Стиль барокко в архитектуре примеры: Барокко в архитектуре России

Стиль Барокко в архитектуре и дизайне интерьеров: происхождение и отличительные черты

Стиль барокко возник в конце 16 — начале 17 веков в Италии и постепенно распространился почти по всем странам Западной Европы. Наиболее интенсивно он развивался в Испании и странах Латинской Америки. Появившийся в эпоху Позднего Возрождения, барокко становится характеристикой европейской культуры того времени.

Происхождение стиля

XVI в. был не самым лучшим в истории Италии. Государство, игравшее ведущую роль в искусстве эры Возрождения, потеряло свое экономическое и политическое величие. В стране хозяйничают иностранцы. Испания обосновалась в Милане, Неаполе и Сицилии, контролируя государства, расположенные между ними. Генуя и Венеция, оставшиеся независимыми, переживали упадок. Обнищание деревни привело к появлению разбоев и бродяжничества. Переход Милана, Неаполя и Сардинии под управление Австрии в 1713 г. окончательно лишил политической независимости Италию.

Свободный стиль Возрождения заменялся духовной цензурой, жестокостью инквизиции и ордена иезуитов. Преследование свободомыслия и наиболее прогрессивных представителей духовного мира негативно отразилось на культурной и художественной жизни страны.

Новый стиль, который насаждали придворная знать и церковь, имел глубокие отличия от ранее существующего. В искусстве стала преобладать эмоциональность, стирались грани между очевидным и воображаемым. Стремление к природной красоте и высокой нравственности заменялось яркой, но нарочито подчеркнутой аристократической вычурностью.

Из-за отсутствия средств знать не могла строить роскошные дворцы, поэтому посредством искусства создавали видимость могущества и богатства. При помощи архитектуры барокко вельможи смогли себя возвеличить. В таких условиях в Италии зародился новый стиль. Некоторые специалисты считают, что он имеет много общего с архитектурой турок-сельджуков.

Характерные черты

Основы мировоззрения стиля складывались в условиях изменения представления о строении мира как о постоянном единстве. Этому способствовали учение Коперника, религиозное и общественно-политическое течение, направленное на реформирование католической Церкви (Реформация).

Барокко присущи такие характерные черты, как:

  • вычурность;
  • необычность;
  • преувеличенная элитность;
  • динамичность образов;
  • сочетание реальности с иллюзией;
  • слияние искусств.

Вместо равновесных пропорций возникают сложные построения и многоплановость конструкций. Но несмотря на это в стиле преобладает симметрия и господствуют оси.

Барокко в архитектуре

Впервые величественный ансамбль из нескольких сооружений различного назначения, выполненный в стиле раннего барокко, появился в Ватикане. Архитектурные формы отличались уравновешенностью, однако появилось сочетание зданий с садом, фонтанами и ступенями разного типа. Они еще отделены от окружающей среды и замкнуты на себе, что характерно для архитектуры эпохи Возрождения. Большие размеры и эмоциональную наполненность в архитектуру внесет Микеланджело.

В поздних творениях зодчего в полной мере отразились особенности архитектуры барокко.

Используемые материалы

В барочной архитектуре динамично используются живопись, скульптуры и окрашивание внутренних поверхностей. Новый стиль применяет уже существующую технику строительства. Для изготовления многих элементов зданий используют кирпич и штукатурку. Статуи ваяют из белого мрамора, которым богата Италия. Отделку интерьера выполняли в виде росписей на библейские темы, а резные детали покрывались позолотой.

Вычурность стиля предполагает использование дорогих строительных материалов. Широко применяются натуральные камни, хрусталь, бронза и золото. Фундаменты и цокольные части выполнялись из гранитных блоков, что подчеркивало монументальность сооружения.

Декоративные элементы

Архитектурный барочный декор обуславливался использованием элементов культовых обрядов и символизма. Дома оформлялись изображением зверей, гирляндами из листьев, головами жертвенных животных и т. д. Кроме того, в качестве декоративных украшений используют валюты, картуши, вазы, трельяжи, маскароны. Предметы декора имеют объемные формы и переплетаются друг с другом, создавая впечатление нагроможденности, перегружая фасады зданий.

В орнаменте позднего барокко применялись архитектурные детали: колонны, консоли, балюстрады. Некоторые из них, например, колонны, использовались как декоративные элементы, утратив несущую функцию.

В этот период орнаменты имели особо крупные размеры и представлялись грузными, нависая над зрителями.

Архитектурные приемы

Главной художественной идеей архитектуры барокко является психологическое влияние на человека, его подчинение динамике и активности стиля. Кроме великолепия требовались изящество, грация и кортезия (теплота, нежность). Зодчие передавали эти качества возводимым сооружениям посредством пластики форм и поверхностей. В строительстве использовалось многократное повторение в фасаде одного здания одних и тех же деталей и декоративных приемов.

Используя живописную игру света, зодчий не сразу открывает зрителю все элементы, а представляет их частями, повторяя по несколько раз. Это создает иллюзию путаницы, в результате чего глаз теряется в восприятии непростой системы подымающихся и опускающихся линий.

Среди архитектурных методов выделяется расположение колонн группами, отодвинутыми от стен, или наоборот, утопленными в них. Это создавало эффект отступающих или наступающих поверхностей. Скульптурные композиции усиливали ощущение размытости границ и форм, непрочности стен, которые кажутся ненадежными опорами, отделяющие внутреннее пространство от внешнего мира.

Архитекторы возводили сооружения, которые вместо стабильности и легкости создавали впечатление неустойчивости, а вместо стационарности — динамику и трансформацию.

Примеры барокко в архитектуре

Одной из именитых фигур в барокко является скульптор и художник Джованни Лоренцо Бернини. В 1629 г. он был назначен главным архитектором собора Святого Петра. Его гениальность проявилась при строительстве площади перед строением. Возведением колоннады он создал искусственную перспективу и иллюзорную корректировку вида величественного сооружения. Она визуально увеличивает собор и позволяет отвлечься от него лишь находясь в центре площади.

Церковь Сан-Карло алле Куатро Фонтане в Риме создана современником Бернини — архитектором Франческо Борромини. Находясь на перекрестке улиц, сооружение было построено в виде 3 модулей, которые визуально могли бы относиться к разным зданиям.

Четко выражен контраст между ордерным построением колонн и волнообразной поверхностью стен. Неотъемлемой частью сооружения являются скульптурные композиции, которые органично вписываются в облик строения. Умеренный, но яркий декор подчеркивает великолепие творения зодчего.

Во время правления Петра I в России работают архитекторы из Германии Андреас Шлютер и Иоганн Готфрид Шедель. Первый знаменит созданием Грота в Летнем саду Петербурга, а второй руководит строительством дворца Меньшикова на Васильевском острове. В облике зданий преобладает торжественность, присущая стилю, однако стены построены плоскими без визуальных иллюзий.

Эпоха царствования Елизаветы знаменуется наступлением периода зрелого (елизаветинского) барокко. В этот период работают Б.Ф. Растрелли, Д. Ухтомский, С. Чевакинский. Чтобы укрепить престиж власти, возводятся монументальные дворцовые комплексы, соборы и монастыри.

Внутренние помещения, выполненные в виде последовательно примыкающих друг к другу залов, дверные проемы которых расположены на одной оси, что создает сквозную выразительную перспективу на оформление их внутреннего убранства.

В отделке присутствует много лепнины, зеркал, позолоты. Полы украшены инкрустацией из ценных пород дерева, потолки расписаны сценами на исторические и мифологические темы, а стены задрапированы тканью. Все это создает парадную обстановку. В этот период возведены Царскосельский Екатерининский дворец, Смольный монастырь, Строгановский, Воронцовский и Зимний дворцы.

Стиль барокко в России просуществовал до конца XVIII в. На смену роскоши пришла умеренная красота классицизма. Описание и фото творений великих мастеров собраны в тематических альбомах, которые пользуются большой популярностью.

Стиль в дизайне интерьеров

Барокко должен показывать богатство и величие, подчеркивать роскошь. В дизайне интерьера стиль демонстрирует пышность и величие. Для этого используют материалы богатых расцветок, гобелены, тканые ковры и др. Для изготовления мебели применяют ценную древесину, легко поддающуюся полировке. Отделку выполняют с использованием слоновой кости и панцирей черепах.

Большая роль отведена освещению. Игра света подчеркивает сияние отделки и ослепительность внутреннего убранства. Для этого используют подвесные светильники с позолотой и большим наполнением хрусталя. Это обеспечивает приглушенное и рассеянное освещение всего помещения.

Торжественность интерьеру придают большие зеркала в резных рамах. В них отражается блеск и сияние огней, что создает иллюзорное восприятие пространства.

Барокко в архитектуре Германии | Творческие проекты и работы учащихся

Барокко в архитектуре Германии

Барокко в архитектуре начатое в начале 17 века в Италии выражала торжество абсолютистского государства и церкви. Барокко было напрямую связано с Контрреформацией, движением по реформированию в католической церкви в ответ на Протестантскую реформацию.


Стиль барокко распространился в Германии после Тридцатилетней войны. Здания в этом стиле строились по французскому образцу, подражая зданиям Людовика XIV в Версале. Примером построенных в Германии зданий является дворцово-парковый комплекс из четырёх зданий Цвингер в Дрездене, построенный Маттеусом Пёппельманом с 1709 по 1728 год, изначально для проведения придворных праздников.

Взаимодействие архитектуры, скульптуры и живописи является одним из важнейших элементов архитектуры барокко. Важным примером является Вюрцбургская резиденция императора, строительство которой началось под руководством Иоганна Бальтазара Неймана в 1720 году. Фрески на лестнице выполнил художник Джованни Баттиста Тьеполо с 1751 по 1753 год.


Другими известные дворцами в стиле барокко является Новый дворец в Потсдаме, замок Шарлоттенбург в Берлине, замок Вайсенштайн в Поммерсфельдене и дворец Аугустусбург в Брюле, чей интерьер частично оформлен в стиле рококо.

В стиле Рококо, позднем этапе барокко, украшения стали более обильными с яркими тонами. Примером является дворец Сан-Суси, построенный в 1745—1747 годах, который был летним дворцом Фридриха Великого, короля Пруссии, в Потсдаме, близ Берлина.

Известны также Барочная церковь Бенедиктинского Оттобойрен, монастырь Вельтенбургя, аббатство Этталь и церковь Святого Яна, под названием Церковь Асам в Мюнхене. Другими примерами Барочной церковной архитектуры является базилика Vierzehnheiligen в верхней Франконии и восстановленная Фрауэнкирхе в Дрездене, созданная архитектором Георгом Бэром в 1722—1743 годах.

Классицизм в архитектуре Германии

Классицизм распространился в Германии во второй половине 18 века. Он черпал вдохновение от архитектуры древности, как реакция на стиль барокко в архитектуре и ландшафтном дизайне.

Парковое королевство Дессау-Вёрлиц — один из первых и крупнейших английских парков в Германии был создан в конце 18 века при регентстве герцога Леопольда III Ангальт-Дессау (1740—1817), после возвращения из Гранд-Тура по Италии, Нидерландам, Англии, Франции и Швейцарии с его другом архитектором Фридрихом Вильгельмом фон Эрдмансдорфом.

Бранденбургские ворота, созданные по заказу короля Фридриха Вильгельма II прусского в знак мира, оформленные Карлом Готтхардом Лангхансом в 1791 году, являются одним из самых известных памятников классицизма в Германии. В настоящее время они считаются одними из самых знаменитых европейских достопримечательностей.

Самым значительным архитектором этого стиля в Германии был Карл Фридрих Шинкель. Шинкель избегал стиль, который был связан с недавними французскими оккупантами. Его наиболее известные здания находятся в Берлине. Это Нойе-Вахе (1816—1818), Берлинский драматический театр (1819—1821) на площади Жандарменмаркт, который заменил предыдущий театр, разрушенный в результате пожара в 1817 году и Старый музей на Музейном острове (1823—1830).

Другой видный представитель греческого стиля, Лео фон Кленце (1784—1864), был придворным архитектором баварского короля Людвига I. Страсть Людвига к эллинизму вдохновляла фон Кленце, который построил много зданий в неоклассическом стиле в Мюнхене, включая Ruhmeshalle и Английский сад.

На Кенигсплаце он создал свой самый известный современный Эллинистический архитектурный ансамбль. Возле Регенсбурга он построил храм Валхалла, названный в честь Валгалле, обители богов в скандинавской мифологии.

Еще одним важным зданием этого периода является замок Вильгельма в Касселе (начало 1786).

Историзм в архитектуре Германии

Историзм (historismus), иногда известный как эклектика, это художественный и архитектурный стиль, который черпает вдохновение из исторических стилей. После Нео-классицизма новый исторический стиль возник в середине 19 века, отмечая возврат к более раннему классицизму в архитектуре и в живописи.

Важным архитектором этого периода был Готфрид Земпер, который построил галерею (1855) в Цвингере и здание Опера Земпера (1878) в Дрездене. В зданиях Земпера отмечены элементы стилей Возрождения, стиля барокко и даже колонны Коринфского стиля, типичные для классической Греции.[4][5]

Существуют региональные варианты исторического стиля в Германии. Примерами является курортная архитектура (особенно в МВ на немецком Балтийском побережье), Ганноверская школа архитектуры и Нюрнбергский стиль.

Пристрастие к средневековым зданиям нашло отражение в замке Нойшванштайн, который Людвиг II построил в 1869 году. Замок Нойшванштайн был спроектирован архитектором Кристианом Янке, театральным декоратором, то, возможно, объясняет фантастический характер получившегося здания.

Архитектурный вариант, жизненно важный для такого здания в горной местности, был представлен сначала Мюнхенским придворным архитектором Эдуаром Риделем, а позднее Георгом фон Долманом, зятем Лео фон Кленце.

Известны также Ульмский собор и здание Рейхстага (1894) архитектора Пауля Валлота.

Перейти к разделу: 4. Замки Германии и их история

Русское барокко XVIII века

В характеристике русской архитектуры XVIII в. используются понятия «петровское барокко», «елизаветинское барокко», «нарышкинское барокко» и т.д. Давайте попробуем разобраться в этих разновидностях барокко.

Итак, барокко как стиль в искусстве, в частности, в архитектуре, начинает формироваться в эпоху Возрождения. Искусствоведы видят истоки архитектуры этого стиля в произведениях Виньола и позднего Микеланджело.
Архитектура барокко в странах Европы, Центральной и Южной Америки охватывает период примерно с конца XVI и до конца XVIII вв. В каждой стране стиль барокко имел свои особенности и характерные черты.
Как известно, Пётр I активно привлекал в Россию иностранных специалистов и деятелей культуры и одновременно посылал талантливых молодых людей обучаться «художествам» за границу: в Германию, Голландию, Австрию, Италию и др. страны. Во второй четверти XVIII в. «петровские пенсионеры» стали возвращаться в Россию, привозя с собой новый художественный опыт и приобретённое мастерство. Этот новый художественный опыт накладывался на отечественный, и в результате появлялись разновидности определённого стиля на «русский лад». Таким образом и появились разновидности барокко, о которых мы сегодня и намерены говорить. 

Петровское барокко

В стиле петровское барокко в основном проектировались здания в новой российской столице Санкт-Петербурге. Архитектуре петровского времени свойственны простота строений, чёткость членений и сдержанность убранства, плоскостная трактовка фасадов, что представляло собой разрыв с византийскими традициями, которые преобладали в российской архитектуре почти 700 лет.
К числу первых строителей Петербурга принадлежат Жан-Батист Леблон (1679-1719) – французский архитектор и мастер садово-парковой архитектуры, с 1716 г. главный архитектор Санкт-Петербурга; Доменико Трезини (1670-1734) – архитектор и инженер, родившийся в Швейцарии итальянец. С 1703 г. работал в России, став первым архитектором Санкт-Петербурга. Трезини заложил основы европейской школы в русской архитектуре. Повлиял на многих последующих архитекторов, его ученик – Михаил Земцов, приставленный по приказу Петра I помощником к Трезини. Андреас Шлютер (1660-1714) – немецкий скульптор и архитектор, представитель раннего барокко в Германии. Дж. М. Фонтана (1670-1712) – российский архитектор итальянского происхождения. Известен своими работами в стиле барокко в Санкт-Петербурге и Москве. Николо Микетти (1675-1759) – итальянский архитектор, работавший в Риме и Санкт-Петербурге. В 1719-1723 гг. был главным придворным архитектором всех строительных работ в Петербурге и его пригородах. Г. Маттарнови (?-1719) – немецкий архитектор и скульптор, работавший в Санкт-Петербурге. Составил проект планировки Адмиралтейской стороны. Из его оригинальных проектов сохранилось лишь здание Кунсткамеры и фрагмент Зимнего дворца.
Все эти архитекторы прибыли в Россию по приглашению Петра I. Каждый из них вносил в облик сооружаемых зданий традиции той архитектурной школы, которую он представлял.
Петровское барокко в основном связано с архитектурным обликом Петербурга. Но ещё до начала планомерной застройки новой столицы в Москве были возведены здания, которые можно считать прообразом петровского барокко. Например, Лефортовский дворец (1698).

Первое здание дворца было возведено по указанию Петра I для Лефорта, ближайшего помощника и советника царя. Строительство вёл русский архитектор Дмитрий Аксамитов. Дворец был построен в эклектическом стиле, но в нём уже были первые элементы петровского барокко.
Здание много раз перестраивалось, поэтому в его архитектуре в настоящее время мало что сохранилось от первоначального облика.

Другое здание петровского барокко в Москве – це́рковь Арха́нгела Гаврии́ла на Чи́стых пруда́х (Меншикова башня). Церковь была построена в 1707 г. по заказу Александра Меншикова. Автор проекта – Иван Зарудный, но предполагают участие в проекте Доменико Трезини. Это самое раннее из сохранившихся зданий петровского барокко в Москве.

Одним из немногих в Москве примеров петровского барокко является и храм апостолов Петра и Павла в Басманной слободе. В его архитектуре нет ничего общего с древнерусской архитектурной традицией.
В Петербурге в стиле петровского барокко были построены здания Кунсткамеры, Кикины палаты, Меншиковский дворец и др.

Кунстка́мера – кабинет редкостей. В настоящее время там расположен Музей антропологии и этнографии им. Петра Великого Российской академии наук. Кунсткамера была первым музеем России, учреждённым императором Петром Великим. В нём находится уникальная коллекция предметов старины, раскрывающих историю и быт многих народов, а также коллекция анатомических редкостей и аномалий.
Здание построено в стиле петровского барокко. Оно состоит из двух 3-этажных корпусов, соединённых барочной многоярусной башней со сложным купольным завершением. Оба фасада были парадными.
Строительством руководил архитектор Г. Маттарнови (по своему же проекту), с 1719 г. строительство вёл Н. Гербель. Он внёс ряд изменений в проект Маттарнови. После смерти Гербеля в 1724 г. работы вёл архитектор Киавери. С 1729 г. под руководством Земцова внутри здания производились разные «починки и доделки». Окончательно Кунсткамера была построена в 1735 г.
На смену петровскому барокко пришло елизаветинское.

Елизаветинское барокко (растреллиевское)

Это архитектура русского барокко эпохи Елизаветы Петровны (1741-1761). Крупнейшим представителем этого направления был Ф. Б. Растрелли. Елизаветинское барокко использовало достижения московского барокко конца XVII-начала XVIII вв., сохранив важные для русской храмовой традиции элементы (крестово-купольная схема, луковичные или грушевидные пятиглавия). В этом – главное отличие елизаветинского барокко от петровского.
Елизаветинское барокко тяготело к созданию героизированных образов с целью прославления могущества Российской империи. Растрелли спроектировал величественные дворцовые комплексы в Петербурге и его окрестностях: Зимний дворец, Екатерининский дворец, Петергоф. Архитектор тяготел к масштабности построек, пышности декоративного убранства, разнообразный окрас фасадов с применением золота. Праздничный характер архитектуры Растрелли наложил отпечаток на всё русское искусство середины XVIII в.

Смольный собор (Петербург). Архитектор Франческо Растрелли
Елизаветинского барокко представляют и московские архитекторы середины XVIII в. во главе с Д. В. Ухтомским и И. Ф. Мичуриным, а также талантливые отечественные зодчие: крепостной архитектор Ф. С. Аргунов, С. И. Чевакинский, А. В. Квасов и др. Храмовую архитектуру в основном создавал П. А. Трезини. Но в русской провинции елизаветинское барокко не прижилось. После смерти Елизаветы Петровны основные постройки осуществлял итальянец Антонио Ринальди. Грандиозность растреллиевских зданий сменило зодчество камерного стиля рококо, а затем классицизма.

Нарышкинское (московское) барокко

Церковь Бориса и Глеба в Зюзино (Москва)
Нарышкинское барокко – стиль в русской архитектуре конца XVII-начала XVIII вв., начального этапа в развитии архитектуры русского барокко. Название этого архитектурного течения связано с боярским родом Нарышкиных, ориентированных на Западную Европу. В их московских и подмосковных имениях были построены церкви с некоторыми элементами нового для России того времени стиля барокко.
Особенность нарышкинского барокко – его связь с русским узорочьем. Традиционный русский растительный узор приобретает барочную пышность.
Для зданий нарышкинского стиля характерны смешение различных тенденций и течений, разнородность декоративной отделки. В них присутствуют черты европейского барокко и маньеризма, черты готики, ренессанса, романтизма – и всё это в единстве с традициями русского деревянного зодчества и древнерусской каменной архитектуры. Многие традиции нарышкинского стиля прослеживаются в проектах И. П. Зарудного (Меньшикова башня), Баженова и Казакова.

Церковь Покрова в Филях
Церковь Покрова в Филях построена по принципам русской архитектуры XVII в. Она представляет собой ярусный пятиглавый храм (восьмерик на четверике). Четверик окружён полукружиями апсид, а расположенный выше восьмерик (церковь во имя Спаса Нерукотворного) перекрыта восьмилотковым сводом. У основания церкви – гульбища, окружающие церковь просторные открытые галереи.
Для нарышкинского стиля также характерна двуцветность сочетания красного кирпича и белого камня (что было характерно для зданий Нидерландов, Англии и Северной Германии), использование полихромных изразцов, позолоченной деревянной резьбы в интерьерах. Нарышкинский стиль в архитектуре нельзя назвать полностью барочным, т.к. он во многом по сути оставался русским, и только элементы декора звучали иногда в стиле барокко.

Церковь Иоанна Воина на Якиманке (1706-1713). Уже намечен переход от нарышкинского барокко к петровскому
Главное значение нарышкинского стиля состоит в том, что он стал переходом от архитектуры патриархальной Москвы к новому стилю – петровскому барокко.

Голицынское барокко

Голицынское барокко – ещё одна из разновидностей русского барокко. Связана она с именем князя Бориса Алексеевича Голицына, единомышленника Петра I и сторонника европеизации русской культуры. В своих подмосковных имениях он строил здания в западноевропейской архитектурной традиции.

Дом-дворец усадьбы Голицына «Вязёмы» в стиле французского классицизма эпохи Людовика XVI. Построен в 1784 г.
Голицыны отказались от сохранения традиционного силуэта русского храма, позаимствовав из западноевропейского барокко сложный лепной декор.

Церковь Знамения Пресвятой Богородицы в Дубровицах (1690-1704)
Эта церковь, как и некоторые другие, в плане не крестово-купольная, а эллиптическая, напоминающая ротонду. Церковь увенчана не традиционным куполом, а золочёной короной.

Знаменская церковь в Перове построена в конце XVII-начале XVIII в. в стиле голицынского барокко.
Архитекторы голицынских построек неизвестны, предположительно, это западноевропейские зодчие.
Отличие голицынского барокко от петровского в том, что оно ориентировалось на австрийские образцы (а они, в свою очередь, имели прототипом итальянские).
Голицынский стиль не получил широкого распространения в России и не оказал заметного влияния на искусство русского барокко.

Строгановское барокко

Было распространено в русской архитектуре конца XVII-начала XVIII в. Названо по имени промышленника Григория Дмитриевича Строганова (1656-1715).
Строгановские постройки отличает сохранение традиционного для русского храма пятиглавого силуэта, но с крайне пышным барочным декором. Примеры строгановского барокко: Рождественская церковь в Нижнем Новгороде (1696-1703), Смоленская церковь в Гордеевке (1694-1697 гг.), Введенский собор в Сольвычегодске (1689-1693), Казанская церковь в Устюжне (1694), а также стилистически близкие здания церквей в других регионах России.

Рождественская церковь в Нижнем Новгороде. Из Википедии. Автор – А. Савин
Церковь двухъярусная: наверху расположен трёхапсидный алтарь, моленный зал, трапезная и паперть. Храм пятиглавый, главы поставлены по сторонам света. Изначально главы были зелёные. В конце XIX в. они были окрашены по типу глав храма Василия Блаженного в Москве.
Снаружи и внутри церковь украшена белокаменной резьбой.
Верх колокольни увенчан крестом с флюгером под ним. На колокольне часы. Механизм часов ремонтировался русским механиком И. П. Кулибиным. Сейчас установлен новый механизм.
Введенский монастырь в Сольвычегодске Архангельской области основан братьями Строгановыми в 1565 г. на берегу речки Солонихи. Это первое сооружение строгановского барокко. В конце XVII в. монастырь был уничтожен пожаром, но затем восстановлен. Введенский храм сохранился.

Архитектура и скульптура барокко 17 и начала 18 века

Архитектура барокко служила утверждению идей католицизма и абсолютизма, но в ней нашли отражение прогрессивные тенденции архитектуры, которые выявились в планировке городов, площадей, зданий, рассчитанных на массы народа. Блестящим центром барочной архитектуры стал католический Рим. Истоки барокко были заложены в позднем творчестве Виньолы, Палладио и особенно Микеланджело. Архитекторы барокко не вводят новые типы зданий, но находят для старых типов построек – церквей, палаццо, вилл – новые конструктивные, композиционные и декоративные приемы, которые в корне меняют форму и содержание архитектурного образа. Они стремятся к динамичному пространственному решению, к трактовке объемов живописными массами, применяют сложные планы с преобладанием криволинейных очертаний. Они разрушают тектоническую связь между интерьером и фасадом здания, повышая эстетическое и декоративное воздействие последнего. Свободно используя античные ордерные формы, они усиливают пластичность и живописность общего решения.

Италия. Подобно мастерам Возрождения, основоположник стиля прелого барокко Лоренцо Бернини (1598–1680) был разносторонне одаренным человеком. Архитектор, скульптор, живописец, гениальный декоратор, он исполнял в основном заказы римских пап и возглавлял официальное направление итальянского искусства. Одно из самых характерных его сооружений – церковь Сант-Андреа аль Квиринале в Риме (1653–1658). Крупнейшая архитектурная работа Бернини – окончание многолетнего строительства собора святого Петра в Риме и оформление площади перед ним (1656–1667). Сооруженные но его проекту два могучих крыла монументальной колоннады замкнули обширное пространство площади. Расходясь от главного, западного фасада собора, колоннады образуют сначала форму трапеции, а затем переходят в громадный овал, подчеркивающий особую подвижность композиции, призванной организовывать движение массовых процессий. 284 колонны и 80 столбов высотой по 19 м составляют эту четырехрядную крытую колоннаду, 96 больших статуй венчают ее аттик. По мере движения по площади и изменения точки зрения кажется, что колонны то сдвигаются тесное, то раздвигаются, и архитектурный ансамбль будто разворачивается перед зрителем. Мастерски включены в оформление площади декоративные элементы: зыбкие струн воды двух фонтанов и стройный египетский обелиск между ними, которые акцентируют середину площади. Но выражению самого Бернини, площадь, «подобно распростертым объятиям», захватывает зрителя, направляя его движение к фасаду собора (архитектор Карло Мадерна), украшенного грандиозными приставными коринфскими колоннам», которые возвышаются и господствуют над всем этим торжественным барочным ансамблем. Подчеркнув пространственность общего решения сложной по форме площади и собора, Бернини определил и главную точку зрения на собор, который па расстоянии воспринимается в своем величавом единстве. Пристроенная архитектором Мадерна  базиликальная часть его вместе с декоративным фасадом объединяется с купольной постройкой Микеланджело.

Бернини хорошо знал и учитывал законы оптики и перспективы. С дальней точки зрения, сокращаясь в перспективе, поставленные под углом колоннады трапециевидной площади воспринимаются прямыми, а овальная площадь – кругом. Эти же свойства искусственной перспективы умело применены при сооружении парадной Королевской лестницы («Скала реджа», 1663–1666), соединяющей собор святого Петра с Папским дворцом. Она производит грандиозное впечатление благодаря точно рассчитанному постепенному сужению лестничного пролета, кессионированного свода перекрытия и уменьшению обрамляющих ее колонн. Усилив эффект перспективного сокращения уходящей вглубь лестницы, Бернини добился иллюзии увеличения размеров лестницы и ее протяженности. Во всем блеске мастерство Бернини-декоратора проявилось при оформлении интерьера собора святого Петра. Он выделил продольную ось собора и его центр – подкупольное пространство роскошным, бронзовым киворием (балдахином, 1624–1633), в котором нет пи одного спокойного контура. Все формы этого декоративного сооружения волнуются. Круто вздымаются витые колонны к куполу собора; с помощью фактурного разнообразия бронза имитирует пышные ткани и бахрому отделки.

Франция. Во Франции тенденции стиля барокко были воплощены в грандиозном ансамбле Версаля (1668–1689), расположенного в 17 км к юго-западу от Парижа. В его строительстве и украшении принимали участие многочисленные архитекторы, скульпторы, художники, мастера прикладного и садово-паркового искусства. Выстроенный еще в 1620-х годах архитектором Лемерсье как небольшой охотничий замок Людовика XIII, Версаль неоднократно достраивался и изменялся. Идея Версаля как централизованного ансамбля, состоящего из правильно распланированного города, дворца и регулярного парка, соединенных дорогами со всей страной, по всей вероятности, принадлежала Луи Лево и Андре Ленотру. Строительство было завершено Жюлем Ардуэном-Мансаром (1646–1708) – он придал дворцу строгий импозантный характер.

Версаль – главная резиденция короля, он прославлял безграничную мощь французского абсолютизма. Но содержание его идейного и художественного замысла не исчерпывалось этим. Тщательно продуманный, рациональный в каждой части ансамбль заключал в себе идею образа государства и общества, основанных на законах разума и гармонии. Версаль – это ансамбль, не имеющий себе равного в мире, «некий исполинский храм под открытым небом», это «поэма влюбленного в природу человечества, властвующего над этой самой природой» (А. Бенуа). План Версаля отличается ясностью, симметрией и стройностью. Вытянутый вширь дворец господствует над окружающей местностью и организует ее. Со стороны города перед дворцом размещены центральный Почетный и Мраморный дворы. С площади от дворца расходятся три лучевых проспекта; средний ведет в Париж. По другую сторону дворца проспект переходит в главную королевскую аллею парка, которая закапчивается большим бассейном. Расположенный под прямым углом к этой основной оси всего ансамбля, фасад дворца образует мощную горизонталь.

Со стороны города дворец сохраняет черты архитектуры начала 17 века. Его центральная часть с интимным Мраморным двором дает представление о характере охотничьего замка Людовика XIII, который Лево с трех внешних сторон обстроил новыми корпусами, замкнув Мраморный двор; присоединил новые помещения к торцам здания, образовав между двумя выступающими в сторону города частями дворца второй центральный двор. В этом фасаде чередование кирпича и тесаного камня порождает красочность и нарядность; башни, увенчанные крутыми кровлями и стройными печными трубами, служебные флигеля, соединяющиеся с дворцом, придают живописность всей композиции. Последовательно уменьшающиеся дворы, образованные уступами гигантских крыльев фасада, как будто вводят посетителя во дворец и в то же время связывают дворец широкими проспектами, расходящимися в разные стороны. Парковый фасад, начатый Лево, но завершенный Жюлем Ардуэном-Мансаром, отличается единством и торжественной строгостью. В его каменном массиве преобладают горизонтали. Остроконечные кровли заменены плоскими. Одинаковая высота и линейность всех корпусов созвучны очертаниям парка и «плоскостному стилю» планировки партеров. В композиции фасада выделен второй этаж (бельэтаж), где расположены парадные помещения. Он расчленен стройными ионическими колоннами и пилястрами и покоится на тяжелом рустованном цоколе. Третий, меньший этаж, трактованный как аттик, завершается балюстрадой с трофеями. Выступ центрального ризолита с выступающими портиками, увенчанными скульптурой, своей живописностью нарушает монотонность фасада и придает ему эффектность.

В центральном корпусе дворца размещены отделанные с пышным великолепием залы для торжественных приемов и балов – выстроенная Мансаром Зеркальная галерея, фланкируемая залом Войны и залом Мира. Цепь парадных помещений, следующих по прямой оси, подчеркнутой осевым же расположением дверей, вела к спальне короля. Сквозное единое движение создавалось анфиладой. Это движение особенно выражено в Зеркальной галерее, поражающей своей протяженностью (длина 73 м). Оно усилено ритмическим членением стен, рядами оконных арочных проемов, пилонов, пилястр, зеркал, а также крупными панно плафонных росписей, исполненных Шарлем Лебреном и его мастерской. Эти росписи своими помпезными аллегорическими образами служили возвеличению деяний Людовика XIV.

Скульптуры великого итальянского архитектора и ваятеля Лоренцо Джованни Бернини

Германия. Немецкое слово «zwinger» является производным от таких понятий, как «обуздывать», «брать в тиски». В фортификационном искусстве так называют свободное место внутри кольца укреплений, предназначенное для массовых сборов, парадов и празднеств. В германских городах XVI–XVII веков так называли пространство между внутренней и внешней крепостными стенами, а в Дрездене это слово закрепилось за одним из прекраснейших архитектурных творений позднего барокко. Дворцовый ансамбль Цвингер располагается в черте старого Дрездена – в районе, который первоначально относился к системе городских укреплений. Возведение его началось по приказу Августа Сильного, который с 1694 года был курфюрстом саксонским, а в 1697 году стал и королем польским.

Цвингер стал главнейшим памятником дрезденского периода расцвета немецкого барокко и коронным творением всей немецкой архитектуры нового времени. Но вопрос о стилистической структуре этого архитектурного сооружения долгое время был предметом многочисленных споров в научном мире. Так, например, С. Гурлитт полагал, что ни одна из существующих формул барокко не подходит для Цвингера; а то, что эти формы – не рококо, по его мнению, «вообще не требует затраты слов». Г. Дехио в своем труде «История немецкого искусства» тоже писал, что Цвингер находится за пределами принятой «историко-стилевой номенклатуры». Возведение Цвингера началось в 1711 году, но еще до этого времени предполагалось создать более скромный Цвингер – в качестве княжеской резиденции, чтобы разместить в ней уникальную коллекцию курфюрста Августа. Начиная сооружение Цвингера, Август Сильный преследовал две цели: во-первых, в непосредственной близости от своего дворца он хотел видеть прямоугольное поле для празднеств и придворных увеселений на открытом воздухе, а также примыкающий к нему комплекс зданий для маскарадов и балов. Второй целью была оранжерея для коллекции апельсиновых деревьев, так как этот заморский фрукт был тогда в большой моде в королевских резиденциях Европы.

В 1709 году по случаю готовящегося приема короля Дании, Август Сильный распорядился разбить на территории сада парадный плац с деревянными постройками и трибунами. Впоследствии он решил заменить деревянные строения каменными и таким образом соорудить постоянный парадный плац. Одновременно ему хотелось каким-нибудь образом возвести здесь и оранжерею. Проведение строительных работ было поручено гениальному архитектору Маттеусу Даниэлю Пеппельману, который и создал этот истинный шедевр барочного искусства, где живой и игривый язык архитектуры гармонично сочетается со скульптурными элементами. В 1710 году для консультаций по сооружению княжеской оранжереи Пеппельман едет в Вену, а затем и в Рим. Здесь он изучает арены и площади античности и эпохи Возрождения, и впоследствии архитектор сам назвал Цвингер «римским творением» (по его подобию с Марсовым полем).

В Риме Пеппельман изучает искусство итальянцев в создании фонтанов, и полный новых идей и впечатлений архитектор возвращается в Германию. Теперь Цвингер сооружается для триумфа и зрелищ, главный замысел архитектора сочетает в своей композиции формы римской площади (форума) и стадиона-цирка. При этом Цвингер сохраняет и свое первоначальное назначение оранжереи, а соответственно и свой садово-парковый характер, но уже с совершенно новой архитектурной образностью. Теперь Цвингер уподобляется фантастическому праздничному фейерверку: светлое золото камня (песчаника) и бурная динамика архитектурных силуэтов, сказочно богатый мир скульптуры и шум искрящихся каскадов – все это сливается в многоголосую мелодию ритмов и пластики, хотя в Дрездене это была всего лишь трибуна для придворных представлений. Однако архитектура дворца сама явилась самым удивительным и невиданным зрелищем.

Центральное пространство Цвингера, равное почти квадрату (106х107 метров) в архитектурном отношении развивается за счет двух боковых частей, образующих в плане как бы единую, вытянутую арену цирка. Общий периметр этих пространств обрамлен одноэтажными арочными галереями (собственно помещениями оранжереи) с плоской крышей – променадом. По верху галерей все павильоны Цвингера на втором этаже связывались между собой. Главными из них были овальные павильоны на серединах закруглений – трибуны королевской свиты – и павильон «Ворота под короной» (Кронентор). В Кроненторе размещалась ложа короля, и этот павильон был возведен в числе самых первых сооружений. «Ворота под короной» представляют собой своеобразное соединение надвратной башни и двухъярусной триумфальной арки. Проход под башней Кронентор вел через легкий мостик, перекинутый через обводной ров, к центральной аллее Остра. Купол «Ворот под короной» увенчивался королевской короной, которую поддерживают четыре позолоченных геральдических орла с польского герба.

Применение М.Д. Пеппельманом скульптуры, украшающей Цвингер и до настоящего времени, во многом своеобразно. Но в то же время национальное монументальное искусство Германии издавна тяготело к мелким формам пластики, и в этом смысле пластика Цвингера глубоко народна. «Ворота под короной» венчает кружевное ожерелье кажущихся мелкими скульптур, которые только больше подчеркивают крупную форму главы над королевской ложей. Многие скульптуры Цвингера выполнены в мастерских ваятеля Б. Пермозера. Он создал причудливый и фантастический мир фигур, украсивших фасады и ниши дворца, его фонтаны и каскады. И мир этот играет немалую роль в том ощущении художественного единства, который дарит Цвингер каждому своему посетителю. К числу наиболее ярких и выдающихся работ скульптора Пермозера относится «Купальня нимф» – грот с каскадами, расположенный за «Французским павильоном» и украшенный многочисленными скульптурами.

Боковые стороны центрального пространства Цвингера образованы четырьмя другими павильонами с характерными названиями – «Французский», «Немецкий», «Математико-физический салон» и «Галерея фарфора». В сторону Эльбы центральный квадрат Цвингера оставался открытым. По замыслу Пеппельмана в этом направлении намечалось пространство дворцового ансамбля продолжить легким прозрачным павильоном-башней, расположившейся бы по оси павильона «Ворота под короной». По бокам от него должны были бы стоять более массивные павильоны научного музея и картинной галереи. Однако при жизни Пеппельмана комплекс ансамбля Цвингер так и не был завершен до конца, закончили только три стороны прямоугольного здания галерей. Четвертая сторона, обращенная к Эльбе, сначала была замкнута временной деревянной галереей, а затем глухой кирпичной стеной. Окончательный облик она обрела лишь в XIX веке стараниями архитектора Г. Земпера. В 1847 году ему поручили дать свое заключение по поводу установки конной статуи, для которой во всем Дрездене как-то не находилось подходящего места.

В ответ Земпер представил новый план застройки города. По этому плану основная композиционная ось градостроительства проходила от Цвингера до Эльбы. Напротив придворной церкви должен был возникнуть новый театр, для соединения его с Цвингером с противоположной стороны предусматривалось возвести королевскую оранжерею и музей, чтобы создать замкнутый ансамбль. На берегу Эльбы, таким образом, создавалась роскошная пристань с монументальными флагштоками и обширными лестницами. Позже эту величественную площадь предполагалось украсить монументами. Однако осуществить свой план Земперу не удалось. Сперва королевская оранжерея оказалась на второстепенном углу улицы, затем театр возвели не на запланированном месте, а музей стал использоваться для замыкания Цвингера с четвертой стороны.

Россия. Среди многочисленных грандиозных сооружений Санкт-Петербурга дворцы, безусловно, занимают первое место – как по красоте архитектуры, так и по богатству и пышности декоративных украшений. И самым величественным из них является Зимний дворец, колоссальное здание которого имеет вид чрезвычайно торжественный и по праву считается одним из архитектурных шедевров. Первый Зимний дворец строился почти одновременно с Летним дворцом Петра I в 1710–1711 годы. Его возвели в глубине участка, который простирался от невского берега до нынешней Миллионной улицы, позже рядом прорыли Зимнюю канавку. Дворец был небольшим двухэтажным зданием, выстроенным на «голландский манер», с двумя выступами по краям и центральным входом, к которому вело высокое крыльцо. Он был перекрыт высокой черепичной кровлей, а украшали его лишь небольшой нарядный портал, узкие пилястры по углам да прямоугольные наличники окон. Во дворце было всего несколько комнат, но впоследствии к нему пристроили набережные палаты.

Первый Зимний дворец оказался тесным уже через десять лет, и тогда по проекту немецкого архитектора Г. Маттернови построили второй Зимний дворец – на месте, где сейчас находится Эрмитажный театр. Как и первый, второй Зимний дворец не отличался раз мерами: он был трехэтажным, имел высокую покатую крышу, подчеркнутый центр и скромно украшенный пилястрами фасад. В одном из кабинетов старого дворца и скончался великий преобразователь России. Этот кабинет находился как раз под вторым окном нижнего этажа Старого Эрмитажа. А.Л. Майер в своей книге о старом дворце писал: «Действительно, при осмотре этого подвального помещения оказывается, что и теперь там видны стены какого-то другого дома, который был как бы накрыт зданием Эрмитажа. А один из старожилов рассказал нам, что в прежние времена в этом подвале находили часто обломки позолоченных карнизов». На месте, где скончался Петр I, по повелению императрицы Екатерины II впоследствии была положена в землю плита с надписью.


Петродворец

Через пять лет архитектор Д. Трезини значительно расширил второй Зимний дворец, пристроив к зданию два крыла и подчеркнув его центр четырьмя колоннами и пышно декорированным аттиком. Этот Зимний дворец считается третьим, но об интерьерах его сведений сохранилось очень мало. Известен лишь эскиз одной из стен Белого зала, на котором изображены панели из красного мрамора и два гипсовых рельефа на восточные темы. Пять палат во дворце были убраны «плитками заморскими», а «низенькие шесть маленьких камор голанскими плитками». К тридцатым годам XVIII века он уже не мог удовлетворять требованиям, которые предъявлялись к царской резиденции Российской империи. Возвратившаяся из Москвы после коронации в 1731 году Анна Иоанновна не захотела жить в старом Зимнем дворце у Зимней канавки, так как он казался ей слишком тесным. Она предпочла вместительный дом фельдмаршала графа Ф.М. Апраксина, выделявшийся своими размерами, а также пышностью и богатством отделки. После смерти графа его дом по завещанию достался императору Петру II, здесь временно и разместился царский двор, а постройку нового Зимнего дворца поручили обер-архитектору Бартоломмео (Варфоломей Варфоломеевич) Растрелли. Зодчий пристраивает к дому Апраксина с западной стороны новый корпус, развернув его наиболее длинным фасадом вдоль Адмиралтейства. Растрелли неоднократно расширял и переделывал третий Зимний дворец, большого труда стоило соединить хоромы Апраксина с четырьмя соседними зданиями – домами сановников С. Рагузинского, П.И. Ягужинского, Кикина и З.Г. Чернышева. В результате его внутренняя планировка оказалась довольно причудливой и запутанной, усложненной к тому же различными пристройками и переходами. Видный общественный деятель того времени Ф. Прокопович писал об этом дворце: «Дом сей столь чудного дела, что такого Россия до днесь не имела». Фасады дворца, протянувшиеся вдоль Невского берега почти на 150 метров, во многом еще сохранили черты архитектуры барокко времени Петра I: это цветущее барокко – полновесное, звучное, сочное в деталях, все построенное на богатой и насыщенной пластике. Однако в оформлении ряда внутренних дворцовых помещений чувствовалась уже рука большого мастера. Особенно нарядно выглядели Тронный зал, Аванзал и Театр. В Тронном зале, например, 50 резных пилястр подпирали потолок, который был украшен великолепным плафоном, исполненным французским живописцем Л. Каравакком.

Новый Зимний дворец строился с 1732 по 1737 год, и хотя он был возведен очень изящно, но во многих отношениях оказался не совсем удобным, из-за чего и был перестроен в царствование Елизаветы Петровны. «Особая комиссия», составленная для строительства нового дворца, решила сломать дом Апраксина – с одной стороны, дом Рагузинского – с другой, и на этом месте возвести дворец по вновь начертанному Растрелли плану. Ныне существующий Зимний дворец своими размерами и великолепием отделки затмил все прежние. Возводя здание, зодчий В. Растрелли сознавал, что сооружает не просто царскую резиденцию, потому сам подчеркивал, что дворец строится «для единой славы всероссийской». Своим гигантским объемом и большей, чем у соседних зданий высотой, он величественно возвышается над окружающим его пространством. Возведение его началось в 1754 году и закончилось только во время царствования Екатерины II. Зимний дворец был задуман и построен в виде замкнутого четырехугольника с обширным внутренним двором. Создавая этот дворец, Растрелли каждый фасад проектировал по-разному, исходя из конкретных условий. Например, северный фасад дворца, обращенный к Неве, тянется вдоль берега почти на 150 метров более или менее ровной стеной и не имеет сколько-нибудь заметных выступов. Со стороны реки он воспринимается как нескончаемая двухъярусная колоннада.
Южный фасад Зимнего дворца, выходящий на Дворцовую площадь, является главным и имеет семь членений. Центр его выделен широким, пышно декорированным ризалитом, который прорезают три въездные арки. Из боковых фасадов наиболее интересен западный, обращенный в сторону Адмиралтейства и Дворцовой площади, на которой Растрелли предполагал поставить конную статую Петра I, отлитую его отцом. В этом громадном сооружении нет ни однообразия, ни монотонности: его бесчисленные белые колонны то собираются в группы (особенно выразительно и живописно на углах здания), то редеют и расступаются, открывая окна, обрамленные наличниками с львиными масками и головами амуров. Разнообразие впечатлений, которые Зимний дворец производит с разных точек зрения, зависит не только от различия фасадов и расстановки колонн: значительную роль в этом играет и его декоративное убранство. Линии фронтонов, украшенных лепкой, изобилие статуй и ваз, прихотливые изгибы сложных карнизов, нарядная раскраска, великолепно окаймленные колоннами и пилястрами углы зданий – все это создает впечатление необычайной торжественности и жизнерадостности.

Радиус воздействия архитектурного объема Зимнего дворца был очень значителен, особенно он был великолепен в XVIII веке. Одного из путешественников того времени, подъезжавшего к Петербургу со стороны Московского тракта, сильно поразила открывшаяся перед ним широкая панорама: «Не успел я, приблизившись к Петербургу, усмотреть золотые шпицы его высоких башен и колоколен как увидел издалека превозвышающий все кровли верхний этаж, установленный множеством статуй, нового дворца Зимнего, который тогда только отделывался». Из внутренних помещений дворца, созданных Растрелли, барочный вид сохранила только великолепная Иорданская лестница – поистине царская, и частично Придворный собор. Иорданская лестница вела к главной (Северной) анфиладе, состоявшей из пяти больших залов. Рядом с Парадной лестницей находился Иорданский подъезд, через который в праздник Крещения Господня члены императорской фамилии и высшее духовенство выходили к Неве для совершения обряда великого водосвятия. Кроме парадных залов, на втором этаже дворца размещались жилые покои членов императорской семьи; первый этаж занимали хозяйственные и служебные помещения, а на верхнем этаже располагались в основном квартиры придворных.

В 1762 году, после восшествия на престол Екатерины II, Растрелли вынужден был подать прошение об отставке, так как его творческая манера не отвечала вкусам новой российской императрицы. Отделка интерьеров Зимнего дворца была поручена архитекторам Ю.М. Фельтену, А. Ринальди и Ж.Б. Валлен-Деламоту, которые внесли ряд изменений в первоначальную планировку и оформление дворца. К концу XVIII века работы по отделке дворцовых интерьеров продолжили архитекторы И.Е. Старов и Д. Кваренги. В результате многочисленных переделок были уничтожены величественный Тронный зал и Театр, устроена новая Невская анфилада помещений, которая включала в себя Аванзал, а также Большой и Концертный залы. В 1837 году, во время царствования императора Николая I в Зимнем дворце случился большой пожар, почти полностью уничтоживший его великолепную отделку. Пожар, начавшийся в стене между Петровским и Фельдмаршальским залами, быстро сделал свое дело, и уже через три дня на месте пышной царской резиденции остались только обгоревшие кирпичные стены да часть сводчатых перекрытий над подвалами и первым этажом. В огне погибли интерьеры, созданные В. Растрелли, Д. Кваренги, О. Монферраном, К. Росси. К счастью, удалось спасти все произведения изобразительного искусства, мебель, утварь и другое ценное имущество. Восстановительными работами, которые продолжались два года, руководили архитекторы В. П. Стасов и А. П. Брюллов. Согласно повелению Николая I, большую часть дворца надлежало «восстановить в прежнем виде», и вскоре было не только восстановлено все испорченное пожаром, но и отделано с еще большей роскошью. Наружные фасады дворца, а также некоторые внутренние интерьеры (Иорданская лестница, Большая церковь, Концертный зал) были восстановлены быстро. Однако при восстановлении других помещений архитекторам иногда приходилось изменять характер декоративного украшения и его цветовую гамму, вносить в их отделку элементы, которые были свойственны уже стилю позднего классицизма.

Совершенно особой красотой отличается Малахитовый зал Зимнего дворца. Убранство этого зала было создано после пожара 1837 года заново, а до него на этом месте располагалась гостиная Александры Федоровны – жены Николая I, отделанная по проекту О. Монферрана. А.П. Брюллов, проектируя Малахитовый зал, должен был использовать размеры прежней гостиной, а отделка зала малахитом была сделана по желанию Николая I, хотя малахит тогда в декоративной отделке парадных помещений применялся лишь изредка. Яркий, сочный по цвету зеленый камень по своим качествам требовал большей позолоты, чем яшма, которой была отделана гостиная Александры Федоровны. Необычайное разнообразие оттенков и прожилок малахита с давних пор привлекало к себе внимание мастеров и художников Урала, работавших по малахиту «в наборе» – по способу русской мозаики. Для отделки Малахитового зала Петергофская гранильная фабрика использовала около 1120 килограммов малахита. В Малахитовом зале можно бесконечно изумляться роскоши материала и богатству художественных замыслов мастеров-оформителей. Золото, как потоки волшебного каскада, разлилось повсюду-то охватывая ровным полотном целые части, то раздробляясь на мелкие струи или горя в чудных узорах. По белым стенам, поднимаясь с белых мраморных подножий, стройно высятся малахитовые колонны и пилястры с золотыми базами и капителями. А между ними на коротких стенах находятся малахитовые камины и по бокам золотые двери.

С особой тщательностью В.П. Стасов восстановил Петровский зал, посвященный памяти императора-преобразователя. Этот зал создавался архитектором О. Монферраном в 1833 году– за четыре года до пожара. Работа по его возведению шла одновременно с созданием смежного с ним Фельдмаршальского зала, поэтому все делалось в спешном порядке. В результате в качестве основных строительных материалов для конструктивных частей обоих залов вместо кирпича и камня было использовано дерево. Петровский зал весьма необычен по форме. Прямоугольный в своей главной части, он завершался полукруглой нишей с приподнятой площадкой, на которой возвышался трон. Ниша, как и сами стены зала, была обтянута красной тканью с золочеными русскими гербами. Из центра крестового свода спускалась изящная люстра, которую дополняли настенные бра и два больших канделябра, установленных на пьедесталах по сторонам ниши.

В отделке Петровского зала принимал участие скульптор П. Катоцци, исполнивший мраморный барельеф под портретом Петра I, и живописец Б. Медичи, который расписал свод и нарисовал картины с сюжетами из жизни Петра Великого, расположив их под сводами. После пожара зодчий В.П. Стасов лишь немного изменил характер обработки стен Петровского зала, введя вместо одиночных пилястр парные. Современники, сравнивая облик Петровского зала после восстановления его в 1838 году с прежним видом, отмечали, что «он много выиграл в отношении легкости и величия». И действительно, Стасов много сделал для улучшения художественных достоинств интерьера Петровского зала. В частности, прежде имитированные под порфир колонны великолепного обрамления портрета Петра I были заменены колоннами из натуральной серой яшмы. Была заменена и прежняя обивка стен новой – из лионского бархата. Эту обивку исполнили во Франции на лионской фабрике Ле-Мира. Новые панно тоже были украшены гербами Российской империи – двуглавыми орлами, причем в центре каждого панно помещался герб большего размера. На четырех углах расположились медальоны с вензелем Петра I, и каждое панно окаймлено бордюром из лавровых листьев. Как гербы, так и бордюры с вензелями выполнены вручную – шитьем серебряными, а местами и позолоченными нитками.

Художник Б. Медичи не только восстановил прежнюю живопись, но, помимо орнамента в центре продольных стен зала и под сводами, были написаны картины, изображающие Петра I во время баталий под Полтавой и Лесной. Главную роль в композиции Петровского зала играет апсида, отделенная от прямоугольной части зала аркой, покоящейся на четырех колоннах и четырех пилястрах. В глубине апсиды находится портал, в центре которого на фоне красного бархата, вышитого лавровыми ветвями, помещена картина, изображающая Петра I с римской богиней войны и мудрости Минервой. Картина эта была написана в 1730 году в Лондоне венецианским художником Амикони по заказу русского посланника при английском дворе А. Кантемира, поэта и сатирика. На картине Минерва, на фоне моря и кораблей, ведет за руку Петра Великого, над головой которого поддерживают корону парящие гении. Длительное время Зимний дворец был резиденцией российских императоров, но после убийства террористами Александра II император Александр III перенес свою резиденцию в Гатчину. В Зимнем дворце стали проводиться лишь особо торжественные церемонии, только в 1894 году, когда на престол вступил Николай II, императорская фамилия вернулась в Зимний дворец. В связи с этим бывшие покои императора Николая I были заново отделаны – уже в стиле модерн.

В «Военной галерее 1812 года» Зимнего дворца, созданной К. Росси, запечатлен подвиг русского народа в разгроме Наполеона. В мире существуют две портретные галереи, посвященные разгрому Наполеону: вторая в Виндзорском замке, где в «Зале памяти битвы при Ватерлоо» выставлены портреты, написанные Т. Лоуренсом. Выставленные в «Военной галерее 1812 года» Зимнего дворца портреты не только украшают стены, но и являются органическими составными частями интерьера, как цельного архитектурно-художественного произведения. Художник Д. Доу приступил к работе над портретами в 1819 году, а к 1826 году большая часть портретов была уже готова, и К. Росси приступил к созданию портретной галереи. Ряд помещений «Военной галереи», располагавшихся между Мраморной галереей и Белым залом, он объединил в один узкий и длинный зал, искусно оформил его и расположил в нем более 300 портретов участников Отечественной войны 1812 года.
К. Росси искусно сгруппировал портреты на стенах, выделив особые места для больших портретов М.И. Кутузова, М.Б. Барклая-де-Толли и некоторых других военачальников. Узкое помещение зодчий расчленил на три части декоративными портиками, чем избежал ощущения монотонности от чрезвычайно вытянутого зала. «Военная галерея» была полностью уничтожена пожаром 1837 года, удалось спасти только портреты и канделябры. Воссоздать ее в прежнем виде было невозможно, в частности, еще и из-за некоторого изменения в планировке самого Зимнего дворца. Поэтому в силу вынужденных переделок «Военная галерея 1812 года», созданная В.П. Стасовым, явилась по существу новым архитектурным произведением. В сравнении с прежним интерьер В.П. Стасова в «Военной галерее» более параден. Если К. Росси главное место отводил портретам полководцев, то теперь несравненно большее значение приобрели элементы декоративного убранства: густая роспись свода, барельефы в отделке дверных проемов, фризовые вставки под портретами героев и т.д. Кроме того, между колоннами были поставлены канделябры из серо-фиолетовой яшмы, и все эти элементы В.П. Стасов свел к единой гармонии, придав «Военной галерее 1812 года» подчеркнуто торжественный облик. На месте нынешнего Георгиевского зала до пожара находилась «Мраморная галерея», построенная Д. Кваренги в 1791–1796 годы и соединявшая Зимний дворец с Малым Эрмитажем и галереей «Висячего сада». После пожара при переустройстве была изменена и планировка этого зала, например, были убраны печи, а вместо них устроено воздушное амосовское отопление. Над этим залом поверх медных листов с особой тщательностью были уложены слои пропитанного специальным составом войлока и водонепроницаемой ткани – для утепления и предохранения зала от протечек.

Все эти меры предосторожности были вызваны, помимо особого назначения Георгиевского зала, еще и громадными его размерами. Ведь площадь зала составляет 800 квадратных метров, а его объем равняется 10 000 кубических метров. Архитекторы В.П. Стасов и Н.Е. Ефимов отделывали его уже как тронный зал Российской империи, чем и объясняется необыкновенная и в то же время строгая роскошь его убранства. Георгиевский зал весь облицован массивными плитками из итальянского мрамора, его колонны и пилястры увенчаны бронзовыми литыми и чеканными капителями коринфского ордера, позолоченными через огонь. Медный потолок Георгиевского зала богато украшен как бы лепкой, в действительности же она представляет собой накладное бронзовое литье, тщательно прочеканенное и позолоченное. Богатым узорам потолка соответствует и прекрасный паркетный пол, выложенный из 16 пород дерева фигурной мозаикой и покрытый рисунком.

Над тронным местом, выше балкона, в стену был вделан огромный барельеф, изображающий Георгия Победоносца в образе всадника-воина в шлеме, поражающего копьем дракона. Стена за троном затянута бархатным малиновым полем, на котором золотом был вышит громадных двуглавый императорский орел, а вокруг него – гербы царств и владений, наименования которых входили в императорский герб. Георгиевский зал – «Большой тронный зал» Зимнего дворца – являлся местом проведения всех торжественных церемоний, демонстрировавших мощь и величие Российской империи.

Петергоф. Из всех загородных парков и дворцов Санкт-Петербурга с именем Петра больше всего связан Петергоф. На своем пути к острову Котлин, где была заложена крепость Кроншлот (будущий Кронштадт) русский царь часто останавливался у низкого берега Финского залива, откуда смотрел на остров Котлин и на дельту Невы с панорамой строящегося города. Почти на всем побережье Финского залива располагались шведские мызы, которые позднее были розданы сподвижникам Петра I. На одной из таких мыз, примерно на половине пути из Петербурга в Кронштадт, царь останавливался для ночлега, отдыха или в ожидании хорошей погоды. Возле этого «попутного дворца» построили хозяйственные здания и несколько изб для прислуги. Место это назвали Питерхов, что по-голландски означает Петров двор. Дальнейшая судьба Петергофской мызы связана с ростом новой российской столицы. В 1710 году на берегу Невы заложили Летний дворец для Петра I. При выборе места для строительства своей Летней резиденции у царя не возникало никаких сомнений: она должна была быть, как и новая столица, приморской. Однако в Петергофе все задумывалось более скромным: небольшие дворцы, грот с каскадом и каналом, садовые павильоны.

Датой основания Петергофа считается 1714 год, когда Петр I издал указ: «В Петергофе палатки маленькие против текена зделать», то есть построить по заданному чертежу. Под «палатками маленькими» надо подразумевать Монплезир, который во многих документах именуется «палатками». Архивные документы свидетельствуют, что Петр I сам принимал очень деятельное участие в осуществлении проекта возведения Петергофа. Свои указания архитекторам он нередко сопровождал чертежами – иногда в виде беглых набросков фасада здания или его внутренней планировки, иногда в виде желательной разбивки сада или сооружения фонтанов. С особой любовью и тщательностью Петр I разработал план Монплезира. «В Монплезире, посередь огорода статуи золоченые сделать, под них железные подставки, под каждую четыре, из толстых связей и около них круглые точеные пьедесталы, не толстые, вызолотя, поставить и воду пустить, дабы вода лилась к земле гладко, как стекло».

Дворец Монплезир («Мое удовольствие», «Моя услада») строился восемь лет. Сначала был возведен одноэтажный квадратный дворец с центральным залом и шестью боковыми помещениями. Затем к нему пристроили вытянутые галереи, замыкавшиеся павильонами. Монплезир был окружен прибрежной террасой, с которой взору открывались морской простор и синеющие очертания Кронштадта и Петербурга. Отсюда можно было любоваться маневрами русского флота, столь любезного сердцу Петра. После окончания отделки Монплезира царь устроил в нем свои жилые комнаты. В центральном (парадном) зале дворца и в светлых галереях Петр I разместил привезенные из-за границы художественные полотна голландских и фламандских живописцев. После смерти Петра I его Летняя резиденция стала «коронной» собственностью русских царей, но принадлежала только тому из Романовых, кто вступал на престол. В царствование Анны Иоанновны, а затем Елизаветы Петровны русские вельможи начали строительство собственных больших дворцов с невиданно роскошными фасадами и такой же внутренней отделкой. Скромные дворцы Петра I ни своими размерами, ни характером архитектуры уже не удовлетворяли требованиям и вкусам нового времени, и потому при Елизавете Петровне Петергоф был «распространен палатным зданием, украшен в немалую славу и удивление». Более десяти лет посвятил Петергофу выдающийся зодчий того времени Варфоломей Растрелли. В 1746–1754-е годы над петровскими Верхними палатами он надстроил третий этаж и удлинил здание, замкнув его двумя флигелями с позолоченными куполами. Благодаря этому скромные двухэтажные палаты превратились в Большой петергофский дворец, длина которого по северному фасаду равнялась 275 метрам. Большой дворец слит в единое художественное целое со склонами зеленого кряжа, откуда спускаются лестницы, украшенные (как и сам дворец) золочеными статуями и вазами, а по ступеням лестниц скользят струи воды.

По отделке самым роскошным в Большом дворце был Танцевальный зал. Его восточную и южную стены занимали расположенные в два яруса ложные окна с зеркалами вместо стекол, обрамленные резными рамами и золоченым орнаментом. Все простенки тоже были заполнены резными рамами. Вокруг зеркал, на панелях стен, по сторонам окон и дверных проемов и на падуге вился золоченый орнамент. Падуги потолка украшали лепные кронштейны и живописные медальоны, а среднее поле потолка занимал огромный плафон с иллюзорно изображенным небом. Пол Танцевального зала покрывал великолепный наборный паркет, узоры которого были составлены из различных по форме кусочков орехового и черного (эбенового) дерева. В Танцевальный зал вела Парадная лестница, верхняя часть стен которой украшалась изображениями государственного российского герба, живописными цветочными венками и аллегорическими фигурами. Нижняя часть стен декорировалась золоченой деревянной резьбой: гирляндами, пальмовыми ветвями, фигурами амуров, картушами и вензелями Елизаветы Петровны. Особой пышностью отличалось оформление верхней площадки Парадной лестницы, на которой стояли четыре золоченые скульптуры, олицетворяющие времена года. Двери, ведущие в Танцевальный зал, были выполнены наподобие триумфальной арки с парными колоннами и фронтоном, над которым по сторонам от царского герба располагались аллегорические статуи – «Верность» и «Справедливость».

Растрелли внес изменения и в комплекс построек, расположенных вокруг дворца Монплезир. По его проектам возведены каменный Елизаветинский корпус (впоследствии названный Екатерининским), строится новая «императорская мыльня» и рядом с ней деревянный флигель для царской свиты, помещение кухни переделывается в парадный Ассамблейный зал. Он был украшен шпалерами с аллегорическим изображением стран света – Африки, Америки и Азии. Позднее Ассамблейный зал стал называться Арабским. В Петергофе Растрелли построил и Оперный дом – одно из первых театральных зданий в России. Здесь в придворном театре неоднократно выступал первый русский актер Ф. Волков, в нем ставились трагедии и комедии А. П. Сумарокова. Но в 1829 году из-за ветхости здание Оперного дома было разрушено.

В Нижнем парке Петергофа в ознаменование различных событий и знаменательных дат проводились праздничные иллюминации, например, здесь ежегодно отмечался день Полтавской битвы, и иллюминации принесли Петергофу не меньшую славу, чем его знаменитые фонтаны. Наибольшей пышности и великолепия праздничные фейерверки достигли в царствование Елизаветы Петровны и Екатерины II, когда с наступлением темноты фасады всех дворцовых зданий, аллеи парков и стоявшие в гавани корабли освещались гирляндами разноцветных огней. Слава о петергофских праздниках распространялась далеко за пределами России. Английский путешественник Кар так, например, рассказывал о них: «Описывать Петергоф может только одно перо, обмакнутое в море радуг и огней».

В годы правления Екатерины II в Петергофе вновь начались большие строительные работы, особенно значительные из них проводились в Большом петергофском дворце. По проектам архитектора Ю.М. Фельтена вместо раззолоченных парадных помещений возводились парадные залы с более строгой архитектурной отделкой, которая соответствовала требованиям классицизма. В эти годы оформляется Чесменский зал, идею оформления которого подсказали победы русской эскадры над турецким флотом в 1768–1774-е годы. Еще в 1771 году русское правительство заказало немецкому художнику Ф. Гаккерту 12 картин, посвященных главным образом морскому бою 12 июня 1770 года. Еще четыре полотна с изображением эпизодов Чесменского сражения заказали английскому художнику Д. Райту. Для Чесменского зала, куда и были помещены картины Ф. Гаккерта, прославляющие честь российского флота, по рисункам Ю.М. Фельтена исполнили гипсовые барельефы и медальоны с изображением турецких военных доспехов и эмблем.

В царствование Екатерины II значительно расширилась и площадь петергофских парков. Например, в 1770-е годы на территории бывшего Кабаньего зверинца по проекту архитектора Д. Кваренги и при участии садоводов Д. Медерса и Гаврилова был разбит большой Английский парк в пейзажном стиле. Его территорию составляет 161 гектар, и значительную часть ее занимает большой извилистый водоем, питающий фонтаны центральной и западной частей Нижнего парка. Английский парк, по замыслу русской императрицы, должен был стать главным в ее резиденции, поэтому в нем в 1781 году было начато строительство нового Большого дворца. Однако интерес к нему у Екатерины II вскоре пропал, и, будучи уже выстроенным, он никогда не стал жилым императорским дворцом. В конце 1790-х годов Павел I превратил его в казарму, а позже дворец отвели для особ дипломатического корпуса, приезжавших в Петергоф. В годы Великой Отечественной войны немцы до основания разрушили новый Большой дворец. Особый интерес в Английском парке представлял дворец-сюрприз «Березовый домик» – небольшое одноэтажное здание, своим внешним видом напоминавшее деревенскую избу, наружные стены которой были покрыты березовой корой. Этому дворцу снаружи нарочито придали вид крайней ветхости и запущенности, в частности, его небольшие окна завешивались рогожами, а дверь еле держалась на петлях. У посетителей, глядевших на «Березовый домик», создавалось даже впечатление, что соломенная крыша его вот-вот рухнет. Однако внутренняя отделка «Березового домика» резко контрастировала с его убогим внешним видом. В нем было 7 комнат и овальный зал с великолепной акварельной росписью. Главным украшением комнат являлись зеркала, которые были вделаны в стены и обрамлены трельяжными сетками из искусственных цветов повилики и зеленых листков. Такая же живописная сетка окружала зеркальные плафоны. Искусно установленная на стенах и потолках система зеркал создавала впечатление необъятного пространства, увлекая взор как бы за пределы стен. Г.Г. Георги так писал о «Березовом домике»: «Стены и самые даже потолки снабжены столь искусно расположенными зеркалами, что все здесь находящееся не токмо многократно отражается и непонятно умножается, но многие предметы также представляются в столь великолепном отдалении, которое бы за 30 сажень и более почесть надлежало. Кажется, что находишься в весьма пространном, многообразно расположенном дворе. Изумление, в которое приводимы бывают, столь велико, что иные зрители в обморок падают и на открытый воздух выходить должны».

Новый расцвет Петергофа относится ко времени царствования Николая I. Напуганный восстанием декабристов, русский император, чтобы обезопасить свое пребывание в Петергофе, запретил се литься здесь кому бы то ни было без его разрешения. От всех чиновников дворцового ведомства брали письменное заверение, «что они ни к каким тайным обществам принадлежать не будут». Николай I решил превратить Петергоф в город великосветской знати, дворцовых чиновников и военных. Он действительно хотел видеть в нем новый Версаль, где с наибольшим успехом можно было бы создать трону блистательный и величественный фон. Наряду с отремонтированным Большим дворцом и старым парком, в Петергофе возникает «Александрия», отразившая вкусы уже совсем другого времени. По чертежам архитектора А. Менеласа в «Александрии» возвели дворец «Коттедж», фермерский павильон, караульный домик у въезда в «Александрию» со стороны Петербургского шоссе и другие строения.

Во время Великой Отечественной войны, когда в Петергофе хозяйничали фашисты, были сожжены почти все деревянные здания, а каменные сильно разрушены и повреждены. Жестокому разрушению подверглись Монплезир, дворцы Марли, Эрмитаж, фонтаны Большого каскада и многое другое. Фашисты похитили монументальные статуи Самсона, Волхова, Невы, Тритона и десятки тысяч бесценных музейных экспонатов. В прекрасных парках вырубались деревья, в печках-времянках оккупанты жгли дубовую обшивку стен, резьбу, паркет и даже великолепные лаковые панно. В белоснежный лепной декор каминов они вставили печные трубы, отчего роспись плафонов закоптилась. Кроме того, она была сильно прострелена, а во многих местах осыпалась еще и от протечек. К зиме 1944 года петергофского дворцово-паркового ансамбля как памятника искусства не существовало. Глядя на страшную картину разрушений, казалась неправдоподобной даже сама мысль о возможности возродить этот прекрасный дворец, но советские реставраторы выполнили эту задачу.

Екатерининский дворец. Дворцы и парки окрестностей Санкт-Петербурга представляли собой не что иное, как те же царские или вельможные усадьбы, но только не сросшиеся с городом, а разбросанные тут и там по болотистым окрестностям Северной столицы. Когда-то на месте Большого Царскосельского дворца (теперь его называют Екатерининским) на высоком холме, у подножия которого протекал ручей, стояла Саарская мыза. В 1710 году Петр I подарил эту усадьбу своей жене Екатерине Алексеевне, с этого времени Саарскую мызу включили в число дворцовых земель и начали застраивать. По своим размерам и характеру сооружений усадьба Екатерины I в первый период своего существования весьма значительно отличалась от резиденции Петра I – Петергофа и от усадьбы А.Д. Меншикова – Ораниенбаума. Весь комплекс построек Саарской мызы сохранял особенности древнерусского бытового уклада, это был не увеселительный замок и не загородная дача, а обычная русская усадьба-вотчина XVII–XVIII столетий. Рубленые из бревен хоромы Екатерины I были просты и по внешнему облику, и по внутренней планировке. Неподалеку от них располагался конюшенный двор, жилые избы для конюхов и кучеров, сараи для карет и колясок, скотный и птичий дворы, «чухонские» риги, русский овин, гумно, амбары и житницы. Вокруг деревянных хором и служб вскоре появились деревни, заселенные крепостными крестьянами, которых перевели сюда из подмосковных сел «на вечное житье». После возведения здесь первой церкви мызу стали называть Сарским селом, а с развитием дворцового строительства его переименовали в Царское Село.

К концу 1723 года на месте старых деревянных хором под руководством архитектора И.Ф. Браунштейна и «палатного мастера» И. Ферстера был выстроен каменный дворец, который в истории Царского Села известен под названием «Каменных палат Екатерины I». Новый этап строительства Царского Села относится к 1740–1750 годам. Восшествие на престол Елизаветы, дочери Петра I, вызвало подъем русского национального сознания в России, скинувшей мрачное иго бироновщины. В искусстве и особенно в архитектуре утвердился приподнято-торжественный и монументальный стиль русского барокко, вершиной развития которого в России стал Царскосельский дворцово-парковый ансамбль. В этот период многие ранее сложившиеся архитектурные комплексы подверглись коренному переустройству, и в первую очередь царские резиденции в пригородах столицы. В 1741 году проект нового дворца поручено было составить М. Г. Земцову, а после его смерти в 1743 году – Андрею Квасову, молодому «архитектурии гезелю». Но так как А. Квасову еще не хватало опыта, к строительству был привлечен Д. Трезини, в помощники к которому определили еще четырех человек.

По проекту А. Квасова вся постройка сводилась к созданию среднего дома, соединенного галереями с двумя боковыми флигелями. Осуществление этого проекта началось в 1744 году, но так как Д. Трезини не мог уделять строительству достаточного внимания, руководство им перешло к архитектору С. Чевакинскому, который в проект А. Квасова внес свои изменения. Выстроенный ими дворец, длиной более 300 метров, состоял из Среднего дома, двух боковых флигелей, церкви и Оранжерейного зала. Все эти здания были расположены на одной линии и соединялись четырьмя одноэтажными галереями, на которых были устроены «висячие сады». Однако в мае 1752 года, когда сооружение этого дворцового комплекса было закончено и даже завершена отделка всего дворца, императрице его вид показался недостаточно пышным и парадным, а помещения малопригодными для многолюдных приемов и празднеств. Согласно ее указу от 10 мая 1752 года началась реконструкция дворца, руководство которой поручили архитектору В. Растрелли, к тому времени уже широко известному своими постройками в Москве и Санкт-Петербурге. Впервые в Царском Селе В. Растрелли появился еще в 1749 году, когда во дворце делались балконы у Среднего дома, устраивалась балюстрада и золотились орнаменты на фасаде. Тогда архитектор производил во дворце лишь незначительные работы, в основном только надзирая за всеми дворцовыми строениями. Но в 1750-е годы талант В. Растрелли особенно полно раскрылся в разработке проектов грандиозных дворцов, воздвигавшихся «для единой славы российской».

Растрелли сохранил общие композиционные принципы дворцового ансамбля, но при этом отдельные корпуса слил в единый массив, надстроил стены и по-иному решил декоративную отделку фасада. Созданный им Большой дворец буквально ослеплял современников своей пышностью и блеском декоративного украшения. К возведению царскосельского ансамбля были привлечены лучшие художественные силы России, а некоторые изделия по заказам двора выполнялись за пределами Царского Села. Так, например, расписные изразцы для печей изготовлялись на казенных кирпичных заводах Санкт-Петербурга; листовое золото в течение нескольких лет поставлялось из Москвы; кованые решетки балконов и дворцовые ограды по рисункам В. Растрелли исполняли Тульский и Сестрорецкий оружейные заводы; мраморные ступени лестниц и плиты для полов и садовых площадок – камнерезные мастерские Урала.

Парадные помещения Большого дворца Растрелли расположил анфиладой. Такой прием использовался при возведении многих парадных резиденций, как наиболее торжественный, и все же на этот раз он не имел аналогий. В Екатерининском дворце протяженность созданной В. Растрелли анфилады равнялась всей длине здания и составляла более 300 метров. Эту анфиладу парадных помещений еще современники называли Золотой: не только стены, но и двери ее залов были украшены сложной золоченой резьбой. Особенно ошеломляло декоративное убранство Большого зала, или «Светлой галереи», как она именуется в старых описях. Это огромное помещение площадью 846 квадратных метров, казалось, не имело стен. Обилие света, льющегося с двух сторон через огромные двухъярусные окна, отражалось в многочисленных зеркалах, установленных в причудливых рамах в простенках между окнами – напротив друг друга. Большой зал кажется бесконечным, он и производил впечатление уходящего вдаль золотого коридора. Иллюзию бесконечно раздвинутого пространства усиливал плафон «Триумф России», созданный «профессором пространства» Дж. Валериани – итальянским декоратором и живописцем. Этот плафон, состоявший из трех частей, был посвящен прославлению России на поле брани и в мирном созидании. Центральное место в композиции занимала женская фигура, олицетворяющая Россию; гении осыпали науки и искусства благами из рогов изобилия.
К концу XVIII века Царское Село в летнее время стало почти постоянным местом пребывания двора Екатерины II. Поблизости от дворца возводили себе дома придворные и дворяне, жаждавшие попасть ко двору. Возникает также слобода, в которой живут служащие, подрядчики, техники и мастера, увеличивается количество разнообразных «присутственных мест». Императрицу Екатерину II начинает тяготить это излишнее людское окружение вокруг ее резиденции, и она повелевает создать (на большом расстоянии от дворца) особый квартал «Софию», куда и препровождаются все учреждения и «служилые люди». Екатерина II продолжила строительство дворцового ансамбля, но возведенные при ней сооружения были уже в другом стиле, резко отличающемся от прежнего. К этому времени в художественных взглядах Европы произошли значительные перемены, в противовес безудержной роскоши выдвигалась идея разумного начала и сближения искусства с реальной жизнью. Наряду с восторженными отзывами о Большом Царскосельском дворце, в 1770-е годы стали раздаваться и критические замечания: его по-прежнему находили красивым, однако уже несколько тяжеловесным и устаревшим по стилю. Поэтому дворец претерпел существенные изменения: исчезло нарядное оформление его фасада, были сняты лепные украшения, а позолота заменена покраской. По проекту архитектора Ю.М. Фельтена был заново отстроен южный фасад Большого дворца, многое изменилось и в интерьерах его помещений. Растреллиевские залы (Парадная лестница и две Антикамеры), расположенные в южной части дворца, уничтожили. Парадную лестницу, например, перенесли из конца здания в центр, что несколько нарушило порядок комнат. На этом месте были созданы парадные и личные покои императрицы Екатерины II, отделанные по проектам шотландского архитектора Чарльза Камерона.

Парадные апартаменты императрицы открывались Арабесковым залом. Стены его были украшены овальными зеркалами в золоченых резных рамах и рельефами в характере греко-римского искусства. Потолок, стены и двери Арабескового зала расписаны арабеска ми – излюбленным Ч. Камероном мотивом орнамента, который он часто использовал во многих интерьерах с различными вариантами рисунка и материала. За Арабесковым залом следовал Лионский, отличавшийся особо богатой отделкой. Свое название этот зал получил от золотистых шелковых обоев, вытканных на Лионской мануфактуре во Франции. Нижние части стен Лионского зала Ч. Камерон облицевал лазуритом нежно-синего цвета. Мягкий по тону и не совсем однородный по окраске, лазурит этот прекрасно гармонировал с шелковой обивкой стен. Наличники дверей и окон тоже были сделаны из лазурита, украшающие камины фигуры – из каррарского мрамора, двери – из лучшего дуба, паркет набран из 12 самых ценных пород «заморских деревьев» – физитового, розового, амаранта, эбенового дерева и желтого сандала. Уже после окончания отделки Лионского зала Ч. Камерон распорядился врезать в паркет украшения, сделанные из перламутра. Вслед за этим были инкрустированы «жемчужными раковинами» и перламутром полотнища дверей, фанерованные «разноцветными заморскими и другими деревьями», с тем, чтобы «двери видом были согласны полу». Инкрустация паркета и дверей перламутром у современников Ч. Камерона вызывала ассоциации с оформлением «Золотого дома» Нерона, отделанного внутри (по свидетельству Светония) золотом, самоцветами и перламутром. В Царском Селе Ч. Камерон оформил еще Овальный зал, Яшмовый и Агатовый кабинеты, а также возвел знаменитую галерею-колоннаду, построенную на месте Камер-юнкерских покоев, которые в свою очередь заменили зал для игры в мяч.

Барокко. Примеры архитектурного стиля в разных странах

1. БАРОККО

БАРОККО
Список группы:
Александра Дементьева
Андрей Смирнов
Надежда Кропова
Анастасия Шпиленко
Даниил Фадеев

2. Предыстория

Стиль барокко возник в Италии в результате
дальнейшей эволюции стиля Возрождения. Из Италии
барокко распространяется по всей Европе, где
преобладал с конца XVI до середины XVIII в.
Итальянское слово «барокко» означает буквально
«странный», «причудливый».
Яркие выразительные элементы барокко, в том числе
криволинейные волюты, башни с куполами,
обрамляющими главный фасад, иногда  — вогнутые или
выпуклые стены присутствуют в архитектуре многих
памятников этого стиля. Наиболее отчетливо
прослеживается связь барокко с католицизмом – этот
стиль получил наибольшее развитие именно в сфере
господства католической церкви.

3. Италия

Широкую известность имеют  работы Ф.Борромини, в
Один
первых выдающихся
чьемиз
творчестве
наиболее яркопамятников
проявились
барокко в Италии 
— церковь
Иль Джезу,
экспрессивные,
динамические
и декоративные
выстроенная
архитекторами
Виньолой
и
качества,
характеризующие 
барокко
как стиль.
ебольшая
церковь Сан
Карло
алле 
Джакомо
Делла
Порта
к Куатро
1575 г.Фонтана
вПредставляет
Риме (1667 г.) –собой
поистине
квинтэссенция вбарокко,
крестообразное
плане
представляющая
стиль наиболее
эффектным
сооружениеэтот
– каноническое
решение
и выразительным образом.
христианского храма.

4. Франция

Здание Дворца,
построенного
проекту
архитекторов
Во Франции,
созданпо
один
из самых
Луи Лево и Ардуэна
Мансара,дворцовых
сочетает классическую
замечательных
барочных
ансамблей
ясность
и строгость
объемовставший
с барочной
организацией
— Версаль
(1668-1689),
образцом
для
внутреннего пространства главной Зеркальной
роскошных загородных резиденций
галереи, рамки которого иллюзорно расширяются за
европейских
монархов,
включая
и русских.
счет
зеркал и росписей.
Обилие
позолоты,
скульптуры
и живописи в интерьерах в дальнейшем станет
излюбленным приемом архитектуры барокко. В
плафонной живописи изображение небесного свода с
ангелочками и облаками в перспективе передано
настолько точно, что трудно определить, где проходит
граница реального пространства, а где начинается
иллюзия реальности.

5. Россия

На смену нарышкинскому барокко в московской архитектуре
К числу
лучших,
наиболее
выразительных
высотных,
пришел
«голицынский
стиль»,
также относящийся
к
многоярусных
сооружений
стиля»
переходному.храмовых
Его расцвет
приходится«нарышкинского
на первое десятилетие
XVIII
в., а влияние
сохранилось
до серединыввека.
следует
отнести
церковь
Покрова Богородицы
Филях под
Первым
возведенным
в этом
стиле
принято считать
Москвойзданием,
(1690—1693).
В первом
ярусе
— крестообразно
церковь
в Дубовицах объемы,
(нач. в 1690).
К нему
относят
церкви
расположенные
выше
же, друг
надтакже
другом,
врасполагаются
Перове и Волынском
(1703),
надвратные церкви
Донского
(1713)
четверик
и восьмерики.
Основанием
служит
и Лаврентьевского
монастырей в Калуге
(1732). Также
к числу
галерея
с широко раскинувшимися
по сторонам
лестничными
построек в голицынском стиле относят также церкви в
маршами.
Прекрасно сгармонированы все объемы сооружения
Троекурове, Петра и Павла в Москве, Ивана Воина на Якиманке
— основные его массы и главы, четыре из которых
(1709-1713). Одна из последних построек стиля, к сожалению,
поставлены
на концах основного «креста», а пятая венчает
несохранившаяся до наших дней церковь при Куракинской
всю композицию.
Тонко, изящно
прорисованы все
богадельне
(1731-1742).
белокаменные
детали фасадов
колонки, парадные
В отличие
от нарышкинских
храмов, —
в декоративном
убранстве
наличники окон,
рельефно
выделяющиеся
на кирпичноголицынских
церквей
используются
чисто барочные
элементы.
красном
стенных поверхностей,
ажурные
кружевные
Однако
ихфоне
конструктивное
решение, композиция
изолированных
парапеты,
высотные
«ступени»
этого
объемов, которыми
замкнутыйокаймлены
характер масс,
он ближе
к постройкам
европейского Ренессанса.
неповторимого
Ясность
сооружения
плана и простота форм в
сочетании с богатым декором роднит эти постройки с образцами

6. Россия

Барокко в русском
Екатерининский
дворец искусстве, 
в Царском селе.
сформировавшееся
позднее,
чембарокко,
в западной
Дворец, возведенный
в стиле
Европе,
имело
свои отличия,
среди
которых
восхищал
своими
размерами
и мощной
нужо
выделить взаимодействие
этого стиля
пространственной
динамикой. Характерная
с другими, прежде
всего с классицизмом.
особенность
облика Екатерининского
дворца
Крупнейшим
полигоном
развития
— большие,
почти
на всю высоту
стен,этого
часто
стиля стал, естественно,
Санкт-Петербург.
поставленные
окна, обрамленные
фигурными
Интерьеры
Зимнего
дворца. сЕсли
экстерьер
барочными
наличниками
рельефной
дворца выполнен
в стиле
позднеговрусского
выкруткой
на лепных
кронштейнах
верхней
барокко.
части, а также сложно
профилированный
карниз большого выноса.

7. Россия

Центральное
место в композиции
занимает
Нижний
Большой
Петергофский
дворец
— основное
парк
с фонтанами.
Вместе с Верхним
садом он
Характерной
особенностью
дворцовоздание
ансамбля
Нижнего
парка
и Верхнего
образует старейшую
часть
ансамбля.является
С востока
паркового
ансамбля
Петергофа
сада.
Первоначально
скромный
Нижний
парк граничит с довольно
Александрией,
которая в
его
близость
к морю.
Из девяти
царский
сооруженный
впарков
стиле
свою
очередьдворец,
на юге продолжается
Александровским
ансамбля
четыре
северной
границей
имеют
парком. К Верхнему
саду в
с юга
примыкает
Ольгин
«петровского
барокко»
1714-1725
годах
по
залив.
В этих
четырёх парках
пруд,Финский
являющийся
частью
Колонистского
парка. К югу
проекту
Ж-Б.
Леблона.
от него
простирается
обширный Луговой
парк. К юго(Нижний
парк, Александрия,
Сергиевка,
западу
от Нижнего дача)
парка вдворцы,
XVIII векеиграющие
сформировался
Собственная
пейзажный
парк. Вниз расположены
по Петергофской
ключевуюАнглийский
роль в ансамблях,
дороге, к западу от Нижнего парка с севера на юг
на краю естественной возвышенности,
протянулся парк Сергиевка, с востока граничащий с
протянувшейся
вдоль побережья
моря.
Собственной
дачей.

обзор всех стилей с примерами

Архитектура была всегда неразрывно связана с исторической эпохой и являлась отражением настроений в обществе, политической идеологии или концептуальным выражением происходящих процессов. Петербург, долгое время будучи столицей страны, стал местом для архитектурных экспериментов и сохранил в себе яркий отпечаток каждого периода, нашедшего своё отражением в том или ином архитектурном стиле.

Барокко

Одним из первых архитектурных стилей Петербурга стал барокко, популярный в Европе на момент основания города в 1703 году. Первые здания в центре строились именно в этом стиле: от Петропавловского собора на Заячьем острове до застройки Университетской набережной.

Пётр I вдохновился барокко, путешествуя по Европе, поэтому главными приглашёнными в Петербург архитекторами стали именно европейские мастера: Доменико Трезини, Бартоломео Растрелли, Жан-Батист Леблон.

В барочном стиле строились дворцы, особняки, загородные резиденции, соборы и церкви. Самыми яркими примерами являются Зимний дворец, дворец Строгановых, Смольный, Петропавловский и Сампсониевский соборы.

Для барокко характерен пышный декор, изящество линий, ориентация на эпоху Возрождения и сочетание больших и малых форм. В Петербурге он претерпел изменения с течением временем, поэтому сейчас разделяют Петровское и Елизаветинское барокко.

Петровское барокко

При Петре I барокко было относительно скромным и строгим, чем значительно отличалось от стиля, характерного для Западной Европы. Пётр активно участвовал в проектировании главных зданий, а потому в них заметно выражены его личные предпочтения: стремление к простоте, сдержанной роскоши без излишеств. Таким образом столь непривычная на первый взгляд для России вычурность барокко нивелировалась относительно минималистичной адаптацией при Петре. Эти типичные черты сохранились и при Анне Иоанновне.

Характерные примеры: Кикины палаты, здание Двенадцати коллегий и Летний дворец.

Елизаветинское барокко

Елизаветинское барокко также называют «расстрелиевским» — по имени главного архитектора этого недолгого, но яркого периода. Для него характерна большая пышность, богатая на изящные декоративные элементы как на фасаде, так и в интерьере, зачастую переходящая в рококо. Всего за двадцать лет в этом стиле были построены знаковые петербургские достопримечательности, значительно сформировавший облик центра города: Зимний дворец, Смольный собор, Екатерининский и Большой Петергофский дворец.

Классицизм

Классицизм стал развиваться одновременно с барокко со второй половины 18 века и позже вытеснил все остальные стили в архитектуре на несколько десятилетий. Большая часть известных достопримечательностей города относятся именно к классицизму.

Расцвет классицизма приходится на период правления Екатерины Великой и эпоху Просвещения. Внимание архитекторов обращается на античные ордеры, скульптуры и композиции. Привычные сейчас античные скульптуры на фасадах домов тогда были новаторством для Петербурга и России и смотрелись весьма необычно.

Классицизм разделяют на ранний, строгий и поздний, постепенно переходящий в русский ампир. Эпоха правления каждого императора начиная с Екатерины II и заканчивая Александром II нашла своё отражение в реализации проектов классицизма.

В раннем классицизме строились только дворцы, загородные резиденции и административные здания. Позже произошла первая демократизация в обществе и, соответственно, в архитектуре: в одном стиле стали строиться и царские, и дворянские усадьбы и особняки, что нельзя было представить при барокко. Барочная пышность стала казаться неуместной и избыточной.

Характерными чертами, помимо обращения к античности, является унификация и продуманность всего архитектурного комплекса (улица Росси, главные площади города). Это спокойное изящество и утверждение императорской власти без лишнего пафоса. Часто именно этот период называют золотым веком архитектуры.

Примеры: Михайловский дворец, Таврический дворец, большинство известных загородных резиденций, Академия художеств, комплекс зданий на улице Росси.

Русский ампир

Русский ампир продолжил развитие классицизма и стал отражением ростом национального самосознания и утверждении Российской империи на международной арене. В монументальных проектах архитекторы стремились отразить военные успехи России того времени (Отечественная война), продемонстрировать достижения (Адмиралтейство — морской флот) и императорскую власть (Триумфальные арки).

Не отступая от традиций классицизма, стал широко использоваться декор на военную тематику и усилилось влияние античности (скульптуры, колонны, пилястры). Ориентация на античность была отчасти политической: сравнение российского императора с греческими и римскими, отсылки к событиям Римской империи и Древней Греции (Александровская колонна).

Ампир перестал быть актуальным вместе с изменением общественных настроений: это нестабильность, ускорившаяся демократизация после отмены крепостного права и отсутствии тотального контроля за всеми архитектурными проектами.

Главные примеры: арка Генерального штаба, завершившая ансамбль Дворцовой площади, Адмиралтейство, Нарвская и Московская триумфальные арки.

Многие элементы русского ампира вернулись позже, но при схожих обстоятельствах — в 1930-1950-е годы: демонстрация военной мощи, абсолютной власти и монументализма.

Эклектика

Эклектика отразила меняющиеся настроения в обществе и снятие тотального контроля над градостроительством. Одновременно происходит как обращение к западноевропейским тенденциям, так и возрождение национальных идей, что находит своё отражение в неоготике и неорусском стиле соответственно. Развитие технологий позволяет осуществлять смелые идеи и реализовать новые смелые проекты.

Необарокко

Короткое возрождение барокко пришлось на вторую половину 19 века. Теперь пышные барочный декор обычно сочетается с классицизмом или неоренессансом. Его главный архитектор в Петербурге — Штакеншнейдер, спроектировавший дворец Белосельских-Белозерских на Невском проспекте, по которому особенно хорошо заметно вдохновение проектами Расстрелли.

Другие примеры: особняк Бутурлиной, Юсуповой, дом Разумовской.

Неовизантийский стиль

Невизантийский — или псевдовизантийский — стиль был не так популярен в Петербурге, однако оставил несколько выдающихся примеров. В первую очередь это Морской собор Николая Чудотворца в Кронштадте, богато украшенный как снаружи, так и изнутри. Также следует отметить церковь Милующей иконы Божией Матери на Васильевском острове, Иоанновский монастырь на Карповке и Казанскую церковь Новодевичьего монастыря. Один из самых ярких примеров не сохранился — это Греческая церковь, снесённая в середине XX века.

За основу стиля был взят собор Святой Софии в Константинополе/Стамбуле и другие элементы средневековой византийской архитектуры. В России он получил особую интерпретацию, смешавшись с традициями русского зодчества. При этом сохраняются главные черты: низкие купола, где главный купол больше других, единый церковный зал, широкое использование мозаики в декоре.

Неорусский стиль

Неорусский стиль сочетает в себе традиционные русские архитектурные элементы с неовизантийским стилем, модерном или романтизмом. Отчасти он вырос из псевдовизантийского стиля, но всё больше обращался к русским традициям. Происходит подражание древнерусскому зодчеству, что отражало тенденцию возрождения к национальным идеям и народной культуре. Такие дома напоминают сказочные теремы и древнерусские церкви, но при этом имеют другую конструкцию и зачастую воспроизводят лишь древнерусский декор.

Все примеры — в отдельном посте.

Стиль особенно необычен для Петербурга, до этого момента в основном ориентировавшегося на европейские традиции и античные образцы. Возможно, поэтому он не получил большого распространения и сейчас скорее ассоциируется с Москвой, где был распространён намного больше и смотрелся органичнее.

Самые яркие петербургские примеры: Спас-на-Крови, дом Никонова на Колокольной улице, доходный дом Басина. Многие неорусские проекты были снесены (Борисоглебская церковь на Синопской набережной, Захарьевская церковь на Звенигородском проспекте) или перестроены.

Неоготика

Неоготика стала важным отражением периода архитектурной эклектики. Средневековой готики в России не было, поэтому возрождение стиля происходило через воспроизведение отдельных элементов западноевропейских соборов: в основном, шпили, арки и готические своды.

Самые яркие примеры: Чесменская часовня, кирха святого Михаила на Васильевском острове, храм Петра и Павла в Парголовском парке, Готическая капелла в Петергофе. Элементы псевдоготического стиля встречаются не только в религиозных постройках. Например, в доме на 5-й линии, 46 или в больнице на Лиговском проспекте, 2-4.

Промышленная архитектура

Активное развитие промышленности в Петербурге со второй половины XIX века способствовало резкому росту строительства новых заводов, фабрик, мануфактур. Это были и крупные комплексы на окраинах, которые сформировали новые районы (проспект Обуховской обороны), и компактные предприятия в самом центре.

Большинство зданий строится в так называемом кирпичном стиле — неофициальный термин, прочно закрепившийся за архитектурной модой тех лет. Некоторые предприятия кирпичного стиля напоминали английские и немецкие заводы, а более поздние примеры относятся уже к северному модерну (табачная фабрика «Лаферм»).

Пик промышленности в России оставил большое наследие как архитектурных памятников, так и непосредственно предприятий, которые до сих пор работают по своему первоначальному предназначению.

О промышленной архитектуре Петербурга XIX-XX века со множеством примеров есть отдельный пост.

В советское время центр промышленного производства переместился в столицу и другие регионы, поэтому предприятия в функциональном и модернистском стиле шире представлены именно там. В Санкт-Петербурге можно выделить мясокомбинат имени Кирова на Московском проспекте, Левашовский хлебозавод.

Модерн

Модерн стал поистине революционным стилем, отрицавший устоявшиеся традиции. Он пришёл в Россию из Европы с некоторыми изменениями. Самые яркие петербургские примеры модерна: дом Зингера и Елисеевский магазин на Невском проспекте, Витебский вокзал. В них можно проследить главные черты стиля: плавные линии, нетрадиционные конструкции и изящный декор на сказочные темы, большое внимание к деталям и интерьеру.

Как и другие, этот стиль являлся отражением эпохи. Переломный момент на рубеже веков поставил под сомнение существующие традиции, а развитие технологий позволили расширить возможности строительства и использовать более сложные элементы и конструкции.

В конце XIX века в стиле модерн в основном строились особняки, галереи и магазины. Однако позже он стал более массовым и распространился на доходные дома, религиозные постройки и даже промышленные предприятия.

Подробнее о характерных особенностях, истории зарождения и распространения модерна в России и Европе — здесь.

Северный модерн

Помимо пышных особняков в Петербурге стали появляться дома в более сдержанном и скандинавском подвиде стиля — северном модерне или национальном романтизме. Для него характерно использование натуральных материалов, необработанного камня и фольклорных сюжетов в декоре. Более суровые на первый взгляд дома часто напоминают замки, но их неприступный вид сочетается с изяществом модерна, яркими декоративными деталями, выраженными через витражи, мозаику и майолику. О северном модерне есть отдельный подробный пост.

Конструктивизм

Конструктивизм появился в первые советские годы, когда всё искусство, включая архитектуру, стало источником распространения новых идей. Его главные черты — функциональность и минимум декора — были продиктованы как экономией после Первой мировой войны и революции, так и советской идеологией, диктующей архитектуру без излишеств.

Конструкция здания и план каждого помещения планировались исходя из функции, которые они будут осуществлять. Это хорошо заметно в ДК имени Горького, Московском райсовете и практически всех постройках той эпохи. Для жилых зданий проектировался общий быт со столовой, библиотекой, детским садом (дом-коммуна инженеров и писателей, дом Политкаторжан).

Минималистичный декор был по-своему изящен: это ленточное остекление, цилиндрические формы, асимметрия и противопоставление горизонталей и вертикалей. В Петербурге сформировался свой подстиль, который называют ленинградским авангардом.

Подробнее о конструктивизме в Петербурге.

Отдельно стоит отметить рабочие городки и жилмассивы, которые стали массово строиться в эпоху конструктивизма. Лучшие примеры этого простого и функционального жилья с нестандартными решениями и оригинальным декором: жилгородок на Тракторной улице и на проспекте Стачек. О рабочих городках разных периодов можно почитать в здесь.

Сталинский неоклассицизм

В сталинском ампире — или неоклассицизме — отражалась идеология довоенного и послевоенного периода. Утверждение единой власти, военной мощи, промышленности, индустриализации и пафос тоталитаризма пронизывали архитектуру ключевых проектов эпохи. Отчасти заимствовались традиции русского ампира 19 века: широкое использование античных элементов, колонн, арок, военной символики. Однако изменился масштаб строительства, технологии, материалы и добавились некоторые конструктивистские элементы. Самые амбициозные проекты осуществить не удалось из-за Великой отечественной войны, но была спроектирована единая застройка целых районов, которая сохранилась в Московском и Кировском районе, а отдельные здания встречаются практически повсеместно.

Самый яркий проект эпохи — Дом Советов на Московском проспекте, который должен был стать началом строительства нового центра города.

Плановая застройка

После смерти Сталина вместе с десталинизацией происходит полный отказ от сталинского ампира. Новые здания принципиально строятся без всякого декора, подчёркивая отсутствия пафоса и помпезности. Именно на этот период пришёлся максимально быстрый рост города и населения за счёт строительства массового и доступного жилья. Это так называемые «панельки» и другая плановая застройка, позволившая получить жильё новым жителям Петербурга, но страдающая от низкого качества и низкой архитектурной ценности.

Советский модернизм

Советский модернизм является логическим продолжением конструктивизма и также часто использует, например, ленточное остекление и цилиндрические формы. Но обычно проекты соцмодернизма более смелые и новаторские — с грубыми формами, зачастую переходящими в брутализм (гостиница «Русь») и использованием новейших на тот момент технологий (СКК).

Чаще в соцмодернизме строились административные учреждения, спортивные стадионы, промышленные предприятия и жилые дома. Самые яркие проекты второй половины XX века, которые часто вызывают полярные чувства у жителей, относятся как раз к этому стилю (БКЗ, дома на Смоленской набережной).

Подробнее: Социалистический модернизм

Современный стиль

С середины 90-х годов не существовало чёткого градостроительного плана, поэтому за 20 лет появилось довольно много неудачных проектов и хаотичной застройки. Отчасти происходило копирование классических элементов, отчасти — широкое использование сплошного остекления и массивных бетонных блоков. Большинство зданий этого времени подвергается критике, а также инициировало уничтожение архитектурного наследия.

Удачные примеры стали появляться только в последние десятилетия после переориентации на актуальные мировые тенденции строительства. К ним можно отнести Невскую Ратушу, дом на Ковенском, 5, новая сцена Александринского театра, реконструкция Главного штаба.

Фасадизм

В последние годы вместо уничтожения архитектурных памятников применяется технология фасадизма: когда сохраняется или восстанавливается исторический фасад, а всё остальное перестраивается и дополняется новыми конструкциями. Считается, что фасадизм позволяет сохранить облик исторической застройки центра города и модернизировать здания.

Примеры: дом на Лиговском 13-15, «Ренессанс Правда» на Херсонской, 15.

Вступайте в группу Вконтакте и следите за новыми постами и другими фотографиями.

Первые обновления всегда в Инстаграме

В чем отличие между Барокко vs Рококо?

Барокко и Рококо можно назвать соперниками: Рококо возник как ответная реакция на чрезмерную помпезность и пышность Барокко. Но… удалось ли Рококо избежать сходства и стать абсолютно контрарным?

Параметры Барокко Рококо
Отделка стен
  • Декоративная штукатурка
  • Отделка парчой
  • Панели из красного дерева
  • Текстильные обои
  • Фрески
  • Мозаика
  • Керамическая плитка с имитацией ткани, штукатурки, дерева
  • Декорирование позолоченной лепниной
  • Тканевые обои
  • Покраска глянцевой краской
  • Отделка шелком или глянцевой тканью
  • Деревянные резные панели
  • Настенная живопись
  • Керамическая плитка с имитацией тканей, покраски, дерева
  • Обои с имитацией ткани
  • Декорирование лепниной белого или золотого цвета
Отделка потолков
  • Фрески
  • Масштабные художественные полотна
  • Натяжные потолки с художественной росписью
  • Рельефная позолоченная лепнина
  • Покраска в белый или небесно-голубой цвет
  • Художественная роспись
  • Натяжные потолки с художественной росписью
  • Рельефная лепнина (позолоченная или белая)
Отделка полов
  • Мрамор
  • Художественный паркет
  • Керамическая плитка с имитацией мрамора и дерева
  • Узорный паркет
  • Мрамор
  • Керамическая плитка с имитацией дерева и мрамора
Материалы

Натуральные:

  • Ценные породы дерева
  • Драгоценные металлы
  • Мрамор
  • Слоновая кость

Натуральные:

  • Дерево
  • Мрамор
  • Керамическая плитка
  • Золото
  • Бронза
Цветовая гамма
  • Светлые теплые тона — белый, бежевый, кремовый, песочные оттенки, карамельный
  • Насыщенные темные – синий, бордо, шоколадный, горчичный;
  • Прохладные серебристые оттенки – жемчужный, перламутровый
  • Обязательно присутствует золотой
  • Преобладают пастельные оттенки
  • Распространены сочетания белого с розовым, голубым или зеленым
  • Присутствуют золотой, перламутровый, жемчужный, лиловый оттенки
Мебель
  • Из ценных пород дерева, массивная, под старину, с богатой отделкой
  • Мягкая мебель
  • Антикварная
  • Позолоченная деревянная мебель с резьбой
  • Мягкая мебель
  • Антикварная
Текстиль
  • Натуральные дорогие ткани: бархат, парча, атлас, шелк
  • Натуральные дорогие ткани: шелк, атлас, парча
Освещение

Свет рассеянный и приглушенный

  • Огромные люстры из хрусталя
  • Светильники
  • Торшеры
  • Свечи

Свет рассеянный и приглушенный

  • Изящные люстры с лампочками в виде свечек и хрустальными подвесками
  • Настенные бра в форме морских раковин или чаш
  • Свечи
Предметы в интерьере
  • Скульптурные композиции
  • Гобелены
  • Обилие зеркал, украшенных массивной лепниной с позолотой
  • Напольные часы
  • Шкатулки
  • Статуэтки
  • Подсвечники, канделябры, бра
  • Вазы
  • Изделия из слоновой кости
  • Картины и зеркала, висящие ассиметрично
  • Расписные передвижные ширмы
  • Гиацинты, лилии, орхидеи
  • Декоративные аксессуары причудливых форм
  • Часы
  • Статуэтки и скульптуры из фарфора, стекла и металла
  • Гобелены
  • Подсвечники, канделябры, бра

Стиль Барокко в деталях

Стиль Барокко зародился в Италии в конце XVI века, откуда быстро перешел в другие страны. Пик расцвета данного стиля приходится на период правления французского короля Людовика XIV. Название стиля происхолит от итальянского «barocco», т.е. «причудливый», «тяготеющий к излишествам».

Характерные черты:

  • Вычурность, помпезность, намеренная демонстрация престижа, роскоши и богатства;
  • Пространственный размах;
  • Композиция выстраивается на резких пересечениях, динамичных углах и быстрых диагоналях;
  • Изобилие драгоценных предметов в интерьере;
  • Множество декоративных предметов, сложные очертания элементов;
  • Наличие скульптурных композиций;
  • Обилие зеркал;
  • Расписные потолки;

Стиль Барокко можно гармонично воссоздать только в больших пространствах, которые способны выдержать нагрузку в виде массивной мебели и множества помпезных декоративных элементов. Композиционное построение пространства подчиняется строгой симметрии.

В отделке интерьера обязательно присутствует золотой цвет (стены, потолки, предметы декора). Барокко отличается контрастами, которые достигаются, в том числе, и за счет игры цветов светлых стен и темной мебели.

Отделка стен. Декорируются гобеленами, тяжелыми тканями, шпалерами, декоративной штукатуркой, фресками, бордюрами, обоями в полоску или керамической плиткой в стиле Барокко. Главное – стены не должны быть полностью однородными, обязательно нужно использовать бордюры, всевозможные вставки, лепнину, мозаику, фрески. Также для украшения стен активно используются гобелены, шпалеры.

Отделка потолков. Используется лепнина, часто с позолотой, масштабные художественные полотна, фрески; в современной интерпретации можно использовать натяжные потолки с соответствующими тематическими принтами.

Мебель и текстиль. Барокко требует элементов королевской роскоши. Мебель должна быть массивной, под старину, с богатой отделкой: приветствуется резьба, декорирование мозаикой из благородных металлов или из шпона древесины дорогих пород дерева, слоновая кость, черепаший панцирь.

Диваны в интерьере несут дополнительную декоративную функцию, их задача – воссоздание атмосферы дворцовых покоев, роскошных и уютных одновременно. Поэтому следует выбирать диваны с плавными, витиеватыми формами, на закругленных ножках, оббитые текстилем в полоску и с красивой драпировкой. Кровати также должны быть стилизованы под старину: массивные, с сильно отогнутой спинкой, с декоративно выточенными ножками или изголовьем. Приветствуются кровати из красного дерева или других ценных древесных пород. На прикроватных тумбочках и массивных трюмо в качестве обязательного декоративного элемента размещаются шкатулки, подсвечники из металла, вазы причудливых форм.

Обязательным элементом спален в стиле Барокко являются изысканные туалетные столики и мягкие пуфы. Табуреты для ног, кресла, кушетки должны быть плавных изогнутых форм. Органично впишутся в интерьер комоды с выдвижными ящиками, разнообразные бюро, массивные деревянные книжные шкафы, круглые столы с мраморной столешницей.

В интерьерах Барокко обилие текстиля. Ткани (для диванных подушек и валиков; скатерти, покрывала, портьеры) должны быть натуральными, с изысканным, оригинальным рисунком. Используемые для оформления помещения ткани (из бархата, парчи, атласа, шелка) должны повторяться в обивке мебели и портьерах.
Балдахины и портьеры декорируют оборками, изящными кистями, ламбрекенами и крупными бантами. Окна и двери часто драпируются дорогими тяжелыми тканями с имитацией природных камней, таких как малахит, оникс или мрамор.

Характерная черта стиля Барокко — обилие зеркал в позолоченной или серебряной раме, как напольных, так и располагающихся на стенах, тумбочках и полках.

В стенных нишах размещают фарфоровые, бронзовые фигурки, изделия из слоновой кости, огромные морские раковины с перламутром или жемчугом, причудливые вазы и подсвечники. Все декоративные предметы должны работать на усиление эффекта дворцовой пышности, величия и власти.

Коллекции керамической плитки для интерьеров в стиле Барокко

Стиль Рококо в деталях

Стиль Рококо появился во Франции в период правления короля Людовика XV (1715 – 1723гг). Считается, что вдохновителем данного стиля стал итальянец Жан-Луи-Эрнест Месонье, в произведениях которого были отражены ассиметричные формы и необычные контуры изогнутой морской раковины (rocaile — откуда и франц. rococo). Появление Рококо стало своеобразной реакцией на чрезмерную вычурность и парадность стиля Барокко, который на тот момент широко использовался в оформлении интерьеров. Стиль Рококо ориентирован на создание уютных домашних интерьеров, в которых есть некая доля кокетства и легкости. Большинство построек Рококо — это частные дома французской знати. Комнаты в таких строениях стали поменьше и пониже, создавая атмосферу интимности, характерную будуарам. При этом они располагались не анфиладой как в XVII веке, а образовывали асимметричные композиции.

Отметим, что в стиле Рококо есть отдельное направление — шинуазри (китайщина). В таких интерьерах обязательно присутствовали средневековые китайские мотивы и приемы декорирования: расписные передвижные ширмы, изысканные орхидеи, золотые аквариумные рыбки, лакированная резная китайская мебель, китайский фарфор, гобелены с изображениями китайских танцовщиц, пагод, императоров и воинов.

Характерные черты стиля:

  • Динамичные и асимметричные формы;
  • Большие окна слегка закругленной формы;
  • Потолок часто делают продолжением стены при помощи плавного полукруглого перехода, который после декорируется;
  • Закругление стен с последующим украшением их шелком, резными панелями, позолоченными орнаментами, зеркалами;
  • Обилие лепнины: в обрамлении дверей и окон, в стенных пространствах, в плафонах и т.д.
  • В орнаментах доминируют причудливые раковины и цветы;

Отделка стен. Для разных вариантов отделки стен (панели, обои, покраска, ткани, настенная живопись) всегда применяется декорирование лепниной. Также приветствуется использование различных тонких рельефных обрамлений замысловатых изогнутых форм. Если стены отделываются обоями с имитацией ткани, то у них должен быть либо цветочный рисунок, либо декор вензеля.

Отделка потолков. В идеале потолок должен быть однотонным с декором в виде позолоченной или же белой лепнины. Часто потолок делают продолжением стены: угол между потолком и стеной сглаживается за счет плавного перехода полукруглой формы, который после декорируют тонким орнаментом.

Отделка полов. Полы могут быть выложены паркетом, мрамором или керамической плиткой с имитацией натуральных фактур, но в любом случае, у них должны быть изогнутые по профилю плинтуса. Высота плинтусов может быть любой. В интерьерах Рококо уместны ковры на полах, но они должны занимать небольшую часть по отношению к общей площади помещения.

Мебель. Для мебели эпохи Рококо характерен полный отказ от прямых линий. Для лакировки деревянной мебели используются цветные лаки. Декорируют её резьбой, бронзовыми накладками для отшлифованных поверхностей. Желательно использовать в меблировке комоды, секретеры, канапе, глубокие мягкие кресла на изогнутых ножках. Также дополнительно украсить помещение поможет мебель «с женским характером»: шкафчики для хранения бумаг на резных ножках, пуфы и тумбочки, небольшие туалетные столики с зеркалами.

Важная роль отводится камину с облицовкой из мрамора, который обязательно должен быть украшен бронзовыми канделябрами, фарфоровыми статуэтками, часами. Также над камином принято вешать зеркало в декоративной раме.

Зеркала в интерьерах Рококо располагаются асимметрично.

Коллекции керамической плитки для интерьеров в стиле Рококо

Итоги: Несмотря на историю возникновения Рококо, целиком избежать влияния стиля Барокко ему всё же не удалось, он трансформировал стилистику Барокко, смягчил и уменьшил его масштабность.

Обозначая отличия этих стилей, отметим, что:

  • Барокко свойственны контрасты, помпезность, монументальность, темные насыщенные цвета; а Рококо «работает» в светлых пасторальных тонах, ему характерны изысканность, изящество и легкость;
  • Барокко построен на строгой симметричности, а Рококо — на асимметрии;
  • Цветовые решения в Барокко выстраиваются на контрастах, а в Рококо — на плавном перетекании цветов;
  • Барокко отдает дань масштабам и объемам, а Рококо расставляет акценты на мелких деталях, на изящной ювелирной работе.

9 Характеристики архитектуры барокко (XVI-XVIII вв.)

Архитектура барокко зародилась в Италии конца 16 века. Этот архитектурный стиль развивался до 18 века в таких регионах, как Германия и колониальная Южная Америка. Стиль барокко был создан с четкой целью — помочь католической церкви вернуть себе приверженцев Реформации. Поскольку учение большинства реформированных протестантов было направлено на минималистский и чистый архитектурный стиль, архитектура барокко поступала как раз наоборот.Архитектура барокко предлагала богатый, плавный, впечатляющий и драматический стиль, который визуально контрастировал с реформированными церквями. Здания выводят архитектуру на новый уровень, как визуально, так и технически, и стремятся познакомить зрителя с фантастическим царством, вызывающим взгляды Небес.

1. Основные элементы архитектуры барокко Фасад церкви в стиле барокко с наклонно расположенными башнями работы Йозефа Кирнбергера, ок. 1760-1770, через Музей искусств Метрополитен, Нью-Йорк

Архитектура барокко служит известной цели, а именно помощи Контрреформации.Следовательно, у него есть четкая архитектурная программа, которая позволяет идентифицировать несколько характеристик. Основная идея барокко — стимуляция эмоций и чувств. Поскольку Реформация продвигала рационализированный и строгий образ, католическая церковь ответила противоположным подходом. Вот почему каждая форма и форма здания в стиле барокко нацелена на взаимодействие чувств и зажигает эмоции.

Уловить эмоции зрителя — нелегкая задача; поэтому архитектурные планы, как правило, опираются на сложные формы: часто овальную основу и различные противопоставления материалов и форм, которые придают зданию динамичный вид.Сочетание разных пространств — излюбленный способ подчеркнуть движение и чувственность. Если ощущение здания велико, драматично, полно контрастирующих поверхностей, множества изгибов, изгибов и позолоченных скульптур, это, скорее всего, здание в стиле барокко. Интерьер, в большинстве случаев, имеет потолок, который сильно окрашен, заставляя зрителя полагать, что настоящего потолка нет, а что крыша связана с небом или божественным царством. Эти характеристики будут подробно рассмотрены в следующих пунктах.

2. Знаменитые здания и художники в стиле барокко Неоконченный дизайн интерьера церкви в стиле барокко, приписываемый Джованни Марии Галли Бибиене Младшему, до 1769 года, через Музей искусств Метрополитен, Нью-Йорк

Некоторые из самых известных зданий в стиле барокко, как и ожидалось, находятся в Италии. Площадь Святого Петра в Риме — популярная достопримечательность, частично выполненная в стиле барокко. Другие примеры из Рима включают фасад Il Gesú, здание Sant’Ivo alla Sapienza, хорошо известный Сан-Карло алле Quattro Fontane и фонтан Треви.

Вам понравилась эта статья?

Подпишитесь на нашу бесплатную еженедельную рассылку новостей

Пожалуйста, проверьте свой почтовый ящик, чтобы активировать подписку

Спасибо!

Примечательными примерами со всей Европы являются дворец Бельведер, дворец Шенбрунн и церковь Св. Карла в Вене; собор Сантьяго-де-Компостела и Пласа-Майор в Испании; и собор Святого Павла в Лондоне.

Помимо этих знаменитых построек, следует упомянуть имена итальянских художников барокко Джан Лоренцо Бернини, Карло Мадерно, Франческо Борромини и Гуарино Гуарини, которые были законодателями моды в этом стиле.Кроме того, за пределами Италии стоит отметить работы австрийских архитекторов Йохана Бернхарда, Фишера фон Эрлаха и английского архитектора Кристофера Рена.

3. В архитектуре барокко все течет Дизайн потолка в стиле позднего барокко Жан Берен, без даты, через Музей искусств Метрополитен, Нью-Йорк

Архитектура барокко очень разнообразна с архитектурными планами, выходящими за рамки традиционных геометрических форм и часто использующими другие элементы вдохновения, такие как буквы или комбинации форм, имитирующие природный элемент.Из-за сложности плана у архитекторов больше возможностей поиграть с формами и формами, и все ради визуального движения.

Поскольку архитекторы в стиле барокко хотели сделать невозможное, а именно создать движение в наиболее статичной форме искусства, они прибегли к кривым. Таким образом, изгибы и встречные изгибы стали доминирующим мотивом всей архитектуры и искусства барокко. Как и в архитектуре эпохи Возрождения, колонны по-прежнему были основным элементом фасада здания.Из-за этого художники, такие как Бернини, быстро поняли, что они должны делать волнистые колонны, чтобы создавать динамичный вид. Знаменитая картина Бернини Baldacchino из собора Святого Петра в Риме является прекрасным примером этого динамического эффекта. Чтобы пойти еще дальше в погоне за движением, Гуарино Гуарини начал использовать волнообразный порядок, который обозначал систему волнообразных элементов, которые создавали окончательный вид непрерывного изгиба.

4. Шаг в рай цвета Маленькая галерея в стиле барокко из дворца Шенбрунн в Вене, Австрия, через официальный сайт Schloss Schönbrunn

Не вся историческая архитектура состоит из камня и матовых элементов, что особенно характерно для архитектуры барокко.Цвет и живопись сыграли важную роль в комплексном воплощении здания. Если художники эпохи Возрождения начали расписывать потолки для покровителей, барокко подняло это на новый уровень. В эпоху Возрождения это было необязательной функцией; для механизма в стиле барокко он стал стандартом. Однако роспись была не единственным видом отделки потолка. Деревянные потолки все еще использовались с эпохи Возрождения, но теперь в них были окрашенные или позолоченные полости, которые стали лакунальными потолками, поскольку они будут отображать взаимодействие пустых и заполненных пространств.

Если потолок не был деревянным, можно было бы использовать богатую вариацию штукатурки , чтобы придать глубину. Stucco была сделана из гипса с мелко измельченным мрамором, который затем был смоделирован и нанесен на потолок, создав трехмерный вид. Штукатурка часто была украшена венками из разных листьев и растений, геометрическими формами, а иногда и некоторыми человеческими фигурами, такими как амуры. Здесь следует подчеркнуть, что барокко было очень разнообразным стилем, который не возражал против комбинирования различных техник для достижения желаемого эффекта.Таким образом, расписной потолок, скорее всего, будет иметь деревянную отделку и лепнину .

5. Дьявол кроется в деталях Золотая деталь из Малой галереи дворца Шенбрунн в Вене, Австрия, через официальный сайт Schloss Schönbrunn

Если и есть архитектурный стиль, который процветает в деталях, то это, безусловно, барокко. Архитектура барокко широко использовала детали своей основной миссии. Из-за этого здания в стиле барокко часто воспринимаются как грандиозные и потусторонние.Невозможно охватить все детали одним взглядом. Все собрано так, чтобы выглядеть божественно, как если бы вы ступили на Небеса и оставили мирское позади.

Эта преданность деталям видна повсюду: на стенах, украшенных красивыми деревянными, мраморными и каменными скульптурами, на потолках, часто сводчатых, арочных и расписных, и в небольших украшенных украшениях. Архитектура барокко использует все доступные материалы. Художники и архитекторы использовали материалы, насколько это возможно, в том смысле, что они использовали дерево для очень сложных дизайнов, камень для элементов, которые должны были быть прочными, и мрамор для самых дорогих предметов.Поскольку теперь здания рассматриваются архитекторами как единая и связная масса, украшения сыграли решающую роль в объединении различных частей здания. Архитектурные скульптуры, а также растительные и орнаментальные мотивы становятся критически важными элементами, помогая взгляду зрителя перемещаться от пола к стенам и вверх к потолку, не воспринимая их как оторванные от другого.

6. Ключевое слово архитектуры барокко: иллюзия Зеркальная галерея из Большой галереи дворца Шенбрунн в Вене, Австрия, через официальный сайт Schloss Schönbrunn

Величие — универсальное слово, которым можно описать любое здание в стиле барокко, что подводит нас к еще одной ключевой особенности: иллюзии.Чтобы привести божественное в свой дворец или церковь, нужно иметь достаточно средств, чтобы покрыть самые дорогие материалы. Однако далеко не все могли покрыть дорогостоящие расходы на строительство величественных памятников в стиле барокко. Здесь в игру вступила иллюзия: это была функция, которая могла сократить некоторые расходы и, таким образом, сделать строительство более экономичным. Есть причина, по которой историки искусства в шутку считают барокко чем-то вроде китча.

Мрамор, золото, серебро, жемчуг и т. Д. Были дорогими материалами, которые не всегда можно было позволить себе вложить в строительство.Архитектура в стиле барокко очень изобретательна, поскольку в ней используется иллюзия, чтобы создать впечатление дорогостоящих материалов. Например, в главном алтаре церкви в стиле барокко, скорее всего, стоит ряд величественных колонн. При ближайшем рассмотрении зритель может подумать, что они сделаны из мрамора, но на самом деле колонны были бы сделаны из дерева и закрашены, чтобы создать визуальную иллюзию мрамора. Это было сделано настолько искусно, что зрителя легко и нередко вводили в заблуждение. Элементы декора были окрашены в золотой цвет, чтобы придать вид настоящего золота, потолки были окрашены в рамы, создающие впечатление настоящих трехмерных рам, и так далее.Барокко играло зрением и чувствами.

7. Trompe L’il и естественные образы Большой каст с Trompe L’oeil, 1690-1720, американский, через Музей искусств Метрополитен, Нью-Йорк

Обсужденного выше набора иллюзий было бы недостаточно, если бы человек, просматривающий их, видел бы их как таковые. Техники рисования, такие как trompe l’œil , использовались, чтобы обмануть глаз до такой степени, что человек, смотрящий на них, задался вопросом: обманывают ли меня мои глаза? Эффект иллюзии является абсолютным, если пострадавший не может быть уверен, что то, на что он смотрит, является иллюзией или нет.Действительно, это был желаемый результат. Как расположить к себе гостя, если не подарить ему то, что, скорее всего, увлечет и сбьет с толку?

Техника trompe l’œil была продолжением увлечения перспективой эпохи Возрождения. Овладев перспективой и полностью раскрывая ее потенциал, художники могли открывать новые методы создания иллюзий. Смысл самой техники переводится как: , чтобы обмануть глаз . Человеческие фигуры, изображенные в сцене с использованием техники trompe l’œil , дадут ощущение того, что они выходят из своей картины. Trompe l’oeil Painting — это тип живописи, на котором изображен объект и заставляет зрителя дотронуться до него, чтобы увидеть, настоящий ли он. В сочетании с большим интересом к подобию жизни движение барокко использовало расписные украшения, чтобы сделать здания открытыми пространствами, достигающими небес.

8. Игра со светом Серебряный алтарь в стиле барокко из Брно, Моравия, Чешская Республика, через MWNF

В театре свет играет важную роль.Он может указать зрителю, радостная или зловещая обстановка, в зависимости от того, как она установлена. Архитектура барокко не стала исключением, поскольку стиль был направлен на драматическое проявление всех форм искусства. Как получить драматический характер, если не манипулированием светом?

Но как направить свет в здание? В конце концов, свет — это не статичная картина или скульптура. Это можно сделать путем сопоставления сильных выступов, дополненных резкими и глубокими выемками.Другой способ сделать это — сломать поверхность, сделав ее неровной. Основными архитектурными элементами, которые способствовали этому, были небольшие резные украшения, которые скрывали свет и тень в своей резьбе, издалека создавая ощущение движения. Другой способ выполнения световых манипуляций — это простая комбинация различных материалов, которая создаст разрыв поверхности. Каждый материал по-разному воспринимает свет и тень. Таким образом, используя несколько материалов, архитектор мог создать игру света и тени с высоким контрастом, как на картине Караваджо.

9. Архитектура барокко: мастерство во всем Дизайн потолка в стиле барокко с центральной панелью в Trompe L’oei Жюля-Эдмона-Шарля Лашеза, XIX век, через Музей искусств Метрополитен, Нью-Йорк

Во многих смыслах архитектура барокко является кульминацией всех стилей, существовавших до ее зарождения. Вот почему можно сказать, что это подразумевает проявление абсолютного мастерства. Быть мастером в стиле барокко — значит усвоить все уроки античного, средневекового и ренессансного искусства, чтобы создать что-то, что уходит корнями в их практику, но превосходит их результаты.С эстетической точки зрения сложно спорить, какой стиль более приятен. В конце концов, это зависит от зрителя. Однако архитектура в стиле барокко предлагает визуальное волнение и удивление.

Если слов недостаточно, чтобы убедить, то сами произведения искусства сделают это. Достаточно взглянуть на работы Бернини, как в архитектуре, так и в скульптуре, чтобы понять, что такое истинное мастерство. Художник в стиле барокко может использовать материалы на полную мощность, становясь настоящим мастером техники. Художественные изделия этого периода заставляют задуматься, действительно ли что-то сделано из камня или на самом деле живое.

Какой образец архитектуры барокко? — Mvorganizing.org

Какой образец архитектуры барокко?

С властью пришло богатство, и в то время было построено несколько зданий в богато украшенном стиле барокко. Некоторые из лучших примеров архитектуры барокко в Вене — церковь Св. Карла, дворец Шенбрунн, дворец Бельведер, Старая Венская ратуша, Императорские конюшни и многие, многие другие.

Назовите три характеристики архитектуры стиля барокко?

Архитектура барокко, разработанная Бернини, Карло Мадерно, Франческо Борромини и Гуарино Гуарини, подчеркнула массивность и монументальность, движение, драматические пространственные и световые последовательности, а также богатую внутреннюю отделку с использованием контрастных текстур поверхностей, ярких цветов и роскошных материалов, чтобы усилить …

Что такое стиль барокко?

Стиль барокко характеризуется преувеличенными движениями и четкими деталями, которые создают драматизм, изобилие и величие скульптуры, живописи, архитектуры, литературы, танца и музыки.Более поздний стиль барокко был назван рококо, стилем, характеризующимся все более декоративными и сложными работами.

Какова история барочного театра?

Театр в стиле барокко. Он возник в Италии после эпохи Возрождения и распространился на большую часть Европы между 17 и 18 веками. Со многими художественными нововведениями, происходящими в период барокко, театры превратились в более сложные и драматические места. И здания, и спектакли претерпели глубокие изменения.

Шекспир — это барокко?

Английский театр. Поздние пьесы Шекспира несут в себе барочную чувственность, поскольку он погружает своих персонажей в сложные ситуации и многочисленные повороты сюжета.Пьесы, персонажи и сюжеты Шекспира наложили отчетливый отпечаток не только на эпоху барокко, но и на весь театральный мир.

Какое слово лучше всего выражает искусство барокко?

Ответ — религия, а не украшение.

Какие термины лучше всего описывают стиль барокко?

Искусство барокко лучше всего описать словом драма. Стиль барокко характеризуется преувеличенным движением и четкими деталями, используемыми для создания драматизма, изобилия и величия в скульптуре, живописи, архитектуре, литературе, танце и музыке.

Откуда вы знаете барокко?

Произведенный от португальского barroco, или «жемчужина необычной формы», термин «барокко» широко использовался с девятнадцатого века для описания периода в музыкальном искусстве Западной Европы с 1600 по 1750 год.

Что повлияло на архитектуру барокко?

Архитектура барокко была связана с Контрреформацией, что свидетельствует о богатстве католической церкви. Он характеризовался новым исследованием формы, света и тени и драматической интенсивности.Бернини был мастером архитектуры барокко в Риме; Площадь Святого Петра была одним из его величайших достижений.

Как период барокко повлиял на искусство?

По сравнению с рациональностью и спокойствием эпохи Возрождения, искусство барокко призвано вызывать страсть и эмоции. Более того, картины в стиле барокко часто имеют тенденцию драматизировать сцены с помощью светотени (светотени).

Искусство и архитектура барокко | Европейские художники

Барокко — стиль искусства, существовавший с конца XVI до середины XVIII века. век. . произведений искусства были богаты, драматичны и содержали много деталей. Барокко было контрастом к ренессансу , который доминировал в большей части европейской жизни в период и раньше. Ренессансное искусство было упорядоченным и сбалансированным . В нем часто используются геометрические фигуры и формы. Художники и архитекторы в стиле барокко сконцентрировались на изгибах и арках .

Многие европейские правители хотели показать, насколько они могущественны в период барокко.Они платили архитекторам за постройку дворцов с большими садами в стиле барокко. Версаль под Парижем и Бельведер в Вене являются примерами такой архитектуры.

Версальский дворец — Марк Вассал

Здания в стиле барокко не были одинаковыми во всей Европе. В Австрии, Испании и Латинской Америке внутри этих зданий было , покрытые , с множеством украшений, . Архитектура барокко во Франции была более классической и упорядоченной.В Англии сэр Кристофер Рен был главным архитектором того периода. Он перестроил лондонский собор Святого Павла после того, как он сгорел в результате пожара в 1666 году, и заменил старую готику на новый стиль барокко.

Барокко Скульптура характеризуется механизмом . Самым известным представителем был Джованни Бернини из Италии. Он создал мраморных скульптур, спроектировал фонтаны и изготовил запрестольных образований .Он также сыграл важную роль в восстановлении базилики Святого Петра в Риме. В 1650-х годах он спроектировал большую площадь или пьяццу перед самым важным собором католического мира.

Картины в стиле барокко славились своими крупными формами. Итальянские художники расписали потолков церквей массивными красочными фигурами. Микеланджело Караваджо считался первым великим художником эпохи барокко. Мы работали в основном в Риме, где он рисовал сцены из Нового Завета на больших холстах .Он выбрал библейские истории и поместил их в современные настройки .

Во Фландрии, современная Бельгия, Питер Пауль Рубенс был главным художником эпохи барокко. Он рисовал величественные сцены Рождества Христова, а также запрестольные изображения и другие религиозные предметы. Всего их было огромных, и выраженных динамических движений. В Голландии Рембрандт был великим художником своей эпохи. Он писал портреты людей, групп, а иногда и самого себя. Ян Вермеер специализировался на росписи интерьера комнат домов среднего класса.

«Поклонение» Пауля Рубенса

В Испании Веласкес создавал сцены повседневной жизни, а также портреты испанской королевской семьи и других исторических личностей.

Связанные темы

Купить текст и рабочие листы в формате PDF

слов

  • запрестольный образ = картина или скульптура за алтарем
  • арка = что-то с загнутым верхом и прямыми сторонами
  • сбалансировано = здесь: всего нужное количество
  • холст = ткань, на которой вы рисуете
  • потолок = верхняя стена комнаты
  • век = сто лет
  • контраст = разница
  • крышка = иметь что-то более
  • создать = сделать
  • украшение = красивые и красивые предметы, которые вы рисуете на чем-то, чтобы сделать его более привлекательным
  • дизайн = планировать, создавать
  • экспресс = показать
  • фонтан = конструкция, из которой вода закачивается в воздух
  • огромный = очень большой
  • интерьер = внутренняя часть
  • основной = самый важный
  • мрамор = твердый камень, который становится гладким после полировки; из него строят здания и статуи
  • движение = здесь: сделать что-то динамичное, с большим количеством жизни
  • упорядоченный = упорядоченный, упорядоченный, логический
  • период = время
  • простое = самое важное
  • Возрождение = Европа между 14 и 17 веками; время, когда искусство, литература и философия стали очень важными
  • заменить = сделать вместо другого
  • представитель = типичный художник этого периода
  • правитель = человек, который управляет страной
  • скульптура = объект, сделанный художником из камня, дерева или другого материала
  • настройка = местоположение
  • форма = форма
  • работа =
  • шт.

Что характерно для архитектуры барокко? — AnswersToAll

Каковы особенности архитектуры барокко?

Архитектурные характеристики.Архитектура итальянского барокко имеет несколько важных характеристик. Обычно он включает изогнутые формы, в том числе овальные формы и комбинацию вогнутых и выпуклых форм, из-за которых стены кажутся волнистыми или кажутся волнистыми с сильным чувством движения.

Когда зародилась архитектура барокко?

Период архитектуры барокко начался в конце 16 века в Риме, Италия. Он взял римский словарь архитектуры эпохи Возрождения и использовал его в новой риторической и театральной манере, часто для выражения триумфа католической церкви и абсолютистского государства.

Что повлияло на архитектуру барокко?

Архитектура барокко была связана с Контрреформацией, что свидетельствует о богатстве католической церкви. Он характеризовался новым исследованием формы, света и тени и драматической интенсивности. … Другими влиятельными итальянскими архитекторами в стиле барокко были Кароль Мадерно, Пьетро ла Кортано и Франческо Борромини.

Кто создал стиль барокко?

Художник, скульптор и архитектор Алонсо Кано спроектировал интерьер Гранадского собора в стиле барокко в период с 1652 года до своей смерти в 1657 году.

Чем архитектура барокко отличается от ренессанса?

Как и эпоха Возрождения, период барокко в архитектуре был отмечен скорее дизайном, чем структурными новшествами. В ответ на скудость архитектуры эпохи Возрождения здания в стиле барокко были щедро украшены. … Элементы дизайна стали более эмоциональными и динамичными, а акцент был сделан на балансе энергии.

Когда был период барокко в архитектуре?

Период архитектуры барокко начался в конце 16 века в Риме, Италия.Он взял римский словарь архитектуры эпохи Возрождения и использовал его в новой риторической и театральной манере, часто для выражения триумфа католической церкви и абсолютистского государства.

Где зародилась архитектура барокко?

Архитектура барокко, архитектурный стиль, зародившийся в Италии конца 16 века и сохранявшийся в некоторых регионах, особенно в Германии и колониальной Южной Америке, до 18 века.

Что такое мебель в стиле барокко?

Барокко было периодом искусства 17–18 веков.Как стиль мебели, он был сначала принят во Франции, а затем распространился по Европе. Мебель в стиле барокко стала популярной среди знати и аристократии как символ власти и богатства.

В чем разница между барочной и готической архитектурой?

Готика очень проста внутри. Этот термин обычно используется для обозначения зданий с остроконечными арками, ребристыми крышами, большими окнами и уникальными и необычными фасадами. Барокко началось в конце 16 века (1500-е гг.). … Большинство зданий в Зальцбурге построены в стиле барокко.

Какое произведение является самым важным произведением архитектуры барокко?

Дом инвалидов, Париж. Дом Инвалидов — один из величайших шедевров французской архитектуры барокко.

Почему стиль архитектуры барокко был фаворитом церквей того времени?

Архитектура барокко была связана с Контрреформацией, что свидетельствует о богатстве католической церкви. Он характеризовался новым исследованием формы, света и тени и драматической интенсивности.Бернини был мастером архитектуры барокко в Риме; Площадь Святого Петра была одним из его величайших достижений.

Почему период барокко был важен?

Период барокко был важным временем, когда расцвело новаторство в новых музыкальных стилях. Эти музыкальные стили имеют решающее значение, потому что они формируют музыку. Например, минорные и мажорные тона впервые появились в эпоху барокко.

Версаль — барокко или рококо?

Версальский дворец построен в стиле барокко.Французский король Людовик XIV построил обширный дворец на месте старого охотничьего павильона и устроил там свой двор в 1682 году. Он был вдохновлен архитектурой барокко, которая зародилась в Италии, но была построена в стиле классического французского барокко.

Версаль — это барокко?

Версальский дворец построен в стиле барокко. Французский король Людовик XIV построил обширный дворец на месте старого охотничьего павильона и устроил там свой двор в 1682 году. Он был вдохновлен архитектурой барокко, которая зародилась в Италии, но была построена в стиле классического французского барокко.

Почему он называется романским?

Согласно Оксфордскому словарю английского языка, слово «романский» означает «потомок римлян» и впервые было использовано в английском языке для обозначения того, что сейчас называется романскими языками (впервые процитировано в 1715 году). … Романский язык — это выродившийся латинский язык. Романская архитектура унижена римской архитектурой.

Что такое барокко в музыке?

Музыка барокко (Великобритания: / bəˈrɒk / или США: / bəˈroʊk /) — это период или стиль западной художественной музыки, сочиненный примерно с 1600 по 1750 год.За этой эпохой последовала музыкальная эпоха Возрождения, за которой, в свою очередь, последовала классическая эпоха, со стилем галант, знаменующим переход между эпохами барокко и классикой.

Что такое архитектура английского барокко?

Английское барокко — это термин, который иногда используется для обозначения событий в английской архитектуре, которые были параллельны развитию архитектуры барокко в континентальной Европе между Великим лондонским пожаром (1666 г.) и Утрехтским договором (1713 г.).

Какого типа архитектура представляет собой церковь?

Церковная архитектура относится к архитектуре зданий христианских церквей.Он развивался за две тысячи лет христианской религии, частично за счет нововведений, частично за счет имитации других архитектурных стилей, а также в ответ на изменение верований, обычаев и местных традиций.

Какое событие повлияло на период барокко?

Основным событием, оказавшим влияние на период барокко, была Контрреформация.

Какой архитектурный стиль представляет собой Версаль?

Версальский дворец (построен ок. 1624-98), великолепный образец французской архитектуры барокко, является самым известным королевским замком во Франции.

Что является отличительной чертой искусства барокко?

Материнский герб церкви. Что является отличительной чертой искусства барокко? Внимание к эмоциональному восприятию произведения зрителями.

Какая королевская резиденция построена в стиле барокко?

Версальский дворец (построен ок. 1624-98), великолепный образец французской архитектуры барокко, является самым известным королевским замком во Франции.

Что такое итальянское барокко?

Итальянское барокко (или барокко) — стилистический период в истории и искусстве Италии, охватывающий с конца 16 века до начала 18 века.

Что означает слово барокко с точки зрения искусства барокко?

Ответ: Слово «барокко» португальского происхождения означает несовершенный драгоценный камень неправильной формы. Барокко — это литературное проявление. Пояснение: В движении барокко существует понимание контраста между противоположными вещами, называемое культом контраста.

Когда наступил период французского барокко?

Французское искусство 17-го века обычно называют барокко, но с середины до конца 17-го века стиль французского искусства демонстрирует классическую приверженность определенным правилам пропорции и умеренность, нехарактерную для барокко, как это практиковалось в большинстве стран. остальная часть Европы в тот же период.

Что было характерно для искусства барокко?

В своих наиболее типичных проявлениях искусство барокко характеризуется большой драматичностью, богатым, глубоким цветом и интенсивными светлыми и темными тенями, но классицизм французских художников барокко, таких как Пуссен, и голландских художников-жанристов, таких как Вермеера, также охватывается этим термином, хотя бы на английском.

Кто был королем в период барокко?

Он дал свое первое публичное выступление в возрасте 5 лет, когда он развлекал и восхищал короля Франции Людовика XIV своим клавесином.Генрих Игнац Франц фон Бибер получил наибольшую известность как композитор скрипичных произведений. Некоторые говорят, что он был довольно авангардистом для своего времени.

Чем голландское барокко отличается от итальянского барокко?

Искусство итальянского барокко было заказано католической церковью. Естественно, влияние церкви означало, что искусство барокко из Италии почти всегда было предметом религии. … Искусство голландского барокко в первую очередь светское, часто состоящее из портретов людей, занимающихся своими повседневными делами.

Что такое архитектура рококо?

Рококо, также известное как «позднее барокко», было крайним декоративным развитием архитектуры барокко, которое возникло в 18 веке как реакция на величие и симметрию. Это был более плавный и витиеватый сложный стиль, включающий витиеватые, асимметричные узоры и пастельные тона.

Что такое архитектура в стиле ренессанс?

Архитектура эпохи Возрождения: Архитектура эпохи Возрождения — это архитектура периода между началом 15 и началом 17 веков в различных регионах Европы, демонстрирующая сознательное возрождение и развитие определенных элементов древнегреческой и римской мысли и материальной культуры.

Как выглядит Версальский дворец в стиле барокко?

Версальский дворец выполнен в стиле французского барокко, отличающимся большими изогнутыми формами, витыми колоннами, высокими куполами и сложными формами. Архитектором дворца был Луи Ле Вау, декоратором интерьера — Шарль Ле Брун, ландшафтным дизайнером — Андре Ле Нотр.

Что такое искусство рококо, каковы особенности этого стиля?

Стиль рококо отличается продуманным орнаментом, асимметричностью, пастельной цветовой палитрой и изогнутыми или змеевидными линиями.Произведения искусства в стиле рококо часто изображают темы любви, классических мифов, молодости и игривости.

Когда зародилась византийская архитектура?

Византийская архитектура. Византийская архитектура. Византийская, или Восточно-Римская, империя началась с основания Константинополя (бывшего Византии) в 324 году нашей эры и закончилась его захватом турками-османами в 1453 году.

Какой стиль можно назвать игривым, беззаботным и причудливым?

Какой стиль можно назвать игривым, беззаботным и причудливым? … Стиль барокко оставался доминирующим в Европе около 600 лет.

Кто изображен на изображении выше, которое отражает характерные черты искусства барокко?

Кто изображен на изображении выше, которое содержит характеристики искусства барокко? Людовик XIV. Вы только что изучили 13 семестров!

Почему Караваджо использовал тенебризм?

Светотень — это метод затемнения, который используется для придания фигурам ощущения трехмерного объема. Тенебризм — это когда художник оставляет некоторые области картины полностью черными, позволяя сильно осветить одну или две области по сравнению.Таким образом, тенебризм позволяет художнику контролировать «действие» на своем полотне.

Кто были два архитектора, которые принесли понимание барокко в архитектуру?

загородных домов в стиле барокко, таких как Дом Чатсуорта Уильяма Талмана и Замок Ховард Ванбру и Хоксмура, начали появляться в 1690-х годах. Самыми значительными архитекторами после Рена были сэр Джон Ванбру и Николас Хоксмур, построившие замок Ховард (1699 г.) и дворец Бленхейм (1705 г.).

Что такое тенебризм, опишите, как и почему он используется в картинах?

Эта техника была разработана для придания драматичности изображению за счет эффекта прожектора и была популярна в живописи в стиле барокко.Тенебризм используется только для получения драматического эффекта, в то время как светотень — это более широкий термин, также охватывающий использование менее резких контрастов света для усиления иллюзии трехмерности.

Что пришло после готической архитектуры?

Византийская архитектура, являющаяся продолжением римской архитектуры, в среде, где она могла существовать дольше. Романская архитектура, возникшая примерно в 10 веке после долгого периода мрака средневековья. Готическая архитектура, восходящая к романскому периоду около 12 века.

Каковы отличительные черты архитектуры эпохи Возрождения?

Стиль Ренессанс делает упор на симметрию, пропорции, геометрию и регулярность частей, как это продемонстрировано в архитектуре классической античности и, в частности, в древнеримской архитектуре, многие примеры которой сохранились.

Почему Джованни Бернини прославился?

Бернини был ведущим скульптором своего времени, а также выдающимся архитектором. Прекрасный ученик в области классического искусства, он считается ведущей фигурой в создании скульптуры в стиле барокко.Скульптуры Бернини восхищаются его способностью запечатлеть почти шокирующе реалистичный опыт человечества.

Вена в стиле барокко

В Вене звучит много архитектурных и исторических терминов. Барокко — одно из них. Возможно, вы уже знакомы с этой конкретной эпохой и стилем. А если нет, то читайте дальше…

  • Высокодекоративный подход к дизайну 17-го и начала 18-го веков
  • Встречается во многих известных дворцах, таунхаусах и церквях по всему городу
  • См. Также: Историзм в Вене

Что такое барокко?

(Таунхаус в стиле барокко на площади Ам Хоф в Вене)

Термин «барокко» — это особый стиль, применяемый к различным видам искусства.Большинство посетителей Вены воспринимают это как архитектуру и дизайн интерьера в стиле барокко, который охватывает период с начала 17 века до середины 18 века.

По сути, барокко берет ваши повседневные архитектурные элементы и посыпает их сказочной пылью.

Например, никаких скучных однотонных потолков с их простыми арками. Вместо этого повсюду фрески, часто создающие иллюзию трехмерности. Простые каменные ступени? Итак, 16 век. Нам нужны великолепные лестницы, кричащие «располагаемый доход».

Классическая черта архитектуры барокко — сильное использование декоративных элементов, таких как скульптуры и рельефы. Залы в стиле барокко могут быть полны мрамора, лепнины и позолоченных предметов. (Множество позолоченных предметов.) «Не оставлять места без украшений», возможно, был преобладающим девизом.

Результаты могут быть захватывающими, но в то же время ошеломляющими.

Вы также можете встретить термин рококо. Я не уверен в разнице, но считаю, что дизайн в стиле рококо относится к завершению периода барокко и доводит декоративный подход до еще больших крайностей.

Стиль барокко берет свое начало в усилиях католической церкви по борьбе с маршем протестантизма. Считайте это архитектурным эквивалентом тактики «шок и трепет».

Почему это важно?

Важность Вены объясняется тем простым фактом, что многие исторические здания в городе, особенно дворцы и церкви, могут считаться барочными.

Этот стиль пришел в Австрию немного позже, чем, например, в Италию, и достиг своего апогея в различных чудесных постройках начала 1700-х годов.Таким образом, здания Вены в стиле барокко предшествуют, например, временам Австрийской империи, Австро-Венгрии и императора Франца Иосифа.

(Многие известные достопримечательности Вены, такие как Государственный оперный театр, на самом деле были возведены во время огромного периода (пере) строительства в конце 1800-х годов. Однако они часто выглядят старше, чем есть на самом деле, благодаря историческому подходу к архитектуре. популярный в то время.)

Где можно увидеть архитектуру барокко

Один из способов оценить контраст стилей между барокко и его предшественниками — заглянуть в церковь Михалеркирхе.Сама церковь совсем не в стиле барокко, датируется 1200-ми годами. Но одна из боковых часовен построена в стиле раннего барокко, поэтому контраст разыгрывается прямо перед вами.

Дворцы и дворец

(Дворец Верхнего Бельведера)

Многие из самых популярных сегодня достопримечательностей Вены относятся к эпохе барокко. Например:

  • Государственный зал Национальной библиотеки: этот огромный зал настолько богато украшен и впечатляет, что вы не осмелились бы возвысить голос выше шепота, даже если бы это была не библиотека.
  • Бельведер: возможно, лучший образец нецерковной архитектуры барокко в Вене. И Верхний, и Нижний дворцы относятся к периоду позднего барокко.
  • Дворец Шенбрунн: летняя резиденция Габсбургов в стиле позднего барокко / рококо и объект Всемирного наследия.
  • Если вы счастливы покинуть Вену, восхитительное поместье Schloss Hof представляет собой дворец в стиле барокко и сады примерно в часе езды от города.

(Дворец Лобковиц)

Сохранилось несколько особняков периода барокко.Вот два наиболее ярких примера:

  • Дворец Кински: построен около 1716 года под эгидой Иоганна Лукаса Хильдебрандта (архитектора Бельведера). Обратите особое внимание на сильно украшенный входной портал.
  • Palais Lobkowitz: один из тех редких таунхаусов, в которые действительно можно зайти, потому что это дом Венского театрального музея. Здесь регулярно играл Бетховен.

Церкви

(Карлскирхе)

Довольно много церквей в стиле барокко украшают Вену.Наиболее известные примеры в центре включают:

  • Schottenkirche: впервые освящена в 1200 году, но интерьер в основном относится к середине 17 века.
  • Аннакирхе: более старая церковь, претерпевшая заметную трансформацию в стиле барокко в начале и середине 18 века. Довольно эффектно внутри.
  • Карлскирхе: огромная церковь в стиле позднего барокко с довольно уникальным внешним видом благодаря двойным колоннам, заполненным рельефом.
  • Peterskirche: еще один поздний образец с необычным интерьером с множеством классических элементов барокко, включая световые эффекты и картины иллюзионистов.

Архитектура рококо и барокко в Турции

Искусство рококо, олицетворяющее великолепие, богатство и блеск, преобладало в Европе с 1700 года. Оно последовало за периодом барокко в искусстве, которое включало меньше света и больше религиозных изображений. Однако в архитектуре стили барокко и рококо тесно переплетаются. Стиль архитектуры рококо пришел в Турцию несколько иначе, чем в других европейских странах. Чтобы понять турецко-османскую интерпретацию этого стиля, давайте рассмотрим его историю и особенности.

Архитектура рококо и барокко в Турции: фонтан Дёнерташ, 1814 г., Измир, Турция. Слева схематический план фонтана, справа — недавнее фото. Twitter.

Стиль искусства рококо возник как олицетворение новой эпохи Просвещения. Предыдущий стиль барокко использовал контрасты света и текстуры, стремясь укрепить католическую идентичность. И наоборот, рококо содержало больше источников света, более мягкие цвета, а его источник был более светским. Мотивы цветов, гальки и ракушек характеризовали искусство рококо.Хотя рококо пришло после барокко в Западной Европе, его появление в Турции (тогда Османской империи) было обратным.

Архитектура рококо и барокко в Турции: Мечеть Ортакёй, 1856 г., Стамбул, Турция. Полный вид слева, детали справа. Twitter.

Возникший во время правления французского короля Людовика XV, искусство рококо было охвачено во Франции с начала 18 века. Считается, что он был завезен в Османскую империю в первой четверти 18 века.Это знакомство произошло, когда король Людовик XV послал османскому султану Ахмету III несколько подарков (вероятно, картины и небольшие скульптуры) в стиле рококо. Очень впечатленный его величием, султан отправил посла в Париж. Посол наблюдал и узнал об этом французском стиле искусства и вернулся с несколькими картинами, представляющими рококо.

Архитектура рококо и барокко в Турции: интерьеры дворца Йылдыз, 1880 г., Стамбул, Турция слева, дворец Долмабахче, 1843 г., Стамбул, Турция справа.Twitter.

Продолжалось взаимодействие правителей и послов Франции и Османской империи. Затем османы изучали барокко, а затем применяли его в основном в своей архитектуре. Многочисленные здания были спроектированы в архитектурном стиле, который сегодня известен как османское барокко. Таким образом, барокко пришло в Османскую империю позже, чем рококо, и эти два стиля часто переплетались. В Османской империи было обычным явлением видеть здания с тяжелым экстерьером в стиле барокко и светлым пастельным интерьером с мотивами цветов и морских раковин.

Архитектура рококо и барокко в Турции: мечеть Азизие, 1874 г., Конья, Турция. Внешний вид слева, интерьер справа.

Архитектура рококо и барокко преобладала в Османской империи до второй половины 19 века. Среди известных архитекторов этого стиля были Мехмет Тахир Ага, Мустафа Ага, Нигогос Балян, Гарабет Амира Балян и Симон Калфа.


Подробнее о рококо и османском искусстве:

Если вы найдете радость и вдохновение в наших историях, ПОЖАЛУЙСТА, ПОДДЕРЖИТЕ журнал
DailyArt, сделав скромное пожертвование.Мы любим историю искусства, и
мы хотим продолжать писать об этом.

Разница между церквями в стиле барокко, романтизма и готики

Церковные здания часто являются одними из самых красивых примеров различных архитектурных сооружений. Три наиболее распространенных типа церковных стилей — это барокко, романтика и готика. Несмотря на разнообразие стилей дизайна, бывает сложно отличить архитектурные стили друг от друга. Это понятно, учитывая пересечение стилей, а также склонность многих архитекторов создавать здания в соответствии со стилями, которые были распространены в прошлом.

1 Архитектура барокко

Возникшая в конце 16 века, архитектура барокко была распространена в Италии и распространилась на Германию и колониальную Южную Америку, где она использовалась до 18 века. Барокко возникло в эпоху Контрреформации. Это была попытка католической церкви удержать своих последователей от обращения в протестантизм. Создавая церкви с чувственной привлекательностью, Церковь надеялась привлечь эмоции прихожан. Архитектура часто основывалась на использовании овалов и кругов, которые, как считалось, усиливали эмоции и чувственность.Известные примеры включают базилику Святого Петра в Риме и Stift Melk в Австрии. Церкви в стиле барокко считались более грандиозными и драматичными, чем другие церкви, поскольку они пропускали больше света и включали позолоченные статуи. Кроме того, потолки церквей часто расписывались сложной мозаикой и фресками. По мере развития стиля барокко он стал известен как рококо, который характеризуется приглушенным использованием цвета, но включает в себя множество замысловатых овалов и широких окон, пропускающих свет.

2 Романтизм и неоклассическая архитектура

Термины «романтический» и «неоклассический» часто используются как синонимы для обозначения доминирующего архитектурного стиля примерно с 1750 по 1900 годы.По мере того, как тщательно продуманные дизайны в стиле барокко и рококо вышли из моды или стали слишком дорогими для воспроизведения, возродилась любовь к классическому дизайну. Простота и сдержанность классического дизайна снова стали цениться, и архитекторов стали называть «романтиками» за то, что они стремились воспроизвести стили, популярные в древнеримских и греческих зданиях, таких как Акрополь и Помпеи. Романтические церкви, построенные в 18-19 веках, отличаются сильными стенами, четкими линиями и отдельными «индивидуальностями» для каждой части здания.Хорошо известные примеры включают Кафедральный собор Вильнюса в Литве и, хотя и не церковь, Капитолий Соединенных Штатов.

3 Готический стиль

Готическая архитектура предшествует стилям барокко и романтизма. Это стиль, знакомый многим по фильмам, таким как «Горбун из Нотр-Дама», которые изображают архитектуру от среднего до позднего средневековья. Кроме того, готический стиль является формой дизайна многих величайших церквей и соборов Европы.Многие замки, университеты и дворцы также выполнены в готическом стиле. Этот термин обычно используется для обозначения зданий с остроконечными арками, ребристыми крышами, большими окнами и декоративными фасадами.

About Author


alexxlab

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *