обязательного репертуара форм, многократно повторяемых и трансформируемых в 17, , веках.

Около 1602 года неизвестная лепная мастерская, очевидно, римского происхождения, создала украшения кабинета и частной королевской часовни, усилив тенденцию к лепным украшениям в светских и сакральных интерьерах. Мраморные порталы и камины, выполненные Амброджо Меацци и Лукасом Рейтино, представили не только формальные решения в стиле барокко в архитектурном декоре, но и обязательное использование красочных известняков из Малопольши, которые тогда назывались мрамором. По заказу знати и зажиточных горожан эти два скульптора создали также традиционные надгробия с лежащей фигурой (например, надгробие Яна Геммы во францисканской церкви в Кракове, ок.1608), в котором использованы сбалансированные архитектурные элементы, характерные для раннего барокко.

Немалую роль сыграли и деревянные потолки реконструированного Вавельского замка. На них были представлены картины Томмазо Долабелла. Художник, привезенный из Венеции в 1598 году, прославил короля и династию Васа в исторических сценах. Художника ценили и за пределами королевского двора, и благодаря своим четко построенным повествованиям он прибыл в то время, когда высоко ценилась ясность выражения, особенно в религиозном искусстве.Поэтому его картины часто заказывали для интерьеров церквей. Одно из самых интересных его произведений, свидетельствующее о его венецианском образовании, — это цикл из церкви Регулярных каноников Латеранского в Крашнике (ок. 1615 г.), рассказывающий историю победы над турками в Лепанто в 1571 году. в контексте молитвы на четках и культа Святой Марии Снежной, которой поклонялись в базилике Санта-Мария-Маджоре в Риме.

Однако Сигизмунд III не ограничивался итальянским искусством, о чем, среди прочего, свидетельствует его поручение, данное в 1624 году мастерской Питера Пауля Рубенса, на создание серии собственных портретов и портретов своей семьи.Король был знаком с искусством одного из самых выдающихся художников Северной Европы и хотел, чтобы популярный портретист тогдашних монархов запечатлел королевский облик. То же желание подчеркнуть свою принадлежность к европейской элите и осознание необходимости создавать должное великолепие заставило Сигизмунда III поручить ювелирам работы в мастерских Аугсбурга.

Искусство раннего барокко в Республике Польша формировали также местные художники, самым известным из которых был Кшиштоф Богушевич.Он был автором успешных религиозных картин, благодаря которым он умело отвечал на требование ревностного и преданного повествования, связанного с битвами между католиками и протестантами, которые не только отрицали часть истин веры, но и необходимость существования. религиозного искусства. Дворянин и художник, сотрудничая с богословами, создавал многофигурные сцены, точно расписанные и с моделированием светотени, как показано на картине «Святой Мартин Тур » (1628 г.).

Необходимость проявить евхаристический культ Тела Христова, а также ввести надлежащее обрамление для реформированной литургии после Тренто послужила основой для нового типа алтаря по образцу триумфальной арки. Примером такой работы является вырезанный из дерева алтарь в церкви Корпус-Кристи в районе Казимеж в Кракове (около 1634–1637 гг.), Выполненный Бальтазаром Кунчем, который использовал украшения в стиле барокко ушной раковины северного голландского происхождения.

Сигизмунд III, поддерживавший идеи посттренто, интересовался также работой другого религиозного ордена, приверженного обновлению Церкви.Босоногие кармелиты также применили модель, разработанную в Il Gesù, естественным образом адаптируя ее к своим потребностям, как в уже не существующей церкви Св. Михаила и Св. Иосифа в Кракове (1611–1635), так и в церкви. Святой Терезы в Вильнюсе (1633–1644), спроектированный Константе Тенкалла в строгом римском духе. Это были, однако, времена Владислава IV, когда искусство барокко было прочно утвердилось в Республике Польша и даже развило свои местные варианты. В этот период произошла явная смена политических центров, что означало смещение и художественных центров.

В 1569 году Варшава была выбрана городом, где должны были проходить заседания всего парламента, а Сигизмунд III объявил ее местом постоянного проживания своего двора. Результатом стало не только решение о расширении Варшавского замка (с 1596 по 1613 год) благодаря работам, проведенным Маттео Кастелли, который смог идеально интегрировать неправильный корпус здания в городское планирование города, но и требование дополнить программу королевской резиденции, построив загородную резиденцию в Уяздове (с 1624 г.) и меньшие дворцы для королевской семьи на улице Краковское Предместье.Направление архитектурной экспансии, заданное в то время, было продиктовано в основном желанием использовать особенно живописный берег Вислы и было продолжено позже Иоанном III, основавшим резиденцию в Виланове.

Одновременно, следуя примеру Сигизмунда III и его семьи, дворянство, и в особенности аристократия, начали вкладывать невиданные ранее средства в организацию резиденций в новой политической столице государства. Здесь стоит упомянуть уже не существующий дворец Станислава Конецпольского с оригинальной планировкой, напоминающей букву H (конец 1640-х годов).Следует подчеркнуть не столько наличие репрезентативной лестницы, ведущей в большой зал с видом на реку Висла, с гротом, организованным в нижней ступеньке, но в основном осевой дизайн в стиле барокко всей архитектурной и садовой планировки. Этот элемент станет обязательным решением во второй половине 17 -го века.

Необходимость украсить новую столицу государства преследовал также Владислав IV, который во время своих путешествий по Европе в 1624–1625 годах видел много важных резиденций и участвовал в различных интересных культурных мероприятиях.Он перестроил Королевский замок, где, в частности, были открыты театр и оперные залы, в результате личных страстей второго правителя из династии Васа на польско-литовском троне. По инициативе короля Джованни Баттиста Гислени спроектировал так называемый Мраморный кабинет (после 1637 г.) с галереей портретов, написанных, в частности, Питером Данкертсом, в богатой каменной раме. Кабинет воздал хвалу славе династии Васа, связанной с Ягеллонами и Габсбургами.Кроме того, это был, вероятно, самый римский интерьер первой половины 17 века, по своему великолепию не уступающий итальянским. Кроме того, Владислав IV распорядился реконструировать площадь перед замком, где совместными усилиями Агостино Лоччи Старшего, Константе Тенкаллы и Клементе Молли был воздвигнут памятник Сигизмунду III — один из самых ярких светских памятников Европы. Барокко и четкая отсылка к идее статуй античных императоров. Это прославило не только Сигизмунда III, идеального монарха и защитника веры, но и всю династию Васа, укрепив свою власть над польским и литовским государством.

Важную коммуникативную и репрезентативную роль сыграли также портреты, заказанные широким кругом знати по примеру короля. Формально картины восходят в основном к северным и среднеевропейским традициям, но из-за национальной одежды знати они составили отдельную группу от придворных портретов. Изображенным обычно был человек целиком, причем принцип сходства был одинаково важен для отображения атрибутов их сословия и занимаемых ими должностей.Фон портретов часто был обогащен, с добавлением элегантности, обеспечиваемой колонной и драпировкой, как на портрете Лукаша Опалинского, датированного ок. 1635 г., но также изображая на пустом месте важные места или события из жизни модели (например, венгры на портрете Яна Доброгоста Красинского, ок. 1700 г.).

Оригинальные произведения, по сравнению с европейским искусством, представляют собой портреты в гробах, сыгравшие решающую роль во время похорон как воплощение умершего, оставшегося между двумя мирами.Мертвых изображали в виде туловища, обычно на металлическом листе с однотонным фоном. По форме портрет был поперечным сечением гроба, к которому он был прикреплен. Представлены были всегда еще живые люди с акцентом или даже на акцентировании их характерных физических качеств, даже тех, которые считались дефектными. Небольшую, но очень интересную коллекцию таких портретов можно увидеть в галерее Вилянувского дворца.

Известный в Республике Польша периода барокко был также скульптурный портрет, ярким примером которого является торс Кшиштофа Миколая Сапеги на его надгробной плите (после 1631 года), висящий в церкви Св.Майкл в Вильнюсе, созданный братьями Константе и Джованни Джакомо Тенкаллы. Изделие отличается яркими контрастами, которые служат фоном для мощного изображения холодного и неприступного лица молодого аристократа. В тот же период была создана композиция из восьми коленопреклоненных фигур представителей рода Лигенза (1630–1638) для костела бернардинцев в Жешуве, задуманного как часть семейного мавзолея. Эти великолепные алебастровые скульптуры некоторые связывают с Себастьяном Сала.

Очень успешными работами являются также торсы Джона Казимира и Марии Луизы, выполненные из каррарского мрамора Джованни Франческа де Росси, который определенно был лучшим скульптором, работавшим в Республике Польша в первой половине 17 -го -го века, сотрудничая с такими асами Рима в стиле барокко, как Джанлоренцо Бернини и Алессандро Альгарди. Искусство Росси было сосредоточено на демонстрации эмоций модели, запечатлении сходства не только лица, но и движения, что прекрасно выражено в торсе епископа Вильнюсского Ежи Тышкевича (1653 г.) и епископа Краковского Петра Гембицкого (1654 г.) из надгробие в Вавельском соборе.Последняя работа является совместной работой Росси и упомянутого выше Джованни Баттиста Гислени.

Вместе с тем наблюдается дальнейшее развитие лепного декора. Важным представителем этого искусства, бесспорно, был Джованни Баттиста Фалькони, который, органично соединив лепнину с архитектурой, создал ажурные и светотеневые решения на основе картушей и растительных мотивов. Примером его работы является часовня семьи Освенцимов (1647–1648) при францисканской церкви в Кросно.

Датировано ок. 1647 год — это украшение церкви в Тарлове, где все искусства создают последовательное повествование, представляя в форме намеков историю основателей храма — семьи Опалинских, и в то же время осуждая арианство, позицию, которой следует их предки. Особенно интересна часовня Иисуса, которая одновременно служит гробницей, где лепные украшения демонстрируют тщеславные темы: «Танец смерти» и «Круг жизни и смерти», с размахом воссозданные в реалиях середины 90–197-х годов 90–198 века.Здесь можно увидеть аристократа с пухлым лицом и в чепце, украшенном ювелирной эгреткой, а также поклонившихся дворян — бедного стюарда, служащего могущественному господину.

Успешное развитие искусства барокко было остановлено войнами, которые велись еще в начале второй половины 17, -го, века. После того периода, не зря названного «потопом», когда Республика Польша была опустошена шведскими и московскими войсками, во времена Яна Казимира и Михаила Корибута Вишневецких основное внимание было уделено восстановлению страны.Новые основания возникли в конце 1660-х годов по инициативе семьи Пац, которая основала церковь Камальдолезе в Пажайслисе (1667–1684) и церковь Регулярных каноников Бокового в Антакальнисе в Вильнюсе (1668–1676). Храм в Пажайслисе, необычный во всех смыслах, вместе с монастырем составляют неделимый комплекс, спроектированный в осевом направлении и симметрично, с различными точками обзора и ускользающим пространством. Он был возведен по очень редко используемой шестиугольной схеме. Эта форма отражается в нефе, в который открываются две группы часовен.По внешнему виду это означает восьмиугольное тело. Следует также отметить одно совершенно замечательное решение — фасад церкви в Пажайслисе вогнутый и, вероятно, был вдохновлен церковью Сан-Аньезе в Агоне, завершенной в то время Франческо Борромини. Это второе решение такого рода в Европе.

После «потопа» талант Даниэля Шульца мог расцвести. Шульц определенно был лучшим портретистом, работавшим в Содружестве 17–90–197–90–198 гг., Который также успешно рисовал анималистические сюжеты, которые были очень популярны в период барокко.Искусство Шульца, возникшее из потребности подчеркнуть психологию модели и основанное на изображениях, построенных с использованием насыщенных цветов, идеально соответствует все более эмоциональному искусству светотени времен Джона Казимира. Шульц, который начинал с мастерских в Гданьске, совершил множество путешествий и узнал, в частности, в Голландии, Фландрии и Франции, познакомившись с работами Рембрандта и Антония ван Дейка. Как придворный художник последнего правителя из династии Васа на польском и литовском престоле, он создал исключительную галерею изображений короля, фиксируя меняющиеся настроения, отраженные на его лице: от гордости за власть до меланхолии и депрессии правителя. страдать от.Даниэль Шульц работал также для величайших сановников государства и церкви, и наиболее примечательным из созданных им портретов, вероятно, является портрет епископа Анджея Тшебицкого (1664 г.). На картине иерарх как бы выходит из тени, в папской одежде приближается к зрителю.

Новое основание в Варшаве после «потопа» началось с костела Святого Креста (1679–1696), спроектированного Юзефом Шимоном Беллотти по схеме стены и колонны. Храм возводился в виде двухэтажного здания, нижняя часть которого служила часовней, соединенной с склепами для захоронений благотворителей миссионерского монастыря из числа виднейших жителей города.В планировке церкви введены выступающие в сторону нефа столбы, а эффект централизации интерьера достигается благодаря замкнутому по прямой линии трехпролетному пресвитерию. Вся конструкция скреплена коринфскими пилястрами, несущими антаблемент свайного типа. Не менее интересен фасад церкви, завершенной примерно в середине 19 -х годов века, окруженный двумя отступающими башнями. Благодаря этому, казалось бы, простому решению, высота, просматриваемая с улицы (вид сбоку), не ограничивается.

Строительство костела Святого Креста приходится на то время, когда Республикой Польша уже правил Иоанн III Собеский. Важную роль в развитии жилой архитектуры сыграл дворец, построенный королем в Виланове (1677–1696) по проекту Агостино Лоччи Младшего. Корпус королевской резиденции был построен между внутренним двором и садом ( entre court et jardin ), соединяя основные и боковые оси с далекими видами через систему переулков, что является французской особенностью.Репрезентативная архитектура сопровождалась столь же богатым внутренним дизайном — совместной работой многочисленных лепных художников и художников, воспевающих славу победителя битв при Хокиме и Вене, которой через супружеские узы наслаждалась также его жена Мария Казимире.

Однако самые великолепные дворцы того времени были спроектированы Тильманом ван Гамереном, голландцем, привезенным в Республику Польша Станиславом Гераклюшем Любомирским, для которого был построен дворец в Пулавах (1671–1677).Резиденция, основательно перестроенная в 18-19 веках, стоящая на высоком берегу Вислы, была первой в Польше, лишенной защитных свойств. Что немаловажно, фасад резиденции имел портик в античном стиле, сделанный из фасада, поддерживаемого псевдопилястрами. Для своего покровителя Тильман ван Гамерен построил также ряд зданий — павильонов, расположенных в саду в Уяздове, создав таким образом эксклюзивную загородную резиденцию. Самым известным из павильонов была Ванная (после 1676 г.), в которой размещалась ротонда, имитирующая грот, с центральным бассейном и расположенными вокруг него жилыми квартирами и офисами.Это здание стало частью Дворца на воде, построенного Станиславом Августом Понятовским. К счастью, до сих пор хорошо видны лепные украшения двух кабинетов бывшей ванной комнаты, выполненные Карло Джузеппе Джорджоли. На них изображены мифологические сцены, где вода служит пейзажным фоном для любовных похождений античных богов. Кроме того, в Чернякове недалеко от Варшавы Тильман фон Гамерен построил церковь ордена бернардинцев, которая одновременно служила мавзолеем Любомирского. Что интересно, здание состояло из двух центральных построек.

Голландский архитектор работал также с другими руководителями, включая семью Собеских, для которых он спроектировал церковь ордена капуцинов (1683–1686) в Варшаве и храм бенедиктинцев причастия в Нове Място (1688–1692). , а также Мэривил (1692–1695), формально и идеологически происходящий из парижских дворцов Генриха IV, сочетающий резиденцию Собескиса с роскошным отелем и торговым помещением. Для Яна Доброгоста Красиньского Тильман ван Гамерен построил свою варшавскую резиденцию, которая по праву считается самой великолепной работой голландца.Впечатляет не только масштаб сооружения типа entre court et jardin , который изначально более или менее соответствовал площади Старого города. Дворец возведен по вытянутой схеме с авангардом в центральной части, противопоставленным боковым угловым павильонам. В центре располагались представительские комнаты, а в боковых частях — жилые квартиры. Следует подчеркнуть последовательность и ритм архитектурных элементов фасада, а также согласованную композицию садового пространства с видом на избирательное поле в Воли.Важной была идеологическая программа резиденции, в которой прославлялась слава семьи Красинских, восходящая к легендарным римским предкам дома. Интересно, что Андреас Шлютер из Гданьска, работая над скульптурными украшениями дворца, представил многие идеи Тильмана в берлинском замке, который он позже спроектировал.

Все вышеперечисленные сакральные и светские сооружения были богато украшены фресками и лепниной. Следует подчеркнуть, что после периода «потопа» в Республике Польша активно работали многие талантливые художники, привезенные из Европы или происходящие из местных мастерских.Прежде всего, следует упомянуть художников, которых семья Пак привела для украшения церкви Камалдолезе в Пажайслисе недалеко от Каунаса и церкви Святых Петра и Павла в Антакальнисе в Вильнюсе, потому что после завершения этих работ их наняли другие известные руководители. в Республике Польша, включая Иоанна III (Виланов), и даже при императорском дворе (Мартино Альтомонте). Итак, Кшиштоф Зигмунт Пак привел, среди прочего, Микеланджело Паллони, превосходного художника, чьи работы происходили из круга последователей Пьетро да Кортона и венецианской школы, и который также был знаком с решениями Бернини, основанными на ситуационном освещении и трех единства искусства (например, часовня св.Казимир в Вильнюсском соборе после 1692 г. вместе с Пьетро Перти; молельня миссионеров в Ловиче, ок. 1695).

В том же 1677 году Михал Казимеж Пац привез в Республику Польша Пьетро Перти и Джованни Мария Галли, которые в вильнюсском храме, отличающемся довольно традиционной архитектурой, представили богатые лепные украшения — образные и орнаментальные, которые, как ковры, почти покрывают все пространство. Позже Пьетро Перти работал, среди прочего, на семью Сапеги, создавая лепнину в необычной церкви Тринитариев в Вильнюсе (1694-1712), которая была возведена почти круглой формы и покрыта огромным куполом.Церковь была спроектирована другим строителем, работающим в кругу Пак, Джованни Баттиста Фредиани.

Пьетро Перти олицетворяет направление классицизма, характеризующееся монументальностью и гармоничностью представлений. С другой стороны, ярким представителем эмоционального течения был Бальдассаре Фонтана, наиболее важной его работой было украшение церкви Святой Анны в Кракове, спроектированное Тильманом ван Гамереном. В 1695–1703 годах команда Фонтаны, в которую входили, в частности, художники Карл и Иннокентий Монти, а также Карл Данкварт, создала целостное произведение, наиболее важные принципы которого можно описать как три единства искусства: ситуационное освещение. , движение и эмоции.

Декорации Вильнюсской церкви (в Антакальнисе) и Краковской церкви, безусловно, являются самыми великолепными воплощениями зрелого барокко, найденными на польской и литовской земле, и которые были бы столь же впечатляющими, если бы были созданы на Апеннинском полуострове. Это был отличный период и для резьбы по дереву. Следует упомянуть прежде всего алтарь чудотворной фигуры в церкви в Гидле (1669–1670) Яна Гарлицкого, кафедру в виде дерева Иессея в церкви Ордена Св.Клэр в Старом Сонче (1672 г.), а также корпусы органа из Пельплина (1674–1680) и Лежайска (1675–1678, 1687–1693). Это произведения, которые не только богато украшены орнаментом в стиле барокко (ушные раковины, акант, фруктовые и цветочные гирлянды) и многоцветной полихромией, но и характеризуются отдельными иконографическими программами, которые можно рассматривать как своего рода богословские договоры.

Наконец, стоит упомянуть художников, собравшихся вокруг Иоанна III. Они твердо верили в искусство, ищущее идеальную красоту, гармонию и ясную композицию, то есть искусство, родственное классицизму.В этой группе наивысшее звание заслуживает поляк — Ежи Элеутер Шимонович Семигиновский, начавший помощником в живописной мастерской во Львове, а завершивший свою долгую жизнь графским титулом. Благодаря королевской поддержке он отправился учиться в Рим, где получил приз и стал членом элитной Академии Святого Лукаса, которая сформировала его как художника. Семигиновский был не только талантливым, но и разносторонним, создавал, в том числе, графику. Он известен как автор великолепных портретов Иоанна III и его семьи, а также как успешный декоратор дворца в Виланове.Художник использовал различные темы и техники, в том числе сухую фреску, с помощью которой он реализовал идеальное видение красоты и гармонии любви на фоне польских пейзажей (Вилянув, 1680-е годы). Он также проявил себя как дизайнер алтарей и скульптур. В его работах можно найти отголоски классицизма, связанного с барокко, по стопам Карло Маратты, Николя Пуссена и Клода Лотарингии.

Портретист Франсуа Деспорт (François Desportes) был художником, чье творчество пришло из французского барокко.После смерти Иоанна III он вернулся на родину и успешно работал при дворе Луиса XIV. Мартино Альтомонте рисовал батальные сцены и восхвалял триумфы своего королевского принца ( битва при Вене , битва при Парканьях , 1693–1694), а позже стал известным и популярным художником при австрийском дворе.

About Author


alexxlab

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *