Художники барокко самые известные

Стиль барокко начал зарождаться еще в эпоху Возрождения в Италии, откуда постепенно распространился по всей Европе и преобладал в европейском искусстве конца XVI — середины XVIII века. Его приметы — пышность и размах, обилие деталей, вычурность.

Происхождение стиля и названия

Две самые популярные версии происхождения слова «барокко» — от итальянского baroсco («причудливый, странный») и от португальского perolabarroca («жемчужина неправильной формы»). Этот стиль, в котором все преувеличено и чрезмерно, проявил себя и в живописи, и в музыке, и в архитектуре, и в моде. Каковы же были причины его появления?

К концу XVI века позиции церкви в Европе серьезно пошатнулись благодаря открытиям Николая Коперника и борьбе Мартина Лютера с церковными злоупотреблениями. Люди стали уделять больше внимания земным удовольствиям. Новые дворцы знати возводились с размахом и пышностью. При этом новые храмы также отличались роскошью и гигантскими размерами — священнослужители желали вернуть церкви былое могущество…

«Барокко — трагичный, массивный, мистический стиль. Оно стихийно. Оно требует глубины и прозрения.» С. Моэм

Италия тогда была практически полностью захвачена испанцами. Тем не менее эта страна, которая всегда славилась своим искусством, не желала отказываться от звания «культурного центра Европы». Отсутствие самостоятельности итальянцы компенсировали роскошью — вот еще одна причина показного великолепия барокко.

В разных странах Европы существовали свои варианты стиля барокко. Более скромное «северное» барокко было характерно для Германии, Голландии и Британии. «Южное» барокко — итальянское, испанское и французское — отличалось невероятной пышностью.

В России барокко принято делить на петровское (относительно строгое) и елизаветинское — блестящее и масштабное.

• Динамичность образов
• Преувеличенная эмоциональность
• Смешение реального и иллюзорного

Человек эпохи барокко. Знаменитые итальянцы

Костюм европейского аристократа того времени был сложен и необычен: многоэтажные парики, корсеты, кружево. И мужчины, и женщины носили каблуки и использовали много косметики. Все естественное в среде знати подвергалось гонениям, поскольку приравнивалось к варварству, дикости и невежеству.

Все это нашло отражение и в живописи: картины, созданные в стиле барокко, даже вполне реалистические, сложны по композиции, отличаются обилием фигур и напряженностью сюжета.

В Европе выдающимися мастерами барокко были итальянец Караваджо, испанцы Веласкес и Эль Греко, «великий фламандец» Рубенс и голландец Рембрандт.

Живописец Микеланджело Меризи да Караваджо (1571–1610) любил рисовать простых людей из толпы: мальчишек, уличных торговцев, музыкантов, но охотно воплощал и религиозные сюжеты. Персонажи его картин, как правило, будто выхвачены ярким лучом света из окружающей тьмы, что придает полотнам загадочность и таинственность.

Художник Караваджо был знаменит не только своими картинами, но и вспыльчивым характером, разгульным образом жизни и пристрастием к алкоголю. В расцвете славы он был обвинен в убийстве, объявлен вне закона, бежал из Рима и умер в изгнании.

Однажды Караваджо приказал доставить в мастерскую мертвое тело, чтобы правдоподобнее изобразить сцену воскрешения Лазаря

Испанское барокко. Эль Греко и Веласкес

Будучи глубоко верующим человеком, художник Эль Греко (1541–1614, настоящее имя Доменико Теотокопули) часто обращался в своем творчестве к библейским мотивам. При этом он трактовал изображаемые события как нечто иллюзорное, воображаемое. Его картины: «Святое семейство», «Апостолы Петр и Павел», «Сошествие Святого Духа» и другие — отличаются особой, свойственной только этому художнику серо-перламутровой цветовой гаммой. Чтобы получить такой эффект, он так наносил основные краски на белый грунт, чтобы тот частично просвечивал на полотне.

Внимание посетителей музеев всегда привлекают его картины, на которых фигуры персонажей вытянуты по вертикали, представлены в неожиданных ракурсах и «одеты» в беспокойные, словно пульсирующие цвета. Известнейшая картина Диего Веласкеса (1599–1660) — «Менины» («Фрейлины»). На полотне художник представил себя пишущим портрет… Кого? То ли королевской четы — Филиппа II и его жены Марианны (которых мы не видим — только их смутное отражение в нарисованном зеркале). То ли их дочери — инфанты Маргариты: в окружении многочисленной свиты она кокетливо смотрит прямо на зрителя.

В 23 года Веласкес стал придворным портретистом. По легенде, Филипп IV однажды сказал художнику: «Никто, кроме тебя, изображать меня не будет»

Иллюзорность, игра, загадка — тоже характерные черты искусства барокко.

Фламандское и голландское барокко

Фламандец Питер Пауль Рубенс (1577–1640) учился живописи в Италии и Антверпене (Бельгия) и в своем творчестве успешно соединил традиции «северного» и «южного» европейского барокко. Он создавал парадные портреты («Герцог Лерма»), картины на мифологические сюжеты («Персей и Андромеда»), а также на религиозные сюжеты («Святой Георгий и дракон»).

Во многом благодаря этому художнику появились устойчивые выражения «фламандская пышность» и «рубенсовская красавица»: Рубенс всегда был страстным жизнелюбом, большинство его картин — это торжествующий гимн телесной красоте человека, пышущего здоровьем.

Рубенс не только писал картины на любые темы, но и делал на заказ эскизы для гобеленов, иллюстрировал книги

Уравновешенные и трудолюбивые голландцы ценили не бурное проявление эмоций, а спокойствие и практичность.

Именно таковы были ранние картины Рембрандта (1606–1669). Признанный мастер барокко, он всегда старался отразить в своих полотнах внутреннюю суть людей и явлений, работал почти во всех жанрах живописи и к концу жизни пришел к своему собственному узнаваемому стилю.

Его поздние картины, например знаменитое «Возвращение блудного сына», при внешне довольно статичной композиции отличаются колоссальным внутренним накалом.

Еще одна известнейшая картина Рембрандта — «Ночной дозор» (1642). Едва ли не впервые в истории художник отступил от традиций парадного портрета, изобразив многочисленную группу стрелков в момент выхода из арки на площадь.

Скульптура. Великий Бернини

Характерные черты скульптуры барокко — групповая композиция из нескольких фигур, обилие деталей и «закрученность» по спирали: статую можно неоднократно обойти кругом, каждый раз открывая для себя что-то новое.

Непревзойденным мастером своего времени был выдающийся скульптор и архитектор Джованни Лоренцо Бернини (1598–1680). Он участвовал в создании грандиозного римского Собора Святого Петра. Его «Аполлон и Дафна, превращающаяся в лавр», «Экстаз святой Терезы» и композиция «Фонтан четырех рек» — подлинные шедевры скульптуры барокко.

«Наибольшей похвалы заслуживает тот архитектор, который умеет соединить в постройке красоту с удобством для жизни». Л. Бернини

Живопись Барокко (в пер. с ит. – «причудливый») принято называть художественный стиль, преобладавший в искусстве Европы в 16-18 веках.

Именно эта эпоха считается началом триумфа «западной цивилизации».

Оно возникло благодаря двум важным событиям Средневековья. Первоначально изменились мировоззренческие представления о человеке и мироздании, благодаря эпохальным научным открытиям того времени. В дальнейшем возникла необходимость власти создать имитацию собственного величия на фоне материального упадка. Для этого стали использовать художественный стиль, прославляющий могущество знати и церкви. Однако человек стал ощущать себя деятелем и созидателем и уже в сам стиль прорвались дух свободы и чувственность.

Этот художественный стиль возник в Италии, в частности в Риме, Мантуе, Венеции, Флоренции, и распространился в другие страны после эпохи Ренессанса. В 17 веке Италия потеряла свое могущество в политике и экономике. Ее территория начинает подвергаться нападению со стороны иностранцев – испанцев и французов. Однако истощенная невзгодами Италия не потеряла своих позиций. Культурным центром Европы все равно осталась Италия. Церковь и знать стремилась показать свою мощь и состоятельность, но так как денег на это не было, они обратились к сфере искусства. Благодаря ему была создана иллюзия богатства и могущества.

Основными чертами данного стиля являются торжественность, парадность, пышность, жизнеутверждающий характер, динамичность.

Искусство барокко обладает смелыми контрастными масштабами колористики, тени и света, совмещении фантазии и реальности. Живописи этого направления характерны прогрессивные идеи о сложности мироздания, безграничном и многообразном мире, его непостоянстве.

Человек – это часть мира, сложная личность, которая переживает жизненные конфликты.

Интерьер стали украшать портретами, подчеркивающими положение человека в обществе. Также очень популярны портреты правителей, на которых они изображены с античными Богами. Для барокко также свойственны натюрморты с изображением даров природы.

Художники направления барокко

Известными представителями барокко являются Рубенс, Ван Дейк, Снейдерс, Йорданс, Маульберч.

Немного художников, даже выдающихся, заслужили честь быть основоположниками этого стиля в искусстве живописи. Рубенс оказался исключением. Он создал волнующую, живую манеру художественного выражения. Этот способ письма присущ его раннему произведению «Святой Георгий, поражающий дракона». Стиль Рубенса характеризуется показом крупных и тяжелых фигур в действии – они возбуждены и эмоциональны. Его картины наделены огромной энергией.

Никому не удавалось изобразить людей и животных в смертельной схватке так, как Рубенсу.

Раньше художниками изучались прирученные звери, они изображали их вместе с людьми. Эти работы обычно демонстрировали анатомические знания о строении животных. Их образы брали из рассказов Библии или мифов. Воображение художника порождало реальные картины сражающихся людей и зверей в настоящей схватке.

К этому стилю относятся и другие мастера живописи, к примеру, Караваджо и его последователи. Их картины реалистичные и обладают мрачными цветами.

Караваджо – наиболее значимый творец среди итальянских художников.

Его картины основываются на религиозных сюжетах. Им создан контраст эпох между поздней античностью и Новым временем.

В Германии, Австрии, Словакии, Венгрии, Словении, Хорватии, Западной Украине, Польше, Литве стиль барокко переплетался с тенденциями рококо. Так, во Франции основным стилем 17 века считался классицизм, барокко же считалось до середины столетия побочным течением, но в дальнейшем оба направления объединились в один большой стиль.

В Российской Империи барокко появилось в первой половине 18 века.

Русское барокко не обладало мистицизмом и экзальтацией, характерными для стран Европы, а имело национальные особенности. Русский стиль обладал чувством гордости за государственные успехи и народа. Живопись освободилась от средневековья и религии и обратилась к темам светского общества, к образу человека-деятеля.

Повсеместно эволюция Барокко пришла к грациозности и легкости рококо. Оно переплеталось с этим стилем. А с 1760-ых годов его полностью вытеснил классицизм.

Художниками барокко были открыты новые способы интерпретации формы в пространстве, ее постоянно изменяющейся жизненной динамики. Они активизировали мировоззрение и показали, что жизнь едина с чувственной и телесной сущностью бытия. А трагические конфликты в живописи барокко создавали основу прекрасного.

Термин происходит от итальянского слова, используемого во времена Средневековья, чтобы описать отказ от схематической логики. Впоследствии слово стало обозначать любую искаженную идею или особый процесс мышления. Другим возможным источником является португальское слово «Barroco» (испанское «Barrueco»), используемое для описания несовершенной формы жемчуга. История работ в стиле насчитывает около 200 лет – развитие эпохи длилось с 1600-х по 1700-е годы.

В искусствоведении слово барокко используется для описания всего причудливого, ассиметричного, необычного, яркого, символизирующее отказ от установленных правил и пропорций. Это представление появилось, благодаря критикам XVII века. До конца XIX века этот термин всегда носил подтекст гротеска, преувеличения, избытка декораций, пышности. Только в 1888 году термин стал использоваться в качестве обозначения стилистического направления, а не в качестве понятия, критикующего избыточность, чрезмерность в живописи.

Барочный стиль написания эмоционально насыщенной картины оказал глубокое воздействие на все формы искусства, в том числе архитектуры и скульптуры. Именно в живописи это направление искусства наиболее выражено.

История развития стиля

Часть усилий по реформированию церкви должна была воспитывать своих прихожан, помогая им понять больше о вере. Это не было легкойзадачей, поскольку большинство людей были неграмотными в это время.

Было принято решение сделать искусство понятнее простым людям – необходимо использовать творение живописи для объяснения глубоких догматов веры всем, а не только образованным. Для достижения их цели, картины на религиозную тематику должны было быть однозначными, эмоционально убедительными, мощными, чтобы вдохновлять зрителя к большей набожности.

Новые конфессии, например кальвинисты, считали, что церкви и церковные службы должны быть простыми. Однако официальная церковь и священники постановили, что искусство и его красота могут донести больше, чем их слово.

Караваджо

Основал стиль Караваджо – самый влиятельный художник раннего периода барокко. Ему принадлежит открытие главной особенностью – яркое освещение сцены из темноты работ в стиле барокко. В дальнейшем этот признак станет общей чертой живописи барокко.

Караваджо вызывал критику своего творчества. Его картины на религиозную тематику вызвали споры относительно его желание отображать людей без идеализации. Живописец стремился передавать их несовершенство. Благодаря Караваджо произошел отрыв от ренессансной традиции идеализма, особенно – религиозных сюжетов.

Этапы развития

Среднее

Главный представитель – Караваджо. Период развития: 1600 – 1625 годы.

Высокое

Развивалось в 1625 – 1675 годы. В рамках этого этапа выделяют несколько направлений:

• Динамическое барокко: Рубенс;Позднее

  1675-1725 годы. Стиль создали приемники представителей раннего и высокого этапов.

  Основные черты

  Искусство барокко в живописи характеризуется динамичностью (ощущение движения), которая дополняется экстравагантными эффектами (изогнутые линии, богатая отделка, яркое освещение).

  Полномасштабное барокко или полное барокко была развито в южной части Западной Европы, в то время как северная Западная Европа создала классическое или сдержанное направление.
  Для барокко характерно непрерывное перекрытие, пересечение фигур и элементов.

  • Драматическое использование цвета;
  • Картины являются очевидными, драматичными, прямыми, без подтекста;
  • Высокая эмоциональность и динамичность сюжета, что привлекает зрителя;
  • Изображения позволяют чувствовать частью яркой реальности, которую передают художники барокко;
  • Экстравагантные декоративные элементы изображения;
  • Развиваются картины в жанрах портрет, натюрморт, пейзаж;
  • Резкие контрасты между светлыми и темными, между светом и тенью.

  Главные тематики полотен: преобразования, мученичество и смерть, битвы, интенсивные психологические моменты, любые формы проявления действия, их последствий. Барочная живопись можно назвать вершиной реализма в европейском искусстве. В эпоху Возрождения, европейские художники осознали важность формы и анатомии в представлении человеческих фигур реалистично. Творцы в стиле барокко преуспели в реалистичной передаче изображений людей – их портреты стали более вычурными, яркими, эмоциональными. Барочные художники были одержимы светом, картины точно изображают пейзаж или интерьер сцены.

  Живопись эпохи барокко можно разделить на динамическое и реалистическое барокко. Первое можно рассматривать как продолжение итальянского Возрождения, последнее – в качестве искусства стран с другим уровнем развития живописи, в котором основное внимание фиксируется на физической составляющей.

  Пейзажные картины представлены работами Якоба Исаакса ван Рейсдал из Ниделандов, натюрморты писал Жан Батист Симеон Шарден из Франции, портретный жанр — Франс Халс. Их работы известны особой подачей и восприятием реальности.

  Известные работы

  «Распятие Святого Петра» Караваджо

  В отличие от идеализированных, благородных, классических человеческих форм, художники эпохи Возрождения, предпочитали рисовать сцены и людей с их природными недостатками.

  Питер Пауль Рубенс «Четыре континента»

  Художник принес энергию, чувственность и драматизм в барокко, не только в религиозные работы. В их изображении можно увидеть барочные черты яркого цвета, телесности и перекрывающихся фигур.

  «Снятие с креста» Рембрандт

  Живописец стремился к естественной передаче движения. В своем работе переданы черты работ в стиле барокко: эмоциональность сцены, повышенная драматичность, активное использование света и тени.

  “>

Барокко в живописи: стиль в изобразительном искусстве

Барокко – самый «вычурный» стиль в мировом искусстве. Будучи противопоставлен рассудку и рационализму, он основывался на поиске новых форм художественности, отличных от строгих канонов классицизма. Между тем во всей философии барочного искусства господствует идея преображения действительности на началах разума. Начавшись в архитектуре, стиль барокко распространился и на все остальные виды искусства, включая живопись. Барокко в живописи наиболее ярко и недвусмысленно отражает веяния эпохи.

В архитектуре барокко является предметом многих споров, касающихся происхождения этого стиля. По мнению некоторых исследователей, такой тип архитектуры был заимствован… у турок-сельджуков. Как бы то ни было, поначалу новый стиль архитектуры воспринимался скорее негативно. При этом стоит понимать социальные предпосылки возникновения барочной архитектуры.

В XVII веке Италия переживает спад экономического и политического развития, сохраняя за собой, однако, пальму первенства в истории мирового искусства; в Риме, ко всему прочему, находится духовный центр всего католического мира. Представители знати по-прежнему заинтересованы в атрибутах почитания и могущества, но достаточных средств, чтобы, как раньше, возводить палаццо, у них не было. Поэтому был найден такой своеобразный выход – с помощью искусства создать иллюзию могущества.

Но это только один из источников барочного искусства. Другим стало торжество естественных наук, техники и светской жизни. Старый мир с его естественностью и простотой объявлялся миром грубости и примитива, а задача человека в новом мире – освободиться от природных оков и «облагородить» естественное начало. Изменениям подверглось всё – архитектура и интерьер домов и дворцов, городская и сельская планировка, армейская дисциплина и военное дело… На место средневекового замка пришёл дворец, предназначавшийся для отдыха, увеселений и мирного труда (к примеру, административного), поэтому отпала необходимость в крепостных стенах, громоздких башнях с бойницами.

• Во дворцах создаются парки и сады для прогулок, щеголяющие геометрически правильным расположением деревьев, дорожек и прочих элементов.
• В армии вводится форма, а значительную часть времени солдаты и офицеры посвящают построениям на плацу, отработке парадных движений и прочей муштре. С распространением пистолетов и прочего огнестрельного оружия изменился внешний облик человека, так как отпала необходимость быть физически крепким: любой конфликт можно было решить лёгким нажатием на курок. Взамен средневековому рыцарю или богатырю стандартным обликом дворянина становится «джентльмен», то есть «мягкий человек».

Все эти изменения коснулись и изобразительного искусства. Новыми канонами живописи стали возвышенность, аристократичность, незаурядность сюжетов. Изображения стали плоскостными, а жесты персонажей приобрели несколько неестественную театральность. Среди сюжетов признание получили в первую очередь религиозные и исторические. Изображение должно было удивлять, поражать, сообщать зрителю величие происходящего, торжественность и «страх божий» вкупе с восхищением от увиденного.

Характерный пример – картина Караваджо «Призвание апостола Павла». Герои изображены в полумраке, а освещённые участки выхватывают выразительные жесты персонажей. Тем не менее изображение в целом отличается реалистичностью, как будто автор изображал какую-то сцену из повседневной жизни.

Если классицизм в живописи придерживался холодной рассудочности и упорядоченности, то барокко ориентировалось в значительной мере на чувства. Эмоции получали в барочных произведениях высвобождение, однако ещё недостаточно естественное (при том что «голая естественность» сознательно отвергалась).

В различных странах барокко в живописи обретало различные формы и складывалось в разнообразные школы. Так, для Испании была характерна сильная, даже болезненная контрастность в формах и сюжетах: комическое сочеталось с трагическим, телесное с духовным, нагромождение со скупостью. Такая живопись прекрасно отражала то, что творилось в этот момент в Испании: «Золотой век» в искусстве – и экономический и политический упадок.

Живопись Диего Веласкеса отличалась сдержанностью и скупостью, в нём также было заметно влияние Караваджо (контраст полумрака и освещённой сцены на первом плане). Особняком в испанском барокко стоит творчество некоего Доменика Теотокопулоса, вошедшего в историю как Эль Греко: будучи православным греком и по «первому образованию» иконописцем (на Крите имеется икона византийского стиля, подписанная его именем), он создавал картины преимущественно на религиозные темы, отмеченные влиянием византийской иконописи; между тем он создал свою собственную технику письма, которая так и осталась оригинальной – последователей и подражателей у Эль Греко не было.

В Голландии барокко отличалось гармонией и чувственной сдержанностью. Здесь культивировалось спокойное, рациональное отношение к жизни, все проявления которой, по словам Рембрандта, «служат для нашего упражнения».

Можно ли говорить о барокко в допетровской России и Украине? В архитектуре стиль, называемый «украинским», «московским» или «нарышкинским» барокко, признан большинством искусствоведов. А вот в живописи ничего подобного не наблюдалось. Однако первые гражданские портреты, парсуны, имеют определённое чисто внешнее сходство с европейским барокко. Фигуры людей на них выступают из тёмного фона, а их плоскостный облик, не лишённый условностей, отличается некоторой «театральностью» поз. Типичная такая парсуна – портрет князя В. В. Голицына.

Во Франции барокко достаточно быстро перерос в так называемый «барочный классицизм» – искусство переходного направления. Характерный пример – картины Симона Вуэ, многие из которых являются аллегориями; также в его творчестве присутствует тема античной истории и мифологии.

Видео: Музыка и живопись французского барокко

Натюрморт барокко | СТИЛЬ БАРОККО

В эпоху барокко мастера натюрморта из Италии, Фландрии, Франции, Голландии и Испании писали натюрморты с использованием фруктов, цветов, музыкальных инструментов, рыбы, дичи и всего того, что использовалось в домашнем хозяйстве.

Все эти предметы рисовались не просто реалистичными, а с присущими барокко тщательностью и серьезностью.

Итальянский художник Караваджо написал несколько картин, которые можно отнести к натюрмортам. Говорили, что мастер использовал все свое мастерство для  изображения цветов, как если бы он рисовал человека. Это мастерство и внимание к деталям особенно хорошо видно в его картине «Корзина с фруктами».

В классическом искусстве объекты идеализировались. Караваджо пошел против этого. Он изображал червоточины на яблоках, листья на различных стадиях увядания. Еще одна особенность — как размещена корзина на столе. Она как будто выпадает из двухмерного пространства, что тоже противоречит классическому искусству.

Идею взаимодействия зрителя с искусством можно найти во многих натюрмортах барокко. В картинах использовались все пять чувств человека. На фото слева — «Натюрморт с шахматной доской» («Пять чувств»), автор — Любен Божен.

 

Голландский художник Виллем Кальф изображал предметы роскоши, такие как турецкие ковры, фарфор, редкие фрукты, показывая процветание, богатство и власть Голландии.

Ян Давидс де Хем — голландский художник натюрмортов. Он рисовал великолепные композиции изысканно накрытых столов, которые дышат изобилием фламандской живописи барокко. Его работы формировали связь между голландскими и фламандскими традициями натюрморта. На фото справа — «Натюрморт с серебряным стаканом».

Рашель Рюйш была одним из лучших мастеров цветочного натюрморта барокко. Она родила мужу десятерых детей, но никогда не откладывала в сторону кисть. Она реалистично изображала цветы и фрукты. Чаще всего она рисовала композиции на темном фоне, выделяя ярким светом сами объекты.

Натюрморт барокко включал в себя такой жанр как аллегорический натюрморт (Ванитас). С латинского Vanitas переводится как тщеславие и означает бессмысленность земной жизни и преходящий характер всех земных благ. Общие символы это черепа, гнилые фрукты (процесс старения), дым, часы (краткость жизни), музыкальные инструменты (эфемерная природа жизни).

В картине «Memento Mori» (Винсент Лауренс ван дер Винне) всё напоминает о смерти: открытая книга символизирует знания, земной шар — мощность, музыкальные инструменты — чувственные удовольствия, часы — быстротечность времени. Череп лежит выше всего этого, напоминая о том, что не смотря на все богатства и славу в мирской жизни, смерть остается неизбежной.

 

 

7.2. Стиль барокко в европейском искусстве

Конец XVI — первая половина XVII в. относятся до самых сложных периодов в истории европейской литературы и искусства. В Англии, Испании и Польши именно в этот период достиг своего расцвета припізнілий Ренессанс.

В Италии же кризис гуманизма и культуры Возрождение проявилась уже в середине XVI в., и на этой почве возник маньеризм, который во второй половине XVI в. приобрел значительный распространение и в самой Италии и за ее пределами.

Хотя нередко это искусство и рассматривают как «вторичный стиль» Ренессанса, естетико-художественная основа у него все-таки была не и, что в Ренессанса и классицизма. В отличие от представителей этих направлений, которые выходили из міметичного понимание природы искусства и главное его назначение усматривали в подражании природе, маньеристы в своем творчестве перенесли акцент на субъективное. Уже около 1600 г. маньеризм начинает сходить со сцены, уступая место новым художественным направлениям — барокко, классицизма и реализма.

XVII ст. — это особая эпоха в культурном жизни европейского общества. По-своему оно противоречиво: неся на себе ярко выраженный отпечаток кризиса гуманистических идеалов эпохи Возрождения, оно, в то же время, мучительно ищет способы сохранения важнейших достижений Ренессанса. И главное, что определяет верность XVII ст. предыдущий эпохе — это рационалистичность. Даже в противоречиях барокко четко прослеживается мысль о невозможности отказа от крупнейшего завоевания Возрождение — веры в непобедимую силу человеческого разума.

Бурные события политического и социального жизнь, научные достижения и открытия, возникновения новых философских систем не могли не вызвать определенных процессов в художественной культуре, способствовать зарождению новых направлений и методов творчества. В XVII в. в культуре Западной Европы господствуют два главных направления — барокко и классицизм.

Барокко было связано с прогрессивными явлениями и процессами эпохи, выступало их порождением и специфическим художественным выражением. Барокко содержит в себе течения различной идеологической направленности. Рядом с аристократичной и католическим развивалось барокко буржуазно-протестантское, особенно в Англии, Голландии, северной Германии; буржуазно-мещанское барокко получило значительное распространение в тех романских и западнославянских странах, где господствующей религией оставался католицизм.

Этот термин был введен швейцарскими учеными — историком и философом культуры Якобом Буркхардтом (1818-1897), искусствоведом и культурологом Генрихом Вельфліном (1864-1945) в конце XIX — в начале XX ст. Барокко охватило различные сферы духовной и культурной жизни: архитектуру и музыку, живопись и литературу, декоративное искусство, философию, историографию, церковную проповедь. В искусстве барокко отразились представление о безграничности, многообразие и вечную изменчивость мира, интерес к среды, окружения человека, природной стихии. Это искусство тяготело к торжественного, патетического «большого стиля», потрясающих эффектов и отмечалось великолепием, декоративным размахом, бурной динамикой.

Художественный стиль барокко, зародившись в Италии, распространился в Испании, Португалии, Франции, Фландрии, которая осталась под властью Испании, потом в Германии, Австрии, Англии, Скандинавии, Польше, Литве, Украине, Беларуси. В XVIII в. барокко приобрело своеобразного и блестящего развития в России. Барокко открыло новые возможности для развития искусства.

Архитектура. Наиболее ярко этот художественный метод проявился в архитектуре. Архитектура барокко тяготела к ансамбля, к организации пространства. Это площади, дворцы, лестницы, фонтаны, парковые террасы, бассейны и т.д. В городских и загородных резиденциях архитектура и скульптура имеют единственное решение: преобладают пластическое отделка с тревожной игрой тени и света, парадные интерьеры с многоцветной скульптурой, лепкой, резьбой, позолотой, разрисованными плафонами, которые создают иллюзию розверзнутих сводов.

Раннее барокко не создало новых типов дворцов, вилл, церквей, но предоставило им различных декоративных элементов. Интерьеры ренессансных палаццо превратились в анфиладу пышных покоев, много внимания мастера барокко уделяли внутреннему двору, дворцовом саду. Скульптуры, фонтаны, гроты украсили парки, декоративный эффект усилился и расположением всего ансамбля террасами на крутых склонах.

В это время возникают новые формы в архитектуре. Архитектура барокко не терпит прямых линий и четко очерченных статических плоскостей. Отказывается от прямых линий и полукругов ренессанса, но и не возвращается к сочетание прямых линий в остром углу, характерном для готики, — в ее сооружениях доминируют изогнутые и волнообразные линии, плоскости стен маскируются украшениями и тоже начинают изгибаться или же тонут в полумраке. Барочные фасады подобные волнообразной линии, благодаря чему стираются четкие очертания здания, она словно растворяется в пространстве. Высокие и величественные купола барочных храмов стремятся создать иллюзию бездны звездного неба.

В храмовой архитектуре зрелого барокко (вторая половина XVII в.) наблюдаются чрезвычайная великолепие и величие, живописность фасада, но и интерьер церкви, как место театрализованного обряда католической службы, представляет собой синтез всех видов изобразительного искусства (впоследствии прилагается органная музыка). Скульптура тесно связана с архитектурой, в барокко (чаще всего) нельзя отделить работу архитектора от работы скульптора.

В практике градостроительства сформировались тип площади, пространство и застройка, которые подчинялись одной монументальном здании как композиционной доминанте. Вследствие этого площадь превращалась в своеобразный открытый вестибюль перед храмом. Лучше всего такую задачу решил в период зрелого барокко итальянский архитектор и скульптор Джованни Лоренцо Бернини (1598-1680), когда строил колоннаду св. Петра в Риме (1657-1663). Это главный его творение. Глубина майдана — 280 м; в центре высится обелиск, фонтаны у него подчеркивают поперечную ось, а самый майдан образован мощной колоннадой из четырех рядов с 284 колонны тосканского ордера высотой 19 м, украшенных 96 статуями, что образует строгое незамкнутый круг.

Бернини обращался к античных и христианских сюжетов в скульптуре. Он стал создателем барочного портрета — парадного, театрализованного, декоративного, который, однако, отражал реальное лицо; был автором многих произведений, благодаря которым католическая столица и получила барочного характера.

Характерным для светской архитектуры барокко является дальнейшее развитие городского дворца. Интересными образцами этого типа является церковь Сан-Лоренцо (1624-1683), палаццо Каріньяно в Турине, которые соорудил большой мастер позднего барокко, архитектор и ученый Гваріно Гваріні (1624-1687). Привлекает внимание фасад этого дворца с эффективно изогнутой центральной частью, увенчанной сложным криволинейным фронтоном, и украшен оригинальными украшениями в центре. Он производит впечатление насыщенной и изысканной архитектурной декорации.

В эпоху барокко было создано много впечатляющих своей красотой зданий: церковь Санта-Мария делла Виктория в Риме, церковь Санта-Мария делла Салюте в Венеции, дом Рубенса, Иезуитская коллегия в Саламанке, церковь святого Карла Борромея в Вене, палаццо Пезаря в Венеции, дворец Бельведер в Вене, дворец Цвингер в Дрездене, Зимний дворец в Санкт-Петербурге и ансамбли Царского Села (архитектор Растрелли Варфоломей (1700-1771)). Здания (церкви Сан-Карло алле Куатро Фонтане, Сант-Иво в Риме) по проекту итальянского архитектора Франческо Борромини (1599-1667) совмещали причудливую пластика и оригинальную форму, были украшены множеством лепниной и резьбой, скульптурой, горе — и барельефами.

Тесно с архитектурой была связана скульптура. Динамизм скульптуры барокко, в отличие от ренессансной скульптуры покоя, вызывает не оптимистическое ощущение могущества, величия, возможностей человека, а захват легкостью, изяществом, некой нереальностью, неземным очарованием.

Одним из интересных жанров барочной скульптуры был портрет. Прежде всего, это — работы, образное воплощение которых не выходило за пределы односторонне истолкованной торжества, сословной принадлежности. Однако и среди них было немало ярких и выразительных образов (портреты герцога Моденського Франциско Д’Єсте и Людовика XIV, выполненные Бернини). Значительное место в светской скульптуре эпохи барокко заняли статуи для городских фонтанов (фонтан Треви в Риме) и садово-парковая пластика.

Живопись. В европейском живописи эпохи барокко значительного развития достигают бытовой жанр, пейзаж, натюрморт, портрет. Новые образы требовали новых способов изображения реальных объектов через язык и организацию живописного произведения. На материале жанров реальной действительности развивается позаміфологічна концепция картин мира. Мифологическая картина мира на основе христианской (Рембрандт) и античной традиции (Пуссен) сосуществуют в равновесии с позаміфологічною концепцией, что принципиально отличает XVII в. от XVIII ст., и XIX вв., когда мифологемы уступили место образам реальной действительности.

Выдающимися представителями барокко в живописи были итальянец Микеланджело Караваджо (1573-1610) и голландец Питер Пауэл Рубенс (1577-1640). В начале века они оба работали в Риме. Караваджо получил хорошее художественное образование. Примерно 1590 г. едет в Рим — центр культуры Италии. Сюда съезжались художники, архитекторы, скульпторы. Там судьба сделала первый шаг навстречу Караваджо, когда довольно известный художник Джузеппе Чезаре д’Арпино взял его помощником в свою мастерскую. Молодой художник пишет натюрморты, портреты, сюжетные картины («Больной Вакх», «Мальчик, который чистит грушу», «Продавец фруктов»).

Постепенно Караваджо тяготеет к монументальных произведений. В конце 90-х гг. художник написал такие монументальные работы, как «Жертвоприношение Авраама», «Мария Магдалина раскаивается», «Отдых по пути в Египетского». Главным требованием Караваджо стало обращение к реальной действительности: простого человека, персонажей типа картежников, шулеров, гадалок и т.д. В цикле картин, посвященных деяниям апостолов, Караваджо изображает их простоватой, народными типами, морщинистыми, неуклюжими. Он любил все настоящее, неприкрашене, телесное, ми-цне. Его герои жизненно достоверные: святые часто похожи на ремесленников, крестьян. Изображая этих людей, художник положил начало глубоко реалистичном бытовой живописи («Лютняр», «Игроки»). Караваджо первым в европейском искусстве начал писать станковые натюрморты. В последние годы жизни художник написал картины: «Мадонна пилигримов» — перед мадонной на коленях стоят босые, нищие старики с палками, а она сочувственно наклонена к ним, «Успение Марии», «Муки св. Петра» и др. Караваджо в своих произведениях говорил на языке барокко по-своему и о своем.

Рубенс Питер Пауэл — великий фламандский живописец, непревзойденный колорист и рисовальщик, глава фламандской школы живописи в стиле барокко. Он же архитектор, выдающийся коллекционер, знаток нумизматики, государственный деятель и дипломат.

Начальное художественное образование получил в Рубенс местных художников. В 1600 г. Питер Пауэл едет в Италию совершенствовать свою художественное образование. Останавливается при дворе герцога Мантуанського Винченцо И Гонзанга, где сначала копирует картины великих мастеров. С 1605 г. по 1608 г. Рубенс учится в Риме. Осенью 1608 г. он получает из дома письма — тяжело больная мать. Спешно покидает Италию и, как выяснилось, навсегда.

Восемь лет, проведенных Рубенсом в Италии, не только определили его живописную манеру, но и принесли ему успех и признание, закрепили веру в собственные силы. Они были периодом формирования его искусства. Мастер пытался объединить разные школы, как античные, так и современные, и на таком синтезе творить свое, собственное художественное видение.

Удивительная работоспособность и большое трудолюбие Питера Пауэлла были, как свидетельствуют его современники, невероятными. Рабочий день всегда начинался в четыре утра и продолжался до вечера с короткой перерывом на обед.

Рубенс был разноплановым художником. Картины на религиозные и античные темы, пейзажи, аллегории, бытовой жанр, портреты — все он писал прекрасно. К какой бы темы художник не обращался, он непременно возвеличивал и воспевал родную Фландрию с ее многострадальным народом, прославлял национальный тип красоты.

Его живопись очень характерный для барокко, но имеет свои национальные особенности: в первую очередь преобладание чувства над бесстрастен, полная отстраненность от мистики, физическая сила, почуттєвість, восхищение природой («Герцог Лерма на коне»), грандиозные полотна для антверпенского собора — «Поднятие креста» и «Снятие с креста», «Персей и Андромеда», «Поклонение волхвов» и др.). Все композиции будто в движении. Даже античные сюжеты художник выбирал динамические.

Рубенс на заказ королевы написал более два десятка картин для Люксембургского дворца — сцен из жизни французского королевы Марии Медичи, в которых исторические лица изображены рядом с античными божествами, реальные события уживаются с аллегориями.

В последнее десятилетие музой художника стала его юная жена Елена Фоурмент. Питер Пауэл пишет ее в виде библейской Версавії, богини Венеры («Суд Париса»), включает ее изображение в картину «Сад любовь», создает более 20 портретов. Он рисует ее на прогулке вместе с собой, в саду с детьми, одетой и обнаженной. В юной Фоурмент Рубенс нашел идеал женщины. ее портреты принадлежат к лучшим из тех, что он написал. Рубенс славит женщину как символ жизни. В этот период живопись мастера становится интимным и задушевным, наполнен большой силой личного переживания.

Рубенс создал особый жанр живописи, в котором исторические, реальные образы сочетались с аллегорическим уславленням героев в античном стиле. Рубенс был мастером портрета и, в то же время, пейзажа; в ряде картин он дал замечательные образцы крестьянского быта.

У Рубенса был любимый ученик — Антонис Ван-Дейк (1599-1641). Родился в богатой купеческой семье. Антонис получил хорошее образование. Кроме фламандского языка он владел испанским, французским, итальянском, английском, знал историю, богословие и мировую культуру. Первые уроки рисование Антонис получил от матери, а художественное образование (с 10 лет) в мастерской Хендрика ван Балена, известного антверпенского художника. Там он легко и быстро овладел основами живописной техники. Свидетельством этого является первый «Автопортрет» Ван-Дейка, написанный около 1615 г. В 19 лет юноша становится самостоятельным мастером. Работы этого периода написаны под влиянием Питера Рубенса, который надолго станет не только учителем, но и другом молодого художника. В юности он был под сильным влиянием своего учителя, работал в его мастерской. Художник стремится к монументальных многофигурных композиций религиозной и мифологической тематики. Удачными среди них были «Поцелуй Иуды», «Св. Мартин». Но в те годы становится очевидно, что призванию художника является портретная живопись. Это «Портрет Корнелиса ван дер Геста», «Портрет художника Франса Снейдерса», «Семейный портрет», «Коронование терновым венком».

С 1621 г. Ван-Дейк путешествует по Италии (Рим, Неаполе, Турине, Палермо, Флоренции, Венеции, Генуи) до 1627 p., где завоевал неожиданный успех как портретист, особенно в Генуе, среди генуэзской аристократии. В портретах и автопортретах художник подчеркивал аристократизм, нежность, элегантность, изящество форм. Они психологически выразительными и одновременно декоративно насыщенными. Своих героев он показывает в богатых интерьерах, эффектных позах, ярком и богатом наряде.

Ван-Дейк вернулся на родину уже знаменитым. Писал большие картины на мифологические и религиозные темы, но они слишком театральные и уступают портретам.

Последнее десятилетие он жил в Англии, где Карл И пожаловал ему звание главного королевского живописца, дал рыцарское звание. На отплату Ван-Дейк создал галерею парадных портретов английского придворной аристократии: 35 портретов Карла И, 20 портретов королевы и их детей и портреты членов двора. Его портреты отличались глубоким реализмом, стройностью композиции, прозрачностью и силой красок; в них правдиво отражено характеры.

Годы, проведенные художником в Англии, были наполнены огромным трудом. За это время он написал около 400 полотен. Умер незадолго до начала английской буржуазной революции.

Продолжателем фламандской живописной школы был Якоб Йордане (1593 — 1678). Знаменитый живописец родился в большие бюргерзькій семьи в Антверпене. Художественное образование получил в местного живописца Адама ван Ноорта, известного в основном тем, что был учителем Рубенса.

Первые картины Йорданса отражали жизнь реального мира. Даже в религиозных сюжетах художник изображал правдивые жизненные ситуации и персонажи («Святое семейство со Св. Анной», «Святое семейство», «Святое семейство с пастухами», «Четыре Евангелиста», «Бегство в Египетского»).

Йордане написал большое количество портретов на заказ фламандских бюргеров, а также семейные («Портрет четы Зурпель», «Семейный портрет»). Его произведения — воплощение фламандского жизнелюбия. В Йорданса были два любимых сюже

ты — «Сатир в крестьянина» и «Король пьет»: он их писал много раз в разных вариантах. Первый — самобытный сплав мифологического барочного жанра с чисто бытовым и юмористическим. Второй — традиционное фламандские праздник «Бобового короля». В 1638 г. Йордане создал мифологические сцены в охотничьем павильоне Торре де ла Парада, а в 1648 — серию декоративных композиций на заказ шведской королевы Кристины.

Среди многочисленных произведений конца 40-х гг. («Блудный сын», «Св. Павел в Листре», «Диоген ищет человека») — последняя вспышка самобытного таланта жизнелюбивого фламандца.

В 1652 г. Йордане выполнил грандиозный цикл монументально-декоративных работ в замке вдовы принца Оранского, Амалии Холмс. Огромная аллегорическая композиция (8,5 х 8,2 м) «Триумф принца Фредерика Хендрика Нассауського» поражает количеством персонажей и предметов.

Знаменитым фламандским художником-живописцем, большим мастером натюрморта, анімалістом был Франс Снейдерса (1579-1657). С его именем связан один из ярких периодов фламандского натюрморта. Большинство произведений художника условно можно назвать натюрмортами, поскольку они являются одновременно картинами анимационного жанра и бытовыми сценами. Снейдерса — новатор натюрморта. Он оживил этот жанр, облагородил сюжет.

Учился живописи у знаменитого Питера Брейгеля Младшего, а также в Хендрика ван Балена, учителя Ван-Дейка. Картинам молодого Снейдерса присущи яркие краски, четкие, точные линии изображения («Птичий концерт»), натюрморты с плодами и цветами. Такая манера исполнения роднит их с произведениями Яна Брейгеля Бархатного — пейзажиста, мастера натюрморта и анімалістичного живописи, к которому Снейдерса был очень близким в ранний период творчества.

Художественную совершенствовал мастерство в Италии в течение двух лет (1608 — 1609). Все следующее жизни было связано с родным городом Антверпеном. Много лет работал в мастерской Рубенса как помощник, рисуя в его картинах цветы, фрукты и животных. Работа в Рубенса дала толчок Снейдерсу перейти к великому монументального и декоративного стиля.

В 1610-х гг. Франс Снейдерса на заказ Филиппа III Испанского выполнил серию «охот». Кисти живописца принадлежат и мастерски написанные анималистические этюды («Птичий концерт», «Три охотничьи собаки», «Собака и кот», «Кот и дичь» и др.).

Мастерство в передаче разнообразие живой природы, страстность в воспевании земных щедрот, жизнерадостность ставят работы Франса Снейдерса в один ряд с лучшими произведениями выдающихся фламандских живописцев.

Одним из виднейших портретистов XVII ст. считался Франс (Хальс, Халс) Гальс (1585-1666), имя которого смело можно поставить рядом с именами Рембрандта, Веласкеса, Рубенса, Ван-Дейка. Ему присущ особый талант непосредственной, яркой характеристики человека.

В раннем периоде своего творчества он создал большое количество групповых портретов. Первые работы художника — групповые портреты членов стрелковых организаций — одно из крупнейших достижений мирового искусства. Особенно замечательными являются групповые портреты, датированные 1627 p., как живет воплощение праздничных веселья, например, «Пир офицеров гильдии Св. Георгия». Но не только багатофігурними композициями стал известным живописец. Он изображал и жанровые сцены, например, «Веселое общество», «Кавалер Рамп», «Мальчик, который смеется», «Флейтист, которая поет», «Дети с кружкой» и др. Для него нет неинтересных лиц: он удачно выделяет характерно, интересное даже в обычном, неприглядном персонажи. У него задорная цыганочка смеется и слегка подмигивает («Цыганка»), пацан хохочет («Мулат»), бабушка на кого кричит — и все это естественно, живо. В индивидуальных портретах часто подчеркивается импозантность, надменность, чванство и одновременно просматривается усталость, печаль. Есть много картин, в которых художник запечатлел идеалы молодой республики, чувство свободы, равноправия. Живописная палитра лаконичная, базируется на тонких оттенках.

Новое в жанровая живопись вносит Ян Вермеер (1632-1675), известный в истории искусства как Вермеер Дельфтский. Шедеврами Вермеера гордятся лучшие коллекции мировой живописи. А об авторе, который жил в центре Европы, сведений мало. Благодаря архивным и церковным документам установлены отдельные факты из его жизни. Насколько мало сведений о творчестве, настолько велика слава одного из самых крупных представителей золотого периода голландской живописи.

Художник своим творчеством прославил родной город. Вермеер с натуры рисовал виды Амстердама, писал бытовые сценки из жизни: «Молочница», «Лютнистка», «Урок музыки», «Концерт», «Офицер и улыбающаяся девушка». До первого периода творчества принадлежит «Христос в доме Марфы и Марии», «Диана с нимфами», которые изображены в виде образов своих современников. Эти работы выдержаны в традициях караваджистів. Индивидуальность стиля проявилась в удивительных интерьерах и портретах, полных света. Для них характерна вдосконаленість и завороженная легкость. Свет и его отражение становятся в большинства картин художника главными действующими лицами. Атмосфера спокойствия и тишины в композиции «Девушка, что спит», лучи света заливают профильную фигуру «Девушки с письмом», живет солнечный свет переливается на лице «Молодой дамы возле окна» и др.

Шедеврами его остаются «Вид Дельфта», «Улица в Дельфті» — безграничная преданность в любви к своему городу. Художник умел создать иллюзию растворения предметов в світлоповітряному среде, что и определило его славу уХІХст.

Вермеер Дельфтский занимает особое место среди голландских жанристів благодаря своеобразной тематике и исключительном качестве выполнение.

Вершиной голландского барочного искусства XVII в. стала творчество Рембрандта Харменса ван Рейна (1606-1669), создателя многих шедевров в портретном и жанровой живописи, «чародея света и теней», самого великого реалиста, который с любовью изображал в своих произведениях народные типы.

Художественному ремеслу сначала учился в местного лейденского живописца Якоба Сваненбрюха (Сваненбурха), а продолжил обучение в Амстердаме у знаменитого живописца Питера Ластмана. Там он овладел основами анатомии, научился писать обнаженную натуру, освоил граверну дело. Творчество Рембрандта имеет несколько этапов, они связаны со степенями мастерства и событиями жизни.

В 1625 г. Рембрандт возвращается в родной Лейден, дев’ятнадцятилітній юноша становится независимым художником. Вместе со своим земляком Яном Лівенсом открывает мастерскую, набирает учеников, принимает заказ. Каждую работу молодого художника лейденского периода без преувеличения можно назвать шедевром. Это полотна — «Избиение Святого Стефана», «Притча о глупого богача», «Христос в Эммаусе», «Плач Иеремии в разрушенном Єрусалимі», «Портрет матери», «Иуда возвращает тридцать сребреников», «Варлаамська ослица».

В Амстердам Рембрандт возвращается после смерти отца, в 1631 г. В столице он вместе со своим новым другом Гендріком ван Ейленбюрхом основывает так называемую академию живописи, реставрации и торговли картинами. В первые годы амстердамского жизни художник работает преимущественно как портретист. Среди десятков портретов, Написанных живописцем с 1631 по 1635, pp. наиболее интересными являются «Портрет Бургграфа», «Портрет корабельного мастера и его жены», «Портрет Мартина Дай», «Портрет Мартена Соольманса», «Портрет художника Жака де Гейна». Повсюду, кроме передачи идеального сходства, Рембрандт находит яркую социальную характеристику портретируемых.

Вершиной портретного искусства художника становится картина «Урок анатомии доктора Тульпа», написанная по заказу корпорации хирургов. Того счастливого периода в живописца пришло все, о чем только мог мечтать: вера в собственные силы, слава, материальное благосостояние и …любви. Бракосочетание с очаровательной и жизнерадостной Саскией ван Эйленбюрх, покупка двухэтажного дома в центре города, коллекционирование произведений изобразительного искусства, редких вещей, одежды, быта, украшений и т.д. Саския становится его постоянным и любимой моделью. Его картины счастливого периода жизни — любовь к юной жены, написанные в стиле барокко — (романтические портреты Саскии и автопортреты в роскошном наряде: «Автопортрет с Са-скією на коленях», «Портрет жены в 21 год», написанный на третий день после свадьбы).

Знаменитое полотно художника «Даная», написанное 1636 г. и переписано ним после смерти Саскии 1645 г., вызвало большую количество споров. Много специалистов утверждает, что изображенный на нем сюжет не соответствует мифа о дочери аргосского царя Акрісія, к которой в виде золотого дождя проникает Зевс, поскольку его образ на картине отсутствует.

Творчество второго периода — период высокой мастерства художника. В произведениях этого времени он изображает повседневную жизнь всеми его прелестями. В сюжетах, взятых из Священного Писания, обрисовал обычный быт, простых людей, глубоко раскрыв их психологическое состояние («Святое семейство», «Жертвоприношение Авраама», «Пир Валтасара», «Ослепление Самсона филистимлянами» и др.).

Последний период в жизни Рембрандта был сложным и даже трагическим, но это пора его шедевров. Образы этих лет монументальные и величественные, глубоко философские и высокопоэтические («Пейзаж с руинами на горе», «Пейзаж с мельницей», «Отречение апостола Петра», «Аман, Ассур и Есфирь», «Евангелист Матфей», «Апостол Варфоломей», «Портрет Иеремии Деккера», «Еврейская невеста» и др.). Главными виражальними средствами для художника был цвет и свет. Композиция живописных работ строилась на равновесии цветовых гамм. Новизна картин Рембрандта заключалась в реалистичном изображении людей из разных слоев общества, в глубоком отражении их внутреннего духовного мира.

Графическая наследие Рембрандта не менее значимая, чем живописная. Это в основном библейские и евангельские сюжеты, но рисунки часто жанровые. Офорты полны философского содержания, посвященные тайнам бытие, трагизма человеческой судьбы. В них часто звучит сочувствие обездоленным («Слепой Товит», «Снятие с креста» «Поклонение пастухов» и др.). Как офортист Рембрандт не имеет себе равных в мировом искусстве.

Творческое наследие составляет свыше 600 картин, 300 офортов и около 2000 рисунков. Рембрандт оставил около ста автопортретов, выполненных в различных техниках.

Рембрандт считается вершиной голландского реализма. Произведения Рембрандта по содержанию полны внутреннего драматизма и философских обобщений, эмоциональные за колоритом. Рембрандт — мастер группового портрета. Писал картины на библейские и мифологические темы.

Главное достижение голландского искусства XVII ст. — станковая живопись. Объекты наблюдения и изображения художников — человек и природа. Мастера кисти находят поэтическую красоту в обычном, обыденном, умеют одухотворить мир материальных вещей.

Корни испанского духовной культуры «золотого возраста» уходит в эпоху суток реконкисты — национально-освободительной борьбы испанцев с арабами. Еще на заре средневековья весь Пиренейский полуостров был завоеван арабами. Коренные испанцы не могли противостоять завоевателям. Маленький клочок земли в горах на севере Пиренеев — единственный оставшийся в VIII в. незавойованим, самостоятельным, стал цэт-ром упрямой, устойчивой, которая длилась более семь веков, реконкисты, то есть обратной реконкисты в Испании мавров (так называли арабов). Двигаясь с севера на юг, освоенные территории росли, и, наконец, осталась последняя цитадель арабов — Игра-надський халифат, которая тоже упала в конце XV ст.

Таким образом, вся средневековая история Испании, все становления этой нации проходило в постоянной борьбе против ига чужеземцев. Народ, который проникся сознанием своего достоинства и своей значимости, в центре внимания должна находиться человек — реальная и в то же время героїзована.

Объединение страны как завершение реконкисты произошло в конце XV ст. С начала XVI в. Испания — мощнейшее государство Европы, а во второй половине XVI в. — форпост общеевропейского контрреформаторского движения. В самой стране свирепствовала инквизиция, которая делала страшные жестокости. Такой была Испания в период «золотого века». И при этом — взлет национального художественного гения в конце XVI — первой половины XVII вв., не виданный ранее и в дальнейшем не пережитый испанской культурой.

Основоположником «золотого века» испанского живописи считают Доменико Теотокопулі (Доменикос Теотокопулос), прозванный Эль Греко (был греческого происхождения) (1541-1614). Родился художник на острове Крит. Художественное образование получил в местных иконописцев старой византийской школы. Затем отправляется в Венецию, учится у Тициана. В 1570 г. Эль Греко приехал в Рим и остановился в миниатюриста Джулио Кловіо. Здесь художник быстро завоевал широкую популярность, получил заказ. Им тогда были написаны «Оплакивание Христа», «Благовещение», «Портрет Винченцо Анастаджи».

В 1577 г. Эль Греко неожиданно покидает Италию и едет в Испанию, которая стала, по сути, второй родиной. Рассчитывая получить заказ от Филиппа II на оформление аскетично-строгого дворец-монастырь Эскориал, он поселяется в Мадриде. Но мечты его не осуществились. Эль Греко едет в Толедо, становится основателем толедської школы и выполняет заказы преимущественно местных монастырей и церквей. Он рисует религиозные сюжеты («Моление о чаше», «Троица», «Воскресение Христа», «Вознесение Марии», «Святое семейство»), чаще всего алтарные образы, реже античные («Лаокоон»), виды Толедо, много портретов, один из них — «Рыцарь с рукой на груди». Его картинам присуще напряжение, волнение, беспокойство. Лица портретируемых удлиненные, аскетические, глаза посажены асимметрично. Греко, художник эпохи ренессанса, прошел все искушения передовой итальянской школы, прекрасно владел законами перспективы, анатомии, освещение, сознательно их удлиняет во имя подчеркнутой выразительности «Благовещение», «Крещение», «Воскресение». Пейзажи Толедо — это разное состояние природы, например, «Толедо во время грозы».

В глубоко своеобразном и выразительном искусстве Эль Греко, что родилось в среде старого дворянства и кастильский фанатичного монашества, много мистики, экзальтированности, исступления, даже ложной патетики и надлома, что дает основание некоторым исследователям отнести его творчество к художников маньєристичного направления.

Следующим представителем испанской живописи и одним из лучших офортистів Европы эпохи барокко был испанец Хусепе де Рибера (1591-1652). В 1615 г. Сведения об детские и юношеские годы имеем очень скупые. Известно лишь, что родился в Валенсии, обучение в университете поменял на мастерскую живописца Фр. Рибальты. Получив основные знания по рисунку, живописи, композиции, Рибера оставляет Испанию и едет в Италию. Живет и работает в Риме, Неаполе, других городах. Входит в контакт с художниками-караваджистами, которые приехали из Северной Европы — к их стилю близки первые известные работы Риберы. В Неаполе вице-король становится первым его покровителем и поручает ему значительные работы, которые художник написал в караваджистській манере. В Неаполе занимается графикой и получает признание как художника-графика («Оплакивание», «Распятие апостола Петра»,»Мужская голова с повязкой», «Святой Иероним за чтением»). В экспрессивном стиле написаны композиции, которые оригинально интерпретируют караваджистські принципы («Пьяный Сілен»), и произведения, в которых свете цветные тона, возложенные широкими плоскостями, напоминают о влиянии венецианских мастеров. В его стиле появляются мягкость и одухотворенность барочного характера благодаря влиянию Рубенса и Ван-Дейка. В 1637 г. созданы «Аполон и Марсій», «Святая троица» из серии картин, заказанных монастырем Сан-Мартино — одно из лучших его творений. Интересна его галерея философов и апостолов: «Философ», «Диоген», «Демокрит», который смеется «Философа с зеркалом». Фигура Сократа, несмотря на неприглядную внешность, полна величия, значимости и силы.

В 40-х годах Рибера работает не так интенсивно, как в предыдущие годы, в выполнении заказов часто принимает участие мастерская.

Последние годы жизни знаменитый живописец провел в своем доме в Позіліппо (пригород Неаполя), всеми забытый, больной. Творчество Риберы легла в основу всего испанской живописи.

Современником Риберы был живописец, один из самых ярких представителей севільської школы, мастер монументальных композиций — Франсиско Сурбаран (1598-1664). Художественное образование Сурбаран получил в малоизвестного художника Педро Вильянуэва в Севилье. Живя в Севилье, Сурбаран пишет много картин на заказ доминиканского монастыря Сан-Пабло Эль Реаль. Мастерски сумел передать глубокое и одновременно личное, духовно напряженное религиозное чувство, причем его образы отличает строгость и некоторая архаичность, выделенные объемы сильными контрастами светотени, «Рождение Богоматери», «Христос-мальчик», «Непорочное зачатие», «Праздники Касильда». Эти стилистические черты характерны и для натюрмортов. В 1634 г. едет в Мадрид, где с Веласкесом пишет работы для Буэн Ретиро (ныне Прадо) на тему «Подвиги Геракла». Через год возвращается в Севилью, возобновляет работы для монастырей и церквей, создает много картин с изображением молодых девушек с атрибутами Святых («Юность Марии»). Художник умел выразить красоту формы, фактуры, цвета изображения вещей.

Самым выдающимся представителем испанского живописи «золотого века» был Диего Родригес де Сильва Веласкес (1599-1660). Детство и юность будущего мастера прошли в Севилье. Художественный мастерства учился в мастерской известного художника Франциско де Эрреры в Севилье. Впоследствии родители переводят его на учебу в талантливого художника и теоретика искусства Франсиско Пачеко. Учитель предоставлял ему полную свободу действий и не навязывал свою волю в выборе сюжета. Первые самостоятельные полотна Веласкеса писал в основном на бытовые сюжеты. их героями были нищие и прислуги, бедные торговцы и уличные музыканты («Прислуга», «Два юноши за едой», «Молодая женщина», «Музыкант»).

В 1622 г. Веласкес переезжает в Мадрид. Знакомится с картинной галереей, в то время одной из самых богатых в Европе, копирует работы Леонардо да Винчи, Веронезе, Рафаэля, Рубенса, Тициана. Знаток и ценитель искусства Филипп IV назвал севильского художника прекрасным портретистом и выразил желание позировать ему. Веласкес сорок лет служил придворным художником при Филиппа IV. Но это не помешало ему идти творческим путем в искусстве. Новаторской (в композиции) была его картина «Сдача Бреды», посвященная победной события в безславній для испанцев войне с голландцами: победители и побежденные представлены достойно, на равных.

Религиозные сюжеты первых лет творчества меняют портреты. Веласкесові портреты (Филиппа IV «Ла Фрага», его детей, графа Олівареса и других придворных), исполненные достоинства и воспринимаются неоднозначно. Пронзительный взгляд портретируемых папы Иннокентия X, холодных светлых глаз, выражение губ, указывают на жесткость, мужество и сильную натуру. Современники утверждали, что, увидев свой портрет, папа сказал: «Слишком правдиво!» На смену портрета-идеала эпохи Возрождения барокко выдвигает портрет человека во всей ее сложности.

Благородство и мера, присущие художнику, проявились в портретах королевского карлика Эль Примо (любимого шута Филиппа IV), который задумался над исполинским в его маленьких руках фолиантом; разряженный, словно принц.

Одновременно с портретами придворной знати художник создал серию пейзажей («Аллея в королевском саду», «Фонтан в королевском саду» и др.).

Творчества Веласкеса присуща ярко выраженная светская направленность. Он считается одним из создателей жанра парадного портрета. Изображение его монументальные и лаконичные, полны барочного психологизма. Известными произведениями Веласкеса «Венера с зеркалом», «Менины» (фрейлины). Одной из последних работ стала картина Веласкеса «Пряхи» (1657) — одна из первых работ, посвященных женщинам-трудівницям. Для написания этой картины художник специально посещал мануфактуру и наблюдал там за работой пряль.

Завершает период «золотого века» во второй половине XVII в. один из найвидатні-ших художников Мурильо Бартоломео Эстебан (1618-1682), мастер религиозного и жанровой живописи. Родился в Севилье, рано стал круглым сиротой, воспитывался в семье тетки по матери. Супруги отдал его в ученики Хуану де Кастильо, художнику, который работал в духе испанских романистов XVI ст.

1640 г. Мурильо на пять лет отправляется в Мадрид. Там судьба свела его с большим Веласкесом, который помог молодому художнику получить разрешение на копирование в королевских дворцах полотен Тициана, Рубенса, Ван-Дейка.

В 1645 г. художник выполнил первое важное заказ — серию картин для дворика монастыря Сан-Франциско в Севилье. В севильский школе царил реалистичный стиль, связанный с творчеством Сурбарана, у которого Мурильо позаимствовал интерес к сильных световых контрастов и скульптурно четкой передачи объемов «Мадонна дель Росарио». В произведениях следующих лет, например, «Рождество Богородицы», свет и тени переданы мягко, гибко, явно под влиянием Ван-Дейка.

Для свободной продажи им были написаны разные варианты мадонн — «Мадонна с младенцем», «Мадонна с младенцем и мальчиком Иоанну», «Мадонна с яблоком». Отрадно, что матерь Божия в Мурильо — всегда прекрасная андалузька, смуглая девушка с красивыми глазами.

Позже написал цикл полотен для главного алтарю и боковых капелл церкви монастыря капуцинов. Среди самых популярных сюжетов — дети, зафиксированные в естественных позах и ситуациях. В зрелые годы стал одним из основателей, а затем и первым президентом академии Севільської искусств.

С конца XVII в. изобразительное искусство Испании приходит в упадок, лишь в конце XVIII ст., после появления Гойи, вновь приобретает общеевропейской славы как родины великих художников.

Вообще XVII в. вошло в историю как «золотое века» живописи. Эти великие мастера живописи воплотили в своем творчестве новые поиски.

Музыка. Важную веху оставили XVII-XVIII. века в истории музыки. Это было время возникновения новых музыкальных жанров. Италия в то время была источником новых явлений в музыкальной жизни Европы.

В течение XVI-XVII вв. в Италии развивается и достигает развития опера, синтетичность которой позволяет наиболее полно отразить многомерную картину действительности и сложные внутренние переживания человека.

Во второй половине XVII в. опера достигает расцвета во Франции. В Германии и Австрии развивались такие формы музыкальных произведений, как оратория, месса и концерт.

Виднейшие тогдашние композиторы Италии — Александре Скарлатти (1660 — 1725), во Франции — Жан-Батист Люлли (1632-1682), в Германии — Генри Шютц (1585-1682), а в Англии — Генри Перселл (1658-1695). Это действительно национальные художники, прекрасно выразили себя и эпоху в своих произведениях.

В Англии опера имела короткую историю. После буржуазной революции театр и музыка считались воплощением образа жизни королевского двора и феодальной аристократии. Поэтому музыку ограничивали в ее правах в церкви и в быту, и это серьезно помешало развития национальной музыкальной культуры Англии. Рождению оперы Англия обязана Генри Перселлу. Наиболее известна его опера — «Дидона и Эней», сюжет которой композитор взял с «Энеиды» Вергилия. Позже в Англии получила развития балладная опера — разновидность комической оперы.

Постоянный оперный театр был открыт в Париже в 1669 г. Создателем французской оперы был Жан Батист Люлли. Свои оперы называл «лирическими трагедиями». Самые известные из них — «Альцеста», «Психея», «Армида». Сюжеты опер написаны преимущественно на основе античных мифов. Один из виднейших представителей французской оперы XVIII в. был также Жан Филипп Рамо.

В Германии в этот период царила итальянская опера. 1678 г. в Гамбурге — крупнейшем культурном центре Германии — открылся оперный театр. Национальные образцы немецкой оперы оказались в зінгшпілі (пение с игрой). ее героями становились простые жители города и села, строгая мораль которых противопоставлялась распущенности аристократии. В таком же плане звучали и австрийские — венские зінгшпілі.

Во всех операх упомянутых композиторов узакониваются античные мотивы. Одновременно с оперой развивается и оратория кантата — вокально-инструментальные жанры (для солистов, хора и оркестра) на религиозные, библейские, а иногда и на светские сюжеты. Бурно развивается также инструментальная музыка для органа, клавесина, смычковых инструментов.

Жанр оперы завоевал благосклонность и в столице католического мира — Риме. Церковь увидела в ней возможности влияния на прихожан. В первой половине XVII в. в Риме был построен большой оперный театр. Почти одновременно во Флоренции и Риме возник другой жанр — оратория (говорю, молю). Оратория — это большое музыкальное произведение для хора, солистов и оркестра на библейские сюжеты, который сначала выполнялся в ораториях — специальных помещениях при церкви, где собирались верующие.

Во второй половине XVII — начале XVIII вв. опера обогатилась таким видом как опера-серіа (буквально — серьезная опера). Для нее характерны помпезность, пышное оформления, изображения батальных сцен, стихийных бедствий. ее героями были боги, императоры, полководцы. Центром оперного искусства становится Неаполь. Самым крупным представителем оперной школы был Александре Скарлатти. Кроме этого возникает новый жанр — опера-буффа (комическая опера). ее первый автор — Джованни Баттиста Перголези, который написал оперу «Служанка-хозяйка».

Инструментальная музыка эпохи барокко впечатляет разнообразием жанров, форм и др-струментальних ансамблей. Из прошлых веков в XVII в. перешел орган — клавішно-духовой инструмент. Главным жанром органной музыки стала фуга (бег, быстрая течение) — наиболее развитая форма полифонической (многоголосой) музыки. Во многих европейских странах появились талантливые композиторы и исполнители органной музыки. Итальянские, французские, немецкие, нидерландские церкви временем превращались в концертные залы, где слушатели с восторгом воспринимали виртуозную игру музыкантов.

Популярным инструментом эпохи барокко были также клавікорд и клавесин — предшественники фортепиано. В репертуаре клавірному большое место занимали танцы, которые объединялись в сюиту (последовательность). Это одна из разновидностей многочастных форм инструментальной музыки. Параллельно с сюитой возникает соната (звучать) — один из основных жанров сольной или камерно-инструментальной музыки. Наряду с этими жанрами рождается также концерт (соревнования) — произведение для многих исполнителей, в котором меньшее количество инструментов или голосов, или один солист противостоит большинству.

Камерная музыка предусматривала выполнение вне церковью. Позже этим термином стали называть произведения, в которых каждая партия поручалась определенном инструмента.

Если Италия славилась струнными инструментами — скрипкой, альтом, виолончелью, то во Франции инструментом был господствующим клавесин. Уже в XVI в. он пользовался популярностью и у горожан, и при королевском дворе. Вершиной клавесинного искусства считается Франсуа Куперен. Именно в его творчестве получил совершенное воплощение стиль рококо.

Стиль барокко, развивает и углубляет перерабатывает самый крупный представитель эпохи, немецкий композитор Иоганн Себастьян Бах (1685-1750). Изменяя тематику, трактовка форм, средства музыкальной выразительности, он создает собственный стиль, не похожий на пышную, тяжелую манере старых мастеров, возносится к вершинам искусства полифонии, наполняя свои многочисленные произведения гуманистическими идеями, живыми образами, жанровыми эпизодами. Великий немецкий композитор и органист создал сотни музыкальных произведений для церковного хора и индивидуального пения, концертов для оркестров, пьес для органа, скрипки, флейты, клавесина.

Величественная и, в то же время, простая, мелодичный, и в то же время строгая, музыка Баха стала вершиной всего предыдущего опыта музыкальной культуры.

Всю жизнь композитора сопровождал любимый инструмент — орган. Органное искусство было очень распространенным в Германии, поскольку протестантизм, который сделал церковный обряд скромным и простым, одновременно поднял значение в нем музыки. Церковь стала центром музыкального искусства, а церковный органист считался главным его представителем.

На протяжении всей жизни Бах писал музыку для предшественника современного фортепиано — клавесина. Этот инструмент был распространен в домашнем музикуванні как среди музыкантов-профессионалов, так и среди любителей. Немало произведений композитор написал для различных составов оркестров.

Творческое наследие Баха составляет огромную количество произведений разных жанров и разных направлений — это сотни композиций для органа — фуги, токкати с фугамы, хоралы; для клавесина — сюиты, вариации, фантазии. В жанре вокально-инструментальной музыки Бах дал миру 200 кантат, связанных с протестантским религиозным культом, 24 светских кантаты подчеркнуто юмористического содержания, цикл из 48 прелюдий и фуг. Оркестровая наследие состоит из многих инструментальных концертов для клавесина, скрипки, виолончели, флейты и др. Разнообразная его творчество в камерном и вокальном жанрах. Титаническая наследие его занимает около 1700 произведений во всех жанрах музыки, за исключением оперы.

К сожалению, при жизни никто не заметил его гениальных творений. Он умер одинокий, непонятный и непризнанный, оставив большое наследство, которую оценили только через 80 лет после его смерти. Его творческий вклад остается краеугольным камнем в мировой музыкальной культуре.

Творческая индивидуальность большинства мастеров того времени состояла в недрах барокко. Барочными были обиды и коллизии опер, которые создал немецкий композитор и органист Георг Фридрих Гендель (1685-1759), его инструментальная музыка. Однако сила фантазии, чувств, зримость создаваемых образов в сочетании с эпической величием и героическим оптимизмом зрелого этапа его творчества создали классическую уравновешенность концепции целого, не характерную для барокко. Творческое наследие Генделя огромная. Она занимает 40 опер, 24 оратории на библейские сюжеты, восхваляющие человеческое достоинство, силу и доблесть; инструментальная музыка (сюиты, сонаты, пьесы для органа, клавесина, флейты, скрипки и других инструментов).

Музыка Генделя, в которой особенно глубоко синтезированные на основе немецкой элементы английского, итальянского и французской мелодики, отличается широким дыханием, мощным звучанием, благородным изяществом.

Определяющими в музыке барокко становятся возвышенные, величественные образы, сильные чувства и эмоции. Поэтому ведущими являются монументальные, масштабные жанры, в которых человеческий голос сочетается с возможностями оркестра и хора — опера, оратория, месса и т.д.

В центре музыкальной культуры становится композитор, исполнитель, непосредственно обращаются к слушателю. Продолжается процесс его профессионального становления, развертывание музыкальной жизни, образования, нотодрукування. Интенсивно развивается инструментальная музыка.

Взгляд художника на причудливый стиль барокко

Приветствую вас друзья, подписчики и читатели моего блога!

 Любите ли вы погружаться в мир ярких праздников и шика? Думаю, что да!  Нам всем немного не хватает этого, за серыми и рутинными буднями жизни…

И размышляя, я решила погрузить вас в необычайный и такой привлекательный стиль Барокко (конец XVI века- середина XVIII века). Давайте кратко пройдемся по основным понятиям стиля.

Какой он – стиль Барокко в искусстве, в архитектуре, в интерьере и в моде?

Немного странный, с некоторыми излишествами, где-то нелепый, перенасыщенный множеством деталей…  А знаете ли вы, что стиль Барокко долго не признавали, как жанр искусства и даже насмехались над творцами!

Естественной реакцией человека, как бы банально это не звучало, является отторжение всего нового и непонятного на первый взгляд, уже позже осознанного только при глубоком восприятии.

К художественным произведением тех времен предъявлялись строгие требования, а именно полное соответствие правилам античного искусства. Классика и рациональные взгляды на творчество приобрели новые качества и особенности, которые стали интересны обывателям.

На смену стереотипному мышлению пришел новый, неизведанный, неестественный и интересный стиль Барокко.

  Какие же основные тенденции этого стиля?

Если описать стиль и обобщить, то выглядит он так: контрастность, напряженность, динамичность.. Желание  показать пышность и роскошь, яркость и сочность …. Соединение воедино реальности и иллюзии.…

Теперь давайте чуточку пройдемся по живописи…

Пышность и величие присуще живописи в стиле Барокко. Выразительность и контрастность цветов в картинах разрушает гармонию эпохи ренессанса. Каждый стиль в искусстве имеет тесную взаимосвязь с эпохой своего рождения, ведь питаясь эмоциями и увлечениями того времени, художники получали волну вдохновения.

Творцы на холстах оставляли настроение хаоса и некоторой бесцеремонности, что и оправдывает популярность картин, выполненных в стиле Барокко.

Размеренная жизнь человека наполнилась новыми игривыми эмоциями и праздничным настроением…, ведь при взгляде на работу художника можно полностью погрузиться в иллюзорный мир шика и праздника.

Питер Пауль Рубенс (1577-1640) – творец, который предпочитал разнообразие и богатство красок, передавая любителям искусства свое настроение и эмоциональный порыв, некую страсть в сюжете. Ах, какая грация и сила собрались воедино в этой картине…

Диего Веласкес (1599-1660) –живописец и один из ярких примеров художников, работающих в стиле барокко. Очень яркие сюжеты и портреты, передающие величие высокопоставленных лиц – основное направление, в котором представлено множество его работ. Творец тщательно прорабатывал все детали, играя с бликами и тенями, что и подкупает наблюдателей.

Интересной особенностью в работах Веласкеса является совмещение в одном полотне натуральности и фантастики, мечты и реальности.

Какое милое дитя с кудряшками, бантиками и рюшечками….у меня в душе даже заиграла музыка…Вы ее слышите? Я шучу, конечно, но ощущения праздника в душе, все же присутствует. Почему сейчас так не одеваются….

И другие самые известные художники Барокко: Рембрандт ван Рейн (1606-1669),  Лафранко Джованни (1582-1647), Аннибале Карраччи (1560-1609), Караваджо (1571-1610)….

Пышные формы, яркие краски, непривычность и оригинальность сюжетных линий – все это особенности, характеризующие стиль барокко.

Чувственностью пропитаны холсты художников, в которых творцы передавали яркие эмоции и переживания

 Забыла упомянуть в начале статьи, что родиной Барокко считается Италия и с итальянского «Barocco»  переводится как причудливый, странный, склонный к излишествам…

 Теперь кратко о Стиле Барокко в архитектуре

Сложность и размах можно лицезреть  в архитектурных творениях . Очень сложные формы, игра цвета и насыщенность в оформлении зданий присущи эпохе Барокко. Одна деталь дополняется другой, создавая объем и величие. Богатые, насыщенные разнообразием деталей, здания в стиле Барокко, поражают обычного обывателя своей помпезностью.

Самые известные архитекторы Барокко :

Бернини 1598 — 1680, величайший итальянский архитектор и скульптор. Самые известные его работы: площадь Святого Петра,  Палаццо Барберини, Сант-Андреа аль Квиринале.

Пьетро да Кортона    1596-  1669 — итальянский живописец и архитектор, его работы: Церковь Святого Луки и Святой Мартины, фасад Санта-Мария делла Паче

Франсуа  Мансар 1598 -1666, французский архитектор , такие работы как замок в Блуа, дворец Мезон-Лаффит

Лево Луи 1612-1670, тоже является одним из самых известных и первым королевским архитектором Франции, самые яркие его работы это дворец в Версале (был главным со-архитектором), Луврский дворец, Во-ле-Виконт

Ну и конечно, стиль Барокко в архитектуре не обошел и Россию-матушку . А самый главный архитектор того времени это конечно же  Бартоломео Растрелли  1700-1771, его Творения это Зимний дворец, Смольный собор, Екатерининский дворец (переделка)….

Зимний дворец на Дворцовой площади Санкт-Петербурга

Андреевская церковь в Киеве

Если подвести итог архитектурным построениям стиля Барокко, то это парадность  напыщенность, тяжеловесность с кривыми линиями, торжественность, масштабность, величественность, размах в пространстве.

И еще немало важно, это появление эффекта движения за счет использования света и тени… появляется этакая игра светлого и темного

Теперь давайте окунемся в мир интерьеров того времени, и  конечно же немного погрузимся в мир моды это удивительного и шикарного стиля Барокко

В дизайне интерьер этот стиль всегда стремился к величию, пышности, подчеркивая роскошь и изобилие владельца дома. Огромные, масштабные помещения с богатой отделкой и разнообразием материалов (мрамор на стенах, обилие позолоты, лепнина с растительными узорами)

Разнообразные скульптуры, настенные живописные росписи и фрески на потолке… Массивная мебель — широкие кровати с балдахинами, огромные шкафы, зеркала с золочеными рамами, гобелены на стенах… Мягкая мебель обивалась дорогой яркой тканью — и  все это черты стиля Барокко интерьеров.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Стиль до сих пор востребован, и многие люди во всем мире предпочитают его видеть у себя в доме… \Мне этот стиль, по правде говоря, сильно симпатизирует, может поэтому, я люблю расписывать стены и мебель?

Множество живописцев и архитекторов представили человечеству шедевральные работы, покорившие людей своей безудержной тягой к жизни.

 А что же касается моды в стиле Барроко?

Началась мода барокко во времена Людовика XIV- короля Франции, при дворе которого существовал особый этикет. Сам же король-солнце любил выглядеть изыскано- модно, модник одним словом. Пышность, чопорность, сложность, обилие украшений (банты, кружева, шнуры, вышивка, ленты, драпировки)… неестественность внешнего  вида.

Также, дворцовая одежда эпохи барокко шилась из атласа, парчи, бархата, из шерсти высокого качества.  Но роскошная, причудливая одежда была не удобна, поэтому одевание платья превращалось в целый ритуал.

Ну и мода Барокко не проникла дальше дворцовых покоев, какой простолюдин может себе позволить такую дорогую одежду, в которой неудобно передвигаться и естественно работать?

Тогда же и вошли в моду такие аксессуары как кружевные зонтики, удивительные веера и муфты

 

Продолжением стиля Барокко считается стиль Рококо, в котором на смену роскоши и пышности пришли изящество и легкость. При этом оба стиля характеризуются празднованием и ликованием.

Такие разные и такие одинаковые – эта фраза идеально подходит для описания этих стилей живописи. Барокко характеризуется яркими цветами и контрастами, а творцы в стиле рококо предпочитают светлую, пастельную гамму оттенков. Масштаб и объем предпочтителен Барокко, а Рококо – это множество деталей и их ювелирная проработка.

Позже напишу статью и о стиле Рококо и сделаю сравнение развернутое между этими, горячо мною любимыми стилями

 Какова же роль Барокко в современной живописи?

… он до сих пор используется художниками и архитекторами. Вдохновляясь работами великих творцов, в современном мире художники пытаются повторить величие Барокко, максимально приблизившись к его особенностям.

В каждом человеке заложены огромные потенциалы возможностей, которые по каким-то нелепым причинам остаются не реализованными. Ведь в процессе создания шедевров вы реализовываете себя, приближаясь к миру совершенства.

Работать можно в любом стиле и направлении, главное при этом получать удовольствие от процесса. Взяв  в руки кисть, вы погружаетесь в мир иллюзий и фантазий, оставляя на холсте свое настроение, тем самым приближаясь к своей мечте. Надеюсь, статья познакомила вас кратко с удивительным стилей королей Франции- Барокко!

Друзья, чтобы статья не затерялась среди множества других статей в паутине интернета, сохраните ее в закладках. Так вы сможете вернуться к прочтению в любой момент.

Задавайте ваши вопросы внизу в комментариях, обычно, я отвечаю быстро на все вопросы

Error 404 — Сайт о культурологии. Полезная информация для студентов при подготовке и сдаче экзаменов.

Что такое культорология?

Культурология – это инновационная междисциплинарная область исследований и преподавания, которая исследует способы, которыми «культура» создает и трансформирует индивидуальный опыт, повседневную жизнь, социальные отношения и власть. Исследования и преподавание в этой области исследуют отношения между культурой, понимаемой как выразительная и символическая деятельность человека, и культурой, понимаемой как особый образ жизни. Объединяя сильные стороны социальных и гуманитарных наук, культурология опирается на методы и теории из литературоведения, социологии, коммуникационных исследований, истории, культурной антропологии и экономики. Работая через границы между этими областями, культурология изучает новые вопросы и проблемы современного мира. Вместо того, чтобы искать ответы, которые будут иметь место на все времена, культурология разрабатывает гибкие инструменты, которые адаптируются к этому быстро меняющемуся миру.

Основные культурологические школы

Культурная жизнь связана не только с символическим общением, но и с той областью, в которой мы сами ставим перед собой коллективные задачи и начинаем бороться с ними как с изменяющимися сообществами. Культурные исследования посвящены пониманию процессов, посредством которых общества и различные группы в них приходят к согласию с историей, общественной жизнью и проблемами будущего.

Культурология прослеживает связь между эстетическими, антропологическими и политико-экономическими аспектами культурного производства и воспроизводства. Ученые и практики в области культурологии часто начинают свои исследования с того, что подвергают сомнению общее понимание, убеждения и истории, которые формируют наш мир. Этот тип исследования предполагает, что культура не факт, который нужно понимать и объяснять. Что требует внимания, так это то, как культура представляет собой разнообразные миры и как ее можно мобилизовать для изменения этих миров.

Теоретические подходы к пониманию природы культуры

Культурология опирается на междисциплинарные исследования по формированию знаний, власти и различий. Ученые и практики-исследователи в области культуры изучают особенности расы, класса, способностей, гражданства, пола и сексуальности, пытаясь понять структуры и практики господства и сопротивления, которые формируют современные общества. В рамках этого исследования появляется много разных тем: повседневные практики, которые структурируют создание и получение культурных артефактов; отношения между производителями и потребителями при обращении мировых товаров; претензии на членство в отдельных общинах по мере их трансформации.

Далее … УЧЕБНЫЕ МАТЕРИАЛЫ

Образ Юдифи в живописи барокко Текст научной статьи по специальности «Искусствоведение»

Петровская Н.И. ©

Кандидат филологических наук, доцент, Российский Новый Университет (таганрогский

филиал)

ОБРАЗ ЮДИФИ В ЖИВОПИСИ БАРОККО

Аннотация

В данной статье будет рассмотрен образ героини библейского мифа Юдифи в интерпретации трех мастеров эпохи барокко — Микеланджело Меризи да Караваджо, Артемизии Джентилески и Питера Пауля Рубенса — с целью выявления специфических особенностей создания произведения, обусловленных характером эпохи. Материал работы может быть использован при изучении курса «Мировая художественная культура» в качестве примера сравнительного анализа эстетической специфики Барокко.

Ключевые слова: Барокко, экспрессия, эстетика. Keyword: Baroque, expression, aesthetics.

Становление феномена барокко в европейском искусстве тесно связано с культурно-исторической спецификой XVI — XVII вв. Этот период отмечен угасанием интереса к идеалам Возрождения, кризисом ренессансной эстетики. «Исчезает уверенность в близком и неизбежном торжестве положительных начал жизни. Обостряется ощущение ее трагических противоречий. Прежняя вера уступает место скепсису, и сами гуманисты уже не доверяют разуму как благой силе, способной обновить жизнь. У них возникает и сомнение относительно природы человека — действительно ли добрые начала главенствуют в ней» [1, 2].

Настроения, мироощущения данного времени определяют характер произведений искусства. Появляются новые темы, мотивы — мучения и страдания, смерти, мистики, ненависти, зла, столь несвойственные светлым, жизнерадостным идеалам Возрождения. «Для произведений барокко характерны эмоциональный накал страстей, динамизм и «тревожность силуэтов», картинная зрелищность, преувеличенная пышность форм, изобилие и нагромождение причудливых деталей, использование неожиданных метафор» [1, 11].

С другой стороны барокко возникло как реакция католической церкви на многочисленные протестантские течения, получившие широкое распространение в XVI веке. Церкви необходим был мощный, привлекающий внимание паствы элемент. Стиль барокко «с его грациозностью, порой утрированной экспрессивностью, патетикой, вниманием к чувственному, телесному началу, проступающим весьма отчетливо даже при изображении чудес, видений, религиозных экстазов» отвечал требованиям церкви [2, 320].

Многие мастера барокко выбирали для своих полотен сюжеты, наполненные динамичностью и экспрессией. История об обезглавливании Олоферна Юдифью прекрасно подходил для выражения мироощущения этого сложного и драматичного времени.

В данной статье будет рассмотрен образ героини библейского мифа Юдифи в интерпретации трех мастеров эпохи барокко — Микеланджело Меризи да Караваджо, Артемизии Джентилески и Питера Пауля Рубенса — с целью выявления специфических особенностей создания произведения, обусловленных характером эпохи.

Большинству картин итальянского художника Микеланджело Меризи да Караваджо свойственен глубокий внутренний драматизм. Выбранные мастером сюжеты

© Петровская Н.И., 2012 г.

экспрессивны, полны жестокости и насилия. Неслучайно он обращается к библейскому мифу о Юдифи, смысловой центр которого — убийство воина — позволяет художнику раскрыть в картине дух времени, трагического, полного противоречий.

Картина «Юдифь и Олоферн» была создана им в 1599 году. Для своего полотна Караваджо выбирает самый напряженный момент

истории — акт возмездия, совершаемый молодой вдовой. Если эстетика Возрождения требует от художника воплощения идеи вселенской гармонии, то традиция барокко находит отражение в «Юдифи и Олоферне» в прямой, предельно реалистично переданной сцене убийства, поражающей своей безжалостностью.

Мысль о дисгармоничности мира воплощается в картине через пластику, движения героев. Ярко выражена напряженная поза героини. С одной стороны художник подчеркивает неприятие ею свершаемого действа — она, резко изгибаясь, словно отстраняется от объекта наказания. С другой Караваджо подчеркивает ее мужество и решимость, акцентируя внимание на руках Юдифи — одной она вонзает меч в горло воина, другой же с силой держит его волосы, лишая возможности сопротивляться.

Страшен в предсмертных муках Олоферн. А.Миллер так передает восприятие увиденного: «те же чувства я испытала бы, глядя на настоящую казнь. Отрезанная голова, перерезанное горло и хлещущая из артерий кровь <…> на все это не следует смотреть тому, кто обладает хоть малейшей чувствительностью.» [3, 15]. Художник усиливает впечатление ужаса происходящего тем, что изображает воина еще живым: лицо искажено выражением нестерпимой боли, пальцы конвульсивно сжимают ткань постели, словно пытаясь уменьшить физическое страдание.

Дополняет фигурную композицию образ старой служанки. Ее тело практически скрыто от глаз зрителя, однако сильное эмоциональное напряжение передается через крепко сжимающие материю, подготовленную для трофея, пальцы, а также взгляд на умирающего врага, полный ненависти и злобы и сцепленные, поджатые губы.

Значительную роль в поэтике картины, ее эстетической направленности играет цвет. Караваджо выбирает яркие, контрастные цвета — глубокий красный, черный, белый и золотистый — которые формируют экспрессию полотна. Следует обратить внимание, что колористическое решение живописного произведения имеет символическую направленность. Так, над ассирийцем нависает красное полотнище, знаменуя кровавую расплату. Задний фон темен, что позволяет итальянскому мастеру, подобно театральному осветителю, выделить перед зрителем главные фигуры страшного действа. Одновременно черный цвет здесь ассоциируется со смертью, небытием. Колористический ансамбль живописной работы усиливает тяжелое впечатление, придает ей острую драматичность, что отражает особое, мрачное мироощущение эпохи, чувство безысходности.

Важное место при создании картины расправы играет тщательно выписанная художником кровь, хлынувшая из горла воина. В культурной парадигме принято рассматривать кровь как символ жизненной силы, «часть божественной энергии, или, в более общем смысле, дух личности» [4, 10]. В контексте эстетики барокко кровь, пролитая Олоферном, может восприниматься как кризис идейных исканий человека, его трагическое осознание своего места в мире, утрата духовной основы.

Традиции Караваджо были продолжены в работах Артемизии Джентиллески. Ее картина «Юдифь и Олоферн» (1614 — 1620) — один из ярких примеров эстетики барокко. Полотно наполнено сильной динамикой, экспрессией. Пожалуй, это одно из немногих полотен в истории данного сюжета, показывающих с жесточайшей реалистичностью кровавый акт убийства.

Джентиллески, как и Караваджо, изображает камерное пространство, большую часть которого занимают собой фигуры Юдифи, ее служанки и Олоферна. Этот прием способствует созданию ощущения сжатости, напряженности, передающегося в жестах, пластике персонажей. Благодаря унаследованному от Караваджо мастерству передачи контрастной светотени, реалистичному изображению события, художница позволяет зримо почувствовать телесность героев — силу тяжелых рук Юдифи и служанки, удерживающих сильное тело мужчины, их прерывистое, глубокое дыхание, беспомощность движений умирающего воина, горячую влагу брызнувших струй крови из рассеченной раны Олоферна.

Интересен образ Юдифи. Как и у Караваджо, героиня Джентилески вершит акт правосудия хладнокровно, спокойно, ее действия продуманы и уверенны. Однако художница не наделяет ее женственностью и красотой. Юдифь Джентилески не столь изящна и миловидна, она крупна, черты ее лица грубоваты, что подчеркивается выражением пренебрежения. Такое художественное решение образа усиливает, подчеркивает уродливость происходящего действа, его неестественность.

Большое внимание художница уделяет изображению рук убийцы. На левую кисть руки Юдифи надет браслет. В контексте концепции картины эта художественная деталь обретает более широкое значение, нежели просто знак украшения. Возникают ассоциации с браслетами древних воинов, использовавших браслеты в качестве оберега, защищающего в сражениях. Художественный акцент также делается на рукавах платья

героини, высоко закатанных. Этот элемент рельефнее подчеркивает сниженную привлекательность образа. Обычно, подкатанные рукава одежды становятся символом тяжелой физической работы. В смысловой направленности полотна в связи с этим возникают ассоциации с работой мясника. Данную мысль подкрепляет изображение манжет на рукавах платья. Руки Юдифи белы и чисты, но красный цвет материи манжет рождает в памяти образ рук убийцы, запятнанных кровью.

Служанка активно участвует в страшном процессе. С одной стороны, в ее образе снижена психологическая составляющая, которая становится доминантной в образе старой женщины в картине Караваджо. Служанка у Караваджо лишена движения, однако же, психологически очень выразительна — она исполнена презрения к врагу, о чем свидетельствуют ее налитые ненавистью глаза, поджатые губы и морщинистые руки, вцепившиеся в ткань, ожидающую голову Олоферна. У Джентилески помощница вдовы исполняет свою функцию хладнокровно. В ее костюме художница также делает акцент на красной материи подкаченных рукавов.

Картина Караваджо имеет значительную степень условности и символичности, подчеркнутых изображением красного полога, нависшего над палачом и его жертвой. У Джентилески антураж более реалистичен, что несколько снижает пафос вершащегося действа. Важную роль в картине играет цветовое решение. Символика перерастает в экспрессию. У Джентиллески активный красный — в виде покрывала на бедрах воина. Создается впечатление, что кровь словно сливается с покрывалом. Это придает большую выразительность и напряженность полотну.

Важной смысловой функцией наделяются предметы интерьера — постель Олоферна и лежащие на ней матрасы. Художница изображает их грязными, залитыми кровью, что снижает драматический пафос сцены, переводя возвышенный статус действа — убийство великого воина — в обычное бытовое. В таком художественном решении заметна традиция Караваджо.

Картина Питера Пауля Рубенса «Юдифь с головой Олоферна» (1616), как и вышеназванные полотна итальянских мастеров, наполнена внутренним динамизмом и экспрессией. Эти элементы формируются посредством особой живописной техники художника — широких подвижных мазков, придающих творению живость, подвижность.

Особое внимание Рубенс уделяет прорисовке фона, на котором изображается основное действо. Как Караваджо и Джентилески, художник выбирает условный фон, однако делает его не статично-темным, а сложным, многооттеночным, словно наполненным клубами дыма, поднимающимися из глубин ада. Это способствует созданию в произведении атмосферы драматичности происходящего, некоторой степени помпезности и вычурности, что является неотъемлемой чертой эстетики барокко.

Динамизм полотна достигается также и через особый, излюбленный Рубенсом, тип композиции — диагональный. В основе диагональной линии, условно пересекающей картину и придающей ей элемент движения вверх, лежит изображение меча и держащей его обнаженной руки героини.

Важную роль в передаче экспрессии картины играет прием контраста. Художник намеренно выделяет на темном фоне светлыми, золотисто-бежевыми оттенками руки, лицо, обнаженную грудь Юдифи, словно подсвечивая их театральной лампой, что рождает впечатление постановочного, вычурного, игрового действия. Богатая колористическая палитра, динамичные мазки, контрастные переходы — все это подчинено основной идее автора — передать ощущение напряженности и торжественности происходящего.

Образ Юдифи, созданный Рубенсом, сложен и психологичен. Особого внимания заслуживает лицо героини, необыкновенно выразительное, отражающее целую гамму эмоций и ощущений. Оно кажется одновременно презрительным, насмешливым, торжествующим, негодующим. Художник делает его обращенным к зрителю, говорящим

с ним. Юдифь, полная собственного достоинства и величия, словно актриса со сцены, демонстрирует перед смотрящим свой трофей.

Интересен и образ служанки. Она, в отличие от образов Караваджо и Джентилески, лишена гнева и ненависти в отношении врага. Скорее, на лице читается восхищение от проделанной ее госпожой работы. В жесте старой, но сильной руки, чувствуется некоторый трепет героини перед этим страшным трофеем и осознание его значимости.

Таким образом, эстетика барокко обусловливает создание особого видения образа библейской героини мастерами этого художественного направления. Сюжет о Юдифи, содержащий в своей основе сильный драматический элемент, позволяет наилучшим образом выразить экспрессию, динамичность и эротизм барокко.

Литература

1. Данилова Г.И. Мировая художественная культура: от XVII века до современности. — М., Дрофа, 2007.

2. Драч Г.В. История мировой культуры. — Ростов-на-Дону, Феникс, 2010.

3. Кононенко Р. Микеланджело Меризи да Караваджо. — М., ООО «Издательский дом «Комсомольская правда», 2009.

4. Энциклопедия символов [Интернет ресурс]. — Режим доступа: www.lib.rus.ec/b/1668347/

Почему изображение выше считается воплощением? — Mvorganizing.org

Почему изображение выше считается воплощением?

Почему изображение выше считается воплощением французского барокко? Он театральный, яркий и щедрый. Французская живопись в стиле барокко имела сильное влияние итальянского барокко, которое не так заметно в английской живописи.

Кто был архитектором церкви, показанной выше?

Борромини

Кто расписал знаменитый потолок над квизлетом?

Кто был явно вдохновлен художником вышеупомянутого произведения? Бернини.Вы только что изучили 13 семестров!

Какая картина имеет долгую историю?

Пожалуй, самое узнаваемое произведение искусства в мире, Мона Лиза считается типичным шедевром итальянского Возрождения. Картина известного художника Леонардо да Винчи была написана маслом на белом панно из ломбардского тополя и считается настоящим портретом итальянской леди Лизы Герардини.

Что определяет историческую картину?

«Историческая картина» — это картина, которая имеет серьезное повествование или включает примеры действий, которые имеют дидактический подтекст.В этом смысле слово история относится к итальянской истории, что означает повествование или историю (а не точное или документальное описание реальных событий).

Какое значение имела историческая живопись?

Термин «историческая живопись» был введен Французской Королевской академией в семнадцатом веке. Это рассматривалось как наиболее важный тип (или «жанр») живописи выше портретной живописи, изображения сцен из повседневной жизни (так называемая жанровая живопись), пейзажа и натюрморта.

Почему живопись важна для истории?

Это важно, потому что дает возможность познакомиться с другими гуманитарными предметами, связать их, чтобы сделать выводы и критически оценить различные произведения искусства. История создания произведений искусства в разные периоды времени помогает узнать о разных племенах и их культурах.

Что такое историческая живопись и почему она считалась более престижной, чем другие виды живописи?

Историческая живопись — охватывающая интеллектуальные темы, взятые из классической традиции, библии или аллегорий, этот тип живописи считался высшим жанром, потому что требовал мастерства в изображении человеческого тела, а также воображения и интеллекта, чтобы изобразить то, что не могло быть видимый.

Когда началась живопись?

Самым старым из известных картин приблизительно 40 000 лет, они найдены как во франко-кантабрийском регионе в Западной Европе, так и в пещерах в районе Марос (Сулавеси, Индонезия).

Какой период был для вас более интересным с точки зрения живописи?

Период барокко. Объяснение: потому что мне нравится, как они преувеличивают свои художественные работы, их произведения прямые, демонстрируют эмоции и обращаются к любым чувствам, а также в их эпоху есть один из самых талантливых художников, таких как Веласкес, Караваджо, Рембрандт, Рубенс, Пуссен, и Вермеер.

Каковы характеристики доисторических картин?

В доисторическом искусстве термин «наскальная живопись» охватывает любое париетальное искусство, предполагающее нанесение цветных пигментов на стены, пол или потолок древних укрытий в скалах. Монохромная наскальная живопись — это картина, сделанная только одним цветом (обычно черным) — см., Например, монохромные изображения в Chauvet.

Каковы отличительные черты древнего искусства?

Ответ. Ответ: Для древнеегипетского искусства характерна идея порядка.Четкие и простые линии в сочетании с простыми формами и плоскими цветовыми областями помогли создать ощущение порядка и баланса в искусстве Древнего Египта.

Какие навыки вы развили в искусстве барокко Brainly?

Ответ. Ответ: Некоторые из качеств, наиболее часто ассоциируемых с барокко, — это величие, чувственное богатство, драматизм, жизненная сила, движение, напряжение, эмоциональное изобилие и тенденция к стиранию различий между различными искусствами.

Какие навыки я могу развить на работе?

Лучшие навыки личного развития включают:

• Уверенность в себе.
• Целостность.
• Сильная трудовая этика.
• Лидерские навыки.
• Целеустремленная.
• Стремление к росту.
• Тайм-менеджмент.
• Сострадание.

Чем стиль барокко отличается от других художественных стилей, которым вы, возможно, научились?

Искусство эпохи Возрождения сочетало в себе влияние природы, классической учености и индивидуальности человека. Ключевое различие между этими двумя формами заключается в том, что в то время как искусство барокко характеризуется декоративными деталями, искусство эпохи Возрождения характеризуется слиянием христианства и науки с целью создания реализма через искусство.

Какие элементы искусства изображены на вашей картине, изображающей стиль барокко?

Ключевые моменты

• Живопись в стиле барокко — это картина, связанная с культурным движением барокко, начавшимся в Италии в 17 веке.
• В своих наиболее типичных проявлениях живопись в стиле барокко характеризуется большой драматичностью, богатым, глубоким цветом и интенсивными светлыми и темными тенями.

Что такое элементы барокко?

Некоторые из качеств, наиболее часто ассоциируемых с барокко, — это величие, чувственное богатство, драматизм, динамизм, движение, напряжение, эмоциональная яркость и тенденция к стиранию различий между различными искусствами.

Кто является величайшим скульптором эпохи барокко?

Джан Лоренцо Бернини

Какая известная скульптура эпохи барокко?

Экстаз Святой Терезы

Каковы особенности искусства барокко?

Понимание характеристик искусства барокко может быть столь же пугающим, как и само произведение искусства. Художники, работавшие в этот период, были известны своими украшениями, орнаментами и драматургией , призванными внушать благоговение тем, кто получал работы.Грандиозный характер периода барокко с самого начала часто подвергал его насмешкам, но время пошло на пользу его репутации. Хотя его происхождение спорно, его достижениям и качеству трудно противостоять, особенно если смотреть с исторической точки зрения. Многие периоды в искусстве являются отражением предшествующих. Хотя это в некоторой степени верно, искусство барокко имело очень специфический генезис, поэтому oneHOWTO необходимо было не только изучить , каковы характеристики искусства барокко , но и исследовать его истоки.Поступая таким образом, мы прольем некоторый свет на период истории искусства, который имеет большое влияние и вызывает споры.

Истоки и обзор искусства барокко

Невозможно проследить начало многих периодов искусства до точной даты, но также полезно знать, когда это был период барокко. Критики в целом согласны с тем, что самое раннее искусство барокко было создано в конце 16 века и, как говорят, закончилось где-то в начале 17 века. Именно тогда стиль барокко начал сливаться со своим преемником, более мягким и часто более игривым, но все же витиеватым периодом рококо.

Однако истоки искусства барокко, судя по всему, возникли в результате события, произошедшего между 1545 и 1563 годами, известного как Трентский собор . Это было экуменическое собрание католической церкви , которое собралось, чтобы противодействовать распространению протестантизма в Европе. Когда Мартин Лютер опубликовал девяносто пять тезисов в 1517 году, он начал протестантскую реформацию, критиковавшую поведение католической церкви, многие из которых были крайне непопулярны. Это особенно верно в отношении низших классов, которых многие считали эксплуатируемыми церковными практиками.

Трентский собор собрался, чтобы рассмотреть раскол между двумя основными сторонами христианской церкви и подтвердить определенные верования и обычаи. Это должно было укрепить необходимую поддержку католической церкви для сохранения своего господства над большей частью европейского общества . Как это связано с искусством, так это то, что совет также вдохновил художников, верных католической вере, использовать свое искусство для поддержки этих указов.

Поскольку протестантизм был популярен среди многих бедных народов, это искусство больше не должно было принадлежать исключительно богатым.Искусство барокко должно было говорить со всеми людьми, укреплять мощь церкви и напоминать своим потребителям о суровости жизни вне милости христианского бога. Это означало, что оно должно было быть прямым, впечатляющим и вдохновляющим — три характеристики, которые стремилось передать искусство барокко.

Прежде чем мы перейдем к еще некоторым характеристикам искусства барокко , мы должны уточнить, что мы подразумеваем под искусством. Вы можете изображать некоторые из больших холстов, которые, безусловно, составляют большую часть произведений этого периода, но искусство барокко распространяется на все формы художественного выражения того периода.Сюда входят скульптура, архитектура, музыка, литература, ювелирный дизайн, философия и многое другое. Типы характеристик этого периода искусства по-разному распространяются на эти различные средства массовой информации, но тем не менее они присутствуют.

Религиозно-библейский

В то время как период Возрождения, предшествовавший ему, подчеркивал гуманизм и реализм , согласованные усилия по подтверждению силы католической церкви означали, что художники должны были подтвердить святость католической церкви.Это означало изображения таинств, а также святых, которых так почитало папство. Не должно было быть двусмысленности в том, как будут показаны сцены, даже если отдельные художники будут обеспечивать свои собственные особенности.

В протестантских кругах были некоторые попытки использовать искусство в своих целях, но они были гораздо более сдержанными и были ограничены в возможностях. Двумя основными сторонами верующих протестантов были кальвинисты и лютеране. Обе группы критиковали то, что они считали нечестивой витиеватостью художественных наклонностей католической церкви, большая часть которых финансировалась за счет налогов с бедных.Это означало, что католики, по сути, стали доминировать в религиозной иконографии того времени. Многие протестанты даже разрушали религиозное искусство, считая изображения формой идолопоклонства, которому поклонялись вместо своего бога.

Это означает, что одной из основных характеристик искусства барокко были католические религиозные образы . Таковыми считались даже те, кто не обязательно был католиком. Хорошим примером этого является Иоганнес Вермеер, поскольку он был голландским художником в протестантской стране, но многие считают, что он разделяет черты периода барокко (даже если его часто считают частью голландского «золотого века»).Он принял католицизм во время брака, и его картина Аллегория католической веры ^[1] четко вписывается в религиозно-католические темы важности веры.

Изображение: Распятие Святого Петра (фрагмент) Караваджо

Грандиозное выражение

По мере развития протестантизма он проявил себя как более благочестивая и сдержанная вера, которая, хотя и оставалась пылкой, делала больший упор на смирение земной жизни перед достижением славы небесной.Перед лицом этого католическая церковь, похоже, удвоилась и создала одни из самых роскошных и великих произведений искусства, которые когда-либо видела культура.

Примеры такой грандиозности: «Экстаз Святой Терезы» Бернини (см. Главное изображение), скульптура в часовне Корнаро в Риме. Это чрезвычайно богато украшенное изображение одного из католических святых, сделанное из мрамора и золота. По своим масштабам он впечатляет, но первоначальная цена за его комиссионные (частный заказ, поскольку Бернини потерял расположение своего современного Папы) вписывается в излишество в стиле барокко.

Пожалуй, одним из самых известных примеров искусства барокко является сочетание архитектуры и скульптуры, которое представляет собой фонтан Треви в Риме. Он имеет гигантские коринфские пилястры, тритоны (греческий водяной бог), успокаивающие воды фонтана, и находится перед большим личным дворцом. Был конкурс на строительство фонтана, и разные художники пытались превзойти друг друга, чтобы показать, насколько важно личное богатство для религиозных убеждений.

Многие из изображенных сцен были не просто грандиозными, но технически блестящими.На картине Hippopotamus Hunt Питера Пауля Рубенса изображение не только грандиозное, но и многослойное, с впечатляющей перспективой (даже если бегемот и собака кажутся примерно одинакового размера). Вермеера так хвалили за его перспективу и точность , что некоторые утверждают, что он использовал специальное устройство для создания этих достижений.

Драматический и театральный

Период барокко был известен своей художественной драматичностью. Художники, такие как Караваджо , нарисовали сцены интенсивной драмы, такие как Распятие Святого Петра , на котором изображена правая рука Иисуса на земле, распятого на кресте вверх ногами.Его лицо блаженно, поскольку те, кто пытается перевернуть его крест, напрягаются и искривляются с большим драматическим усилием. Вышеупомянутые Фонтан Треви и Экстаз Святой Терезы также имеют большую театральность, причем последний даже имеет оконную коробку из мраморной скульптуры зрителей, участвующих в сцене.

Драма не ограничилась живописью и скульптурой. Период барокко распространился на настоящую драму, и, возможно, самый известный драматург считался писателем эпохи барокко: Уильям Шекспир.Его пьесы обладают чертами витиеватого языка и сильных эмоций, которые мы видим в других типах искусства барокко. Хотя официально Шекспир был протестантом, он, как и многие английские художники эпохи барокко, питал католические симпатии. Практические проблемы с пространством в театре «Глобус» означали, что сцены, возможно, были не такими тщательно продуманными , как хотелось бы, но костюмы были максимально изысканными ^[2] . Однако последующие постановки пьес, таких как The Tempest , показывают, насколько грандиозными могли бы быть эти пьесы при наличии ресурсов.

Изображение: Охота на бегемота Питера Пауля Рубенса

Яркое использование света и цвета

Как и в случае с Вермеером, интенсивность цвета художников эпохи барокко (и других художников) была определяющей характеристикой . Частично это было связано с разработкой пигментов в результате продолжающихся глобальных исследований, благодаря которым стали доступны более смелые и изысканные цвета. Художники эпохи барокко не стеснялись кроваво-красного цвета, особенно великий итальянский художник Караваджо. Такие картины, как « Юдифь, обезглавливающая Олоферна» , изображали довольно ужасные, но реалистичные изображения, которые были глубокими и богатыми по цвету и оттенку.Даже его мифологические картины, такие как Медуза , имеют реализм и драматизм в своих фантастических изображениях.

Музыканты и композиторы, такие как Иоганн Себастьян Бах и Джордж Фредерик Гендель, также создавали различные тона в своей музыке, которые можно сравнить с ярким использованием света и цвета , характерным для другого искусства барокко. Именно эти оттенки и витиеватость музыки определяют музыку барокко, вызывая образы драмы в уме, даже если не смотреть на это глазами.

Широкий и разнообразный

Наконец, важно отметить, что, хотя Тридентский собор и католический толчок оказали большое влияние на картину Барокко , стиль барокко — это общий заголовок, под которым существует множество вариаций. Поскольку период барокко растянулся на столь долгое время, он эволюционировал в потоке с выражениями и намерениями людей, которые отмечали свою работу своим особым стилем.

Вермеер — хороший пример художников барокко , которые редко рисовали откровенно религиозную иконографию, вместо этого предпочитая рисовать более реалистичные сцены повседневной жизни.Тем не менее, в его работах есть колорит, драматизм и яркость искусства барокко, и его основные религиозные убеждения можно интерпретировать. Эти характеристики искусства барокко сообщают произведениям, но не диктуют им.

Хотя католическая церковь является невероятно важным фактором при рассмотрении искусства барокко в целом, она также вызывала споры. С ростом протестантизма в этот период было создано гораздо больше искусства, которое не отражало его ценностей. Стремление католической церкви укрепить свое положение также вызвало большое неравенство, и это вызвало бы обратную реакцию против стиля барокко в форме рококо и, в конечном итоге, модернизма (хотя последний все же занял бы столетие или два).

Если вы хотите прочитать статьи, похожие на Каковы характеристики искусства барокко? , мы рекомендуем вам посетить нашу категорию «Обучение».

Список литературы

Что такое искусство барокко и как его узнать?

Давайте сделаем шаг назад во времени в период 1530 года, когда в воздухе витало религиозных противоречий. Сама ткань общества изменялась и трансформировалась религиозными лидерами протестантской и католической веры.Протестанты открыто бросили вызов католической церкви религиозными реформами, которые угрожали католической власти. По мере роста популярности протестантской религии католическая церковь хотела определить и восстановить свое господство, что привело к созданию контрреформы.

Часть этой контрреформы включала введение искусства, и отсюда родилось барокко. Искусство эпохи барокко было построено на стиле ренессанс и было прямым отходом от простых вкусов протестантов.Католическая церковь во многом вдохновила это новое направление в искусстве. Это началось в Риме и распространилось по Европе, как лесной пожар, причем церкви и религиозные лидеры были его основными покровителями. Искусство периода барокко было наполнено богатством, величием, яркостью, яркостью и экстравагантностью.

Искусство должно было следовать руководствам с изображением религиозных предметов и сцен из Библии . Но только сцены, которые были эксклюзивными для католической церкви, такие как непорочное зачатие, вознесение девы и т. Д.Хотя художники обладали определенным творческим авторитетом, они также должны были следовать строгому набору руководящих принципов, утвержденных советом по контрреформе. Эти руководящие принципы должны были соответствовать католическому видению этой творческой пропаганды.

Согласно Википедии, название «барокко» было навеяно португальским термином Barroco, который означает дефектную жемчужину . Однако некоторые ученые утверждают, что это, скорее, происходит от итальянского слова «барокко», означающего препятствие для логики. Где бы это ни происходило, в обоих случаях слово имело отрицательную коннотацию.Но со временем он потерял смысл и стал известен только как название художественного направления.

Популярное в конце 1500-х — начале 1700-х годов, Искусство барокко можно охарактеризовать как прекрасное и несовершенное. Его можно увидеть в живописи барокко, архитектуре барокко, музыке барокко, опере барокко, литературе барокко, танце барокко и скульптуре барокко.

Позвольте Superprof помочь вам найти здесь лучшего репетитора по искусству.

Сделаем шаг назад в период 1530 года.Источник фотографии: Unsplash

Лучшие преподаватели изящных искусств

Поехали

10 Характеристики и идеи стиля барокко

1. Искусство барокко возвращает образы католического богослужения в общественную среду. Однако он также использовался для нерелигиозного искусства.
2. Это сделало искусство простым для понимания мирянином, чтобы вызвать трепет и уважение к католической церкви.
3. В архитектуре барокко были купола и открытых центральных пространств, из которых позволяли свету светить вниз и освещать пространство внизу.Поверхности были покрыты декоративным орнаментом, чтобы еще больше передать ощущение пребывания в пространстве, объединяющем небеса и землю. По этой причине его часто сохраняли для церквей и религиозных построек. Хотя замки и величественные дома королевской семьи и вождей также переняли этот стиль.
4. Стиль, который объединил все работы, — это подразумеваемое плавное движение. Идея бесконечного, соответствующая богу, и образ силы, который церковь хотела изобразить.
5. Свет и темнота также использовались в качестве ключевой техники в этом стиле для создания драматического образа, который был не из этого мира.Кьяроскуро — это использование сильных контрастов света и темноты для создания образа.
6. Quadro Riportato (потолочные картины в рамах) были разработаны для развития этого стиля. Часто окрашены в золотой цвет. и выглядят так, как если бы они выставлялись на мольбертах. Написана на фреске (эталоне или панно) в иллюзорном стиле. Многие из них можно увидеть на потолках Ватикана.
7. Техника Trompe l’oeil (разновидность трехмерного реализма); термин, который означает «обманывает глаз», — это стиль живописи, придающий картинам почти фотографический реализм.Эта иллюзия также стирает границы между тем, что является просто изображением, и тем, что реально.
8. Барокко создает скульптуру нового стиля , которая сосредоточена на интенсивных эмоциях, движении и богатстве. Фигуры можно увидеть со всех сторон, поскольку они поднимаются из центра фигур и достигают пустого пространства. Дальнейшее стирание границ между искусством и реальностью.
9. Произведения в стиле барокко эмоциональны и драматичны, призваны поражать и удивлять зрителей. Его реализм в картинах создает впечатление наблюдения за происходящим.
10. Композиции созданы продуманно, чтобы дать максимальный драматический эффект и стремиться стереть границы между реальностью, искусством и духовностью.

Узнайте больше от репетитора по искусству на Superprof.

Стиль, объединяющий все работы, — это подразумеваемое плавное движение. Источник фото: Unsplash

Самые известные художники эпохи барокко

Караваджо

Микеланджело Меризи родился в Караваджо, городке на севере Италии. Он переехал в Рим, чтобы следовать своей страсти к живописи. и после продажи своего искусства на улицах в течение нескольких лет.Его талант был наконец вознагражден, когда он приобрел первых покровителей. После этого он быстро приобрел известность и писал для уважаемых меценатов.

Хорошо известен тем, что использовал технику светотени (светотень), чтобы добавить драматизма своим изображениям. Творчество Караваджо было столь же драматичным, как и его жизненная история: это история славы, богатства, борьбы, тюрьмы, убийства, рыцарства и уклонения от закона. Он умер в возрасте 38 лет от лихорадки.

Лучшие произведения: Вакх, Ужин в Эммаусе (Караваджо), Лондон, Зов святого Матфея, Медуза,

Место рождения: Милан, Италия

Линия жизни: 1571 — 1610

Стиль: Барокко

Формы искусства: Живопись

Рембрандт

Рембрандт Харменс ван Рейн родился в Нидерландах и имел скромное начало, но с мудрым отцом, который отправил его в очень хорошую школу .Обретя страсть к искусству, Рембрандт бросил школу и стал учеником нескольких местных художников. После чего открыл собственную студию живописи и изучения итальянского искусства. Вскоре после этого он нашел свой стиль, сосредоточив внимание на свете и тьме в стиле Караваджо.

Рембрандт известен как мастер искусства , владеющий рисунком и печатью в равной мере.

Лучшие работы: Ночной дозор, еврейская невеста, возвращение блудного сына

Место рождения: Нидерланды

Линия жизни: 1606 — 1669

Стиль: барокко

Формы искусства: Живопись и гравер

Vermeer

Йоханнес Вермеер был в основном самоучкой, и мало что известно о том, как он решил стать художником и живописцем или о своем пути к этому.Но мастера того периода вдохновили бы его работы. Выразительность Караваджо , интенсивность Рембрандта в стиле утрехтской школы — все это можно увидеть в крупномасштабных картинах Вермеера.

Вермеер хорошо известен своими работами, изображающими повседневную жизнь в Делфте, где он жил. Он также преуспел и определил светящиеся интерьеры. сцены с женщинами, сидящими у окна. Работы художника были полны красок, яркости и, как и многие картины в стиле барокко, кажется, будто вы вуайеристически наблюдаете за частной сценой.

Лучшие работы: Девушка с жемчужной серьгой, искусство рисования, доярка, Диана и ее нимфы

Место рождения: Нидерланды

Линия жизни: 1632 — 1675

Стиль: Барокко

Формы: Живопись

Искусство барокко служит для возвращения изображений католического культа в общественную среду. Источник фотографии: Unsplash

Известный образец искусства барокко

Ужин в Эммаусе

Ужин в Эммаусе был написан в 1601 году, это соответствует картине , то есть фигуры в натуральную величину.Сразу же вас приглашают в образ с невероятно умной композицией. Место на краю стола — это место, где вы стоите, когда вас пригласили отобедать.

История гласит, что Христос был распят, и его ученики идут по дороге, к ним присоединяется еще один человек. Все они садятся есть, когда человек, который присоединился к ним, преломляет хлеб, и оказывается, что он воскресший Христос. Картина показывает этот момент неожиданности и драмы, вся картина привлекает вас руками Христа и ученика, протягивающимися к нам, ваза с фруктами висит на углу стола, врываясь в реальность.Кроме того, свет подчеркивает наше лицо и направляет нас туда, где нужно сфокусировать взгляд.

Художник: Караваджо

Дата написания: 1601

Размер: 55 x 77 дюймов

Материал: Холст, масло

Другие художественные классы в Глазго можно найти здесь.

Другие известные произведения

1. Версальский дворец, Франция
2. Базилика Святого Петра, Ватикан
3. Фантастическая пещера с Одиссеем и Калипсо Яна Брейгеля-старшего
4. Сад любви Рубенса
5. Девушка у окна — Рембрандт
6. Вакх — Караваджо
7. Фонтан четырех рек, Италия
8. Призвание Святого Матфея — Караваджо
9. Давид победил Голиафа Караваджо
10. Мария Магдалина с дымящимся пламенем Жоржа де Ла Тур

Искусство барокко не просто дарит нам произведения искусства; он также рассказывает историю той эпохи, религиозное господство, культурные догмы и религиозную напряженность.Любите вы искусство барокко или нет, трудно отрицать его красоту и искривленное совершенство. Хотя целью движения была католическая пропаганда , чтобы установить власть над протестантами.

Глядя на некоторые из описанных выше предметов, вы можете увидеть их способность рассказывать историю. Чтобы вызвать эмоции, передайте сообщение и заставьте вас по-другому смотреть на вещи. Показное или красивое? Это в глазах смотрящего.

Знаете ли вы, что в импрессионизме есть легкие мазки, а в экспрессионизме тоже есть похожие мазки?

Каковы пять основных характеристик искусства барокко?

Некоторые из качеств, наиболее часто ассоциируемых с барокко, — это величие, чувственное богатство, драматизм, динамизм, движение, напряжение, эмоциональная яркость и тенденция к стиранию различий между различными искусствами.

Некоторые из качеств, наиболее часто ассоциируемых с барокко, — это величие, чувственное богатство, драматизм, динамизм, движение, напряжение, эмоциональная яркость и тенденция к стиранию различий между различными искусствами.

В чем особенности искусства барокко?

Характеристики. Стиль барокко характеризуется преувеличенным движением и четкими деталями, используемыми для создания драматизма, изобилия и величия в скульптуре, живописи, архитектуре, литературе, танцах и музыке.

Как вы определяете искусство барокко?

— Изображения прямые, очевидные и драматические.
— Пытается привлечь зрителя к участию в сцене.
— Изображения кажутся физически и психологически реальными. .
— Экстравагантные настройки и орнамент.
— Эффектное использование цвета.
— Драматические контрасты между светом и тьмой, светом и тенью.

Что такое эстетика барокко?

В стиле барокко использовались контраст, движение, яркие детали, глубокий цвет, величие и неожиданность, чтобы вызвать чувство благоговения.. Этот стиль зародился в начале 17 века в Риме, затем быстро распространился во Франции, северной Италии, Испании и Португалии, затем в Австрии, южной Германии и России.

Что делает картину в стиле барокко?

Живопись в стиле барокко — это картина, связанная с культурным движением барокко, начавшимся в Италии в 17 веке. В наиболее типичных проявлениях живописи барокко характерны драматизм, насыщенный, глубокий цвет и интенсивные светлые и темные тени.

На чем было сосредоточено искусство барокко?

Определяющими характеристиками стиля барокко были: реальное или подразумеваемое движение, попытка представить бесконечность, акцент на свет и его эффекты и акцент на театральность.

Как период барокко повлиял на искусство?

По сравнению с рациональностью и спокойствием эпохи Возрождения, искусство барокко должно было вызывать страсть и эмоции. Более того, картины в стиле барокко часто имеют тенденцию драматизировать сцены с помощью светотени (светотени).

Что было характерно для искусства барокко?

Живопись в стиле барокко — это картина, связанная с культурным движением барокко, начавшимся в Италии в 17 веке. В наиболее типичных проявлениях живописи барокко характерны драматизм, насыщенный, глубокий цвет и интенсивные светлые и темные тени.

Как художники эпохи барокко повлияли на культурные изменения?

эпохи Контрреформации. В целом «живопись барокко» была отражением глубоких политических и культурных изменений, происходивших тогда в Европе. . Именно с помощью этих двух элементов художники эпохи барокко стремились вызвать эмоциональные состояния у зрителя, обращаясь к чувствам, часто драматическим образом.

Каковы пять основных характеристик викторины об искусстве барокко?

Каковы пять основных характеристик искусства барокко? Движение, Пространство, Время, Драматическое использование света и страстная театральность.

Каковы особенности традиционного барокко?

Некоторые из качеств, наиболее часто ассоциируемых с барокко, — это величие, чувственное богатство, драматизм, жизненная сила, движение, напряжение, эмоциональная яркость и тенденция к стиранию различий между различными искусствами.

Какие основные проблемы в искусстве барокко?

Многие из забот художников эпохи барокко, такие как непосредственное наблюдение за окружающим миром, эмоциональное и драматическое выражение, а также манипулирование светом и цветом, повлияли на более поздние стили, такие как неоклассицизм и романтизм.

Что пытались сделать художники эпохи барокко?

Введение. Художники периода барокко пытались вызвать эмоциональные состояния у зрителя или слушателя, обращаясь к чувствам, часто драматическим образом.

Кто оказал наибольшее влияние на других художников периода барокко?

Караваджо был важной фигурой в живописи раннего барокко 16-17 веков и вдохновил многих мимиков, известных как Караваджисти. Пьетро да Кортона был самым влиятельным художником периода высокого барокко.

Каковы особенности архитектуры барокко?

Другие характерные качества включают величие, драматизм и контраст (особенно в освещении), округлость и часто головокружительный набор богатых обработок поверхности, скручивающих элементов и позолоченных скульптур. Архитекторы беззастенчиво применили яркие цвета и иллюзорно-ярко окрашенные потолки.

Каковы основные характеристики искусства барокко?

Некоторые из качеств, наиболее часто ассоциируемых с барокко, — это величие, чувственное богатство, драматизм, динамизм, движение, напряжение, эмоциональная яркость и тенденция к стиранию различий между различными искусствами.

Последний отзыв: 17 дней назад.

Не забудьте поделиться этой записью!

Список литературы

1. Каталожный номер 1
2. Номер позиции 2
3. Номер позиции 3

Какие известные картины в стиле барокко? (с иллюстрациями)

Есть много известных картин в стиле барокко, в которых представлены основные художественные стили той эпохи, которая существовала в Европе между 1600 и 1750 годами.Эти стили включают использование света, включение природы и динамическое движение. Сюжеты картин варьируются от мифологических образов и церковных сюжетов до портретов из низших слоев общества. Детали производства и конкретные художники неизвестны для многих шедевров, созданных в этот период.

«Вакх», одна из картин Караваджо в стиле барокко, изображает молодого римского бога вина.Эта картина находится во Флоренции в галерее Уффици. В картине присутствует несколько образцов искусства барокко. Вакх — мифологический бог. Считается, что несъедобный фрукт на картине изображает, как время движется быстро, а жизнь коротка. Этот аспект природы был новым для искусства эпохи барокко.

Франс Хал, голландский художник, написал множество портретов.Персональный портрет был очень популярным видом живописи в стиле барокко. «Цыганка» — заметный портрет молодой девушки. Искусствоведы описали портрет, запечатлевший момент времени, когда натурщик кажется движущимся. В то время это считалось очень нетрадиционным, но он стал важным стилем, возникшим по мере развития эпохи барокко.

«ул.Георгий и дракон »Питера Пауля Рубенса считается одной из первых картин в стиле барокко. На картине изображен Святой Георгий верхом на лошади посреди битвы. На заднем плане изображена принцесса, которая, как считается, символизирует церковь. Ткань и доспехи на картине очень детализированы, и это внимание к деталям — лишь одно из итальянских влияний, присутствующих в картине.

Иоганнес Вермеер был известным голландским художником эпохи барокко.Считается, что одна из его самых известных картин «Девушка с жемчужной серьгой» была написана в эпоху барокко в 1665 году. О натурщице или картине почти ничего не известно. Эта работа в настоящее время находится в Гааге. Реализм этого знаменитого произведения поклонники считают одной из самых отличительных черт картин.

«Магдалина с дымящимся пламенем» Жоржа де ла Тура — одна из его многих известных картин в стиле барокко.Жорж де ла Тур известен своим использованием света. Источник света на этом конкретном изображении — свеча, черта, вдохновленная Караваджо. Картины де ла Тура высоко ценятся, потому что они очень редки. Всего в мире найдено всего 50 экземпляров, включая тот, который находится в Музее искусств округа Лос-Анджелес.

В Испании Хусепе де Рибера считался мастером барокко.В частности, его картины святых включали в себя натурализм, цвет и динамическое движение, важные для картин в стиле барокко. «Мученик святого Батоломея», который висит в Прадо, — одно из его самых известных произведений. Энтузиасты быстро указывают на боль на лицах его испытуемых.

Говорящих объектов: барочные аллегории: идеи и образы

В течение аллегорические фигуры эпохи барокко стали популярными, украшая салоны и дворцы одинаковы.Эти картины обычно содержали иконографические элементы из Основополагающая работа Чезаре Рипа Iconologia , которая позволили идентифицировать их как аллегории. Эти широко распространенные аллегории передавал множество скрытых значений, начиная от характера отношений между человеком и музыкой на важность религиозной добродетели для правильного пола роли в обществе. В Период барокко был временем религиозных перемен. Католическая церковь решила реагировать на протестантскую Реформацию, поощряя художников к общению религиозные темы в своих произведениях.Формирующийся средний класс продемонстрировал свое богатство посредством покупки и демонстрации произведений искусства. Подобно религиозному искусству, эти частные предприятия тоже стремились поучить, а не просто доставить удовольствие. Наконец, искусство использовался как средство повышения статуса художника. Исполнители использовали аллегорические фигуры, чтобы продемонстрировать свое мастерство с их средой.

В течение время, когда многие не умели читать, сложные идеи можно было проиллюстрировать с помощью использование ярких или заставляющих задуматься изображений. Даже для тех, кто умел читать, Богатая образность этих аллегорий усиливала передаваемые послания.Иногда эти основные утверждения исходили от художника. В других случаях эти сообщения были запрошены покровителями. Какие идеи были переданы и как образы и иконография, используемые в живописи барокко, передают такие сложные идеи через аллегорические фигуры картин?

Аллегория музыки, Лоран де ла Гир, 1649, холст, масло, 50.189

В изображенная женщина, идентифицированная как аллегория как по названию, так и по ее разоблачению груди, уравновешивает на коленях теорбо, которую она срывает одной рукой и настраивает с другим.Рядом с ней лежит небольшая груда безжизненных инструментов, задрапированных в тени. Контраст между темными безжизненными инструментами и бледным сиянием музыканта показывает важность человеческого фактора в создании музыки. Даже линии композиции возвращают взгляд зрителя к аллегории Музыка. Певчая птица, символ музыки, смотрит на музыканта, потому что только она может рисовать музыку с инструментов.

Музыканты, Караваджо, ок. 1595, холст, масло, 52.81

Этот живопись также действует как аллегория музыки, хотя сообщение иное чем у Ла Хайра.Четверо мальчиков одеты в классические наряды, а тот, слева — Купидон, на что указывают крылья и связка стрел позади него. Эти элементы указывают на то, что это аллегория. У мальчика в центре слезы в его глазах и на лицах других людей появляется печаль. Вероятный источник музыку, которую они играют. Печаль, отображаемая цифрами, предполагает, что Караваджо подчеркивает важность эмоционального отклика на музыку. В Решающая роль, которую играют люди в музыке, — это не только создание музыки, но и реагируя на это на эмоциональном или духовном уровне.

Чезаре Дандини, Благотворительность, гр. 1607-1657, холст, масло, 69.283

В Изображенная здесь женщина также является аллегорической фигурой. Ей показано кормление грудью child, что является стандартом для аллегорических изображений милосердия. Это барокко работа напомнила бы изображения Мадонны с младенцем, особенно в Католическая Флоренция, откуда она берет свое начало. Основная идея заключается в том, что милосердные, добродетельные женщины заботятся о детях и кормят их. Если вы женщина и стремитесь жить добродетельной жизнью, как это делала Дева Мария, тогда самое лучшее, что вы может только рожать детей и растить их.Таким образом, традиционный пол роли женщин подкрепляются искусством.

Автопортрет как аллегория живописи, Артемезия Джентилески, 1638-1639, холст, масло, Британская королевская коллекция, RCIN 405551, Источник: www.wikiart.com

В В этом произведении Артемезия Джентилески изображает себя как аллегорию живописи. В время, когда женщин-художников было мало, это была возможность поднять ее собственная репутация. Делая себя аллегорической фигурой, она утверждает, что квалифицированный, чтобы считаться эмблемой ремесла.Художники-мужчины не могли сделайте то же самое, поскольку аллегорические фигуры всегда были женщинами. Джентилески использует это в ее пользу, чтобы изобразить себя выше своих коллег-мужчин. В На этой картине иконография аллегорической фигуры используется для создания глубокое социальное заявление о расширении прав и возможностей женщин; женщины могут рисовать так же хорошо как мужчин и должны рассматриваться как равные, а не как низшие или просто детородные. Эта картина является фольгой к картине Чезаре Дандини «Благотворительность».

Якопо Лигоцци, Аллегория алчности, 1590, холст, масло, 1991.443

В нарисованная здесь женщина — это аллегория Скупости, которая обычно изображается как бледная женщина с мешком монет. Скелет, ухмыляющийся через ее плечо, посылает ясное сообщение: жадность приведет к гибели. Это сообщение усилено по сцене в правом верхнем углу, где та же женщина падает на землю с выражением ужаса на лице, в то время как неизвестная фигура держит меч наверху ее. Повествование сворачивается в этот единственный момент, и зритель может почти вижу, как убийство происходит прямо перед ними.Это характерно для Искусство барокко. Символы смерти и изображение убийства в этом аллегории предупреждают о разрушительном характере жадности.

Аллегория католической веры, Иоганнес Вермеер, ок. 1670-72, холст, масло, 32.100.18

Этот На картине изображена аллегория веры, распятие и чаша рядом с женщиной Подтверждаю, что эта аллегория относится именно к католической вере. Глобус символизирующий мир покоится у ее ног, частично прикрытый ее платьем.А змея также лежит у ее ног, раздавленная краеугольным камнем и извергающаяся кровью. Вермеер использует известные библейские образы, чтобы поддержать утверждения католической церкви. против протестантизма. Именно католическая вера, а не протестантская вера, победил зло; наличие библейских образов и метафор используется как Основание для этого аргумента. Аллегория используется как инструмент католиков. евангелизация.

Искусство и теория в Европе в стиле барокко: Вольфлин

Один из способов понять и оценить произведения искусства — это формальный анализ, то есть рассмотрение их не с точки зрения предмета или техники, но в плане чисто формальных представлений.

Одна из самых успешных попыток была предпринята Heinrich Wölfflin в его книга Принципы или История искусства Проблема развития стиля in Later Art (1915). Благодаря тщательному изучению эпохи Возрождения (конец 15 и начало 16 века) и барокко (17 век) произведения искусства, Вельфлин выделил ряд принципов, которые он разделил на пять пар, которые помогли ему характеризуют различия стилей двух периодов.

Большая ценность работы Вёльфлина состоит в том, что он предоставляет нам относительно объективные и беспристрастные категории, составляющие систему внутри что мы можем сформулировать некоторые из наших наблюдений относительно искусства барокко, которое в противном случае может оставаться очень общим и неточным.Важно помнить, однако предлагаемые им пары категорий являются сравнительными, а не абсолютными. Разделение на категории предназначено только для анализа.

---

1. Линейные и живописные

Под linear Wölfflin означает, что все цифры и все важные формы внутри и вокруг фигур четко очерчены. В границы каждого твердого элемента (человеческого или неодушевленного) определены и Чисто; каждая фигура равномерно освещена и ярко выделяется, как кусок скульптура

Напротив, на живописной картине фигуры не равномерно освещены, но слиты вместе, видны в ярком свете, исходящем от одного направление и раскрывает одни вещи, а другие скрывает.Контуры теряются в тени быстрые мазки кисти связывают вместе отдельные части, а не изолировать их друг от друга. Некоторые фигуры едва заметны.

---

2. Планарный и рецессионный

Planar означает, что элементы картины расположены в серии плоскостей, параллельных плоскости изображения. В «Рафаэле», например, первый план задается маленьким шагом впереди. Следующая плоскость совпадает с передней частью помоста престола Мадонны, на одной линии со святым справа.Святой слева находится на одной линии с передним краем следующего шага назад, а за ним — плоскость тыла престола. Все эти плоскости параллельны.

Планарная композиция Рафаэля отличается от рецессионной конструкции Гверчино . картина, в композиции которой преобладают фигуры, расположенные под углом к картинной плоскости и уходящей в глубину. Фигуры отходят от передняя плоскость, начиная с мужчины справа, который направляет наше внимание на женщину слева, и на Христа, немного дальше назад.Остальные фигуры утоплены по диагоналям сзади.

---

3. Закрытая и открытая форма

В закрытой форме картины эпохи Возрождения все фигуры сбалансированы в рамках картины. Композиция основана на вертикалях и горизонталях, которые перекликаются с формой кадра и его разграничивающей функцией. Святые по бокам завершают картину сильными вертикальными акцентами, усиленными вертикальным акцентом престола в центре.Горизонтальные акценты расставлены ступенями трона и горизонтальным балдахином над престолом. Картина самодостаточна. Замкнутая форма создает впечатление стабильности и равновесия, и есть тенденция к симметричному расположению (хотя это, конечно, не жестко).

В открытой форме барочной живописи энергичные диагонали контрастируют с вертикалями и горизонталями рамы. Диагональные линии не только играют на поверхности изображения, но вернитесь в глубину.Цифры не просто содержатся в кадре, но отсекаются им по бокам. Там это ощущение пространства за краями изображения. Состав динамический, а не статический; он предполагает движение и полон мгновенных эффекты, в отличие от безмятежного покоя живописи эпохи Возрождения.

---

4. Множественность и единство

Пара терминов, наиболее очевидно относительная, поскольку все великие произведения так или иначе едины. Вёльфлин имеет в виду, что картина эпохи Возрождения состоит из отдельных частей (, кратность ), каждая из которых скульптурно закруглена сама по себе, каждая из которых явно наполнена своим собственным локальным цветом, в то время как единство картины в стиле барокко гораздо более основательный, во многом достигается за счет сильного, направленного света.

В картине Гверчино все единицы — а их много — сварены в единое целое; никто из них не мог быть изолирован. Цвета смешиваются и смешиваются, и их внешний вид во многом зависит от того, как на них падает свет. Например, цвет плаща Христа виден только частично, другие находясь в темной тени.

В гораздо меньшей степени это относится к плащу сианта справа на картине Рафаэля. Ровный, рассеянный свет в эпоху Возрождения окраска помогает изолировать элементы так, чтобы множество независимых единиц могут быть уравновешены друг с другом.

---

Более или менее понятно, учитывая вышеперечисленные категории. Для Вельфлина абсолютная ясность достигается через представление вещи такими, какие они есть, взятые по отдельности, в то время как относительная ясность является результатом представления вещей такими, как они выглядят, в целом. В то время как для Рафаэля идеальной была идеальная ясность в изображении предмета, для Гверчино это был менее важен, и ясность предмета — не единственная цель.В то время как для Рафаэля композиция, свет и цвет служили просто для определения Форма, по мнению Гверчино, эти же элементы получают собственную жизнь.

---

Различные характеристики, которые Вёльфлин приписывал эпохе Возрождения живопись взаимосвязаны: рассеянный свет дает четкие очертания, скульптурность моделирование, отдельные элементы и различные локальные цвета, а также общая четкость представительства. Так же и в живописи в стиле барокко, сильный однонаправленный свет подчеркивает единство, вытекающее из непрерывного характера диагоналей резка по поверхности и обратно в глубину, смешивает формы, смягчает локальные цвета и обеспечивает относительную четкость изображения.

---

Следует также отметить, что категории Вельфлина, как указывает Мартин, out ( Baroque, p. 26), имеют определенные ограничения.

1. Вёльфлин рассматривал искусство XVI века как художественное целое, различие между Высоким Возрождением и Маньеризмом.