Особенности живописи барокко: Барокко в живописи: картины художники представители

Презентация на тему «Барокко в живописи» | Презентация к уроку по МХК (11 класс) на тему:

Слайд 1

Барокко в живописи

Слайд 2

В разное время в термин «барокко» вкладывалось разное содержание. Поначалу он носил оскорбительный оттенок, подразумевая нелепицу, абсурд (возможно, он восходит к португальскому слову, означающему уродливую жемчужину). Этот стиль господствовал в европейском искусстве между маньеризмом и рококо, то есть приблизительно с 1600 г. до начала 18 века. От маньеризма барокко унаследовало динамичность и глубокую эмоциональность, а от Ренессанса — основательность и пышность: черты обоих стилей гармонично слились в одно единое целое.

Слайд 3

Искусству барокко свойственны смелые контрасты масштабов, света и тени, цвета, совмещение реальности и фантазии. Особенно необходимо отметить в стиле барокко слияние различных искусств в едином ансамбле, большую степень взаимопроникновения архитектуры, скульптуры, живописи и декоративного искусства. Это стремление к синтезу искусств — основополагающая черта барокко.

Слайд 4

Живопись барокко характеризуется динамизмом, «плоскостью» и пышностью форм, самые характерные черты барокко — броская цветистость и динамичность. Противоречивое сочетание повышенной эмоциональности, чувственности с пышной декоративностью придает произведениям барочных мастеров театрализованную зрелищность.

Слайд 5

В живописи преобладали монументальные декоративные композиции на религиозные или мифологические темы, парадные портреты, предназначенные для украшения интерьеров. Типичная для барокко религиозная композиция показывает святых или Мадонну в окружении ангелов в вихре взметнувшихся драпировок и курчавых облаков. Популярные в эту эпоху сюжеты из классической мифологии изображались в столь же преувеличенной манере. Не все искусство барокко было, однако, пышным и лучезарным — мрачный драматизм художников, подобных Караваджо, также принадлежит этому стилю. Петер Пауль Рубенс Сад любви , 1632

Слайд 6

У истоков традиции барокко в живописи стоят два великих итальянских художника — Караваджо и Аннибале Карраччи, создавшие самые значительные работы в последнее десятилетие 16 века — первое десятилетие 17 века. Для итальянской живописи конца 16 века характерны неестественность и стилевая неопределённость. Караваджо и Карраччи своим искусством вернули ей цельность и выразительность. Караваджо Аннибале Карраччи

Слайд 7

Дар Диане. 1597—1602 Святые жены у гроба Христа. 1597—1598 Аннибале Карраччи

Слайд 8

Караваджо Поцелуй Иуды Святая Екатерина Александрийская

Слайд 9

Урок анатомии доктора Тульпа , 1632 Рембрандт

Слайд 10

Питер Пауль Рубенс Снятие с креста , 1612

Слайд 11

Рембрандт «Каменный мост» , 1638

Слайд 12

Спасибо за внимание!!!

41. Творчество Питера Пауля Рубенса и своеобразие стиля барокко во фламандской живописи XVII века.: artgirls — LiveJournal

Фламандская живопись как самостоятельное художественное явление берет свое начало в 1585 году, когда после долгой борьбы южные Нидерланды (Фландрия) были завоеваны испанцами. С этого момента единое до этого нидерландское искусство распалось на 2 самостоятельные школы – голландскую и фламандскую. Для фламандской школы рубежа 16 и 17-х веков — переходный период. Художники продолжают следовать традициям предреволюционной поры. В основном — это школа художников –романистов, подражающие идеальным образцам античного искусства и искусству итальянского Возрорждения. В основном – это застывшая художественная форма, готовый шаблон, тиражность которого определялась большим спросом у коллекционеров и любителей живописи. Так складывается особый тип картины – «кабинетной», отличающейся небольшим форматом, декоративностью, гладкой эмалевидной поверхностью, тщательно выписанными деталями. Но, одновременно, новые духовные интересы страны, а именно подъем национального самосознания, способствовали возникновению интереса к национальному искусству и творчеству старых нидерландских мастеров. Так, в поисках гармоничного, ясного колорита художники обращались к традиции национального искусства. Колорит становиться своеобразным отличием нид. школы от остального искусства. Рубенс, Ян Брейгель старший ориентировались на живопись Питера Брейгеля старшего. Но, до появления Рубенса, в фламандском искусстве преобладает эстетика «кабинетной» живописи, камерного искусства камерных форм, рассчитанных на узкий круг утонченных ценителей. В 1609 году – заключено 12-летнее перемирие между Испанией (так же и Фландрия) и Голландией, что открыло новые широкие перспективы в искусстве, являясь предпосылкой для рождения новой эстетики монументального искусства, и ее творца – Питера Пауля Рубенса, творчество которого положило начало развития барочного искусства, монументального и декоративного, особенностью которого было отражение духа жизнеутверждающего оптимизма, господствовавших в настроениях и культуре фламандского общества. Именно эта особенность развития барокко во Фландрии, выраженная в искусстве Рубенса, дала возможность развития реалистических черт в рамках самой барочной системы.
Существенная особенность фламандской живописи, начиная с 10-20-х годов 17 века – ее монолитность, обусловленная концентрацией всех художественных сил вокруг одного мастера – Рубенса, в искусстве которого отразились все основные направления фламандской школы живописи, основав свою академию в Антверпене, имел множество последователей, таких как Ван Дейк, Йорданс, Снайдерс и т. д. С Рубенсом начинается «золотой век» фламандской живописи.
Особенностью творческого метода Рубенся является слияние традиций разных школ:
1) традиции старонидерландских мастеров 15-16 века (работа на досках, использование белого грунта)
2) традиции южных итальянцев – изучает живопись Тициана, Тинторетто, Микеланджело, интересуется современными мастерами – Караваджо.
Рубенс – большой знаток античного искусства, обладал широким творческим диапозоном: писал картины на религиозные, мифологические, аллегорические и исторические сюжеты, портреры и пейзажи. Здесь работы разного типа, характера и назначения — монументальные алтарные образы и небольшие «кабинетные» картины, проекты сложных декоративных ансамблей.
Особенность его художественного метода являлось совмещение реального и идела.
Новые изобретения – композиционные приемы и мотивы.
Рубенс проходит последовательно обучение у 3-х мастеров – Тобиас Верхахт, Адам Ван Норт. Отто Ван Веен (Вениус) – представители нидерландских романистов, работавшие под влиянием итальянского Возрождения и сумевшие, вселить в молодом художнике любовь к всему античному.
Получив в 1598 звание свободного мастера антверпенской гильдии св. Луки, по традиции отправляется в Италию ( 1600-1608), где классическое искусство стало основой для развития самостоятельного художественного языка. Работает при дворе Винченцо Гонзаго, к этому периоду относятся первые самостоятельные работы художника в жанре репрезентативного парадного портрета.
Исполненный им «портрет Маркизы Спиновы» (1608) показателен в том смысле, что демонстрирует уже ставший каноническим в 17 веке тип придворного портрета с характерными атрибутами, обусловленные строгими требованиями придворного этикета – заданность позы, жесты, фона с непременной драпировкой, детализация деталей костюма и т.д. Но, следуя традиции итальянской и нидерландской традиции придворного портрета, соединил репрезентативность с искренностью в характеристике модели, внес в портрет движение и жизнь в противовес маньеристической застылости композиции и замкнусти, характерные для искусства рубежа 16-17-х веков, усилил значение фона – пейзажного или архитектурного. В Италии исполнил целый ряд портретов-картин, придав им монумантальный размах. Уже во Фландрии Рубенс пишет свадебный портрет с Изабеллой Брант, где преодолевает условность схемы парадного портрета, наполняя образы чувствами, нежность ро отношению друг к другу.
Религиозные композиции Рубенса в Италии.
Для Рубенса рамки парадного портрета становятся слишком узкими а возможности ограниченными, он стремиться к монументальности, что выразилось в большой алтарной картине «Поклонение пастухов» 1608 для церкви в Фермо — итог итальянского периода творчества Рубенса. В этой работе Рубенс претворяет различные впечатления от итальянской живописи но вносит свои коррективы. Взяв за основу композиции «Ночь» Корреджо (традиционное деление на 2 зоны — земную и небесную,общий принцип построение по диагонили в глубину, характер освещения), традиции Караваджо – разработка сильных светотеневых контрастов ( Рубенс первый занес во Фландрию идеи караваджизма), колорит Тициана (более поздние работы отличаются звучными и яркими красками – нид. традиция), Новое у Рубенса — стремиться всеми средствами подчеркнуть материальность образов, их реальность, в отличии от ассиметричной композиции Корреджо у Рубенса строгая согласованность и равновесие всех частей, четкая уравновешенная композиция всегда будет присутствовать у Рубенса. Даже при самых динамичных построениях.
В 1608 году Рубенс возвращается во Фландрию с целым арсеналом знаний античных и современных итальянских традиций, о которых можно судить по полотну «Самсон и Далила» (1608) – микеланджеловские влияния (пластика спины Самсона), Караваджо (искусственный свет), маньеризм и нидерландские традиции (острота и характерность персонажей). Это – частный заказ Рубенса. Позитивная ситуация во Фландрии – перемирие с Голландией, подъем гуманистических настроений. Рубенс был назначен живописцем при дворе эрцгерцога Альберта, и вскоре (1609) женился на Изабелле Брант. «Свадебный портрет»
Первые крупные работы – триптихи «Воздвижение креста» 1610-11 и «Снятие с креста» 1611-14 для собора в Антверпене, где стилистические принципы барокко получили свое законченное и зрелое выражение. Способность Рубенса одухотворять, наполнять живым и выразительным человеческим содержанием условные формы традиционных умозрительных аллегорий и христианских сюжетов. Данная черта, составляющая суть рубенсовской эстетики, принявшей законченные формы в период т.н. «классического периода» — 1611-1615. Это время первых лет существований мастерской Рубенса, важнейшей задачей Рубенса стала приведение в систему главных канонов своего искусства, разработка общезначимого художественного языка, что составило основное содержание работ классицистического периода. Особенности живописи периода «классицизма» проявились в гладкой эмалевидной манере письма, в интересе к линии, к четким очертаниям пластических форм, к чистому локальному тону.
«Воздвижение креста» — композиция заимствована у Тинторетто «Распятие», но у Рубенса момент напряжения и физической силы более подчеркнут. Атлетически мощные фигуры палачей и сильное тело распятого Христа показаны в высшей динамике и напряжении. Композиция динамична, ось которой составляет диагональ креста. Отход от канонического текста – фигура Христа мощная и пластически проработанная. Фигуры даны в резких ракурсах и сложных поворотах. Контрастная светотень.
В триптихе «Снятие с креста» Рубенс применяет атектоничную композицию. Более лаконичный живописный строй – крупные цветовые пятна.
Для живописи этого периода в целом характерны ясность, рациональность композиционной структуры и необыкновенная пластичность моделировки фигур, идущем от ренессансного искусства. Но отчетливо выступает и нидерландская традиция, с ее любовью к насыщенным, «открытым» цветам, звучность которых усиливает использование белого грунта (от старых нидерландцев). Религиозно-мистическая сторона сюжета Рубенса не особо интересует, в основе лежит искреннее переживание изображенного события, жизненные и человеческие страсти. Барочная живопись по своим художественным качествам, но реалистическая направленность в основе его творчества.
Рубенс создает классический тип алтарного образа 17 века: это монументальный образ, предназначенный для большого пространства церкви. Обладающий ярко выраженным эмоциональным и динамическим началом, рациональной композицией, а так же декоративными качествами, что позволяло образу доминировать в архитектурно-декоративном ансамбле, но реалистическое в своей основе.
Так, в творчестве Рубенса сложился национально-своеобразный вариант стиля барокко, для которого характерны ясно-выраженная жизненно-реалистическая основа и огромная жизнеутверждающая сила, мощное и радостное ощущение стихии бытия. Искусство фламандского барокко исполнено большого динамического и внутреннего напряжения, драматической силы, но – в отличие от итальянского – не знает трагической коллизии телесного и духовного, дуализма реального и иррационального.
Отходит от традиций в трактовке христианской темы страшного суда – «Страшный суд» (1618-20), где отсутствует апокалиптический пафос. Композиционное мастерство Рубенса, в которой господствует могучая человеческая стихия, выразившейся в каскаде мускулистых пластических тел. Вместо разделенного на планы пространства – единая пространственная зона, и все существует во взаимосвязи.
Античная тема в живописи Рубенса. Использование классических изобразительных и литературных источников «Статуя Цереры» 1915 – конкретный античный памятник стал главным предметом изображения – это статуя богини земледелия, придав мраморной богини легкий изгиб, тем самым наполнив античную форму движением.

Мифологические сюжеты
Переход к зрелому творчеству в живописном отношении демонстрируют картины «Похищение дочерей Левкиппа» 1619-20, многочисленные Вакханалии.
Другой характер живописи, отличный от классического – настоящий, Рубенс, путь эволюции ярко индивидуальной личности!!! Контуры смягчены тонко разработанной живописной светотенью, широкая, свободная техника, мощный аккорд светлых и звучных локальных красок, все это вместе создало подвижное, живописное целое. Динамика в первую очередь определяет теперь характер произведений Рубенса, главенствуя в любом сюжете. Динамика становиться сутью его живописи, но не формальной проблемой. Динамика органически связана с центральной темой творчества мастера – изображением человека в момент наивысшего напряжения всех его физических и духовных сил. Рубенс – художник бурных и нежных, внутренних, сокрытых «страстей души» — изображает широкий спектр человеческих чувств: от высот человеческого духа до сферы самых низменных чувств и страстей. И, если демонстрируя величие человека, Рубенс в таком случае выступал достойным преемником достойных мастеров Возрождения, то, рисуя его во власти инстинктов и страстей, оказался первооткрывателем, заметно расширившим диапозон доступных отражению в искусстве оттенков человеческих эмоций и аффектов. Но классические тенденции здесь также присутствуют. Это сказалось в том, что образы восходят к античному прототипу.
В картине «Суд Париса» — гармоническое сочетание фигур и пейзажа (на раннем этапе просто вписывал на фон пейзаж). В Вакханалиях Рубенс воспевает тему чувственного наслаждения богатств жизни. «Вакх» 1638-40 – образ жизнерадостного Вакха, откровенный гимн физиологической радости бытия. Вакх – новая вершина мастерства Рубенса и вместе с тем итог его творчества. Здесь импровизационность и эскизная живописность, сочетаемая с широтой техники. Цвет утрачивает свою локальную определенность, разноголосье красок сливается в единый мощный аккорд. Тончайшими цветовыми градациями цветовых оттенков передает ощущение глубины пространства, объемности фигур, трепетности живой плоти.

Битвы и охоты, созданные в период между 1615 и 1621-и годами
В этих композициях с наибольшей выразительностью реализовалась главная цель его искусства – изображение не случайного момента (голландцы), а воплощение самого потока жизни в его целостности , отражение в искусстве пафоса героических событий, большого действия, глубоких и сильных переживаний. «Битва Амазонок» 1618-1620 – один из первых примеров тонкой живописи ala prima, эту технику Рубенс позаимствовал у Рубенса. «Персей и Андромеда» нач. 20-х – как всегда – свободная интерпретация античного мифа, Рубенса в малой степени интересует повествовательное начало, миф – только повод воспеть реальное земное человеческое чувство. Соединяет сказочное и реальное. Формальные элементы картины – динамичные круглящиеся линии композиции, звучная колористическая гамма служат выражению чувств, раскрывают апофеоз героя. Применение широкой гаммы цветных теней и связывающих рефлексов – плавность переходов. Здесь реализуется главный принцип живописного метода Рубенса – отказ от пастозности, приминение свободной, эскизной живописи, мягкой и прозрачной.
В 22-25-х гг Рубенс работает в области создания крупного монументально-декоративного ансамбля для галерей нового Люксембургского дворца. Выполняет цикл картин из жизни Марии Медичи и ее супруга Генриха 4. Цель – прославление жизни и деяний английских монархов. Хвалебная ода, которая представляла явление исключительное даже для пристрастного к большим декоративным композициям барочного искусства 17 века. Для всего цикла характерно сочетание исторической живописи и мифа, в каждой картине присутствуют аллегорические и мифологические персонажи. Портреты исторических личностей – примеры парадных официальных портретов. Типичной для этой серии является работа – «Прибытие Марии Медичи в Марсель» — усложненная композиция, свободное и естественное расположение фигур. В большей мере интересен эрмитажный эскиз «Коронование Марии», выполненный самим Рубенсом (вся серия – его учениками). Эскизность, выразительность, острое чувство целого, особенно – соотношения и градации тона. Скупыми средствами Рубенс дает яркую, жизненную, эмоционально-выразительную картину события.

Одновременно с официальными и репрезентативными пишет и иные по характеру портреты 20-х годов, интимные и камерные. Показательный пример – «Портрет камеристки инфанты Изабеллы» ок. 1625 — нидерландская строгость композиции, сдержанный тон, раскрытие значительности внутреннего эмоционального мира человека. В целом, портреты Рубенса отличаются так же жизнеутверждающим оптимизмом в трактовке образа, он не слишком углубляется в индивидуальные психологические характерисики, подчеркивает общее позитивное настроение, что характерно для барочного портрета в целом.
Поздние портреты – «Автопортрет» 1638 — утверждает новый идеал человека, достойного и внутренне одаренного. Он отходит постепенно от принципов торжественного барочного портрета. «Портрет Елены Фаурман с детьми» 1636, «Шубка» 1638-39 – выход за рамки портретного жанра — Итог чувственной живописи Рубенса. Пейзажи Рубенса 20-х годов– ранняя группа — те же космические настроения, что и в мифологических картинах. В отличии от голландцев, которые всегда изображали отдельный конкретный уголок определенной местности, у Рубенса пейзаж всегда универсальный, обобщенный образ природы, которому присуще героическое начало и бурно-динамический характер — «Возчик камней». Поздние пейзажи – более спокойные и торжественные. «Пейзаж с радугой» 1 пол. 30-х- гармония и равновесия, идиллические настроения. Влияния композиций Тициана. Создает обобщенные и одновременно реалистические пейзажи. Гармоничное сосуществование природы и человека («Возвращение с полей»)
Жанровые картины поздний Рубенс
Обращается к теме народной жизни, но с праздничной стороны. «Крестьянский танец» 1636-40 – отталкивается от традиций нидерландских реалистов 16 века, но поднимается до обобщенных образов. Образы крестьян лишены бытовой достоверности, восхищение их жизнерадостностью.

АНТОНИС Ван ДЭЙК
1618 – принят в гильдию св. Луки, попадает в мастерскую Рубенса, где завершилось формирование молодого художника. Под влиянием Рубенса пишет религиозные и мифологические композиции раннего амстердамского периода («Пьяный силен», «Св. Мартин и нищие», «Коронование тернием», «Самсон и Далила»). Но главные достижения художника лежат в портретном жанре.
Антон ван Дейк — мастер барочного репрезентативного портрета. Широта творческого диапозона Ван Дейка — от официальных парадных портретов до интимных, камерных портретов современников.
В первый Антверпенский период в большей мере подвержен влиянию Рубенса. Тому пример – «Апостол Петр» (ок. 1617-18) – несвойственные впоследствии художнику изображение очень бурных эмоциональных переживаний. Но уже здесь проявляются характерные для исканий Ван Дейка черты – тяготение к неповторимой индивидуальности и выразительности образа.
Ранние портреты этого периода еще отличаются яркой физиогномической характеристикой персонажа, впоследствии творческие поиски будут направлены на поиски красоты и изящности форм, идеализации модели. Но главный вектор развития живописи здесь уже указан: раскрыть внутренний эмоциональный мир человека, передача динамики человеческой души.
Ранние портреты – традиционная схема нидерландского портрета: темный нейтральный фон, строгость и простота построения, правдивость в передаче черт лица и деталей костюма. Но наполненная новым содержанием. Так, в «портрете молодого человека» (1618) уже отсутствует присущего старонидерландскому искусств подробного анализа человеческого лица, Ван Дейк легко моделирует объемы, главное внимание сосредоточено на напряженной внутренней жизни модели – в чем заключено своеобразие портретов Ван Дейка. Новизна портретов заключается в непосредственной связи портретируемого со зрителем, взгляд модели направлен на зрителя, который начинает сопереживать духовному миру человека. («Портрет молодой женщины» 1618, «Семейный портрет» 1621, «Портрет фламандской леди» 1618-21). Это качество отличает портреты Ван Дейка от портретов Рубенса, образы которого принадлежат к иному, героизированному миру, отрешенного от зрителя. Рубенс сосредотачивал внимание на объективной характеристике модели. Его персонажи замкнуты в себе и смотрят куда то в пространство, мимо зрителя.
В этот ранний период Ван Дейк пишет камерные интимные портреты своих друзей интеллигентов, ученых-гуманистов, коллекционеров – меценатов, с которыми он знакомиться живя в доме Рубенса. Именно в них претворились в целом свойственное фламандскому искусству 1-й 3-ти 17 века высокое представление о значимости человеческой личности, в свою очередь воспринятое Ван Дейком в творчестве Рубенса. Ван Дейк утверждает в своих портретах духовное, интеллектуальное превосходство человека в мире, возвышая утонченность и богатство эмоциональной жизни творчески активной личности.
Под воздействием Тициана и других венецианских художников из собраний антверпенских коллекционеров работы Ван Дейка обретают более величественный, репрезентативный характер, возрастает их композиционная сложность. Фон уже не нейтральный, как в самых ранних портретах, а разработанный, становиться неотъемлемой частью композиции. Фигуры все более органично связываются с ним, активно включаясь в пространство изображенной архитектуры. Появляются пышные драпировки красного тона (традиции Веласкеса), парадный антураж, декоративные архитектурные детали. В «Портрете Николаса Рококса» 1621 эти детали не только выполняют определенную фукнкцию, но всегда помогают углубить характеристику модели.
Под воздействием венецианской традиции меняется и живописная техника Ван Дейка: предпочтение холста дереву, вместо нидерландского мелованного грунта, усиливающий чистоту и звучность красок, употребляет распространенный в Венеции темный, красноватый, благодаря чему краски становятся более глубокими и насыщенными.
Для Ван Дейка не самоцель достижения иллюзии реальности, его портреты прежде всего живописные образы, наполненные субъективной характеристикой.
Генуэзский период – 1621-27 , окончательно устанавливается зрелый стиль Ван Дейка.
Ван Дейк уезжает в Италию, увлеченность искусством мастеров Высокого Возрождения, малый интерес к античности. делает зарисовки с натуры, наброски картин знаменитых художников, что составило Итальянский альбом. Совершенствование языка своего искусства, обогащение композиционных приемов и колористической палитры. Ван Дейк создает остро выразительные образы людей высокого интеллекта и творческой одарённости. Увлечение Тицианом сказывается на характере колорита Ван Дейка. «Мужской портрет» 1623 – теплый, насыщенный колорит. Лаконичные живописные средства, нет ярких коасок, контрасты черного и белого, густые темные тона насыщены горячими красноватыми оттенками. Новое качество – своеобразный новый прием, раскрывающий внутреннее содержание через внешнее действие.
Второй «Мужской портрет» сер 20-х — тициановская значительность образа, монументальная обобщенность силуэта, глубокий темный фон, свобода и раскованность техники. Центр внимания – интеллектуальная активность человека.
В подобных портретах Ван Дейк стремился раздвинуть традиционные рамки жанра, насытить изображение движением и почти драматической страстью. Его красочная гамма утрачивает прежнюю яркость и многоцветность, ограничивается теперь лишь немногими тонами. Присущая зрелому искусству Ван Дейка образная и живописная утонченность своего апогея достигает в «Автопортрете» — поэтически идеализированный образ с акцентом личного характера.
В это время он вырабатывает и доводит до совершенства тип парадного портрета барокко, в котором активную роль играют поза, благородная осанка, изящный жест человека. Проблема парадного портрета решается в новом ключе – синтез жизненной достоверности и аристократической рафинированности, острого реалистического видения с внешней грацией и духовным изящесатвом образа.В таком духе Ван Дейк создает галерею парадных портретов городской знати («Портрет кардинала Г. Бентивольо»1623, «Портрер Маркизы Бальби» 1625, «Портрет маркизы Спинола» 1624-26). Он создает сложные композиции парадного портрета, изображает портретируемых в полный рост на фоне колонн или драпировок, обычно выбирая точку зрения снизу вверх. Удлиненные пропорции придавали фигурам особую элегантность. Парадность сочетается с изысканностью цветового решения.
Второй антверпенский период служба при дворе эрцгерцогини Изабеллы. Элементы непосредственности, фламандской конкретности и чувственности в работах второго фламандского периода («Портрет Хендрика ван дер Берга», «Конный портрет Франсиско де Монкадо», «Портрет Мари де Рэт»). «Иконография» ван Дейка — цикл гравированных портретов ( 190 гравюр) выдающихся современников. Алтарные композиции и религиозные картины. («Отдых на пути в Египет»)
Последний период творчества – придворный живописец в Англии при дворе Карла 1. Пишет исключительно парадные портреты английской аристократии. В этих портретах законченное художественное воплощение получает сложившийся в английском обществе идеал аристократа – формулирует собирательный тип английского аристократа — духовно-утонченной личности, внутренний аристократизм которой знатность происхождения лишь подтверждает. Во всех портретах неизменно подчеркивается элегантность, гордая осанка, благородство внешнего облика и внутренняя утонченность модели, даже если она и не обладает такими качествами, роскошные костюмы и парадная обстановка.
В «Портрете королевы Генриетты-Марии» — приминение всего арсенала художественных средств, которые мастер выработал в Генуе. Идеализированный образ, сама королева была маленькой и некрасивой. Композиционный прием: вертикальный форман удлинил пропорции фигуры, что подчеркнуло стройность модели, точка зрения снизу – впечатление торжественности целого.Но, даже идеализируя, Ван Дейк не теряет чувства правды — естественность и глубокое понимание модели.
Ван Дейк более точен в передаче индивидуальных качеств личности в мужских портретах, великолепные по решению и психологической характеристике, строгие и правдивые – «Портрет Генри Деверса», «Портрет Карла I», «Портрет Филиппа, 4-го лорда Уортона», «Портрет Джорджа Гейджа», «Портрет лордов Джона и Бернарда Стюартов»).
По сравнению с итальянским и вторым антверпенским периодомкраски на английских портретах вновь обретают звучность.Начинает широко вводить в свои портреты пейзажные фоны. Так, повторив схему «Автопортрета» в «Портрете Эверхарда Ябаха» 1636-37, обогатил портрет изображением в глубине композиции на фоне конкретный уголок английской природа. Пейзажные фона Ван Дейка впоследствии сыграли немалую роль в дальнейшем развитии западноевропейской (в особенности английской) пейзажной живописи.
Ван Дейк – мастер детского портрета, умел тонко подчеркивать особенности детского возраста и наивного восприятия мира. «Портрет Филадельфии и Елизаветы Уортон» вторая пол. 30-х – изысканная холодная красочная гамма, отточенное изящество серебристого фона – отличают портреты английского периода. Ван Дейк — крупнейший мастер конного портрета XVII столетия («Конный портрет Карла I с сеньором де Сент Антуаном», «Карл на коне»).
ВЫВОД
Творчество Ван Дейка оказало огромное влияние на развитие английской и европейской портретной живописи. Он был основателем английской школы портрета, традиции которого сохранятся в искусстве в течение столетий. Ван Дейк в портретах показывал людей разных сословий, разного социального уровня, разных по душевному и интеллектуальному складу. Приверженец традиций фламандского реализма он был создателем официального парадного портрета, в том числе аристократического портрета, в котором показывал благородного, утонченного, рафинированного человека, а также был создателем интеллектуального портрета.

ЯКОБ ЙОРДАНС Наряду с Рубенсом и ван Дейком Йорданс является одним из крупнейших мастеров барокко фламандской школы. В отличие от знаменитых современников, он часто обращался к мотивам городской жизни, а в религиозные и мифологические сцены вводил элементы повседневности.
Теснее других связан с реалистической традицией старонидерландской живописи, религиозные и мифологические сюжеты трактует в жанровом плане, отличается любовью ко всему земному, реальному, конкретному. Вместе с тем его творчество лишено черт будничного прозаизма, а обладает праздничной зрелищностью и жизнелюбием при отсутствии возвышенной героики, характерной для творчества Рубенса. В ранних произведениях Йорданса с подчеркнутой материальностью предметов, контрастной светотенью, плебейской характерностью сгруппированных на переднем плане фигур (“Семейный портрет”, около 1615, “Поклонение пастухов”, 1618,) сказывается влияние караваджизма.
Обытовление персонажей религиозной истории и античной легенды, гипертрофия материального («Аполлон и Марсий». «Меркурий и Аргус» 1620—23)

В лучших картинах Йорданса, выполненных им в 1620-30-е годы (“Воспитание Юпитера”, 1620, “Сатир в гостях у крестьянина”, начало 1620-х годов, “Бобовый король”, 1638 (много вариантов)), определились особенности его художественного языка: пристрастие к полнокровным крестьянским и бюргерским типам, крепким и тяжеловесным фигурам, сочным деталям, тяготение к жанровой трактовке мифологических и религиозных тем, плотная энергичная живопись с преобладанием мягко нюансированных теплых тонов. В картине «Праздник бобового короля» Йорданс обращается к фольклору (традиции Босха и художников 15 века), подчеркнутые плебейские типы, пластичная и сочная фактура живописи, грубоватый и простодушный юмор.
В изображении этих сцен отразился жизнерадостный дух традиционных народных празднеств. Если в творчестве Рубенса сцены подобного характера отличаются чертами более высокого художественного обобщения, то в картинах Йорданса сильнее выражены жанровые мотивы. Живописная техника Йорданса – широкая, подчеркнуто вещественная, при цельности всей композиции добивается почти осязаемой реальности и выразительности каждой фигуры в отдельности.
С 1640-х годов Йорданс писал парадные, часто перегруженные фигурами полотна в духе барокко. Удача мастера в это время – «Портрет старика» 1637, где Йорданс использовал весь репертуар средств парадного репрезентативного портрета (традиции Рубенса и Ван Дейка) – пышный архитектурный фон, яркая драпировка, нарядный костюм, точка зрения снизу. Но, отсутствие какой либо идеализации образа.
«Пир Клеопатры» 1653 – демонстрирует важную тенденцию позднего творчества Йорданса – склонность к усложнению смысла, насыщение символикой и аллегориями. Проникновение бюргерского морализирующего жанра в аристократическую среду.
В 1651—52 гг. художник создал два огромных декоративных панно для дворца Хёйс тен Бос в Гааге («Триумф принца Фридриха Генриха Оранского»), в которых проявилась тенденция позднего Йорданса к характерным для барокко художественным излишествам и бурной патетике.

ФРАНС СНЕЙДЕРС Воплощение художественной концепции Рубенса в жанре натюрморта.
Возрождает традиции нидерландского натюрморта, бывшем до него камерным и интимным жанром. У Снейдерса натюрморт обретает монументальный, динамичный и жизнеутверждающий характер!!!
Ранние натюрморты Снейдерса в духе Питера Брейгеля Младшего («Фруктовый натюрморт»). Поездка в Италию.

Знаменательно Зрелое творчество Снейдерса, в которой концепция монументально-декоративного героического натюрморта достигла своего полного развития. Барочная целостность, энергия, великолепие и декоративность монументальных натюрмортов зрелого периода. Художественный стиль – близкий к динамической живописной концепции Рубенса. Серия 4-х монументальных «Лавок» кон. 1610-х гг. Эстетические позиции Рубенса – одухотворение условных форм традиционных аллегорий. В лавках Снейдерс использовал элементы популярных аллегорий – «Четырех стихий», «Пяти чувств», «Времен года». Лавки снейдерса – это роскошный мир, сочные краски, разнообразие и изобилие форм. Средствами натюрморта Снейдерс воссоздал картину изобилия, процветания – мечта «золотого века» во фламандском обществе этого времени. В «Рыбной лавке» и «Овощной лавке» вводит пейзаж. Стремление художника к воссозданию единой космической стихии в этих бесчисленных богатствах природы, находящейся в потоке бесконечного движения воплотился героический дух фламандского барокко, вступившего в конце 10-х в свою высшую стадию – время появления лавок. Композиционные особенности лавок рассчитаны на восприятие в определенной последовательности. Таким образом, в отличии от камерного натюрморта голландцев, фламандский натюрморт предстает как искусство декоративное, ансамблевого, предназначенного для определенного архитектурного интерьера. В монументально-декоративных композициях Снейдерса сохранялась жанровая основа, но введенные фигуры уже играют роль стаффажа, сообщая натюрморту его реалистический характер и наделенных служебной ролью композиционных пунктов, приводя в порядок бесконечное множество разнородных предметов.

происхождение стилей, общие черты и различия

Ренессанс и барокко являли собой культурный расцвет стран Западной Европы. Они возникли на фоне кардинальных изменений в общественных отношениях. Несмотря на то что обе эпохи воспевали прекрасное и привнесли в развитие культуры много нового, осуществлялось это разными методами и путями. Поэтому вопрос, чем стиль барокко отличается от стиля ренессанс, волновал человека всегда. Востребован он и сейчас.

Ренессанс и барокко — происхождение и общие черты

Ренессанс (с итал. «возрождение») как стиль возник в Италии в начале ХІV в. и просуществовал до конца XVI в. Он пришел на смену культуре Средних веков и предшествовал Просвещению и Новому времени.

Появляется большой интерес к античной архитектуре, что приводит к ее воссозданию. Культура в эпоху Возрождения носила мирской характер, ярко проявляла интерес к человеку. Во времена ренессанса были заложены основы гуманистического мировоззрения — уважение и свобода личности. Это отражалось в науке, литературе, живописи.

Стиль барокко возник как альтернатива классицизму и рационализму, присущим Возрождению. Несмотря на то что Италия была разграблена иностранцами и истощена внутренними распрями, она осталась центром культуры Европы. Новый стиль был призван показать богатство и роскошь знати с помощью приемов живописи, создавая тем самым иллюзию могущества.

Возникновение барокко в ренессансе начинается с постепенного отхода от античности. Преклонение перед древним искусством постепенно перешло к уважению традиций. Стиль основывался на отрицании элементов античности и готики.

В архитектуре модными стали бесформенность, излишество и изогнутое пространство. Злоупотребление декором приводило к перегруженности фасадов, что создавало впечатление тяжести и визуально давило на зрителей.

Нет единения и в описании человека. Из титана, расположенного в центре мира в эпоху Возрождения, он становится маленькой частицей мироздания. Совершенное творение переходит к порывистому и страстному, пытающемуся найти свое место в обществе. Это отражается в живописи и скульптуре. Изображение человека живое и полное эмоций. Примером является скульптура «Орфей» Антонио Кановы.

В искусстве барокко видны гротеск и сарказм, прослеживается мрачность композиций. В них изображаются пытки инквизиции, разбои бандитов, раненные солдаты и разрушения.

Ярким примером служит картина Джованни Панини «Развалины со сценой проповеди апостола Павла». На полотнах преобладают размытые и вытянутые формы, которые нивелируют искренность душевных порывов. Во всех направлениях искусства сквозит приверженность католической церкви и ее идеям.

Ренессанс и барокко — полярные стили. В них разными методами формировалось пространство, использовались различные подходы к декорации и конструкции.

Чем барокко отличается от ренессанса

Резкой границы между двумя стилями нет. Постепенное превращение ренессанса в легкое барокко началось в Риме, переместилось в северную часть Италии и далее — в средневековую Европу.

Зодчий ренессанса Браманте начал работы по возведению Собора Святого Петра с применением деталей, присущих барокко. Микеланджело продолжил эти начинания. В работах Рафаэля и Бернини, принадлежащих эре Возрождения, постепенно проявляются формы нового стиля.

Различия между эпохами видны во всем:

  • в мировоззрении;
  • в науке;
  • в искусстве;
  • в архитектуре;
  • в живописи;
  • в музыке.

Гуманистическое мировоззрение перерастает в аскетизм, а самопознание и саморазвитие — в идею спящего Бога, который отдыхает после сотворения мира, и ему нет дел до того, что творится на земле.

Барокко отходит от традиций и авторитетов, считая их суеверием и предрассудками. Не подлежит сомнению только то, что осязаемо, ясно мыслится и может быть выражено математически.

Продолжают развиваться астрономия и физика. Открываются новые законы (закон всемирного тяготения Исаака Ньютона). Карл Линней в 1735 г. впервые систематизирует биологические виды, оформляя труд «Система природы». Новый стиль — это век географических открытий и разума.

Барокко укрупняет детали и увеличивает пропорции, пытаясь этим показать богатство. В гигантомании начинает проявляться потеря чувства меры и утонченности восприятия.

Прямоугольность и пропорциональность ренессанса сменяют плавные и округлые формы барокко. Архитектурным объектам присущи кривизна плоскости и многократное повторение композиций. При помощи игры света создаются зрительные иллюзии, которые не дают полностью охватить сооружение и сконцентрировать взгляд на одной детали.

Все это отражается на мировоззрении человека, развитии и образовании. Возникают духовные и общественно-политические течения. Человек находится в поиске истины, он облагораживается и благодаря этому вносит новое в развитие стиля.

Барокко в живописи.

Художественная мастерская Наследие

Барокко в живописи

«Гирлянда из фруктов с играющими младенцами»
Питер Пауль Рубенс и Франс Снейдерс

Барокко – стиль в искусстве, сложившийся в середине XVI века и господствовавший практически во всей Европе вплоть до XVII столетия. Данный стиль зародился в Италии и мгновенно «разросся» по остальным государствам, завоёвывая их своей пышностью, роскошью, небывалым размахом торжественности. Барокко – это победа деталей, позолоты, объёма, возвышенности над строгостью и подчас мрачностью эпохи Возрождения. Существуют определённые черты данного стиля в архитектуре, скульптуре, моде и живописи, которые и создают его узнаваемый и цельный облик.

Каковы же отличительные особенности барокко в живописи?
Прежде всего следует отметить самую важную черту данного стиля, что сразу бросается в глаза при взгляде на определённую картину – ощущение движения. Барокко – полная противоположность статике, спокойствию, ощущению тихой расслабленности.

Художники, скульпторы, архитекторы – все деятели искусства, почитавшие этот стиль, в своих произведениях делали основной упор на динамике. В живописи и скульптуре особенно хорошо можно проследить данную черту. Движение присутствует абсолютно во всём: в мимике героев, в тканях их летящих одежд, в их позах, в напряжённости мышц их тел. Живопись данного периода бросала вызов естественной статике человеческого тела. Художники создавали своих героев так, чтобы на картинах они выглядели не просто «запечатлёнными», а живыми, чтобы смотря на них, мы ощущали их дыхание, улыбку, ловили каждое их движение. Именно поэтому при изучении определённой картины стоит обратить особое внимание на ощущение динамики в ней, которое безошибочно укажет вам на определённый стиль живописи.

Питер Пауль Рубенс
«Праздник Венеры»

Якоб Иорданс
«Изгнание торгующих из храма»

Ещё одна очень важная черта барокко в живописи – пышность и откровенность человеческой натуры. В отличие от Античности, где человеческое тело изображалось стройным и сильным, барокко устанавливает новые стандарты красоты.

В эту эпоху не существовало ограничений на удовольствия, зрелища, балы, пищу. Человеческое тело менялось в соответствии с идеалами эпохи – пышность форм становилась всё более привлекательной, свидетельствующей о материальном положении людей. И живопись, как ни один вид искусства, особенно чётко выразил идеалы барокко: натурщицы, модели, герои, персонажи картин чаще всего изображались полнотелыми, с нежной розоватой или молочной кожей, что создавала иллюзию мягкости и в то же время лёгкости тела. Пожалуй, самый известный художник того периода, особенно тяготевший к пышным формам, – Питер Пауль Рубенс.

Живопись эпохи барокко невозможно представить без обилия деталей. Они повсюду – на тканях, на земле, на небесах, на стенах, всюду, куда только может дотянуться взгляд наблюдателя. Как уже говорилось ранее, барокко приветствует излишество во всём, и художники, вдохновлённые новым критерием их работ, создают невероятное количество деталей в своих картинах. Иногда именно в них содержится главная идея самого произведения, иногда – лишь определённое символическое значение.

Искусство эпохи барокко не стеснялось богатства цвета и украшений. Ещё одна особенность живописи данного времени – богатейшая цветовая палитра, намного колоритнее и ярче, чем цветовая палитра эпохи Возрождения. Именно в то время создаются потрясающие оттенки, усовершенствованные мастерством художников и от этого кажущиеся невероятно «настоящими». Живопись барокко вдруг пополняется нежно-розовыми, перламутровыми оттенками, бежевыми и золотистыми, которые непроизвольно ассоциируются у людей с ощущением богатства и достатка. Основные сюжеты эпохи Барокко связаны с мифологией, религией и человеком. Художники того периода очень любили мягкость древнегреческих романтических мифов, связанных в большинстве своём с любовью двух персонажей или жизнью прекрасной девушки. Отличительная и очень важная особенность живописи барокко заключается в том, что впервые начинают создаваться картины с изображением сцен охоты. Эти сюжеты становятся столь распространёнными и знаменитыми, что вскоре изображение охоты становится отдельным жанром.

Оставьте заявку, мы рассчитаем стоимость и свяжемся с вами

Итальянские художники барокко, туры и отдых в Италии по низким ценам в декабре

 Популярный отдых в Италии – это возможность узнать больше об искусстве 17 века

Если вам посчастливилось приобрести авиабилеты в Италию, то перед вами отрывается уникальная возможность прикоснуться к прекрасному, так как в этой стране сосредоточены лучшие образцы мирового искусства. Сегодня отдых в Италии и туры в Италию на море – это не просто приятное времяпрепровождение, но культурное просвещение.

Яркой страницей в итальянском искусстве является 17 век, когда на арену выходит новый стиль – зрелое барокко. К мастерам, которые проповедовали принципы этого стиля, относится художник Доменико Фетти. Его работы поражают симбиозом красочной палитры и реалистичного жанра. В колористических экспериментах художника прослеживается наследие Рубенса. Самыми известными картинами Фетти являются «Исцеление Товита» и «Мадонна», которые отличаются мягкостью колорита и звучностью.

Творчество Лоренцо Бернини

Гениальный скульптор и архитектор Лоренцо Бернини – центральная фигура в искусстве зрелого барокко. Его работы соединили в себе все характерные черты, присущие этому стилю. В скульптуре Бернини прослеживается симбиоз декоративного виденья и реалистического изображения. Кроме того, поражает техника обработки бронзы, мрамора, терракоты, которой владел мастер.

Лоренцо Бернини относится к тем мастерам, которые рано достигают зрелости в творчестве. Даже в начале своего творческого пути он создавал скульптуры из мрамора, которые бесспорно можно относить к шедеврам. В 1623 году Бернини создал статую «Давид», которая отличалась реалистической передачей напряжения сил героя (как физических, так и духовных) в момент бросания камня. Позже скульптор выполнил работу под названием «Аполлон, преследующий Дафну». В этом шедевре поражает все: живописность форм, совершенство обработки, но больше всего удивляет то, с какой тонкостью Бернини передал выражение лиц Дафны и Аполлона.

Во времена понтификата Урбана VIII происходит становление Бернини, как великого художника. Он, по сути, становится ведущим мастером столицы и создает ряд портретов, скульптур, декоративных работ. К последним относится знаменитый «Фонтан Тритона», который и сегодня украшает одну из площадей Рима.

Будем рады ответить на Ваши дополнительные вопросы о турах в Италию — воспользуйтесь формой запроса или звоните:
(495) 730-13-30.
Мы работаем с 09:00 до 20:30 в будние дни и с 11:30 до 17:00 по субботам.
Отзывы наших клиентов приведены здесь

Дополнительная информация:

Культура Нового времени :: История культуры :: Раздел 1. Европейская культура Нового времени :: Тема 3. Особенности искусства барокко :: Семинар. Живопись барокко

Цель: рассмотреть живопись барокко как выражение мировоззрения и миропонимания культуры.

План:

1.Творчество П. П.Рубенса как воплощение барокко.

2. Живопись Д. Веласкеса как единство реализма и барокко.

При обсуждении темы семинара необходимо раскрыть взаимодействия живописи перечисленных художников с культурой барокко, выраженные в сюжетах картин, их композиционном решении, языке. Удобнее это сделать в форме заслушивания и обсуждения сообщений по творчеству названных художников, выделяя колористические особенности живописи, приверженность к определенным темам и персонажам.

Критерии оценки докладов – четкость выделения своеобразия (смыслового и композиционного) живописи рассматриваемого художника, реконструкция особенностей его миропонимания и индивидуальной трактовки образов в представленных картинах. Этому должна способствовать точная подборка живописи для иллюстрации анализа творчества художника.

При обсуждении второго вопроса по живописи Веласкеса предусмотрен кейс для аудиторной работы.

При анализе живописи Веласкеса необходимо обратить внимание на стилевое своеобразие его живописи, где барокко взаимодействует с реализмом натуралистического плана, и мифологический по смыслу сюжет переплетается с представлением реальной, даже бытовой ситуации («Пряхи»). В этой же связи необходимо вспомнить, что Веласкес стал основателем жанра натюрморта бодегонес.

В результате обсуждения темы семинара должно возникнуть понимание особенностей и значения живописи борокко для утверждения этой культуры.

Литература

  1. Делез Ж. Складка. Лейбниц и барокко. М., 1997.
  2. Ильина Т.В. История искусства Западной Европы от Античности до наших дней: учебник для вузов / Т. В. Ильина. — 5-е изд., перераб. и доп., М.: Юрайт: Высшее образование, 2009.
  3. Лебедянский М. С. Портреты Рубенса.М., 1991.
  4. Михайлов А. В. Поэтика барокко: завершение исторической эпохи.//Михайлов А. В. Языки культуры. М.1997.
  5. Ортега-и-Гассет Х Воля к барокко. Введение к Веласкесу.// Ортега-и-Гассет Эстетика. Философия культуры. М., 1991.
  6. Якимович А. Художник и дворец. Диего Веласкес. М., 1989.

Аспекты стиля Тициана и проблема генезиса искусства барокко Текст научной статьи по специальности «Искусствоведение»

Ю. С. Артамонов

Аспекты стиля Тициана и проблема генезиса искусства барокко

Искусство Тициана как крупнейшего итальянского живописца XVI в. является одним из значимых явлений художественной культуры периода Высокого и Позднего Ренессанса. Творческая манера и наследие венецианского мастера в определенной степени подготовило возникновение стиля барокко. Тициан в своих произведениях предугадал ряд основных черт искусства XVII в. Новаторский живописный язык и многообразие композиционных приемов в искусстве великого венецианца повлияли на последующее развитие живописного искусства. Это проявилось в творчестве как художников Италии, так и представителей других художественных школ Европы.

Вне сомнений, Тициан оказался центральной фигурой в эволюции эстетики и художественного языка живописного искусства в XVI в. Это обусловлено огромным объемом наследия мастера, всеевропейской известностью художника, заказами из различных регионов, обучением у Тициана ряда начинающих живописцев как венецианского и итальянского происхождения, так и приезжавших из других стран. Тем самым, стиль мастера получил распространение и последующее переосмысление в творчестве ряда позднейших художников.

Достижения Тициана сказались в сфере религиозной, мифологической и портретной живописи. Разработка новых композиционных приемов, чувственность и материальность живописного языка, эмоциональность трактовки образов поздней поры творчества мастера находят последовательное развитие в искусстве барокко.

Изучение и переосмысление Тицианом произведений других мастеров, сказавшееся, в частности, в интерпретации мотивов античных памятников, работ художников Рима и Флоренции1, а также северных художников, предопределило сложность зрелой индивидуальной манеры. Тициан не прошел классической школы композиции, подобной той, что существовала во Флоренции -данную особенность отмечал еще Вазари2. Несмотря на то, что художник знал и использовал принципы уравновешенной фронтальной композиции («Мадонна со свв. Антонием Падуанским и Рохом», Прадо, Мадрид; «Св. Марк на троне и четверо святых», Санта Мария делла Салюте, Венеция; «Любовь небесная и любовь

1 Rosand. Titian. New York, 1978. P. 29-31.

2 Вазари Дж. Жизнеописания наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих. М., 2008. С. 1151.

186

земная», Галерея Боргезе, Рим; «Ассунта», Санта Мария Глориоза Деи Фрари, Венеция), мастер изначально проявлял предпочтение к более свободному типу размещения фигур в изобразительном пространстве («Бегство в Египет», Эрмитаж, Санкт-Петербург; «Орфей и Эвридика», Академия Каррара, Бергамо; «Сельский концерт», Лувр, Париж). В отличие от флорентийской и ломбардской школ, для Тициана как крупнейшего представителя венецианской живописи в композиции имело первостепенное значение не пластическое начало, собственно соотношение объемов и «пустот», но колористический аспект. Равновесие в картине достигалось через распределение пятен, масс цвета. Форма и пространство как носители цветовых соотношений и взаимосвязей становятся важнейшей проблемой в творчестве Тициана. Поиск эффекта, тяга к асимметрии в компоновке обрели дальнейшее развитие в живописи XVII в.

Тициан проявляет интерес к эффектам театральности. Это сказывается как в эмоциональной трактовке ряда сцен, так и в особенностях распределения света в композиции. Художником разрабатываются, особенно в поздние годы творчества, сюжеты драматического характера, побуждающие молящегося к сопереживанию. Таковы варианты картины «Мученичества св. Лаврентия», а также «Се человек», «Коронование тернием», «Положение во гроб», «Кающийся св. Иероним», «Кающаяся Магдалина», «Несение креста». Напряженность образного решения в данных произведениях предвосхищает эстетику барочного искусства.

Художник обращается к образу Божественного присутствия в своих поздних произведениях, вводя мотив мистического света. Свет, прорывающийся в затемненном изобразительном пространстве, символизирует Божественную благодать («Пятидесятница», Санта Мария дела Салюте, Венеция; «Св. Лаврентий», «Благовещение», Сан-Сальваторе, Венеция). Такого рода прием как усиление мистического характера религиозных сцен обретет последующее распространение в творчестве художников эпохи барокко — Рубенса, Риберы, Сурбарана.

Работа над крупными алтарными произведениями с изображением фигур в полный рост требовала от Тициана выработки ясно воспринимаемых на расстоянии композиционнообразных решений. Мастер делает ставку на использование эффектных поз для фигур. Постановка фигур, их жестикуляция имеют первостепенное значение в воздействии на зрителя. Сложное движение, передающее аффект образов, также обретет широкое распространение в искусстве XVII столетия.

187

Тициан обращается к драматической трактовке в ряде композиций для церквей — в частности, в уже упомянутой «Ассунте», в «Смерти Петра Мученика» (утрачена), в плафонах «Каин и Авель», «Жертвоприношение Авраама», «Давид и Голиаф» (все -Санта Мария дела Салюте, Венеция), «Благовещение» из церкви Сан-Сальваторе, «Коронование тернием» (Старая пинакотека, Мюнхен), «Пьета» (Галерея академии, Венеция). Тем самым, художник отходит от распространенного в эпоху кватроченто и начала чинквеченто типа умиротворенно-созерцательных моленных образов.

Искусство Высокого Ренессанса зачастую соотносит геометрический и смысловой центр изображения (версии «Поклонения волхвов» Боттичелли и Леонардо, «Св. Георгий» и мадонны раннего периода творчества Рафаэля, «Сотворение Адама» Микеланджело). Тициан изыскивает иные типы организации композиции. Упорядоченности и строгой изобразительной структуре, характерной для Высокого Ренессанса, в особенности флорентийско-римского образца, Тициан противопоставляет живописный эффект. Усиливая эмоциональное воздействие религиозного изображения на молящегося, художник отказывается от плавного общего ритма, переходя к более подвижному типу распределения фигур. Тициан, в отличие от мастеров XV и начала XVI в. использует асимметричное расположение фигур в пределах композиции. Значение вертикальной изобразительной оси снижается. Такого рода прием открывает возможности для динамичного распределения изобразительных масс. Равновесие композиции достигается в том числе через баланс цветовых и тональных пятен. Художник вводит крупные массы тени, объединяющие второстепенные подробности изображения; основные же части композиции Тициан акцентирует цветовыми и световыми акцентами. Мастер широко применяет световые и колористические эффекты среды. В «Св. Иерониме» (Лувр, Париж) мы видим ранний пример ноктюрна. Сцены в ночном пейзаже в дальнейшем будут привлекать внимание мастеров семьи Бассано, Тинторетто, Эльсхеймера. Поздний Тициан обращается к сценам с искусственным освещением. В «Короновании тернием» из Мюнхена источником света служат подвешенные лампы. В отличие от классической живописи итальянского Ренессанса, где превалировало использование равномерного естественного освещения, источник которого выведен за пределы изобразительного пространства, у Тициана мы видим примеры варьирования эффектов света. Строгость пластического объема преображается и наполняется движением благодаря введению неравномерного освещения. В композиции нет распределения

188

основных пластических элементов по строго выявленным планам, напротив, благодаря развитию движения в глубину, пространство связывается в единое целое. Подвижность композиции усиливает, в свою очередь, степень ее эмоционального воздействия1. Использование мотива горящей свечи получит дальнейшее распространение в искусстве XVII в., в особенности у последователей Караваджо.

Статичный, центростремительный и круговой типы организации композиции, характерные для ренессансного искусства, Тициан дополняет центробежным типом движения, когда динамика изобразительных масс направлена к краям изобразительного пространства. В частности, такого рода тип расстановки фигур художник применяет в «Похищении Европы» (Музей Изабеллы Гарднер, Бостон). В луврской версии «Коронования тернием» Тициан сочетает центростремительную постановку группы фигур палачей и обращенную от геометрического центра композиции фигуру Христа, чем усиливает драматическое звучание сцены.

В некоторых произведениях позднего периода мастер экспериментирует в соотношениях масштабов фигур для

достижения выразительного эффекта. Так, в композиции «Моление о Чаше» (Прадо, Мадрид и Эскориал, Мадрид) основная фигура -коленопреклоненный Христос — расположена в глубине

изобразительного пространства и значительно уменьшена по масштабу, первый же план занят укрупненными фигурами второстепенных персонажей (в версии картины из Эскориала это спящие апостолы, а в картине из Прадо — стражники). Смысловой центр картины мыслится лишь как составляющая часть общего изобразительного мотива. Подобным образом мастер строит композицию «Кающегося св. Иеронима» (Лувр), помещая небольшую по масштабу фигуру святого в обширную пейзажную среду.

Характерно, что Тициан в поздний период творчества использует открытый тип композиции, смело срезая второстепенные фрагменты и выводя части фигур за пределы изобразительного пространства. Такого рода прием присутствует в целом ряде работ позднего Тициана, в частности, в «Наказании Марсия» (Архиепископский дворец, Кромержиц), где за «кадр» изображения выведены голень Аполлона, предплечье музицирующего юноши и часть фигуры фавненка с собакой. Аналогичный подход встречается в мюнхенском «Короновании тернием», в «Пастухе и нимфе» (Художественно-исторический музей, Вена), в версиях картины «Се человек» из Мадрида и Сент-Луиса и в других произведениях. Данная находка противоречит принципам ренессансной композиции

1 Вельфлин Г. Ренессанс и барокко. СПб., 2004. С. 73.

189

в живописи, где допускалось кадрирование фигуры в высоту, но не было распространено срезание изображенной фигуры по бокам.

Чувственность самой живописи Тициана играет существенную роль в воздействии на зрителя. Драматический настрой того или иного произведения определяется, в том числе, и выбором приглушенной, тяжелой общей цветовой тональности в целом ряде работ. Однако мастер варьировал общий характер цветового строя для достижения необходимого эффекта. В картинах «Испания приходит на помощь религии» и «Дож Антонио Гримани, поклоняющийся персонификации Веры», исполненных художником совместно с ассистентами, наблюдается сильное отличие колористической гаммы от типичной для позднего Тициана тональности. Яркое освещение и насыщенность пятен цвета задают ликующее, торжественное настроение в двух этих произведениях. Это свидетельствует о том, что колористический строй у Тициана находится в неразрывной связи с содержанием представленной сцены.

Мифологические произведения Тициана также оказали существенное влияние на крупнейших мастеров барокко, включая Рубенса и Рембрандта. В частности, известно, что Рубенс исполнил ряд копий с картин Тициана, включая «Вакханалию», «Праздник Венеры» (обе — Национальный музей, Стокгольм), «Похищение Европы» (Прадо, Мадрид), а также интерпретировал мотивы работ венецианца в таких произведениях, как «Аллегория Войны и Мира» (Национальная галерея, Лондон), «Кающаяся Магдалина» (утрачена), «Венера перед зеркалом» (Музей Тиссен-Борнемиса, Мадрид и Собрание князя Лихтенштейна, Вадуц). Ко времени исполнения данных работ Рубенс был уже сложившимся мастером, однако он продолжал испытывать интерес к освоению приемов передачи материальности живописными средствами, принесших славу Тициану.

В области портретной живописи Тициан также находит новаторские композиционные решения. В частности, «Конный портрет Карла V в битве при Мюльберге» (Прадо, Мадрид) стоит у истоков нового типа парадного портрета, к которому впоследствии обращались Рубенс, ван Дейк, Веласкес, Рембрандт и другие мастера.

Таким образом, многогранность творческого гения Тициана, новизна и тонкость подхода к решению композиционных и живописных задач послужили своего рода школой для ряда мастеров XVII столетия. Рубенс, ван Дейк, Веласкес, Пуссен, пребывая в Италии, внимательно изучали наследие великого венецианского мастера, переосмысляя его опыт и вырабатывая собственные приемы.

190

Искусство и архитектура барокко | Оксфорд Арт

Введение


Версаль, вид на фасад Garden Front, работы Луи Ле Вау и Жюля Ардуэна Мансара, 1668–1685; фото: Giraudon / Art Resource, NY

Барокко было основным европейским стилем изобразительного искусства 17 века. Этот термин охватывает различные национальные стили, которые варьируются от сложного и драматического итальянского искусства 17 века до сдержанных жанровых сцен, натюрмортов и портретов, характерных для голландского барокко.В Италии Караваджо рисовал алтари и вводил такие инновации, как драматические световые эффекты, которые повлияли на таких художников, как Артемизия Джентилески. Другие художники, такие как Джованни Баттиста Гаулли и Пьетро да Кортона, исполнили иллюзионистские потолочные картины. Джанлоренцо Бернини, самый знаменитый римский художник эпохи барокко, создал знаменитый балдаччино (центральный алтарь) собора Святого Петра и новаторские скульптурные произведения, такие как Аполлон и Дафна .В Испании Франсиско де Сурбаран написал набожные религиозные картины, а Диего Веласкес стал великим художником испанского барокко.

В северной Европе Нидерланды были разделены на две части: Северные Нидерланды (современные Нидерланды) и Южные Нидерланды (современная Бельгия и часть Франции), каждая из которых обычно именуется Голландией (север) и Фландрией (юг). Питер Пауль Рубенс и его мастерская доминировали в искусстве Фландрии, создав драматические и мощные религиозные алтари и портреты правящих семей Италии и Франции.Одним из таких примеров является сложная серия аллегорических персонификаций Марии Медичи. Пейзаж, натюрморт и жанровая живопись были основными видами работ, производимых для голландского рынка. Такие произведения, как цветочные натюрморты Рэйчел Рюйш, интимные жанровые картины Иоганнеса Вермеера, движущиеся религиозные картины и проницательные портреты Рембрандта, иллюстрируют эти новые виды искусства. Во Франции искусство отражало мощь и престиж монархии и преимущественно использовало классицизм греко-римской традиции.Самым масштабным архитектурным проектом 17 века был Версаль, его дворец и сады, в котором классический стиль использовался для передачи абсолютистской власти французской монархии при Людовике XIII и Людовике XIV. Многие заботы художников барокко, такие как прямое наблюдение за окружающим миром, эмоциональное и драматическое выражение, а также манипуляции со светом и цветом, повлияли на более поздние стили, такие как неоклассицизм и романтизм.

Очерки

Биографии

  • Бернини, Джанлоренцо
  • Борромини [Кастелли], Франческо
  • Караваджо, Микеланджело Меризи да
  • Карраччи
  • Кортона, Пьетро да
  • Джентилески, Артемезия
  • Гуарини, Гуарино
  • Hals, Frans
  • La Tour, Georges de
  • Мадерно, Карло
  • Пьюже, Пьер
  • Рембрандт ван Рейн
  • Рубенс, Питер Пауль
  • Веласкес, Диего


Назад ко всем предметным руководствам

Каковы четыре характеристики искусства барокко?

Искусство барокко возникло в период с 1600 по 1700 год.Первые работы движения начались в Италии, но затем были замечены во Франции, Германии, Испании и Нидерландах. В это время католическая церковь поощряла художников проявлять в своих картинах более сильные религиозные черты. Выдающиеся художники этого стиля включают Питера Пауля Рубенса, Караваджо и Рембрандта.

Свет

Дин Мухтаропулос / Getty Images News / Getty Images

В искусстве барокко обычно используется один источник света, известный как тенебризм.Контрастность света и тьмы, например, в тени, привносит драматизм в произведения. Оба влияют на эмоции и силу произведения. Одной из иллюстраций этой концепции является «Юдифь и служанка с головой Олоферна» Артемизии Джентилески. В этой пьесе Джудит спасает свой народ, устраивая банкет, чтобы опьянить, а затем обезглавить генерала Олоферна.

Реализм и натурализм

Дэн Китвуд / Getty Images News / Getty Images

Реализм — важный аспект искусства барокко.Рубенс принял реальность в своем искусстве. В «Святом Георгии и драконе» Святой Георгий мускулист в доспехах, которые выглядят так же, как и в повседневной жизни. Его лошадь изображена энергичной и сильной. Натурализм также был замечен в искусстве барокко благодаря использованию обычных деталей, уникальных для повседневной жизни. Караваджо использовал эту технику в своей работе, показывая местные места, такие как таверны и крестьян. Он помещает зрителя в картину, применяя вещи как часть как переднего плана, так и центрального пространства.Выражение лица подчеркивает настроение или эмоции испытуемых. Художники иногда помещали себя в картину как часть теней. Например, Диего Веласкес изображен слева на своей картине «Менины».

Линии

Джефф Дж. Митчелл / Getty Images News / Getty Images

Линии помогают передать движение и часто используются в произведениях в стиле барокко. Уменьшение ракурса — уменьшение длины линий на рисунке для создания иллюзии расширения в пространстве — способствует ощущению движения.Будь то асимметричный, вертикальный или горизонтальный, эта техника может обмануть глаз и освободить место для украшения. Композиция произведений выполнена в форме буквы «S». Например, в «Обращении святого Павла» Караваджо диагональные линии показывают драму. Линии также претерпевают распространение в искусстве барокко с изогнутыми фигурами и горизонтальными слоями.

Время

Оли Скарфф / Getty Images News / Getty Images

Многие художники, использующие стиль барокко, знали о времени и использовали его, чтобы передать силу природы, а также то, как время было частью жизненного процесса.Пожилой мужчина, символизирующий время, был включен во многие произведения, чтобы проиллюстрировать, что время приходит для всех. Расположение людей в каждой работе дает ощущение движения времени вперед и назад.

Искусство барокко | Что такое, характеристики, происхождение, история, актуальность, произведения, краски

Искусство

Искусство барокко является важным культурным и художественным движением, которое включает политических , социальных и религиозных аспектов.Считается продолжением итальянского маньеризма , просуществовавшего до середины 16 века. Это один из самых сложных стилей, который в каждом его произведении проявляет волнение и движение.

Что такое искусство барокко?

Искусство барокко считается художественным стилем , который развился между семнадцатым и восемнадцатым веками, который проявляется в различных художественных дисциплинах , таких как архитектура, живопись, музыка и литература, характеризуемых чрезмерным орнаментом .

Характеристики искусства барокко

Среди основных характеристик и особенностей, которые мы можем наблюдать в искусстве барокко, можно отметить следующие.

  • Он стремится представить внутренних чувств, страстей, способов мышления и различных эмоций.
  • Его темы включают религиозных тем , которые были заброшены эпохой Возрождения.
  • Имеет чувство движения, энергии и напряжения.
  • Свет и тень этого искусства сильно контрастируют.
  • Его духовность интенсивна и основана на мученичестве и видениях.
  • Он пытается правильно представить пространство и перспективу .
  • Его картины основаны на натурализме .
  • Темы барочной скульптуры: светских и мифологических .
  • Они использовали ню , постоянно придавая им большое значение.
  • Обладает силой и монументальностью , динамизмом и выразительностью.

Происхождение искусства барокко

Искусство барокко зародилось сначала в области пластических искусств , а затем распространилось на литературу, театр и музыку . Он возник в Италии в семнадцатом веке и распространился в таких местах, как Бельгия , Голландия и даже Латинская Америка , где он был представлен художниками, которые путешествовали в экспедициях из Европы. Искусство возникло в политическом и религиозном окружении в Европе, выражая духовность и теоцентризм средневековья, используя рационализм и антропоцентризм эпохи Возрождения.

История

Мы можем сказать, что искусство барокко началось в 1600-х годах и продолжалось до 1750 года, в середине того, что мы знаем как ренессанс и неоклассический период, период, когда католицизм в Европе выступал против различных культурных движений. ведущие к новой науке и новой религии; Протестантская Реформация . Когда коррупция вошла в католическую церковь, они поняли, что искусство можно использовать как средство публичности и контроля идей, поэтому они наняли художников, чтобы удовлетворить своих верующих с помощью драмы .Как художественный стиль он возник в начале 18 и 19 веков в Италии , а затем распространился по всей Европе.

Актуальность искусства барокко

Это один из самых важных периодов в западной истории , поскольку он способствовал созданию европейской идентичности , искавшей выход из классицизма эпохи Возрождения. Кроме того, он сыграл важную роль во всех религиозных конфликтах , которые имели место в то время, поскольку протестанты столкнулись с теми, кто строил простые и скромные здания для религиозных служб с элегантными, величественными и сложными сооружениями; можно сказать, что искусство барокко выступило эстетическим выражением контрреформации .

Архитектура в стиле барокко

В архитектуре изогнутых линий были приняты вместо прямых линий для достижения большей степени динамизма и выразительности . Для них фасадов были очень важны, и они украсили их великолепными украшениями, используя карнизов и греческие и римские колонн . Можно сказать, что это был архитектурный стиль оформления. В храмах использовались круглые перекрытия вместо прямых.В Испания , он был введен в конце 16 века, но использовались плохие и затемненные материалы. В период барокко искусство барокко прогрессировало и было наполнено орнаментами, удаляющими элементов Эррера .

Скульптура

Полные украшения с великолепным движением и динамизмом , изображения демонстрируют неистовые и возвышенные страсти. Он представил различные содержания религиозных и моральных , которые изменили способ самовыражения людей.Преобладали религиозные темы, они сделали реализм одной из своих основных характеристик, и они создавали образы, украшенные множеством деталей. Основным заказчиком барочной скульптуры была католическая церковь , а затем двор . Изготовленные в основном из полихромного дерева , их работы используются в праздновании Страстной недели .

Paint

Характеризуется фигурами, заполненными светотенью и выражением . Они использовали масляную живопись, потому что это придавало им большую яркость и другие цвета, вязкость и качества.Холст был любимым материалом художников эпохи барокко, и линейная и симметричная тенденция была утеряна, потому что художники использовали больше свободы в своих цветах и ​​движениях. Они рисовали такие предметы, как пейзажи, натюрморты и людей, в зависимости от критериев каждого художественного направления.

Представители искусства барокко

  • Диего де Веласкес, который был одним из самых важных представителей мира.
  • Караваджо, итальянский художник, считается первым представителем эпохи барокко.
  • Педро Пабло Рубенс, художник фламандской школы.
  • Джан Лоренцо Бернини, выдающийся деятель скульптуры, архитектуры и живописи.
  • Хосе де Рибера, испанский художник и гравер.
  • Франсиско де Сурбаран, религиозный и мистический художник.
  • Рембрандт , мастер на все времена, выдающийся в живописи и гравюре.
  • Артемисис Джентилески, выдающийся художник среди мужчин.

Примеры выдающихся произведений

Некоторые из основных произведений искусства барокко:

  • Святой Петр Ватикан
  • Версальский дворец
  • Санта-Капилья, базилика Пилар
  • Экстаз Святой Терезы
  • Фонтан четыре реки
  • Лежащий Христос
  • Три грации
  • Круг ночи

Автор Габриэла Брисеньо В.

Разница между искусством барокко и ренессансом (с таблицей)

На уроках истории одним из самых интересных предметов, которые можно обсудить, является искусство. Искусство дает студентам возможность продемонстрировать свои творческие способности и художественные таланты. Помимо этого, он также показывает, когда и как некоторые из великих художников рисовали свои шедевры, которые до сих пор остаются неизменными и ценятся студентами-художниками и энтузиастами искусства.

Искусство барокко и ренессанс

Разница между искусством барокко и ренессансом заключается в том, что искусство барокко обычно характеризуется декоративными деталями, тогда как искусство эпохи Возрождения характеризуется слиянием христианства и науки, которая создает реализм через искусство.

Барокко и Возрождение — два разных периода в истории человечества, которые больше всего выделяются при обучении искусству и великим мастерам. Картины и шедевры, созданные в эти периоды времени, были похожи при первом просмотре, но сильно отличались друг от друга с явными различиями между ними.

До сегодняшнего дня было много споров о том, какой период времени создал лучшее искусство, чем другой. У сторонников каждого временного периода есть свои аргументы в пользу того, почему одно искусство лучше другого.

Таблица сравнения искусства барокко и эпохи Возрождения Искусство эпохи Возрождения возникшие в стране Европа в конце 16 века.
Параметры для сравнения Искусство барокко Искусство эпохи Возрождения
Искусство эпохи Возрождения — это вид искусства, возникший в стране Европы в XIV веке.
Период времени Период времени создания искусства барокко был с конца 16 века до середины 18 века. Период создания произведений искусства эпохи Возрождения — с 14 по 17 век.
Ключевые особенности Ключевыми чертами искусства барокко являются его богато украшенные детали, и оно сосредоточено на демонстрации человеческих эмоций. Ключевыми чертами искусства эпохи Возрождения является слияние науки и христианства, придающее ему нотку реализма.
Симметрия и использование цвета Искусство барокко асимметрично и имеет более драматичное использование цветов. Искусство эпохи Возрождения симметрично и имеет менее драматичное использование цветов.
Известные художники Бернини и Караваджо — одни из самых известных художников в стиле барокко. Леонардо да Винчи и Микеланджело — одни из самых известных художников эпохи Возрождения.

Что такое искусство барокко?

Слово «барокко» произошло от португальского слова «барокко», что означает «испорченный жемчуг». Искусство барокко создавалось в период с конца 16 до середины 18 века.Он развился после создания и производства искусства эпохи Возрождения. Картины в стиле барокко отличались витиеватыми деталями.

Такие особенности, как чрезмерное освещение и сильные эмоции, были обычным явлением в искусстве того периода. Несмотря на то, что в нем есть своего рода художественная сенсация, он все же не полностью отражает стиль людей, живущих в период искусства барокко. Еще одним интересным моментом в этом искусстве является поощрение строительства колонад, куполов и других цветовых эффектов архитектурой в стиле барокко.

Есть четыре очень важных характеристики искусства барокко. Это реализм, свет, натурализм, время и линии. Тенебризм, источник света, — единственный источник, которым хвасталось искусство барокко.

Что такое искусство эпохи Возрождения?

Слово «Ренессанс» происходит от итальянского слова, означающего возрождение. Стиль искусства эпохи Возрождения больше ориентирован на обучение. Одним из величайших и самых известных художников эпохи Возрождения был Леонардо да Винчи.Этот период был между 14 и 17 веками в стране Европы. Самой важной частью искусства эпохи Возрождения было восприятие.

Это концепция, использованная в рисовании, которая придавала произведению искусства трехмерный вид. Обычная вещь, которую можно было заметить на этих картинах, заключалась в том, что художники склонны рисовать здания с одной и той же точкой схода. Еще одна важная характеристика искусства эпохи Возрождения — использование сфумато, техники, которая помогает художникам создавать контраст между темными и светлыми частями их картин.

Одним из известных примеров этой техники и искусства эпохи Возрождения является картина «Мона Лиза», созданная Леонардо да Винчи. Эта техника, адаптированная художниками эпохи Возрождения, создавала иллюзию, из-за которой объект казался меньше, чем он был на самом деле.

Основные различия между искусством барокко и ренессансом
  1. Искусство барокко — это форма искусства, которая возникла в стране Европы в конце 16 века, тогда как искусство эпохи Возрождения — это форма искусства, которая возникла в стране Европы в 14 веке. век.
  2. Период времени создания искусства барокко был с конца 16 века до середины 18 века, а период производства искусства эпохи Возрождения — с 14 века до 17 века.
  3. Искусство барокко асимметрично и имеет более драматичное использование цветов, тогда как искусство эпохи Возрождения симметрично и имеет менее драматическое использование цветов.
  4. Ключевыми чертами искусства барокко являются его богато украшенные детали, и оно сосредоточено на демонстрации человеческих эмоций, тогда как ключевыми чертами искусства эпохи Возрождения является слияние науки и христианства, придающее ему нотку реализма.
  5. Бернини и Караваджо, которые являются одними из известных художников искусства барокко, менее известны, чем Леонардо да Винчи и Микеланджело, которые являются одними из самых известных художников искусства эпохи Возрождения.

Заключение

И искусство барокко, и искусство Возрождения возникли в стране Европы. Искусство Возрождения развивалось раньше искусства барокко. Искусство барокко развивалось между концом 16 и серединой 18 века, а искусство эпохи Возрождения развивалось между 14 и 17 веками.

Художники эпохи Возрождения использовали восприятие в своих произведениях искусства. Художники периода барокко использовали в своих произведениях преувеличенное освещение и сильные эмоции. Искусство эпохи Возрождения было более симметричным, чем искусство барокко, а также в нем менее драматично использовались цвета.

Ссылки
  1. https://jamanetwork.com/journals/jamaneurology/article-abstract/588447
  2. https://onlinelibrary.wiley.com/doi/abs/10.1002/9781118391488

o WebMuse

Веб-музей: барокко


Период барокко, эпоха в истории западного искусства примерно совпадающий с 17 веком.Его самые ранние проявления, которые произошел в Италии, датируется последними десятилетиями 16 века, в то время как в некоторых регионах, особенно в Германии и колониальной Южной Америке, некоторые из его кульминационных достижений не произошли до 18-го век. Произведение, которое отличает период барокко, — это стилистически сложный, даже противоречивый. Однако в целом желание вызвать эмоциональные состояния, обращаясь к чувствам, часто в драматическими способами, лежащими в основе его проявлений. Некоторые качества с барокко чаще всего ассоциируются величие, чувственность богатство, драма, жизненная сила, движение, напряжение, эмоциональный подъем, и тенденция стирать различия между различными искусствами.


Термин, используемый в художественной литературе как с исторической, так и с исторической точки зрения. критические значения и как прилагательное, так и существительное. Слово имеет долгую, сложную и противоречивую историю (возможно, от португальского слова, обозначающего деформированную жемчужину, и до позднего 19 века оно использовалось в основном как синоним слова «абсурд» или «абсурд». ‘гротеск’), но в английском языке сейчас есть три основных смыслы.

  • В первую очередь, обозначает доминирующий стиль европейского искусства между Маньеризм и Рококо.Этот стиль зародился в Риме и ассоциируется с католическим. Контрреформация, ее основные характеристики — открытая риторика и динамическое движение — хорошо подходят для выражения уверенность в себе и прозелитический дух воодушевленных Католическая церковь. Это никоим образом не связано исключительно с религиозное искусство, а аспекты барокко можно увидеть даже в произведениях, не имеющих ничего общего с эмоциональным проявлением — для пример в динамичных линиях некоторых голландских натюрмортов картины.
  • Во-вторых, используется как общая метка на период, когда это расцвет стиля, в общем, 17 век и в некоторых области большая часть 18 века. Отсюда такие фразы, как «возраст Барокко, политика барокко, наука барокко и т. Д.
  • В-третьих, термин «барокко» (часто пишется без начального капитал) применяется к искусству в любое время и в любом месте, которое показывает связанные качества энергичного движения и эмоциональной напряженности с искусством барокко в его изначальном значении.Много Эллинистическая скульптура поэтому его можно было бы охарактеризовать как «барокко».

Старое значение этого слова, как синонима «капризный», «перегруженный» или «витиеватый», все еще имеет некоторую валюту, но не в серьезная критика.

Караваджо и Аннибале Карраччи две великие фигуры, стоящие во главе традиции барокко, придавая Итальянская живопись, которая в конце 16 века в основном была искусственные и часто замысловатые по стилю.При этом они смотрели вернуться в какой-то мере к достойному и гармоничному искусству Высшего Ренессанс, но в работе Аннибале есть изобилие, которое полностью принадлежит ему, и Караваджо создавали фигуры с беспрецедентным чувством чистоты физическое присутствие. Барокко унаследовало от стиля маньеризма движение и пылкие эмоции, а от ренессансной солидности и величие, слияние двух влияний в новое и динамичное целое. Высший гений искусства барокко был Джанлоренцо Бернини, художник безграничной энергии и высшей виртуозности, чье творчество — проникнуто с полным духовным убеждением — преобладает период, который иногда называют `Высокое барокко ‘(ок.1625-75). Чуть позже Андреа Поццо знаменует собой кульминацию в Италии тенденции барокко к в высшей степени грандиозный показ.

В 17 веке Рим был художественной столицей Европы, и стиль барокко вскоре распространился наружу, претерпев изменения в каждой из стран, в которые он мигрировал, по мере того, как он сталкивался разные вкусы и взгляды и слились с местными традициями. В некоторых областях он стал более экстравагантным (особенно в пылких религиозная атмосфера Испании и Латинской Америки), а в других смягчено, чтобы удовлетворить более консервативные вкусы.В католической Фландрии у него был один из лучших расцветов в творчестве Рубенс, но в соседней Голландии, преимущественно протестантской стране, барокко сделало сравнительно небольшое вторжение; и никогда не потребовалось прочный корень в Англии. Во Франции барокко нашло свое величайшее развитие. выражение в служении монархии, а не церкви. Людовик XIV осознал важность искусства как средства пропаганды. в продвижении идеи его царственной славы и его дворца в Версаль — с его грандиозным сочетанием архитектуры, скульптуры, живопись, декор и (что немаловажно) искусство садовника — представляет собой один из величайших примеров смешения искусств в стиле барокко чрезвычайно впечатляющее целое.(Немецкий термин Gesamtkunstwerk — «полное произведение искусства» — был применен к это идеал.) Во Франции, как и в других странах, незаметно слился стиль барокко. с последовавшим за ним стилем рококо.


14 октября 2002 г., Николя Пиох — Вершина — Вверх — Информация
Благодаря Фонду BMW, Веб-музею зеркала партнеры и участники за их поддержку.

Разница между искусством барокко и искусством Возрождения

Автор: Недха

Ключевое отличие — искусство барокко и искусство эпохи Возрождения

Искусство барокко и искусство Возрождения — это две формы искусства, между которыми можно различить ключевое различие.Искусство барокко — это искусство, зародившееся в Риме. Искусство барокко стало популярным благодаря своей сложной и противоречивой природе, а также своей способности вызывать эмоции. Искусство эпохи Возрождения сочетало в себе влияние природы, классической учености и индивидуальности человека. Ключевое различие между этими двумя формами состоит в том, что в то время как искусство в стиле барокко характеризуется богато украшенными деталями, искусство эпохи Возрождения характеризуется слиянием христианства и науки с целью создания реализма через искусство .

Что такое искусство барокко?

Искусство барокко создавалось в период с конца XVI до середины XVIII века. Интересно отметить, что слово «барокко» происходит от португальского слова «барокко». Оно означает «испорченная жемчужина».

Искусство барокко развивалось, по крайней мере, после эпохи Возрождения. Можно сказать, что это началось после 16 века. Это произошло с целью привлечь больше толпы в католическую церковь. Живопись барокко характеризовалась преувеличенным освещением, сильными эмоциями и даже своего рода художественной сенсационностью, но искусство барокко не отражало стиль людей, живших в тот период.

Интересно отметить, что архитектура барокко поощряла строительство куполов, колоннад, цветовых эффектов и т.п. Дворец Августусбург недалеко от Кельна — прекрасный образец архитектуры барокко. Фонтан Треви в Риме — еще одно творение в стиле барокко.

Известно, что искусство барокко обладает четырьмя важными характеристиками. Это свет, реализм и натурализм, линии и время. Искусство барокко может похвастаться только одним источником света — тенебризмом. Примером этой концепции является «Юдифь и служанка с головой Олоферна» Артемизии Джентилески.

Рубенс поддерживал в своем искусстве реализм. В отличие от греческого искусства, искусство барокко в значительной степени опиралось на реализм. Линии помогали художникам передать движение. Другими словами, можно сказать, что линии способствовали ощущению движения. Время использовалось как характеристика, которая может передать силу природы. Искусство барокко опиралось на эти четыре характеристики.

Что такое искусство эпохи Возрождения?

Слово «Возрождение» — итальянское слово, означающее «возрождение».«Этот стиль больше ориентирован на обучение. Леонардо да Винчи был одним из величайших художников эпохи Возрождения. Эпоха Возрождения распространилась по европейскому континенту между 14 и 17 веками.

Важно знать, что стиль искусства эпохи Возрождения придавал большее значение и значимость концепции, называемой восприятием. Восприятие — это концепция рисунка, которая сделала возможным трехмерный вид произведения искусства. Здания прекрасно вписывались в картины.Художники создали картины, на которых два здания соседствуют друг с другом с одной и той же точкой схода.

Еще одна важная особенность искусства эпохи Возрождения — это использование техники, называемой сфумато. Это прекрасная техника, с помощью которой вы можете создать красивый контраст между светлыми и темными частями картины. Вы можете найти технику сфумато, прекрасно освоенную да Винчи в его картине «Мона Лиза». Ракурс — еще один художественный прием художников эпохи Возрождения.Согласно этой технике, объект будет казаться меньше, чем он есть на самом деле. На самом деле это иллюзия. Другой прием художников эпохи Возрождения — светотень. Между техниками сфумато и светотени в стиле ренессанс нет большой разницы.

В чем разница между искусством барокко и искусством Возрождения?

Определения искусства барокко и искусства эпохи Возрождения:

Искусство барокко: Искусство барокко было формой искусства, возникшей в Европе в конце 16 века.

Искусство эпохи Возрождения: Искусство эпохи Возрождения было формой искусства, возникшей в Европе в 14 веке.

Характеристики искусства барокко и искусства эпохи Возрождения:

Период времени:

Искусство барокко: Искусство барокко возникло в период с конца XVI до середины XVIII века.

Искусство эпохи Возрождения: Эпоха Возрождения распространилась между 14 и 17 веками.

Характеристики:

Искусство барокко: Искусство барокко отличается богато украшенными деталями.

Искусство эпохи Возрождения: Искусство эпохи Возрождения характеризуется слиянием христианства и науки с целью создания реализма через искусство.

Изображение предоставлено:

1. BRüHLschloss6 Ганс Вайнгартц (перенесено из de.wikipedia в Commons.) [CC BY-SA 3.0], через Wikimedia Commons

2. Венера Боттичелли Автор Сандро Боттичелли — Скорректированные уровни из файла: Sandro Botticelli — La nascita di Venere — Google Art Project.jpg, первоначально из Google Art Project.Сжатие Photoshop, уровень 9., [Public Domain], через Wikimedia Commons

Что такое фламандская живопись в стиле барокко?

Царь Соломон, картина Питера Пауля Рубенса 1617 года.

Созданная в 16 и 17 веках на территории северной Бельгии, Люксембурга и южных Нидерландов в наши дни, фламандская живопись в стиле барокко изображала четкие и подробные изображения мира. Развитие стиля было вдохновлено как итальянским Возрождением, так и фламандскими традициями и продвинуло Фландрию к художественному значению.

5. Обзор стиля —

Фламандская живопись в стиле барокко была разделена на различные тематические категории, и разные художники специализировались в определенных областях.Эти подразделения были историческими картинами — картины этого жанра изображали исторические, библейские и мифологические темы. Этот жанр считался самым благородным в 17 веке. Самыми известными художниками этого жанра были Питер Пауль Рубенс, Якоб Йорданс и ученик Рубенса Энтони Ван Дайк. Жанр цветочного натюрморта стал довольно популярным в 17 веке во Фландрии. Цветы занимали центральное место в цветочных натюрмортах, и они должны были изображать краткость земной жизни.Жанр портретной живописи — портреты в натуральную величину — также стали характерной чертой фламандской живописи барокко. Семейные портреты впоследствии стали популярными в 17 веке. Питеру Полю Рубену приписывают его живописные работы в начале его карьеры, и его влияние было заметно через его ученика Энтони Ван Дейка. Жанр религиозных картин с религиозной тематикой также занимал видное место в многочисленных картинах фламандского барокко. Были и другие картины, изображающие повседневную жизнь. Эти жанровые картины были очень популярны во Фландрии 17 века и в основном изображали жизнь низших классов.

4.История и развитие —

Фламандская живопись в стиле барокко была разработана после того, как Голландская республика отделилась от Габсбургских регионов на юге Испании примерно в 1585 году и просуществовала до конца правления Габсбургов в 1700 году. Фламандские художники объединили свою традицию использования масляной среды в живописи с традициями импортированных. из Италии, чтобы создать стиль фламандского барокко. Питер Пауль Рубенс, художник из Антверпена, развил превосходное мастерство фламандского барокко и способствовал его распространению через свою обучающую мастерскую.Его ученики позже станут известными художниками в других европейских регионах, такими как Энтони Ван Дайк, который стал придворным портретистом в Англии. Города Антверпен и Брюссель стали центрами фламандских художников барокко.

3.Известные художники и их работы —

Одним из величайших мастеров живописи фламандского барокко, несомненно, был Питер Пауль Рубенс. Картины Рубенса были театральными, энергичными, чувственными и великолепными, и в основном он специализировался на человеческом теле. Среди его наиболее заметных работ — Самсон и Далила, , основанная на библейской сцене, Охота на волка и лису, , где он изобразил сцену охоты, и Похищение дочерей Левкиппа, , которое было мифологической картиной.Что касается учеников Рубена, наиболее заметным из них является Антоний Ван Дейк, который прославился благодаря своим портретам короля Карла I.

2.Снижение и последующие последовательные движения —

Упадок фламандской живописи в стиле барокко был результатом упадка самой Фландрии. С падением правления Габсбургов во Фландрии страна была захвачена религиозными и политическими спорами, которые ослабили ее культурное значение. Фландрия осталась только с горсткой художников после смерти пионеров, таких как Питер Рубен. На его месте начала процветать неоклассическая живопись.

1. Наследие —

Живопись фламандского барокко по-прежнему известна сегодня, поскольку ей приписывают большие инновации в натюрмортах.Картины этого периода хранятся в художественных музеях и продолжают иметь историческое и культурное значение до современной эпохи.

Бенджамин Элиша Саве в обществе
  1. Дом
  2. Общество
  3. About Author


    alexxlab

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *