Примеры барокко в скульптуре: Стиль барокко в скульптуре | СТИЛЬ БАРОККО

Барочная скульптура — HiSoUR История культуры

Барочная скульптура — это скульптура, связанная с барочным стилем периода между началом 17 и серединой 18 веков. В скульптуре барокко группы фигур приобрели новое значение, и было динамичное движение и энергия человеческих форм — они вращались вокруг пустого центрального вихря или простирались наружу в окружающее пространство.

Барочная скульптура часто имела несколько идеальных углов обзора и отражала общее продолжение ренессансного перехода от рельефа к скульптуре, созданной в витке и предназначенной для размещения в середине большого пространства. Во многих скульптурах в стиле барокко добавлены экстра-скульптурные элементы, например, скрытое освещение, или водные фонтаны, или сплавленная скульптура и архитектура для создания преображающего опыта для зрителя. Художники воспринимали себя как в классической традиции, но восхищались эллинистической и более поздней римской скульптурой, а не таковыми из более «классических» периодов, какими они являются сегодня.

Барочная скульптура следовала за скульптурой Ренессанса и Маньериста и сменилась Рококо и Неоклассической Скульптурой. Рим был самым ранним центром, где сформировался стиль. Стиль распространился на всю Европу, и особенно Франция дала новое направление в конце 17-го века. В конце концов он распространился за пределы Европы в колониальные владения европейских держав, особенно в Латинской Америке и на Филиппинах.

Протестантская Реформация привела к почти полной остановке религиозной скульптуры в большей части Северной Европы, и хотя светская скульптура, особенно для портретных бюстов и гробниц, продолжалась, голландский Золотой Век не имеет значительной скульптурной составляющей, кроме ювелирного дела. Частично в прямой реакции, скульптура была столь же выдающейся в католицизме, как и в позднем средневековье. Статуи правителей и знати становились все более популярными. В 18 веке скульптура продолжалась по линиям барокко — фонтан Треви был завершен только в 1762 году. Стиль рококо лучше подходил для небольших работ.

происхождения
Стиль барокко возник из скульптуры эпохи Возрождения, которая, опираясь на классические греческие и римские скульптуры, идеализировала человеческий облик. Это было изменено маньеризмом, когда художник и ученый Джорджио Вазари (1511–1574) призвал художников придать своим работам уникальный и индивидуальный стиль. Маньеризм ввел идею скульптур, отличающихся сильными контрастами; молодость и возраст, красота и безобразие, мужчины и женщины. Маньеризм также представил фигура змеиной, которая стала основной характеристикой барочной скульптуры. Это было расположение фигур или групп фигур в восходящей спирали, которая придавала работе легкость и движение.

Микеланджело представил фигуру серпантина в «Умирающем рабе» (1513–1516) и «Гении победоносном» (1520–1525), но эти работы должны были рассматриваться с единой точки зрения. В конце XVI века работа итальянского скульптора Джамболонна «Похищение сабинянок» (1581–1583). представил новый элемент; эта работа должна была рассматриваться не с одной, а с нескольких точек зрения, и менялась в зависимости от точки зрения.

Это стало очень распространенной чертой барочной скульптуры. Произведение Джамболонья оказало сильное влияние на мастеров эпохи барокко, в частности на Бернини.

Еще одним важным фактором, повлиявшим на стиль барокко, была католическая церковь, которая искала художественное оружие в борьбе с ростом протестантизма. Трентский собор (1545–1563 гг.) Дал Папе больше полномочий для руководства художественным творчеством и выразил решительное осуждение доктрин гуманизма, которые были центральными в искусстве во времена Ренессанса. Во время понтификата Павла V (1605–1621 гг.) Церковь начала развивать художественные доктрины, чтобы противостоять Реформатору, и поручила новым художникам выполнять их.

Характеристики
Его общие характеристики:

Натурализм, то есть представление природы как таковой, без ее идеализации.
Интеграция в архитектуру, которая обеспечивает драматическую интенсивность.
Композиционные схемы, свободные от геометризма и сбалансированной пропорции, характерны для скульптуры полного ренессанса. Барочная скульптура ищет движение; он динамически проецируется наружу с помощью сложных линий натяжения, особенно спиральных или змеевидных, с множеством плоскостей и точек зрения. Эта нестабильность проявляется в беспокойстве персонажей и сцен, в широте и великолепии одежды, в контрасте текстур и поверхностей, иногда в включении различных материалов, которые производят сильное освещение и визуальные эффекты.

Представление обнаженной в чистом виде как застывшее действие, достигаемое с помощью асимметричной композиции, в которой преобладают диагонали и змеиные фигуры, наклонные и наклонные позы, ракурсные, рассеянные и прерывистые очертания, которые с большой отдачей направляют работу к зрителю выразительность.
Несмотря на отождествление барокко с «искусством контрреформации», соответствующим чувству народной преданности, скульптура барокко, даже в католических странах, имела большое множество тем (религиозные, похоронные, мифологические, портреты и т. Д.). .)
Основным проявлением является скульптура, используемая для оформления внутренних и наружных пространств зданий, а также открытых пространств, как частных (сады), так и общественных (площади). Фонтаны были скульптурного типа, которые очень хорошо вписывались в стиль барокко. Особенно в Испании образы и алтари получили необычайное развитие.

Бернини и скульптура римского барокко
Доминирующей фигурой в скульптуре барокко был Джан Лоренцо Бернини (1598–1680). Он был сыном флорентийского скульптора Пьетро Бернини, которого папа Павел V вызвал в Рим. Молодой Бернини сделал свои первые сольные работы в возрасте пятнадцати лет, а в 1618–25 получил большую комиссию за статуи для вилла кардинала Сципиона Боргезе. Его работы, очень драматичные, предназначенные для того, чтобы их можно было увидеть с разных точек зрения, и поднимающиеся по спирали вверх, оказали огромное влияние на европейскую скульптуру. Он продолжал доминировать над итальянской скульптурой благодаря своим работам о римских фонтанах, Балдекине Святого Петра и гробнице папы Александра VII в Базилике Святого Петра, а также его алтарном ансамбле для церкви Санта-Мария делла Виттория в Риме. Он получил свою последнюю комиссию по фонтанной скульптуре для Фонтана слона (1665–1667), за которой последовала серия ангелов для моста Сант-Анджело в Риме (1667–69).

Бернини умер в 1680 году, но его стиль оказал влияние на скульпторов по всей Европе, особенно во Франции, Баварии, Франции и Австрии.

Мадерно, Моти и другие скульпторы итальянского барокко
Щедрые папские комиссии сделали Рим магнитом для скульпторов в Италии и по всей Европе. Они украшали церкви, площади и, по особой римской традиции, новые популярные фонтаны, созданные папами вокруг города. Стефано Мадерна (1576–1636), родом из Биссоне в Ломбардии, предшествовал работе Бернини. Он начал свою карьеру с изготовления уменьшенных копий классических произведений из бронзы. Его главной крупномасштабной работой была статуя Святого Сесиля (1600 г., для церкви Святой Сесилии в Трастевере в Риме. Тело святого лежит растянуто, как в саркофаге, вызывая чувство пафоса.

Другим ранним важным римским скульптором был Франческо Моти (1580–1654), родившийся в Монтеварки, недалеко от Флоренции. Он сделал знаменитую бронзовую конную статую Александра Фарнезе для главной площади Пьяченцы (1620–1625 гг.

) И яркую статую Святой Вероники для базилики Святого Петра, настолько активную, что она, похоже, собирается выпрыгнуть из ниши.

Среди других известных итальянских барочных скульпторов был Алессандро Альгарди (1598–1654), чьей первой крупной комиссией была гробница Папы Римского Льва XI в Ватикане. Его считали соперником Бернини, хотя его работа была похожа по стилю. Среди других его главных работ — большой скульптурный барельеф легендарной встречи Папы Льва I и Аттилы Гунна (1646–1653 гг.), На которой папа убедил Аттилу не нападать на Рим.

Франсуа Дукесной (1597–1643), родившийся во Фландрии, был еще одной важной фигурой итальянского барокко. Он был другом художника Пуссена и был особенно известен своей статуей святой Сусанны в Санта-Мария-де-Лорето в Риме и своей статуей святого Андрея (1629–1633) в Ватикане. Он был назван королевским скульптором Людовика XIII Франции, но умер в 1643 году во время путешествия из Рима в Париж.

Главными скульпторами позднего периода был Никколо Сальви (1697–1751), наиболее известной работой которого был проект фонтана Треви (1732–1751). Фонтан также содержал аллегорические произведения других выдающихся итальянских скульпторов в стиле барокко, в том числе Филиппо делла Валле Пьетро Браччи и Джованни Гросси. Фонтан во всем своем величии и изобилии представлял собой заключительный акт стиля итальянского барокко.

Франция
Основная часть французской барочной скульптуры была призвана прославить не Церковь, а французского монарха Людовика XIV Франции и его преемника Людовика XV. Многое из этого было создано скульпторами новой Королевской академии живописи и скульптуры, основанной в 1648 году, а затем под пристальным наблюдением министра финансов короля Жана-Батиста Кольбера. Французские скульпторы работали в тесном сотрудничестве с художниками, архитекторами и ландшафтными дизайнерами, такими как Андре Ле Нотр, чтобы создать скульптурные эффекты, найденные в Версальском дворце и его садах, других королевских резиденциях и статуях для новых городских площадей, созданных в Париже и других. Французские города. Кольбер также основал Французскую академию в Риме, чтобы французские скульпторы и художники могли изучать классические модели.

В начале периода барокко французские скульпторы находились под сильным влиянием художников Фландрии и Нидерландов. особенно маньеризм Джамболонья, а не скульптура Италии. Среди этих художников были Жермен Пилон (1525–1590), Жан Варин (1604–1672) и Жак Сарразин (1592–1660). Сам Бернини, на пике своей славы, приехал в Париж в 1665 году, чтобы представить свой план Лувра Людовику XIV. Королю не понравился Бернини или его работы, и план был отклонен, хотя Бернини произвел прекрасный бюст Людовика XIV, который теперь выставлен в Версальском дворце.

Лучшие французские скульпторы были заняты изготовлением статуй для фонтанов садов Версальского дворца и других королевских резиденций. Среди них были Пьер Пьюже, Жак Саразен, Франсуа Жирардон, Жан-Батист Туби, Антуан Койсевокс и Эдм Бушардон. Гийом Кусту создал особенно прекрасную группу лошадей для садов Шато-де-Марли.

В поздние годы эпохи барокко Жан-Батист Лемуан (1704–1778), директор Французской академии в Риме, считался лучшим скульптором в стиле рококо, хотя его известность затмила его ученик Жан-Антуан Гудон, возглавлявший переход французской скульптуры от барокко к классицизму.

Нидерланды и Бельгия
После отделения от Испании преобладающе кальвинистские Объединенные Области Нидерландов произвели одного скульптора с международной репутацией; Хендрик де Кейзер (1565–1621). Он также был главным архитектором Амстердама и создателем крупных церквей и памятников. Его самая известная скульптурная работа — могила Вильяма Тихого (1614–1622) в Нью-Керк в Делфте. Гробница была вылеплена из мрамора, первоначально черного, но теперь белого цвета, с бронзовыми статуями, изображающими Уильяма Безмолвного, Славу у его ног и четырех Кардинальных Добродетелей по углам. Поскольку церковь была кальвинистской, женские фигуры кардинальных добродетелей были полностью одеты с головы до ног.

Южные части Нидерландов, которые оставались в основном католическими, создали более сложный стиль барокко, более близкий к римскому. Самым выдающимся скульптором был Артус Квеллин Старший, член семьи знаменитых скульпторов и художников, а также сын другого скульптора, Эразм Квеллин. Он поселился в Антверпене в 1639 году. Он сблизился с Рубенсом, и в его работах к скульптуре применялись многие принципы композиций Рубенса.

Другим важным бельгийским скульптором в стиле барокко был Хендрик Франс Вербрюгген (1654–1724), который вырезал очень сложные скульптуры, полные библейских сцен, флоры и фауны, аллегорий и символов для церемониальных марионеток соборов и церквей в Брюсселе, Лувене, Антверпене, Мехелене, и другие города.

Англия
Ранняя скульптура барокко в Англии находилась под влиянием притока беженцев из религиозных войн на континент. Одним из первых английских скульпторов, принявших этот стиль, был Николас Стоун (также известный как Николас Стоун Старший) (1586–1652). Он учился у другого английского скульптора Исаака Джеймса, а затем в 1601 году у известного голландского скульптора Хендрика де Кейзера, который принял святилище в Англии. Стоун вернулся в Голландию с де Кейзером, женился на его дочери и работал в его студии в Голландии, пока не вернулся в Англию в 1613 году. Стоун адаптировал стиль погребальных памятников в стиле барокко, которым де Кейзер был известен, особенно в могиле Леди Элизабет Кэри (1617–18) и могила сэра Уильяма Керла (1617). Подобно голландским скульпторам, он также адаптировал использование контрастного черно-белого мрамора в погребальных памятниках, тщательно детализированную драпировку и сделал лица и руки с замечательным натурализмом и реализмом. В то же время, когда он работал скульптором, он также сотрудничал как архитектор с Иниго Джонсом.

Другой важной фигурой в английской скульптуре барокко был Луи Франсуа Рубилиак (1707–1767). Рубильяк родился во Франции, работал в студии Николя Кусту в Париже, а в 1730 году выиграл главный приз Французской академии за библейскую рельефную скульптуру. Он отправился в Англию, женился на протестанте и решил, что ему и его семье будет безопаснее в Англии. В Англии он случайно обнаружил пачку банкнот, которую он вернул ее владельцу. Владельцем был Эдвард Уолпол, естественный сын премьер-министра, который помог представить Roubilac аристократическим покровителям. Его самые известные работы включали в себя бюст композитора Генделя, сделанный при жизни Генделя для покровителя садов Воксхолл; и гробница Иосифа и Леди Элизабет Найтгейл (1760). Леди Элизабет трагически погибла от ложных родов, спровоцированных ударом молнии в 1731 году, и похоронный памятник запечатлел с большим реализмом пафос ее смерти. Его скульптуры и бюсты изображали его предметы такими, какими они были; они были одеты в обычную одежду и имели естественные позы и выражения, без претензий на героизм.

Германия и империя Габсбургов
Барочное движение процветало особенно в конце 17-го и начале 18-го века в Германии и государствах империи Габсбургов, управляемых из Вены. Протестантские иконоборцы разрушили большое количество церквей и статуй во время Реформации и Религиозных войн, и большое количество новых работ было сделано для их замены. Многие из новых работ выражали триумфальные темы; Геракл убивает льва, святой Михаил убивает дракона и другие предметы, которые представляли триумф католической церкви над протестантами.

Несколько скульпторов приехали из Нидерландов для участия в реконструкции. Среди них был Хуберт Герхард (1550–1622) из ​​Амстердама, студент Джамболоньи, которому немецкий банкир Ганс Фуггер поручил изготовить монументальный фонтан для своего замка в Кирхгайме. Это был первый итальянский фонтан в стиле барокко, построенный к северу от Альп. Вскоре Герхарду было поручено изготовить фонтан в итальянском стиле барокко для городской площади в Аугсбурге и статую святого Михаила, убивающего дракона для резиденции принца в Мюнхене. Скульпторы Ганс Крумпер (1570–1634), Ганс Рейхле (1570–1624) и уроженец Голландии Адриан де Врис (1545–1626) сделали подобные монументальные бронзовые фонтаны и статуи, полные действия и драмы, для церковных фасадов и городских площадей в Баварии.

Одним из самых необычных немецких скульпторов в позднем барокко был Франц Ксавер Мессершмидт, который был известен как религиозной скульптурой, так и серией скульптурных портретов, изображающих экстремальные выражения.

Балтазар Пермозер (1651–1732) провел четырнадцать лет в Италии, с 1675 по 1689, прежде чем стать придворным скульптором в Дрездене. Он работал в Венеции, Риме и Флоренции и привез итальянское барокко в Дрезден, особенно в сады, а также для внутренней отделки дворца Цвингер. Его самая известная работа была скульптурой Апофеоза принца Евгения Савойского, генерала, который победил вторжение турок-османов. Князь изображен ногой на побежденном турке и с атрибутами Геркулеса. Его скульптурная кафедра для Хофкирхе в Дрдсене является еще одним шедевром барочной скульптуры.

Самым драматическим театром барочной скульптуры в Германии была церковная архитектура. Особо сложные переставные и высокие алтари. переполненные статуями и поднимающиеся почти до потолков, были созданы Гансом Рихле, Йоргом Зурном, Гансом Деглером и другими художниками. Семья Михаэля Цюрна произвела несколько поколений очень продуктивных скульпторов, создавая фигуры из полихромного или позолоченного дерева и лепнины. Среди других художников, производящих замечательные ретабли, был Томас Шванталер.

В Вене поздние годы 18-го века создали несколько необычных произведений, которые ознаменовали переход от барокко к рококо. К ним относится Падение ангелов в церкви Святого Михаила в Вене, автор Карл Георг Мервилл.

Испания
Появление стиля барокко в Испании, как и в Италии, было в значительной степени обусловлено католической церковью, которая использовала его во время контрреформации как мощное оружие против протестантов. Подавляющее большинство работ было сделано для гробниц, алтарей и часовен. В то же время 17-й век был периодом экономического спада и политической и культурной изоляции; немногие испанские художники путешествовали за границу, и лишь несколько скульпторов из Северной Европы, в частности фламандский художник Хосе де Арсе, приехали в Испанию. В результате испанское барокко развивалось независимо от остальной Европы и имело свои специфические особенности.

Коронация французского Филиппа V, внука Людовика XIV, как короля Испании, и дебюта династии Бурбонов в начале 18-го века привели к драматическим изменениям в культурной политике и стиле. После этого комиссии по крупным произведениям искусства контролировал король, а не церковь и королевская академия художеств. Как и во Франции, определены предметы, стиль и материалы. Этот период продолжался до 1770 года.

Большое количество скульптур было заказано для реставраций, реликвий и погребальных памятников в церквях, а также для скульптур религиозных процессий. Появились новые темы, в частности, работы, посвященные культу Девы Марии. Стиль, рассчитанный на популярность, склонен к реализму. Наиболее часто используемые материалы — это дерево, которое часто окрашивали в разные цвета. Начиная примерно с 1610 года, появился один специфически испанский элемент реализма; скульпторы подарили свои статуи парики из настоящих волос, использовали кусочки хрусталя для слезинок, зубы из настоящей слоновой кости и цвета кожи, окрашенные с осторожным реализмом.

В начале 16 века существовали две важные школы испанской скульптуры: кастильская и андалузская. Акцент в кастильской школе был больше на жертвах и мученичестве с изобилием ярких страданий. Школа Андалусии обычно использовала большее украшение и меньше насилия; Младенец Христос и Дева Мария были более частыми подданными, чем в Кастилии. Первым центром стиля Кастилии был Вальядолид, где с 1601 по 1960 годы жил испанский король Филипп III. Самым важным художником ранней кастильской школы был Грегорио Фернандес (1576–1636). Его ранние работы показали необычайный реализм и натурализм, показывая все раны. Его «Снятие с креста» в Вальядолиде, очень подробный и реалистичный, был сделан для того, чтобы его несли в процессии. Его успех позволил ему создать большую мастерскую со многими помощниками, а также сделать очень масштабные работы, в частности реставрацию Кафедрального собора Пласенсиа, сделанную в 1625–32 гг., Который считается одной из самых ярких черт испанского искусства в первой половине. 17-го века.

Другим ранним центром испанской скульптуры в стиле барокко был город Севилья, который был значительно обогащен богатством испанских колоний в Новом Свете. Самым важным скульптором ранней севильской школы был Хуан Мартинес Монтаньес (1568–1649), чьи работы изображали баланс и гармонию с минимумом насилия и крови. Другим важным скульптором в Севилье был Педро Рольдан (1624–1699), основной работой которого был роскошный стол, изображающий спуск с Креста Христова, сделанный для Больницы де Кайдад в Севилье (1670–72). Дочь Рольдана, Луиза Рольдан (1654–1704), также добилась известности за свою работу и стала первой женщиной, назначенной королевским скульптором в Испании.

Среди других известных испанских скульпторов в стиле барокко — Алонсо Кано из Гренады (1601–1634), который также был активным художником и скульптором, чьи работы отличались идеализированным натурализмом. Его ученик, Педро де Мена (1628–1688), стал одним из самых важных скульпторов севильской школы с его тонкими и реалистичными статуями святых в натуральную величину.

В начале 18-го века было создано несколько щедрых работ в стиле барокко, в том числе алтарь El Transparente, созданный Нарцисо Томе в Толедо, огромный алтарь, созданный так, что, когда свет меняется, кажется, что он движется. Это была одна из редких работ в Испании, которая была сделана из бронзы и мрамора, а не из дерева. Это был центральный элемент огромного комплекса искусства, состоящего из скульптуры, живописи и архитектуры, который занимает центр собора.

С приходом к власти династии Бурбонов центр художественного мира сместился в Мадрид, источник королевских комиссий. Изоляция испанского искусства от искусства остальной Европы закончилась с приходом французских и итальянских художников, которых пригласили украсить королевский дворец. Это также принесло новые произведения искусства, склонные к крайности, в том числе измученную «Голову святого Павла» Хуана Алонсо Вильбриль-и-Рона, а также более тонкие работы, в том числе скульптуру святого Флорентийца Франсиско Сальзильо.

Правление Карла III в Испании (1760–1788 гг.) Резко оборвало испанское барокко и перешло к неоклассицизму. В 1777 году король постановил, что все алтарные скульптуры и столы должны быть предварительно одобрены Королевской академией Сан-Фернандо, и что мрамор и камень, а не дерево, должны использоваться, когда это возможно, в скульптуре.

Латинская Америка
Самым ранним скульптором и архитектором в стиле барокко, работавшим в Латинской Америке, был Педро де Ногера (1580-), родившийся в Барселоне и ученик в Севилье. В 1619 году он переехал в вице-королевство Перу, где вместе с Мартином Алонсо де Меса он лепил хоровые киоски в стиле барокко Кафедральной базилики Лимы (1619-).

Скульптура в стиле барокко была перенесена в другие части Латинской Америки испанскими и португальскими миссионерами в 18 веке, которые заказали местных художников. Он использовался в основном в церквях. Школа Кито в Эквадоре была важной группой скульпторов в стиле барокко. Видными художниками школы были Бернардо де Легарда и Каспикара.

Caspicara (1723–1796) был эквадорским художником, который делал изящные и декоративные фигуры для показа в церквях. Он был центральной фигурой в так называемой школе в Кито.

Алейджадиньо (1730 или 1738–1814) был сыном португальского колониста и африканского раба. Он известен группой монументальных статуй святых из мыльного камня (1800–1805) для Сантуарио де Бом Хесус де Матозиньюш в Конгоньясе, который в настоящее время является объектом Всемирного наследия ЮНЕСКО. Он также сделал серию фигур Страстей в натуральную величину, изображающих события, приведшие к Распятию Христа (1780–90).

Барочная скульптура в других странах
В Нидерландах скульптура стала актуальной, хотя и далека от живописи. В Южных Нидерландах (католики, принадлежащие к испанской монархии, обычно именуемой «Фландрия»), где преобладали религиозные образы, подчеркивающие строительство кафедр, они были покрыты постоянно растущим украшением, прибывающим задолго до XVIII века, чтобы построить Известные работы, в которых скульптурный дисплей занимает центральное место перед своей функцией литургического предмета мебели. Выдающимся примером является кафедра брюссельского собора Хендрика Франса Вербруггена. Среди рассматриваемых скульпторов можно назвать Йеруна Дукесного (Манекен Пис, его сына Франсуа Дукесного (который работал в основном в Риме) и Лукаса Файдербе.

В Северных Нидерландах (преимущественно протестантских, независимых — обычно называемых в общем «Голландией»), где портрет выделялся на бюстах или изображениях роскошно украшенных гробниц, работали Хендрик де Кейзер и Ромбоут Верхулс. Артус Квеллин работал в обеих областях.

В Португалии, как и в Испании, преобладала резьба по дереву полихромная с религиозной тематикой. Фрай Сиприано да Круз и Антонио Феррейра выделялись. Феррейра был одним из известных португальских барристов 18-го века, создавших монументальные сцены Рождества, составленные из маленьких фигурок терракоты.

В начале 18-го века богатство, полученное от бразильских шахт, способствовало прибытию иностранных художников: Клод Лапрад, французского происхождения, работал в Коимбре и Лиссабоне, в то время как итальянские работы и художники были привезены, чтобы украсить Национальный дворец Мафры. которые представили модели барокко этих стран в Португалии. Но именно в резной работе были созданы самые оригинальные работы. Барочный стиль алтарей переполнял их площадь, покрывая стены и потолки золотыми столярными работами.

Также как и Испания, Португалия экспортировала в свои колонии модели, техники и темы в различных видах искусства. Величайшим скульптором и выдающимся бразильским архитектором, жившим между барокко и рококо, был Алейхадиньо.

В Польше, в то время присоединившейся к Великому княжеству Литовскому, сохранилась традиция ренессансной погребальной скульптуры, которая постепенно адаптировалась к вкусу барокко. В орнаменте церквей широко использовались лепные украшения, а также алтари из полихромных скульптур с золотыми облачениями.

Это было во второй половине 18-го века, когда львовская школа скульптур развивалась в Галиции, наиболее выдающейся эпохе, в которой можно наблюдать сходство с баварской или австрийской скульптурой. Скульпторы, такие как Себастьян Фесингер немецкого происхождения или Антони Осински, создавали изображения в динамичных композициях с ярко выраженными металлическими плиссированными тканями. Его главной фигурой был Иоганн Георг Пинсель. В его сохранившихся работах, наряду с общими для школы характеристиками, наблюдается сильный драматический заряд и очень выраженная выразительность.

Поделиться ссылкой:

  • Нажмите, чтобы поделиться на Twitter (Открывается в новом окне)
  • Нажмите здесь, чтобы поделиться контентом на Facebook. (Открывается в новом окне)
  • Нажмите, чтобы поделиться записями на Pinterest (Открывается в новом окне)
  • Нажмите, чтобы поделиться записями на Tumblr (Открывается в новом окне)
  • Нажмите, чтобы поделиться на LinkedIn (Открывается в новом окне)
  • Нажмите, чтобы поделиться в WhatsApp (Открывается в новом окне)
  • Нажмите, чтобы поделиться в Skype (Открывается в новом окне)
  • Нажмите, чтобы поделиться в Telegram (Открывается в новом окне)
  • Нажмите, чтобы поделиться на Reddit (Открывается в новом окне)
  • Нажмите, чтобы поделиться записями на Pocket (Открывается в новом окне)

Классицизм и барокко: сравнение направлений искусства

Искусство 17-18-го веков сформировало два удивительных стиля — классицизм и барокко. Эти два крупнейших общеевропейских стиля существовали бок о бок на протяжении двух веков. Несмотря на очевидные различия, они тесно взаимодействовали друг с другом. За время своего развития, классицизм и барокко нашли себя не только в мировой и российской архитектуре, но также в скульптуре, литературе, интерьере и художественном искусстве. Сравнение классицизма и барокко, двух стилей, ярких, эпатажных и неповторимых, рассмотрим далее.

История классицизма

Классицизм в переводе с латинского — «образцовый». Запоминающиеся направление в европейской культуре возникло в 17-м в. Это была эпоха укрепления монархии, все должно быть идеально и в то же время роскошно, что прослеживается в безупречных фигурах античного мира.

Основателем стиля классицизм стала Франция, где летал дух свободы и совершенства человека как духовного, так и физического. Строгие, идеальные силуэты в архитектурных ансамблях, античные сюжеты в живописи и скульптурах, богатое, но сдержанное убранство интерьеров. Все это — черты классицизма.

В России этот стиль закрепился при Екатерине II, ее желание европеизировать страну сыграло ключевую роль в постройке знаменитых памятников архитектуры того времени.

Классицизм — это классика, гармония человека и природы, простая и лаконичная в своем направлении. Стиль, где нужно соблюдать определенные правила, очень быстро нашел себя в дворцовой культуре в Германии, Италии, Англии и России.

История барокко

Барокко значит — «распущенный», «склонный к излишествам». Основателем этого помпезного стиля стала Италия. Конец 16-го в. — эпоха Возрождения, укрепления католической власти, яркая, смелая и величественная, она должна была производить впечатление. Все отличительные элементы барокко нашли воплощение в католических городах Италии.

Однако европейские страны также взяли для себя некие атрибуты и элементы «распущенного» итальянского стиля. Англия, Франция, Россия использовали новое веянье культуры в своей архитектуре и интерьере, дабы подчеркнуть свой блеск и уникальность.

Стиль, ориентированный на создание иллюзии богатства и роскоши церкви, а также итальянской знати, впоследствии нашел отражение во всех странах Европы, Америки и России. И остался бессмертным спутником католической церкви.

Сравнение стиля барокко и классицизма

Два стиля на протяжении веков идут рядом друг с другом. Однако они имеют явные различия в истории и целях создания, в воплощении в искусстве.

Сравнение классицизма и барокко

НаправлениеКлассицизмБарокко
Общее

За образец берется античное искусство. Простота, утонченность, понятные и лаконичные образы. Идеальная рациональность. Строгость, единые образы, равновесие деталей

За образец берется роскошь и помпезность, демонстративное богатство. Сильные контрасты, театральность. Яркая экспрессивность

В искусстве

Объемные уравновешенные композиции, четкость линий, античные идеалы в искусстве. Понятный сюжет, сдержанные эмоции

Стремительное развитие действий. Сильные, яркие эмоции. Восторженные образы. Замысловатый сюжет
В архитектуреСтрогие четкие формы. Масштабность. Величие. Гармоничные пропорции, монументальность. Строгая простотаСложные криволинейные формы. Праздничная напыщенность. Масштабные колоннады, искажение пропорций строений. Цветовые контрасты, большие окна
В интерьереДорогие, сдержанные материалы. Спокойные цвета, богатая простота. Преобладание геометрических форм. Античные орнаментыБогатые, разнообразные материалы в декоре. Яркие сочетания, золото, мрамор, лак. Сложные орнаменты. Роспись на потолке, крупногабаритная мебель

Классицизм и барокко наглядно

Основные черты барокко и классицизма роскошь и сдержанное богатство. Оба стиля нашли свое отражение в дорогих произведениях искусства и ярких архитектурных сооружениях. Рассмотрим самые известные объекты двух разных стилей одного периода времени.

Классицизм — это, конечно, площадь Восстания и Пантеон в Париже. Исаакиевский и Казанский соборы в Петербурге. Большой театр в Варшаве. Знаменитая картина Жака-Луи Давида «Переход Наполеона через Альпы» — совершенно отражает стиль классицизма в живописи. «Психея, разбуженная поцелуем Амура» — самая известная статуя в классицизме. Архитектурный ансамбль «Аполлон и нимфы» — невероятный по своей красоте пример классического стиля.

Тогда как барокко известен нам по Смольному собору в Санкт-Петербурге, Оперному театру в Одессе и, конечно, же Католическому храму в Ватикане. Рубенс и Караваджо — самые узнаваемые живописцы в стиле барокко. А итальянец Лоренцо Бернини раскрывает нам всю выразительность барокко в своих потрясающих скульптурах.

Классицизм и барокко в архитектуре

Как мы можем видеть из описаний и сравнений двух стилей, различия барокко и классицизма очевидны. В последнем — это обращение прежде всего к античному зодчеству, в барокко — к роскоши католических храмов.

Классицизм и барокко в архитектуре, сравнение на примере двух выдающихся памятников

Базилика дель Санта Кроче, Италия — типичный пример итальянского барокко. Отличительные особенности — пышный декор и множество статуй на фасаде. Скульптуры, балконы, колонны, сложная форма здания. Центр венчает огромное круглое окно — уже выход за стандарты типичной архитектуры. Кариатиды и атланты, причудливые формы — все это отличительные черты барокко.

Классицизм — это Большой театр в Москве. На его примере мы можем увидеть характерные черты в архитектуре этого стиля. Простота и лаконичность. Монументальность и строгость. Четкие формы, колонны. Маленькие окна стандартной формы. Сдержанный рисунок лепки на фасаде с типичными узорами античного мира. Четкая геометрическая форма строения. Приятный неброский однородный цвет всего здания.

Архитектура барокко и классицизма в сравнении очень различны. С первого взгляда можно отличить их друг от друга: вычурность барокко бросается в глаза, безусловно, это сложные архитектурные произведения. Тогда как здания в стиле классицизма настолько имеют четкие пропорции и строгий вид, что невольно заставляют задуматься о своем величии и монументальности.

Классицизм и барокко в живописи

Выходцы из одной временной эпохи, классицизм и барокко, тем не менее, имеют отличительные черты в искусстве.

Микеланджело — один из самых известных итальянских художников, который задал новый стиль в живописи — барокко. Это преимущественно религиозные сюжеты, яркие образы, эмоциональные сцены из жизни обычных людей. Контраст цветов, свет и полумрак, много предметов быта, реалистичность эмоций. Последователи этого стиля в искусстве — Аннибале Карраччи и Гвидо Рени.

Классицизм не менее живописен, но за основу берется античная Греция. Рафаэль, Джулио Романо на своих полотнах изображают идеальные физические формы божественных персонажей. Холодные мифические сюжеты завораживают своей лаконичностью, ничего лишнего, до мелочей продуманная композиция и пространство вокруг действующих лиц.

Можно выделить главные элементы в сравнении направлений искусства классицизма и барокко. Во-первых, это реальная эмоциональность барокко, сила сюжета и красочность образов, и во-вторых, сдержанная красота античной мифологии, понятная и лаконичная в своем проявлении.

Сравнение классицизма и барокко в интерьере

Помимо выдающихся произведений искусства и невероятных памятников архитектуры, барокко и классицизм нашли отражение и в интерьере домов и комнат. Далее — сравнение классицизма и барокко в убранстве помещений.

Свои основные черты эти два стиля привнесли и в интерьер. Прежде всего это дорого. В обоих случаях — это роскошь и богатство. А дальше можно говорить о цветовых решениях. Барокко — это всегда ярко, всегда золото, мрамор, лакированные поверхности. Множество дополнительных предметов, сложная форма мебели и причудливые узоры балдахинов и обивки кресел. Безусловно, это та красота, в которую хочется погрузиться, каждый предмет, которой хочется изучать. Восхищение и помпезность, то, что так любят короли.

Классицизм в этом плане играет на контрасте с барокко. Сдержанные пастельные цвета, гармонирующие между собой. Спокойный, но не менее величественный интерьер создан, скорее, успокаивать, нежили будоражить. Преимущественно светлые тона, четкость линий, правильность предметов. Функциональность атрибутов интерьера, не лишенная, тем не менее, своего очарования.

Классицизм и барокко в России

В Россию эти два стиля пришли в 18-м в. Царская Россия была в тесном контакте с европейскими государствами и не хотела отставать в возможности продемонстрировать свое величие.

Барокко и классицизм в архитектуре России воплотил, преимущественно, Растрелли. Именно он занимался реконструкцией и возведением основных зданий Петербурга в то время. Естественно, стили были русифицированы, переняв основные принципы двух направлений, традиционное русское зодчество было сохранено. Смольный монастырь, пожалуй, самый яркий представитель барокко в Петербурге, тогда как «изюминкой» классицизма является, естественно, Казанский собор. У истоков этого стиля в России стояли архитекторы В. Баженов, М. Казаков, И. Старов, возведенные по их проектам церкви и дома можно увидеть в Москве.

Барокко и классицизм в русской архитектуре играют большую роль. Как в историческом проявлении — основание Петербурга, новая Москва, так и в борьбе за равенство русских писателей-классицистов.

Сейчас невозможно представить наши города без Эрмитажа, Академии наук и Таврического дворца.

Классицизм и барокко в наше время

В современном мире архитекторы часто обращаются к барокко и классицизму, сравнивая и смешивая эти стили. Времена королей и императоров прошли, а любовь к роскоши и величию осталась. Сейчас можно увидеть уже современные замки в стиле барокко где-нибудь на Рублевке или дачу очередного олигарха в стиле классицизма в поселке Нирвана под Петербургом.

В отеле «Трезини» вы можете погрузиться в роскошь царей, а в ресторане «Ампир» отведать блюда современных королей. Но это уже сегодняшняя роскошь, хотя доступна она по-прежнему не каждому.

Барокко и классицизм в архитектуре

Архитектура как искусство тесно связана с обществом и культурой. Если в отношении живописи и скульптуры иногда вполне применимо выражение «стиль – это человек», то в отношении к архитектуре гораздо правильнее было бы сказать, что «стиль – это эпоха» (Виппер Б. Р., Статьи об искусстве, Москва, 1970, стр. 156).

Европейская культура XVII-XVII веков пополнила многообразие архитектурных направлений двумя новыми яркими стилями, посредством которых происходило самовыражение основополагающих идей того времени. Этими великими направлениями были барокко и классицизм. Оба архитектурных направления развивались на базе ренессанса, однако, оба стиля получили совершенно разную образную и идейную основы. Как барокко, так и классицизм, оказали сильнейшее влияние на различные области культуры – литературу, живопись, архитектуру, музыку, театр.

В данной работе мы рассмотрим основные черты и особенности европейской архитектуры XVII-XVII веков, отразившей оба этих стиля.

Барокко и классицизм в архитектуре

Стили барокко и классицизм стали непосредственным развитием идей XVII века, начала Нового времени. Нельзя не отметить их тесную взаимосвязь, хотя и характерных, присущих лишь конкретному направлению особенностей, также достаточно много.

Барокко зародился в Италии и был распространен в европейском искусстве до середины XVIII века. Классицизм так же был характерен для искусства Европы и особенно ярко проявился во второй половине XVIII века. Стиль барокко был призван продемонстрировать роскошь и богатство, ему присуща повышенная эмоциональность, динамизм, иррационализм и экспрессия, в то время как для классицизма характерно воплощение лучших образцов античности, благородная простота, рационализм, он следует принципам порядка, согласованности и единообразия.

Для архитектуры стиля барокко характерны следующие черты:

— парадность и напыщенность,

— вычурность и сложность форм,

— пространственные иллюзии, искажающих пропорции здания,

— игра света и тени.

Среди характерных особенностей архитектуры классицизма можно выделить:

— ощущение величия, масштабность,

— строгость форм,

— равновесие частей, гармоничность пропорций,

— функциональность, упорядоченность.

В следующих разделах рассмотрим особенности архитектуры барокко и классицизма в европейских странах XVII-XVIII вв.

Барокко в странах Европы XVII-XVIII вв.

Особенности стиля барокко

Барокко (термин ведёт своё происхождение от итальянского barocco — «причудливый», «странный», «склонный к излишествам») — господствующий стиль в европейском искусстве конца XVI — середины XVIII веков. Для архитектуры барокко характерны пространственный размах, слитность, текучесть сложных, как правило криволинейных форм, составленных из причудливых, асимметричных рисунков. «Барочное искусство апеллирует прежде всего к чувствам, используя при этом многообразие иллюзий и весь набор средств, которыми художник способен очаровать, убедить своего зрителя и, в конечном итоге, вызвать у него глубокий внутренний отклик» (Барокко. Архитектура. Скульптура. Живопись. Под редакцией Рольфа Томана. Издательство: Konemann, 2004. стр. 7). Часто встречаются развернутые масштабные колоннады, массивные парадные лестницы, волюты (архитектурный мотив в форме спиралевидного завитка с кружком), изобилие скульптуры на фасадах и в интерьерах, рустованные колонны и пилястры, большое число выступов плоскости фасадов, лучковые фасады с раскреповкой в середине, лепнина, роспись и резной орнамент. Купола приобретают сложные формы, часто они многоярусны, как, например, у собора Св. Петра в Риме.

В палитре стиля барокко пастельные и приглушенные тона используются наряду с контрастными цветами — красным, белым, розовым, голубым с желтым оттенком.

Типичные детали барокко — теламон (атлант), кариатида (статуя одетой женщины), маскарон (декоративный рельеф в виде маски, изображающей человеческое лицо или голову животного).

Развитие стиля барокко в Италии

Одним из первых памятников архитектуры барокко в Италии, послужившим предвестником расцвета стиля, стала церковь Иль-Джезу (Приложение 1, рис. 1), спроектированная архитекторами Д. Виньола и Д. делла Порта, построенная в 1568 — 1584 годах. «В качестве образца для церкви Иль-Джезу Виньола берет церковь Сант’Андреа в Мантуе, построенную Альберти в XV в.: сочетание единственного сводчатого нефа с куполом на стыке трансепта. Благодаря высоким окнам и купольной башенке хорошо виден алтарь, что соответствовало решениям Тридентского собора, уделившего особое внимание участию верующих в отправлении службы» (Ф. Дасса. Барокко. Архитектура между 1600 и 1750 годами, стр. 14).

Интерьер церкви наполнен торжественностью: здание украшают мощные колонны и пилястры, фрески, среди которых особо выделяется роспись плафона, выполненная Джованни Баттиста Гаули. Под куполом церкви изображены фигуры, которые, благодаря оптической иллюзии, кажутся объемными и полновесными, несмотря на то, что написаны на одной плоскости.

В итальянской архитектуре также особо выделяются творения Карло Мадерны. Вероятно, самое заметное из них — фасад римской церкви Санта-Сусанна, построенной в 1603 году — это первый пример распространившихся в XVII веке фасадов с двумя или несколькими, надстроенными друг над другом, ордерами. Также особое внимание следует уделить работам Лоренцо Бернини — ему принадлежит оформление площади собора Св. Петра в Риме. В самом сердце площади установлен египетский обелиск, а обрамляется она полукруглыми колоннадами тосканского ордена.

Стоит отметить, что значительный вклад в формирование итальянского барокко также внесли архитекторы Г.Гварини, Ф. Борромини, Р.Райнальди.

Барокко в других европейских странах

Стиль барокко получает распространение в Испании, Бельгии (тогда Фландрии), Германии, Нидерландах, Франции. Во Франции стиль барокко выражен скромнее, чем в других странах. К французскому барокко причисляют Версальский дворец (Приложение 1, рис. 2), вместе с регулярным парком, Люксембургский дворец (Приложение 1, рис. 3), здание Французской Академии в Париже и др. Позже, в начале XVIIIв. французы выработали свой стиль, разновидность барокко — рококо. Он проявился не во внешнем оформлении фасадов зданий, а только в интерьерах, а также в оформлении книг, в одежде, мебели, живописи. Стиль был распространен повсюду в Европе.

В Германии выдающимся памятником барокко является Новый дворец в Сан-Суси (авторы — Х. Л. Мантер и И. Г. Бюринг) и Летний дворец (Г. В. фон Кнобельсдорф) (Приложение 1, рис. 4).

Самые крупные и знаменитые ансамбли барокко в мире: Версаль (Франция), Петергоф (Россия), Аранхуэс (Испания), Цвингер (Германия), Шёнбрунн (Австрия).

Классицизм в европейской архитектуре XVII-XVIII вв.

Особенности эпохи классицизма

Классицизм возник лишь чуть позднее барокко, и само его возникновение было вызвано попыткой оспорить идеи и принципы, проповедуемые барокко. Он отражал запросы буржуазии и присущую ему философию рационализма. «Свободному росту, зарастанию, случайности и неупорядоченности требовалось оставить — по возможности, и в области воспитания тоже — как можно меньше возможностей для существования» (Классицизм и романтизм. Архитектура. Скульптура. Живопись. Рисунок. Под редакцией Рольфа Томана. Издательство: Konemann, 2001, стр. 7). Проповедники классицизма полагали барокко «неправильным», неясным и запутанным с точки зрения четко сформулированных и взвешенных норм античной классики.

Архитектурный стиль классицизма был создан на закате эпохи Возрождения мастером из Венеции Палладио и его последователем Скамоцци. Основной чертой архитектуры времён классицизма являлось обращение к античному зодчеству как к квинтэссенции строгости, простоты, гармонии, логической ясности и монументальности. Архитектура классицизма в целом характеризуется регулярностью планировки и четкостью объемной формы. Основой архитектуры классицизма стал ордер, в пропорциях и формах своих близкий к временам античности. Для эпохи классицизма характерны симметрично-осевые композиции, сдержанность в декоративном убранстве, регулярная система планировки городов.

Классицизм в Англии

В английском классическом зодчестве XVII — начале XVIII века первоначально преобладало палладианство, в середине XVIII века возникает новое направление в классицизме, вобравшее в себя рациональные элементы. В архитектуре стремятся подчеркнуть конструктивный смысл гармонии. Идеальным обрамлением для здания нового типа комфортабельного жилого дома становится пейзажная среда «английского» парка. Близость к классицизму проявилась уже в барочном кафедральном соборе Св. Павла в Лондоне (1675—1710) (Приложение 2, рис. 1), проект которого вместе с планом перестройки части Лондона является работой выдающегося английского архитектора К. Рена. Наиболее строгим по своим теоретическим воззрениям зодчим-классицистом Англии первой половины XVIII века был Уильям Кент, требовавший от архитектурного произведения простоты внешнего и внутреннего облика и отвергавший всякую усложненность формы.

Классицизм в чистом виде в английской архитектуре представляет здание Королевского художественного общества Роберта Адама и Национальный банк в Лондоне (1788) Д. Соуна.

При решении некоторых сооружений использовались античные приемы в таких значительных зданиях, как Национальная галерея (1838 г. по проекту У. Уилкинса) или Британский музей в Лондоне (1825—1847) и театр Ковент Гарден (1823), относящийся к позднему классицизму (оба здания по проекту Р. Смерка).

Архитектура классицизма во Франции

Классицизм был ведущим стилем прежде всего во Франции, где господствовал во всем художественном творчестве, хотя и возник позже, чем в Англии.

Начало французского классицизма связано со строительствам храма Св. Женевьевы в Париже (позже он получил название Пантеона).

К античности больше всего приблизилась церковь Мадлен, строившаяся, начиная с 1764 г., по проекту П. Контана де Иври и завершенная архитектором П. Виньоном в период с 1806 по 1842 гг. (Приложение 2, рис. 2).

Классицизм внес изменения в планировочную и пространственную систему города, прорезал нерегулярную средневековую структуру улиц величественным комплексом прямых проспектов и площадей, а на пересечениях их осей разместил архитектурные монументы. “В планировании городов уважение перед заранее заданным и предначертанным Богом уступает сильному натиску решительной воли личности” (Классицизм и романтизм. Архитектура. Живопись. Скульптура. Рисунок. стр. 6).

Классицизм в архитектуре Германии

Зодчество Германии второй половины XVIII века развивалось в направлении классицизма, хотя в некоторых сооружениях этого времени все еще ощущаются влияние барокко. В области архитектурной теории Германия наряду с Францией занимала в XVIII веке руководящее положение среди европейских стран.

Произведения раннего немецкого классицизма — Бранденбургские ворота в Берлине (1789, автор К. Г. Лангханс), Национальный театр в Берлине, созданный Фридрихом Гилли (1797) (Приложение 2, рис. 3).

Поздний классицизм может быть представлен работами архитектора Л. Кленца, который в Мюнхене создал площадь, ограниченную Глиптотекой (музей античной скульптуры), Пинакотекой (картинная галерея) и Пропилеями (1816—1862).

Классицизм в итальянской архитектуре

Становление классицизма в Италии происходило не столько под воздействием непосредственно античных памятников, сколько под влиянием позднего Возрождения и основных его представителей, особенно Андреа Палладио.

Среди наиболее известных сооружений классицизма в Италии:

— оперный театр «Ла Скала» в Милане (Приложение 2, рис. 4) ,

— перестроенный театр Сан Карло и собор Сан Франческо де Паоло в Неаполе,

— небольшая церковь Санта Мариа дель Приорато в Риме, созданная Пиранези, в которой ощущаются далекие отзвуки архитектуры XV века.

Архитектура барокко отличается буйством и динамичностью форм. Для классицизма характерны стройность и равновесие всех деталей. В барокко используются пространственные иллюзии, искажающие пропорции и придающие масштабность. Классицизм основывается на гармоничности пропорций, берущих начало в античной традиции.

Оба стиля развивались в эпоху Нового времени и внесли огромный вклад в историю искусства, пополнив культурное наследие Европы великими архитектурными сооружениями, именами талантливых архитекторов, повлияли на облик европейских городов и дальнейшее развитие архитектуры и градостроительства.

Использованная литература

1) Барокко. Архитектура. Скульптура. Живопись. Под редакцией Рольфа Томана. Издательство: Konemann, 2004.

2) Виппер Б. Р., Статьи об искусстве, Москва, 1970.

3) Дасса Ф., Барокко. Архитектура между 1600 и 1750 годами, Издательство АСТ, 2002.

3) Классицизм и романтизм. Архитектура. Скульптура. Живопись. Рисунок. Под редакцией Рольфа Томана. Издательство: Konemann, 2001.

1. Итальянская архитектура XVIII века. История искусства всех времён и народов. Том 3 [Искусство XVI–XIX столетий]

1. Итальянская архитектура XVIII века

В XVIII веке в Италии барокко окончательно вытесняется классическими мотивами в архитектуре. В целом, эта область испытывает существенное французское влияние, иногда приводящее к заимствованиям стиля рококо. В силу специфики политического устройства Италии, искусство здесь развивается по-разному в разных городах.

Прихоти легкокрылого стиля Людовика XVI были намечены, по крайней мере в виде возможностей, последними шагами развития итальянского барокко. Для возвращения к высокому ренессансу и к антику подавляющее большинство образцов находилось на итальянской почве, и даже в научной и критическом подготовке этого поворота приняли деятельное участие такие итальянские ученые и художники, как Гори, Маффеи и Муратори, как Пиранези, Феа и Эннио Квирино Висконти. Решительные начинания и сочинения, преобразовавшие художественную жизнь их времени, исходили за исключением разве только публикаций Пиранези — по большей части от северных исследователей и мыслителей; вместе с тем решительные стилистические перемены произошли — за исключением, быть может, театральных построек и их декоративного убранства — не на итальянской, а на французской, английской и немецкой почве.

В итальянской архитектуре XVIII века последние отпрыски барокко лишь в наиболее типичных случаях могут быть резко отделены от нового классицизма, который здесь редко заходит глубже Палладио; что же касается французского искусства рококо, то влияние его на итальянской почве может быть указано лишь в отдельных архитектурных сооружениях, например в декорации зала палаццо Серра в Генуе, правда, исполненных французом Шарлем де Вальи и представляющих уже переход к стилю Людовика XVI, а также в великолепных залах Королевского дворца и Филармонического общества в Турине, принадлежащих еще наполовину итальянскому барокко. В общем, в итальянском зодчестве XVIII века, с самого начала почти совершенно избегавшего извилистых линий, свойственных Борромини или Гварини, совершается медленный процесс перерождения, приводящий постепенно к умеренному, иногда еще живописному, но чаще всего сухому классицизму. В крупных церковных и светских архитектурных задачах и в XVIII веке не было недостатка почти ни в одном итальянском городе.

Рис. 212. Церковь Сан-Джованни Латеранского собора в Риме, построенная Алессандро Галилеи.

Уже в самом Риме нас встречает целый ряд величественных церковных и дворцовых фасадов, широких лестниц и фонтанов XVIII века. Празднично нарядный, созданный словно из одного куска травертинского камня в 1734 г. флорентийцем Алессандро Галилеи (1691–1737) фасад Латеранского собора, два яруса галерей которого, с полуциркульными арками вверху, связаны одним рядом коринфских колонн и пилястров, едва ли еще заслуживает наименования барокко. Так как Галилеи жил некоторое время в Англии, то Гурлитт даже допускает в этом фасаде влияние школы Рена. Его прямые линии Галилеи сохранил и в фасаде церкви Сан Джованни де Фиорентини, с двумя рядами корректных коринфских колонн и пилястров. Но самой удачной римской постройкой этого мастера должна быть признана капелла Корсики в Латеране: греческий крест в плане, с благородным куполом над средокрестием и коробовыми сводами в изящных кассетах, во всех ее деталях чистый отзвук золотого XVI века. Снова ближе к барокко — фасад церкви Санта Мария Маджоре, сооруженный в 1743 г. флорентийцем Фердинандо Фуга (1699–1744), с мощными арочными пролетами верхнего этажа, а также палаццо делла Консульта (1747) того же архитектора, двор которого имеет лишь ложные перспективные аркады, и палаццо Корсики в Риме, славящийся красивыми настоящими аркадами своего двора и великолепной лестницей. В духе барокко, с легкой примесью классицизма, разбита и построена также обширная вилла Альбани, создание Карло Маркионне, и, несмотря на позднее время возникновения (1780), сооруженный Козимо Морелли (ум. в 1812 г.) треугольный палаццо Браски, частный дворец папы Пия VI, с роскошной лестницей. Церковь Санта Мария дель Приорато (Приорато ди Мальта) на Авентинском холме, выстроенная Джованни Баттиста Пиранези (1720–1778), издателем римских развалин и эскизов каминов, в которых Шефер видит основы с стиля ампир, представляет собой еще один пример «изумительно двусторонней», как выражается Буркгардт в своем «Чичероне», постройки, стоящей на границе между барокко и классицизмом.

Рис. 213. Фонтан Треви в Риме работы Николо Сальви.

Из лестниц Рима здесь должна быть названа знаменитая «испанская лестница» с ее довольно запутанно, но живописно переходящими друг в друга уступами и перилами. Это художественное и красивое сооружение было выполнено между 1721–1728 гг. Алессандро Спекки и Франческо де Санктис. Из римских фонтанов к ним примыкает незабвенный, широко и свободно развернутый на фасаде палаццо Поли, богатый живописными эффектами света и тени и изобильно украшенный скульптурами фонтан Треви (1735–1762) — лучшее произведение римского архитектора Никколо Сальви (р. около 1699 г., ум. в 1751 г.), которого Маньи называет «Рембрандтом архитектуры». Без испанской лестницы и фонтана Треви, еще исполненных в духе римского барокко, Рим не был бы Римом.

Рис. 214. Зала в виде греческого креста в Ватикане, построенная Микель Анджело Симонетти.

Настоящий подражающий антику стиль ввел в вечном городе лишь Микель Анджело Симонетти. Залы Ватиканского музея, возведенные им при папе Пие VI, именно Круглый зал (ala Rotunda) и зал в форме греческого креста (Sala a croce greca), показывает действительно поворот в стиле.

Старше всех этих римских мастеров был Филиппо Ювара из Мессины (1685–1736), работавший на севере и на юге Италии, главным же образом в Турине. Несомненно, находясь под влиянием французов, он был здесь представителем, в противоположность субъективному барокко Гварини, более спокойного и ясного переходного стиля, напоминающего в его работах то Палладио, то французский классицизм, а иногда даже и рококо.

Рис. 215. Церковь Суперга в Турине, построенная Филиппо Ювара.

В Турине Ювара выполнил в 1713 г. в духе умеренного барокко палаццо Мадама, несколько позже прелестные овальные церкви Санта Кристина и Санта Кроче, равно как светски грациозную церковь Санта Мария дель Кармине, в окрестностях Турина — замок Ступиниджи, знаменитый своим удивительным, вероятно принадлежащим французу Боффрану, планом и своей великолепной архитектурой в стиле итальянского барокко, и, наконец, стоящую на высокой горе величественную церковь Суперга (1717–1731). К церкви, внутри восьмиугольной, снаружи круглой центральной формы, известной великолепным куполом, он пристроил спереди далеко выступающий римско-коринфский притвор, увенчанный классическим фронтоном; все здание в целом представляет собой довольно холодную смесь мотивов римского высокого ренессанса, переживании барокко и придатков в античном духе. К постройкам Ювары в Мадриде, где он умер, мы еще вернемся.

В Неаполе переход от барокко к классицизму представляет ученик Ювары, Луиджи Ванвителли (1700–1773), сын нидерландского перспективного живописца Каспара ван Вителя. Его церковь Санта Аннунциата (нач. в 1760 г.), великолепная мраморная колонная постройка, фасад которой внизу расчленен в ионическом, а вверху в коринфском стиле, имеет еще типичные извилистые линии барокко. Наоборот, в его огромном Королевском замке в Козерте использованы, особенно в саду, французские мотивы. Середину здания составляет талантливо спланированный восьмигранник, классические пилястры оживляют длинные флигеля и обширные дворы.

Болонья также имела способных архитекторов; из них Альфонсо Торреджани выполнил огромный фасад церкви Сан Пьетро (1748), хотя и в прямых линиях, но все же неспокойно, а в дворцовых фасадах, в палаццо Рускони и палаццо Альдоврандини (1748–1753), в извилистых отдельных линиях и неспокойном нагромождении мотивов он дал доступ самым причудливым затеям барокко, в то время как Карло Франческо Дотти придал своей расположенной на высоте церкви Сан Лука (1731–1739) снаружи довольно грубый, рассчитанный на дальнее расстояние овал, а внутри богатую и органическую разделку, отличающую также его дворцы, например в палаццо Агукки (1740), состоящую из пилястров с квадратными плитами. Лишь Анджело Вентуроли (1749–1820) является нам в своих лучших болонских сооружениях, например лестнице палаццо Эрколани с портиками вокруг, последователем классицизма в духе Палладио.

В Милане работал уже затронутый духом классицизма ученик Ванвителли, Джузеппе Пьермарини (1736–1808), соорудивший здесь ряд сухих, но нелишенных гармоничности крупных построек, каковы палаццо Бельджойозо и знаменитый театр делла Скала, в Монце красивую виллу Реале, а в Павии руководивший перестройкой университета, славного своими 300 гранитными колоннами. Еще более строгим и холодным последователем классицизма является Симоне Кантони (1736–1818), исполнивший благородный белый мраморный фасад дворца дожей в Генуе, в 1794 г. палаццо Сербеллони Буска в Милане.

Виченца все еще находилась под влиянием классического позднего ренессанса великого Палладио. Так, Оттоне Кальдерари (1730–1803) дал в своем великолепном палаццо Корделлина (1776), дорический нижний этаж которого, украшенный обделанными рустикой окнами, несет изящный ионический верхний этаж, произведение, вполне пропитанное духом Палладио; в подобном же направлении работал в Вероне Алессандро Помпеи, таможня (1758) и Музей надписей которого изобличают стремление к классической чистоте форм.

Доменико Росси (ум. в 1742 г.) продолжал в Венеции традиции барокко и направление Лонгена. Ему принадлежат вычурный фасад церкви св. Евстахия и пышный палаццо Корнер делла Реджина. Его племянник Томмазо Теманца (1705–1789) воплощал в таких постройках, как круглая церковь, св. Магдалины, классицизм второй половины XVIII века, находивший удовлетворение в холодном подражании античным орденам колонн.

Каким влиянием пользовалась итальянская архитектура еще в XVIII веке, показывают ее проявления в соседних странах. Итальянские зодчие работали даже во Франции и в Испании и, как мы увидим, преобладали в России и часто в Германии. Итальянское искусство не ограничивалось в своем распространении только морем и Альпами.

gaz.wiki — gaz.wiki

Navigation

  • Main page

Languages

  • Deutsch
  • Français
  • Nederlands
  • Русский
  • Italiano
  • Español
  • Polski
  • Português
  • Norsk
  • Suomen kieli
  • Magyar
  • Čeština
  • Türkçe
  • Dansk
  • Română
  • Svenska

Внутренняя скульптура — ГМП «Исаакиевский собор»

Значительную роль в убранстве интерьера Исаакиевского собора играет скульптура. Здесь представлены апостолы, пророки, ангелы на сводах, в барабане купола и иконостасах. Особое место занимают работы И.П.Витали. В 1845-1850 годах он с помощниками Р.К.Залеманом и В.В.Беляевым оформлял своды храма. 

Пример синтеза скульптуры, архитектуры и живописи – барабан главного купола, выполненный в традициях Возрождения. Его украшают живописные изображения апостолов, между которыми располагаются 12 статуй ангелов. Над ангелами – пилястры, образующие со скульптурой единую вертикаль. Такое решение подчеркивает легкость и цельность архитектурной композиции.

Пророки на сводах в западной части храма, и ангелы в восточной части представлены в сложных динамических позах. Их пропорции учитывают восприятие снизу, в трактовке образов чувствуется влияние итальянского барокко XVIII века. 

Исключительный интерес представляет убранство иконостасов, гармонично сочетающее живопись, мозаику и скульптуру. 

Малые иконостасы венчают скульптурные группы Н.С.Пименова «Воскресение» в приделе св. Екатерины и «Преображение» в приделе св. Александра Невского. Они прекрасно сочетаются с архитектоникой иконостасов, удачно дополняют и завершают их.

«Воскресение» состоит из пяти фигур. Логический и композиционный центр группы – Иисус Христос. Его правая рука поднята вверх, голова запрокинута, всей фигуре придана динамика. Мотив устремленности Господа ввысь поддержан удачным решением позы ангела слева, создающей впечатление необыкновенной легкости. Предлагая динамичное решение этой группы, Пименов все же остался верен традициям классицизма: у скульптуры устойчивая, четкая композиция. Ниже располагаются фигуры воинов, присутствовавших при воскресении Христа. Они зрительно уравновешивают группу, сложные ракурсы которой свидетельствуют о влиянии барочной итальянской скульптуры. 

«Преображение» по решению композиционно близко «Воскресению». В центре фигура преображенного Иисуса Христа, слева и справа от Него – пророки, ниже – апостолы Иоанн и Петр. Фигура раскинувшего руки Господа кажется необыкновенно легкой и динамичной, пророки как бы парят в воздухе. Композиция носит остро эмоциональный характер: в образах апостолов Пименову удалось передать удивление, восторг и страх.

В целом убранство малых иконостасов отличается красочностью, богатством отделочных материалов и совершенством исполнения. 

Очень важную роль в пластическом убранстве интерьера играют три дубовые двери, украшенные многофигурными рельефами работы И.П.Витали. Северные врата посвящены свв. Исаакию Далматскому и Николаю Мирликийскому, на южных – сюжеты житий свв. Владимира Киевского и Александра Невского, на западных – апостолов Петра и Павла. 

Над каждой дверью помещен рельеф, сюжет которого раскрывает смысл находящейся выше надписи. Надпись над северной дверью: «Кесарева Кесареви Божия Богови», под ней рельеф «Христос объясняет поданную Ему монету». Надпись над южной дверью гласит: «Исполни Слава Господня Храм», рельеф – «Торжество освящения Иерусалимского храма». Над западными вратами начертано: «Кресту Твоему поклоняемся», рельеф – «Воздвижение Честного Животворящего Креста». 

Каждая створка двери разделена на четыре кессона с многофигурными композициями. Особое мастерство отличает исполнение рельефов западной двери: слева (сверху вниз) – «Призвание апостола Павла на пути в Дамаск», «Проповедь апостола Павла в Афинском ареопаге», «Апостол Павел перед царем Агриппой» и «Кончина апостола Павла». Очень динамична сцена проповеди: энергично спорящий человек в широком плаще и спокойно внимающий ему философ; напряженная фигура пожилого афинянина, полного раздумья, и в центре – фигура самого Павла, объединяющая композицию. Противопоставление мужества духовного грубой силе отражено в сцене казни апостола. В центре – опустившийся на колено Павел, в облике которого чувствуется спокойствие и смелость человека, верящего в свою правоту. Над ним палач занес секиру, еще мгновенье – и апостолу отсекут голову. Лица палача не видно, но вся его приземистая фигура выглядит зловеще. Равнодушно с трона взирает на казнь римский наместник. В углу рельефа – сочувствующие Павлу люди. Лепка персонажей предполагает руку опытного ваятеля, чувствуется, что это работа самого Витали. 

Рельефы южных дверей исполнены неровно. Наиболее удачны композиции правой створки: «Победа Александра Невского над шведами», «Александр Невский отвергает предложение папского нунция о принятии католицизма», «Умирающий Александр Невский принимает монашеский сан» и «Петр I перевозит мощи Александра Невского в Петербург».

На левой створке – фрагменты жития святого равноапостольного князя Владимира Киевского: «Философ проповедует князю Владимиру христианскую веру», «Князь Владимир принимает вернувшихся послов», «Крещение князя Владимира в Херсонесе» и «Крещение киевлян в Днепре». 

Интересны рельефы северной двери: «Св. Исаакий Далматский и император Валент», «Спасение св. Исаакия Далматского ангелами», «Освобождение св. Исаакия из темницы» и «Св. Исаакий благословляет императора Феодосия»; «Посвящение св. Николая в иеродиаконы», «Св. Николай, открытый в тайном благодеянии», «Избрание св. Николая на архиепископский престол», «Николай Мирликийский изгоняет Ария с Первого Вселенского собора». 

Кроме того, на всех внутренних дверях храма помещены многочисленные фигуры в нишах и бюсты в круглых медальонах. Витали с помощниками создали ряд образов, резко отличающихся от традиционных идеализированных изображений. Многие бюсты воспроизводят чьи-то конкретные черты. Скорее всего, их лепили с людей, встречавшихся в мастерских, на строительстве собора, на улицах Петербурга. Так, в облике великомученика Федора (северные двери) воплощен тип русского крестьянина: задумчивое скорбное лицо изрезано глубокими морщинами, борода всклочена, волосы резкими прядями ниспадают на лоб. У лиц великомучеников Дамиана и святой Нонны (северные двери) – типично славянские черты. Житейские горести исказили черты Нонны, но не смогли уничтожить выражение гордости и благородства.

Скульптура на сводах, барабане купола и иконостасах выполнена из меди методом гальванопластики, впервые использованной в таком масштабе при строительстве Исаакиевского собора. Разработал метод русский профессор Б.С.Якоби. В емкость с 

раствором медного купороса помещается покрытая графитом форма будущей скульптуры. К ней подключается анод, а к опущенной в купорос медной пластине — катод электробатареи. При прохождении электрического тока медь тонким слоем оседает на графите скульптурной формы. 

За счет сравнительно тонкого слоя меди гальванопластическая скульптура была достаточно легкой. Это позволило Монферрану уменьшить массу собора и ослабить неравномерность его осадки. Гальванопластические работы выполнялись на заводе герцога Лейхтенбергского в Петербурге. По предложению Монферрана скульптура сводов крепилась не к кирпичной кладке, а к специальным металлическим конструкциям, образующим декоративный внутренний свод. Это было новшеством в строительной практике того времени.

Скульптура на дверях храма была отлита из бронзы и покрыта декоративной патиной. Более 350 произведений, созданных русскими скульпторами в Исаакиевском соборе, представляют собой уникальную коллекцию монументально-декоративной пластики XIX века. 

Подготовлено И.А.Сидневой.

биография, личная жизнь, известные скульптуры

Джованни Лоренцо Бернини (Giovanni Lorenzo Bernini) — итальянский скульптор и архитектор.

Он представлял архитектурное движение барокко. Родился знамениты скульптур 7 декабря 1598 году в Неаполе. Умер Лоренцо 28 ноября 1680 года в Риме.

Одной из его главных цитат следует считать эту: «Белый мрамор должен быть похож на человека, у него должна быть душа, жизнь и цвет».

Страстью, прежде всего, управлял итальянский скульптор и архитектор Джованни Лоренцо Бернини. Его чрезвычайное религиозное благочестие в сочетании с изучением скульптурной формы на протяжении всей жизни привело к появлению динамичного и бурного стиля, сосредоточенного на эмоциональном экспрессионизме, который прекрасно воплощал эпоху барокко . Как и Микеланджело до него, он стал мастером мрамора, оставаясь в равной степени свободным в других видах этого искусства. Его манера и видение были настолько новыми для своего времени, что они создали новое течение в европейскую скульптуру, которая влияет на её содержание и форму и по сей день.

Бернини был также ведущей фигурой в появлении архитектуры римского барокко вместе со своими современниками, архитектором Франческо Борромини и художником и архитектором Пьетро да Кортона. Его замыслы помогли вернуть Риму его былую архитектурную славу благодаря обширному проекту городского планирования, осуществляемому под его покровительством влиятельными римскими папами того времени.

  • Ключевые идеи скульптур Бернини
  • Биография Лоренцо Бернини
  • 10 самых известных скульптур Бернини
    • 1. Эней, Анхизы и Асканио-1618/1619-Галерея Боргезе, Рим
    • 2. Похищение Прозерпины-1621/1622 — Галерея Боргезе, Рим
    • 3. Экстаз Санта-Тереза-1647 / 1651- Церковь Санта-Мария-де-ла-Виктория, Рим.
    • 4. Фонтан Четырех рек-1651 — Пьяцца Навона, Рим.
    • 5. Экстаз Блаженной Людовики Альбертони -1671 / 1674- Церковь Сан-Франческо-а-Рипа, Рим.
    • 6. Галерея Аполлона и Дафны-1622/1625-Боргезе, Рим-Италия
    • 7. Давид-1623/1624-Галерея Боргезе, Рим, Италия
    • 8. Сан-Лонгино-1629/1638-Базилика Сан-Педро, Ватикан
    • 9. Балдачин Сан-Педро-1624/1632-Базилика Сан-Педро, Ватикан
    • 10. Фонтан Тритона-1642/1643-Пьяцца Барберини, Рим-Италия
    • Вам также может понравиться

Ключевые идеи скульптур Бернини

Стремление Бернини, что красота должна быть найдена в созидании людей и природы, а не в изучении статуй или работ художников эпохи Возрождения, было уходом от устоявшихся способов создания работы. Его прогрессивное внимание к человеческим эмоциям и чувственности стало важным для более поздних художников вплоть до модернистского периода. Его драма в создании скульптур также была нова для того времени.

Бернини популяризировал концепцию «говорящего сходства» в своем творчестве. Он чувствовал, что запечатление человека в середине разговора, или просто в момент произнесения слова, был самым верным способом захватить подлинную его индивидуальность.

Бернини преобразовал назначение скульптурных бюстов, которые в прошлом были ограничены в качестве официальных портретов для гробниц. В его руках они стали искусством представлять неформальные портреты живых, практика, которая не была широко использована со времен Древнего Рима.

Бернини изменил способ представления скульптур. Он часто создавал их «в туре», имея в виду произведения, которые стояли в одиночестве в больших пространствах, предназначенные для того, чтобы зритель мог видеть их со всех сторон с разных точек зрения, увеличивая общее впечатление и близость с помощью произведения.

Бернини, вдохновленный театральным искусством, писал, руководил и играл в пьесах, особенно в карнавальных сатирах. Этот талант к драме не только повлиял на его архитектуру и скульптуру, но и привел к созданию декораций и театральных постановок, а также к широкому разнообразию предметов декоративного искусства, включая лампы, столы, зеркала и даже гужевых тренеров, воплощающих Барокко любовь к деталям и богатству. Это способствовало способностям художника синтезировать такие виды искусства как архитектура, создание скульптур и живопись в единую целостную идею.

Он был одним из самых любимых и плодовитых художников Италии. Его карьера насчитывает около 70 лет и включает в себя все: от фонтанов и ваз до грандиозных палацци и офисных зданий. Он проектировал церкви, рисовал портреты и лепил главные библейские сцены и знаменитые бюсты для шести разных пап. Хотя его мать была неаполитанкой, а отец — флорентийцем, Бернини больше всего был связан с Римом, где он жил и работал почти всю свою жизнь.

Некоторые из самых известных работ Бернини включают потрясающую колоннаду перед базиликой Святого Петра , фонтан Четырех рек на Пьяцца Навона , огромный балдахин над главным алтарем базилики Святого Петра и экстаз святой Терезы среди сотен других произведений искусства, разбросанных по Риму, Флоренции и за ее пределами.

Скульптор, художник и архитектор, Бернини был одним из последних истинных людей эпохи Возрождения в Риме, хотя его работы по праву относятся к периоду барокко, который пришел сразу после эпохи Возрождения и ознаменовал отказ от разума и рациональности в пользу эмоций, движения, драмы. и иногда лишнее. Бернини не изобрел стиль барокко, но он определенно помог популяризировать его и сделать его одним из наиболее значимых культурных выражений Италии 17-го века. Когда вы думаете о Риме сегодня, на ум приходит его художественное и архитектурное видение Рима.

Так как же Бернини создал так много зданий и скульптур, которые до сих пор остаются одними из главных достопримечательностей Рима? Ответы кроются в его долгой и часто дикой жизни, которая была отмечена крайностями страсти и религиозной преданности. Узнайте, где можно увидеть его самые известные работы, а также рассказы о них ниже.

Скульптор, художник и архитектор, Бернини был одним из последних истинных людей эпохи Возрождения в Риме, хотя его работы по праву относятся к периоду барокко, который пришел сразу после эпохи Возрождения и ознаменовал отказ от разума и рациональности в пользу эмоций, движения, драмы. и иногда лишнее. Бернини не изобрел стиль барокко, но он определенно помог популяризировать его и сделать его одним из наиболее значимых культурных выражений Италии 17-го века. Когда вы думаете о Риме сегодня, на ум приходит его художественное и архитектурное видение Рима.

Так как же Бернини создал так много зданий и скульптур, которые до сих пор остаются одними из главных достопримечательностей Рима? Ответы кроются в его долгой и часто дикой жизни, которая была отмечена крайностями страсти и религиозной преданности. Узнайте, где можно увидеть его самые известные работы, а также рассказы о них ниже.  

Биография Лоренцо Бернини

Детство

Джованни Лоренцо Бернини родился в Неаполе в 1598 году, он был сыном признанного скульптора — Пьетро Бернини, который в 1605 году привез его в Рим, получив там  покровительство папы Павла В. Джан лоренцо, несколько лет назад уже создавший свои собственные скульптуры, завоевавший любовь и признание самого Папы, что привело к заказам на бюсты и меньшие работы, дополняющие украшения нескольких римских церквей. Кардинал Сципионе Каффарелли-Боргезе также оказался великим покровителем первых монументальных скульптур Бернини. Они включают в себя, в первую очередь, скульптуры Плутона и Прозерпины (1622), Аполлона и Дафны(1625), а фигура знаменитого «Давида» росла почти все десятилетие с 1624 года. В этих работах часто проявляется динамизм Бернини, характерный для выражения, и выражение часто входит в экстаз, а также аллегоричность и символизм изображенных персонажей, которые должны были стать составными элементами скульптуры барокко.

Карьера Бернини началась при его отце, Пьетро Бернини, флорентийском скульпторе огромного таланта, который в конечном итоге переехал в Рим. Молодой вундеркинд работал настолько усердно, что он заслужил похвалу художника Аннибале Карраччи и покровительство папы Павла V и вскоре зарекомендовал себя как полностью независимый скульптор.

На него оказало сильное влияние его пристальное изучение античного греческого и римского мрамора в Ватикане, и он также имел глубокие знания живописи Высокого Возрождения начала 16-го века. Его исследование Микеланджело раскрывается в Святом Себастьяне (ок.1617), вырезанном для Маффео Кардинала Барберини, который позже стал Папой Римским Урбаном VIII и величайшим покровителем Бернини.

Ранние работы Бернини привлекли внимание кардинала Сципиона Боргезе, члена царствующей папской семьи. Под его покровительством Бернини вырезал свои первые важные скульптурные группы в натуральную величину. Серия показывает прогресс Бернини от почти случайного единственного взгляда на Энея, Анхизу и Асканиуса, бегущего из Трои (1619), до сильной фронтальности в Плутоне и Прозерпине (1621–1622), а затем до галлюцинаторного видения Аполлон и Дафна (1622–24), которые должны были рассматриваться с одного места, как если бы это было облегчение. В своем Давиде (1623–1624) Джованни изобразил фигуру мужчины, бросающего камень в невидимого противника. Несколько портретных бюстов, выполненных Бернини в этот период, в том числе Роберт Кардинал Беллармин (1623–24), демонстрируют новое понимание отношений между головой и телом и показывают способность изобразить мимолетные выражения лица с острым реализмом.

Эти мраморные работы демонстрируют беспрецедентную виртуозность в резьбе по дереву, что приводит к деликатным эффектам, обычно встречающимся только в бронзе скульптуры. Чувственное осознание Бернини поверхностных структур кожи и волос и его новое чувство затенения противоречили традиции Микеланджело и ознаменовали наступление нового периода в истории западной скульптуры. 

Вундеркинд

Отец Бернини, Пьетро, ​​был скульптором, который обучал его сына с раннего возраста. Когда ему было всего 8 лет, талант Бернини был признан не кем иным, как Папой Римским. С таким одобрением артист быстро получил широкое признание и получил вознаграждение за крупные проекты в подростковом возрасте и в начале 20-х годов.

Чтобы увидеть работу молодого Бернини, посетите Фонтану делла Баркасия у подножия Испанской Лестницы . Хотя официальная заслуга фонтана принадлежит его отцу, широко распространено мнение, что молодой Бернини тоже работал над ним. Еще одним его великим ранним достижением было создание колоссального балдахина в базилике Святого Петра, когда ему было еще за двадцать. Этот огромный алтарный навес, который может быть сделан из бронзы, ворованной с крыши Пантеона , является необычайно эффектным, драматичным, а некоторые, скажем, самым лучшим заветом для Папы Римского Барберини Урбана VIII. Любите ли вы это или ненавидите, вы не можете пропустить это.

Семьянин

Будучи шестым из двенадцати братьев и сестер, Бернини, должно быть, привык к большой семье. Позже у него было 11 детей с его молодой женой, Катериной Тезио. На самом деле, Бернини был довольно «старым» (то есть для 17-го века), когда он, наконец, женился на организованном браке; Ему было 41, а его жене было всего 22.

Это были не всегда хорошие годы для Бернини профессионально. В то время как он был фаворитом Папы Римского Барберини Урбана VII, его работа подверглась нападению, когда Иннокентий X (от конкурента Памфили) заменил Урбан VII. Если вы хотите увидеть самую известную работу Бернини за эти годы, вам будет нелегко — он построил две колокольни для фасада собора Святого Петрано трещины начали появляться в них в год, когда он был женат. Хотя впоследствии он был оправдан по любой вине, обе колокольни пришлось снести по значительной цене для его престижа. Но ты не можешь держать такого человека, как Бернини, вечно. После краха колокольни он вернулся к известности, выиграв комиссию за фонтан, который должен был стать главным памятником на недавно отремонтированной площади семьи Памфили — Пьяцца Навона. Его создание, Фонтан Четырех Рек , поразило всех, кто его видел, и остается одной из самых посещаемых достопримечательностей Рима. 

До женитьбы у Бернини был страстный роман с замужней женщиной Костанцой Бонарелли. Жена одного из его помощников, Бернини, влюбилась в нее после того, как она представилась его моделью. Чувственная и наводящая на размышления скульптура бюста Костанцы, которую он вырезал, с волнистыми волосами, разделенными губами и открытым вырезом, является ярким свидетельством страсти художника к своему предмету.

Все закончилось неприятно, когда Бернини однажды утром увидел, как Костанца покидает дом его брата Луиджи. Скульптор бил своего брата ломом, ломая кости, прежде чем ударить его мечом. Хотя Луиджи пощадили после поиска убежища в Санта-Мария-Маджоре, слугу Бернини он отправил в дом Костанцы, где он порезал ей лицо бритвой. Бернини был оштрафован, но в конечном итоге прощен папой — он был слишком важен для художественного мира того времени. Его слуга взял на себя вину, Луиджи некоторое время скрывался, и говорят, что Костанца не только оправилась от нападения, но в конечном итоге она стала известным торговцем произведениями искусства в Риме.

Как ни странно, бюст знаменитой любовницы Бернини не может быть найден в Риме; она находится в Национальном музее дель Барджелло во Флоренции. Чтобы увидеть изображение художника о столь же несчастливом романе, зайдите в Галерею Боргезе, чтобы взглянуть на его Аполлона и Дафну — изменяющее парадигму изображения молодой нимфы, превращающейся в дерево, чтобы избежать хищничества бога солнца, Аполлона. Также в галерее находится изысканный и душераздирающий Плутон и Персефона, на котором изображен еще один распущенный бог — одноименный Плутон — похищение испуганной женщины, чтобы забрать её в свой подземный мир. 

Набожный христианин  

Несмотря на то, что он напал на своего брата и посылал убийцу с бритвенным лезвием за своей любовницей, Бернини считал себя набожным католиком. Он ежедневно посещал мессы, выполнял духовные упражнения, предписанные писаниями св. Игнатия Лойолы, и регулярно искал духовного руководства у священников. Его близкая дружба с главой ордена иезуитов, вероятно, оказала сильное влияние на его искусство, что особенно заметно в конце его карьеры.

Для некоторых замечательных примеров религиозных работ Бернини обратите внимание на статуи ангелов, выстилающих Понте Сант-Анджело, когда вы прокладываете свой путь через Тибр к Ватикану из Центрального Рима. 

Эти разработанные Бернини ангелы (которые на самом деле были вырезаны его учениками) вскоре после их изготовления были названы «Легкими маньяками», по-видимому, из-за святого ветра, который, кажется, собирался сбить их с моста. Оригиналы сейчас находятся в Сант-Андреа-делле-Фратте. 

Патриот

В 1665 году Бернини отправился в Париж, Франция, чтобы проконсультироваться по проектам Лувра при Людовике XIV — тогда самом влиятельном монархе в мире. Это был единственный раз с момента приезда в Рим, когда Бернини покинул город для более чем краткого отпуска. Менее чем через шесть месяцев после приезда он уже требовал возвращения домой. Очевидно, он считал себя окруженным культурными варварами и постоянно комментировал кому-либо в пределах слышимости относительно неполноценности Парижа по сравнению с Римом. Как вы можете себе представить, его поведение не принесло ему много друзей — французских друзей, во всяком случае — и в конечном итоге его проекты никогда не использовались.

Хотя он проделал одну замечательную работу из поездки. Его бюст короля Людовика XIV широко считается одной из лучших среди его лучших скульптур, а также является венцом искусства барокко. Это еще более впечатляет, учитывая, что Бернини завершил его примерно за 40 дней. Видимо, между жалобами на французов ему удалось найти около 20 заседаний с королем, в которых он изучал молодого монарха и сделал его бюст измрамора. Сегодня бюст выставлен во дворце Версаля.

(Барокко) ренессансный человек.

Бернини был почти непристойно плодовит с его искусством. Помимо определения архитектуры и художественного стиля Рима и Италии, Бернини также написал и поставил несколько пьес в театре Barberini Palace в Риме. Мало того, что пьесы были его собственными, он также играл в них. Однако наиболее заметными были его декорации и спецэффекты — многие из которых были неслыханными в то время. Его пьесы были посвящены восходящим платформам, пламени, который уничтожил съемочную площадку только для того, чтобы показать другую позади нее, и наводнениям от реки Тибр, которая угрожала утопить аудиторию, прежде чем исчезнуть в скрытой канализации.

Один англичанин, который был свидетелем спектакля Бернини, написал в своем дневнике 1644 года: «Бернини … дал публичную оперу, в которой он рисовал сцены, вырезал статуи, придумывал двигатели, сочинял музыку, писал комедии и строил театр».

Хотя ни один из его сценических дизайнов не сохранился, вы можете оценить театральность работы Бернини в Обелиске Слона перед Санта-Мария-сопра Минерва. Заметьте, как слон улыбается и оглядывается назад, слегка прислонив хвост, словно собираясь оставить «подарок» кому-нибудь за ним? По-видимому, это было сделано специально: его задний конец обращен к соседнему доминиканскому монастырю, который был домом одного из соперников Бернини на комиссии.

Когда он придумал слона, соперник утверждал, что он никогда не выдержит вес обелиска, и поэтому дизайн был изменен с помощью «седельной ткани», которая скрывает большой каменный опорный блок. Бернини думал, что это разрушило страх, который он надеялся вдохновить дизайном. В отместку он сориентировал испражняющегося на монастырь слона.

Создатель самых рискованных религиозных скульптур в христианском мире.

Бернини довел гуманистический и эмоциональный стиль искусства барокко до крайности, шокируя простых людей и ценителей. Его искусство было чувственным, необычайно реалистичным и скандальным по сравнению с классическим стилем или ренессансным стилем, который соответствовал строгим правилам того, как религиозные деятели могли и должны быть изображены.

Шедевр Бернини « Экстаз святой Терезы» является кульминацией этого чувственного к тому акту богохульства стиля. Расположенный в часовне Корнаро в Санта-Мария-делла-Виттория в Риме, он изображает ангела, который вонзает копье в грудь Святой Терезы, в результате чего упавший в обморок восторженный святой попадает в облака в сцене религиозного экстаза, то есть. Здесь нет ничего эротического.

Статуя освещена золотыми солнечными вспышками и естественным освещением из скрытых окон, которые еще раз напоминают зрителю о любви Бернини к театру и сценическому дизайну. Возможно, даже более шокирующим, чем явный физический экстаз святого, являются резные статуи членов семьи Корнаро, которые смотрят, как в театре. Но тогда они сделали заказ работы.

Несмотря на или, возможно, из-за его явно сексуальных тонов, сцена в настоящее время является одной из самых знаменитых религиозных скульптур в Риме, если не в мире. Фактически, это настолько поразительно, что скульптура убедила даже самых жестких скептиков Бернини в свое время признать, что он был уникальным талантом в западном мире.

10 самых известных скульптур Бернини

1. Эней, Анхизы и Асканио-1618/1619-Галерея Боргезе, Рим

Это было поручено кардиналом Сципионом Боргезе молодому Бернини, который продемонстрирует в этой части свои навыки скульптуры. Скульптурная группа была вылеплена из мрамора и стала первой скульптурой в стиле барокко. Статуя представляет собой полет горящей Трои от легендарного основателя Рима Энея, который берет на плечи своего отца Анхизу, держащего семейные пенаты, и его сына Асканио, держащего священный огонь дома.

2. Похищение Прозерпины-1621/1622 — Галерея Боргезе, Рим

Драматизм, сила и движение пропитаны этой скульптурной группой, которая отражает более личный и развитый стиль художника. Он был заказан кардиналом Сципионом Боргезе в 1621 году и представляет Прозерпину, дочь Юпитера, похищенную властителем ада Плутоном, чтобы сделать ее своей женой. Работа мастерски представлена ​​для рассмотрения с разных точек зрения, и это замечательное свидетельство молодого скульптора: впечатляющее исследование анатомии, объединяющее Mannerist в грозное искаженное противопоставление.

3. Экстаз Санта-Тереза-1647 / 1651- Церковь Санта-Мария-де-ла-Виктория, Рим.

Кардинал Федерико Корнаро поручил эту работу своей семейной часовне. В нем мы видим испанскую монахиню и мистическую святую Терезу из Авилы. Она показана на облаке, предлагая ее вознесение на небеса, с золотыми лучами света, льющимися вниз. Скрытое окно над сценой наполняет его естественным светом. Крылатый ангел держит копье, которое воткнут в сердце Терезы, когда выражение экстаза заливает ее лицо.

Эта работа демонстрирует технический блеск и новаторство Бернини в его манипулировании мрамором, поскольку складки одежд Терезы, а не контролируемые складки классических скульптур, вращаются вокруг Терезы, способствуя ощущению движения. Бернини извлек из собственного знаменитого рассказа Терезы о ее религиозном опыте после того, как копье пронзило ее сердце, «оставив меня в огне от удивительной любви к Богу. 

Боль была настолько сильной, что заставила меня произнести несколько стонов, и все же очень сладкой» это самая большая боль, которую невозможно желать, чтобы избавиться от нее, или чтобы душа была довольна меньшим, чем Бог «.

 Экстаз, описанный в письме святой Терезы, восхищал зрителей, и возникли разногласия по поводу того, изображает ли скульптура сексуальный опыт. 

Некоторые ученые отрицают, что это могло быть намерением Бернини в то время, однако чувственные изображения верны собственному рассказу Терезы. Петерссон утверждает, что «видеть Терезу как эротическую фигуру строго ограничивает её значимость».

Эта работа является одной из самых уникальных в Бернини, поскольку представляет собой сложный ансамбль скульптуры, живописи, декораций, архитектуры и света, создающий единое целое. Семья Корнаро также присутствует, их скульптуры смотрят на сцену со стороны, создавая дополнительный театральный эффект. Историк искусства Роберт Петерссон пишет, что часовня достигает «единого, всепоглощающего эффекта — от небесной области наверху через святого и мирского (включая нас) до зоны смерти внизу». 

4. Фонтан Четырех рек-1651 — Пьяцца Навона, Рим.

Построенный папой Иннокентием X в середине XVII века, этот фонтан стал одним из самых известных в Риме. Бернини воссоздает аллегорию облагораживания рек Нил, Ганг, Дунай и Рио-де-ла-Плата. Произведение получено из основания, образованного большим эллиптическим пулом, увенчанным в его центре мраморной массой, на которой стоит домицианский обелиск среди фигур диких животных.

Более подробно про площадь, на которой находится Фонтан Четырех рек читайте в нашей статье.

5. Экстаз Блаженной Людовики Альбертони -1671 / 1674- Церковь Сан-Франческо-а-Рипа, Рим.

Одна из его последних скульптур, где он пытался идеализировать вознесение Людовики в климатическом состоянии, подобном Эль Экстазису Санта-Тереза, для этого художник, в полной мере используя техники барокко, создал своеобразный свод, в котором лежит изящная фигура женщины опираясь на матрас, чьи ткани добавляются к одежде, которая покрывает ее, чтобы создать эффект превосходства посреди естественно освещенного выражения смущения.

6. Галерея Аполлона и Дафны-1622/1625-Боргезе, Рим-Италия

Круглая скульптура по мифологическому эпизоду Аполлона и Дафны была сделана из белого мрамора для садов рекреационной деревни кардинала Сципиона Боргезе. В этом фильме представлен Аполо, который свидетельствует о том, как молодая женщина поднимает руки к небу и наблюдает, как трансформация захватывает ее тело, превращаясь в лавровое дерево под воздействием ее отца, который придает это, чтобы держать ее подальше от желаний этого Бога

7. Давид-1623/1624-Галерея Боргезе, Рим, Италия

Это был еще один из орденов кардинала Сципиона Боргезе в его качестве покровителя великого скульптора. На статуе изображен сосредоточенный Давид, готовящийся бросить камень, с помощью которого он побеждает гигантского Голиафа, тот же, что имеет форму, напоминающую змеиную манериста, с которой он отходит от вертикальности своих первых работ, чтобы мастерски подчеркнуть в действии и показать опыт, с которым он доминирует в анатомии человека.

8. Сан-Лонгино-1629/1638-Базилика Сан-Педро, Ватикан

Одно из его самых монументальных произведений, вдохновленное моментом, когда Лонгин принимает христианство, характерное для Бернини, представляет людей в символических эпизодах его жизни. Работа приобретает жизнь, движение и драматизм в стиле барокко, эффектные складки одежды были обработаны превосходными размерами и добавили напряжения в направлении Святого Копья, которым сотник ранил Христа в бок в момент его страсти,

9. Балдачин Сан-Педро-1624/1632-Базилика Сан-Педро, Ватикан

Балдачинский собор Святого Петра — это искусно извилистый бронзовый балдахин, спроектированный Бернини в Базилике Святого Петра в Ватикане. По заказу папы Урбана X, навес покрывает главный алтарь базилики и является центром внимания из-за его большого масштаба и богато украшенного дизайна. Работа состоит из четырех винтовых колонн, поднятых на мраморных постаментах, с четырьмя большими ангелами в каждом углу. На вершине навеса находится сфера и крест, символизирующий искупление Христа. Балдахин расположен прямо под куполом базилики и на вершине гробницы Святого Петра. Находясь в таком положении, он одновременно привлекает внимание к небесному царству наверху, земному царству церкви и аду внизу. Он привлекает внимание к огромным размерам церкви и масштабам людей в ней, служа визуальным напоминанием о необъятности Бога ».Балдачин был совместной работой. Его соперник Франческо Борромини, его отец Пьетро, его брат Луиджи и другие художники, которые внесли свой вклад в декоративные элементы, помогали Бернини. Этот проект утвердил статус художника как самого выдающегося скульптора Рима, и тот факт, что эта часть была заключена в купол, спроектированный Микеланджело, укрепил эту карьеру.

10. Фонтан Тритона-1642/1643-Пьяцца Барберини, Рим-Италия

Знаменитый фонтан, выполненный из травертина, был заказан папой Урбаном VIII для удостоверения личности Пьяцца Барберини в Риме. Это колоссальный источник, в котором Тритон, Бог моря и сын Посейдона, держит раковину в руках и делает движение рукой, вызывая сильные струи воды. Это один из первых источников, возведенных Бернини, и, без сомнения, один из самых известных в Риме, который необходим сотням людей.

Скульптура в стиле барокко: история, характеристика

Экстаз Бернини Святой Терезы (Капелла Корнаро)

Часовня Корнаро — центральное место богато украшенной церкви Санта-Мария-делла-Виттория в стиле барокко в Риме. Это дом одной из самых амбициозных работ Бернини. Экстаз Святой Терезы, созданный и создан, чтобы напоминать мини-театр. По заказу кардинала Федериго Корнаро, и занимая пространство вдоль церкви, часовня в невероятном сочетании живописи, скульптуры и дизайна интерьера.Театрально освещенный скрытым окном в задней части алтаря, лучи божественного света нисходят на взволнованную, теряющую сознание Терезу в самый апогей ее духовного экстаза. Вылеплен из белого мрамора, ее окружают «лучи» из позолоченной бронзы, которые символически отражать божественный свет. Поднимаясь из скульптурной и скрытой Терезы, мраморный ангел готовится вонзить стрелу в сердце Терезы. В образы следует за рассказом св.Тереза ​​Авильская, пронзительного ангела ее сердце со стрелой божественной любви, что символизирует ее мистический союз с Иисусом Христом. На неглубоком рельефе, наблюдая за зрелищем из оперных лож первого ряда — скульптурные ансамбли семьи Корнаро. В целом, потрясающая смесь искусства и архитектуры барокко, которая иллюстрирует многие из основных черт барокко: драматическое религиозное вдохновение, движение, иллюзионизм и виртуозная скульптура.

Список известных Скульпторы барокко

Среди величайших скульпторы эпохи барокко:

ИТАЛИЯ

Стефано Мадерно (1576-1636)
Выдающийся скульптор эпохи маньеризма и барокко в Риме до Бернини.
Статуя Святой Сесилии (1600) Церковь Санта-Сесилия, Трастевере.

Франческо Мочи (1580–1654)
Первый скульптор в стиле барокко; скульптурный равный Караваджо и Карраччи.
Благовещение ангела (1605-08) Museo dell’Opera del Duomo, Орвието.

Франсуа Дукесной (1594–1643)
Фламандский художник, один из лучших скульпторов Рима. (См. Фламандский Барокко).
Статуя Святого Андрея (1629-33), мрамор, Базилика Сан-Пьетро, Ватикан.

Алессандро Альгарди (1595-1654)
Главный представитель классицизма высокого барокко.
Гробница Папы Льва XI (1634-44) Рим Св. Петра.

Бернини (1598-1680)
Величайший архитектор и скульптор эпохи барокко.
Эктазия Святой Терезы (1647-52) Мрамор, Капелла Корнаро, Рим.

Смотрите также: итальянский Художники барокко.

ФРАНЦИЯ

Пьер Пьюже (1620-94)
Величайший французский скульптор 17 века.
Мило Кротонский (1671-82) Мрамор, Лувр, Париж.

Гаспар и Бальтазар Марси (1624–1681)
Французские скульпторы, нанятые королем Людовиком XIV, в Версальском дворце.
Лошади Солнца (1668-70) Jardins du Chateau, Версаль.

Франсуа Жирардон (1628-1715)
Вместе с Койсевоксом, лучшим скульптором времен Людовика XIV.
Изнасилование / Похищение Прозерпины (1693-1710) Бронза, Дворец Версаль.

Жан Батист Туби (1635-1700)
Придворный скульптор в Версале.
Фонтан Аполлона (1671) Камень, Версальский дворец.

Антуан Coysevox (1640-1720)
Придворный скульптор короля Людовика XIV.
Портретный бюст Шарля Лебрена (1676) Собрание Уоллеса, Лондон.

Гийом Кусту (1677-1746)
Французский скульптор в стиле позднего барокко.
Лошадь, сдерживаемая женихом («Марлийский конь») (1745) Лувр, Париж.

Смотрите также: французский Художники барокко.

ГЕРМАНИЯ / АВСТРИЯ

Йорг Зурн (1583-1638)
Резчик по дереву в стиле южногерманского барокко.
Алтарь Богородицы (1613-16) Уберлингенская церковь.

Бальтазар Permoser (1651-1732)
Выдающийся скульптор в стиле позднего барокко, резьба по дереву, слоновой кости, камню, мрамору.
Apollo (1715) Staatliche Kunstsammulungen, Дрезден.

Андреас Schluter (1664-1714)
Один из величайших немецких скульпторов эпохи барокко.
— Конная статуя Фредерика Уильяма Великий (1703 г.) Замок Шарлоттенбург.

См. Также: немецкий Художники барокко.

ИСПАНИЯ / ПОРТУГАЛИЯ

Хуан Мартинес Монтанес (1568-1649)
Испанский резчик по дереву из Севильи, известный как «Бог дерева».
Милосердный Христос (Христос Милосердия) (1603) Севильский собор.

Алонсо Кано (1601-1667)
Скульптор, художник, архитектор, прозванный «испанским Микеланджело».
Непорочное зачатие (1655 г.) Собор Гранады.

Педро Ролдан (1624-1699)
Испанский художник, мастер полихромной резьбы по дереву.
Погребение (1673) Госпиталь де ла Каридад, Севилья.

Педро де Мена (1628-1688)
Испанский скульптор в стиле барокко, известный непревзойденным техническим мастерством.
Кающаяся Мария Магдалина (1664) Музей Вальядолида.

См. Также: испанский Художники барокко и испанский язык Искусство барокко.

ЦЕНТРАЛЬНАЯ ЕВРОПА

Адриан де Врис (1560-1626)
Голландский скульптор, работавший в Праге (см .: голландский скульптор). Барокко).
Меркурий и Психея (1593) Лувр, Париж.

Величайшее барокко Скульптуры

Вот краткий список некоторых из величайших скульптуры (статуи, барельефы и другие традиционные произведения) резные или Создан в стиле барокко, указан скульптором.

Экстаз Святой Терезы (1647-52, г. Мрамор, Капелла Корнаро, Рим)
Плутон и Прозерпина (1621-2, Мрамор, Галерея Боргезе, Рим)
Аполлон и Дафна (1622-5, Мрамор, Галерея Боргезе, Рим)
Джованни Бернини (1598- 1680 г.).

Могила Папы Льва XI (1634-44, Мрамор, Св. Петра, Рим)
Экстаз святого Филиппа Нери (1638, Санта-Мария-ин-Валличелла, Rome)
Папа Лев изгоняет Аттилу из ворот Рима (1646-53, собор Святого Петра) Рим)
Алессандро Альгарди (1598-1654).

Статуя Святого Андрея (1629-33, мрамор, Базилика Сан-Пьетро, ​​Ватикан)
Франсуа Дюкенуа (1594-1643).

Мило Кротонский (1671-82, мрамор, Лувр, Париж)
Пьер Пюже (1620-94).

Аполлон, за которым ухаживают нимфы Фетиды (1666-72, Мрамор, Версальский дворец)
Похищение / похищение Прозерпины (1693-1710, бронза, Версаль)
Франсуа Жирардон (1628-1715).

Фонтан Аполлона (1671 г., Каменный, Шато де Версаль)
Жан Батист Тюби (1635-1700).

Лошадь, сдерживаемая женихом («The Марли Лошадь ») (1739-45, Лувр, Париж)
Гийома Кусту (1677-1746).

Меркурий связывает свою Таларию (1753 г., Свинец, Лувр, Париж)
Вольтер (1776, Мрамор, Лувр, Париж)
Жан Батист Пигаль (1714-85).

Памятник Петру Великому («г. Медный всадник »(1766-78, Санкт-Петербург, площадь Декабристов)
Этьен-Морис Фальконе (1716-91).

Резьба по дереву галстука (ок. 1690, г. Лаймвуд, Музей Виктории и Альберта)
Гринлинг Гиббонс (1648-1721).

Apollo (1715, Мрамор, Staatliche) Kunstsammulungen, Дрезден)
Бальтазар Пермозер (1651-1732).

Конная статуя курфюрста Фридрик Вильгельм Великий (1689-1708, бронза, замок Шарлоттенбург, Берлин)
Андреас Шлютер (1660-1714).

21.3: Скульптура эпохи барокко

Скульптура барокко доминировала в Италии в 1600-х годах и характеризовалась круглой скульптурой.

Цели обучения

Укажите атрибуты барочной скульптуры в Италии 17 века

Обзор: скульптура в стиле барокко

Скульптура в стиле барокко связана с культурным движением барокко в Европе 17 века. В скульптуре барокко группы фигур приобрели новое значение, и возникло динамическое движение и энергия человеческих форм — они вращались вокруг пустого центрального водоворота или выходили наружу в окружающее пространство. Скульптура в стиле барокко часто имела несколько идеальных углов обзора и отражала общее продолжение движения эпохи Возрождения от рельефа к скульптуре, созданной в форме круга.Обычно они предназначались для размещения в центре большого пространства; например, изысканные фонтаны, такие как Fontana dei Quattro Fiumi Бернини (Рим, 1651 г.) или фонтаны в Версальских садах, были особой традицией барокко.

Много скульптур в стиле барокко добавлено экстра-скульптурных элементов; например, скрытое освещение, водные фонтаны или сплав скульптуры и архитектуры, которые создают трансформирующий опыт для зрителя. Художники считали себя работающими в классической традиции и восхищались эллинистической, а затем и римской скульптурой.

Работа Бернини

Джан Лоренцо Бернини был доминирующей фигурой того времени. Скульптурные работы Бернини были огромны и разнообразны. Среди его самых известных работ — «Экстаз Святой Терезы» в часовне Корнаро, Санта-Мария-делла-Виттория и ныне скрытый Константин у основания Королевской Скалы (которую он спроектировал). Бернини также получил заказ на гробницу Папы Урбана VIII в Санкт-Петербурге.

Экстаз св.Тереза ​​ — Бернини : Бернини был самым выдающимся скульптором периода барокко.

В 1665 году, на пике своей славы, Бернини на несколько месяцев отправился в Париж в ответ на неоднократные просьбы короля Людовика XIV о его произведениях. Его международная популярность была такова, что улицы были заполнены восхищенными толпами во время его прогулок по городу. Здесь Бернини представил несколько проектов восточного фасада Лувра, которые в конечном итоге были отклонены. Вскоре он потерял благосклонность французского двора, превозносив искусство и архитектуру Италии над французской.Единственная работа, оставшаяся после его пребывания в Париже, — бюст Людовика XIV, который на протяжении столетия устанавливал стандарт королевской портретной живописи.

Основы искусства барокко | Искусство мужественности

Это вторая часть из серии, разработанной для ознакомления читателей с простыми основами некоторых основных периодов западного искусства в надежде дать вам что-то сказать на вашем следующем свидании в музее и более глубокое понимание искусства в целом. Первая часть посвящена основам искусства эпохи Возрождения.

Основы искусства барокко


Период времени: 1600s-1700s

Предпосылки: Когда Мартин Лютер написал свои 95 тезисов в 1517 году, он запустил механизм, который навсегда изменил мир: протестантская Реформация. Его критика католической церкви и аргументы в пользу таких вещей, как верховный авторитет Священного Писания и оправдание только верой, распространились по всей Европе через печатный станок, сделав новообращенных и основав новые протестантские деноминации.

В ответ католическая церковь начала собственное внутреннее реформирование, чтобы устранить коррупцию и четко определить свои доктрины и богословие. Эта контрреформация нашла свое самое важное выражение в Тридентском соборе, созванном папой Павлом III в 1545 году. Хотя Совет предпринял шаги по реформированию внутренних злоупотреблений, он не попытался пойти на компромисс с протестантами в вопросах доктрины; вместо этого Церковь решительно подтвердила истинность позиций, на которые напали протестанты.Это наполнило католическую веру новой энергией и уверенностью.

Но менее известным следствием Трентского совета было его влияние на искусство.

Частью реформы церкви было просвещение ее членов, помогая им больше узнать о своей вере. Это была непростая задача, поскольку большинство людей в то время были неграмотными. Совет Трент объявил, что искусство должно использоваться для объяснения глубоких догм веры всем, а не только образованным. Для этого религиозное искусство должно было быть прямым, эмоционально убедительным и мощным, предназначенным для зажигания духовного воображения и воодушевления зрителя на большее благочестие.

Новые деноминации, такие как кальвинисты, считали, что церкви и церковные службы должны быть простыми, упрощенными делами. Но Совет утверждал, что Богу величия и силы следует поклоняться с помощью ритуалов, церемоний и церквей, соответствующих этим божественным качествам. Это утверждение красоты и грандиозности проявлений веры нашло свое отражение в искусстве барокко.

На что следует обратить внимание в искусстве барокко:

  • Изображения прямые, очевидные и драматичные.
  • Пытается привлечь зрителя к участию в сцене.
  • Изображения кажутся физически и психологически реальными. Эмоционально напряженный.
  • Экстравагантные декорации и орнамент.
  • Эффектное использование цвета.
  • Драматические контрасты между светом и тьмой, светом и тенью.
  • В отличие от искусства эпохи Возрождения с его четко очерченными плоскостями, где каждая фигура расположена изолированно друг от друга, в искусстве барокко есть непрерывное наложение фигур и элементов.
  • Общие темы: грандиозные видения, экстазы и обращения, мученичество и смерть, яркий свет, напряженные психологические моменты.

Примеры:

Экстаз Святой Терезы , Джованни Лоренцо Бернини, 1652. Общей темой художников эпохи барокко был чудесный момент, когда божественное встречается с земным, священное вторгается в мирское. Святая Тереза ​​была мистической монахиней, которая записала опыт, в котором ангел спустился и пронзил ее внутренности пылающей стрелой божественной любви.Боль была сильной, но сладкой и привела ее в экстаз перед Богом. Также демонстрируется использование света в стиле барокко; деревянные лучи зрелищно спускаются вниз и освещаются окном с желтыми панелями над скульптурой.

Преобразование по дороге в Дамаск , Караваджо, 1601. Караваджо, пожалуй, мой любимый художник любого периода, и это моя любимая его картина. Изображен момент, когда Савл (который вскоре станет Павлом) переживает переживание обращения по дороге в Дамаск.Мы снова видим барочную тему божественного, внезапно вторгающегося в земную сферу. Караваджо был мастером использования тени и света, чтобы усилить драматизм и значение своих картин. Здесь Божий свет сбил Саула с его лошади, и его руки вытянулись в форме воронки, чтобы принять свет. Между тем человек и лошадь, которые символизируют обычный земной мир и не имеют полного опыта, находятся в тени.

Распятие Святого Петра , Караваджо, 1601 .В отличие от идеализированных, благородных, классических человеческих форм, любимых художниками эпохи Возрождения, Караваджо предпочитал рисовать сцены и людей такими, какими их мог бы видеть глаз, включая естественные недостатки. Он не считал, что картина должна быть сентиментальной, чтобы быть сильной, вместо этого полагая, что внутренняя природа сцены, красноречие, запечатленное в реальных позах фигур, были эффективными с педагогической точки зрения. Его картины были настолько реалистичными, что посетители иногда отвергали их как слишком «вульгарные». На этой картине св.Петра распинают. Он попросил повесить его на кресте вверх ногами, чтобы не подражать своему Господу. Божественный свет сияет на Петра, в то время как лица римлян скрыты тенями. Питер кажется намного тяжелее, чем можно было бы ожидать — трое мужчин изо всех сил пытаются поднять его, что символизирует тяжесть их преступления.

Четыре континента , Питер Пауль Рубенс, 1615. Питер Пауль Рубенс был ведущим художником Контрреформации и привнес энергию, чувственность и драматизм искусства барокко не только в религиозные произведения, но и в исторические произведения. и мифологические темы (а иногда и сочетание всех трех).На творчество фламандского художника повлияло как его образование в Антверпене, так и поездка в Рим, элементы, которые стали мастерским синтезом стилей Ренессанса и барокко. В The Four Continents вы можете увидеть черты барокко: яркие цвета, физичность и перекрывающиеся фигуры. Символизируя распространение католической церкви по всему миру, изображение четырех континентов в виде женщин было общей темой в искусстве Контрреформации, особенно в церквях иезуитов. Склонность Рубена к изображению женщин с мясом на костях привела к известному прилагательному «Rubenesque» для описания полных женщин.

«Снятие с креста» , Рембрандт, 1634. Хотя Рембрандта, пожалуй, больше всего помнят за его портреты, он также был мастером пейзажа и религиозной тематики в стиле барокко. Во всех своих картинах и офортах он стремился к «величайшему и наиболее естественному движению». В его «Снятие с креста » мы снова видим барочную подпись эмоциональной сцены, усиленной драматическим использованием света и тени. Свет сияет на теле Христа, верных женщинах, которые стояли рядом с ним, и на саване, в котором он вернется к жизни.

Мои любимые Рембрандты — это его серия «Философ», на которую я, вероятно, не должен указывать, блестяще использую тень и свет:

Философ в медитации

Философ с открытой книгой

Философ Чтение

Основы искусства Серия
Ренессанс
Период барокко
Период романтики

Скульптура барокко | Основные гуманитарные науки

Справочная информация

Сводная таблица

Резюме скульптуры в стиле барокко
Раннее барокко
ок.1600-25
Высокое барокко
ок. 1625-75
Позднее барокко
ок. 1675-1725
Рококо
ок. 1725-1800
Бернини Версальские статуи фигурки

Общие характеристики

Искусство барокко характеризуется динамизмом (чувство движения), которое дополняется экстравагантными эффектами (например, сильными изгибами, богатым декором; см. Западную эстетику). В скульптуре эти экстравагантные эффекты могут включать завихрения драпировок или блестящую позолоту .В то время как юг Западной Европы охватывал полномасштабную эстетику барокко ( полное барокко ), Северная Западная Европа характеризовалась компромиссом классического барокко ( сдержанное барокко ).

этап эпохи барокко ведущий регион
Раннее барокко (ок. 1600-25) Италия
Высокое барокко (ок. 1625-75)
Позднее барокко (ок. 1675-1725) Франция
Рококо (ок.1725-1800)

Эстетика полного барокко развивалась в период раннего барокко (ок. 1600-25), а затем достигла своей кульминации в период высокого барокко (ок. 1625-75). Оба периода возглавляли Италия (см. Распространение барокко). Сдержанная эстетика в стиле барокко достигла своего апогея в период позднего барокко (ок. 1675-1725). Эпоха барокко завершилась рождением во Франции стиля рококо (ок. 1725-1800), в котором насилие и драма барокко были смягчены до мягкого игривого динамизма.Периоды позднего барокко и рококо возглавляла Франция .

Основная статья

Раннее / высокое барокко

ок. 1600–1675

Периоды раннего и высокого барокко были охвачены творчеством Бернини, основателя и величайшего мастера скульптуры в стиле барокко1. Его великолепная Cathedra petri («Стул Святого Петра»), состоящая из трона (за алтарем в соборе Святого Петра) ), окруженный скульптурным убранством, венчает экстравагантность высокого барокко.Статуи Бернини включают экстаз Святой Терезы и многочисленных ангелов.

Позднее барокко

ок. 1675-1725

В период позднего барокко, Италия Франция уступила место культурному центру Запада. Архитектурным шедевром эпохи является Версальский дворец , украшенный множеством прекрасных статуй в стиле позднего барокко. Эти версальские статуи, воплощающие вышеупомянутую эстетику сдержанного барокко , можно считать коллективным скульптурным шедевром эпохи позднего барокко.

Рококо

ок. 1725-1800

Являясь завершающей фазой барокко, Rococo art отличается динамизмом и экстравагантностью. Хотя искусство барокко открыто драматично (и часто жестоко), однако работы в стиле рококо нежные и игривые . Скульптура рококо, которая процветала прежде всего во Франции, особенно хорошо подходила для статуэток .

1 — «Джан Лоренцо Бернини», Британская энциклопедия. Проверено в августе 2010 г.
2 — «Искусство и архитектура барокко», Энкарта.По состоянию на май 2009 г.

известных произведений искусства в стиле барокко | SchoolWorkHelper

Святой Чарльз у четырех фонтанов
  • Дизайн архитектора Франческо Борромини
  • Кажется эластичным
  • Эффект движения
  • Много света и тьмы

35 Разработан и завершен Джаном Лоренцо Бернини , ведущим скульптором своего времени

  • Изображает Св.Видение Терезы, в котором ангел пронзил ее сердце золотой стрелой. Круглый зритель должен перемещаться по произведению, чтобы увидеть его полностью.Павел получает послание от бога
  • Отличный пример светотени
  • Драматические движения и эмоции
  • Юдифь и служанка с головой Олоферна
    • К Джентилески
      • 6 Генерал Джудит
      • Она соблазняет его вином и красивой внешностью, а затем отрубает ему голову…
      • Светотень — Драма, движение, эмоции

    Крестное восхождение
    • По Рубенс
    • 9029CH 9029 A TR8
    • Плавный механизм
    • Пирамидальная конфигурация

    Ночной дозор
    • Рембрандт
    • Рембрандт рисовал повседневные события, исторические сюжеты и пейзажи
    • Свет, тень и атмосфера
    • Движение и драма время

    Чт e Любовное письмо
    • Жанровая картина Вермеера
    • Служанка передает письмо молодой женщине с лютней
    • Занавес создает впечатление, что это частная сцена
    • Картина на стене предполагает, что письмо представляет собой форму письма. моряк в море
    • Вермеер использовал «камеру-обскуру»

    Las Meninas
    • Картина 1656 года Диего Веласкеса , ведущего художника Золотого века Испании
    • Мы видим, что король и королева увидел бы
    • Размытые фигуры подразумевают движение
    • Захватывает момент времени

    Если мы помогли вам, пожалуйста, помогите нам исправить его улыбку своими старыми эссе…это занимает секунды!

    -Мы ищем предыдущие эссе, лабораторные работы и задания, которые вы выполнили!
    — Мы рассмотрим и разместим их на нашем сайте.
    — Доход от рекламы используется для поддержки детей в развивающихся странах.
    -Мы помогаем оплатить операции по восстановлению расщелины неба через операцию «Улыбка и поезд улыбки».

    Похожие сообщения

    • Art Review: термины и определения

      Элементы — цвет, текстура, форма / форма, линия, пространство, значение / тон.Принципы — повторение, радиальный баланс, ритм, движение,…

    Автор: Уильям Андерсон (редакционная группа Schoolworkhelper)
    https://schoolworkhelper.net/

    Репетитор и писатель-фрилансер. Учитель естественных наук и любитель сочинений. Последняя редакция статьи: 2020 | Институт Св. Розмарина © 2010-2021 | Creative Commons 4.0

    Западные гуманитарные науки: искусство барокко

    Продолжая свою серию, основанную на этой книге, сегодня я обращаюсь к искусству барокко.

    «Барокко — это ярлык преобладающего культурного стиля семнадцатого века». Этот термин впервые был пренебрежительно использован художниками и учеными восемнадцатого века и, вероятно, произошел от португальского слова «barroco», означающего несовершенную жемчужину.

    Western Humanities включает две главы, посвященные эпохе барокко, посвященные искусству, литературе, музыке, политике и науке. В этом посте я сосредоточусь на искусстве барокко, которое авторы делят на три стиля: флоридский, классический и сдержанный.

    Флоридское барокко

    Стиль цветочного барокко напрямую связан с контрреформацией. Во время Тридентского собора (1545-1563) лидеры римско-католической церкви подчеркивали необходимость «нового искусства, которое было бы приспособлено к потребностям церкви и излагало правильные богословские идеи, легко понимаемые массами». Флоридское барокко отличается драматизмом, эмоциональностью, мощью, реализмом и театральными эффектами. Популярными темами были экстатические видения святых и страдания Иисуса.

    Базилика Святого Петра в Риме является ярким примером архитектуры флоридского барокко.

    Пожалуй, лучшим образцом скульптуры флоридского барокко является «Экстаз Святой Терезы» Джанлоренцо Бернини.

    Великие художники стиля флоридского барокко — Караваджо, Артемизия Джентилески, Андреа Поццо, Диего Веласкес и Питер Пауль Рубенс.

    Обращение святого Павла Караваджо, 1600–1601 Юдифь и ее служанка с головой Олоферна Артемизия Джентилески, ок.1625 Аллегория миссионерской работы иезуитов Андреа Поццо, ок. 1621-25 Las Meninas Диего Веласкеса, 1656 Воспитание Марии Медичи Питер Пауль Рубенс, 1621-25
    Классическое барокко

    Во Франции, где искусством руководил королевский двор, а не церковь, классическое барокко продемонстрировало светскую направленность и ценности простоты и достоинства.

    Ярчайшим образцом архитектуры классического барокко является Версальский дворец, реконструированный Луи Ла Вау и Жюлем Ардуэном-Мансаром для короля Людовика XIV.

    Единственный художник эпохи классического барокко, описанный в The Western Humanities , — это Николя Пуссен. «Хотя он был вдохновлен использованием Караваджо света и тьмы, стиль, который создал Пуссен, был уникально его собственным, отстраненным, почти холодным подходом к его предмету и чувством единства человека с природой».

    Et in Arcadia Ego Николя Пуссен, ок. 1640
    Сдержанное барокко

    Третий (и наименее богатый) стиль искусства барокко был сформирован протестантской культурой Северной и Западной Европы.

    Самым известным архитектором стиля сдержанного барокко является сэр Кристофер Рен, шедевром которого является собор Святого Павла в Лондоне.

    Без сомнения, вы слышали по крайней мере об одном из выдающихся художников сдержанного барокко: Рембрандте ван Рейне. Двое других — Ян Вермеер и Энтони Ван Дайк.

    Ночной дозор Рембрандта, 1642 Кружевница Ян Вермеер, ок. 1664 Лорды Джон и Бернард Стюарты Энтони Ван Дайк, ок.1639

    Надеюсь, вам понравился этот головокружительный тур по искусству и архитектуре барокко!

    Прокомментируйте, пожалуйста, если у вас есть тема или временной период западной культуры, которыми вы хотели бы, чтобы я затронул в следующий раз.

    Связанные

    Материал, производство, значение и движение

    С тех пор, как Сара Блейк Макхэм посетовала на относительную нехватку стипендий в области скульптуры итальянского Возрождения в своем введении к Взгляд на скульптуру итальянского Возрождения (Нью-Йорк: Cambridge University Press, 1998) (щелкните здесь для обзора), эта область была обогащен рядом голосов и публикаций, а также применением новых методологий интерпретации.В тот же период также было проведено поразительное количество международных выставок, посвященных итальянской скульптуре из мрамора, бронзы и терракоты, поэтому эти чрезвычайно тяжелые и громоздкие работы были перенесены и реконструированы, по крайней мере временно, что действительно часто происходило в ранней современной Европе. . Спустя пятнадцать лет после комментария Макхэма Энтони Колантуоно и Стивен Ф. Остроу выделили новые тенденции в исследованиях скульптуры в книге Критические перспективы римской скульптуры барокко (University Park: Pennsylvania State University Press, 2014), признавая при этом постоянную необходимость применения ряда подходы к решению конкретных задач изучения трехмерных произведений искусства.

    Таким образом, рассматриваемая конференция представила долгожданный образец текущих исследований и методологических подходов к ранней современной скульптуре с использованием многих материалов в Италии и за ее пределами. На этой однодневной конференции, организованной Келли Хельмстатлер Ди Дио из Университета Вермонта в Берлингтоне, было представлено десять интересных презентаций, посвященных созданию и значению скульптуры европейского Возрождения и барокко.

    Ди Дио подчеркнула практические аспекты художественного производства в своем вступительном слове, используя тематические исследования из своего собственного исследования, чтобы представить обоснование конференции и представить четыре м ее названия: материал, производство, значение и движение .(«Движение» обсуждалось в смысле транспорта, а не динамической скульптуры, подразумеваемого движения или движущегося зрителя.) Ди Дио взяла из своей работы о Леоне Леони, многие из скульптур которого были созданы в Италии для отправки в Испанию, на показать, как практические аспекты транспорта могут повлиять на дизайнерские решения, и опровергнуть традиционные оценки, согласно которым итальянцы экспортировали второсортные работы. Она проиллюстрировала эти моменты документальными свидетельствами о доставке многоэкземплярных работ во многих ящиках, затратах на рабочую силу, налогах, перевозке лодок и воловьих упряжек, пиратстве и дипломатических проблемах.Она рассказала, как мраморная скульптура, предназначенная для длительной транспортировки, привела к изменениям в дизайне, например, к более закрытым композициям или поддерживающим стойкам, оставленным на месте, которые необходимо удалить после отправки; и далее она отметила, что бронза, хотя и более дорогая в производстве, чем мрамор, была менее дорогой и рискованной для транспортировки, и поэтому ее предпочитали в качестве государственных подарков, даже для монументальных работ.

    Транспортные проблемы также послужили основой для статьи Уильяма Уоллеса, когда он повторно посетил предполагаемое местоположение Микеланджело Давида (1501–1504 гг.), Выдвинув гипотезу о том, что с того времени, как он начал резать, Микеланджело, должно быть, не намеревался устанавливать фигуру на контрфорсе. Флорентийского собора в традиционном понимании.В сотрудничестве с коллегой-инженером Уоллес проанализировал практические последствия веса, транспортировки и поддержки для этой колоссальной фигуры, которая, по оценкам, весит от 6,38 до 8,5 тонн, а также возможности и требования для ее подъема на двадцать пять метров до контрфорса, заключив, что что этот маневр был бы технически возможен, но астрономически дорогим и чрезвычайно рискованным. Поэтому он предположил, что Микеланджело мог вырезать это новое произведение искусства прямо потому, что он был свободен от ограничений, связанных с установкой его в качестве опорной фигуры.Это предложение, которое Уоллес назвал «упражнением в дикой фантазии», несомненно, вызовет дальнейшее рассмотрение и обсуждение.

    Макхэм обсуждала движение более ограниченного типа в своей реконструкции первоначального физического контекста главного алтаря Донателло в Санто в Падуе, рассматривая его вместе с другими декоративными заданиями в базилике. Она подчеркнула необычайное великолепие многих материалов в Санто — бронзовые фигурные и рельефные скульптуры, известняк со вставками из камней, цветной мрамор и позолоченные канделябры — все это видно в мерцающем свете свечей — и она показала, как визуальные подходы к алтарю обрамляют его. смыслы.

    Лейтмотив материалов вновь появлялся во многих беседах, затрагивающих практические или концептуальные вопросы фактуры скульптуры из камня, мрамора, лепнины, бронзы и дерева. Эмма Джонс широко рассматривала практические вопросы поставки и транспортировки камня и мрамора в Венецианской лагуне в течение столетнего периода, начиная примерно с 1525 года. Используя контракты и правила гильдии каменщиков, она стремилась понять, как камень разного качества — от Каррарский мрамор и истрийский мрамор из Ровиня и Пулы — предназначался для определенных задач, от резьбы до производства извести.

    В разговоре о Вратах рая (1425–1452 гг.) Эми Блох отметила, что, хотя Лоренцо Гиберти не затронул тему материала в своих комментариях (ок. 1447–1455), он сделал это в дверях. самих себя. Сосредоточившись на панели Джошуа, она показала, как Гиберти тематизировал формирование камня и металла в сцене, где евреи выступали в роли носителей камня, тем самым комментируя происхождение камня и искусства. Далее она отметила, что порождающая сила строительства противопоставляется рушащимся воротам Иерихона, противопоставляя созидание и разрушение.Блох предположил, что Гиберти предвидел тактильные реакции зрителей, особенно на этой панели на уровне глаз, и использовал их в своем дизайне, что отчасти является выражением беспокойства художника по поводу долговечности его работ.

    Дерево было предметом статьи Кристины Нейлсон, в которой собраны редкие известные свидетельства того, что скульпторы вставляли письменные записи в деревянную фигурную скульптуру в средневековой и ранней современной Италии, Испании, Германии и Норвегии. Нейлсон сравнил эту практику с вставкой записей в реликварии, эффективно стирая грань между реликварием и скульптурой и поднимая интересные вопросы о функции произведения и роли скульптора.Она рассмотрела концептуальные значения дерева как живого материала, часто оживленного поверхностной полихромией, и показала, как тактильный опыт скульптора, вырезавший деревянную фигуру Христа, может сам по себе быть духовным занятием.

    Баланс резьбы и лепки одного и того же скульптора был центральным вопросом в нескольких беседах. Виктория Эйвери рассмотрела карьеру резчика Алессандро Виттория, который представил себя венецианским наследником Микеланджело, отметив, как Виттория прогрессировала от лепки лепнины к резьбе по мрамору, вопреки примеру своего учителя Якопо Сансовино.Эйвери использовал платежные книжки Виттории, ricordanze , и волю, чтобы создать портрет своей рабочей практики, отслеживая его источник материалов, делегирование помощникам и использование моделей, форм и рисунков, которые он назвал «драгоценными и важными вещами». ” К.Д. Дикерсон III считал скульптора Висентина Камилло Мариани, который «победит Фидия и Праксителя лепниной и резцом», как утверждал в 1625 году современный поэт. Дикерсон сосредоточился на цикле лепных портретов Мариани на вилле Корнаро в Пьомбино-Дезе (1588–1595 гг.) ) и его лепные святые по заказу Катерины Сфорца в церкви С.Бернардо алле Терме в Риме (ок. 1599–1602), отмечая, что Мариани был более опытным лепным мастером, чем резчиком по мрамору, и учитывая различную среду Венето и Рима.

    Обращаясь к рассмотрению мраморного блока и ниши, Майкл Коул представил формальный, контекстуальный и теоретический анализ работ Франческо Мочи, показывающий, как они отражают новое отношение к скульптуре в позднем чинквеченто. (Аргументы Коула более подробно представлены в его эссе «Франческо Мочи: камень и чешуя» в Colantuono and Ostrow, как указано выше.Сосредоточившись на Святой Марты Моти (начало 1609 г.) в Капелле Барберини в Сант-Андреа делла Валле и на Веронике (1629–1632 гг.) В Соборе Святого Петра, Коул отметил, что обе фигуры заполняют свои ниши, но составлены в позы в наклоне. На этих рисунках и в современных произведениях он обнаруживает визуальные вершины фигуры, которая вырастет еще больше, если будет стоять вертикально — стратегия, которую ранее использовали Джамболонья и Винченцо Данти. Таким образом, хотя работы Моти были вырезаны из блоков того же размера, что и скульпторы-конкуренты, его фигуры превосходили фигуры его конкурентов, в том числе Джана Лоренцо Бернини из Св.Питера. Коул также подумал об изменении отношения чинквеченто к колоссальному монолиту, заметив, что монолитная мраморная фигура, которая была мощной демонстрацией мастерства Микеланджело, потеряла популярность в конце века. Одной из причин, по которой Коул предложил этот переход, был интерес к лепной фигурной скульптуре, которая была дешевле и быстрее в изготовлении и которая сопровождала разделение лепного мастера и резчика. Другой причиной было обнаружение древних произведений, которые, как было замечено, были созданы отдельными частями, таких как Laocöon и Farnese Bull .

    Проблема монолита снова стала испытательной площадкой для последнего оратора, Ричарда Эрдмана, скульптора из Берлингтона, который представил эпилог сегодняшних исторических бесед, обсуждая свою скульптуру 1985 года Passage как самую большую работу, когда-либо созданную из единый блок. Он описал добычу, резку и транспортировку этого монолита размером шестнадцать на двадцать пять футов из карьеров Тиволи, Италия, в Сады скульптур Дональда М. Кендалла в Вестчестере, штат Нью-Йорк, подчеркнув используемые инструменты и методы. как традиционные, так и современные, и ярко иллюстрирующие многие практические вопросы, которые историки собрали вместе для более ранних работ.

    В ходе широкомасштабных переговоров были подняты более важные вопросы, многие из которых были рассмотрены в продуманных заключительных замечаниях Петы Моттюр и в краткой заключительной дискуссии. Motture оценил спектр тем и идей, рассматриваемых в статьях, и привлек внимание к обсуждаемым материалам, свойствам, поверхностям, обработкам и методам. Она правильно подчеркнула преобразование материалов как меру художественной изобретательности и обсудила различные факторы, которые могут повлиять на выбор используемых материалов, от стоимости до требований покровителя или гильдии.Она отметила, что переговоры поддержали традиционные идеи об иерархии материалов, более дешевую маскировку под более богатую, хотя она указала, что терракота, один из важных материалов, отсутствующих в повестке дня, так же высоко ценится, как бронза в таких областях, как Падуя (и можно обратите внимание на его важность в Эмилии-Романье и Ломбардии). Как она отметила, обсуждение моделирования и карвинга затронуло теоретические различия между аддитивными и вычитающими методами; можно также различить, как по-разному разыгрываются определенные проблемы в фигурной и рельефной скульптуре в аддитивных средах.Некоторое обсуждение экспериментов Донателло и других скульпторов в стиле quattrocento по созданию «Белых колоссов» — раскрашенных терракотовых фигур для проблемных точек опоры Флорентийского собора — могло бы стать интересным дополнением к докладу Уоллеса и к обсуждениям фигурной скульптуры, смоделированной из пластика.

    About Author


    alexxlab

    Добавить комментарий

    Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *