Стиль ліберті – Сальсомаджоре — город в стиле либерти, отзыв от туриста chvm2006 на Туристер.Ру

либерти – самый сложный и красивый стиль в интерьере

Либерти (известный в России, как модерн) – это стиль в архитектуре и изобразительном искусстве, который возник в США и в Европе в конце XIX века. Он отличается изяществом, проработкой деталей и предполагает не просто отдельный предмет искусства, а целый образ жизни. Ни одно здание в этом стиле не повторяет другое, так как каждая постройка – это особая концепция ее автора. Кроме того, этот стиль отличается приверженностью к синтезу искусств, поэтому каждая деталь в здании модерна продумана и утверждена автором. Источник вдохновения для либерти – это природные формы, с их неповторимой историей рождения, развития и угасания. Художник по интерьерам Марина Путиловская и известная итальянская фабрика Medea представляют новую уникальную коллекцию мебели New Liberty на миланской выставке ISaloni 2017. В чем состоит уникальность, красота, изящество и сложность коллекции рассказывает создатель этой коллекции New Liberty сама Марина Путиловская. Она как никто другой знает, как создавать авторские интерьеры, которые могут удивлять и оставлять незабываемое впечатление от красоты на долгие годы.

Стиль либерти для каждого из нас особенно близок, он в самом нашем русском духе: начиная от природы и цветов, характерных для него, и заканчивая самим его названием («свободный»). Русским не так близок, например, модный скандинавский стиль: в нем холодно, скучновато, и как бы нам его ни навязывали, русским он не понравится, наша женщина все равно его обустроит по-своему. А если русской женщине дать выбор, а не морочить голову модными тенденциями, то она выберет либерти или, как я бы назвала это направление сегодня – фьюжн или романтический стиль: стиль рождающийся в нашей душе. Русская душа – нежная, поющая, свободная и близкая к природе. Мы, как никакая другая нация, близки к природе: я не знаю никого, кто так любил бы растительные мотивы в декоре.

 

Лучшие примеры Либерти стали уже классикой архитектуры. Взгляните на работы бельгийского архитектора Виктора Орта – это же песня переходов цвета и изогнутых линий. Взгляните на Гауди и его шедевр Саграда Фамилия- песня свету и природе, посмотрите работы Федора Шехтеля, одного из лучших русских архитекторов. Эти постройки – это смесь утонченности, стильности, элегантности декора, особенно в фасадах и отделках!

 

Но можно ли сегодня достичь такого уровня и работать в этом стиле? Это безумно сложно, но мне посчастливилось и выполнять проекты в этом стиле и создать целую коллекцию мебели с известнейшей итальянской фабрикой Medea, которая является одним из флагманов либерти и представить ее в этом году на миланской выставкеIsaloni с 4 по 9 апреля.

 

Поэтому говоря о сегодняшнем дне, мне хотелось бы обратиться к нашему опыту. Около двадцати лет назад мы сделали один интересный объект. По счастливой случайности Заказчик дал нам карт- бланш, и родился совершенно свободный, непохожий на предыдущие, образ дома. Это было мое состояние души, полёта, свободного взгляда на пространство и детали. Исполнение было сложнейшим, причем не только для тех лет, начала наших легендарных золотых строек, но и вообще, даже на сегодня. И когда его опубликовал журнал «Архидом», да ещё и на обложке, меня стали называть «русским Гауди». Мы получили очень много отзывов, звонков – «Мы думали, что есть либо классика, либо авангард, и мы не знаем как назвать то, что ты опубликовала, но мы хотим так жить».

 

После этого мы построили несколько объектов в этом стиле. Позже у нас в интерьерах появилось много декора, мы начали работать технологиями дорогих интерьеров – с лепнинами, с красивыми паркетами, с дверями, с мраморными панно – стало больше деталей в наших работах. Но все время, когда меня спрашивают, в каком стиле я работаю, я отвечаю- в Либерти, не как принадлежности к какому либо точному стилю, но как признак свободы в душе и творчестве.

 

Классический интерьер – вообще вещь сложная. Он не умещается в понятие между колоннами и позолотой. Кажется, наполни дом лепниной, паркетами, мебелью с резьбой – и все, дело сделано! У меня есть мастер-класс, и в конце меня часто спрашивают: чем отличается Дом Мечты от просто хорошего дома? В хорошем доме вам все нравится, все отлично, но выйдя из него, вы не вспомните отдельных деталей – это просто хороший интерьер. В Доме Мечты вы будете долго вспоминать отдельные моменты интерьера, грамотно представленные Вам: «Помнишь, какой там пол!!!». И вы через десять лет будете помнить какой там был пол...

 

Меня спрашивают, почему мы так долго работаем над интерьером? Потому что наш интерьер, как дорогая шкатулка, проработан в одной концепции, связан единым декором, цветом, деталями – это и есть то, что называется «классический интерьер», в разных его стилях и направлениях – уникальность образа, многослойность концепции. Чтобы создать образ «золотого» интерьера, не нужно покрывать его золотом. Я лично контролирую все, что связано с нашим Объектом, даже то, как снимает и корректирует фотограф. И вся эта работа происходит ради того, чтобы человек, увидев одну картинку, через десять лет сказал мне: я и сейчас помню тот ваш дом, помню, какая там была спальня...

 

Стиль либерти – один из самых сложных стилей, подтверждением тому служат как плохие, так и хорошие образцы этого направления. Ведь даже сегодня, чтобы сделать интерьер в стиле либерти, надо начинать все сначала. Сейчас все привыкли работать на готовых образцах: например, открыть каталог из Петергофа – и взять оттуда лепнину, открыть каталог паркета – и купить его. А в стиле либерти это не проходит. Там нужны тонкие подходы и идеология, нужно чувствовать линию, разрабатывать историю под проект. Классический Стиль Либерти или Ар-нуво, как его ещё называют– самый сложный в исполнении из всех традиционных стилей.

 

Когда мы первый раз сделали объект в классическом стиле Либерти, нам пришлось перевернуть огромное количество каталогов мировых производителей в поисках необходимого – и все зря! Самое трагичное сегодня – это утерянные технологии. Ведь простой паркет, который сегодня делают, не подходит для стиля либерти. Паркет в интерьере либерти – это когда уникальные цветы украшают пол. Нельзя взять и готовую лепнину, назвав либерти: надо делать ее специально. В результате мы сами отрисовать каждый элемент, каждую деталь интерьера, нашли производителей, готовых это исполнять.

 

Позже мне никто не поверил, что лепнину мы изготовили сами, при том, что мы ее сами даже лепили в лепной мастерской, была разработана специальная технология установки. Например, установка огромных купольных плафонов в комнатах площадью 40-50 кв.м.И когда профессионалы приходили и смотрели на наши интерьеры, они говорили: ты просто вывезла все это из реставрационных образцов из особняков Шехтеля. Я отвечала: «Ну каким же образом это можно сделать? Даже просто нарисовать заново невозможно. Можно только заново придумать. Потом Произвести и поставить».

Это уникальная работа, даже двери в стиле либерти: арка – не просто арка, а проем, состоящий из трех сложных дуг. Все, чего ни коснешься – все нужно рисовать заново.. И потом собрать все воедино – концептуально, по цвету, по стилистике, по переходу одной линии в другую – все это требует сложнейшей подготовки и большой проработки каждой детали.

 

Причем когда ты проектируешь ту или иную вещь, то сначала ты не знаешь, будет это красиво или ужасно. Может быть красиво на рисунке, а на потолке плохо, так что, грань между китчем и либерти очень тонкая. Поэтому в нем так легко уйти в китч, например, изогнутые линии превратить в очертания змей... И технологически он тоже очень сложный. И работать в стиле либерти сложно и он требует большого профессионализма и глубокого погружения в тему, уважения к каждой детали.

 

И я рада, что вместе с фабрикой Medea мы создали уникальную современную коллекцию мебели в стиле либерти, которая будет доступна покупателям, независимо от того, в каком направлении решены их интерьеры – Ведь мы стремились создать вещи в узнаваемой стилистике Либерти, но актуальные сегодня, современные для любого интерьера, созданные как прекрасные детали и украшения ,но в реальной ценовой категории, понятные каждому человеку, созданные с традиционным итальянским качеством резьбы и отделки дерева, но с использованием самых современных технологий и материалов, для тех, кто по-настоящему ценит качество и любит красоту.

Посмотреть новую лимитированную коллекцию New Liberty созданную художником по интерьерам Мариной Путиловской совместно с фирмой MEDEA можно будет с 4 по 9 Апреля на миланской выставке ISaloni в Павильоне 2 на Стенде Е30.


стиль Либерти в итальянском дизайне

3 февраля 2016 г.

В начале XX века в Италии декоративное искусство, несущее в себе неудержимое желание прогресса недавно объединившегося государства,  переживает свой расцвет. Мастера – краснодеревщики, керамисты, стеклодувы, унаследовавшие древние традиции, зачастую работают вместе с художниками, воплощая в жизнь новые идеи настоящего «итальянского стиля».

Художественное течение рубежа XIX–XX веков, по-разному называвшееся в европейских странах: ар нуво во Франции, Сецессион в Австрии, каталонский модерн в Испании, в Италии получает имя «стиль Либерти».

Цель «стиля Либерти» – улучшить при помощи декора предметы интерьера промышленного серийного производства. Художники искали вдохновение в элегантных линиях самой природы: цветочные мотивы, нежные текстуры и изогнутые линии стали отличительными чертами этого стиля, который распространился по всей стране после Международной выставки декоративного искусства 1902 года в Турине и до начала Первой мировой войны главенствовал в итальянском дизайне.

Один из главных и, пожалуй, самый известный представитель либерти в Италии – Карло Бугатти, отец инженера-конструктора автомобилей Этторе Бугатти.

Родившийся в Милане в 1856 году и закончивший Академию изящных искусств в Париже дизайнер становится знаменитым после Выставки в Турине, когда на комплименты итальянской королевы по поводу его мебели в «мавританском стиле», отвечает: «Вы ошибаетесь, Ваше величество, это мой стиль».

Комната, очертания которой повторяют форму спиралеобразной раковины улитки, становится результатом творческих поисков Бугатти. Четыре стула и стол в центре комнаты представляют собой настоящие скульптурные модели, в которых четкость конструкции гармонично сочетается с изящностью декора.  По словам критиков, Бугатти становится «первым итальянским дизайнером, не просто мечтающим, но проектирующим настоящую современную мебель».

Еще один герой итальянского либерти – Галилео Кини – архитектор, реставратор и керамист. Вдохновляясь открытиями стеклодувов компании «Тиффани» в области цветного стекла, Кини создает свои первые керамические вазы с подобными эффектами, а затем начинает использовать майолику как ключевой элемент декора интерьеров и экстерьеров, например в кафе «Маргарита» в Виареджио.

В 20-е годы в итальянском дизайне превалируют две тенденции: одна из них тесно связана с миланским неоклассицизмом, вторая основывается на достижениях либерти и венского сецессиона. В русле второго течения создает свои первые керамики Джо Понти.

В 1922 году молодой архитектор начинает сотрудничать со знаменитой фабрикой «Richard-Ginori». Интерес к промышленному дизайну и внимание к итальянским традициям мануфактурного производства, способность «поймать» направление вкусов современников и необычайный талант сделали Понти идеальным директором для «Richard-Ginori».  Дизайнер был способен одновременно реализовать несколько идей, работать днем и ночью, постоянно создавая эскизы.

 Понти пристально следит за всем процессом производства, создает новые цвета (например, голубой Понти), упаковки и этикетки, придумывает товарный знак продукции, а также обсуждает цену продуктов и рекламную кампанию. Кроме серийной продукции появляются уникальные объекты дизайна от Джо Понти, например «Рука колдуньи», ваза «Мои женщины» или бонбоньерка «Подарок снобам», иронизирующая  над элитарной культурой.

Деятельность Джо Понти, зарождение рационализма в области декоративного искусства отмечают поворот к серийному производству и дизайну в его современном понимании, дизайну, который принято называть «Made in Italy».

Модерн- стиль Либерти | Журнал Ярмарки Мастеров

Приветствую Всех,кто посетил мой блог.

Решила написать,что повлияло на меня так назвать магазин. На ярмарке как мастер я новичок, как посетитель уже давно.

Очень не хотелось вливаться в бесконечные ряды Имен и Фамилий. Хотелось иметь Название легко запоминающее и имеющее какое-то отношение к моему творчеству или к тому ,что мне близко по духу и чем я восхищаюсь.

Оказалось ,это не так легко. В голову лезко всякое " высокопарное" или "банальщина". Думаю , многие с этим столкнулись.

Назвала пока свой магазин первым, редко встречающим, словом, с тем расчетом, что хорошая мысля приходит опосля. И МЫСЛЯ пришла !

ЛИБЕРТИ ! Я обожаю МОДЕРН !!!

Хотя мои работы в лоскутной технике относяться к фольклору, а декупаж,который я весь раздарила и пока не выставила что-то новое, к винтажу и Шебби Шик.

МОДЕРН --- слово-то какое !

А этот стиль в искусстве , в архитектуре, появился из за декаданса европейской культуры , усталости конца века , как полное отрицание СТАРОГО. А старое было ИСТОРИЗМОМ.

Бесконечное повторение того,что придумано уже давно : Ренессан, Барокко, Рококо, Ампир .

И тут появился загадочный МОДЕРН. Легкий, плавный, и понятный. Он нес в себе обещание легкости бытия. Изменил отношение людей не только к архитектуре , декору и прикладному искусству, но и проник в литературу, в моду, в театр и музыку. Он вошел в эпоху как бабочка, век которой недолог. Модерн просуществовал с 1880-х годов по 1914 год, т.е. до первой мировой войны.

Ритм жизни учащался , производство нарастало, наука развивалась. Люди стали жить " быстрее" . И тяжелый 19 век, с его неторопливым образом жизни, уходил в прошлое.

Эстетика модерна носила в себе идеи символизма и эстетизма ,соотвествовала философии жизни Ницше.

Понадобились вещи,которые частично или полностью можно было сделать в массовом производстве, появились первые сборные конструкции и инструкции к ним , гнутая на пару легкая мебель( мебельные фабрики Тонет , Якоба и Жозефа Конъ),новая по формам архитектура ( Антонио Гауди с его собором Саграда Фамилия )

Хотелось больше света и форм ,которые устремлялись бы ввысь к быстро развивающему веку. Появились цветные ВИТРАЖИ, развивалась утонченная КОВКА металла, в РЕЗЬБЕ резчиков по дереву появились плавные линии и цветочные мотивы. Все это отличительные черты Модерна, полный отказ от прямых углов в пользу естественных природныйх линий и интерес к новым технологиям.

Но в каждой стране,он развивался по своему, и поэтому у Модерна много названий.

Франция - Ар-Нуво

Испания - Модернизм

Германия - Югендстиль

Австрия - Сецессион

Англия - Современый стиль

Сша - Тиффани

Италия - Либерти ( в переводе с итальянского- цветочный)

В Италию модерн пришел позже всего .

В следущем блоге я расскажу об истоках воникновения Модерна.

Милан и либерти - Блог Об Италии с Любовью — LiveJournal

Милан – уникальный город. Здесь есть место каждой эпохе: вы найдете памятники Римской империи, постройки загадочного Средневековья, а также дворцы времен барокко и классицизма.
Итальянское Возрождение представлено величественными произведениями, хранящимися в церквях и музеях, а минималистичное Новеченто привносит строгость и современность. Но один из самых миланских стилей – это легкий и утонченный либерти, аналог модерна, популярный на рубеже XIX - XX веков в Европе и России.

A-Milano-puoi_Casa-Campanini-1024x768.jpg

Достопримечательности Милана богаты изысканными палаццо с характерными деталями, необычными окнами и панно. Дело в том, что в конце XIX века северную столицу Италии наводнила буржуазия, которая жаждала чего-то нового. Архитектура прошлого их не устраивала: хотелось порвать со старыми традициями и привнести нечто помпезное и оригинальное в свои дома. Модерн, в Италии называемый либерти, пришелся новому поколению по вкусу и быстро стал любимым стилем. К тому же, итальянская культура задействовала новые материалы: чугун, бетон, стекло, а традиционная мозаика и скульптура в мгновение ока обрели второе дыхание. Так где же Милан прячет всю эту красоту?

Palazzo-Castiglioni-Corso-Venezia-Pictures-1-3.jpg

Начните с района Порта-Венеция, где сосредоточено сразу несколько известных построек. Например, палаццо Кастильони (Corso Venezia, 47/49), в народе называемое не очень прилично – «Дом задниц» («Ca’ de ciapp»). Прозвище приклеилось к зданию из-за обнаженных фигур на фасаде, так поразивших миланцев своей смелостью. В итоге, ворота были переставлены на боковой вход виллы Факканони, выходящей на улицу Via Buonarotti, 48. Так всем стало спокойнее.

берри-мерегалли1.jpg

Продолжая путь дальше, вы встретите Каза Берри-Мерегалли (via Cappuccini, 8) – оригинальный дом, где мирно соседствуют ангелы, горгульи, представители флоры и фауны. Плавные линии, мозаики и росписи дополняются пластичной ковкой, автором которой стал знаменитый на весь Милан Алессандро Мадзукотелли. Впрочем, с его творчеством вы еще не раз столкнетесь, любуясь архитектурой в стиле модерн.

DSCN5414.JPG

Еще одно эпохальное здание поджидает на via Malpighi, 3 – это дом Галимберти. Он украшен разноцветной майоликой с женскими и мужскими фигурами, разбавленными растительностью и орнаментами. Изображения занимают практически весь фасад, что даже для Милана и его любви к либерти случается не часто.

she53ex.128399_tb-4.jpg

В двух шагах от легендарного дома есть еще одна достопримечательность – отель «Sheraton Diana Majestic» (via Piave, 42). Это бывший курзал, который поражал своей нарядностью и красотой. Здесь же располагался первый в Италии общественный бассейн, известный как «Bagno di Diana» и любимый всем городом. Не смотря на переделки и изменение статуса, здание остается жемчужиной архитектуры новой эпохи. К тому же в отеле можно выпить чашечку кофе и полюбоваться его интерьерами.

99291484.jpg

Но не только дворцы украшались изящным либерти. На via Frisi, 2 есть небольшой кинотеатр «Dumont» с запоминающимся фасадом. К тому же, вокруг раскинулись улицы, где здания, построенные на рубеже XIX – XX веков одно краше другого. Здесь же имеется район, дополняющий достопримечательности Милана – это via Pisacane – практически музей либерти под открытым небом. По ней можно долго гулять, удивляясь разнообразию идей и смелости авторов, ведь ни одна деталь на этой улице ни разу не повторяется!

DSCN6044.JPG

Не меньшее количество нарядных особняков ждут и рядом с Санта-Мария-делле-Грацие – церковью, прославившейся на весь мир благодаря «Тайной Вечере» Леонардо да Винчи. На тихих улицах, где практически нет туристов (via Saffi, via Fratelli Ruffini, via Zenale, via Gioberti), один за другим вырастают эффектные здания с балконами, ставнями, скульптурами и причудливыми деталями. А на piazzale Baracca притаилась старинная аптека Santa Teresa, которая существует на протяжении долгих лет и удивляет интерьером с текучими линиями, мягкими формами и незабываемыми орнаментами.

bar-magenta-home-view-milano.jpg

И в завершении, отправляйтесь в бар Magenta – идеально подходящий для прогулки в стиле либерти (via Carducci, 13). И внешний облик, и внутренний декор напоминают о воздушном стиле, пленившем весь город и изменившем его облик. Хотя, это далеко не все достопримечательности Милана, которые вам стоит увидеть. Ведь северная столица таит в себе еще так много интересных сюрпризов для любителей искусства, истории и культуры.
Фото - часть мои, часть из гугла.

Ар Нуво (Модерн,"Югендстиль","Либерти»,"Сецессион»)

Хрустальный дворец

Хрустальный дворец (англ. Crystal Palace Кристал Пэлас) в лондонском Гайд-парке был построен в 1850—1851 из железа и стекла к Всемирной выставке 1851 года. Выставочный зал площадью свыше 90 000 кв.м., протяжённостью 564 м и высотой до 33 м[1], выстроенный под руководством Джозефа Пакстона, вмещал до 14 000 посетителей. По завершении выставки Дворец был разобран и перенесён на новое место, в лондонское предместье Сиднем-Хилл. 30 ноября 1936 Хрустальный Дворец был уничтожен пожаром и не восстанавливался.

Вдохновитель и организатор постройки, Джозеф Пакстон, возведённый за свои заслуги в рыцарство, был не профессиональным строителем, а садовником из Четсворта, имевшим практический опыт постройки крупных оранжерей. Инженерную часть проекта возглавил профессионал Уильям Кабитт, собственно проектирование — Чарльз Фокс. Наблюдательный совет выставки возглавлял Изамбар Брюнель. Идея Пакстона использовать модульные конструкции из железных и деревянных элементов позволила выстроить Дворец в срок менее одного года. Название «Хрустальный дворец» придумали не организаторы, а журналисты из «Панча», которые вначале критиковали, а затем поддержали проект.

Среди прочих инноваций здания были и первые платные туалеты для публики, ценой в один пенни. Всего за шесть месяцев работы выставки через них прошло 827.280 посетителей. Выставка в целом оказалась коммерческим успехом, принеся прибыль в 160 000 фунтов при стоимости постройки в 150 000. Впоследствии одноимённые хрустальные дворцы возводились для выставок в Нью-Йорке (1853), Мюнхене (1854), Порту (1865). Повсеместно строились гигантские стеклянные дебаркадеры железнодорожных вокзалов, несмотря на сложности в их эксплуатации[2].

После закрытия выставки в октябре 1851 года организаторы были обязаны привести Гайд-парк в первоначальное состояние. Общество, в целом восхищённое дворцом и выставкой, не имело единого мнения по поводу судьбы дворца[3]. Пакстон, защищая своё детище, предложил устроить в нём постоянный зимний сад и добился от парламента разрешения оставить дворец на месте до мая 1852 года; в апреле 1852 года консерваторы провели противоположное решение, приговорив дворец к разборке до основания. Конструкции дворца, как металлолом, были проданы «на корню» металлургическим заводам Fox & Henderson.

Предвидя такой исход, Пакстон основал «Компанию Хрустального Дворца» (The Crystal Palace Company), и сумел привлечь в неё полмиллиона фунтов частных капиталов[4]. Для переноса дворца компания приобрела 389 акров (157 га) земли в Сиднем-Хилле. Из них 17 акров были перепроданы железнодорожной компании, построившей ветку пассажирского сообщения, огибавшую участок, и железнодорожную станцию Crystal Palace, действующую по сей день — по плану Пакстона станция должна была быть соединена с дворцом крытой остеклённой аркадой. Ещё 120 акров были проданы под жилое строительство, после чего новый парк приобрёл свои современные размеры — около 200 акров (81 га).

Компания потратила 70 000 фунтов на выкуп конструкций дворца у Fox & Henderson и приступила к постройке 5 августа 1852 года. Новое здание было расширено с трёх этажей до пяти, что удвоило его площадь. Залы нового дворца были выполнены в античных и средневековых стилях и украшены копиями статуй и витражей соответствующих эпох. На работах было занято свыше 7 000 рабочих; 12 из них погибли при обрушении кровли в августе 1853 года.

Парк, спроектированный Эдвардом Миллнером, включал двойной каскад прудов и «естественное» озеро с островами — всего 15 водоёмов. В фонтанах было задействовано до 12 000 струй высотой до 76 м, расходовавших до 7 миллионов галлонов воды на каждое представление[5]. Напор обеспечивали две водонапорные башни по проекту Брюнеля (первые башни по проекту Пакстона рухнули под тяжестью воды до открытия парка). Эксплуатация фонтанов оказалась чрезмерно дорогой, они были вскоре заброшены — в 1894 году два пруда были засыпаны, на месте третьего в 1895 году выстроен футбольный стадион. Восстановление дворца и парка обошлось в 1 300 000 фунтов — на 800 000 дороже сметы.

Новый дворец открылся 10 июня 1854 года. Открытие было задержано на месяц требованиями консерваторов «устранить» половые органы с копий античных статуй; фиговые листья не устроили критиков, и статуи пришлось задрапировать[5]. В первые 30 лет (1854—1884) первый в Лондоне тематический парк привлекал до 2 миллионов зрителей в год, здесь устраивались регулярные спортивные состязания, любительские и коммерческие выставки. В концертном зале вместимостью 4 000 человек с 1857 года проводились ежегодныеГенделевские фестивали; в парке, впервые в истории, были выставлены фигуры динозавров в натуральный рост. Цены на билеты, в зависимости от спроса на отдельные мероприятия, варьировали от 5 пенсов до 1 гинеи. Число посетителей, вероятно, было бы больше, если б не официальный запрет на устройство массовых гуляний по субботам — организаторы дворца еле сводили концы с концами, и долг в 800 000 фунтов висел на компании Хрустального Дворца вплоть до его гибели[5].

30 декабря 1866 года[6] во дворце произошёл первый серьёзный пожар — по иронии судьбы, за два дня до публичной лекции о противопожарной дисциплине. Были уничтожены исторические залы и оранжереи северного трансепта, погибли питомцы зверинца. Из-за финансовых сложностей трансепт не был восстановлен — на его месте появилась сплошная стеклянная стена, а в 1872 году утрату зверинца компенсировали устройством 120-метрового[6] морского аквариума.

В начале XX века интерес публики к старому парку угас. Последним успешным событием стали торжества в честь коронации Георга V в июне 1911 года. Это не спасло компанию от банкротства, и суд постановил продать парк и дворец с молотка. За три недели до аукциона, 9 ноября 1911 года, мэр Кардиффа, лорд Плимутский, выкупил всё имущество компании за 230 000 фунтов. Лорд-мэр Лондона организовал публичную кампанию за национализацию парка, организовал публичную подписку и в 1913 году выкупил парк в государственную собственность[6].

Во время Первой мировой войны в здании размещались учебные части и склады британского флота. Всего через школу Хрустального Дворца прошло до 125 000 военнослужащих[7]. После войны в дряхлеющем здании дворца разместилась радиотехническая фирма Джона Бэрда — пионера механического телевидения, а на территории парка разместили мачты радиопередатчиков. Отсюда в 1927 году Бэрд провёл трансляцию телевизионного сигнала из Лондона в Глазго.

Хрустальный дворец в огне

Около 19.00 30 ноября 1936 года в центральном трансепте возник очаг огня. Двое служителей пытались самостоятельно сбить пламя, первый телефонный вызов в пожарную часть был зарегистрирован лишь в 19.59, первые расчёты появились на месте уже через 4 минуты, но было поздно[7]. Несмотря на усилия 88 пожарных расчётов (438 человек), к утру здание полностью выгорело. Причина пожара не была точно установлена; обгорелые конструкции здания разобрали на металлолом.

Во время Второй мировой войны территория парка была поделена фирмой Бэрда — закрытым оборонным объектом, и военно-хозяйственными учреждениями. Брюнелевские водонапорные башни были снесены в 1940 и 1941. Одно из последних зданий времён Пакстона, Школа Искусств, сгорела 24 октября 1950 года. Все последующие проекты восстановления дворца или новых масштабных построек не были реализованы, подтверждая слова последнего управляющего, Генри Бакленда: «Другого не будет никогда» (англ. There will never be another)[8]. В 1990 году в парке был открыт частный музей Хрустального Дворца.

"Ар Нуво" обозначают элегантный, многожанровый стиль, процветающий с начала 1880-х годов вплоть до первой мировой войны. Его рождение ознаменовало наступление века великих перемен в искусстве, когда в жизни уже прочно утвердился век машин, и полным ходом шла промышленная революция. Мир стремительно развивался, однако в области искусства эти изменения происходили гораздо медленнее. Художники и дизайнеры выступали против засилья "историзма", когда многочисленные стилевые заимствования из культур самых разных исторических эпох смешивались в битком набитых "викторианских" гостиных. Появление влиятельного среднего класса привело к росту спроса на изящные вещи. машинный век был способен насытить этот спрос товарами массового производства; однако тиражирование красоты привело к неразборчивости и безвкусице. В поисках новых решений нещадно эксплуатировались все без исключения исторические периоды, наблюдались бесконечные возвраты к старым стилям: классическому, готическому, ренессансу, барокко или стилю Людовика ХV.  Новый стиль возник почти одновременно во многих европейских странах и получил разные названия. Чаще всего употреблялись термины "модерн" (современный) и "Ар Нуво" ( в переводе с французского "l'art nouveau" буквально "новое искусство"). Во Франции также использовались термины "метро", "стиль Гимара" - по имени архитектора Гектора Гимара, автора уникального дизайна входов в парижский метрополитен. В Бельгии новый стиль называли также "стилем Орта", по имени архитектора Виктора Орта, чьи зрелые работы представляют собой яркую иллюстрацию классического варианты Ар нуво. Использовались также термины "стиль 1900 года", "стиль линий", "стиль волн", "студио" и даже такие насмешливые названия как "вермишель", "угорь" и др. В Германии этот был "Югендстиль", в Италии - "цветочный стиль" или "Либерти", от одноименного названия лондонского универмага Артура Либерти. В Австрии использовался термин "сецессион", по названию группы Sezession, созданной в 1897 году в Вене. Стилистической особенностью Ар Нуво стал отказ от прямых линий и углов в пользу более естественного плавного движения изогнутых линий. Стилевая оригинальность Ар нуво базировалась на орнаментальной волнистости линий природных форм растительного и животного мира. Линии Ар нуво часто напоминают танцующие, волнистые арабески, проникнутые органической энергией и жизненной силой растений. Фирменным знаком линии Ар нуво стала знаменитая вышивка Германа Обриста "Удар бича" на портьере 1895 г. Первоначально работа называлась "Альпийские фиалки", но когда какой-то критик сравнил бешеные движения стебля растения с "яростными изгибами обрушивающегося бича", родился термин "удар бича", который вскоре стал фирменным росчерком стиля Ар нуво.  Ар Нуво был не только новым стилем - он был новым мировоззрением, синтезировавшим все виды искусства и ценившим ремесленника и архитектора также высоко, как художника и скульптора. Источник идей для художников ар нуво была природа. Наиболее распространенной темой стали бутон (символ появления новой жизни) и экзотические растения с длинными стеблями и бледными цветками. предпочтение отдавалось лилиям, кувшинка, ирисам и орхидеям. В большой моде были образы женщин с неимоверно длинными, струящимися волосами. Прекрасно поддавались стилизации яркие и грациозные насекомые и птицы - стрекозы и бабочки, павлины и ласточки. Природная декоративность Ар нуво способствовала его применению в разных жанрах. В период наивысшей популярностью он использовался для украшения практически каждого мыслимого предмета потребления ручной работы и массового тиража, также фасадов зданий и оформления интерьеров многих магазинов, ресторанов и частных особняков.  Яркими примерам дизайна в стиле ар нуво являются интерьерные работы бельгийцев Виктора Орта и Генри Ван де Вельде, интерьеры и мебель фантастических домов испанца Антонио Гауди, оформление интерьеров в особняках архитектора Ф.О.Шехтеля; решетки парижского метро и мебель Гектора Гимара, интерьеры, решетки и мебель в Мюнхене Августа Энделя, Берхарда Панкока; витражи работы Луис Комфорта Тиффани; изделия из стекла и мебель Эжена Галле, мебель французких дизайнеров-мебельщиков Луи Мажореля, Виктора Пруве,Эжена Валлена, Жака Грубера и др.  На ином принципе строили поиск мастера "школы Глазго", возглавляемой Макинтошем и представители "Венского Сецессиона". Они создавали более сдержанную разновидность ар нуво.  Стилевое своеобразие, которое школа Глазго принесла в Ар нуво, характеризовалось чистой геометрией форм в сочетании с криволинейностью поверхностных декоративных элементов. Здания, интерьеры и мебель, созданные по проектам Чарльза Рени Макинтоша, во многом предвосхитили прямоугольную функциональность модернизма 20-х годов. Чистая геометричность стиля Глазго оказала решающее значение на развитие Ар нуво в Австрии и Германии. Вариант Ар нуво Венского Сецессиона, хотя все еще замешанный на декоративности стиля, уже был готов устремиться навстречу прощенным геометрическим линиям модернизма. Подобным образом Ар нуво в Германии, где он больше известен под названиме "югендстиль" (молодежный стиль), быстро сбрасывал с себя оковы 19 века и двигался к модернизму. Мастерами Венского Сецессиона были Отто Вагнер, Йозеф Мария Ольбрих, Йозеф Хофман. В Германии - это Петер Беренс, Отто Экман, Рихард Римершмид. Поздний модерн повсюду испытывал нарастающее давление рационалистических тенденций и возобновившегося тяготения к "непреходящим ценностям" упорядоченной формы. Книга Василия Кандинского "Касаясь духовности искусства" (1911) стала воистину программным документом раннего модернизма, призывавшего к разрыву с наследием прошлого, к разрыву с природой, к исключению из искусства всего натурального. Поздний модерн переходным этапом к новым стилевым направлениям начала 20 века - арт деко, функционализму, на основе которых, в свою очередь, выросла философия формообразования современного дизайна. 

Чарльз Ренни Макинтош

Чарльз Ренни Макинтош — шотландский архитектор, художник и дизайнер, родоначальник стиля модерн в Шотландии. Википедия

Родился:7 июня 1868 г., Глазго, Великобритания

Умер:10 декабря 1928 г., Лондон, Великобритания

Проекты:Школа искусств Глазго

Родился в Глазго, в 1877—1884 годах учится в колледже Alan Glen´s High Scool, а по окончании посещал вечерний курс в Школе искусств в Глазго. Затем учился у архитектора Джона Хатчинсона и с 1889 года работал художником-чертёжником в фирме «Джон Хонеман и Кеппи» в Глазго. В 1890 г. он получил специальную стипендию, которая позволила ему отправиться путешествовать по Франции и Италии для глубокого изучения архитектуры этих стран. В 1904 году становится совладельцем фирмы «Джон Хонеман и Кеппи». В 1900 году женился на Маргарет Макдональд, также выпускнице Школы искусств в Глазго, с которой он вместе работал. В 1893 г. Макинтош создал свой первый самостоятельный архитектурный проект — башню для здания «Глазго Геральд». Работы Макинтоша в целом принадлежат по своей стилистике к модерну. В среде английских художников встретил резкое осуждение работ, а в Европе быстро прославился. В своих архитектурных и дизайнерских проектах использовал метод «изнутри наружу» — и дом, и мебель, и внутренняя отделка проектировались как единая гармоничная система. Вещи Макинтоша всегда геометричны и функциональны, имеют стройные пропорции и не обременены излишним декором. Чарльз Ренни Макинтош стал новатором конструктивной линии модерна с характерной для неё прямолинейностью форм и их ясным построением. Его мастерство было основано на типично столярной геометрически прямолинейной конструкции с преобладанием вертикальных линий.

Макинтош разработал особый декоративный стиль, в котором геометрические элементы связываются качающимися, разлетающимися по сторонам линиями, который на рубеже XIX—XX столетий был типичен для европейского декоративного искусства. Его работы, представленные на Всемирной выставке в Турине и на выставке Венского сецессиона, принесли Макинтошу международное признание. Умение мастера связать свои идеи символизма с классическим архитектурным образованием вызывали такое восхищение современников, что художественные критики говорили о новом течении в искусстве — «макинтошизме».

Хилл-Школа искусств Глазго (англ. Glasgow School of Art) — высшее художественное училище в Глазго.

Школа искусств Глазго была основана в 1845 году и первоначально носила название Государственная школа дизайна Глазго (Glasgow Gowernment School of Design). Нынешнее здание школы было построено в 18971909 годах по проекту выдающегося шотландского архитектора и художника-модерниста Чарльза Ренни Макинтоша. В настоящее время в Школе искусств Глазго обучаются живописи, графике, фотографии, скульптуре, истории искусств, киноискусству приблизительно 1.600 студентов на 10 различных факультетах.

ДЕ СТЕЙЛ De Stijl

  • Голландская группа «Де Стейл» («Стиль»), как и одноименный ей журнал, была основана в 1917 в Лейдене Тео ван Дусбургом для защиты и распространения системы неопластицизма, созданной Питом Мондрианом.

  • Цель журнала, четко выраженная в манифесте в ноябре 1918, состояла в развитии нового эстетического сознания. Эстетика группы охватывала как изобразительное искусство, так и архитектуру. Исходя из основных принципов неопластицизма, она стремилась создать базу для искусства будущего, искусства не индивидуального. но универсального и тесно связанного с жизнью. В этом смысле, группа «Де Стейл» сыграла важную роль в развитии стиля XX в. в живописи, скульптуре, архитектуре, декоративном искусстве и типографики. Особенно велико было значение ван Дусбурга, исключительно энергичного, блестящего интерпрета- тора и пропагандиста идей Мондриана. Основные тексты Мондриана, печатавшиеся в журнале в 1917-1922, были написаны по-голландски, возможно поэтому, распространение эстетики неопластицизма и ее практическое применение были минимальны за пределами Голландии. Тем не менее, влияние группы особенно заметно в Германии, в кругу художников Баухауза, в частности, в творчестве архитектора Миса ван дер Роэ.

Группа "Стиль"("Де-Стейл")

Группа "Стиль" ("Де-Стейл") - это группа голландских художников и архитекторов во главе с Питом Мондрианом, образованная в 1917 году, активно участвовавшая в формировании нового архитектурного языка. Значительное влияние на ее творчество оказали абстрактные, кубические композиции авангардистского искусства. Группа увлекалась формальными элементами, плоскостями и геометрическими телами. Группа пропагандировала "неопластицизм", стиль созданный датским художником Питом Мондрианом, в котором он стремился установить универсальныепринципы дизайна, основанные на горизонтальных и вертикальных линиях и на трех основных цветах: черном, белом и сером.

Мондриан считал, что существуют парные типы человеческой натуры, например, активный - пассивный, мужской - женский. Для ее выражения он и использовал горизонтальные и вертикальные линии. Используемые им цвета с его точки зрения также символизировали основы жизни.

Группа оказала большое влияние на будущих идеологов функционализма. Группа называлась "Стиль" ("Де-Стейл") по одноименному журналу (1917-1928), основанному художником Питом Мондрианом (1872-1944), художником и архитектором Тео ван Дусбургом (1883-1931) и архитекторомПитером Аудом (1890-1963). Членом группы "Стиль" в 1918-1931 гг. был и датский архитектор Геррит Ритвельд (1888-1964). Простые вертикальные и горизонтальные линии и основные цвета его знаменитого проекта "Дом Шредера" (1924) в полной мере соответствует принципам группы "Стиль". Под влиянием группы "Стиль" архитектор Ф.Л. Райт создал в 1936 году свой знаменитый "Дом над водопадом" в Бэар-Ране (Пенсильвания), в которомпересечение прямоугольных объемов под прямым углом - один из приемов равновесия всей композиции.

Васи́лий Васи́льевич Канди́нский (4 (16) декабря 1866Москва — 13 декабря 1944Нёйи-сюр-СенФранция) — выдающийся русский живописец, график и теоретик изобразительного искусства, один из основоположников абстракционизма. Был одним из основателей группы «Синий всадник», преподавателем Баухауса.

Родился в Москве, получил основное музыкальное и художественное образование в Одессе, когда семья переехала туда в 1871 году. Родители предполагали для сына профессию юриста, Василий Васильевич блестяще окончил Юридический факультет Московского государственного университета. В 1896 знаменитый Дерптский университет в Тарту предлагает место профессора, но Кандинский отказывается. Так, по ряду причин в 30 лет он решил стать художником; это произошло под влиянием выставки импрессионистов в Москве в 1895 году и картины «Стога сена» Клода Моне. В 1896 году он переезжает в Мюнхен, где знакомится с немецкими экспрессионистами. После начала Первой мировой войны возвращается в Москву, но, не согласный с отношением к искусству в Советской России, в 1921 году вновь уезжает в Германию. После закрытия Баухауса нацистами переезжает с женой во Францию, в 1939 году получает французское гражданство.

Кандинский происходил из семьи нерчинских купцов, потомков каторжан. Его прабабушка была тунгусской княжной Гантимуровой, а отец был представителем древнего забайкальского (Кяхта) рода Кандинских, выводящих себя из фамилии князей мансийскогоКондинского княжества.

Василий Кандинский родился 16 декабря (4 декабря ст. ст.) 1866 г. в Москве, в семье коммерсанта Василия Сильвестровича Кандинского (1832—1926). В детские годы путешествовал с родителями по странам Европы и по России. В 1871 семья осела вОдессе, здесь будущий художник закончил гимназию, получает также художественное и музыкальное образование. В 1885-93 (с перерывом в 1889-91) учился на юридическом факультете Московского университета, где занимался на кафедре политической экономии и статистики под руководством профессора А. И. Чупрова, изучая экономику и право. В 1889 г. прервал учебу по состоянию здоровья, и с 28 мая (9 июня) по 3 (17 июля) совершил этнографическую экспедицию по северным уездам Вологодской губернии[1].

В 1893 г. В.Кандинский окончил юридический факультет. В (18951896) трудился художественным директором типографии «Товарищества И. Н. Кушнерёваи К°», на Пименовской улице, в Москве.

Карьеру художника Кандинский выбрал сравнительно поздно — в возрасте 30 лет. В 1896 г. он обосновался в Мюнхене и затем оставался в Германии до1914 г. В Мюнхене знакомится с русскими художниками: А. Г. ЯвленскимМ. В. ВерёвкинойВ. Г. БехтеевымД. Н. КардовскимМ. В. Добужинским,И. Я. БилибинымК. С. Петровым-ВодкинымИ. Э. Грабарем.

С 1897 г. обучался живописи в частной студии А. Ашбе.[2]

В 1900 г. поступил в Мюнхенскую академию художеств, где обучался у Франца фон Штука. С 1901 г. Кандинский создал художественное объединение «Фаланга», организовал при нём школу, в которой сам же и преподавал.

С 1900 г. Кандинский много путешествует, посетив Северную Африку, Италию, Францию; наездами бывает в Одессе и Москве. Участвовал в выставках Московского товарищества художников.

«Амазонка». 1911.Азербайджанский музей искусствБаку

В 1910 и 1912 г. также участвовал в выставках художественного объединения «Бубновый валет». В эти годы он вырабатывает новаторскую концепцию «ритмического» использования цвета в живописи.

В 1909 г. Кандинский организовал «Новое мюнхенское художественное объединение», в 1911 — альманах и группу «Синий всадник», членами которой стали известные художники-экспрессионистыФранц МаркАлексей ЯвленскийМарианна Верёвкина а также Пауль Клее. Тогда же у него прошла первая персональная выставка.

В 1914 г. художник вернулся в Москву. В последующие годы работал над реалистическими и полуабстрактными полотнами, в основном пейзажами.

После революции 1917 г. Кандинский активно занимался общественной работой.

В 1918 г. он участвовал в организации охраны памятников, создании Музея живописной культуры и Российской академии художественных наук, преподавал во ВХУТЕМАСе и издал автобиографическую книгу «Ступени» (М., 1918).

В 1918—1919 г. он был членом художественной коллегии Отдела ИЗО Наркомпроса, в 1919—1921 г. — председателем Всероссийской закупочной комиссии, учёным консультантом и заведующим репродукционной мастерской, почётным профессором Московского университета. Кандинский также был избран вице-президентом РАХН. Продолжал он и писать — в этот период, в частности, созданы декоративные композиции на стекле «Амазонка» (1918) и «Амазонка в горах» (1919).

В декабре 1921 г. Кандинский выехал для организации отделения РАХН в Берлин. Участвовал в Первой выставке русского искусства в Германии. В Россию он уже не вернулся.

В Берлине Василий Кандинский начал преподавать живопись и стал видным теоретиком школы «Баухауз». Вскоре Кандинский получил всемирное признание как один из лидеров абстрактного искусства.

В 1928 г. художник принял немецкое гражданство, но когда в 1933 г. к власти пришли нацисты, эмигрировал во Францию.

С 1933 по 1944 г. он жил в Париже, активно участвуя в интернациональном художественном процессе.

В 1939 году Василий Кандинский принял французское гражданство. Умер 13 декабря 1944 года в парижском пригороде Нёйи-сюр-Сен. Похоронен на Новом кладбище Нёйи, расположенном в коммунах Пюто и Нантер под Парижем.

После начала мировой войны они расстались в связи с отъездом Кандинского в Россию, но в 1915 году снова провели вместе три месяца в Стокгольме. К этому времени Габриэла стала уже настоящей художницей, хотя её манера отличалась от стиля Кандинского. В годы нацизма его работы были отнесены к категории «дегенеративного искусства» и нигде не выставлялись. Однако некоторые из них были сохранены Габриэлой, жившей постоянно в Мурнау-ам-Штаффельзее в доме, в котором они проживали с Василием. Она там же и скончалась в 1962 году.

Ар-нуво Милана: самые интересные дома, дворцы и заведения в стиле либерти

Про Милан даже сами итальянцы говорят: «Это не самый лучший город в плане архитектуры! Да, у нас есть прекрасный Дуомо, но с тем же Римом или Флоренцией Милан соперничать не может». 

А надо ли? Хочу я вас спросить. Рим – это античность в дуэте с богатым барокко, Флоренция – Ренессанс, а вот Милан – идеальный город для любителей ар-нуво или стиля либерти, как его принято называть в Италии. В сегодняшнем обзоре – главные места, которые не в ком случае не стоит пропускать. 

1. ЗАМЕРЕТЬ В ГЛУБОКОМ ВОСХИЩЕНИИ: CASA GALIMBERTI
Адрес: via Malpighi, д 3

Пожалуй, самый любопытный объект в стиле миланского ар-нуво – Дом Галимберти или Casa Galimberti, что находится строго на углу улиц via Malpighi и via Sirtori. Идешь себе по широкому проспекту и вдруг видишь это чудо-чудесное: дом, фасад которого покрыт затейливой керамической мозаикой.

Вокруг кованных балконов верхних этажей – цветочные узоры, а вместо рамки близ закрытых ставнями окон – изображения пленительных дам, напоминающих героинь картин Альфонса Мухи.  

Керамические панели фасада дома были выполнены компанией Ing. A. Bertoni & C, что располагалась в Ломбардии. Известны и имена мастеров, принявших участие в создании декора архитектурного шедевра: Пио Пинцаути занимался цветами, а Фердинандо Брамбила создал женщин.

Если же говорить об авторах проекта дома Галимберти, то ими выступили архитектор Джованни Баттиста Босси и инженер Джоаккино Луиджи Меллуччи. И пара занимательных фактов о самом здании. Раньше на его месте находились конюшни. В них содержались лошади, которых запрягали в городские трамваи. Когда же в 1900 году город занялся электрификацией и перешел с лошадей на рельсы, конюшни оказались никому не нужны. Здания были заброшены, и на месте одного из них воздвигли Casa Galimberti – строительство дома длилось с 1903 по 1905 год. К слову, частично конюшни в этом районе Милана до сих остались. Вы можете найти их поблизости на via Sirtori.

2. ПРОГУЛЯТЬСЯ ПОД СВОДАМИ ГАЛЕРЕИ ВИТТОРИО ЭМАНУЭЛЕ II
Адрес: Piazza del Duomo

Знаменитую галерею Витторио Эмануэле II вы, конечно, в любом случае вряд ли пропустите, ведь она такой же символ Милана, как Дуомо, да и расположены оба объекта на расстоянии вытянутой руки. Тем не менее, мало кто из туристов, прогуливающихся под ее прозрачными сводами, задумывается о том, что современники архитектора галереи Джузеппе Менгони называли его проект подлинным Чудом Света. 

Дело, конечно, в стеклянном куполе, что пропускает дневной свет и наполняет им ряды. В 1867 году он воспринимался миланцами в точности также, как купол Брунеллески жителями Флоренции XV века – подлинное торжество инженерной мысли и высокого вкуса. И печальная ремарка: когда галерея была практически готова ее архитектор упал со строительных лесов и разбился насмерть, так что свое творение в законченном виде Джузеппе Менгони так и не увидел. 

Когда окажитесь внутри, обязательно отыщите на полу мозаичное изображение Туринского быка и три раза покрутитесь на месте, уперев свою пятку в его причинное место. Считается, что, если в процессе данного действа загадать желание – оно непременно исполнится.

Обычай пошел от актеров, в былые времена дающих представления в галереи. Самых талантливых из них забирали к себе в труппы миланские театры, а наиболее бездарных посетители забрасывали тухлыми овощами. Провалиться на глазах у публики никому не хотелось, вот актеры и придумали призывать удачу столь нетривиальным способом. 

Больше любопытных фактов в галереи Витторио Эмануэле II можно прочитать здесь. 

3. ВЫПИТЬ КОКТЕЙЛЬ В БАРЕ AL CAMPARINO
Адрес: Piazza del Duomo, 21

У самого входа в галерею Витторио Эмануэле II имеется исторический бар Al Camparino. Угадайте, какой напиток изобрел его первый владелец Давиде Гаспаре? Конечно, речь идет о Campari. Тогда ликер подавали в баре на манер Апероля – с содовой водой, впрочем, он и сегодня – безусловный хит меню. 

Бар Al Camparino открыли спустя 48 лет после возведения самой галереи, в 1915 году. Интерьеры здесь – аутентичные. Чистая красота ар-нуво: высокие потолки, свисающие кованые люстры с хрусталем, цветные фрески и эмаль.

В списке посетителей бара – немало легендарных личностей. Говорят, даже сам Верди сюда заглядывал, что логично – театр «Ла Скала» находится как раз в двух шагах. 

4. УВИДЕТЬ СКАНДАЛЬНЫЙ ДВОРЕЦ PALAZZO CASTIGLIONI
Адрес: Corso Venezia, 47

Когда в 1866 году предприниматель Эрменджильдо Кастильони получил от своего деда крупное наследство, он вознамерился возвести на улице Corso Venezia красивейший дворец. Такой, чтобы у всех шеи сворачивались, а челюсти отваливались. И дал заказ молодому архитектору Джузеппе Соммаруга, который тоже расстарался от души. Лично проверял все детали, даже узоры кованных решеток на окнах.

Но ни заказчик, ни автор проекта и предположить не могли, что их затея обернется жутким скандалом. Когда в 1903 году с фасада свежеотстроенного дворца сняли леса, взору изумленных прохожих предстало богато украшенное барельефами и решетками здание, на входе в который красовались две женские фигуры в игривых позах. По задумке Джузеппе статуи авторства скульптора Эрнесто Баццаро должны были олицетворят мир и промышленность, но миланцы идею, как говорится, не считали и не поняли. Они сразу же окрестили Palazzo Castiglioni — «Домом с задницами», и даже выпустили на эту тему пару злобных карикатур в газетах.

В результате, уставший от насмешек Эрменджильдо Кастильони приказал избавиться от женщин – вначале веселых дам убрали с фасада дворца и перенесли на склады компании Galimberti, которая строила здание, а позже статуи были установлены на вилле Факканони-Ромео, что находится в Милане по адресу via Buonarroti, 48. 

Внутренние интерьеры дворца с коваными перилами, фонарями и барельефами и сегодня выглядят впечатляюще, но они тоже основательно пострадали. Произошло это во время Второй мировой войны, но не в результате бомбежки. Просто в 1945 году Palazzo Castiglioni заняли американские военные. Союзники топили ценной мебелью печи, а вот люстры, предметы из кованого железа и драгоценности, хранившиеся во дворце, миланцам спасти удалось. 

5. ВЗГЛЯНУТЬ НА ТЕХ САМЫХ ДЕВИЦ В CLINICA COLUMBUS
Адрес: via Buonarroti, 48

Ну, и раз уж столько разговоров было о дамах с фасада здания Palazzo Castiglioni, как же с ними не познакомиться! Сегодня девицы (вот ирония-так ирония!) находятся в клинике Columbus – c февраля 1949 года вилла, на которую перенесли скандальные скульптуры, принадлежит ордену сестер Sacro Cuore di Gesù (Святое сердце Христа), и в ней действует больница. 

Конечно, изначально виллу строили вовсе не под нужды подобного рода. Это был особняк Николы Ромео – основатель автомобильной компании Alfa Romeo приобрел его в 1919 году.

Построил здание виллы все тот же Джузеппе Соммаруга – архитектор, создавший и Palazzo Castiglioni. Вот тут заказанные им скульптуры пришлись ко двору. Точнее – к фасаду.

6. ПОБЫВАТЬ В ГОСТЯХ У АРХИТЕКТОРА В CASA CAMPANINI
Адрес: via Vincenzo Bellini, 11

Что характерно, дамские скульптуры, красующиеся на входе в дом Кампанини (Casa Campanini), миланцев совсем не смутили. Впрочем, тут все понятно, эти женщины – монументальные, серьезные. Никакого легкомыслия даже во взоре, не то, что в позе. Да и вообще – фигуры из цемента, созданные скульптором Микеле Ведани – дань кариатидам, женским статуям, которые в греческом зодчестве нередко заменяли колонны. 

Не менее любопытно, что этот дом архитектор Альфредо Кампанини строил не для заказчика, а для себя любимого. К работе он привлек Алессандро Маццукотелли – лучшего миланского мастера, работающего над созданием кованых решеток, и для любимого коллеги он оформил здесь не только вход и балконы, но и лифт. 

Внутри дом Кампанини не менее любопытен. Там сохранились фрески и подвесные люстры, потолки украшены лепниной с растительными орнаментами, а во дворе особняка обязательно обратите внимание на декор в виде спелых вишен и дымоход – своей формой он напоминает песчаные барханы.

7. ЗАГЛЯНУТЬ В АПТЕКУ SANTA TERESA И ОЦЕНИТЬ ДОМ БАРОНА ЛАГУНЕ
Адрес: Сorso Magenta, 96

Тут дело даже не в аптеке, хотя в ее зале мебель, произведенная в первом десятилетии XX века, да и внутренний декор здесь соответствующий, а в том, что находится аптека Святой Терезы на первом этаже саsa Laugier – богатого дома в стиле либерти, построенного архитектором Антонио Тальяферри по заказу барона Лаугье – аристократа из региона Валь д’Аоста. 

В связи с этим будет интересен следующий нюанс, касающийся миланского ар-нуво. Как и во всем мире, к этому стилю в архитектуре тяготели разбогатевшие промышленники, стремившиеся подобным образом выделиться из толпы менее удачливых конкурентов. Барон был не из их числа – сословная аристократия, как-никак. Поэтому и дом его отсылает скорее к венским традициям в архитектуре. 

На нижних этажах – красная кирпичная кладка, верхние – оптимистичного желтого цвета. Прибавьте к этому керамические вставки на фасаде в стиле майолики, выполненные компанией Galileo Chini.

Они расположены близ окон и балконов с коваными решетками в виде переплетающихся листьев – их создал уже упомянутый мастер по работе с металлом Алессандро Маццукотелли. И, конечно же, как писала Цветаева, «очаровательные морды». В данном случае, львов. Они украшают фасад дома. 

8. НАЙТИ ВСЕХ ЖЕЛЕЗНЫХ БАБОЧЕК В CASA FERRARIO
Адрес: via Spadari 3

Звание дома с самыми красивыми балконами бесспорно достается Casa Ferrario или «железному дому» – одному из первых зданий Милана в стиле либерти. Он был построен в 1902 году по проекту архитектора Эрнесто Пировано. 

Фасад – скромен, но так и было задумано. Зрителя ничего не должно было отвлекать от изумительной красоты кованных балконов, созданных все тем же Алессандро Маццукотелли. Они представляют собой воссозданный в металле сад, где на лепестках цветов сидят бабочки! Кстати, поначалу их совсем не замечаешь, так что осмотр Casa Ferrario может превратиться в забавную игру: кто быстрее всех бабочек найдет.

К слову, идею здания, где главный элемент декора – балконы из кованого железа, архитектор Эрнесто Пировано позаимствовал у своего знаменитого бельгийского коллеги Виктора Орта, но, поскольку итальянец в данном факте свободно признавался, будем считать, что он просто удачно вдохновился. 

9. ВЫПИТЬ КОКТЕЙЛЬ В САДУ ОТЕЛЯ SHERATON DIANA MAJESTIC
Адрес: Viale Piave, 42

Про это место моя коллега Людмила рассказывала отдельно, но не могу не упомянуть его и в подборке, касающейся ар-деко. Итак, Sheraton Diana Majestic – это не просто отель. Это первый отель Милана, здание которого было спроектировано таким образом, чтобы быть не особняком или домом богатой семьи, а именно гостиницей.

Произошло сие дивное событие в 1904 году, когда стиль либерти был как раз на пике популярности, что, безусловно, отразилось и на внешнем облике здания, и на его внутренних интерьерах.

В 1908 вокруг отеля появился комплекс для отдыха с театром, и вскорости это место обрело популярность в кругах миланской богемы. Впрочем, бар отеля, расположенный в цветущем саду, и сегодня остается невероятно модным. Рекомендую всем заглянуть сюда на аперитив. 

10. ХОТЬ СО СТОРОНЫ ПОСМОТРЕТЬ НА КИНОТЕАТР CINEMA DUMONT
Адрес: via Frisi, 2

На закуску – миланский кинотеатр в стиле ар-нуво. Называется он Cinema Dumont, а построен был в период с 1908 по 1910 год архитекторами Фердинандо Теттаманци и Джованни Майнетти. Для названия кинотеатра специально выбрали французскую фамилию – это считалось модным и загадочным, а фасад здания для еще пущей загадочности украсили каменными розами и изображениями лиц. 

К сожалению, в 1994 году здание кинотеатра приобрел частный владелец, устроивший в его стенах многоуровневый гараж. Впрочем, все не так печально. На первом этаже здания действует муниципальная библиотека, а ведь книги, я надеюсь, по-прежнему не менее важный вид искусства, чем кино. 

Больше любопытных артефактов на нашем канале в мессенджере Telegram

Понравился материал? Присоединяйтесь к нам на фейсбук

Поделиться с друзьями

Юлия Малкова - Юлия Малкова — основатель проекта trip-point.ru. В прошлом главный редактор интернет-проекта elle.ru и главный редактор сайта cosmo.ru. Рассказываю о путешествиях для собственного удовольствия и удовольствия читателей. Если вы являетесь представителем отелей, офиса по туризму, но мы не знакомы, со мной можно связаться по емейл: [email protected]

   Вам также может понравиться   

prevnext

   с нами в pinterest   

Модерн (ар нуво) – архитектурное течение | Деловой квартал

С 1880-х годов в Англии, Франции, Германии, Австрии, Испании и Италии распространяется художественное течение, охватившее прежде всего архитектуру и прикладные искусства, которое получило название стиль модерн во Франции – агt nouveau.

Истоки и особенности модерна (ар нуво)

Стиль зародился как реакция на упадок вкуса в ситуации утверждения новых промышленных методов производства, использовавшихся для имитации исторических стилей прошлого.

Поначалу обновление коснулось чисто декоративной сферы и распространилось прежде всего в сфере прикладных искусств, однако вскоре в него включились все виды художественной деятельности, от живописи до архитектуры. Главной отличительной особенностью стиля была линеарность, вдохновленная растительными и цветочными формами орнамента, что получило различное толкование и свои акценты в разных странах, оставив важный след в развитии форм художественного выражения, продолженном в недалеком будущем.

Модерн (ар нуво) в Европе и Америке

Стиль модерн получал разные терминологические обозначения в той или иной стране. В Соединенных Штатах сохранялось французское название ар нуво, восходившее к названию парижской выставочной галереи Бинга (известного своим преклонением перед искусством и художественными изделиями Японии), которая внезапно снискала успех во Франции.

В Англии и России его называли «современный стиль», стиль модерн; в Австрии – Сецессиона.

Югендстиль в Германии

В Германии новое течение получило наименование «югендстиль›› по названию журнала «Jugend››, основанного в Мюнхене в 1896 г. Югендстиль представлял наиболее крайнюю точку «фитоморфной›› тенденции европейского ар нуво, создав графические стилемы, которые получилинеобычайное распространение и тем самым были ответственны за быстрое скатывание в декоративизм и, соответственно, вырождение стиля.

Влияние югендстиля в сфере прикладных искусств обеспечивалось и основанием Объединенных мастерских прикладного искусства в Мюнхене и Дрездене (1897-1898). С ними сотрудничали архитекторы и дизайнеры, благодаря которым тенденция растительно-цветочных форм была преодолена в пользу более сухой и жесткой линии при явно выраженном интересе к конструкции.Модерн (ар нуво) Гауди

Флореале и либерти в Италии

В Италии стиль модерн- назывался флореале, но еще большее распространение получило определение стиль либерти, под впечатлением от универсального магазина, открытого в Лондоне в 1875 г. Артуром Лаземби Либерти и продававшего предметы обстановки в новом вкусе.

Мода на стиль либерти достигала своего пика с Международной выставкой в Турине в 1902 г., где были широко представлены вещи обихода, предметы мебели, образцы графики и декоративных искусств, а также архитектурные проекты, получившие важное признание и позже осуществленные в сфере жилой архитектуры. Главные представители этого стиля в архитектуре – Раймондо Д’Аронко (1857-1932), Эрнесто Базиле (1857-1932) и Джузеппе Соммаруга (1867-1917).

Стиль модерн в Испании

Стиль модерн получал разное преломление и оригинальное истолкование, особенно у крупных мастеров. В Испании он назывался modernismo, и развивался с большой активностью в Каталонии. Его главным центром была Барселона, откуда он просачивался и в другие города (Герона, Валенсия, Майорка и проч.), создавая почву для формирования нового независимого каталонского стиля.

Начало процесса приходится на период 1880-1885 гг., когда появилась группа построек, среди которых особо выделяются Каса Висенс А. Гауди и здание издательского дома Монтанер-и-Симон Л. Доменех-и-Монтанера (1850-1924), оба – в Барселоне.

Официальным одобрением нового стиля  стал успех на Всемирной выставке в Барселоне 1888 г. кафе-ресторана Доменсха (ныне Музей зоологии) и Дворца Гюэль Гауди (ныне Музей театра).

Читайте также:
Архитектурные стили и течения

Смотрите также:

About Author


alexxlab

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *