Представитель барокко: Эпоха Барокко. Тема: Творчество | by Eggheado | Eggheado: Art

итальянский художник, представитель итальянского барокко.

Караваджо Микеланджело Меризи (Michelangelo Merisi da Caravaggio ) (наст. фам. Меризи — Merisi) (1573—1610) — родился в 1571 году. Этот художник — основоположник реалистического направления в европейской живописи 17 века. Его картины отличало повышенное чувство материальности, эмоционального напряжения, лаконизм и простота композиции, энергичная пластическая лепка.

Картины Караваджо настолько не соответствовали канонам того времени, что их нередко прятали от публики. Они были настолько реалистичны, что на выставках их показывали в последнюю очередь, чтобы люди успели посмотреть другие полотна. Картины завешивали сукном и открывали только в самом конце выставки.

Караваджо учился в Милане (1584—88) у С. Петерцано. Между 1589 и 1593 приехал в Рим, где работал до 1606. А в  1606 году, он стал участником драки. Сам Микеланджело был ранен, двое других мужчин погибли. Тогда его обвинили в убийстве. Дело в том, что Караваджо любили и почитали главным образом простолюдины, а вот сильным мира сего работы художника совсем не нравились. Его героем были отнюдь не богачи, а люди из уличной толпы, поэтому художнику приходилось в прямом смысле слова отбиваться от обидчиков.

После потасовки в 1606 году художник бежал из Рима. Он был в Неаполе, на Мальте, где даже получил рыцарский орден за портрет гроссмейстера ордена. Однако потом угодил за решетку, оскорбив представителя ордена. Сбежав из тюрьмы, он хотел вернутся в Рим, но по дороге его ограбили. Художник уже готов был пройти сотни верст пешим ходом, но Караваджо умер от приступа малярии 18 июля 1610 года в больнице городка Порто д'Эрколе, хотя некоторые источники говорят о смерти при невыясненных обстоятельствах.

Корзина с фруктами. Караваджо


Лютнист. Караваджо


Музыканты. Караваджо


Обезглавливание святого Иоанна Баптиста. Караваджо


Святой Джером. Караваджо

Описание картин Караваджо

 

Бичевание Христа

Больной Вакх.

Иоанн Креститель.

Лютнист.

Недоверчивость святого Фомы.

Обращение Савла.

Поклонение пастухов.

Положение во гроб.

Принесение в жертву Исаака.

Саломея с головой Иоанна Крестителя.

Святой Франциск

Спящий Амур.

Христос в Эммаусе.

Юдифь, убивающая Олоферна.

Юноша с корзиной фруктов.

 

Похожие записи

Кросcворд по искусству - на тему "Барокко

По горизонтали
1. Назвав свою оду именем сказочного персонажа, этот поэт снискал славу и милость императрицы
5. Первым образцом стиля Барокко считается церковь
6. Крупнейший южнонидерландский (фламандский) живописец, воплотивший в своих произведениях подвижность, безудержную жизненность и чувственность европейской живописи эпохи барокко.
7. Полклводец, создателем памятника которого является скульптор Козловский
9. Представитель стиля Барокко в музыке среди известных скрипачей.
10. Резиденция французских королей
14. Дворец, который является примером архитектуры Барокко в России.
15. Голландский художник, великий мастер светотени, автор картины «Возвращение блудного сына».
17. Автор картины Прощание Гектора с Андромахой
19. Главная характеристика стиля.
20. Автор купольной фрески римского храма сант-андреа делла Валле Вознесение Богоматери
22. Вид барокко созданный 1730-1740 годах
23. Второй вид барокко на Руси появившийся в 1741-1761 годах
24. Мода эпохи барокко соответствует во Франции второй половине xvii века. Назовите правителя этого периода
25. Главными характеристиками барокко стали обилие декора, бурная динамика и …
26. Главной чертой какой дятелья стал маньеризм и идеализация образов
27. Основной цвет барокко
28. Барокко пришёлся на рассвет какой эпохи
29. Библейский герой, увековеченный в знаменитом фонтане Петергофа
30. Слитность, тягучесть, многоярусность являлись чертами
31. Где родился Антонис ван Дейк?
32. Первый вид барокко на Руси
33. Одна из главных деталей барокко
34. Скульптор, архитектор, живописец и поэт эпохи Барокко
36. Плоский вертикальный выступ прямоугольного сечения на поверхности стены
37. Как искусствоведческий термин, Барокко ввел в литературу швейцарский теоретик По вертикали
2. Повторение афинского Парфенона баварским зодчим Лео фон Кленце
3. Термин «барокко» восходит к португальскому слову, которое означает уродливая…
4. Русский баснописец
8. . Московский архитектор эпохи классицизма
11. На картине Рубенса изображены четверо людей. Кем они являлись?
12. Одна из главных деталей Барокко, статуя одетой женщины, введённая в употребление древнегреческим зодчеством, заменявшая собой колонну или пилястру.
13. Черта художественной манеры Караваджо: резкая
14. Дворец, который является представителем стиля Барокко в России.
16. Автор картины Девушка с жемчужной серёжкой
17. Одна из ранних картин Караваджо, для которых нередко позировал его любимец Марио Миннити.
18. Направление в искусстве 16-18 вв
21. В живописи преобладали композиции на религиозные или.. . темы
28. . Зодчество какой эпохи стало ориентиром для архитектуры классицизма
32. Барокко свойственна…
35. Центром Барокко была ... . Открыть кроссворд в MS Word, OpenOffice Writer (*.rtf)

#VisitCzechRepublic

Кем же был Петр Брандль?

Петр Брандль родился в 1668 году в Праге, его отец был портным, а позже стал владельцем трактира. Будущий художник учился в иезуитской гимназии при храме св. Микулаша в районе Мала Страна, но так ее и не закончил. По рекомендации он поступил в мастерскую придворного художника и инспектора императорской дворцовой картинной галереи в Праге. Талантливый художник
пользовался популярностью и хорошо зарабатывал
, но много тратил и всю жизнь воевал с кредиторами; он вступал в спор почти с каждым, с кем имел дело. Художественные работы у него заказывали самые богатые люди, например, граф Франтишек Антонин Шпорк, с именем которого связано строительство барочного госпиталя Кукс.

Брандль вел богемный образ жизни и оставался энергичным и в пожилом возрасте. Это был настоящий расточительный представитель богемы, который ни при каких обстоятельствах не переставал жить на широкую ногу. У него были долги везде, где бы он ни появлялся. Например, в малостранском магазине он был должен за табак, вино из Испании и дорогую пудру. В малостранском павильоне для игры в мяч у него были долги даже за «теннисные» ракетки и мячи. Для него это, очевидно, не имело значения, главное, что он играл с представителями знати и имел возможность завести важные деловые знакомства.

Шварценбергский дворец (Schwarzenberský palác) — место для всех почитателей барокко

В Шварценбергском дворце  возле Пражского града можно осмотреть постоянную экспозицию Национальной галереи под названием «От рудольфинского искусства до эпохи барокко в Чехии». Здесь представлено более 160 скульптурных экспонатов и 280 образцов живописи эпохи ренессанса и барокко с конца XVI века до XVIII века. Экспозиция скомпонована по стилям эпохи раннего, зрелого и позднего барокко. Здесь можно лицом к лицу встретиться не только с Петром Брандлем (кроме всего прочего, здесь находится и его автопортет), но и с другими художниками этого причудливого стиля. Например, со скульпторами Матиашом Бернардом Брауном, автором нескольких десятков скульптур в Куксе или на Карловом мосту в Праге, и Фердинандом Максимилианом Брокоффом, работами которого вы можете тоже полюбоваться на Карловом мосту. Или с живописцами Карелом Шкретой и Хансом фон Аахеном.

По стопам Петра Брандля  

Если бы вы захотели отправиться по стопам этого представителя богемы эпохи барокко, то вам пришлось бы объехать всю Чешскую Республику. Это был чрезвычайно плодотворный художник, поэтому мы остановимся только на самых значительных работах. В первую очередь вы можете посетить паломническое место Святая гора (Svatá Hora) возле г. Пршибрам, так как роспись местной Пражской часовни (Pražská kaple) – это одна из первых работ художника. Нельзя также обойти вниманием костел св. Иоанна Крестителя (kostel sv. Jana Křtitele) в г. Манетин, где Петр Брандль расписал главный алтарь, или картинную галерею монастыря в г. Вышши-Брод. В местном монастыре находится много его работ. Но если вы находитесь в Праге, и у вас мало времени, то и это не беда. С творчеством Петра Брандля можно встретиться, например, в костеле св. Климента (kostel sv. Klimenta) в Клементинуме (Klementinum) или в костеле св. Маркеты (kostel sv. Markéty) в Бржевновском монастыре (Břevnovský klášter).
 

Архитектурная среда. Барокко

Причудливый, странный. Именно так с итальянского переводится barocco – название стиля, покорившего Европу в XVII веке. Но здания эпохи барокко вернее будет назвать торжественными, парадными и экспрессивными, нежели странными. В Белгороде представители этого направления являются старейшими зданиями. О создании этих исторических построек, их особенностях и влиянии национальной культуры на архитектурный стиль рассказала Людмила Колесникова.

Людмила Ильинична Колесникова – заслуженный архитектор России, член Союза архитекторов России, профессор кафедры архитектуры и градостроительства БГТУ им. Шухова, аттестованный государственный эксперт по работе с объектами культурного наследия народов РФ.

Барокко в России получило название по именам владельцев, которые заказывали постройки – петровское, строгановское, голицинское, елизаветинское, нарышкинское и другие. Однако каждое из них впитало русскую культуру, что и позволяет объединить их под общим названием русское барокко.

«Надо сказать, что все архитектурные стили все равно развиваются на базе национальной культуры. И все, что пришло в Россию, имеет свои черты, свои особенности. И когда в нашу страну в конце XVII века начинает проникать европейское барокко, оно заимствует традиции русской архитектуры – многие детали, композиционные приемы, декоративные элементы», – комментирует Людмила Колесникова.

Основные черты, присущие барокко: вычурность и сложность форм, создание пространственных иллюзий, игра света и теней, большие или порой даже гигантские размеры, динамичность, так называемая «боязнь пустоты» – обилие деталей на фасаде здания.

Однако своеобразные отличительные черты характерны для барокко именно в провинции, где вы не увидите таких пышных форм и вычурного убранства, как в крупных городах. Например, для провинциального барокко характерно использование лепнины в оформлении фасадов, что помогало сэкономить на дорогих материалах.

Проследить развитие стиля барокко в нашем городе можно именно на примерах храмовой архитектуры, в то время как в России в целом этот стиль проявляется и в дворцовых постройках. Так, Зимний дворец в Санкт-Петербурге – яркий представитель этого направления. В Белгороде стиль барокко ярко демонстрируют храмы и соборы.

Успенско-Николаевский собор (ул. Пушкина, 19)

Самый старый из сохранившихся храмов в Белгороде – Успенско-Николаевский. Его строительство начато в 1692 году. Согласно историческим документам, на постройку пожертвовал деньги сам Петр I.

В композиции здания используется прием «восьмерик на четверике», который изначально применяли в русском зодчестве, а потом его позаимствовало и барокко. Это контрастное сочетание создает особый динамизм, стремление ввысь, что также является характерной чертой для данного архитектурного направления.

«Восьмерик на четверике» – тип композиции, присущий в основном церковным зданиям, при которой нижняя часть представляет собой куб, а верхняя – восьмигранник.

Успенско-Николаевский собор представляет собой сложную комбинацию барокко и русского стиля. Так, о последнем нам говорит оформление окон и шатровая колокольня храма.

Покровская церковь Марфо-Мариинской обители (ул.Пушкина, 19-а)

Впервые Покровская церковь упоминается в 1626 году. А каменный храм был построен уже в 1791 году. Вместе с Успенско-Николаевским собором они объединены в монастырский ансамбль. В композиции Покровской церкви мы тоже наблюдаем четверик, но уже со сложной апсидой.

Апсида – элемент, который в храмовой архитектуре представляет собой пристройку, примыкающую к основному объему здания и перекрытую полукуполом или сомкнутым полусводом.

С течением времени храм обрастает новыми постройками, которые влияют на цельность его стиля. И если архитектура Успенско-Николаевского собора тесно переплетается с русским стилем, то Покровская церковь содержит элементы раннего классицизма – пилястры на фасаде здания, строгие формы четырехъярусной колокольни, цветовое оформление.

Смоленский собор (Гражданский просп., 50а)

Смоленский собор, построенный в середине XVIII века – редкий тип храма. Как и другие белгородские постройки в стиле барокко, он вобрал в себя черты русской архитектуры. Так, столпы, переходящие в своды внутри храма, – прием, характерный именно для русского зодчества. Однако игра объемов здания, динамичность форм, увеличенные элементы, стремящиеся к гигантизму (например, двухэтажная овальная апсида) – решения, присущие именно направлению барокко.

Фото: Евгения Здесенко

Испанское барокко — стиль, направление, искусство, черты, особенности, история, представители, вики — WikiWhat

При­мером барочного стиля в архитектуре может служить Эскориал, но­вая резиденция испанского короля, построенная в 1553-1586 гг. близ Мадрида и ставшая самым значительным памятником эпохи Филиппа II. В его правление начался расцвет самобытного испан­ского искусства. Великая держава нуждалась в великом искусстве, и испанский король, вслед за ренессансными государями Италии, стал покровителем изящных искусств. Вторая половина XVI и пер­вая половина XVII в. стали «золотым веком» испанской культуры.

Наибольших успехов испанское искусство времени барокко добилось в области живописи. Приняв эстафету от ренессансной Италии, Испания стала той страной, в которой европейская живопись сде­лала следующий большой шаг в своём развитии. Основоположниками национальной испанской школы стали художники Х. Рибейра и Ф. Сурбаран, писавшие в основном на религиозные и мифологи­ческие сюжеты. Но больше всего прославил Испанию её величай­ший художник, придворный живописец Филиппа IV Д. Веласкес. Среди его шедевров — портреты короля, членов его семьи и при­ближённых; знаменитое полотно «Взятие Бреды», посвящённое од­ному из эпизодов войны с Нидерландами.

Испанский философ Х. Ортега-и-Гассет, характеризуя расцвет живописи в Испании периода барокко, писал: «И Сурбаран, и Веласкес, и Рибейра — три пика, ко­торые составляют истинную славу этого периода».

Представители испанского барокко

Наиболее известными представителями испанского барокко считаются Рубенс и ван Дейк. Заслуженную из­вестность приобрели также фламандские художники Ф. Снейдерс, выдающийся мастер натюрморта, и Я. Иорданс, один из основопо­ложников жанровой живописи.

Питер Пауль Рубенс

Крупнейшим представителем испанского барокко является П. П. Рубенс, который считается самым значительным художником эпохи барокко. Он соз­дал крупнейшую художественную мастерскую в Европе, получал заказы из многих стран, в том числе от коронованных особ. Материал с сайта http://wikiwhat.ru

Антонис ван Дейк

Наибо­лее известным учеником Рубенса был замечательный портретист А. ван Дейк, который довёл до совершенства жанр роскошного па­радного портрета в стиле барокко. В Англии им были написаны портреты первых Стюартов, их родственников и приближённых. Творчество ван Дейка способствовало формированию национальной традиции портретной живописи, ставшей основным жанром английского изобразительного искусства XVII в.

Картинки (фото, рисунки)

  • Эскориал. Современный вид
  • Д. Веласкес. Взятие Бреды
  • П. П. Рубенс. Автопортрет с Изабеллой Брандт
Вопросы к этой статье:
  • Какие работы П. П. Рубенса и А. ван Дейка вам известны? В ка­ком стиле творили эти мастера?

Использование стиля "Борокко" в мебели и интерьере

Барокко (итал. barocco — «причудливый», «странный», «склонный к излишествам», порт. perola barroca - дословно «жемчужина с пороком») – это стиль в искусстве вообще и архитектуре в частности.

Родиной этого стиля принято считать некоторые итальянские города: Рим, Венецию и Флоренцию. Сразу нужно подчеркнуть, что эпоха барокко с самого начала резко противопоставила себя классицизму и рационализму.

Эпоха барокко

Условно считается (как и все исторические периоды), что эпоха барокко продолжалась в течение XVI-XVIII вв. Интересно, что все началось с Италии, которая к 16 веку стала заметно ослабевать на международной арене в экономическом и политическом плане.

Французы и испанцы активно проводили свою политику в Европе, хотя Италия по-прежнему оставалась культурным центром европейского общества. А силу культуры, как известно, определяет ее умение приспосабливаться к новым реалиям истории.

 

Вот и итальянская знать, не имея денег на постройку богатых дворцов, демонстрирующих их мощь и величие, обратилась к искусству, чтобы с его помощью создать видимость богатства, силы и процветания.

Именно так наступила эпоха барокко, ставшая важным этапом в развитии мирового искусства.

Важно подчеркнуть, что жизнь людей в это время начала основательно меняться. Для эпохи барокко характерно много свободного времени. Горожане предпочитают рыцарским турнирам прогулки на лошадях («карусели») и игру в карты, паломничествам – гуляние в парке, мистериям – театры.

Старые традиции, основанные на суевериях и предрассудках, отпадают. Выдающийся математик и философ Декарт выводит формулу: «Я мыслю, следовательно, существую». То есть общество перестраивается на другое мышление, где здраво не то, что сказал какой-то авторитет, а то, что можно математически точно объяснить любому разумному существу.

Интересен факт, что в профессиональной среде вокруг самого слова «барокко» происходит больше споров, чем об эпохе, как таковой. С испанского языка barroco переводится, как жемчужина неправильной формы, а вот с итальянского – baroco обозначает ложный логический вывод.

Этот второй вариант выглядит наиболее правдоподобным вариантом происхождения спорного слова, так как именно в эпоху барокко в искусстве наблюдалась какая-то гениальная нелепость, и даже причудливость, поражающая воображение своей напыщенностью и величием.

Стиль барокко

Для стиля барокко характерны контрастность, динамичность и напряженность, а также отчетливое стремление к пышности и внешнему величию.

Интересно, что представители данного направления чрезвычайно органично объединяли разные стили искусства. Одним словом, Реформация и учение Коперника сыграли ключевую роль в закладке фундамента стиля барокко.

Если для эпохи Возрождения свойственно было воспринимать человека, как меру всех вещей и разумнейшее из существ, то уже Блез Паскаль иначе осознает себя: «чем-то средним между всем и ничем».

 

Барокко в архитектуре

Архитектура, выполненная в стиле барокко, отличается пространственным размахом и сложными, криволинейными формами. Множественные скульптуры на фасадах и в интерьерах, различные колоннады и масса раскреповок создают пышность и величественный вид.

Архитектурный ансамбль «Цвингер» в Дрездене

Купола приобретают сложные формы, и нередко имеют несколько ярусов. Пример может служить купол в соборе Святого Петра в Риме, архитектором которого был Микеланджело Буонарроти.

Наиболее значимыми произведениями барокко в архитектуре считаются Версальский дворец и здание Французской Академии в Париже. К крупнейшим в мире ансамблям барокко относят Версаль, Петергоф, Цвингер, Аранхуэс и Шёнбрунн.

Вообще надо сказать, что архитектура этого стиля распространилась во многих европейских странах, в том числе и в России, под влиянием Петра Великого.

Стиль «Петровское Барокко»

Музыка барокко

Говоря об эпохе барокко, невозможно обойти стороной музыку, так как она в этот период также претерпевала значительные изменения. Композиторы объединяли масштабные музыкальные формы, одновременно пытаясь противопоставлять хоровое и сольное пение, голоса и инструменты.

Возникают различные инструментальные жанры. Наиболее видными представителями музыки барокко являются Бах, Гендель и Вивальди.

Барокко

В России развитие искусства барокко (от итал. barocco – причудливый, странный), отразившего рост и укрепление абсолютной монархии, приходится на первую половину XVIII века. Стиль барокко в России обладал рядом национальных особенностей. Русское зрелое барокко отличалось от западного, в частности, наиболее ярко выраженного — итальянского, структурной ясностью и простотой плановых построений, тесной связью конструктивной основы и декорирующих её элементов. Другой отличительной особенностью русского барокко был его мажорный характер, активное использование ярких цветов в окраске, смелых колористических контрастов, включая золочение.

В истории русского барокко выделяют стадии «московского барокко» конца XVII века (различают нарышкинское, строгановское и голицынское барокко), «петровское барокко» первой четверти XVIII в. и «елизаветинское» или «растреллиевское барокко» середины XVIII в.

Русская архитектура барокко, достигшая величественного размаха в городских и усадебных ансамблях Петербурга, Петергофа, Царского Села и других, отличается торжественной ясностью и цельностью композиции зданий и архитектурных комплексов (арх. М. Г. Земцов, В. В. Растрелли, Д. В. Ухтомский).

«Петровское барокко» - архитектурный стиль, появившийся в России еще до основания Санкт-Петербурга (Лефортовский дворец в Москве, например) и набравший силу с переносом в него столицы. Над ее обустройством работали приглашенные Петром I архитекторы из многих стран: в стиле явно прослеживаются влияния итальянского барокко, французского классицизма, немецкой и голландской архитектуры. Петровское барокко окончательно отошло от многовековых византийских традиций русской архитектуры. Этому стилю свойственны простота, чёткость, сдержанность декора. Классическими образцами петровского барокко считаются Меншиковский дворец, Летний дворец Петра I, Петропавловский собор.

Архитектуре петровского времени свойственны простота объёмных построений, чёткость членений и сдержанность убранства, плоскостная трактовка фасадов. В отличие от нарышкинского барокко, популярного в это время в Москве, петровское барокко представляло собой решительный разрыв с византийскими традициями, которые доминировали в российской архитектуре почти 700 лет. Вместе с тем налицо и отличия от голицынского барокко, вдохновлявшегося непосредственно итальянскими и австрийскими образцами.

«Елизаветинское барокко» — термин для обозначения архитектуры русского барокко эпохи Елизаветы Петровны (1741-61). Крупнейшим представителем этого направления был Ф. Б. Растрелли, откуда второе название этого извода барокко — «растреллиевское». В отличие от предшествующего ему петровского барокко, елизаветинское барокко знало и ценило достижения московского барокко конца XVII-начало XVIII вв., удержав сущностные для русской храмовой традиции элементы (крестово-купольная схема, луковичные или грушевидные пятиглавия).

Елизаветинское барокко тяготело к созданию героизированных образов с целью прославления могущества Российской империи. Растрелли спроектировал величественные дворцовые комплексы в Петербурге и его окрестностях — Зимний дворец, Екатерининский дворец, Петергоф. Растрелли свойственны исполинские масштабы построек, пышность декоративного убранства, двух-трехцветный окрас фасадов с применением золота. Мажорный, праздничный характер архитектуры Растрелли наложил отпечаток на всё русское искусство середины XVIII века.

Эпоха барокко отмечена повсеместно подъёмом монументального и декоративно-прикладного искусства, тесно взаимосвязанных с архитектурой. В середине XVIII в. барокко эволюционирует к  стилю рококо, сосуществует и переплетается с ним, а с конца 1760-х годов, в царствование Екатерины II,  вытесняется классицизмом.

Что такое музыка барокко? - Музыка барокко

Что такое «барокко» и когда было барокко?

Произведенный от португальского barroco , или «жемчужина необычной формы», термин «барокко» широко использовался с девятнадцатого века для описания периода западноевропейского музыкального искусства с 1600 по 1750 год. Шедевры деформированной жемчужины могут показаться нам сегодня странными, но для критиков девятнадцатого века, применявших этот термин, музыка эпохи Баха и Генделя казалась чрезмерно орнаментированной и преувеличенной.Слово «барокко», давно избавившееся от уничижительных коннотаций, теперь стало просто удобной ловушкой для одного из самых богатых и разнообразных периодов в истории музыки.

Помимо создания самой ранней европейской музыки, знакомой большинству из нас, включая «Канон» Пахельбеля и «Четыре сезона » Вивальди, эпоха барокко также значительно расширила наши горизонты. Принятие теории Коперника XVI века о том, что планеты не вращаются вокруг Земли, сделало Вселенную намного больше, а работа Галилея помогла нам лучше познакомиться с космосом.Благодаря достижениям в области технологий, таким как изобретение телескопа, то, что считалось конечным, казалось бесконечным. Великие мыслители, такие как Декарт, Гоббс, Спиноза и Локк, занимались большими вопросами существования. Такие гении, как Рубенс, Рембрандт и Шекспир, предлагали уникальные перспективы через свое искусство. Европейские страны все больше и больше вовлекались во внешнюю торговлю и колонизацию, что привело нас к непосредственному контакту с частями земного шара, которые ранее были незнакомы. А рост нового среднего класса вдохнул жизнь в художественную культуру, которая долгое время зависела от прихотей церкви и двора.

В начало

Кто были крупнейшими композиторами эпохи барокко и откуда они?

Многие из известных личностей первой половины периода барокко родом из Италии, в том числе Монтеверди, Корелли и Вивальди. (К середине восемнадцатого века наше внимание смещается на немецких композиторов Баха и Генделя.) Многие формы, отождествляемые с музыкой барокко, возникли в Италии, включая кантату, концерт, сонату, ораторию и оперу. Хотя Италия сыграла жизненно важную роль в развитии этих жанров, новые концепции того, что значит быть нацией, усилили императив «национального стиля».«Различия между народами часто слышны в музыке того периода, не только в том, как была сочинена музыка, но и в традициях исполнения; особенно очевиден был контраст между Италией и Францией. Хотя может показаться, что некоторые страны претендуют на большую часть нашего опыта музыки барокко сегодня, тем не менее, каждая нация сыграла свою роль. Когда музыканты и композиторы путешествовали по всей Европе и слушали музыку друг друга, новые соглашения, с которыми они столкнулись, произвели на них тонкое впечатление.Вот некоторые из самых известных композиторов того периода:

Италия: Монтеверди, Фрескобальди, Корелли, Вивальди, Доменико и Алессандро Скарлатти

Франция: Куперен, Люлли, Шарпантье и Рамо

Германия: Преториус, Шайн, Шайдт, Шютц, Телеман, Гендель и Бах

Англия: Перселл

В начало

Какова философия музыки барокко?

Хотя одна философия не может описать 150 лет музыки со всей Европы, несколько концепций важны в период барокко.

Вера в музыку как мощный инструмент коммуникации

Одно из основных философских течений в музыке барокко связано с интересом эпохи Возрождения к идеям Древней Греции и Рима. Греки и римляне верили, что музыка - мощный инструмент общения, способный вызвать у слушателей любые эмоции. В результате возрождения этих идей композиторы все больше осознавали потенциальную силу музыки и культивировали веру в то, что их собственные композиции могут иметь аналогичные эффекты, если они правильно имитируют древнюю музыку.Как французский ученый-гуманист Артус Томас описал перформанс конца шестнадцатого века,

г.

Мне часто приходилось слышать, как о сьере Клодене Ле Жене (который, не желая никого пренебрегать, намного превзошел музыкантов прошлых веков в своем понимании этих вопросов), что он спел аранжировку (которую он сочинил по частям) ... и что когда этот аффект репетировали на частном концерте, он заставил джентльмена взяться за оружие и начать ругаться вслух, так что казалось невозможным предотвратить его нападение на кого-то: после чего Клоден запел еще один айфон ... джентльмен такой же спокойный, как и раньше.Это подтвердили мне несколько человек, которые были там. Такова сила и сила мелодии, ритма и гармонии над разумом.

В 1605 году итальянский композитор Клаудио Монтеверди фактически определил «первую» и «вторую» практики: в первой гармония и контрапункт преобладали над текстом; во втором случае необходимость выразить значение слов превзошла любую другую озабоченность. В барокко дух второй практики - использование силы музыки для общения - стал доминировать в эпоху.

Реалии патронажа
Любое обсуждение художественной философии композитора эпохи барокко должно хотя бы немного сдерживаться реальностью его жизни. В наше время художники часто зарабатывают на жизнь, создавая именно то искусство, к созданию которого они стремятся. Соответственно, мы часто думаем о художнике - и о степени его художественного вдохновения - как о отправной точке для произведения искусства. Однако на протяжении большей части эпохи барокко композиторы зарабатывали на жизнь написанием музыки только в том случае, если им посчастливилось получать зарплату в политическом или религиозном учреждении.Музыкальные потребности этого учреждения, таким образом, диктовали музыку, которую создавал композитор. Бах написал количество кантат, которое он написал, например, не обязательно потому, что он нашел эту форму вдохновляющей, но из-за литургических требований Лейпцигской церкви, в которой он работал. Если смотреть в этом свете, музыка в стиле барокко может стать захватывающим окном в историю.

В начало

Каковы особенности музыки барокко?

Новый интерес к драматическим и риторическим возможностям музыки породил множество новых звуковых идеалов в период барокко.

Контраст как драматический элемент
Контраст - важная составляющая драматургии композиции в стиле барокко. Различия между громким и мягким, соло и ансамблевым (как в концерте), разными инструментами и тембрами играют важную роль во многих композициях в стиле барокко. Композиторы также стали точнее относиться к инструментам, часто определяя инструменты, на которых должна исполняться пьеса, вместо того, чтобы позволять исполнителю выбирать. Также стали популярны такие блестящие инструменты, как труба и скрипка.

Монодия и появление бассо континуо
В предыдущие музыкальные эпохи музыкальное произведение, как правило, состояло из одной мелодии, возможно, с импровизированным аккомпанементом, или из нескольких мелодий, играемых одновременно. Лишь в эпоху барокко понятия «мелодия» и «гармония» стали по-настоящему артикулироваться. В рамках усилий по подражанию старинной музыке композиторы стали меньше сосредотачиваться на сложной полифонии, которая доминировала в пятнадцатом и шестнадцатом веках, и больше на едином голосе с упрощенным аккомпанементом, или монодии.Если музыка была формой риторики, как указывают писания греков и римлян, необходим сильный оратор - а кто лучше для этой работы, чем вокальный солист? Новое слияние между выражением чувств и сольным певцом ясно и ясно прослеживается в предисловии Монтеверди к Combattimento di Tancredi e Clorinda из его Восьмой книги мадригалов (1638), в которой он пишет: «Мне это показалось что главных страстей или привязанностей в нашем уме три, а именно гнев, невозмутимость и смирение. Лучшие философы согласны с этим, и сама природа нашего голоса с его высокими, низкими и средними частотами указывает на это ». Самые ранние оперы - прекрасная иллюстрация этой новой эстетики.

Наряду с акцентом на единую мелодию и басовую линию пришла практика bassocontino , метод нотной записи, в котором мелодия и басовая линия записываются, а гармонический заполнитель указывается в виде стенографии. Как объяснил итальянский музыкант Агостино Агаццари в 1607:

Так как, наконец, был найден истинный стиль выражения слов, а именно, путем наилучшего воспроизведения их смысла, что лучше всего удается одним голосом (или не более чем несколькими), как в современной музыке различными способами. способные люди, и, поскольку в Риме постоянно практикуется концертная музыка, я говорю, что нет необходимости делать партитуру ... Баса с его знаками гармонии достаточно.Но если бы мне сказали, что для исполнения старых произведений, полных фуги и контрапунктов, баса недостаточно, я отвечу, что вокальные произведения такого рода больше не используются.

Поскольку бассо континуо, или основательный бас, оставался стандартной практикой до конца периода барокко, эту эпоху иногда называют «эпохой основательного баса».

Различные инструментальные звуки
Музыка барокко, которую игнорировали в течение десятилетий, за последние пятьдесят лет стала все более популярной.В рамках этого нового интереса ученые и музыканты потратили бесчисленные часы, пытаясь выяснить, как музыка могла бы звучать для публики 17 и 18 веков. Хотя нам никогда не удастся точно воссоздать перформанс, их работы выявили несколько основных отличий между барочными и современными ансамблями:

шаг: В 1939 году современные оркестры согласились настроиться на a ’= 440 Гц (нота A с частотой 440 циклов в секунду), которая заменила ранее более низкий тон (a’ = 435 Гц), принятый в 1859 году.Однако до 1859 года стандарта высоты тона не существовало. Таким образом, нота, на которую настраивались ансамбли в стиле барокко, в разное время и в разных местах сильно различалась. В результате музыка, записанная на партитуре, могла бы звучать на полтона ниже, чем то, как она традиционно исполняется сегодня. Стремясь учесть это несоответствие, многие ансамбли барокко корректируют свою настройку в соответствии с исполняемым репертуаром: a '= 415 Гц для музыки позднего барокко, a' = 392 Гц для французской музыки, a '= 440 Гц для ранней итальянской музыки и' = 430 Гц для классического репертуара.

тембр: Хотя большинство инструментов в ансамбле в стиле барокко знакомы, есть несколько выдающихся участников, которые больше не используются в современных ансамблях. Клавесин был основным клавишным инструментом (и важным членом группы континуо), а инструменты, важные в 16-17 веках, такие как лютня и виола, все еще использовались. Вариации инструментов, которые все еще популярны сегодня, также придали ансамблю в стиле барокко другое звучание. Струнные инструменты, такие как скрипка, альт и виолончель, использовали струны из живота, а не обернутые металлом струны, на которые они нанизываются сегодня, например, придавая им более мягкий и сладкий тон.

техника исполнения : партитура в стиле барокко содержит мало (если вообще есть) информации о таких элементах, как артикуляция, орнамент или динамика, поэтому современные ансамбли должны делать свой собственный осознанный выбор перед каждым выступлением. Механические различия между барочными и современными инструментами также предполагают, что старые инструменты звучали бы по-другому, поэтому ансамбли, такие как Музыка барокко, часто корректируют свою технику, чтобы учесть это. Поскольку барочные и современные луки структурно различаются, например, струнные исполнители, использующие современные луки, часто используют более мягкую атаку на струне и крещендо и диминуэндо на более длинных нотах.В трактатах о перформансах 17-го и 18-го веков также подразумевается, что вибрато для пальцев (техника, в которой струнный исполнитель качает пальцем по струне для обогащения звука) использовалось умеренно для выразительных моментов, в то время как смычковое вибрато (волнообразное движение смычка) было вообще предпочтительнее.

В начало

Какие музыкальные формы определили эпоху барокко?

В то время как формы из более ранних эпох продолжали использоваться, такие как мотет или особые танцы, интерес к музыке как форме риторики вызвал развитие новых жанров, особенно в области вокальной музыки.Многие формы, связанные с эпохой барокко, напрямую связаны с этим новым драматическим импульсом, особенно опера, оратория и кантата. В инструментальной музыке идея контраста и стремление создавать масштабные формы породили концерт, сонату и сюиту.

Вокальная музыка

Opera: Драма, которая в основном поется в сопровождении инструментов и проводится на сцене. В операх обычно чередуется речитатив , речевая песня, развивающая сюжет, и арии, песни, в которых персонажи выражают чувства в определенных точках действия.Также часто включаются хоры и танцы. Появление этого жанра на рубеже XVII веков часто связывают с деятельностью группы поэтов, музыкантов и ученых во Флоренции, известной сегодня как Florentine Camerata. Первой из сохранившихся опер была «Дафне » Якопо Пери «», основанная на либретто Оттавио Ринуччини и исполненная во Флоренции в 1598 году; Самая ранняя опера, исполняемая до сих пор, - это « Орфей » (1607) Клаудио Монтеверди. Сюжеты первых опер взяты из греческих мифов, что отражает тесные союзы жанра с попытками воссоздать музыку и драму древних культур и исполнялись исключительно в аристократических кругах для приглашенных гостей.

Когда в 1637 году в Венеции открылись первые публичные оперные театры, жанр был изменен в соответствии с предпочтениями публики. Сольные певцы приобрели своего рода статус знаменитостей, и в результате больший акцент был сделан на арии. Речитатив стал менее важным, а хоры и танцы практически исчезли из итальянской оперы. Сказались и финансовые реалии частой постановки оперных постановок. Захватывающие сценические эффекты, связанные с оперой при дворе, были сильно преуменьшены, а либретто было построено с использованием стандартных сценических приемов. К началу 18 века (особенно в Неаполе) стали очевидными два поджанра оперы: opera seria , в которой основное внимание уделялось серьезным предметам, и da capo aria , и opera buffa , в которой была более легкая , даже шуточный тон и иногда используются дуэты, трио и более крупные ансамбли. Итальянская традиция оперы постепенно доминировала в большинстве европейских стран. Однако в конце 17 века во Франции уроженец Италии Жан-Батист Люлли и либреттист Филипп Кино создали уникальную французскую версию оперы, известную как tragédie-lyrique .

Оратория: расширенная музыкальная драма с текстом на религиозную тематику, предназначенная для исполнения без декораций, костюмов или действий. Первоначально оратория означала молитвенный зал, здание, расположенное рядом с церковью, которое было спроектировано как место для религиозных переживаний, отличных от литургии. Хотя в репертуаре мотета и мадригала есть прецеденты конца шестнадцатого века, оратория как отдельный музыкальный жанр возникла среди превосходной акустики этих пространств в начале 1600-х годов.К середине 17 века оратории исполнялись во дворцах и публичных театрах и становились все более похожими на оперы, хотя тематика, разделение на две части (а не три действия) и отсутствие сценического действия по-прежнему выделяли их. Некоторые из композиторов, связанных с этим жанром в Италии, включают Джокомо Кариссими, Алессандро Скарлатти и Антонио Вивальди. Популярность оратории росла и в других частях Европы. В протестантской Германии драматическая музыка, написанная для использования в лютеранской церкви, постепенно соединилась с элементами оратории, особенно с включением небиблейских текстов.Страсть к оратории, как ее стали называть, достигла высшей точки в великих произведениях И. С. Баха. Другие известные примеры за пределами Италии включают английские оратории Джорджа Фридриха Генделя, который популяризировал этот жанр в Лондоне в результате неприязни англичан к итальянской опере. Такие произведения, как Мессия , Израиль в Египте и Иуда Маккавей , по сей день остаются фаворитами публики.

Кантата: расширенное произведение, состоящее из последовательности речитативов и стандартных пьес, таких как арии, дуэты и припевы.Возникнув в начале 17 века в Италии, кантата зародилась как светское произведение, написанное для сольного голоса и бассо континуо, скорее всего, предназначенное для исполнения на частных общественных собраниях. Многие из этих произведений были опубликованы, что позволяет предположить, что они были исполнены как профессиональными музыкантами, так и любителями. К середине века кантаты стали публиковаться реже, что свидетельствует о том, что выступления все чаще исполнялись профессионалами. К концу 17 века кантаты начали включать арию da capo aria и часто имели оркестровое сопровождение.Среди основных композиторов итальянского жанра кантаты - Луиджи Росси, Антонио Чести, Алессандро Страделла, а в первой половине 18 века - Алессандро Скарлатти, Гендель, Бенедетто Марчелло и Иоганн Адольф Хассе. За пределами Италии расширяющийся жанр лютеранского мотета начал включать многие элементы итальянской кантаты, особенно техники драматического выражения, такие как речитатив и ария. Многие кантаты Баха демонстрируют широкое влияние их итальянских коллег.

Инструментальная музыка

Соната : Используется для описания нескольких типов произведений в эпоху барокко, термин «соната» чаще всего обозначает произведение в нескольких частях для одного или нескольких инструментов (чаще всего скрипок) и bassocontinuo; Сонату для двух скрипок или других высоких инструментов плюс бас обычно называли трио-сонатой.К 1650-м годам сонаты часто классифицировались как сонат da chiesa («церковные сонаты»), обычно состоящие из четырех частей, чередующихся между медленным и быстрым темпом и исполняемых в церкви, или сонат da camera («камерная соната»). , который состоял из серии танцев, родственных сюите. Примеры обоих типов можно найти в работах Корелли конца 17 века. В 18 веке Телеман, Бах и Гендель написали множество сонат по образцу сонат Корелли da chiesa .Рост популярности сольных сонат для клавишных инструментов начинается в конце периода барокко, в том числе для органа (Бах) и клавесина (Гендель, Доменико Скарлатти). Среди других известных примеров сольных сонат - сочинения Баха для скрипки и виолончели без аккомпанемента.

Концерт : Производный от итальянского Concerto (объединить, объединить), концерт принял несколько форм в эпоху барокко. До начала 18 века концерт был просто композицией, объединявшей разноплановый ансамбль, состоящий из голосов, инструментов или того и другого.Священные произведения для голосов и инструментов часто назывались концертами, тогда как подобные светские произведения обычно назывались arie (арии), кантатами или musiche . В то время как крупномасштабные священные концерты можно найти в произведениях Клаудио Монтеверди, гораздо более распространены более интимные композиции для одного-четырех голосов, континуо и дополнительные сольные инструменты. В Германии прекрасные примеры священного концерта можно найти в произведениях Иоганна Германа Шайна, Михаэля Преториуса, Самуэля Шайдта и Генриха Шютца (особенно в его Kleine geistliche Concerte , или «Малых священных концертах» 1636–39).

Позже, в семнадцатом веке, концерт начал принимать свое современное определение: произведение, состоящее из нескольких частей, для инструментального солиста (или группы солистов) и оркестра. Взяв за основу канцоны и сонаты конца шестнадцатого и семнадцатого веков, в которых с большим эффектом использовались контрастирующие группы инструментов, в «Концерто гроссо» небольшая группа солистов чередуется с более крупным ансамблем. Произведения Корелли, особенно его соч. 6, представляют собой, пожалуй, самые известные образцы концерто гроссо конца 17 века. В то время как работы Корелли копировали в 18 веке, особенно в сочинении Генделя. 6, многие образцы концертного гроссо 18-го века показывают возрастающее влияние сольного концерта (например, Бранденбургские концерты И. С. Баха).

Самым распространенным типом концертов в 18 веке был сольный концерт, в котором использовался один инструмент в отличие от ансамбля. Самым плодовитым композитором сольного концерта был Антонио Вивальди, который написал около 350 и установил стандартную трехчастную форму концерта (две быстрые внешние части, одна средняя часть в более медленном темпе).В то время как большинство сольных концертов было написано для скрипки, были также популярны концерты для трубы, а также концерты для виолончели, гобоя, флейты и фагота. В 1730-х годах Гендель написал 16 органных концертов, и Бах также написал несколько концертов для клавесина примерно в то же время (большинство из них - аранжировки уже существовавших произведений).

Сюита: Сюита, ​​основанная на традиционном парном танце эпохи Возрождения, стала первым произведением для инструментов с несколькими движениями. По сути, сюита представляла собой серию танцев в одной тональности, большинство или все они состояли из двух частей.Примерно в середине 17 века в Германии последовательность аллеманд, куранта, сарабанда и жига стала относительно стандартной, хотя часто добавлялись другие танцевальные движения, такие как дополнительные аллеманды или куранты, бурре, гавоты и менуэты. Большинство сюит также начиналось с вступительной части, такой как прелюдия, увертюра или фантазия. Для многих композиторов эпохи барокко разные танцы олицетворяли определенные характеры. В своей книге Der volkommene Capellmeister (The Complete Music Director) 1739 года немецкий теоретик Иоганн Маттесон перечислил характер каждого танца: менуэт был «умеренной веселостью», гавот - «ликующей радостью», бурре - «удовлетворенностью» и т. Д. courante «надежда», сарабандское «амбиции» и жига могут означать целый ряд эмоций, от гнева до легкомыслия.Сюиты в стиле барокко звучали как для солирующих инструментов, так и для оркестра; те, что написаны для одного или двух мелодических инструментов и континуо, иногда называют сонатой да камера. Французские сюиты для клавишных иногда называют ordres (как в работах Франсуа Куперена, который вставил множество не танцевальных движений, включая вызывающие воспоминания зарисовки персонажей суда.

В начало

Каково было посетить концерт в эпоху барокко?

В наше время поход на концерт - это событие.Мы слышим рекламу по радио или видим объявление в газете; приобретаем билеты; мы идем в концертный зал и сидим тихо, пока не пришло время аплодировать. В эпоху барокко подобные публичные концерты были редкостью. Многие из самых известных произведений в стиле барокко исполнялись в церквях на службе, в рамках частного концерта или праздника в доме богатого мецената. Однако в течение периода барокко публичные выступления стали более распространенными, особенно в жанрах оперы и оратории, и наши современные концертные традиции начали объединяться во многих европейских городах.Роджер Норт описал выступление в одной из самых ранних серий концертов, организованных в Лондоне в 1670-х годах:

Первая попытка была неудачной: проект старого [Джона] Банистера, который был хорошей скрипкой и театральным композитором. Он открыл темную комнату в трактире «Белые монахи»; наполнил его столами и сиденьями, а для музыки сделал боковой ящик с занавесками. Иногда консорт, иногда соло, скрипки, флажеолета, бас-виолы, лютни и песни all’Italiana , и такие разновидности отвлекали компанию, которая платила за вход.Один шиллинг за штуку, звоните, сколько хотите, платите по счету и Добро пожаловать, господа .

Появление публичных концертов сделало растущий средний класс важным источником дохода для музыкантов. К концу барокко эта социальная группа стала музыкальным покровителем, почти таким же могущественным, как церковь или двор.

В начало

Что пришло после периода барокко?

К середине восемнадцатого века идея музыки в стиле барокко как формы риторики подверглась критике.Музыка обладала удивительно мощной способностью выражать даже самые сложные концепции - но только в ее самой «естественной» форме, которую эпоха барокко якобы запутала. Как сказал Иоганн Адольф Шайбе о И. С. Бахе в 1737 г.,

г.

Этот великий человек вызвал бы восхищение у целых народов, если бы он сделал больше удобства, если бы он не убрал естественный элемент в своих изделиях, придав им пухлый и запутанный стиль, и если бы он не омрачил их красоту чрезмерным количеством Изобразительное искусство. Поскольку он судит по своим пальцам, его пьесы чрезвычайно трудны для исполнения; ибо он требует, чтобы певцы и инструменталисты могли делать со своим горлом и инструментами все, что он может играть на клавире, но это невозможно ... Тургидизм привел [его] от естественного к искусственному, а от возвышенного к мрачному. ; и ... восхищаются тяжелым трудом и необычными усилиями, которые, однако, используются напрасно, поскольку противоречат природе.

Стремление Шайбе к ясности и простоте исполнения намекает на серьезное изменение музыкальной эстетики: на протяжении всей его обличительной речи окончательным арбитром вкуса является не Платон или Аристотель, а в конечном итоге сами слушатели и исполнители. Этот новый акцент на прямом мелодическом выражении и ясной музыкальной архитектуре указывает путь к классическому периоду, эпохе Моцарта и Гайдна.

В начало

Эпоха барокко в Новое время

Хотя период барокко закончился более 250 лет назад, его следы можно услышать повсюду.Некоторые из самых влиятельных и любимых композиций регулярно исполняются в концертных залах, а множество записей делают барокко доступным по запросу. Многие из музыкальных жанров, которые все еще используются сегодня, такие как оратория, концерт и опера, возникли в тот период. Композиторы двадцатого века, такие как Ральф Вон Уильямс, Игорь Стравинский и Бенджамин Бриттен, отдали дань уважения барокко в своих произведениях. Его влияние можно услышать даже за пределами области художественной музыки: свободное движение между соло и группой в джазе иногда сравнивают с музыкой барокко, а фрагменты Баха и Вивальди часто появляются в соло гитаристов хэви-метала.А дух барокко - непоколебимая вера в способность музыки влиять на жизнь людей - навсегда изменил историю музыки.

В начало

История музыки барокко и ее истоки

Театр в стиле барокко в Чески-Крумлов

Театро Аргентина (Панини, 1747, Лувр)

Музыка барокко

Музыка барокко - это стиль западной художественной музыки, сочиненный примерно с 1600 по 1750 год.Эта эпоха последовала за эпохой Возрождения, а за ней, в свою очередь, последовала классическая эпоха. Слово «барокко» происходит от португальского слова barroco, означающего деформированную жемчужину, что является отрицательным описанием богато украшенной и богато украшенной музыки этого периода. Позже это название стало применяться и к архитектуре того же периода.

Музыка барокко составляет основную часть канона «классической музыки», она широко изучается, исполняется и слушается. Композиторы эпохи барокко - Иоганн Себастьян Бах, Джордж Фридрих Гендель, Алессандро Скарлатти, Доменико Скарлатти, Антонио Вивальди, Генри Пёрселл, Георг Филипп Телеманн, Жан-Батист Люлли, Арканджело Корелли, Томазо Альбинони, Франсуа Куперин, Денис Гаултиерди. Генрих Шютц, Жан-Филипп Рамо, Ян Дисмас Зеленка и Иоганн Пахельбель.

В эпоху барокко возникла тональность. В этот период композиторы и исполнители использовали более сложные музыкальные орнаменты, внесли изменения в нотную запись и разработали новые приемы инструментальной игры. Музыка барокко расширила размер, диапазон и сложность инструментального исполнения, а также установила оперу, кантату, ораторию, концерт и сонату как музыкальные жанры. Многие музыкальные термины и концепции той эпохи используются до сих пор.

Этимология

Периоды
Западной классической музыки

Ранний

Средневековье г.500–1400
Ренессанс г. 1400–1600
Общая практика
Барокко г. 1600–1760
Классический г. 1730–1820
Романтика г. 1815–1910
Современное и современное
Современное г. 1890–1930
20 век 1901–2000
Современный г.1975– настоящее время
21 век 2001– настоящее время

История европейского музыкального искусства

Термин «барокко» обычно используется историками музыки для описания широкого спектра стилей из обширного географического региона, в основном в Европе, созданных за период примерно 150 лет.

Хотя долгое время считалось, что это слово как критический термин впервые было применено к архитектуре, на самом деле оно появилось раньше в отношении музыки в анонимном сатирическом обзоре премьеры в октябре 1733 года ромо Hippolyte et Aricie, напечатано. в Mercure de France в мае 1734 г.Критик намекал, что новинка этой оперы - «дю барок», жалуясь на то, что в музыке отсутствует связная мелодия, она наполнена непрекращающимися диссонансами, постоянно меняет тональность и размер и быстро проходит через все композиционные приемы.

Систематическое применение историками термина «барокко» к музыке этого периода произошло относительно недавно. В 1919 году Курт Закс стал первым, кто систематически применил к музыке пять характеристик теории барокко Генриха Вельфлина.Критики поспешили поставить под сомнение попытку перенести категории Вёльфлина в музыку, и во второй четверти 20-го века независимые попытки были предприняты Манфредом Букофцером (в Германии, а после иммиграции в Америке) и Сюзанной Клеркс-Лежен. (в Бельгии) использовать автономный технический анализ, а не сравнительные абстракции, чтобы избежать адаптации теорий, основанных на пластических искусствах и литературе, к музыке. Все эти усилия привели к заметным разногласиям относительно временных границ периода, особенно относительно того, когда он начался.В английском языке этот термин приобрел популярность только в 1940-х годах в трудах Букофцера и Пола Генри Лэнга.

Еще в 1960 году в академических кругах, особенно во Франции и Великобритании, все еще велись серьезные споры о том, имеет ли смысл объединять музыку столь же разнообразную, как музыка Якопо Пери, Доменико Скарлатти и Дж. Баха под единой рубрикой. Тем не менее, этот термин стал широко использоваться и использоваться для этого широкого диапазона музыки. Может быть полезно отличить барокко как от предшествующего (Возрождение), так и от последующих (классических) периодов музыкальной истории.

История

Период барокко делится на три основных этапа: ранний, средний и поздний. Хотя они частично совпадают по времени, их условно датируют периодом с 1580 по 1630 год, с 1630 по 1680 год и с 1680 по 1730 год.

Музыка раннего барокко (1580–1630)

Клаудио Монтеверди в 1640 году

Флорентийская камерата была группой гуманистов, музыкантов, поэтов и интеллектуалов во Флоренции позднего Возрождения, которые собрались под патронатом графа Джованни де Барди, чтобы обсудить и направить тенденции в искусстве, особенно в музыке и драме.Что касается музыки, они основывали свои идеалы на восприятии классической (особенно древнегреческой) музыкальной драмы, в которой ценились дискурс и ораторское искусство. Таким образом, они отвергли использование современниками полифонии и инструментальной музыки и обсуждали такие древнегреческие музыкальные приемы, как монодия, которая состояла из сольного пения в сопровождении кифары. Ранние воплощения этих идей, в том числе Dafne Якопо Пери и L’Euridice , положили начало опере, которая, в свою очередь, стала катализатором для музыки барокко.

Что касается теории музыки, более широкое использование фигурного баса (также известного как глубокий бас ) представляет растущее значение гармонии как линейной основы полифонии. Гармония - это конечный результат контрапункта, а фигурный бас - визуальное представление тех гармоний, которые обычно используются в музыкальном исполнении. Композиторы начали заниматься гармоническими прогрессиями, а также использовали тритон, воспринимаемый как неустойчивый интервал, для создания диссонанса.Инвестиции в гармонию существовали также среди некоторых композиторов эпохи Возрождения, особенно Карло Джезуальдо; Однако использование гармонии, направленной на тональность, а не на модальность, знаменует переход от эпохи Возрождения к периоду барокко. Это привело к идее, что аккорды, а не ноты могут обеспечить ощущение завершения - одна из фундаментальных идей, которая стала известна как тональность.

Включив эти новые аспекты композиции, Клаудио Монтеверди способствовал переходу от стиля музыки эпохи Возрождения к стилю музыки периода барокко.Он разработал два индивидуальных стиля композиции - наследие ренессансной полифонии (prima pratica) и новую технику бассо континуо барокко (seconda pratica). Написав среди прочего оперы L’Orfeo и L’incoronazione di Poppea , Монтеверди привлек значительное внимание к новому жанру оперы.

Музыка среднего барокко (1630–1680)

Возвышение централизованного двора - одна из экономических и политических особенностей того, что часто называют Эпохой абсолютизма, олицетворяемой Людовиком XIV из Франции.Стиль дворца и придворная система нравов и искусств, которые он воспитал, стали образцом для остальной Европы. Реалии растущего церковного и государственного патронажа создали спрос на организованную общественную музыку, поскольку растущая доступность инструментов создала спрос на камерную музыку.

Жан-Батист Люлли

Период среднего барокко в Италии определяется появлением в 1630-х годах стиля бельканто в кантате, оратории и опере. Этот стиль, один из самых важных вкладов в развитие барокко, а также более позднего классического стиля, был порожден новой концепцией мелодии и гармонии, которая подняла статус музыки до уровня равенства со словами, которые раньше имели считался выдающимся.Цветочная монодия колоратуры раннего барокко уступила место более простому, более отполированному мелодическому стилю, обычно в тройном ритме. Эти мелодии были построены из коротких, каденциально ограниченных идей, часто основанных на стилизованных танцевальных узорах, взятых из сарабанды или куранте. Гармонии также были проще, чем в монодии раннего барокко, а сопровождающие басовые партии были более интегрированы с мелодией, создавая контрапунктную эквивалентность частей, что позже привело к устройству первоначального басового предвкушения мелодии арии.Это гармоническое упрощение также привело к новому формальному способу разграничения речитатива и арии. Самыми важными новаторами этого стиля были римляне Луиджи Росси и Джакомо Кариссими, которые были в первую очередь композиторами кантат и ораторий соответственно, и венецианец Франческо Кавалли, который был главным оперным композитором. Позже важные практики этого стиля включают Антонио Чести, Джованни Легренци и Алессандро Страделла.

Среднее барокко не имело абсолютно никакого отношения к теоретическим работам Иоганна Фукса, систематизировавшего строгий контрапункт, характерный для более ранних веков, в его Gradus ad Paranassum (1725).

Один выдающийся пример композитора придворного стиля - Жан-Батист Люлли. Он приобрел у монархии патенты, чтобы быть единственным композитором опер для короля и не позволять другим ставить оперы. Он завершил 15 лирических трагедий и оставил незаконченным Achille et Polyxène .

В музыкальном плане он не установил для оркестров нормы струнного доминирования, унаследованной от итальянской оперы, и типично французской пятичастной композиции (скрипки, альты - в размерах hautes-contre, tailles и quintes - и басовые скрипки). использовался в балете со времен Людовика XIII.Однако он ввел этот ансамбль в лирический театр, где верхние партии часто дублировались флейтами, флейтами и гобоями, а бас - фаготами. В героических сценах часто добавлялись трубы и литавры.

Арканджело Корелли известен как влиятельный благодаря своим достижениям по другую сторону музыкальной техники - как скрипач, который организовал скрипичную технику и педагогику, - и в чисто инструментальной музыке, в частности, за его пропаганду и развитие Concerto Grosso.В то время как Люлли устроился при дворе, Корелли был одним из первых композиторов, которые широко публиковались и исполняли свою музыку по всей Европе. Как и в случае стилизации и организации оперы Люлли, концертный гроссо построен на сильных контрастах: части чередуются между тем, что играет весь оркестр, и тем, что играет меньшая группа. Динамика была «террасированной», то есть с резким переходом от громкого к тихому и обратно. Быстрые и медленные участки накладывались друг на друга.Среди его учеников значится Антонио Вивальди, который позже написал сотни произведений, основанных на принципах трио-сонат и концертов Корелли.

В отличие от этих композиторов, Дитрих Букстехуде не был придворным, а вместо этого был церковным музыкантом, занимая должности органиста и Werkmeister в Мариенкирхе в Любеке. В его обязанности как Werkmeister входило выполнение функций секретаря, казначея и бизнес-менеджера церкви, в то время как его должность органиста включала исполнение всех основных служб, иногда в сотрудничестве с другими инструменталистами или вокалистами, которым также платила церковь.Совершенно вне своих официальных церковных обязанностей он организовал и направил серию концертов, известную как TheAbendmusiken, в которую вошли исполнения священных драматических произведений, которые его современники считали эквивалентом опер.

Музыка позднего барокко (1680–1730)

Джордж Фридрих Гендель

Иоганн Себастьян Бах, 1748

Благодаря работам Иоганна Фукса, стиль полифонии эпохи Возрождения стал основой для изучения композиции.

Непрерывный рабочий, Гендель заимствовал у других и часто перерабатывал собственный материал. Он также был известен переработкой таких произведений, как знаменитый Messiah , премьера которого состоялась в 1742 году, для доступных певцов и музыкантов.

Хронология композиторов эпохи барокко

Инструменты в стиле барокко

Инструменты в стиле барокко, включая шарманку, клавесин, бас-виолу, лютню, скрипку и гитару

Клавесин с двойным ручным управлением по Жан-Клоду Гужону ​​(1749)

Струны

  • Виолино пикколо
  • Скрипка
  • Виол
  • Альт
  • Виола д'амур
  • Помпа для альта
  • Скрипка тенор
  • Виолончель
  • Контрабас
  • Лютня
  • Теорбо
  • Archlute
  • Анжелик
  • Мандолина
  • Гитара
  • Арфа
  • Шарманка

Духовые духовые

  • Барочная флейта
  • Chalumeau
  • Кортол (также известный как Кортолт, Кертолл, семья гобоев)
  • Дульсиан
  • Musette de Cour
  • Гобой в стиле барокко
  • Ракетт
  • Регистратор
  • Фагот
  • Кларнет

Латунь

  • Корнет
  • Натуральный рог
  • Труба в стиле барокко
  • Tromba da tirarsi (также называемый tromba spezzata )
  • Плоская труба
  • Змей
  • Sackbut (английское название FR: saquebute , saqueboute ; ES: sacabuche ; IT: trombone ; MHG: busaun , busîne / DE / DE) (с начала 17 века) Posaune )
  • Тромбон (английское название того же инструмента, с начала 18 века)

Клавиатуры

  • Клавикорд
  • Tangent фортепиано
  • Фортепьяно - ранняя версия фортепиано
  • Клавесин
  • Орган

Ударные

  • литавры в стиле барокко
  • Деревянный малый барабан
  • Теноровый барабан
  • Бубен
  • Кастаньеты

Стили и формы

Сюита в стиле барокко

Сюита в стиле барокко часто состоит из следующих частей:

  • Увертюра - Сюита в стиле барокко часто начиналась с французской увертюры («Увертюра» по-французски), за которой следовала череда танцев разных типов, в основном следующих четырех:
  • Allemande - Аллеманда, часто первый танец инструментальной сюиты, был очень популярным танцем, возникшим в эпоху немецкого Возрождения, когда его чаще называли almain. [ цитата: ] Аллеманда игралась в умеренном темпе и могла начинаться с любой доли такта.
  • Courante - Второй танец - это куранте, живой французский танец в тройном метре. Итальянский вариант называется корренте.
  • Сарабанда - Сарабанда, испанский танец, является третьим из четырех основных танцев и одним из самых медленных танцев в стиле барокко. Он также трехметровый и может начинаться с любой доли такта, хотя акцент делается на второй доле, создавая характерный «остановочный» или ямбический ритм сарабанды.
  • Gigue - Жига - это приподнятый и живой танец в стиле барокко в сложном метре, как правило, заключительная часть инструментальной сюиты и четвертый из ее основных танцевальных типов. Жига может начинаться с любой доли такта и легко узнаваема по ее ритмичному ощущению. Жига возникла на Британских островах. Его аналог в народной музыке - джиг.

Эти четыре типа танца (аллеманда, курант, сарабанда и жига) составляют большинство сюит 17-го века; более поздние сюиты включают один или несколько дополнительных танцев между сарабандой и жигой:

  • Gavotte - Гавот можно отличить по множеству признаков; это время 4/4 и всегда начинается на третьей доле такта, хотя в некоторых случаях это может звучать как первая доля, поскольку первая и третья доли являются сильными долями в четверной доле.На гавоте играют в умеренном темпе, хотя в некоторых случаях на нем можно играть и быстрее.
  • Bourrée - Бурре похоже на гавот, поскольку он находится в 2/2 времени, хотя он начинается во второй половине последней доли такта, создавая иное ощущение танца. Бурре обычно играет в умеренном темпе, хотя некоторые композиторы, такие как Гендель, могут играть в гораздо более быстром темпе.
  • Менуэт - Менуэт, пожалуй, самый известный из танцев в стиле барокко в тройном метре.Он может начинаться с любой доли такта. В некоторых сюитах могут последовательно исполняться менуэт I и II с повторением первого менуэта.
  • Passepied - Passepied - это быстрый танец в двоичной форме и тройном метре, который возник как придворный танец в Бретани. Примеры можно найти в более поздних наборах, таких как Баха и Генделя.
  • Ригодон - Ригодон - это живой французский танец в два метра, похожий на бурре, но ритмически более простой. Он возник как семья тесно связанных южно-французских народных танцев, традиционно связанных с провинциями Ваваре, Лангедок, Дофине и Прованс.

Другие функции

  • Бассо континуо - вид непрерывного аккомпанемента с нотами новой системы нотной записи, фигурный бас, обычно для поддерживающего басового инструмента и клавишного инструмента.
  • Концерт и концерт Гроссо
  • Monody - продолжение песни
  • Гомофония - музыка с одним мелодичным голосом и ритмически подобным аккомпанементом (это и монодия контрастируют с типичной ренессансной фактурой, полифонией)
  • Драматические музыкальные формы, такие как опера, драматических произведений за музыку
  • Комбинированные инструментально-вокальные формы, такие как оратория и кантата
  • Новые инструментальные техники, такие как тремоло и пиццикато
  • Ария да капо «наслаждалась уверенностью».
  • The ritornello aria - многократные короткие инструментальные перерывы вокальных пассажей.
  • Стиль Концертато - контраст звучания между группами инструментов.
  • Обширный орнамент

Жанры

Вокал

  • Опера
    • Сарсуэла
    • Opera серия
    • Комическая опера
    • Опера-балет
  • Маска
  • Оратория
  • Passion (музыка)
  • Кантата
  • Месса (музыка)
  • Гимн
  • Монодий
  • Хорал

Инструментальная

  • Хоральное произведение
  • Концерт Гроссо
  • Фуга
  • Люкс
    • Аллеманда
    • Courante
    • Сарабанда
    • Gigue
    • Гавот
    • Менуэт
  • Соната
    • Соната для камеры
    • Соната да кьеза
    • Трио-соната
  • Партита
  • Канцона
  • Sinfonia
  • Фантазия
  • Ricercar
  • Токката
  • Прелюдия
  • Чакона
  • Пассакалия
  • Хоральная прелюдия
  • Stylus фантастический

Дополнительная литература

  • Кристенсен, Томас-стрит и Питер Дежанс. К тональным аспектам теории музыки барокко . Лёвен: Издательство Левенского университета, 2007. ISBN 978-90-5867-587-3
  • Сир, Мэри. Очерки исполнения оперной и камерной музыки в стиле барокко во Франции и Англии . Серия исследований, собранных Variorum, 899. Олдершот, Хантс, Англия: Ashgate, 2008. ISBN 978-0-7546-5926-6
  • Бригадир, Эдвард. Метод бельканто, или «Как правильно петь итальянскую музыку барокко, основанную на первоисточниках» .Шедевры двадцатого века по пению, v. 12. Миннеаполис, штат Миннесота: Pro Musica Press, 2006. ISBN 978-1-887117-18-0
  • Хебсон, Одри (2012). «Танец и его значение в сюитах Баха для виолончели соло», Музыкальные предложения: Vol. 1: № 2, статья 2. Доступно на http://digitalcommons.cedarville.edu/musicalofferings/vol1/iss2/2.
  • Хоффер, Брэнди (2012). «Духовная немецкая музыка в тридцатилетней войне», Музыкальные предложения: Vol. 3: № 1, статья 1. Доступно на http://digitalcommons.com.cedarville.edu/musicalofferings/vol3/iss1/1.
  • Шуберт, Питер и Кристоф Нейдхёфер. Барочный контрапункт . Река Аппер Сэдл, Нью-Джерси: Pearson Prentice Hall, 2006. ISBN 978-0-13-183442-2
  • Шуленберг, Дэвид. Музыка барокко . Нью-Йорк: Oxford UP, 2001. ISBN 978-0-19-512232-9
  • Штауфер, Джордж Б. Мир барочной музыки: новые перспективы . Блумингтон: Издательство Индианского университета, 2006. ISBN 978-0-253-34798-5
  • Странк, Оливер. Источники чтения по истории музыки. От античности до эпохи романтики . Лондон: Faber & Faber, 1952,
  • .

Внешние ссылки

Classical Net - Основной репертуарный список

Поиск по сайту

Следуйте за нами на

Филиалы

Базовый репертуар

Период барокко

(1600–1750)

Abel | Альбинони | Д'англбер | Арне | Дж.С. Бах | Biber | Бойс | Букстехуде | Шарпантье | Корелли | Корретт | Куперин | Делаланд | Фаш | Фишер | Фрескобальди | Фробергер | Гей и Пепуш | Близнецы | Гольдберг | Гриньи | Гендель | Хебден | Дженкинс | W. Lawes | Леклер | Локателли | Локк | Loeillet | Люлли | Манфредини | Марэ | А. Марчелло | Muffat | Пахельбель | Перголези | Перселл | Quantz | Рамо | Роман | А. Скарлатти | Д. Скарлатти | Schütz | Сейшас | Солер | Стэнли | Тартини | Телеманн | Торелли | Вивальди | Вассенаер | Вайс | Зеленка
ABEL, Карл Фридрих
  • Симфонии соч.7
ALBINONI, Tomaso
  • Адажио соль минор
  • Концерты в пяти стилях, соч. 5
  • Концерты для гобоя соч. 7 и 9
ARNE, Томас Огастин
  • Концерты для клавишных
  • Симфонии
БАХ, Иоганн Себастьян
BIBER, Генрих Игнац
  • Батталия
  • Сонаты "Четки" для скрипки и континуо
  • Сонаты "Fidicinium Sacro-Profanum"
БОЙС, Уильям
  • Симфонии соч.2
БУКСТЕХУД, Дитрих
  • Органная музыка (хоралы)
CHARPENTIER, Марк-Антуан
  • Театральная музыка
  • Духовная музыка (мессы, мотеты и т. Д.)
CORELLI, Арканджело
  • Concerti Grossi Op. 6
  • Сонаты соч. 5
  • Трио-сонаты соч.1-4
CORRETTE, Мишель
  • Органные концерты соч. 26
КУПЕРИН, Франсуа
ДЕЛАЛАНД, Мишель Ришар
  • Каприсы (Симфонии для короля)
Д'АНГЛЕБЕР, Жан-Анри
  • Pièces de Clavecin
FASCH, Иоганн Фридрих
  • Сонаты (трио и квадро)
FISCHER, Иоганн Каспар
  • Pieces de clavessin
FRESCOBALDI, Джироламо
  • Инструментальные песни
  • Клавесин / органная музыка (токкаты, вариации)
ФРОБЕРГЕР, Иоганн Якоб
  • Произведения для клавесина
ГЕЙ и ПЕПУЩ
  • Опера нищего
GEMINIANI, Francesco
  • Concerti Grossi Op.3 и 7
ГОЛЬДБЕРГ, Иоганн Готлиб
  • Концерты для клавесина
ГРИНЬ, Николя де
  • Органная музыка
HANDEL, Джордж Фридрих
ХЕБДЕН, Иоанн
  • Концерты соч. 2а
ДЖЕНКИНС, Джон
  • Consort Music (Fantasias, Ayres, Pavans и т. Д.))
ЗАКОНОВ, Уильям
  • Камерная музыка (Consort Setts, Fantasia-Suites и др.)
ЛЕКЛЕР, Жан Мари
  • Концерты для скрипки
  • Сонаты для флейты или скрипки
LOCATELLI, Pietro
  • Концерты для скрипки соч. 3 и 7
  • Сонаты для флейты соч. 2
  • Сонаты для скрипки Op.6
ЛОКК, Мэтью
  • Гимны
  • Камерная музыка (супруги)
LOEILLET, Жан Батист
  • Сонаты для блокфлейта и клавесина
LULLY, Жан Батист
  • Атыс (опера)
МАНФРЕДИНИ, Франческо
  • Concerto Grosso Op.3 №12 «Рождественский»
МАРАИС, Марин
  • Сюиты и пьесы для Виолы да Гамба
МАРЧЕЛЛО, Алессандро
  • Концерт для гобоя
  • Концерты "La Cetra"
MUFFAT, Георг
  • Концерти Гросси
  • Струнные сонаты "Armonico Tributo"
  • Люксы «Флорилегиум» I и II
  • Токката "Музыкально-органический аппарат"
ПАХЕЛЬБЕЛЬ, Иоганн
  • Канон и Жига ре мажор
  • Hexachordum Apollinis для клавесина или органа
  • Органная музыка (хоровые прелюдии, фантазии и др.))
ПЕРГОЛЕЗИ, Джованни Баттиста
  • Stabat Mater
  • La Serva padrona
ПУРСЕЛЛ, Генри
  • Гимны
  • Дидона и Эней (опера)
  • Фантазии
  • Трио-сонаты для струнных и континуо
QUANTZ, Иоганн Иоахим
  • Концерты для флейты
РАМЕ, Жан-Филипп
ROMAN, Йохан Гельмих
  • Синфонии
  • Музыка Дроттнингхольма
  • Музыка Головина
SCARLATTI, Алессандро
  • Концерти Гросси
SCARLATTI, Доменико
  • Сонаты для клавесина
SCHÜTZ, Генрих
  • Священные произведения (Symphoniae Sacrae, Motets и т. Д.)
SEIXAS, Хосе Антонио
  • Сонаты для клавесина
СОЛЕР, Падре Антонио
  • Концерты для 2 органов
  • Фанданго
  • Сонаты для клавесина
СТЕНЛИ, Джон
  • Органные концерты соч. 10
  • Струнные концерты соч. 2
  • Волонтеры для органа
ТАРТИНИ, Джузеппе
  • Концерты для скрипки
  • Соната для скрипки «Чертова трель»
ТЕЛЕМАН, Георг Филипп
Торелли, Джузеппе
  • Концерты
ВИВАЛЬДИ, Антонио
WASSENAER, Unico Wilhelm
  • Концерты Armonici
WEISS, Сильвий Леопольд
  • Лютневые сюиты и сонаты
ЗЕЛЕНКА, Ян Дисмас
  • Трио-сонаты

Музыка барокко: руководство для начинающих

По большому счету, период барокко - это время рождения оркестра, рождение оперы с размахом, а концерт дал солистам возможность достойно блеснуть.С начала периода в начале 1600-х годов до того момента, когда стиль классического периода начал преобладать в середине 1700-х годов, звучание периода барокко оставалось отчетливым - упорядоченным, витиеватым и все более эмоциональным с течением времени.

Прежде всего, пара мелочей, чтобы поднять настроение ...

Изабель Эсайн исполняет захватывающую виртуозную музыку в стиле барокко на виоле да гамба:

Виола (или виола да гамба) впервые появилась в Испании в конце 15 века.Альтисты были очень популярны в Англии у таких композиторов, как Генри Перселл, Уильям Берд и Тобиас Хьюм. Кроме того, виола использовалась в оркестрах и группах камерной музыки до 18 века, где она культивировалась в придворном обществе как сольный инструмент. Такие композиторы, как Марин Марэ, Бах, Телеман, Форкрей, Гендель и Кэбель написали для него много виртуозной музыки. Это произведение - «Леклер» Антуана Форкере, композитора и виртуоза, который, как говорили, играл как дьявол.Он посвятил это произведение знаменитому скрипачу в стиле барокко Жан-Мари Леклер.

Это «Марионы» композитора эпохи барокко Сапниша Гаспара Санса (ок. 1640 - ок. 1710) в исполнении Даниэля Сапико и Пабло Сапико.

Звук в стиле барокко

В практическом смысле в период барокко есть некоторые действительно определяющие характеристики, которые отличают его от того, что было до или после. Вы можете ожидать услышать много клавесина, например, но в более общем плане основной прогресс, который произошел, когда период Возрождения превратился в барокко, - это появление более современной гармонии.

Под гармонией мы подразумеваем сочетание более чем одной ноты одновременно, и композиторы эпохи барокко, такие как Бах, Гендель и Вивальди, просто сделали это немного более доступным. Давайте немного послушаем Монтеверди Vespers , чтобы показать, какой именно вид гармонии внезапно стал популярным:

Барочные инструменты

Хотя многие инструментальные разработки были сделаны в период барокко, на все они отбрасывается одна довольно большая тень в форме клавиатуры - клавесин.Вы услышите его характерный щипковый звук повсюду в произведениях той эпохи, но вот отличный пример от J.S. Бах:

Помимо вездесущего клавесина, период барокко также содержал несколько пережитков эпохи Возрождения, в том числе записывающие устройства, альты, лютни, флейты и целый ряд струнных инструментов, которые постепенно вышли из употребления.

Предметы барокко

Религиозная музыка была огромной частью периода барокко, но понадобились такие композиторы, как Гендель и Бах, чтобы превратить ее в эмоциональные, человеческие переживания.Огромные возвышающиеся произведения священного канона барокко включают Баха Страсти по Матфею и Генделя Мессию . Но давайте попробуем Handel Zadok the Priest (соберитесь с духом):

В репертуаре эпохи барокко так много знаковых произведений, что трудно выбрать хотя бы одну, но если нас подтолкнет, мы выберем «Четыре сезона» Вивальди . Это не только красивое и вызывающее воспоминания музыкальное произведение, но и прекрасное представление о возрастающей поэтической силе, к которой стремилась музыка барокко.Одно из истинно универсальных музыкальных произведений, оно так же полезно как для начинающих, так и для опытных экспертов. Пусть великий Найджел Кеннеди покажет вам, почему:

5 величайших художников барокко и их работы - DailyArtMagazine.com

Рубенс, Караваджо, Веласкес, Рембрандт и Пуссен - это имена 5 величайших художников эпохи барокко 16 и 17 веков, периода, в течение которого спектр индивидуалистических стилей стал характеризовать искусство.

Караваджо - Вакх

Мало кто знает, что Микеланджело Караваджо, один из самых влиятельных художников эпохи барокко, при жизни был известен своим агрессивным поведением. Итальянский художник, ведущий реформатор европейского искусства XVI и XVII веков, якобы не раз в жизни совершал преступления. В возрасте 38 лет он умер при загадочных обстоятельствах в Порто Эрколе в Тоскане.

Вакх, Караваджо, 1595, Галерея-музей Уффици, Флоренция

«Вакх» был написан во время пребывания Караваджо в 1595 году со своим первым покровителем, кардиналом дель Монте, и представляет собой интерпретацию Караваджо натурализма.

Рембрандт - Автопортрет с двумя кругами

Рембрандт ван Рейн, выдающийся голландский художник, родился в 1606 году на территории современной Голландии, и хотя он никогда не выезжал за границу, его работы были вдохновлены иностранными влияниями. Когда большинство людей думают о самых значительных художниках эпохи барокко и Золотом веке Голландии, почти всегда на ум приходит Рембрандт. Это потому, что его работа была поистине значимой. Огюст Роден однажды сказал: «Сравните меня с Рембрандтом? Какое кощунство! С Рембрандтом, колоссом искусства! Мы должны пасть ниц перед Рембрандтом и никогда никого не сравнивать с ним! »

Автопортрет с двумя кругами, Рембрандт, 1665–1668, Кенвуд Хаус, Лондон

«Автопортрет с двумя кругами» - мистическое произведение, написанное в последние годы жизни Рембрандта, и один из его многочисленных автопортретов.

Питер Пауль Рубенс - Сад любви

Питер Пауль Рубенс, еще один из 5 величайших художников эпохи барокко, известный как «принц художников и художник принцев», был ярким фламандским великим мастером искусства, родившимся в 1577. На его работы сильно повлияли исторические и мифологические идеалы, а его уникальный стиль живописи стал ассоциироваться с Контрреформацией.

Сад любви, Питер Пауль Рубенс, 1630–1631, Музей Прадо, Мадрид

«Сад любви» был символом любви для его второй жены, молодой и красивой Хелены Фурман.На картине изображена сцена флирта в утопическом саду, наполненном элементами эпохи Возрождения.

Диего Веласкес - Венера-дель-Эспехо, «Рокби-Венера»

Один из 5 величайших художников эпохи барокко, упомянутых в моей статье, - Диего Веласкес, олицетворяющий золотой век Испании. Он также был одним из лучших портретистов своего времени. Веласкес был знаком с итальянским искусством; поэтому его вдохновение изначально исходило от таких художников, как Рафаэль и Микеланджело. Позже его работы вдохновляли реалистов и импрессионистов.

Рокби-Венера, Диего Веласкес, 1647–1651, Национальная галерея, Лондон

Католическая церковь подвергла резкой критике картину «Рокби-Венера», однако это единственное сохранившееся полотно Веласкеса, изображающее наготу.

Николя Пуссен - Пейзаж со спокойствием

Этот художник эпохи классического барокко, основатель французской классической традиции, часто описывается как воплощающий противоположные черты Караваджо, и в этом есть доля правды.Его картины были спокойными, логичными и в то же время проникнутыми философскими размышлениями. Работы Пуссена оказали огромное влияние на историю искусства и вдохновили многих более поздних художников, таких как Пабло Пикассо или Поль Сезанн.

Пейзаж со спокойствием, Пуссен, 1650–1651, Музей Гетти, Лос-Анджелес

«Пейзаж со спокойствием» - это образ безмолвного спокойствия. Картина не рассказывает нам историю, а пробуждает наше воображение.

Если вы находите радость и вдохновение в наших рассказах, ПОЖАЛУЙСТА, ПОДДЕРЖКА
DailyArt Magazine скромным пожертвованием.Мы любим историю искусства, и
мы хотим продолжать писать об этом.

Ravinia Festival - Официальный сайт

Период барокко

1600 - 1750 гг.
г.

Картина Иоганнеса Верколье «Элегантная пара с музыкальными инструментами» 1674

Мастерство фуги стало эталоном композиторского мастерства, и примеры были написаны еще в 19 и даже 20 веках такими композиторами, как Берлиоз, Чайковский, Хиндемит и Шостакович.

Музыка барокко также отличается быстрым гармоническим ритмом, то есть аккорды, сопровождающие мелодию, часто меняются, иногда на каждом такте. Это резко контрастирует с тем, что случилось бы с музыкой во второй половине 18-го века, когда возник классический стиль, в котором длинные отрывки иногда сводятся к единой гармонии.

Инструменты менялись; Виола с резным грифом (как у современной гитары) уступала место скрипке без перетяжки, а бесчисленные духовые инструменты консорта эпохи Возрождения стали заменяться узнаваемыми предшественниками современной трубы, тромбона, гобоя, фагота и т. д. флейта.Это может частично объяснить тот факт, что музыка барокко или, по крайней мере, ее репрезентативные избранные фрагменты всегда были частью современной концертной жизни. С середины XIX века, задолго до того, как началось нынешнее увлечение «оригинальными» или «аутентичными» инструментами, появилась музыка Баха, Генделя, Арканджело Корелли (1653-1713), Генри Перселла (1659-95), Франсуа Куперена (1668). -1733), Антонио Вивальди (1678-1741), Георг Филипп Телеман (1681-1767), Жан Филипп Рамо (1683-1764) и Доменико Скарлатти (1685-1757) регулярно играли на «современных» инструментах - традиция, которая продолжается по сей день.

Произведение собственноручно Баха.

В мире классической музыки есть место для обоих подходов: стилистически обоснованные исполнения на современных инструментах, а также исполнения, воссоздающие музыку настолько точно, насколько композитор мог бы ее услышать. Эти попытки осложняются тем фактом, что нотная запись всегда была несколько расплывчатой, и хотя история нотной записи была постоянным поиском, чтобы сделать ее еще более точной, остается много вопросов, которые все еще остаются без ответа относительно того, какие именно композиторы в период барокко намеревался.Музыковеды, возможно, вызвали столько же споров, сколько дали однозначных ответов на вопросы.

Способствующим фактором является степень, в которой музыканты 17-18 веков должны были импровизировать или развивать то, что на самом деле написал композитор. Музыка барокко, как и архитектура и живопись барокко, часто инкрустирована орнаментами, короткими музыкальными фигурами, часто обозначаемыми символами, которые, как ожидалось, добавлялись исполнителями как для демонстрации собственной виртуозности, так и для улучшения музыкальной линии.Это предмет, который вызвал одни из самых жарких споров в музыковедении.


СЛЕДУЮЩИЙ

НАЗАД

ПРЕДВАРИТЕЛЬНОЕ
до 1600-х годов
БАРОККО
1600-1750
КЛАССИЧЕСКИЙ
1750-1825 гг.
РОМАНТИЧЕСКИЙ
1825-1900
СОВРЕМЕННИК
1900-настоящее время

Рождение барокко | Центр новостей

«Барокко» - это слово, которое историки музыки обычно применяют к периоду между 1600 и 1750 годами.Как историко-художественный термин, это слово происходит из самого периода: в 1734 году рецензент Mercure de France написал следующее об опере Жана-Филиппа Рамо « Ипполит и Ариси :

».

«[В опере] не было мелодии ... [и] музыка не имела никакого отношения к танцу, за исключением ее более или менее живого движения. Следовательно, не было ни мысли, ни выражения вообще. Каждая уловка проходила со скоростью , не жалея диссонансов без конца ... Постоянно вместо нежности была печаль.Необычное имело характер барокко, ярость шума ».

Идеи, высказанные этим сварливым критиком, могут удивить людей, любящих музыку Баха, Вивальди и Генделя (несомненно, самых популярных композиторов эпохи барокко). Но для читателя XVIII века «барокко» определенно было ругательным словом, означающим искаженное, гротескное, неестественное. Его истоки за пределами музыки лежат в ювелирных изделиях, от португальского barroco , применялось к жемчугам деформированной формы.«Барокко» захватило чувство глубокого разочарования: идея, что кто-то надеется встретить что-то прекрасное, что-то первозданное, а вместо этого встречает что-то оскорбительное, причудливое, даже уродливое.

Я бы хотел развеять этого сварливого французского критика идеи о том, что музыка «барокко» уродлива, поскольку я считаю музыку этого периода наиболее эстетически удовлетворительной из всех времен. Тем не менее, даже я должен признать, что резкость и несовершенство действительно лежат в основе того, что заставляет эту музыку работать - и так было с того самого момента, как мы говорим, что зародилась музыка барокко.

Этот момент произошел на рубеже 17 века, в Италии, где Клаудио Монтеверди писал мадригалы в почтенных традициях прошлого века. Мадригалы были богатым местом для композиционных экспериментов. Это были произведения для нескольких певцов, в которых использовались отдельные строфы текста, без рефрена или других формальных костылей, с помощью которых композиторы могли структурировать свою музыку. Таким образом, от музыкантов требовалось связывать свои звуки со словами на детальном уровне, если музыка должна иметь какое-либо отношение к тексту.В эпоху Возрождения решения иногда были изысканными, а иногда банальными, но почти всегда восхищали слушателей. Ниже приведен пример одного из самых известных мадригалов Англии начала 17-го века, в котором композитор ловко изображает различных персонажей, встречающихся, когда они поднимаются и спускаются с холма, заставляя музыку сначала «подниматься» на холм, а затем падать вниз. оно (сопрано и альт, такт четыре).

Монтеверди, один из самых известных продюсеров мадригалов, работал в этой традиции тесных взаимоотношений между словом и музыкой, когда он непреднамеренно возвестил начало эпохи барокко.Проблема с похвалой, конечно, в том, что всегда есть кто-то, кто не думает, что репутация заслужена - и у Монтеверди, безусловно, были свои недоброжелатели. Самым известным был Джованни Мария Артузи, теоретик музыки. В публикации, датированной 1600 годом, Артузи сообщил, что был на званом обеде с группой музыкальных знатоков, и был потрясен популярностью мадригалов Монтеверди, которые, безусловно, не следовали надлежащим правилам теории музыки. Поэтому он намеревался подорвать репутацию Монтеверди.

Довод Артузи был достаточно логичным и восходит к Пифагору и Платону. Древние греки создали гармоническую теорию, которая более или менее никогда не покидала нас. Он утверждал, что одни звуки согласны и гармоничны, а другие - диссонансны и негармоничны. Менее чем через столетие Платон использовал эту информацию, чтобы построить целую мифологию музыки, которая, как говорят, в лучшем случае представляет гармонию природы, общества и космоса; в худшем случае звук был дисгармоничной, опасной и разрушительной силой.Вооруженные этой информацией, Артузи и его школа утверждали, что если нужно использовать диссонансы, к ним нужно относиться очень осторожно, чтобы создаваемая музыка была красивой. Правило было простое: «подготовить» диссонанс к созвучию, озвучить диссонанс, а затем «разрешить» его в другой созвучие. Пример ниже позволяет вам услышать пример полной процедуры.

Артузи столкнулся с вопиющими нарушениями этих принципов в музыке Монтеверди.В частности, один мадригал, «Cruda Amarilli», содержал вопиющие, неразрешенные диссонансы, исходящие от самого начала. Полный вокальный ансамбль открывается трезвучием соль мажор. Затем бас переходит к ми, создавая резкий диссонанс с ре в верхнем голосе. Хотя это довольно резкий и шокирующий звук для начала в терминах XVI века, Монтеверди еще не нарушил правила. Но когда происходит следующая смена ноты, Монтеверди совершает свой главный грех: когда ре сопрано переходит в до, бас переходит на си, создавая еще один диссонанс, не устраняя предыдущий диссонанс.Что еще хуже, ля во втором голосе сверху создала еще один диссонирующий интервал с басом. «Есть только одно объяснение такого использования диссонансов вместо диссонансов», - сказал Артузи; Монтеверди был просто плохим композитором, а у людей, которым нравилась его музыка, были развратные вкусы.

Монтеверди не принимал такого оскорбления лежа и ответил в печатном документе 1607 года. Артузи, по словам Монтеверди, был не музыкантом, а простым теоретиком; у него не было опыта создания музыки, которую люди хотели бы слышать.Более того, Артузи утверждал, что читал древние источники, но просто не понимал их, сказал Монтеверди. Сам Платон говорил не только о тонах, но и о потенциале музыки как моральной силы; в его произведениях говорится о союзе слова и тона, поэзии и музыки. В этом сила музыки - эмоционально выражать смысловое значение слов.

А какие здесь были слова? «Жестокие Амариллисы, которые с вашим именем учат горько любви, увы!» Этот текст напоминает древнегреческую историю об Амариллисе, жалкой нимфе, которая стояла на пороге пастуха, который не отвечал на ее любовь, и 30 дней колола себя золотой стрелой, пока не умерла в луже крови.Боги, сжалившись над ней, превратили ее кровь в красивый красный цветок. Этот мадригал выражает знакомое сочетание красоты и страдания, которое вдохновляет любовь. Это уродливые - или, по крайней мере, болезненные - концепции. И такие концепции требуют диссонирующей музыки, утверждал Монтеверди.

Конечно, музыка Монтеверди здесь вовсе не «уродливая». Эти диссонансы пугающе красивы и невероятно красивы. Нарушение ими старых правил контрапункта, их настойчивое звучание и разнос диссонансов некрасиво на бумаге, некрасиво в теории, но глубоко трогательно на практике.Это вряд ли «естественно»; это соединение диссонансов тщательно продумано, чтобы соответствовать значениям слов. Вряд ли это «просто»; Чтобы оценить искусство Монтеверди, требуется тщательный, поэтапный анализ. Это сложное, мучительное выражение боли и утраты. Эта работа является прекрасным ранним примером эстетики и подходов, которые станут доминировать в музыкальном мире в следующем столетии.

About Author


alexxlab

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *