Реферат шедевры классицизма в архитектуре россии: Шедевры классицизма в архитектуре России

Шедевры классицизма в архитектуре России

                                     

 
Муниципальное Бюджетное общеобразовательное  учреждение

«Гимназия №25»

города  Нижнекамска  Республики Татарстан          
 
 
 
 
 
 
 

Реферат   

Тема «Шедевры классицизма в архитектуре России»       


 
 
 
 
 

Выполнил:

Видяйкин  Алексей,

9Б класс,

                                                                                     МБОУ «Гимназия №25» 

Проверил:

Пшеворская  С.Г. 

учитель искусства    
 
 

Город Нижнекамск 

2012 г. 


 

 

       I. ВВЕДЕНИЕ

    2.Развитие Классицизма в архитектуре Санкт-Петербурга.

    3. Развитие Классицизма в архитектуре Москвы. 
    III.ЗАКЛЮЧЕНИЕ

    Классицизм — художественный стиль и эстетическое направление в европейском искусстве XVII—XIX вв. В основе классицизма лежат идеи рационализма, которые формировались одновременно с таковыми же идеями в философии Декарта.         

    Как определенное направление сформировался  во Франции, в XVII веке. Французский классицизм освобождал человека от религиозно-церковного влияния, утверждая личность как высшую ценность бытия. Русский классицизм не просто воспринял теорию западноевропейскую, но и обогатил ее национальными особенностями.

                      В начале XIX в. глубокие сдвиги в общественной жизни России        способствовали вызреванию новых течений в живописи, скульптуре и архитектуре. Под влиянием общественного и патриотического подъема новое содержание и плодотворное развитие в ряде областей искусства получает классицизм.

                      В стиле зрелого классицизма с его мощными, сильными и монументально-простыми формами строятся лучшие общественные, административные, а также жилые здания Петербурга, Москвы и ряда провинциальных городов; обширными ансамблями украшаются главные города России. 
     
     
     
     
     
     

                         Появление классицизма в русской архитектуре.            

    В 60-ые годы 18 века Россия, подобно другим странам Европы, ступила на последовательный путь смены стилей и направлений  в искусстве. На смену пышному  барокко пришел строгий и рациональный стиль классицизм. К этому времени в русском обществе сложились основные черты мировоззрения, способствующие развитию данного стиля: рационалистическая философия, идея разумной организации мира, интерес к античности. 

    Кроме него существовал Екатерининский классицизм, Павловский романтизм, Александровский классицизм, русский ампир, который также называют петербургским. Первые образцы архитектуры классицизма носили подражательный характер, но довольно быстро новый стиль в России приобрел свои характерные черты.          

    После того, как в 1761 году император Петр III издал указ «О вольности дворянства», привилегии и права русской аристократии значительно расширились. Дворяне  получили право беспрепятственно выезжать за границу, освобождались от обязательной военной (в мирное время) и гражданской службы, а те, кто находился на службе, получали возможность выходить в отставку. Многие вельможи устремились в свои загородные усадьбы, устраивая их по примеру заграничных. 

               На Москву жесткие градостроительные правила столичного Петербурга не распространялись, поэтому здесь большей частью сохранялся патриархальный русский уклад, что отражалось и на постройках. Постепенно крепла архитектурная московская школа. В отличие от Санкт-Петербурга, где каждый архитектор имел и оберегал свой стиль, московские зодчие с легкостью передавали свои начатые проекты от одного к другому, не особо заботясь о прославлении своего имени, поэтому часто нельзя точно назвать кто был автором того или иного здания.

     

    Минусами  подобного ведения дел были случаи разгильдяйства и личной безответственности при строительстве, Но, с другой стороны, подобная манера породила множество оригинальных необычных находок. Активная застройка Москвы зданиями, выполненными в новом стиле, началась в 70-х годах 18-го века.                

    В Москве основной темой архитектурных исканий  был барский дом и участок  земли, с ним связанный. На протяжении XVIII века формируются новые типы городского дома и городской усадьбы. Структура города изменяется сравнительно мало на протяжении XVIII столетия. Зато глубокие перемены претерпевает план типичной московской усадьбы и типичного московского жилого дома. «Регулярность», управлявшая развитием Петербурга, не довлела над Москвой как городом. Но идея регулярности проникла внутрь отдельного усадебного участка, и здесь, в этом «малом мире», происходили процессы обновления архитектурных форм. Если в Петербурге дом стал в градостроительном смысле функцией города, то в Москве, наоборот, первичным оставался отдельный усадебный участок.

    Облик Москвы в XVIII веке в значительной мере складывался из сочетания бесчисленных усадебных владений, и «живописный», «беспорядочный» характер городского плана и архитектурного пейзажа Москвы обусловлен прежде всего именно этим.

        Однако  регулирующая сила классицизма сказалась со всей определенностью и в Москве. Она относительно мало повлияла на чисто городские комплексы (недостаточно выраженные и незавершенные попытки больших ансамблевых построений в центре города), но она, повторяем, глубоко проникла в организм городской усадьбы и городского дома. «Регулярность» и принципы классической композиции выразились прежде всего в общем построении барского дома с его главным корпусом и симметричными флигелями, в расположении служб, хозяйственных и малых построек на ограниченном участке городского владения. Регулярность в еще большей степени проявилась в своеобразном отборе типов городского жилого дома — характерном явлении русской архитектуры конца XVIII и начала XIX века. Типовое начало имело глубокие корни во всей строительной практике этого времени. В  Москве застройка жилых кварталов центра, окраин и Замоскворечья не обходилась без типовых образцов, разработанных «архитекторской командой» Д.В.Ухтомского (в середине XVIII века), или «Комиссией по каменному строению столичных городов» (в 70-80-x годах этого столетия), или, наконец, отдельными московскими архитекторами начала XIXвека.  

    Развитие Классицизма в архитектуре Санкт — Петербурга  

       Петербургский классицизм был, прежде всего, стилем официальной «государственной» культуры. Его нормы основывались на укладе жизни императорского двора и крупного дворянства, они были предписаны государственным институтам. Здесь влияние народной «вне стилевой» культуры на профессиональную деятельность архитекторов не ощутимо.

        Петербургский строгий классицизм сложился как завершенный вариант стиля в 1780-е гг. И.Е. Старов (1745-1808) и Джакомо Кваренги (1744-1817) были его типичными мастерами.

    Их постройки отличала ясность композиционного приема, лаконичность объемов, совершенная гармония пропорций в пределах классицистического канона, тонкая прорисовка деталей. Образы построенных ими зданий полны мужественной силы и спокойного достоинства.

           Сурово торжествен созданный Старовым Таврический дворец (1783-1789). Отвергнув анфиладные системы барокко, мастер, в соответствии с рационалистической логикой классицизма, объединил помещения в функциональные группы. Прием пространственной организации целого, где развитые боковые крылья, связанные переходами с мощным центральным объемом, образуют глубокий парадный двор, исходит от палладианских вилл. Расположением парадных зал выделена глубинная ось композиции, однако, гигантская Большая галерея вытянута параллельно фасаду, что сняло элементарную простоту контраста. Фасады освобождены от мелкого рельефа, членящего стену на филенки и лопатки, — зодчий уже не следует примерам французской архитектуры середины века, как-то делали петербургские мастера времени, переходного от барокко к классицизму (и как делал сам Старов в ранних произведениях).

    Гладкие белые колонны решительно выступающих строгих дорических портиков впервые в русской архитектуре действительно несут антаблементы. Они выделяются на фоне интенсивно окрашенных гладких стен, прорезанных проемами без наличников. Контраст подчеркивает тектонику стены из оштукатуренного кирпича. «Четырежды восемнадцать» колонн в двойных колоннадах Большой галереи имели греко-ионические капители (замененные потом Л. Русска на привычные римские) — один из первых для русского классицизма примеров обращения к эллинскому наследию. Державин написал о здании Таврического дворца: «древний изящный вкус — его достоинство; оно просто, но величественно». Дворец стал для современников идеальным эталоном крупного здания — петербургского, русского и вместе с тем европейского. Его чертежи восторженно оценил Наполеон, особо отметивший Большую галерею и зимний сад, о чем сообщили Персье и Фонтен в тексте изданного ими увража «Лучшие королевские дворцы мира».

        Так, Зимний дворец, не смотря на весь растреллиевский блеск  своих форм и на бесспорно доминирующее значение этого здание в центре столицы, оказался в архитектурном отношении подчиненным зданию Главного Штаба. Не потому, что классические (или «ампирные») формы этого последнего «сильнее» барочных форм дворца, а потому что Росси построил против Зимнего дворца не только какое-то новое большое сооружение, но и создал новое архитектурное целое, новый ансамбль, новое архитектурное единство.                               В этом новом единстве, организованном по законам Росси, а не Растрелли, произведение последнего казалось включенным в новую композицию и в итоге подчиненным зданию Росси, а не наоборот, хотя не приходиться говорить о каком-либо формальном «превосходстве» Росси над Растрелли, Главного штаба над Зимним дворцом. Так, захаровское Адмиралтейство стало «держать» в своих монументальных руках весь пространственный организм центральных петербургских площадей. Так, сравнительно невысокое здание Биржи притянуло к себе узловую точку этого центра, ранее находившуюся в высотном объеме Петропавловской крепости.

              Так, далее, монументальные постройки Кваренги оказались включенными в новые ансамбли и подчиненными им: Государственный банк—в орбите архитектурного воздействия Казанского собора, Конногвардейский манеж—в ансамбле Сенатской площади, созданной Захаровым, Росси и Монферраном; Академия наук, Екатерининский институт, Мальтийская капелла также целиком подчинены новому архитектурному окружению. Произошло это не потому, что все эти здания, сооруженные выдающимися мастерами большой классической формы, менее значительны, чем-то, что раньше или позднее создавалось по соседству с ними, а потому, что по своей архитектурной природе они не были рассчитаны на организующую роль в ансамбле и на ансамбль вообще.       Сопоставление Биржи, сооружавшейся по проекту Кваренги, с Биржей, построенной Томоном, наглядно демонстрирует различие этих двух архитектурных подходов к проблеме города: в одном случае—самодовлеющая архитектурная композиция здания, почти не считающаяся со своим будущие окружением, в другом—здание, компонующее городской ансамбль.

               В период завершения пространственных композиции основных частей Петербурга, в течение первых десятилетий XIX века, как бы синтезируются архитектурные искания всего XVIII века, синтезируются и подчиняются новым формам, новому стилю, властно накладывающему свою печать на весь облик города. К этому времени Петербург приобретает свой «строгий, стройный вид», по слову Пушкина. И как бы мы ни оценивали в качественно-формальном отношении достижения позднего петербургского классицизма по сравнению с достижениями Растрелли, или Кваренги, или Ринальди, мы должны признать именно за этим, завершающим, периодом значение важнейшего градостроительного этапа в развитии Петербурга.

Классицизм в архитектуре — презентация онлайн

1. Классицизм в архитектуре

КЛАССИЦИЗМ В
АРХИТЕКТУРЕ

2. Характерные черты архитектуры классицизма.

ХАРАКТЕРНЫЕ ЧЕРТЫ АРХИТЕКТУРЫ
КЛАССИЦИЗМА.
Ориентация на лучшие достижения античной культуры –
греческую ордерную систему, строгую симметрию, чёткую
соразмерность частей и их подчиненность общему
замыслу.
Господство простых и ясных форм.
Спокойная гармония пропорций.
Предпочтение прямым линиям.
Ненавязчивый декор, повторяющий очертания предмета.
Простота и благородство отделки.
Практичность и целесообразность.

3. Шедевры классицизма в архитектуре России.

ШЕДЕВРЫ КЛАССИЦИЗМА В
АРХИТЕКТУРЕ РОССИИ.
Василий
Иванович
Баженов.
Пашков дом. 1784
– 1788 гг. Москва.

4. Василий Иванович Баженов.

ВАСИЛИЙ ИВАНОВИЧ БАЖЕНОВ.
Дворцовопарковый
ансамбль в
Царицыно.
1775 – 1785
гг. Москва.

5. Дворцовый ансамбль в Царицыно.

ДВОРЦОВЫЙ АНСАМБЛЬ В
ЦАРИЦЫНО.

6. Василий Иванович Баженов.

ВАСИЛИЙ ИВАНОВИЧ
БАЖЕНОВ.
1737 – 1799 гг., закончил Академию
художеств в Санкт-Петербурге и
продолжил образование в Италии и
Франции. Всю жизнь мечтал
возводить сооружения «к славе
великой империи, к чести своего
века, к беспримерной памяти
будущих времён, ко украшению
столичного града, к утехе и
удовольствию своего народа».

7. Шедевры классицизма в архитектуре России.

ШЕДЕВРЫ КЛАССИЦИЗМА В
АРХИТЕКТУРЕ РОССИИ.
Матвей
Фёдорович
Казаков.
Здание сената в
Московском Кремле.
1783.

8.

Матвей Фёдорович Казаков. МАТВЕЙ ФЁДОРОВИЧ КАЗАКОВ.
Петровский
дворец. 1775
– 1782 гг.
Москва.

9. Петровский дворец.

ПЕТРОВСКИЙ ДВОРЕЦ.

10. Матвей Фёдорович Казаков.

МАТВЕЙ ФЁДОРОВИЧ
КАЗАКОВ.
(1738 – 1812 гг.) Получил
образование в Петербургской
Академии художеств. В своём
творчестве ориентировался на
русские архитектурные
традиции. В его
произведениях классические
мотивы сочетаются с
традиционными
древнерусскими.

11. Карл Иванович Росси.

КАРЛ ИВАНОВИЧ РОССИ.
1775 – 1849 гг., сын
итальянской балерины,
приехавшей в Россию в
80-е годы 18 века. В
1816 г. – главный
архитектор при дворе
Александра 1. Построил в
Санкт-Петербурге
Михайловский дворец,
здания министерства и
арку главного штаба на
дворцовой площади.

12. Шедевры классицизма в архитектуре России.

ШЕДЕВРЫ КЛАССИЦИЗМА В
АРХИТЕКТУРЕ РОССИИ.
Карл Росси.
Александринский
театр. 1828 –
1832 гг. СанктПетегбург.

13. Карл Росси.

КАРЛ РОССИ.
Михайловский
дворец. СанктПетербург

14. Огюст Рикар де Монферран.

ОГЮСТ РИКАР ДЕ МОНФЕРРАН.
1786 – 1858 гг., русский
архитектор, по
происхождению француз. С
1816 г. работал в России.
Построил Александровскую
колонну (1830 – 1634) в
Санкт-Петербурге.

15. Шедевры классицизма в архитектуре России.

ШЕДЕВРЫ КЛАССИЦИЗМА В
АРХИТЕКТУРЕ РОССИИ.
Огюст
Монферран
Исаакиевский
собор. 1818 –
1830 гг. СанктПетербург.

ШЕДЕВРЫ КЛАССИЦИЗМА В АРХИТЕКТУРЕ РОССИИ

Русский классицизм — одна из самых ярких страниц в истории мирового зодчества. Он прошёл несколько этапов в своем развитии и достиг небывалого расцвета в период правления Екатерины II (1762—1796). Россия, ещё совсем недавно воспринявшая европейский художественный язык, оказалась страной, особенно богатой на талантливых архитекторов.

«Архитектурный театр» Москвы: В. И. Баженов и М. Ф. Казаков

Хотя «пред новою столицей померкла старая Москва» (А.С. Пушкин), именно здесь было создано немало архитектурных шедевров мирового значения. Главный из них — Пашков дом — принадлежит великому русскому зодчему Василию Ивановичу Баженову (1737/38—1799). Этот дивный белый дворец, возвышающийся на холме, как на пьедестале, и сегодня является подлинным украшением Москвы. В общей композиции ансамбля легко угадывается рука большого мастера, наделённого прекрасным знанием традиций западноевропейской архитектуры, безошибочным чувством пропорций, ювелирной тонкостью отделки деталей, умением органично связывать здание с окружающей природой.

В.И. Баженов. Пашков дом. 1784 — 1788 гг. Москва

Вход во внутренний двор усадьбы вёл через арку парадных въездных ворот. От внешнего фасада здания вниз шла лестница, у подножия которой был разбит регулярный парк, ограждённый красивой кованой оградой с фонарями на столбах (в настоящее время сохранилась лишь часть решётки). В саду, украшенном беседками, фонтанами и скульптурой, гуляли редкие птицы. В синих зеркалах прудов плавали экзотические рыбы и белоснежные лебеди. Великолепен главный дом с двумя низкими флигелями, подчёркивающими протяжённость ансамбля и его раскрытость навстречу Кремлю. Нижняя часть здания отделана рустом. Она выступает вперёд и служит опорой для ионических колонн портика и двух статуй, расположенных по краям на уровне окон второго этажа. На фоне рустованной стены плавно повторяются арки оконных проёмов, украшенные лепными гирляндами и львиными масками. Они образуют своеобразную арочную галерею и подчёркивают общий ритм здания. Пилястры, расположенные в двух главных этажах, передают стенам устремлённость вверх.

Зрительный эффект рассчитан таким образом, что взгляд непременно скользит вверх, к бельведеру (итал. belvedere — прекрасный вид) — круглой надстройке в виде павильона или беседки. До пожара в 1812 г. его венчала статуя богини Минервы. Лёгкость и изящество зданию придают античные вазы на балюстраде. Праздничная нарядность и красота здания достигнуты не обилием украшений, а соразмерностью частей, строгостью пропорций и цельностью авторского замысла.

В.И. Баженов. Дворцовый ансамбль в Царицыно. 1775 -1785 гг. Москва

Всю жизнь В.И. Баженов мечтал возводить сооружения «к славе великой империи, к чести своего века, к беспримерной памяти будущих времен, к украшению столичного града, к утехе и удовольствию своего народа». Но, к сожалению, многим его замыслам не суждено было осуществиться. Фантастический план перестройки Кремля остался лишь в чертежах на бумаге и в деревянной модели. Екатерине II не понравились постройки дворцового ансамбля в Царицыно, на которые было потрачено целых десять лет! По её приказанию строительство было запрещено: возведённые здания следовало немедленно снести. Попав в опалу, Баженов покинул Москву и поселился в Петербурге. Павел I, давний поклонник и покровитель архитектора, вступив на престол, дал Баженову высокий чин действительного статского советника, а через месяц подарил тысячу душ крестьян. Но царская милость пришла слишком поздно…

Творчество Матвея Фёдоровича Казакова (1738—1812) прочно связано с классической архитектурой Москвы. За пятьдесят лет своей деятельности он значительно изменил облик древней столицы. Здесь он создал нечто большее, чем десятки дворцов, общественных зданий, храмов и домов… Ему удалось не только не нарушить «естество» города, но и вступить в блистательный диалог с архитектурными сооружениями старой Москвы.

Его имя не сразу засверкало на архитектурном Олимпе. Он был учеником известного московского архитектора Д.В. Ухтомского (1719—1774). В отличие от В.И. Баженова, обучавшегося в Италии и во Франции, Казаков получил образование в Петербургской Академии художеств. В своём творчестве он всегда ориентировался на русские архитектурные традиции.

В 1768 г. судьба свела двух замечательных архитекторов вместе. Им было поручено создать «наиславнейшее в свете здание» Большого Кремлевского дворца. Несмотря на незавершённость работы, Казаков — первый помощник Баженова — прошёл прекрасную школу архитектурного творчества. В 1763—1767 гг. под его руководством был возведён Путевой дворец в Твери. С этого времени вся его дальнейшая судьба была связана с Москвой.

Архитектурное дарование М.Ф. Казакова в полной мере проявилось в создании увеселительных строений на Ходынском поле (1775). Императрица Екатерина II была вполне довольна и даровала Казакову чин архитектора. Сохранившиеся графические рисунки, выполненные с исключительным мастерством, считаются одним из высших достижений великого зодчего. С той поры на него буквально хлынул поток заказов в Москве.

 

М.Ф. Казаков. Петровский дворец. 1775 — 1782 гг. Москва

Петровский дворец (1775—1782; ныне Военно-воздушная инженерная академия им. Н.Е. Жуковского) — одно из самых значительных творений М.Ф. Казакова. Ансамбль дворца необычен и оригинален. Парадный двор замкнут одноэтажными служебными корпусами, прерывающимися восемью башнями (по четыре с каждой стороны). Классические мотивы сочетаются с традиционными древнерусскими (бочкообразные столбы, стрельчатые арки и окна, висячие гирьки, затейливые наличники). Красные кирпичные стены покрыты прихотливой вязью белокаменных украшений. В архитектурном облике дворца также присутствуют готика и нарышкинское барокко.

Через год М.Ф. Казаков уже обдумывал проект здания Сената в Кремле. Он сразу же отверг его тотальную перестройку, желая лишь «подновить его свежими красками». Поразительное чувство меры и масштаба присущи треугольному в плане зданию, украшенному огромным куполом-ротондой. Кажется, в нем ожили дух Античности и классические «законы чистого разума». В «безмолвную громаду камней холодных» Казаков сумел вдохнуть жизнь. Центры фасадов были искусно украшены дорическими колоннами и пилястрами.

М.Ф. Казаков. Здание Сената в Московском Кремле. 1783 г.

Строгость и простота внешнего облика Сената контрастировали с пышным интерьером Круглого зала, который современники справедливо называли «русским Пантеоном». Его отделка особенно нарядна и совершенна. Вдоль стен идёт торжественный ряд коринфских колонн, в простенках между колоннами помещены рельефные панно. Высокий купол (диаметр 24,7 м) богато украшен кессонами.

Екатерина II, вступившая под его величественные своды, не смогла сдержать своего восторга.

К величайшим творениям М.Ф. Казакова принадлежат здание «жилища наук» — Московского университета (1786—1793), здание Благородного собрания (1784—90-е гг. XVIII в., ныне Колонный зал), Голицынская больница (1796—1801, ныне Первая градская больница) и другие сооружения. Кроме того, он оставил нам свои бесценные альбомы чертежей всех главных московских построек. Рассматривая их сегодня, мы как будто совершаем путешествие по старым улицам Москвы, любуясь творениями его гениальной фантазии. И становятся понятными чувства, переполнявшие душу художника, когда он получил известие о пожаре в Москве в 1812 г. Он был воспринят М.Ф. Казаковым как национальная трагедия, невиданная по масштабам катастрофа, крушение всех планов и замыслов. Впереди была только смерть…

 

«Строгий, стройный вид» Петербурга

С начала XVIII в. центром классической архитектуры стал Петербург — новая столица Российского государства.

Весь город в плавных разворотах,

И лишь подчёркивает даль

В проспектах, арках и воротах

Классическая вертикаль.

И все дворцы, ограды, зданья,

И эти львы, и этот конь

Видны, как бы для любованья

Поставленные на ладонь.

И плавно прилегают воды

К седым гранитам городским —

Большие замыслы природы

К великим замыслам людским…

Д. Самойлов. «Над Невой»

Архитектурный облик Петербурга складывался благодаря творениям замечательных мастеров: Ж.Б. Леблона (1679—1719; застройка Васильевского острова), Д. Трезини (1670—1734; ансамбль Петропавловской крепости и здание Двенадцати коллегий), А. Ринальди (1710—1794; Мраморный дворец), И.Е. Старова (1745—1808; Таврический дворец), Д. Кваренги (1744—1817; Эрмитажный театр, здание Академии наук, Смольный институт благородных девиц).

Прекрасным дополнением служили архитектурные творения в духе классицизма в пригородах Петербурга: «Китайский дворец» А. Ринальди в Ораниенбауме, Гатчинский дворец Н.А. Львова (1751 —1803/04), Александровский дворец в Царском Селе Д. Кваренги, Камеронова галерея в Царском Селе и дворец в Павловске Ч. Камерона (40-е годы XVIII в. — 1812).

Карл Росси. Александринский театр. 1828 — 1832 гг. Санкт-Петербург

К выдающимся творениям классицизма относятся сооружения начала XIX в.: здание Адмиралтейства А.Д. Захарова (1761—1811), первая российская биржа Тома де Томона (1760— 1813), Казанский собор и здание Горного института А.Н. Воронихина (1759—1814), Михайловский дворец, Александринский театр, здания министерств и арки Главного штаба на Дворцовой площади К.И. Росси (1775—1849), Исаакиевский собор О. Монферрана (1786—1858).

Невозможно рассказать о каждом из этих гениальных творений, а поэтому обратимся лишь к некоторым из них.

Доменико Трезини. Здание Двенадцати коллегий. 1722 — 1734 гг. Санкт-Петербург

Здание Двенадцати коллегий (1722—1734; ныне Санкт-Петербургский университет) создано известным зодчим Доменико Трезини. Двенадцать трёхэтажных строений, объединённых в один архитектурный ансамбль, подчёркивают идею единства и согласованности действий важнейших административных служб Российского государства. Петр I, по инициативе которого возводился этот ансамбль, требовал, чтобы двенадцать его корпусов «снаружи все были равные долготою и высотою». Трезини строго следовал этому указанию: двенадцать однотипных корпусов образуют единую стену протяжённостью более полукилометра, перекрытую зубчатой четырёхскатной кровлей. Лишь сдвоенные пилястры на стыках зданий чётко определяют их границу.

Каждая коллегия имела протяжённость в девять окон, её центральная часть в три окна — ризалит — несколько выступает вперёд, нарушая, таким образом, впечатление монотонности и однообразия длинного фасада. В каждом из ризалитов расположен парадный вход, над которым на уровне второго этажа нависает балкон с красивой кованой решеткой. Ризалит украшен нарядным фронтоном, в середине которого находится лепное изображение эмблемы коллегии. По бокам возлежали каменные символические фигуры.

В архитектурном облике здания чувствуются рациональность планировки, строгость пропорций, во всём господствует дух деловитости и экономичности. Несмотря на то что в целом здание явно ориентировано на западноевропейскую классическую архитектуру, в нём сохранены и русские традиции. Белые детали наличников окон на краснокирпичном фоне фасада напоминают белокаменную резьбу древней столицы Москвы.

 

А.Д. Захаров. Адмиралтейство. 1806 — 1823 гг. Санкт-Петербург

Одной из главных достопримечательностей, визитной карточкой Петербурга стало здание Адмиралтейства, к которому вели три главные магистрали города. Оно было создано по указанию Петра I русским архитектором И.К. Коробовым. Мечта Петра I о том, что «все флаги в гости будут к нам», вскоре стала реальностью: корабли «…со всех концов земли к богатым пристаням» стремились.

К началу XIX в. здание Адмиралтейства обветшало, требовалась его капитальная реконструкция. В 1805 г. Андреян Дмитриевич Захаров был назначен главным архитектором Адмиралтейства. Свои задачи он видел в бережном сохранении первоначальной структуры здания, в разработке и уточнении плана архитектурного комплекса, приведении его в стройную систему, в едином внешнем оформлении. Захаров сохранил два П-образных корпуса, между которыми некогда проходил канал от Невы.

Главный фасад протяжённостью в 406 м (!) имел небольшую высоту — 16 м. Как же в таком случае избежать монотонности и однообразия? Захаров разбивает фасад на пять частей. Его центром остается башня с золочёным шпилем «адмиралтейской иглы», вознёсшейся на высоту 72 м. Кораблик, венчающий шпиль, стал своеобразным символом города — столицы морской державы. Первый ярус башни представляет собой монолитный куб, служащий основанием для лёгкой и изящной колоннады. Главный въезд осуществлялся через центральную башню, он был оформлен в виде триумфальной арки в честь русского флота.

По обе стороны от центральной башни расположены два двенадцатиколонных портика, выдержанных в спокойном дорическом стиле. Им вторят дополнительные выступы — ризалиты, украшенные шестью колоннами. Таким образом, строгая гладь стен, сочетающаяся с колоннадами, образует единый ритм фасада. Часть здания, выходящую к Неве, Захаров украшает двумя павильонами. Перед одним из них дремлют львы — олицетворение силы и власти, перед другим лежат античные амфоры — символ вечной красоты и гармонии.

 

Ф.Ф. Щедрин. Морские нимфы на здании Адмиралтейства. 1812 — 1813 гг. Санкт-Петербург

А.Д. Захаров тщательно продумал скульптурные украшения всего архитектурного комплекса. Они также были призваны оживить общий вид монументального здания. Для этих целей были привлечены лучшие скульпторы того времени. Ф.Ф. Щедрин (1751— 1825) изваял две группы морских нимф, поддерживающих небесную сферу — символ русского мореплавания, охватившего все океаны Земли. Им же были созданы 450 аллегорических масок над окнами. И.И. Теребнёв (1780—1815) украсил здание двумя летящими фигурами Славы со скрещенными знаменами, осеняющими корабли русского флота. Ему принадлежит аллегорическое панно с изображением Нептуна, передающего Петру I трезубец — символ владычества над морями. В целом все скульптурные украшения были призваны прославлять морскую державу России.

Преодолев ветров злодейство

И вьюг крутящуюся мглу,

Над городом Адмиралтейство

Зажгло бессмертную иглу.

Чтоб в громе пушечных ударов

В Неву входили корабли,

Поставил Андреян Захаров

Маяк отеческой земли.

И этой шпаги острый пламень,

Прорвав сырой туман болот,

Фасада вытянутый камень

Приподнял в дерзостный полёт.

В. Рождественский

Казанский собор — одно из самых грандиозных по замыслу и великолепных по исполнению сооружений Андрея Никифоровича Воронихина. Это замечательное здание, ставшее делом всей жизни архитектора, до сих пор является украшением Петербурга.

А.Н. Воронихину было сорок лет, когда Павел I принял решение выстроить собор в честь прославленной иконы Казанской Богоматери. Император пожелал, чтобы новый храм как можно больше походил на собор Святого Петра в Риме. Обязательным условием было возведение колоннады перед фасадом здания. Став победителем в конкурсе проектов, Воронихин не собирался механически переносить итальянское творение на невские берега. Его оригинальный замысел отличался смелостью решения и выверенностью научных расчётов.

Идеально гармоничны и легки пропорции центрального портика главного здания, украшенного шестью коринфскими колоннами и огромным треугольным фронтоном. Высокий купол (диаметр — 17 м) идеально соизмерен с масштабами и пропорциями всего здания. Он не подавляет, а торжественно венчает барабан, прорезанный удлинёнными и узкими окнами. При сооружении купола были впервые в строительстве применены металлические конструкции из железа и чугуна.

А.Н. Воронихин. Казанский собор. 1801 1811 гг. Санкт-Петербург

Главным украшением собора является колоннада из 144 колонн, расположенных в четыре ряда. Она естественно переходит в широкую площадь, сливающуюся с главной магистралью Санкт-Петербурга — Невским проспектом. Мерный и сдержанный ритм колоннады с обеих сторон завершается широкими проездами (около 7 м), напоминающими античные триумфальные арки. Современники сомневались, смогут ли колонны выдержать тяжесть массивного свода, но их опасения оказались напрасными. Блестящий проект Воронихина был безупречен не только с художественной, но и с технической точки зрения.

Ощущение торжественности и гармонии не только сохраняется, но и усиливается внутри здания. Стройные ряды парных колонн, высеченных из монолитных блоков розового гранита, разделяют пространства трёх нефов. Несмотря на скупость декоративного внутреннего убранства, стены, колонны и высокие своды собора блещут и переливаются полированным гранитом, мрамором и золочёной бронзой.

К сожалению, А.Н. Воронихину не удалось завершить строительство собора, но и то, что он успел сделать, свидетельствует о выдающихся способностях великого мастера.

В конце первой трети XIX в. система архитектурных воззрений классицизма начинает быстро меняться. Художественные идеалы, казавшиеся ещё совсем недавно незыблемыми, подвергаются сомнению и вызывают скептическое отношение. В статье «Об архитектуре нынешнего времени» (1834) Н.В. Гоголь писал: «Всем строениям городским стали давать совершенно плоскую, простую форму. Домы старались делать как можно более похожими один на другого; но они более были похожи на сараи или казармы, нежели на весёлые жилища людей. Совершенно гладкая их форма ничуть не принимала живости от маленьких правильных окон, которые в отношении ко всему строению бы похожи на зажмуренные глаза. И этою архитектурою мы ещё недавно тщеславились, как совершенством вкуса, и настроили целые города в её духе!.. новые города не имеют никакого вида: они так правильны, так гладки, так монотонны, что, прошедши одну улицу, уже чувствуешь скуку и отказываешься от желания заглянуть в другую».


Узнать еще:

Доклад на тему классицизм в архитектуре

Архитектурный классицизм – это возвращение к античному зодчеству, считавшемуся эталоном строгости, гармонии, монументальности и наряду с тем лаконичности. Зданиям в стиле классицизма присуща четкость форм и регулярность планировки. За основу зодчие брали ордер, по своим пропорциям напоминавший античный, а кроме того использовали симметрично-осевые композиции и были достаточно сдержаны в декорировании.

Откуда родом классицизм

Этот всем известный стиль пришел из Венеции, где он был сформулирован двумя известными мастерами – Палладио и Скамицци – в самом конце эпохи Ренессанса. В основу венецианского зодчества легли принципы античной храмовой архитектуры. Именно на них базировались проекты самых известных частных особняков.

Немного позже, благодаря усилиям Иниго Джонса, классицизм был перенесен и в Англию, где и просуществовал примерно до середины 18 века. Такой успех нового стиля был предопределен, поскольку барокко и рококо уже в буквальном смысле пресытили вкусы европейских интеллектуалов. На смену помпезности и роскоши при решении градостроительных задач должен был прийти совсем иной стиль. И он был найден в подражании древнеримским и древнегреческим канонам. Так родились известнейшие архитектурные ансамбли – площадь Согласия и церковь Сен-Сюльпис в Париже.

Общество, услышав призыв обновить искусство современности прелестью античности, весьма активно вняло ему и полностью поддержало новый архитектурный стиль. Прогрессивный классицизм, противопоставляемый придворному барокко, полностью соответствовал духу того времени – эпохи буржуазных революций, когда на смену устоявшемуся, застаревшему политическому режиму приходили новые веяния.

Основы классицизма

Более всего классицизм проявился при возведении княжеских дворцов-резиденций, хотя последние уже с большой натяжкой могли называться главным объектом архитектуры и строительства. В те времена в огромном количестве возводились загородные дома и виллы, а с точки зрения государственных масштабов активно выстраивались и сооружения общественного назначения: университеты, библиотеки, музеи и театры. Классицизм также проявил себя и при возведении больниц, домов для людей с увечьями и даже казарм и тюрьм.

В те годы храмовое строительство уже потеряло свое значение, хотя справедливости ради стоит отметить, что все же в Дармштадте, Карлсруэ и Потсдаме были возведены известнейшие сооружения религиозного толка. Вот только и в наши дни ведутся активные споры о том, насколько архитектурные формы в языческом стиле соответствуют подобным христианским обителям.

Классицизм в архитектуре разных стран имеет отличительные особенности и непохожие названия. Прочитав статью, вы узнаете, что соответствует этому стилю в Германии, Англии, США и других странах. Какие особенности присущи тому или иному виду, в какой последовательности они развивались — всё, что нужно знать о классицизме.

Особенности классицизма в архитектуре здания

Классицизм в архитектуре — это возвышенная красота и спокойное величие зданий. Зодчие стремились применять симметрию в планировке и сдержанность в убранстве. Простые и строгие строения, напоминающие древнегреческие храмы, гармонично вписанные в окружающую среду, производят величественное впечатление. Эстетика классического стиля благоприятствовала масштабным градостроительным проектам.

В своей основе имеет исследовательские работы итальянского архитектора Андреа Палладио (1508 — 1580 гг). Его идеи быстро нашли себе последователей и распространились по Европе в 17 веке. Новые археологические раскопки в 18-м веке и политические события этого периода усилили интерес к архитектуре Древнего Рима и к древней Греции. Благодаря этому классицизм оказался на пике своей популярности с 18 по 19 века. Архитектуру этого (позднего) периода на Западе называют neoclassicism, а иногда ампир.

Шедевры классицизма в архитектуре

Эпохальные строения этого направления встречаются по всей Европе и за ее пределами:

  • Триумфальная арка на площади Звезды и Пантеон в Париже,
  • Чизвик-хаус на Берлингтон Лайн в Лондоне,
  • Здание Адмиралтейства и Смольный Институт в Санкт-Петербурге,
  • Белый Дом и Капитолий в Вашингтоне.

Джакомо Кваренги. Смольный институт в Санкт-Петербурге. Центральная часть главного фасада и план наружной стены

Палладианский стиль или палладианство в архитектуре

Именно ранее палладианство считается началом классицизма. Свое название оно берет от имени итальянского архитектора Андреа Палладио (1508—1580 гг). Он посвятил себя изучению архитектурных памятников Древнего Рима и трактатов Витрувия (Marcus Vitruvius Pollio; I век до н. э.). Палладио переложил принципы архитектуры времён античности на доступный современный язык. Его книги по архитектуре превратились в учебные пособия для архитекторов всего мира.

В своих творческих работах Палладио строго следовал правилам симметрии и перспективы, и широко использовал арочные окна с двумя просветами, которые теперь носят название Палладианские окна.

Палладианский стиль в других странах быстро обрел популярность, адаптируясь к предпочтениям местной публики. Он играл важную роль в развитии архитектурных идей классического стиля. Этот процесс можно пронаблюдать на примере работ зодчих Великобритании в статье Архитекторы Классицизма в Англии.

Учебным пособием палладианства в архитектуре может служить вилла Ла Ротонда в Италии. Рассмотрите получше это сооружение, созданное самим Андреа в 4-минутном видео:

Классицизм в архитектуре Англии

Развитие стиля в Англии условно можно разделить на три этапа.

Ранний период палладианства в Англии

Итальянские идеи Палладио были завезены в Великобританию в начале 17 века и быстро укоренились, найдя себе поддержку. Ярко прослеживается влияние архитектурно-культурных традиций Древней Греции и Рима в работах Иниго Джонса, Кристофера Рена и других влиятельных архитекторов этого периода.

Ранний классицизм. Банкетный зал (англ. Banqueting House). Лондон

Георгианский классический стиль в архитектуре

Георгианский стиль эпохи классицизма (1714 — 1811) обозначает период последовательного правления британских монархов Георгов Дома Ганновера, и охватывает стили английской архитектуры классицизма 18 века.

Доминирующим направлением этой эпохи оставалось палладианство.

Рядный дом в Георгианском стиле. Downing Street, London

Рядная застройка домов этого периода осуществлялась из кирпичей и характеризовалась четкими линиями с минимальным декором. К её особенностям относят:

  • симметрично спланированные здания,
  • плоские кирпичи, чаще красные в Великобритании или других цветов в Канаде и Соединённых Штатах,
  • оштукатуренный белый орнамент в виде пилястр и арок,
  • черная входная дверь (за редким исключением).

Георгианство легло в основу колониального стиля. Образцом этой архитектуры считается творчество Роберта Адама из Шотландии.

Регентство (Regency)

Архитектура Регентства приходит на смену Георгианскому стилю. С 1811 года старшего сына монарха Георга III, признанного недееспособным, провозгласили принцем-регентом. Георг IV оставался им, пока в 1820 году не умер его отец. Отсюда название эпохи Регенства, архитектура которой продолжает эпоху классицизма и идей Палладио и, одновременно, выражает интерес к эклектике и смешиванию.

Регентская архитектура в Англии. Royal Pavilion, Brighton

Рядная застройка этого периода состояла из зданий c оштукатуренным фасадом белого цвета и черной входной двери, обрамлённой двумя белыми колоннами. Стоит отметить, что именно эти дома признаны одними из самых красивых и элегантных, если не во всей Европе, то, по крайней мере, в Великобритании.

)Классицизм в архитектуре Англии. Регентский стиль. Cumberland Terrace, Regent’s Park, LondonСтиль Регентства иногда называют Английский Ампир. Яркими представителями в архитектуре классицизма этого периода называют Джона Нэша и Джона Соуна. В это же время на немецкоязычных землях проявляется стиль Бидермайер (Бидермейер) и в США — Федеральный.

Ампир и Французкий классицизм

Во Франции Классицизм возник позже, чем в Англии. Первая его фаза охватывает период c 1750 по 1800. Выражается в стиле «Людовика XVI», который включал в себя завершение рококо и рождение французского Классицизма.

Классицизм в архитектуре 18 века во Франции. Храм св. Женевьевы, Париж

Второй этап известен под стилем Ампир или Поздний классицизм, который отличался торжественностью и парадностью мемориальной архитектуры и дворцовых интерьеров.

  • Императорским стилем, от французкого слова empire — империя,
  • Высоким классицизмом или
  • Наполеоновским стилем (по периоду правления).

Ампиром завершается эволюция классицизма в первых трёх деcятилетиях 19 века.

Триумфальная арка в Париже.

Его отличия — помпезность, напыщеность, парадность, праздничность — активно использовались французскими придворными архитекторами Наполеона. В России появился при Александре I.
Соответствия:

  • В Британии — Регентский стиль,
  • в Германии — Бидермейер или Бидермайер,
  • в США — федеральный стиль.

Смотрите видео по теме:

Классицизм в архитектуре Германии и Австрии: Бидермейер

Немецкое слово Biedermeier правильно читать, как «биредмайер». Рапространялся с 1815 по 1848 года. Его иногда относят к ветке романтического стиля, который сменил ампир, усматривая смесь направлений.

Можно сказать, что это ампир, приспособленный к миру домашнего уюта и задушевности, ставший скромным и элегантным. Немецкое слово bieder можно перевести как «простодушный, обывательский» — дало описание этому образцу позднего классического стиля.

Благодаря единству простоты, мобильности и функциональности неоклассическая архитектура Бидермайера создала тенденции решающего влияния на югендстиль-модерн, баухауз и, в целом, архитектуру 20-го века.

Классический стиль в архитектуре. Дом Flora-Stoeckl в стиле бидермайер, Баден, Австрия

Федеральный стиль

Развивающаяся архитектура США на раннем этапе (1785 — 1815 гг), в которой прослеживается сочетание наследия Георгианского стиля с колоннами и куполами.
Использует прямоугольные формы с низкоскатными крышами и низкими мезонинами на поднятом фундаменте. Симметричные ряды окон, разделённых на небольшие квадраты и дополненные круглыми арками вместе с аналогичной декоративной «короной» над главной дверью — характерные черты направления.

Поздний классицизм в архитектуре США. Здание ратуши, Салем. Автор: Fletcher6 — собственная работа , CC BY-SA 3.0, Ссылка

На этом этапе классицизм в архитектуре завершает свою эволюцию. Стоит отметить, что некоторые искусствоведы родиной классицизма называют Францию. Но это уже вопросы образования или мировосприятия, которые здесь не рассматриваются.

Классицизм в архитектуре России

Русский классицизм появился во времена Екатерины II во второй половине 18 и первой половине 19 веков как часть европейского неоклассицизма. Это период позднего классицизма в Европе, но раннего в России.

Русский классицизм в архитектуре сменил «елизаветинского барокко» и «петровского рококо», приняв в себя элементы этих стилей. Это стало отличительной чертой и особенностью классического архитектурного направления в России.

Ранний русский классицизм в архитектуре 18 века

К раннему русскому классицизму относят архитекторов

  • Ж. Б. Валлен-Деламота (Большой Гостиный двор, Юсуповский дворец на Мойке, Санкт-Петербург) ,
  • А. Ф. Кокоринова (дом К.Г. Разумовского на Мойке, совр. Педагогический университет им. Герцена, Санкт-Петербург),
  • Ю. М. Фельтена (Мещанское (Александровское) училище при Смольном, С-Петербург),
  • К. И. Бланка (Храм Николая Чудотворца в Звонарях, Москва),
  • А. Ринальди (Мраморный дворец, С-Петербург).

Здания, посторенные в период 1760—1770 гг. ещё сохраняли пластику и динамику форм, присущих барокко и рококо.

Зрелый классицизм в архитектуре России

После 1770 г. появились здания в классическом стиле, ставшие образцом для строительства дворянских дворцов-усадеб и крупных жилых городских домов.

Архитекторы зрелой поры классицизма:

  • Дж. Кваренги ( усадьба «Кирьяново», дача Е. Р. Дашковой — пр. Стачек, 45),
  • Ч. Камерон (работы в Царском Селе),
  • И. Е. Старов (Троицкий собор в Александро-Невской лавре в Санкт-Петербурге),
  • В. И. Баженов (ансамбль Царицыно, сохранилось несколько построек) и
  • М. Ф. Казаков (Здание Сената в московском Кремле, Москва).

Камеронова галерея (Царское Село) Автор: User:MatthiasKabel — собственная работа , CC BY 2.5, Ссылка

В результате крупного градостроительства на рубеже XVIII—XIX веков возникли городские ансамбли центра Петербурга (А. Н. Воронихин, А. Д. Захаров, К. И. Росси) и Москвы (Д. И. Жилярди, О. И. Бове, А. Г. Григорьев), застраивающейся после пожара 1812 года. К этому же стилю относятся ансамбли городских центров Костромы, Твери, Ярославля.

Русский ампир в архитектуре России связывают с периодом возведения Исакиевского собора в Санкт-Петербурге архитектором Огюстом Морферраном (1858 г).

Период сталинского ампира относится к 1948 — 1953 годам, когда в Москве появились 7 высотных зданий. Примеры с описаниями можно найти в статье Стиль ампир в архитектуре Европы и России.

Краткое описание других стилей с примерами в хронологическом порядке читайте в статье Архитектурные стили: хронология, фото, видео.

Забирайте статью к себе на стену в социальных сетях, чтобы не потерять, или положите в закладки.
Оцените статью, выбрав нужное число звёзд ниже.
Пишите комментарии или задавайте вопросы.

На передовой развития классицизма стояла наполеоновская Франция, а за ней Германия, Англия и Италия. Позже это направление пришло и в Россию. Классицизм в архитектуре стал неким выражением рационалистической философии и, соответственно, характеризовался стремлением к гармоническому, разумному строю жизни.

Стиль классицизм в архитектуре

Эпоха классицизма пришлась на очень важный период в европейском градостроительстве. Тогда массово закладывались не только жилые единицы, но и нежилые объекты и места общественного назначения, требующие архитектурного оформления: больницы, музеи, школы, парки и т. д.

Возникновение классицизма

Хотя классицизм зародился еще в эпоху Возрождения, активно развиваться он стал в XVII веке, а к XVIII столетию уже довольно прочно закрепился в европейской архитектуре. Концепт классицизма был заключен в том, чтобы все архитектурные формы образовывать по подобию античных. Архитектура эпохи классицизма характеризуется возвращением к таким античным эталонам, как монументальность, строгость, простота и гармоничность.

Классицизм в архитектуре появился благодаря буржуазии – он стал ее искусством и идеологией, поскольку именно античность ассоциировалась у буржуазного общества с правильным порядком вещей и устройством мироздания. Буржуазия противопоставляла себя аристократии Ренессанса и, как следствие, противопоставляла классицизм «упадническому искусству». К подобному искусству она относила такие стили в архитектуре, как рококо и барокко — они считались чересчур затейливыми, нестрогими, нелинейными.

Родоначальником и вдохновителем эстетики стиля классицизм считается Иоганн Винкельман – немецкий искусствовед, который является основоположником истории искусства как науки, а также нынешних представлений об искусстве античности. Теорию классицизма подтверждает и укрепляет в своем труде «Лаокоон» немецкий критик-просветитель Готхольд Лессинг.

Классицизм в архитектуре Западной Европы

Французский классицизм развился гораздо позже, чем английский. Быстрому становлению этого стиля мешало следование архитектурным формам Возрождения, в частности, позднеготическому барокко, однако вскоре и французские зодчие сдались перед наступлением реформ в архитектуре, открыв дорогу классицизму.

Развитие классицизма в Германии происходило довольно волнообразно: оно характеризовалось то строгим соблюдением архитектурных форм античности, то их смешением с формами барочного стиля. При всем этом немецкий классицизм был очень похож на классицизм во Франции, поэтому довольно скоро ведущая роль в распространении этого стиля в Западной Европе досталась Германии и ее архитектурной школе.

Из-за непростой политической ситуации еще позже классицизм пришел в Италию, однако вскоре после этого именно Рим стал международным центром архитектуры классицизма. Классицизм достиг высокого уровня и в Англии как стиль оформления загородных домов.

Черты классицизма в архитектуре

Главными особенностями стиля классицизм в архитектуре являются:

  • простые и геометричные формы и объемы;
  • чередование горизонтальных и вертикальных линий;
  • сбалансированная планировка помещения;
  • сдержанные пропорции;
  • симметричная отделка дома;
  • монументальные арочные и прямоугольные конструкции.

Следуя за ордерной системой античности, в оформлении домов и участков в стиле классицизм используют такие элементы, как колоннады, ротонды, портики, рельефы на стенной глади, статуи на крыше. Основное цветовое решение оформления зданий в стиле классицизм — светлые, пастельные тона.

Окна в стиле классицизм, как правило, удлиненные вверх, прямоугольной формы, без кричащего оформления. Двери чаще всего филенчатые, иногда украшенные статуями в виде львов, сфинксов и т. д. Крыша в доме, наоборот, довольно замысловатой формы, покрытая черепицей.

Материалы, наиболее часто используемые для создания домов в стиле классицизм, – это дерево, кирпич, а также природный камень. При оформлении используют позолоту, бронзу, резьбу, перламутр и инкрустацию.

Русский классицизм

Классицизм в архитектуре России XVIII века довольно существенно отличается от европейского классицизма, поскольку отказался от образцов Франции и пошел по своему собственному пути развития. Хотя русские зодчие и опирались на знания архитекторов эпохи Возрождения, они все равно стремились применять в архитектуре классицизма России традиционные приемы и мотивы. В отличие от европейского, русский классицизм XIX века, а позднее русский ампир, использовали в своем оформлении (декоре стен, лепнине, выборе статуй) военную и патриотическую тематику на фоне войны 1812 года.

Основоположниками классицизма в России считают русских архитекторов Ивана Старова, Матвея Казакова и Василия Баженова. Делят русский классицизм условно на три периода:

  • ранний – период, когда из русской архитектуры еще не были полностью вытеснены черты барокко и рококо;
  • зрелый – строгое подражание архитектуре античности;
  • поздний, или высокий (русский ампир) – характеризуется влиянием романтизма.

От европейского русский классицизм отличает еще и масштаб строительства: в этом стиле планировалось создание целых районов и городов, при этом новые классические здания должны были сочетаться со старой русской архитектурой города.

Ярким примером русского классицизма является знаменитый Дом Пашкова, или Пашков дом – ныне Российская государственная библиотека. Здание следует уравновешенной, П-образной планировке классицизма: оно состоит из центрального корпуса и боковых крыльев (флигелей). Флигели выполнены как портик с фронтоном. На крыше дома размещен бельведер в форме цилиндра.

Другими примерами зданий в стиле классицизм в архитектуре России являются Главное адмиралтейство, Аничков дворец, Казанский собор в Санкт-Петербурге, Софийский собор в Пушкине и другие.

Узнать все секреты стиля классицизм в архитектуре и интерьере можно в следующем видео:

Архитектура эпохи Просвещения

Основные направления в развитии архитектуры эпохи Просвещения

Становление и развитие архитектуры эпохи Просвещения происходит в XVIII-XIX века. Главную роль в это время занимают такие стили как:

  • Барокко;
  • Модерн;
  • Классицизм;
  • Ампир;
  • Рококо;
  • Романтизм.

Волна увлечения античностью в то время родилась благодаря внедрению лаконичности, правильности и четкости линий и форм, пропаганде логичности и разумности. Данное увлечение проявилось в архитектуре эпохи просвещения в образе классицизма. Городские дворцы и здания общественного развлечения строились с подражанием античности, элементами которых служили ордера с колоннами, пилястры, арки.

Замечание 1

Идейность — главная смысловая нагрузка архитектуры эпохи Просвещения.

Несмотря на то, что первооткрыватели данного стиля архитектуры — греки и римляне, архитектура эпохи Просвещения пыталась подчинить архитектурное искусство античности своим принципам — идеям свободы и равенства, справедливости, долга, государственности — близким к античным.

Стили барокко и классицизм соединились в архитектуре Версаля. Главная идея — соответствие всего человеческой природе, так трактовалась норма, нарушение которой подвергалось обличию и высмеивалось.

Характерными чертами барокко в архитектуре выступили такие принципы как приверженность ансамблю, соединению искусств, цельное восприятие форм, оптимизм (ансамбль площади Св. Петра в Риме, рис. 1).

Рисунок 1. Собор Св. Петра в Риме. Автор24 — интернет-биржа студенческих работ

Готовые работы на аналогичную тему

Становление периода рококо происходит под влиянием аристократии — с 1720-х гг. Он объединяет в себе, с одной стороны, парадоксальность, фривольность, наслаждение жизнью, стремление к экзотике, и утонченность, изобретательность, высокую художественную культуру — с другой.

Классицизм объединил в себе античность и Ренессанс (архитектор Клод Никола Леду). Уравновешенность, четкий объем и логика приобретают большое значение. Для позднего классицизма (ампир) характерны парадность и пышность (первая треть XIX в.).

Кризис идеологии просвещения, крах идеала эстетики Просвещения в первой половине XIX века приводит к возникновению нового идейного направления в архитектуре — романтизм.

Замечание 2

Архитектура эпохи просвещения стала «говорящей» как и искусство того же времени. Ее призванием стало нести зрителям информацию, своеобразное «послание», которое содержалось в произведении искусства.

Содержанием такого послания могли служить элементы здания, например, мощные колонны, которые обрамляли вход в здание банка, передавали информацию о солидности и надежности. Свобода мысли, развитие науки и техники, просвещенность — идеал времени. Идеи архитектуры Просвещения сформировались на стыке двух революций — американской (1776 г.) и французской (1789 г.). Общество было пронизано революционными идеями, стремления которых были направлены тогда против изнеженного аристократического рококо, — занимающего ведущую позицию в обществе стиля.

Архитектурное творение Жан Жака Лекё — коровник в виде коровы — один из самых забавных неосуществленных проектов того времени. Использовались архитекторами эпохи и более сложные для понимания и восприятия информации формы: шар символизировал общественную мораль, куб выступал в роли символа правосудия. Такого рода «говорящие» архитектурные проекты того времени не были воплощены в реальность, оставшись планами, чертежами, разрезами лишь на бумаге, поскольку были в своем роде утопичны. Такие проекты очень часто именуют «бумажной архитектурой».

Представители «бумажной архитектуры»:

  • Клод Никола Леду;
  • Этьен Луи Булле.

Этьен Луи Булле (1728-1799) — практикующий архитектор того времени. Его архитектурная карьера сложилась скорее как неудачная. За время своего творчества Булле построил только несколько особняков в Париже и выполнил несколько интерьеров. Впоследствии архитектор посвятил себя «бумажной архитектуре», создав более ста проектов. В них булле использовал самые понятные и простые, правильные геометрически формы — куб, конус, сфера. Под таинственным освещением данные формы призваны были отбрасывать сильные тени.

Кенотаф Ньютона (1784 г.) — самое знаменитое погребальное сооружение из излюбленного жанра архитектора. Замысел проекта состоял в обращении к форме Земли — сфере. Вместе с тем она напоминала о яблоке, которое, по преданию, упало на голову Ньютона, когда тот, гуляя в саду, под яблоней, открыл закон всемирного тяготения. Разумеется, что Кенотаф Ньютона так и не был воплощен в реальность (Рис. 2).

Рисунок 2. Проект кенотафа Ньютона Этьена Луи Булле. Автор24 — интернет-биржа студенческих работ

Замыслы архитектора, которые с легкостью жили на бумаге: будь то бесконечные гигантские колоннады или крохотные человеческие фигурки, были обречены, поскольку в XVIII веке воплотить их не представлялось возможным. Проектные идеи архитектора были грандиозными, принадлежали «вечности», и, одновременно, непрактичными.

Клод Никола Леду (1736-1806) осуществил многие свои проекты на практике, чем отличился от Булле. В 80-е годы Леду посвятил себя «говорящей архитектуре». Так в 1785 году архитектор начинает реализацию своего замысла — строительство трехметровой стены, которая должна была окружить весь город — Пояс застав Парижа, протяженностью двадцать три километра. На въезде в город должны были быть расположены таможенные заставы. Стена не была построена. Задумка Леду подверглась критике современников, поскольку у последних сооружение ассоциировалось с оградами кладбища или стенами тюрьмы.

В 1804 году в книге Леду «Архитектура, рассмотренная с точки зрения искусства, нравов и законодательства» был опубликован проект идеального города будущего Шо, который прославил архитектора.

В основу творчества Леду была положена идея доказать обязанность архитектуры просвещать и воспитывать людей. Леду представлял мир как идеальную модель одновременно с точки зрения архитектора и философа.

Русская архитектура эпохи Просвещения

На русскую архитектуру того времени оказал влияние зарубежный опыт. Элементы западноевропейского барокко стали частью русско-византийского архитектурного стиля, нашедших в максимальной степени свое отражение в московских постройках нарышкинского стиля. Данный стиль поименован в честь боярской семьи Нарышкиных, к которой имела отношение мать Петра I, Наталья Нарышкина. Одной из знаменитых построек стиля в конце XVII века стала церковь Покрова в Филях, которая сохранилась и в наше время.

Решительный разрыв с византийской архитектурной традицией происходит в Санкт-Петербурге — новой столице Петра I. Тогда Санкт-Петербург изначально строился в стиле петровского барокко. Яркими примерами тому стали архитектурные творения: Петропавловский собор, усыпальница семьи Романовых.

Итальянец Доменико Трезини стал первым архитектором Петербурга. Одновременно с ним тогда работали наши талантливые архитекторы (Иван Зарудный). Для строительства некоторых зданий были использованы эскизы самого Петра.

Замечание 3

В елизаветинскую эпоху русское барокко достигает своей вершины во времена работы школы русских архитекторов (Дмитрий Ухтомский, Савва Чевакинский).

Вместе с тем, из Европы для работы приглашают иностранных архитекторов, среди которых Антонио Ринальди. Самые выдающее архитектурное творения принадлежат мастеру Растрелли, который подарил миру такие шедевры как Зимний дворец, Смольный монастырь, Большой Петергофский дворец, Строгановский дворец и еще множество зданий самого Петербурга и его окрестностей.

С того времени, как стала властвовать Екатерина Великая, которая отдает свое предпочтение классицизму — второму главному стилю эпох Просвещения, Растрелли уходит в отставку. Российский классицизм представляют такие выдающиеся мастера как Василий Баженов, Михаил Казаков, Карло Росси, Джакомо Кваренги.

Очень краткая история архитектуры • Arzamas

Родословная колонны, путешествия арки, тайная жизнь балок и стропил и другие приключения строительных конструкций

Автор Сергей Кавтарадзе

Около 4000 года до н. э.

Стоечно-балочная система

  Дольмен Пулнаброн в Ирландии. 2005 год © SteveFE/Flickr

Простейшая архитектурная конструкция, известная с эпохи неолита. С древних времен и до наших дней применяется во всех зданиях, перекрытых плоской или двускатной крышей. В прошлом деревянные или каменные балки укладывали на столбы из того же материала — сегодня вместо природного камня используют металл и железобетон.

 

Около 2500 года до н. э.

Начало оформления колонн

  Гробница фараона V династии Сахуры. Реконструкция Людвига Борхардта. 1910 год © Wikimedia Commons

Древнеегипетские зодчие остались верны стоечно-балочной системе, но придали смысл архитектурным формам. Колонны в их храмах стали изображать пальму, лотос или связку папируса. Эти каменные «заросли» рассказывают о загробном лесе, через который души умерших должны пробраться к новой жизни. Так архитектура стала изобразительным искусством. Позже делать из архитектуры огромную скульптуру стали и в Междуречье. Однако там предпочитали ваять быков, грифонов и других существ животного мира.

 

Около 700 года до н. э.

Складывание античного ордера

  Храм Т в Селинунте. Рисунок Жака Игнаса Гитторфа. 1859 год © Wikimedia Commons

Греки сделали темой архитектуры как искусства саму архитектуру, точнее, рассказ о работе ее конструкций. С этого момента опоры стоечно-балочной системы не просто украшают здание, но и показывают, что они что-то поддерживают и что им тяжело. Они просят сочувствия зрителей и для убедительности подражают строению и пропорциям человеческой фигуры — мужской, женской или девичьей. Выстроенная строго логично система из поддерживающих и поддерживаемых элементов называется ордером  Ордер — (от лат. ordo) воинский строй, порядок.. Обычно различают три главных ордера — дорический, ионический и коринфский — и два дополнительных — тосканский и композитный. Это момент рождения европейского зодчества.

 

Около 70 года н. э.

Начало широкого применения арочных конструкций

  Колизей в Риме. Гравюра Джованни Баттисты Пиранези. 1757 год © Wikimedia Commons

Римляне начинают широко применять арки и арочные конструкции (своды и купола). Горизонтальная балка может треснуть, если она слишком длинная; клиновидные же части в арочной дуге при нагрузке не переламываются, а сжимаются, а разрушить камень давлением непросто. Поэтому арочными конструкциями можно перекрывать гораздо большие пространства и нагружать их значительно смелее. Вместе с тем, освоив арку, архитекторы Рима не стали сочинять новый архитектурный язык взамен древнегреческого. Стоечно-балочная система (то есть колонны и поддерживаемые ими элементы) осталась на фасадах, но теперь часто не работала, а лишь украшала здание. Таким образом, римляне сделали ордер декором.

 

318 год

Возвращение раннехристианских зодчих к деревянным стропильным перекрытиям 

  Базилика Святого Петра в Риме. Реконструкция Генри Уильяма Брюэра. 1891 год © Wikimedia Commons

Падение Западной Римской империи обрушило экономику тех территорий, которые мы сегодня называем Западной Европой. Средств на строительство каменных перекрытий не хватало, хотя потребность в больших зданиях, прежде всего в храмах, была. Поэтому византийским строителям пришлось вернуться к дереву, а с ним — и к стоечно-балочной системе. Из дерева делались стропила — конструкции под кровлю, где часть элементов (подкосы) согласно законам геометрии работает не на излом, а на разрыв или сжатие. 

 

532 год

Начало применения византийскими зодчими купола на парусах

  Купол Софийского собора в Константинополе. 2012 год © Hochgeladen von Myrabella / Wikimedia Commons

Технологический прорыв византийской архитектуры — постановка изобретенного еще в Древнем Риме купола не на круглые стены, замыкающие внутреннее пространство, а на четыре арки — соответственно, всего с четырьмя точками опоры. Между арками и подкупольным кольцом образовывались двояковогнутые треугольники — паруса. (В храмах на них чаще всего изображаются евангелисты Матфей, Лука, Марк и Иоанн — четыре опоры церкви.) В частности, благодаря этой конструкции православные церкви имеют привычный для нас вид.

 

Около 1030 года

Возвращение к строительству арочных сводов в архитектуре романики

  Шпайерский собор в Германии. Рисунок Августа Эссенвейна. 1858 год © Wikimedia Commons

К началу второго тысячелетия нашей эры в Европе стали складываться могущественные империи, и каждая считала себя наследницей Рима. Возродились и традиции римского зодчества. Величественные романские соборы снова перекрывались арочными конструкциями, похожими на античные, — каменными и кирпичными сводами. 

 

1135 год

Готические архитекторы придают арочным конструкциям стрельчатые очертания

  Собор Святого Креста в Орлеане © Renaud Camus / Flickr

У арки и арочных конструкций есть один серьезный недостаток. Они стремятся «разъехаться». До готики архитекторы боролись с этим эффектом, строя толстые стены. Затем был найден другой прием: арки и своды стали делать стрельчатыми. Конструкция такой формы давит больше вниз, на опоры, чем в стороны. Кроме того, с боков эта система подпиралась специальными «мостиками» — аркбутанами, которые перекидывались от отдельно стоящих столбов — контрфорсов. Так стены освобождались от всякой нагрузки, делались легкими или даже исчезали, уступая место стеклянным картинам — витражам. 

 

1419 год

В эпоху Ренессанса, барокко и классицизма стили формируются вне зависимости от новизны применяемых конструкций

  Вид на площадь Святейшего Благовещения. Картина Джузеппе Дзокки. XVI векНа площади находится портик Оспедале-дельи-Инноченти («Приют невинных») архитектора Филиппа Брунеллески (1419–1445 годы).
© christies.com

Эпоха Возрождения дала миру величайшие купола, но с этого момента большие стили возникали уже не столько благодаря строительным новшествам, сколько в результате изменения самой картины мира. Ренессанс, маньеризм, барокко, рококо, классицизм и ампир родились скорее благодаря философам, теологам, математикам и историкам (и в какой-то степени тем, кто ввел в моду галантные манеры), чем изобретателям новых конструкций перекрытий. Вплоть до эпохи промышленной революции новшества в строительных технологиях перестают быть определяющим фактором в смене стилей.


 

1830 год

Начало «железнодорожной лихорадки» привело к массовому применению в строительстве металлических конструкций

  Запуск железной дороги Ливерпуль — Манчестер. Рисунок А. Б. Клейтона. 1830 год © Wikimedia Commons

Рельсы, поначалу предназначавшиеся только для железных дорог, оказались идеальным строительным материалом, из которого легко создаются прочные металлические конструкции. Бурное развитие наземного парового транспорта способствовало росту мощностей металлопрокатных производств, готовых предоставить инженерам любое количество швеллеров и двутавровых балок. Из таких деталей и сегодня делаются каркасы высотных зданий.

 

1850 год

Стекло становится полноправным строительным материалом

  Хрустальный дворец в Гайд-парке. Рисунок Филиппа Браннана. 1850–1851 годы © Victoria and Albert Museum

Фабричное производство оконного стекла больших размеров позволило отработать технологии строительства сначала больших оранжерей, а затем и грандиозных зданий иного назначения, в которых либо все стены, либо крыши делались стеклянными. Сказочные «хрустальные дворцы» начали воплощаться в реальности.

 

1861 год

Начало промышленного применения железобетона

  Чертеж дома Франсуа Куанье из ноябрьского номера журнала L’Ingénieur за 1855 год © histoire-vesinet.org

Попытки упрочнить бетон предпринимались еще в Древнем Риме; металлические стержни для армирования перекрытий начинают активно применять с начала XIX века. В 1860-х годах садовник Жозеф Монье в поисках средства сделать садовые кадки более прочными случайно обнаруживает, что, если в бетон заложить металлическую арматуру, прочность получившейся детали возрастает многократно. В 1867 году открытие было запатентовано, а затем продано профессиональным инженерам, разработавшим методы применения этой новейшей технологии. Однако предприимчивый садовник был лишь одним из нескольких отцов новой строительной технологии. Например, в 1853 году во Франции инженер Франсуа Куанье построил дом целиком из железобетона, а в 1861 году опубликовал книгу о его применении.

 

1919 год

Соединение всех технологических возможностей в новом 

«современном» стиле
  Павильон «Эспри нуво» Ле Корбюзье в Париже. Открытка 1925 года © delcampe.net

В своем манифесте в журнале «Эспри нуво» один из лидеров архитекторов-модернистов Ле Корбюзье формулирует пять принципов современной архитектуры, которые возвращают ее к античным идеалам — не внешне, но в главном: образ здания опять стал правдиво отражать работу конструкций и функциональное назначение объемов. К началу XX века декор на фасадах стал восприниматься как обман. Появилась потребность обратиться к истокам, брать пример с древнегреческих храмов, правдиво рассказывавших о работе конструкций. Однако теперь перекрытия делались из железобетона, смысл применения которого в том, что там, где деталь работает на излом, замурованная в ней арматура сопротивляется разрыву. Поэтому современные конструкции могут перекрывать пролеты почти любой ширины. Теперь здания смогли совсем лишиться колонн, украшений, смогли иметь сплошное остекление, то есть обрести привычный нам «современный вид».  

Основные стили и направления в живописи, скульптуре и архитектуре XIX веке

XIX век считают золотым веком русской культуры. Появляются новые направления и стили. Русская культура возрождается и развивается, испытывая сильнейшее влияние запада, но, не забывая о сохранности собственных традиций, впитывая в себя только лучшее.

Особенности культурного развития в первой половине XIX века

В начале XIX века в русской культуре наблюдается не просто подъём, а активное сближение её с культурой запада, растёт национальное самосознание, возникают различные оппозиционные течения в обществе. Это время появления литературных кружков, увеличения количества учебных заведений, период значительных научных открытий, появления величайших художников, архитекторов и скульпторов.

Архитектура и скульптура — основные стили и направления

В архитектуре преобладает поздний классицизм. Особенность его — масштабность, грандиозность и чёткость. Прежде всего, это проявилось в строительстве некоторых зданий в Петербурге, отличающихся единством и гармонией. Над их созданием трудятся такие архитекторы, как:

  • Захаров А. Д.;
  • Т. де Томон;
  • Воронихин А. Н.;
  • Монферран А. А.;
  • Росси К. И.

После пожара 1812 г. в Москве также начинаются строительные работы. Классицизм преобладает и здесь. Главные здания города строятся под руководством:

  • Бове О. И.;
  • Жилярди Д. И.

В 30-е гг. на смену классицизму в архитектуре постепенно приходит русско-византийский стиль. Тон К.А. возводит Большой Кремлёвский дворец и Оружейную палату. В 1839 г. закладывают фундамент храма Христа Спасителя.

В провинции трудятся не менее известные архитекторы: Попов Я. Н. Стасов В. П. (Никольский казачий собор в Омске), Мельников А. И. (ансамбль Приморского бульвара в Одессе).

В конце XVIII – начале XIX вв. активно начинает развиваться скульптура. В Москве появляется памятник Минину и Пожарскому, созданный И. П. Мартосом. На Дворцовой площади возводят колонну, высотой в 47 метров, в честь Александра I и победы над французами. В Петербурге появляются памятники Кутузову и Барклаю де Толли авторства Б. И. Орловского. На Аничковом мосту устанавливают четыре конные скульптуры и статую Николая I, также на коне, П. К. Клодта. Ф. П. Толстой создаёт серию медалей и барельефов.

Изобразительное искусство

В русской живописи начала XIX в. преобладают реализм и романтизм, но официально творили все же в духе классицизма, поскольку существовавшая в то время Академия художеств была крайне закрытым и консервативным заведением. От художников требовали придерживаться канонов классицизма, поощрялось написание картин в основном на библейские или мифологические сюжеты. Молодые художники следовать указаниям не желали, поэтому в это время всё чаще появляются портреты. К примеру, Кипренский О. А. пишет портрет молодого, находящегося в пике своей славы Пушкина. Этот портрет является ярким примером романтического направления в живописи.

Реализм проявляется в картинах Тропинина В. А. «Кружевница», «Портрет сына». Пушкин у Тропинина умудрён жизненным опытом и не очень счастлив, именно к этим выводам можно прийти, внимательно изучая созданную художником картину.

Выдающимся художником своего времени становится К. Брюллов. В его картине «Последний день Помпеи» отражено ожидание перемен, которые должны наступить вместе с новым веком. Брюллову вторит Иванов А.А. Его «Явление Христа народу» также пронизано ожиданием.

Помимо портретов создаются картины на бытовую тему – «бытовой сюжет». Пишутся настоящие живописные шедевры «На пашне», «Утро помещицы», «Захарка» Венецианова А.Г. и «Сватовство майора», «Свежий кавалер» Федотова П.А.

Начало и первая половина XIX в. – время, когда на смену старым течениям и сюжетам приходят новые. Классицизм ещё преобладает в архитектуре, но живопись становится более романтичной, а иногда и реалистичной. Художники больше не желают писать нечто им неведомое, древнее, они готовы показать мир, который находится вокруг них – простых людей, различные бытовые ситуации, от обычного завтрака помещика, до покоса.

Культура России во второй половине XIX века

Вторая половина XIX в. – это период реформ, отразившийся, прежде всего, в искусстве, но проявилось более всего в живописи.

Так, в 1863, когда Академия художеств объявила очередной конкурс на получение Большой золотой медали, все выдающиеся художники отказались в нём участвовать, поскольку не желали больше писать исключительно в духе классицизма. Они вышли из Академии и организовали Артель художников, возглавил которую Крамский И. Н.

Авторитет Академии пошатнулся, первое место среди популярных учебных заведений заняло Училище живописи, ваяния и зодчества. Его выпускниками стали такие известные художники, как:

  • Саврасов А. К.;
  • Перов В. Г.;
  • Шишкин И. И.

Все они творили в духе реализма. Это уже не только портрет, но также пейзаж (Шишкин) и сцены баталий. Художники-реалисты стремятся максимально точно передать на холсте действительность – события, чувства. Ярче всего это проявляется в полотнах Верещагина. В 70–80-её гг. появляются первые полотна Репина и Сурикова, Левитана.

В отличие от живописи, скульптура переживает упадок. Это связанно с наметившимся в 50–60-её гг. упадком в архитектуре. Развивается исключительно станковая скульптура. Ряды выдающихся скульпторов пополняют:

  • Антокольский М. М.;
  • Микешин М. О.;
  • Опекушин А. М.

В рассматриваемый период в архитектуре преобладает эклектизм – смешивание стилей. Ансамблевое строительство уходит в прошлое, на первый план выдвигается польза, низкая стоимость постройки и её качество. Владельцы только что приобретённых участков более не следят за тем, чтобы выстроенное на них здание по стилю совпадало с окружающими постройками. Востребованы в это время строения общественного назначения – вокзалы, торговые помещения, многоквартирные дома. Возникают новые технологии и материалы. В 60-е гг. основной архитектурный стиль – «ретроспективное стилизаторство», подразумевавшее копирование стилей прошлого. Выдающимися архитекторами считаются:

  • Штакеншнейдер А. И.;
  • Быковский К. М.

В 70-е гг. начинается выработка собственного русского стиля (Исторический музей, Верхние торговые ряды, Московская Городская дума), который в конце века сменяется модерном.

В XIX в., вдохновлённые сначала победой русского оружия, а затем и реформами, художники, скульпторы и архитекторы стремились к созданию или внедрению новых стилей и направлений. Классицизм сменяется реализмом и романтизмом, в архитектуре появляются русский стиль, а затем и модерн, завершивший золотой век русской культуры.

Искусство и архитектура России






Из икон и луковичных куполов супрематизму и сталинскому барокко, русское искусство и архитектура многим кажется для России — довольно непонятное множество экзотических форм и чуждых чувств.Без любое ощущение богатых традиций русской культуры, понимание страны огромное художественное богатство превращается в игру исторического анекдота — «церковь, где такой-то укрылся от того, как его зовут «- или бессмысленного набора эстетических фенечки — «Мне больше всего нравятся синие купола». На самом деле русское искусство и архитектура не так сложно понять, как думают многие, и даже немного зная немного о том, почему они выглядят именно так и что они значат, воплощает в жизнь культуру и личность всей страны.

Иконки

Традиция иконописи была унаследованный русскими от Византии, где он начался как ответвление мозаики и фресковые традиции ранних византийских церквей. В течение 8 и 9 веков иконоборческая полемика в Православной церкви поставила под сомнение религиозность изображения были законной практикой или кощунственным идолопоклонством. Хотя использование изображений не был запрещен, это побудило к глубокому пониманию разницы между искусством предназначен для изображения действительности и искусства, предназначенного для духовного созерцания.Эта разница Это одна из причин того, что художественный стиль иконок может казаться столь неизменным. Определенный виды баланса и гармонии стали отражением божественности, и как таковые они предлагали тщательное воспроизведение и тонкую изысканность, а не поразительную новизну. Хотя эта философия привела к сравнительно медленной эволюции стиля, икона живопись значительно развивалась на протяжении веков. В частности, в XIV веке иконопись на Руси обрела гораздо большую степень субъективности и личностного выражение.Самой заметной фигурой в этом изменении стал Андрей Рублев, чьи работы могут быть просмотрено как в Третьяковской галерее в Москве, так и в Русском музее в Санкт-Петербурге.

В отличие от живописных традиций, которыми стали жители Запада. Русская иконная традиция не имеет отношения к изображению физических пространство или внешний вид. Иконы — это изображения, предназначенные для помощи в созерцательной молитве, и в этом чувство, что они больше озабочены передачей медитативной гармонии, чем планированием реалистичная сцена.Вместо того, чтобы оценивать размер фигуры на значке, оценивая его искажение уровень, посмотрите, как расположены и уравновешены линии, составляющие фигуру, как они перемещают ваш взгляд. Если у вас возникло ощущение, что цифры немного преследует, это хорошо. Они были нарисованы не для того, чтобы очаровывать, а для того, чтобы вдохновлять на размышления и самоанализ. Если вы чувствуете, что должны стоять и ценить каждую икону, которую видите, вам не понравится ни одно из них.Вместо этого попробуйте потратить немного больше времени на один или два, не рассматривая каждую деталь, а просто наслаждаясь несколькими моментами размышлений как ваш глаз идет своим чередом.

Лучшие коллекции иконок можно найти в Третьяковская галерея и Русский музей, хотя, конечно, во многих русских церквях есть сохранили или отреставрировали свои традиционные произведения.

Великий эксперимент

Рост влияния европейской культуры в России в период XVII — XVIII века приблизили русское искусство к знакомым традициям западная живопись.Лишь в конце XIX века следующая большая группа возникли уникальные русские художественные стили, развившиеся в связке с либеральными силы социальной реформы. Это современное движение приняло много разных направлений почти из его зарождение, и описать их все было бы невозможно. Однако даже очень общее знакомство с их общими идеями и интересами делает их работу намного более интересной доступный.

С самого начала современное искусство движение было озабочено отходом от классической традиции и созданием новой вид искусства, тесно связанного с повседневной жизнью российского общества.Это возродился интерес к традиционным формам русского искусства, включая как декоративные народное искусство и, конечно же, иконопись. Из декоративного искусства он получил признание сила абстрактных геометрических узоров — линий, форм и цвета использовались для создавать ритмы и энергетические формы, не обязательно для изображения объектов или реальных пространств. Пересмотр иконописи заставил художников лучше осознать силу квартиры, двухмерная визуальная перспектива.Другими словами, они поняли, что могут лечить холст похож на холст, а не пытается создать впечатление, что это окно в пространство.

С конца девятнадцатого века примерно до 1910 года, движение современного искусства по-прежнему интересовалось традиционными аспектами русского жизнь — религия и деревенская жизнь имели такое же влияние, как и жизнь больших городов. В виде силы социальной реформы стали более тесно связаны с ростом населения промышленные рабочие, художники-авангардисты России все больше обращались к фабрике и бешеный ритм городской жизни для вдохновения.Яркие цвета, упрощенные и четкие угловатые формы и акцент на освободительной энергии современного мира стали основа для новых и все более абстрактных композиций. Кубофутуризм, лучизм и Супрематизм был важнейшим из стилей и школ, возникших в это время. время. Среди их самых выдающихся художников были Казимир Малевич, Владимир Татлин, Михаил Ларионов и Анна Гончарова.

После революции 1917 года русский авангард совершил рывок на службу новому большевистскому режиму.Казалось, это обещало просто перерыв в новый мир и сметая старое, ради чего они работали в искусстве. годы. Они выпускали политические плакаты, организовывали уличные конкурсы и ярмарки, и большинство в частности, выполнил дизайн больших общественных пространств страны к юбилею. празднования революции. Пойманный акцентом нового режима на важности промышленной мощи, они начали привносить в композицию чувство рациональности и технологическая направленность производственных работ и дизайна.Конструктивизм, как называют этот стиль, продолжал развиваться до конца 1920-х годов, когда консерватизм сталинского государства отказался от авангарда в пользу советского реализма. Многие выдающиеся художники более ранние школы играли центральную роль в конструктивизме, особенно Татлин. Другой известные художники конструктивистского движения: Александр Родченко, Варвара. Степанова и Любовь Попова.

Отвергнут сталинским правительством и пренебрегли На западе русский авангард совсем недавно привлек к себе должное внимание.В Русский музей в Санкт-Петербурге обладает лучшей коллекцией произведений искусства.

Архитектура

На протяжении большей части своей истории русский архитектура была преимущественно религиозной. Церкви на протяжении веков были единственными здания должны быть построены из камня, и сегодня это почти единственные здания, которые остались от его древнего прошлого. Основные элементы русского церковного убранства сложились справедливо. рано, примерно в одиннадцатом веке.План в целом такой же, как у греческого креста (все четыре руки равны), а стены высокие и относительно без отверстий. С крутым уклоном Крыши (шатровые) и множество куполов покрывают сооружение. Характерный лук купол впервые появился в Новгороде на соборе Святой Софии, в одиннадцатом век. В интерьере главной особенностью является иконостас, алтарная ширма, на которой иконы церкви расположены иерархически.

Центры средневековой церковной архитектуры следовали за смещение господства городов старой России — из Киева в Новгород и Псков, а из конец 15 века, Москва. С созданием единого Российского государства под Иван III, зарубежная архитектура стала появляться в России. Первый экземпляр такого иностранная работа — Большой Успенский собор Москвы, завершенный в 1479 г. архитектор Аритотле Фиораванти.Собор на самом деле представляет собой замечательный синтез традиционные русские архитектурные стили, хотя его классические пропорции отмечают его как произведение итальянского Возрождения. Русская традиция пережила непродолжительный период возобновившееся влияние при Иване IV (Грозном), при котором легендарный собор Василия Блаженного. Однако в целом цари начали объединяться. все больше и больше с европейскими архитектурными стилями. Великолепным примером этого сдвига был Питер Великий, спроектировавший св.-Петербург в соответствии с преобладающим европейским дизайном. Его преемники продолжили эту модель, наняв итальянского архитектора Растрелли для создания Зимний дворец в стиле рококо и Смольный собор. При Екатерине Великой был установлен рококо. кроме неоклассицизма, завершающего полностью европейскую топографию Санкт-Петербурга.

В девятнадцатом веке новый интерес к возникли традиционные русские формы. Как и связанное с ним движение в изобразительном искусстве, это возрождение старых стилей участвовало в создании авангардного движения в начало двадцатого века.В течение короткого периода после революции 1917 года авангард Конструктивистское движение получило достаточное влияние на проектирование крупных зданий. Ленина Мавзолей, спроектированный в 1924 году Алексеем Щусевым, — самый примечательный из немногих сохранившихся. Конструктивистские постройки. К концу 1920-х годов авангард оказался отвергнутым. Сталинское все более консервативное государство. Отход от модернизма, сталинские времена Архитектура лучше всего иллюстрируется семью почти неразличимыми «свадебные» небоскребы, возвышающиеся над горизонтом города.

В последние годы распад Советского государства и возобновление интереса к традиционной русской культуре привело к новому пониманию более скромная народная архитектура. Немногочисленные оставшиеся образцы традиционных деревянных архитектура, например, экспонаты в архитектурном музее под открытым небом в Костроме, сегодня являются одними из самых ценных архитектурных памятников России.



Copyright (c) 1996-2005 InterKnowledge Corp.Все права зарезервированный.

Западная архитектура | Britannica

Острова восточного Средиземноморья и Эгейского моря образуют естественную связь между сушей Ближнего Востока и Европы. Экспансия на запад цивилизаций Западной Азии и Египта началась около 3000 г. до н.э. и привела к поселениям на Крите, Кикладах и в материковой Греции. Фундаментальное отличие этих культур от более ранних, неолитических, состоит в том, что каменные орудия труда и оружие были заменены на сделанные из меди, а затем и из бронзы.Энеолитический (медно-каменный) век, продолжавшийся в районе Эгейского моря с начала 3-го тысячелетия до нашей эры до начала 2-го, обычно считается частью большого бронзового века, на смену которому пришел железный век примерно с 1200 г. до н.э.

Отличительной чертой эгейских цивилизаций была легкость, с которой азиатские мотивы и техники были адаптированы для создания оригинальных местных стилей. В архитектуре, безусловно, наиболее важными достижениями были цивилизации минойского Крита и микенской Греции.

Минойский Крит

Великая морская цивилизация Крита кристаллизовалась вокруг дворцов, таких как Кносский, Фест, Айя-Триада, Маллиа и Тилиссос. Чрезвычайно важный Дворец Миноса в Кноссе, раскопанный и реконструированный в начале 20 века сэром Артуром Эвансом, представляет собой свидетельство непрерывного архитектурного и художественного развития с начала неолита, кульминацией которого стало блестящее проявление строительной деятельности во время третьей фазы среднего минойского периода. период (1700–1580 гг. до н.э.) и продолжался до вторжения ахейцев в XII веке.Однако дворец, по сути, представляет собой сооружение двух поздних средних минойских периодов (1800–1580 гг. До н. Э.). По монументальности он, несомненно, соперничал с ближневосточными и египетскими дворцами. Следуя примеру таких структур, Дворец Миноса представляет собой четырехугольный комплекс комнат и коридоров, сгруппированных вокруг большого центрального двора, размером примерно 175 × 100 футов (50 × 30 метров). В северном конце, к морю, величественный портик из 12 пилястр открывал доступ к центральному двору. В этом конце также находится большая театральная площадка, прямоугольный театр под открытым небом, который, возможно, использовался для ритуальных представлений.Восточное крыло дворца разделено на две части длинным коридором, идущим по оси восток-запад; Первоначально он возвышался на четыре или пять этажей над склоном долины. В юго-восточной части дворца находятся жилые апартаменты, тщательно продуманные с сантехникой и смывом, а также святилище. Широкая лестница вела на верхний этаж, которого больше нет. Северо-восточная часть дворца занята офисами и кладовыми. Западная часть снова разделена главным коридором длиной более 200 футов (60 метров), идущим на север и юг.Позади этого коридора, вдоль западной стороны, была обнаружена серия длинных узких кладовых, содержащих большое количество питофов, или емкостей для хранения нефти размером с человека. По другую сторону коридора, обращенного к центральному двору, находятся государственные залы, в том числе тронный зал с его уникальным гипсовым троном и всемирно известными фресками с грифонами. Ярко окрашенные фрески играли важную роль как во внутреннем, так и во внешнем убранстве дворца. Свет подавался сверху с помощью оригинальной системы фонарных колодцев, а несколько портиков с колоннами обеспечивали вентиляцию во время жаркого критского лета.

Кносос

Часть реконструированного минойского дворца, Кносс, Крит, Греция.

Петерак

Развитие других минойских дворцов (Фест, Маллиа, Айя Триада, Тилиссос) примерно соответствует развитию Кносса. Каждый из них примечателен, и Фест особенно интересен благодаря обширным итальянским раскопкам. Морская гегемония позволила критским морским королям строить эти дворцы в низких и незащищенных местах; следовательно, заметно отсутствие крепостных стен по сравнению с большими стенами месопотамских дворцов.Поскольку критское поклонение, по-видимому, проводилось в основном на открытом воздухе, настоящих храмов, как на Ближнем Востоке, нет. Тем не менее, расположение различных частей дворца вокруг центрального двора и максимально возможное избегание внешних окон — это характеристики, которые, кажется, указывают на ранний контакт с Ближним Востоком. Пристрастие к длинным прямым дворцовым коридорам, а также к высокоразвитой системе водоснабжения, возможно, также унаследовали от древних цивилизаций на востоке.Впервые в Европе колонна появилась в критском дворце, где ее часто использовали индивидуально для разделения входа.

Phaestus

Вход во дворец Феста, Крит, Греция.

Марсий

Развитие погребальной архитектуры на Крите продолжается от старых камерных оссуариев раннего минойского периода (2750–2000 гг. До н.э.) до развитых толои, или ульевых гробниц, на равнине Месара и сложных храмов-гробниц Кносса, которые появились на конец средне-минойского периода.

На гребне минойского процветания произошел великий крах. Вторжение с материка около 1400 г. до н.э. разрушило дворцы и привело к утрате власти микенской Греции. На Крите очень редко встречаются архитектурные остатки построек догреческого происхождения, построенных после этой катастрофы. Несколько деревенских святынь принадлежат этому периоду после разрушения, а в Приниасе уникальное храмовое здание может быть датировано 700 годом до нашей эры. Вход в этот храм украшен барельефами на его архитектурных элементах.Проем над перемычкой обрамлен сидящими фигурами, а сама перемычка с нижней стороны вырезана фигурами богини и животных. Колонна, которая, кажется, стояла посреди этого дверного проема, как и во дворце Миноса, указывает на то, что минойская традиция не исчезла полностью.

Искусство и архитектура в России

Русское искусство и архитектура остаются загадкой для большинства посторонних, даже несмотря на то, что сама страна открылась миру. Если вы немного узнаете об эволюции русского изобразительного и прикладного искусства, а также о политических движениях, которые часто руководили ими, ваша поездка станет менее захватывающей и более открывающей глаза.

На протяжении тысячелетия, от обращения России в православие в IX веке до XIX века, русское искусство почти полностью определялось иконописью . Византийская практика рисования святых или библейских сцен на резных деревянных панелях строго руководствовалась церковным каноном, поэтому иконы выглядят гораздо более единообразными и повторяющимися, чем, например, западноевропейское религиозное искусство эпохи Возрождения. Лучший совет для начинающего зрителя — выбрать одну или две иконки в комнате и изучить их линии и баланс — не ищите реализма или классических пропорций и не ожидайте возвышения.Они должны быть несколько захватывающими и интроспективными.

Некоторым русским иконописцам удалось привнести в свои работы оригинальность, но чтобы заметить различия, нужен наметанный глаз. Андрей Рублев был самым известным и противоречивым средневековым иконописцем, который в XIV веке вывел этот жанр на новый уровень. Его работы больше всего ценят в Третьяковской галерее в Москве и Троицком монастыре в Сергиевом Посаде. В Спасо-Андронниковом монастыре в Москве, где он жил и работал, нет его оригинальных работ, но есть информативная выставка о нем.

Русское искусство вышло из моды после того, как Петр Великий перенес столицу в Санкт-Петербург в начале 1700-х годов и украсил его французскими и итальянскими шедеврами или их подражаниями. Только в середине 19 века славянофильское движение принесло русским живописцам настоящий успех. Странники, или передвижники, оторвались от Петербургской Академии художеств и ее западных традиций, чтобы сосредоточиться на изображении русской деревенской жизни. Среди выдающихся людей этого периода — Иван Крамской и Илья Репин, работы которых хорошо представлены в Третьяковской галерее и Русском музее в Санкт-Петербурге.Петербург.

В конце XIX века появилась русская версия движения декоративно-прикладного искусства , основанного на традиционном русском прикладном искусстве. Русские художники также приняли то, что они называют Style Moderne, или Art Nouveau. Потрясающие интерпретации этого стиля можно найти в мозаике « Dream Princess » Михаила Врубеля на верхней части фасада гостиницы «Метрополь» и на связанной с ним мозаике размером с комнату в Третьяковской галерее.

Политические потрясения начала ХХ века были главным двигателем развития русского искусства.Яркие цвета, угловатые формы и интенсивность городской жизни заменили сельские пейзажи, и русское движение Avante-Garde процветало. Казимир Малевич и Михаил Ларионов исследовали жанры футуризма, лучизма (единственное истинно абстрактное искусство в России) и супрематизма. Белорус Марк Шагал в этот период создавал сюрреалистические и удивительные картины. Многие из этих работ выставлены в Третьяковской галерее в Москве (старое и новое крыло) и в Русском музее в Санкт-Петербурге.Петербург.

Ранние советские лидеры изначально использовали творчество свободомыслящих художников в пропагандистских целях, а плакаты, скульптуры и общественные пространства, созданные русскими художниками в 1920-х годах, являются одними из самых ярких произведений искусства в мире. Конструктивисты , в том числе Владимир Татлин, Александр Родченко и Варвара Степанова, включили в свои работы технологические и индустриальные темы и энергию. Их работы только начинают выходить из музейных хранилищ, а некоторые экспонируются в Третьяковской галерее и Санкт-Петербурге.Петербургский Русский музей. Российский авангард внес в мировое искусство больше, чем обычно ценится, в основном потому, что советское правительство так эффективно стерло или дискредитировало их работы к 1930-м годам, отстаивая вместо этого смелые образы, но менее смелые идеи социалистического реализма.

Пропагандистский плакат пришел на смену иконе в качестве главного холста России на протяжении большей части советской эпохи, пока свобода от художественных ограничений в конце 1980-х и 1990-х годах не породила волну смелого экспериментального искусства.Сегодня российские артисты, похоже, ищут новую роль.

Русская архитектура тоже была церковной и веками следовала православной строгости. Церкви были построены в форме греческого креста с несколькими окнами и крутыми крышами. Луковые купола стали заметной особенностью в 11 веке. Иконостас , ширма перед алтарем с тщательно продуманной иерархией икон, является ключевым объектом для поиска внутри церкви.

Средневековые архитекторы рисковали больше, чем их коллеги-иконописцы.Соборы в Кремле являются наиболее яркими примерами постепенного посягательства итальянского влияния на русскую традицию в 15-м и 16-м веках. Венецианские гребешки обрамляют крыши, хотя здания включают кокошники (остроконечные арки) и закомари (полукруглые фронтоны), типичные для архитектуры Москвы той эпохи. Собор Василия Блаженного в Москве — одна из последних церквей, где так смело использовались скошенные купола и шатер , шатер или шатровая башня, позже запрещенная православными лидерами — ни один другой храм в России сегодня не выглядит так, как это.

Западные идеи Петра Великого перевернули русскую архитектуру, а построенная им столица соответствовала идеалам Просвещения и неизменной симметрии. Зимний дворец и Смольный собор в стиле рококо, а также Михайловский дворец и Адмиралтейство в неоклассическом стиле почти не похожи на искривленные купола средневековой Москвы. Посетите любую площадь Санкт-Петербурга и развернитесь на 360 градусов, и вы почувствуете, насколько последовательными и светскими были дизайнеры города, даже те, кто пришел хорошо после смерти Петра.

Возрожденческое движение XIX века привело к возвращению традиционных русских церковных элементов, таких как украшенные купола в церкви Спаса-на-Крови в Санкт-Петербурге. После победы над Наполеоном стиль ампир прижился в русских аристократических резиденциях, свидетельством чему являются улицы Пречистенка и Остоженка в Москве.

Ранняя советская архитектура была такой же творческой и энергичной, как и искусство того времени. Такие архитекторы, как Константин Мельников, создавали функциональные, элегантные здания, благодаря которым советская идея (прогрессивного, эгалитарного государства) казалась вершиной современности.(Его самый известный дом находится недалеко от Арбата в Кривоарбатском переулке, 6.) Мавзолей Ленина на Красной площади, при всей своей болезненной функции, является одним из последних сохранившихся образцов конструктивистской архитектуры. Система московского метро была спроектирована лучшими архитекторами страны и представляет собой отличное место, чтобы увидеть сопоставление традиций (цветочные столицы) с советской политикой (статуи пролетариата). Это также одна из самых красивых систем метро в мире.

Позже стиль «сталинской готики» появился в десятках высотных зданий вокруг Москвы (до Варшавы и Праги), с башенками и шпилями на административных или жилых зданиях.Два ярких примера — гостиница «Украина» и МГУ. Архитектура после Сталина превратилась в унылые квадратные башни, которые портят горизонт любого российского города. Сегодняшние архитектурные тенденции задаются тем, что россияне-нувориши строят многомиллионные «коттеджи» на окраинах Москвы и Санкт-Петербурга. Руководящий принцип часто кажется «настолько большим и экстравагантным, насколько это возможно». Они делают просмотр забавным, хотя многие из них окружены высокими стенами и системами безопасности, чтобы вы не могли этого сделать.

Примечание : Эта информация была точной на момент публикации, но может быть изменена без предварительного уведомления. Перед планированием поездки обязательно подтвердите все цены и детали непосредственно у соответствующих компаний.

10 самых известных русских художников и их шедевры

Самый известный русский художник средневековья — Андрей Рублев . Он специализировался как художник православных икон и фресок.В девятнадцатом веке художественное направление, известное как Реализм , доминировало в мире русского искусства. Реалисты запечатлели русскую идентичность в пейзажах , а также в энергичных жанровых сценах, и массивных портретах своих современников. Они также сфокусировались на Social Realism , отражающем повседневные условия рабочего класса и бедных . Ведущими русскими пейзажистами были Исаак Левитан и Иван Шишкин ; ведущим портретистом был Валентин Серов; , а ведущим соцреалистом Илья Репин .Русский авангард — это термин, используемый для определения большой волны модернистского искусства, процветавшей в России примерно с 1890 по 1930 год . Ведущими художниками этой эпохи были Казимир Малевич , Василий Кандинский и Марк Шагал . Узнайте больше о русском искусстве через 10 самых известных русских художников и их шедевры.


# 10 Валентин Серов

Валентин Серов

Срок службы: 19 января 1865 г. — 5 декабря 1911 г.

Сын русского композитора и музыкального критика Валентин Александрович Серов поощрялся к развитию своих художественных талантов с юных лет. Реализм был влиятельным художественным движением , художники которого решили с бескомпромиссной правдой и точностью изобразить людей и ситуации настоящего. Искусство Серова вдохновлено реалистическим движением . Его самые известные работы — это портретов , которые сконцентрированы на спонтанности восприятия его моделей и захватывают их психологические характеристики . К ним относятся Девушка с персиками , возможно, его величайшая и самая известная работа .В последние годы жизни Серов работал над темами из классической мифологии, давая им свою личную интерпретацию. Валентин Серов был одним из ведущих портретистов своего времени и создал величайших произведений русского реалистического искусства .

Masterpiece: Девушка с персиками (1 88 7 )

Девушка с персиками (1887) — Валентин Серов

Другие известные произведения: —

Портрет Иды Рубинштейн (1910)

Портрет княгини Ольги Орловой (1911)


# 9 Наталья Гончарова

Наталья Гончарова

Срок службы: 3 июля 1881 г. — 17 октября 1962 г.

Гончарова Наталья Сергеевна родилась в обеспеченной артистической семье.Она была потомком Александра Пушкина , легендарного русского писателя. На самом деле ее назвали Натальей в честь жены Пушкина. В 1910 году Наталья выставлялась в Москве, став одним из основателей бубнового валета , первой радикальной независимой выставочной группы в Москве . В том же году она провела свою первую персональную выставку, которую пресса раскритиковала за «отвратительное развращение». Наталью даже судили за порнографию, но оправдали.Затем она стала одним из основателей Der Blaue Reiter (Синий всадник) , одной из двух групп, имеющих фундаментальное значение для влиятельного художественного движения Экспрессионизм . В конце концов она стала пионером Rayonism , стиля абстрактного искусства, в котором естественных явлений изображаются как полуабстракции излучающих лучей света . Наталья Гончарова сыграла важную роль в развитии современного искусства и, пожалуй, самая известная художница в России.

Masterpiece: Автопортрет с желтыми лилиями (1 907 )

Автопортрет с желтыми лилиями (1907) — Наталья Гончарова

Другие известные работы: —

Маленькая станция (1911)

Хоровод (1 910 )


# 8 Иван Шишкин

Иван Шишкин

Срок службы: 25 января 1832 г. — 20 марта 1898 г.

Иван Иванович Шишкин был членом Передвижников , также известных как Странники и Общества Передвижников. Это была группа русских художников-реалистов, протестовавших против академических ограничений и критиковавших социальную среду в царской России. Помимо прочего, передвижники писали пейзажи, чтобы исследовать красоту своей страны и побуждать простых людей любить и сохранять ее. Иван Шишкин использовал живопись как способ изучения природы . На протяжении своей долгой, успешной и потрясающей карьеры он сосредоточился на русском ландшафте, особенно на его девственных лесах .Говорят, что в то время не было никого, кто изображал бы деревья более реалистично, честно и с большей любовью . Его работа Утро в сосновом лесу — это одна из самых известных русских картин всех времен . Наряду с Исааком Левитаном, Иван Шишкин является одним из самых успешных пейзажистов России .

Masterpiece: Утро в сосновом лесу (1 88 9 )

Утро в сосновом лесу (1889) — Иван Шишкин

Другие известные произведения: —

На Диком Севере (1891)

Поле пшеницы (1 878 )



# 7 Андрей Рублев

Андрей Рублев

Срок службы: c.1360–70 — ок. 1430

О Андрей Рублев достоверно известно немного. Даже место его рождения и дата рождения неизвестны. Кроме того, поскольку русские художники не подписывали свои работы до 17 века, картины могут быть отнесены к нему только на основании письменных свидетельств или стиля. Несмотря на все это, Андрей Рублев считается одним из величайших средневековых русских художников . Он специализировался как художник православных икон и фресок. Его икона Троица , изображающая трех ангелов, посетивших Авраама, считается одним из высших достижений русского искусства .Андрей Рублев соединил в своих работах высший аскетизм и классическую гармонию византийского маньеризма . Персонажи его картин всегда миролюбивы и спокойны. Русская Православная Церковь причислила Рублева к лику святых в 1988 году.

Masterpiece: Trinity (1 42 5 )

Троица (1425) — Андрей Рублев

Другие известные произведения: —

Христос Искупитель (1410)

ул.Марк Евангелист (1400)


# 6 Исаак Левитан

Исаак Левитан

Срок службы: 30 августа 1860 г. — 4 августа 1900 г.

Левитан Исаак Ильич родился в бедной, но образованной семье. Семья поощряла его художественные таланты, и он был зачислен в Московскую школу живописи . Его мать умерла, когда ему было пятнадцать, а два года спустя умер его отец, оставив его без крова. Это был один из его учителей, который взял его в ученики, чтобы оказать некоторую денежную помощь.В 17 лет Исаак испытал горести крайней нищеты , и это отражено в его картинах . Исаак Левитан сегодня считается одним из самых влиятельных пейзажистов России . Его выбор темы был продиктован настроением , центральной категорией в его личной эстетике. Таким образом, ему приписывают основоположник того, что было названо «пейзажем настроения» . Левитан создавал пейзажи, отражающие малость человечества рядом с бескрайним небом.Все его работы отмечены темой вечности , даже в самом маленьком, самом скромном ее проявлении.

Masterpiece: Золотая осень (18 95 )

Золотая осень (1895) — Исаак Левитан

Другие известные произведения: —

Осенний день. Сокольники (1879)

Выше вечного мира (189 4 )


# 5 Айвазовский Иван

Иван Айвазовский

Срок службы: 29 июля 1817 г. — 2 мая 1900 г.

Иван Айвазовский был одним из ведущих русских художников своего времени, который также был главным художником военно-морского флота России.Он был плодовитым художником, чья карьера длилась почти 60 лет , в течение которых он создал около 6000 картин . Айвазовский был награжден Российской Империей орденом Святого Владимира , , , 1865, , и орденом Александра Невского, , и орденом Святого Александра Невского, , 1897, . Он также был одним из немногих русских художников, добившихся всемирного признания при жизни. В 1857 году он стал первым не французским художником , получившим орден Почетного легиона .В следующем году он был награжден орденом Меджидии от Османской империи . Иван Айвазовский — самый известный русский художник-романтик . Он также считается одним из величайших художников-маринистов всех времен . Известный русский писатель Антон Чехов придумал фразу «достойный кисти Айвазовского» . В он стал стандартным способом описания чего-то чрезвычайно красивого в России в XIX веке.

Шедевр: Девятая волна (1850)

Девятая волна (1850) — Иван Айвазовский

Другие известные произведения: —

Корабль в бурном море (1887)

Черное море ночью (1879)


# 4 Репин Илья

Илья Репин

Срок службы: 5 августа 1844 г. — 29 сентября 1930 г.

Илья Репин также входил в группу Передвижники .Его работы относятся к жанру Social Realism , жанру которого привлекают внимание к повседневным условиям рабочего класса и бедноты ; и критически относится к социальным структурам, которые приводят к этим условиям . Репин постоянно искал новые техники и содержание, чтобы придать своим работам большую глубину. У него был художественный дар чувствовать дух времени, и он использовал свои работы, чтобы изобразить его влияние на людей. Репин наиболее известен тем, что запечатлел крестьянскую жизнь в своих работах, возможно, на лучше, чем любой другой художник в истории .Илья Репин был самым известным русским художником 19 века , его положение в мире искусства сравнимо с положением Льва Толстого в литературе . Среди прочего, он сыграл важную роль в привлечении русского искусства в русло европейской культуры.

Шедевр: Бурлаки на Волге (1873)

Бурлаки на Волге (1873) — Илья Репин

Другие известные произведения: —

Ответ запорожских казаков (1891)

Иван Грозный и его сын Иван (1885)



# 3 Казимир Малевич

Казимир Малевич

Срок службы: 23 февраля 1878 г. — 15 мая 1935 г.

Геометрическая абстракция — это форма абстрактного искусства, основанная на использовании геометрических форм.Казимир Малевич был основателем художественного движения, известного как Супрематизм , которое сосредоточено на основных геометрических формах, таких как круги, квадраты, линии и прямоугольники, а использует из ограниченного диапазона цветов. . Таким образом, он является пионером геометрического абстрактного ar t . Его супрематическая картина 1915 года « Черный квадрат » — одна из самых известных и влиятельных работ в истории абстрактного искусства.Малевич был также теоретиком искусства и написал книгу Мир как необъективность , в которой изложил свои супрематистские теории. Он был ключевой фигурой в развитии тотальной абстракции и сведении картины к ее геометрической сущности. Казимир Малевич — самый известный русский художник-абстракционист после Василия Кандинского.

Masterpiece: Черный квадрат (1915)

Черный квадрат (1915) — Казимир Малевич

Другие известные произведения: —

Белое на белом (1918)

Супрематическая композиция (1916)


# 2 Марк Шагал

Марк Шагал

Срок службы: 6 июля 1887 г. — 28 марта 1985 г.

Марк Захарович Шагал был одним из самых влиятельных художников современности.Он был связан с рядом движений современного искусства, включая кубизм, символизм, фовизм и сюрреализм . Однако на протяжении всех этих этапов он оставался прежде всего «художником-евреем, чьи работы были одной долгой мечтательной мечтой жизни в его родном селе Витебске» . В свое время он был самым выдающимся еврейским художником в мире, и с тех пор его называют «типичным еврейским художником двадцатого века» . Марк Шагал работал в различных СМИ, но наиболее известен своими картинами.Его работы обычно живые и образные . Они часто сочетают различные художественные стили, которые он знал, с его народным стилем . Марка Шагала описывают как «пионера современного искусства и одного из величайших художников-фигураторов, который изобрел визуальный язык, запечатлевший трепет и ужас двадцатого века».

Masterpiece: La Mariée (1950)

La Mariee (1950) — Марк Шагал

Другие известные произведения: —

Я и деревня (1911)

Белое Распятие (1938)


# 1 Василий Кандинский

Василий Кандинский

Срок службы: 16 декабря 1866 г. — 13 декабря 1944 г.

Первоначально преподаватель права и экономики, Василий Кандинский отказался от многообещающей карьеры, чтобы заняться искусством.Он приобрел известность в 1910-х годах и стал одной из ведущих фигур в современном искусстве . Кандинский был пионером абстрактного искусства , и он нарисовал некоторые из самых ранних работ в жанре , включая то, что известно как Первая абстрактная акварель . Музыка, будучи абстрактной по своей природе, была неотъемлемой частью его искусства, и некоторые из своих спонтанных работ он назвал «импровизациями» , а сложные — «композициями» . Помимо того, что Кандинский был художником, был выдающимся теоретиком искусства , книги которого оказали огромное и глубокое влияние на будущих художников.За его огромный вклад в увод художественного мира от репрезентативных традиций к абстракции, Василия Кандинского многие считают «отцом абстрактного искусства» . Он самый известный русский художник.

Masterpiece: Композиция VII (1913)

Композиция VII (1913) — Кандинский Василий

Другие известные произведения: —

Farbstudie Quadrate (1913)

На белом II (1923)

Русская революция и авангардная архитектура

Жан Тернер рассматривает драматические изменения, произошедшие в архитектуре после большевистской революции, и глубокое влияние, которое они оказали на развитие первого в мире рабочего государства.

В девятнадцатом веке, как и во всех других искусствах, русские исследовали новые формы выражения в архитектуре после негативной реакции на импорт Петром Великим классической архитектуры в Россию и неприятие эпохи Просвещения Екатерины Великой. Дизайнеры вернулись к интерпретации традиционных русских форм строительства и декора.

Это произошло в пылу интеллектуальных дебатов о правильных принципах строительства. В своей книге «Русский авангард» Кэтрин Кук описывает различные центры архитектурной теории: «[…] Архитектурная школа Императорской Академии художеств в Санкт-Петербурге была оплотом классицизма, но у нее было два более радикальных соперника — архитектурный факультет Санкт-Петербургский строительный техникум и Королевский колледж в Москве.В 1850-х и 60-х годах учителя этих двух школ, Аполлинария Красовского в Петербурге и Михаила Быковского в Москве, заложили в России основы рационалистического взгляда на архитектуру, основанного на новых технологиях и социальных задачах ».

После убийства Александра III по воле народа (Народная воля) был установлен авторитарный общественный порядок. Однако новый класс промышленных и банковских династий возник из числа освобожденных крепостных с сильными националистическими и культурными предрассудками, основанными на крестьянских и торговых ценностях.Выбранная ими форма дизайна стала модерном или модерном, воплощенным в творчестве Федора Шехтеля.

Как и в других странах в то время, женщины требовали поступления в университеты для получения архитектурного образования. Поскольку все колледжи были вовлечены в радикальные волнения против царского авторитаризма, возникли опасения, что женщины, часто поддерживающие требования радикальных рабочих, могут доставить неприятности университетам.

Среди пяти женщин на Конгрессе русских архитекторов в 1911 году две — Елена Багаева и Луизи Молас — руководили собственной архитектурной школой, используя учебную программу Академии и преподавателей из инженерно-строительного колледжа.В 1902 году уроки женского строительства были открыты в Москве Иваном Фоминым, Уильямом Уолкотом и другими и проводились в офисе Шехтеля. К 1917 году женщины имели собственные политехникумы в Москве и Петербурге с полными пятилетними курсами по архитектуре, строительной инженерии, химии и электромеханике и по указу получили «право возводить здания». Однако этот указ был реализован, наряду со многими другими практическими и образовательными свободами, только после большевистской революции октября 1917 года.

Первыми двумя указами нового большевистского правительства были Указ о мире, который вывел Россию из Первой мировой войны, и Указ о земле, который национализировал всю землю и недвижимость, заложив новую уникальную основу для советской архитектуры и планирования. .

Ленин передал Анатолию Луначарскому управление Наркомпроса. Это сформировало политику общественного образования, включая плановое присвоение наследия старого мира наряду с новыми формами, возникшими в искусстве и архитектуре.Позднее эта точка зрения была оспорена в 1920 г. в «Пролеткульте» Александра Богданова, который утверждал, что сами пролетарии создадут новые формы культуры ab initio.

В ноябре 1917 года партия большевиков созвала в Смольном институте молодых прогрессивных художников, писателей и дизайнеров Петрограда, чтобы обсудить их возможное сотрудничество с Советской властью. С той же скоростью новый комиссариат заручился поддержкой более авторитетных художников, таких как Борис Кустодиев, Кузьма Петров-Водкин и Александр Бенуа, поручив им сохранение произведений искусства в общественных зданиях и создание политики сохранения исторических зданий.

Иван Леонидов, модель Института Ленина, Москва, 1927

Мятежники, такие как Владимир Маяковский, Александр Родченко и Любовь Попова, изначально находившиеся на окраине респектабельного академического мира, начали преподавать в художественных школах и исследовательских учреждениях. В Высших художественно-технических мастерских (ВХУТЕМАС) в Москве были созданы художественные направления рационализма и конструктивизма. Рационалисты сосредоточились на эстетической рациональности и форме; Конструктивисты о технической рациональности и науке.Супрематики Иван Леонидов и Яков Черников отдавали предпочтение индивидуальным постройкам абстрактно-геометрического качества на открытых площадках. Классицизм не был полностью отвергнут, но принял новые формы, например, в творчестве Ивана и Игоря Фоминых, а также Владимира Щуко и Владимира Гельфрейха, создавших Ленинскую библиотеку.

Большая часть их первых работ была теоретической, потому что пять лет гражданской войны и иностранной интервенции разрушили экономику. Традиционные материалы для строительной индустрии были практически недоступны.Модели предлагаемых общественных зданий и памятников, например, памятник Третьему Коммунистическому Интернационалу Владимира Татлина 1919 года, были изготовлены из доступных материалов, но без возможности строительства. По словам Джона Мильнера, Башня Татлина должна была перекрывать Неву.

Рабочий клуб Русакова, Константин Мельников, 1927-28

В период гражданской войны художники, актеры и дизайнеры могли создавать пропагандистские постановки в поддержку нового советского государства.По словам Алексея Гана, «весь город был бы сценой, а вся пролетарская масса Москвы — исполнителями». Эти изделия стали предметом революционного дизайна. В Петрограде прошел грандиозный фестиваль к первой годовщине Октябрьской революции, в котором участвовало восемьдесят пять отдельных дизайнерских проектов по всему городу, выполненных известными художниками и дизайнерами, в том числе Натаном Альтманом, украсившим Дворцовую площадь временной архитектурной скульптурой.

Никакая капитальная реконструкция не могла начаться, пока не была решена проблема быстрого производства строительных материалов.Однако эти пропагандистские проекты и модели должны были лечь в основу ныне известных авангардных зданий, построенных между 1923 и 1930-ми годами, когда советская архитектура оказала влияние на Запад, а не наоборот. Все они были спроектированы советскими архитекторами, за исключением нескольких Ле Корбюзье и Эриха Мендельсона.

Акцент делался на бурное строительство жилищно-коммунального хозяйства, рабочих клубов, дворцов культуры и универмагов. Они были предназначены для улучшения образования и условий жизни рабочего класса и освобождения женщин от домашней работы, позволяя им принимать полноценное участие в промышленном производстве.В Первом пятилетнем плане (1928–32) первоочередное внимание уделялось строительству зданий для поддержки быстрого развития электротехнической, черной металлургии и транспорта.

Нарконфин, Моисей Гинзбург и Игнатий Милинис, 1930 год

Многие из этих знаковых зданий все еще стоят, хотя некоторые из них находятся в плохом состоянии. Однако они остаются данью силе марксистско-ленинской идеологии, которая породила первое в мире рабочее и крестьянское социалистическое государство, государство, которое более семи десятилетий стало покровителем современного искусства и архитектуры.

Эта статья была впервые напечатана в дайджесте SCRSS, выпуск 3, осень 2017 г .: www.scrss.org.uk/publications.

Российская академия живописи, ваяния и зодчества Ильи Глазувова

Историческая справка

Российская академия живописи, ваяния и зодчества расположена в здании, спроектированном выдающимся русским архитектором В.И. Баженова на Мясницкой улице, 21, — исторический памятник XVIII века.

Построен в 1780-1790 годах для генерал-лейтенанта И.И. Юшкова, дом стал популярным грандиозным светским салоном столицы. После смерти Юшковых дом принадлежал П.И. Юшков, их сын. К этому времени финансовые дела этой семьи пришли в упадок, что вынудило хозяина передать в субаренду часть помещения под рисовальный класс — Московскому художественному обществу в 1838 году. С этого дня и началась новая жизнь дома Юшкова. связан с Московской государственной художественной школой.

Руководителями и организаторами Московской (народной) художественной школы в то время были М.Ф. Орлов, А.Д., Чертков, Ф. Скарятин, Э. Маковский. Их проект предусматривал, что новая школа должна предоставить возможности для талантов из низов.

Главным избранным руководителем художественного класса и наиболее активным членом Художественного общества был генерал М.Ф. Орлов, герой Отечественной войны 1812 года.

Художественный класс был признан властями только в 1843 году.Он начал появляться в 1844 году в делах Московского школьного округа, когда Московское художественное общество приобрело все здание.

К концу XIX века Училище фактически получило статус высшего учебного заведения, что впоследствии было подтверждено высшим приказом Николая II о предоставлении Московскому художественному училищу прав высшего учебного заведения с полной самостоятельностью в своей деятельности. учебная часть в 1905 г.

Московская школа живописи отличалась от других учебных заведений демократичными условиями приема и поистине творческой средой.Эта художественная школа объединила творческую молодежь, для которой главным принципом творчества в искусстве был реализм.

Многие преподаватели школы стали членами Ассоциации передвижных художественных выставок.

С 1865 г., после присоединения Московского архитектурного училища, училище стало называться Училищем живописи, ваяния и зодчества.

Ведущим классом школы был класс модели жизни. Его возглавил В.Г. Перов, А. Рябушкин, С. Коровин и многие другие. Класс пейзажа вел академик живописи А.К. Саврасов. Среди его учеников были И.И. Левитан и К.А. Коровин — величайшие мастера русского пейзажа. После А.К. Саврасова, пейзажный класс возглавил П.Д. Поленова, а затем А. Васнецов. В 1870-1890-х годах в школе преподавали В. Пукирев, Е. Сорокин, Н. Неврев, С. Коровин, Л. Пастернак и другие.

В это время в школе проходили выставки известных художников, концерты и благотворительные акции.Старинный дом на Мясницкой улице всегда привлекал многих. В конце XIX века к зданию дома Юшкова по Бобровскому переулку пристроили четырехэтажный учебный корпус, а в начале XX века в нем появились два восьмиэтажных жилых дома для преподавателей и студентов. внутренний двор.

Тогда же во дворе был построен выставочный зал по чертежам архитектора И.О. Курдюков.

Остекленную крышу зала спроектировал известный русский инженер В.Г. Шухов, автор и строитель первой радио- и телебашни в Москве. После революционных событий 1917 года Училище живописи, ваяния и зодчества прекратило свое существование, а в помещении на Мясницкой улице, 21 открылись первые государственные художественные мастерские (вторые открылись на базе Строгановского училища). Возглавляли мастерские такие художники, как Лентулов, Кончаловский, Машков, Родченко и другие, входившие в состав Художественного объединения «Бубновый валет», а также Малевич и Кандинский, которые были основоположниками абстрактного искусства.

В конце 1920 года мастерские были объединены в Высшие художественно-технические мастерские — ВХУТЕМАС, постановление о создании которых подписал В.И. Ленина. Эти мастерские были заполнены людьми, пренебрегавшими художественными традициями, противниками академической и старинной живописи. Их лозунгом было разрушение старого мира «до основания».

Дальнейшая биография дома связана с ВХУТЕИН — Высшим художественно-техническим институтом, который был создан в 1926 году и просуществовал до 1930 года.После этого дом на улице Мясницкой, 21 заняли несколько учреждений.

С 1942 года в здании размещался Московский механический институт, готовивший физиков и инженеров-механиков. В 1953 году этот вуз был переименован в Московский инженерно-физический институт (МИФИ). В 1960 году его перевели в новое здание на Каширском шоссе, а дом 21 заняли Всесоюзный научно-исследовательский и проектно-конструкторский институт автоматизированных систем управления (ВНИПИоАСУ) и организация Центрального научно-исследовательского института инженерных и информационных технологий им. его отделы, службы и лаборатории.

Таким образом, здание XVIII века — так называемый дом Юшкова — полностью утратило баженовские интерьеры. Сильно пострадали и фасады здания.

Новая эпоха в жизни дома Юшкова началась с имени великого русского художника и общественного деятеля — Народного артиста СССР, профессора Ильи Глазунова.

Еще в 1986 году, когда в стране только начиналась перестройка, у Газунова возникла идея создать новое высшее художественное училище, в котором воплощены реалистические традиции русской художественной школы — петербургского.Возродятся Петербургская Академия художеств и Московское училище живописи, ваяния и зодчества. Его недавно созданной Всероссийской академии живописи, ваяния и зодчества требовалась резиденция, и очевидным решением было вернуть ее на Мясницкой улице, 21.

История дома Юшкова продолжается.

Основание Академии

Меня часто спрашивают, зачем двадцать лет назад я создал новое учебное заведение — Российскую академию живописи, ваяния и зодчества.

На протяжении многих лет мне выпала честь возглавлять созданную мною портретную мастерскую при Московском художественном институте имени В.И. Суриков.

Здесь мне пришлось невольно противопоставить принципы школы высокого реализма методам обучения преподавателей института, исключавших традиционный рисунок из гипса, работу с гризайлем и копирование шедевров старых мастеров в музеях после учебы. их технологии. Особое внимание уделяла пластической анатомии.Так нас учили в студенческие годы в Ленинградском институте имени И.Е. Репина — бывшая Императорская Академия художеств.

Я родился и вырос в Ленинграде. Я видел, как мои родители и почти все мои родственники погибают в осаде. Вернувшись из эвакуации через 14 лет, я поступил в среднюю художественную школу при институте имени И.Е. Репина. Я учился там с 1951 по 1957 год и окончил мастерскую Б.В. Иогансона по специальности «живопись». Надпись на входе в мою альма-матер «Свободному искусству.1765 год »останется со мной навсегда.

Величественное здание Академии на берегу Невы вдохновлено славной историей русского искусства. С каким азартом поднимались сначала школьники, а потом студенты по крутой лестнице, по которой когда-то поднимались многие наши любимые художники — А.Лосенко, А.Иванов, К.Брюллов, И.Репин, В.Суриков, В. Васнецов, А. Рябушкин, М. Врубель. Высокие залы с копиями Рафаэля, Тициана, Гвидо Рениха, нарисованные лучшими молодыми учеными из жизни Рима, знаменитый музей древних слепков, рисунок из которого культивировался в старой Академии, учебные рисунки и перформансы будущих мастеров XVIII и XVIII веков. XIX век — все это запомнилось на всю жизнь и определило мою жизнь.

Педагогические каноны Императорской Академии художеств легли в основу воспитания художников в моей мастерской при Суриковском институте.

В 1987 году не только мое, но и моих друзей убеждение, что «школа художника — как крылья», без овладения знаниями которого художник навсегда останется любителем, стало поводом для создания нового учебного заведения. в России. Раньше, в советское время, для всех братских республик, кроме РСФСР, было дано распорядком, определенное количество мест для приема в художественные вузы вне зависимости от уровня талантов и подготовки.

Таким образом, многие одаренные молодые люди из российской провинции были лишены этого права. На меня обрушилось горько очевидное осознание необходимости в художественном университете, где по справедливости принимали бы молодые таланты нашей многонациональной родины.

Для нового университета в Москве не было лучшего здания, чем Дом Юшкова, построенный гениальным Баженовым. В этом доме когда-то располагалось Императорское училище живописи, ваяния и зодчества, где учились и работали великие русские живописцы: В.Перов, М. Нестеров, А. Васнецов, В. Серов, А. Саврасов, И. Левитан. Я решил проехать на Мсницкую улицу, 21 и невольно полюбовался могучей колоннадой здания, выдержанной в лучших традициях классицизма.

Но тогда это были 22 советских учреждения, которые занимали здание во время и после войны, даже Институт Андрея Сахарова арендовал одно из флигелей. Пришлось вложить много денег и душевных сил, чтобы Академия выглядела достойно.Мы с товарищами гордимся тем, что, выдержав ожесточенную борьбу с могущественной властью, мы вернули русским художникам храм искусства, создав Российскую академию живописи, ваяния и зодчества.

Сегодня я убежден, что только он станет настоящим художником, который, впитав заветы школы высокого реализма, отразит борьбу добра и зла в мире, ощутив неувядающую красоту гармонии и замысел мироздания. Божий мир.

Пусть он, подобно Одиссею, поплывет между Сциллой и Харибдой, между бескрылым кустарным натурализмом и произволом абстрактной опалубки.

Самая большая загадка творчества любого художника — создание образа. Искусство всегда разделялось на два неразделимых принципа — «что» и «как». Художник хочет сказать — рождает форму своего творчества. «Просыпайте современников величественными образами Духа», — призывал М.А.Врубель. «Мое искусство — это свеча, зажженная перед лицом Бога», — сказал В.М. Васнецов. Изучение природы, передача ее тональных и цветовых отношений определяют талант и путь художника. Многофигурная живопись — композиция — как роман в литературе.

Илья Репин сказал на открытии Всероссийского съезда художников в декабре 1911 года: «Искусство — высший дар Творца народу, давайте не осквернять его!».

Художник всегда размышляет и понимает время, в котором он живет. Будьте достойны себя, молодые художники, и сражайтесь за великую миссию творца, выражающего национальное самосознание своего народа.Ступени школы высокого реализма — ступеньки в вашей душе. Будьте достойны себя в страшной борьбе добра и зла нашего XXI века. Выбирайте свободу творчества, а не рабство преходящей моды.

Двери нашей Академии открыты для всех, кто хочет стать художником. Сегодня, когда большинство мировых академий под давлением авангардизма утратили понятие «школа», определяющее уровень профессионализма художника, мы отстаиваем принципы высокого мастерства, реализма и духовности, без которых нет не может быть настоящего великого искусства.

Добро пожаловать в священный Храм искусства — Российскую академию живописи, ваяния и зодчества.


Илья Глазунов
Основатель и ректор Российской академии живописи, скульптуры и архитектуры
Заслуженный художник СССР, профессор,
академик, почетный член Королевской
Академий изящных искусств Мадрида и
Барселоны , Лауреат Премии ЮНЕСКО

Гости

За годы существования Академия приняла многих известных политиков, общественных и культурных деятелей:

10 русских художников, которых вы должны знать

Василий Кандинский, The Lyrical, 1911

Простой поиск русских художников даст сотни результатов в Интернете.И хотя все эти художники заслуживают особого признания за свои работы, некоторых можно выделить как новаторов и лидеров новых течений в искусстве.

Брюллов родился в семье художников и, как и его братья, учился в Академии художеств, где его отец был учителем. По окончании учебы молодой художник получил стипендию для поездки в Европу. Он особенно любил Италию, где он завершил один из своих шедевров, Последний день Помпеи. Картина принесла ему признание, и он вернулся в Россию героем. Его личная жизнь складывалась не так счастливо. У него был короткий брак, который закончился разводом всего через два месяца. Брюллов стал изгоем высшего общества и поэтому вернулся в Италию, где провел остаток своих дней.

Последний день Помпеи | © Wikimedia Commons

Путь Айвазовского в искусство был сочетанием таланта и удачи. Он родился в бедной семье, которая не смогла бы получить образование в области искусства.Его взяли в Феодосийскую семью, что позволило ему посещать приличную школу, а затем учиться в Санкт-Петербурге. Море стало главным объектом его искусства. Он ездил в Крым, где два года прожил прямо на берегу Черного моря. Среди его многочисленных морских шедевров — Девятая волна, самая известная работа художника.

Девятая волна | © Wikimedia Commons

Верещагин начал свою карьеру в армии, но вскоре его страсть к искусству взяла верх, и он начал учиться в Академии художеств.Получив образование, Верещагин отправился на Ближний Восток в разгар сражений. Он посвящает много своей работы теме войны, завершив Апофеоз войны , его единственное вымышленное произведение, с сильным антивоенным посланием. Из-за сильного послания картины Верещагин не был хорошо принят в России. Он покинул страну, живя в Тибете и Индии. Погиб в бою во время русско-японской войны.

Апофеоз войны | © Wikimedia Commons

Репин родился в бедной крестьянской семье, но его мать заметила в мальчике талант.Он научился основам живописи у местного иконописца, а затем заработал ровно столько, чтобы поехать в Санкт-Петербург. После окончания Академии художеств его творчество уже получало много хвалебных отзывов. Затем он завершил свою первую крупную работу «« Воскрешение дочери Иаира ». Репин при жизни выполнил ряд работ, в том числе множество портретов современников. Он также получил заказ от правительства на завершение одной из своих самых больших картин, Торжественное заседание Государственного совета 7 мая 1901 года , которая состояла из более чем 80 портретов.Это была его последняя крупная работа.

Бурлаки на Волге | © Wikimedia Commons

Несмотря на то, что Врубель закончил учебу, чтобы стать юристом, юристом никогда в жизни не работал. Затем он начал учиться в Академии художеств, где один из его профессоров рекомендовал его как художника для помощи в реставрации фресок в украинском монастыре. Вернувшись в Россию, Врубель столкнулся с финансовыми проблемами. Вскоре после этого умер его отец, а сын родился с дефектом здоровья. Проблемы писателя отражены в его серии картин, посвященных демонам, например, Сидящий демон .Ближе к концу жизни у него случился нервный срыв, и он был госпитализирован. Его последняя картина, Пророк , была вдохновлена ​​стихотворением Александра Пушкина. Он завершил это, поскольку его одолевала психическая болезнь и он приближался к полной слепоте.

Сидящий демон | © Wikimedia Commons | © Wikimedia commons

Левитан родился в семье раввина, который зарабатывал на жизнь преподаванием языков. Их семья зарабатывала ровно столько, чтобы выжить, но, несмотря на бедность, Исаака и его брата отправили в художественную школу.Его школьный путь был нелегким, и он не окончил ее с полным дипломом. Основным предметом картин Левитана были пейзажи. В его манере их рисования есть особый термин «пейзажи настроения». Многие из его знаменитых работ выполнены на берегу Волги, по которой художник путешествовал.

Март | © Wikimedia Commons

Серов родился в семье композитора, отца и матери, пианистки. С юных лет он проявлял интерес к живописи и учился за границей в Германии и Франции.Затем он переехал в Москву, чтобы завершить образование в Академии художеств. В юном возрасте он завершил одну из своих главных работ Девушка с персиками . Основная часть картин Серова — портреты. Он нарисовал много известных фигур того времени, в том числе членов королевской семьи. В конце жизни он подал в отставку с должности в Санкт-Петербургской Академии художеств в знак протеста против русской революции. Его более поздние работы исследуют новые темы, в основном взятые из классической мифологии.

Девушка с персиками | © Wikimedia Commons

Путь Кандинского в искусство отличался от других — он обратился к живописи только в конце 30-летнего возраста. Его вдохновило посещение выставки импрессионистической живописи, которая была на гастролях в Москве. Затем он переехал в Германию, где изучал искусство и создал художественный кружок под названием Фаланга, где начал преподавать. Кандинский был частью движения экспрессионизма и абстрактного искусства, которое упрощает формы и формы, делая объект независимым от визуальных ссылок.Примером таких работ является произведение Кандинского « Композиции », которое он создавал за 30 лет.

Композиция № 4 | © Wikimedia Commons

Кустодиев вырос в русской деревне со своей овдовевшей матерью и тремя братьями и сестрами. Еще мальчиком он знал, что хочет стать художником, поэтому Кустодиев поступил в Академию художеств, где учился у Ильи Репина. Он получил грант на поездку в Европу со своей молодой семьей, а затем поселился на берегу Волги, основав мастерскую под названием «Терем».Его спокойная семейная жизнь длилась недолго. Кустодиев болел туберкулезом и лечился за границей. Болезнь прогрессировала, и художника парализовало ниже пояса. Затем он был прикован цепью к своей кровати, но написал одни из самых радостных и ярких картин в своей карьере: Красавица и Жена купца . Болезнь унесла его жизнь в возрасте 49 лет.

Красавица | © Wikimedia Commons

Петров-Водкин родился в семье сапожников и сам им стал.Он не собирался становиться художником, но знакомство с писательством вызвало у молодого человека интерес.

About Author


alexxlab

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *