Тематика произведений барокко: Основная тематика произведений барокко. Стиль барокко в архитектуре

Барокко

Новая тематика и новые формы, в которых эта тематика реализуется, выражают новое отношение человека к миру.

Человек 17 века в условиях суровой абсолютистской регламентации утратил сознание личной свободы. Он постоянно ощущает свою зависимость от окружающего его общества, законам которого он вынужден подчиняться. Для художника этой эпохи определить характерные особенности человека — значит также определить его место в обществе. Поэтому, в отличие от искусства Высокого Ренессанса, в котором обычно давался обобщенный, «внеклассовый» образ человека, для искусства 17 века характерна отчетливая социальная окраска образов. Она проявляется не только в портрете и бытовой картине — она проникает в произведения на религиозные и мифологические сюжеты; даже такие жанры, как пейзаж и натюрморт, несут на себе яркий отпечаток общественного мировоззрения художника.

Невиданное до того расширение форм художественного отражения действительности и многообразие этих форм с особой остротой ставят в применении к искусству 17 века проблему стиля.

Как свидетельствует история предшествующих крупных художественных этапов, искусство каждого из них было облечено в стилевые формы, то есть оно представляло собой определенную систему, отличающуюся единством идейно — образных принципов и приемов художественного языка. Неотъемлемое качество стиля — это синтез, слияние в единое образное целое всех видов пластических искусств, в котором ведущую, организующую роль осуществляет архитектура. В этом своем значении термин «стиль» есть понятие историческое, так как оно характеризует существенные особенности той или иной художественной эпохи.

Важным отличием искусства 17 века предшествующих этапов заключаются в том, что стилевым системам этой эпохи свойственна большая гибкость и многозначность. Уже готика как стиль отличалась широкой образной амплитудой: в ее рамках создавались идеальные образы, наделенные чертами преувеличенной одухотворенности, и образы более земного плана, отмеченные свежим восприятием натуры. Еще шире и разнообразнее в этом отношении возможности ренессансного искусства, Но при всем многообразии художественных качеств тех или иных памятников готики между ними нет столь принципиального отличия, какое существует, например, между бьющей через край полнотой жизни героев Рубенса, каждое создание которого воспринимается как радостный гимн во славу земной красоты, и мистическими экстазами святых у итальянских мастеров, образы которых решаются в плане трагического дуализма земного и сверхчувственного.

И в то же время нельзя не признать, что при этих отличиях и Рубенс и итальянские мастера несут в своем творчестве признаки определенной общности образного строя, характерного для стиля барокко в целом.

Изобразительное искусство барокко не может быть понято вне его связи с зодчеством.

Архитектура в силу своей специфики — необходимости объединить в своих созданиях утилитарные и художественные факторы — оказывается в большей мере , нежели другие виды искусства, сопряженной с материальным прогрессом общества и в большей зависимости от господствующей идеологии, ибо наиболее значительные постройки воздвигаются для правящих классов и служат прославления их могущества. Но архитектура в то же время призвана обслуживать все общество в целом; например, культовые сооружения предназначены для самых широких кругов, для представителей самых широких кругов общества. Наконец, экономический и культурный прогресс ставит перед зодчими новые задачи, например, в области градостроительства, также имеющие важное общественное значение.

В барочных культовых постройках — церквах и монастырях — все богатейшие возможности синтеза архитектуры, скульптуры, живописи и декоративного искусства использованы для того, чтобы поразить воображение зрителя, заставить его проникнуться религиозным чувством, склоняться перед религиозным чувством, склоняться перед авторитетом церкви.

Для архитектуры барокко характерна прежде всего большая эмоциональная приподнятость, патетический характер образов. Это впечатление достигается огромным масштабным размахом построек, преувеличенной монументализацией форм, динамикой пространственного построения, повышенной пластической выразительностью объемов.

Пространственные решения приобретают необычную сложность, в планах преобладают криволинейные очертания, стены построек изгибаются, из них как бы вырастают карнизы, фронтоны, пилястры, полуколонны, окна обрамляются наличниками разнообразных форм, ниши украшаются статуями. Общее впечатление бурного движения и богатства мотивов дополняется скульптурой, росписями, лепниной, отделкой разнообразными материалами — цветными мраморами, стукко, бронзой.

К этому следует добавить живописные контрасты светотени, перспективные и иллюзонистические эффекты. В ансамблях римских площадей культовые и дворцовые сооружения, произведения монументальной и декоративной скульптуры, фонтаны объединяются в целостный художественный образ. Идейно — образное содержание лучших произведений архитектуры барокко часто оказывается шире их официальных функций — в них отражается пафос бурной эпохи.

Активизация католицизма в идеологической борьбе проявилась в чрезвычайно сильном воздействии церкви на искусство, которому в религиозной пропаганде была отведена важная роль как средству сильнейшего воздействия на массы.

 


См. также

Психология творчества

 


   RSS     [email protected] 

Что такое барокко | Сочинение и анализ произведений, биографии, образ героев

Барокко

Барокко – это европейское направление искусства, определенный стиль 17-18 века. Его считают жемчужиной тогдашнего развития.
Развитие этого стиля произошло вследствие завершения эпохи Ренессанса. Также его можно охарактеризовать как нечто среднее между Готикой и эпохой Возрождения.

Эпоха характеризуется не только своеобразной тематикой в литературе, а и в других видах искусства. Долго считали, что направление барокко прослеживается только в развитии искусства Западной Европы. Но впоследствии начали отмечать расцвет этого стиля и в русских художественных кругах.

Хотя долгое время его можно было идентифицировать только в пластическом искусстве, это как скульптура, архитектура, даже живопись. Русское барокко проявляется в создании высоких золотистых куполов на церквях и соборах Москвы, в ансамблях монастырей, в различных скульптурах Санкт-Петербурга.

Когда же стало видно и литературное направление барокко, русские писатели приобщались к нему, используя даже старинные фольклорные источники. Это проявлялось в поэзии и музыке, у литераторов по всей России, что освещало бунтарский дух русского народа.

Писатели того времени стремились направлять читательскую аудиторию на общечеловеческие ценности, пробудить в них сердце, обратиться к душе. Потому что основной тематикой этого периода, периода барокко, становится быстротечность жизни человека, и стоит задуматься про его значение. Популярными в то время становятся такие высказывания, что мир – это театр, мир – это лабиринт.

Считалось, что человек все равно умрет, поэтому вся его жизнь – смесь случаев и везений. Поэтому стилю барокко присущи грустные настроения, будто жизнь в хаосе намного хуже смерти. Поэтому характерным для этого стиля является возврат к Античной культуре, вследствие чего высокой моралью наделялись вымышленные персонажи, причудливые герои.

Таким образом, литературные авторы в стиле барокко поражали читателей контрастом своих героев и пессимистическим настроением.

Итальянское барокко : Московская государственная академическая филармония

Московский камерный оркестр Musica Viva

История оркестра Musica Viva ведет отсчет с 1978 года, когда скрипач и дирижер Виктор Корначев основал ансамбль из девяти человек, недавних выпускников московских музыкальных вузов. В 1988 году коллектив, к тому моменту выросший в оркестр, возглавил дирижер и виолончелист Александр Рудин, давший ему имя Musica Viva. Под его руководством оркестр обрел уникальный творческий облик, достиг высочайшего исполнительского уровня и вошел в число ведущих в России.

Сегодня Musica Viva – универсальный музыкальный коллектив, свободно чувствующий себя в самых разных стилях и жанрах. Квинтэссенцией творческих проектов оркестра стал концертный цикл «Шедевры и премьеры» в Московской филармонии: в программах абонемента широко известные сочинения звучат свежо, будто исполняются впервые, а музыкальные раритеты становятся подлинными открытиями для публики. В 2011 году появился цикл «Серебряная классика»; его основу составляют произведения, которые не вошли в золотой репертуарный фонд, хотя и достойны этого. В рамках цикла проходит молодежная программа, представляющая лауреатов европейских международных конкурсов, а также ежегодные «Виолончельные ассамблеи», к участию в которых Александр Рудин приглашает своих коллег-виолончелистов.

 

Значительное место в репертуаре оркестра занимают незаслуженно забытые произведения: в исполнении Musica Viva впервые в России прозвучали сочинения К. Ф. Э. Баха, Чимарозы, Диттерсдорфа, Дюссека, Плейеля, Триклира, Фолькмана, Козловского, Фомина, Виельгорского, Алябьева, Дегтярёва и многих других.

Musica Viva также знакомит слушателей с лучшими страницами современной музыки: оркестр осуществил мировые и российские премьеры сочинений Артёмова, Пярта, Саллинена, Сильвестрова, Маноцкова, Ахунова, Андрея Головина и других. 

В течение последнего десятилетия Musica Viva успешно осуществляет крупные проекты, в их числе оперы в концертном исполнении и оратории. Под руководством Александра Рудина в Москве звучали оратории «Сотворение мира» и «Времена года» Гайдна, оперы «Идоменей» Моцарта, «Оберон» Вебера, «Фиделио» Бетховена, Реквием Шумана, оратории «Торжествующая Юдифь» Вивальди и «Минин и Пожарский, или Освобождение Москвы» Дегтярёва. Впервые в России были исполнены кантата Генделя «Аполлон и Дафна» и его серената «Ацис, Галатея и Полифем», а также серената «Марк Антоний и Клеопатра» и оратория «Паломники ко Гробу Господню» Хассе.

С британским маэстро Кристофером Мулдсом были осуществлены российские премьеры опер Генделя «Орландо», «Ариодант» и оратории «Геркулес». 

Musica Viva привлекает к сотрудничеству крупнейших музыкантов мира, в их числе Кристофер Хогвуд, Роджер Норрингтон, Владимир Юровский, Андраш Адорьян, Роберт Левин, Андреас Штайер, Элисо Вирсаладзе, Наталия Гутман, Иван Монигетти, Николай Луганский, Борис Березовский, Алексей Любимов, Джулиано Карминьола, Изабель Фауст, Руль Дильтинс, Томас Цетмайр, Кристиан Тецлафф, Шломо Минц, примадонны мировой оперной сцены Джойс Дидонато, Анник Массис, Вивика Жено, Дебора Йорк, Сьюзен Грэм, Малена Эрнман, Стефани д’Устрак, Хибла Герзмава, Юлия Лежнева. С оркестром выступали всемирно известные хоры Collegium Vocale Gent и «Латвия», а также российский вокальный ансамбль Intrada. 

Musica Viva – постоянный участник международных музыкальных фестивалей, в том числе всемирно известных «Безумных дней», проходящих во Франции, Испании, Японии, Польше, России (Екатеринбург). Коллектив гастролировал в Германии, Франции, Нидерландах, Италии, Испании, Бельгии, Японии, Латвии, Чехии, Словении, Финляндии, Турции, Индии, на Тайване. Ежегодно выступает в городах России. 

Оркестром записано более двадцати дисков, в том числе для лейблов «Русский сезон», Olympia, Hyperion, Naxos, Chandos, Тudor, Fuga Libera, «Мелодия». В 2019 году вышел альбом симфоний Иоганна Стамица, в 2020-м – Тройной и Скрипичный концерты Бетховена с Дмитрием Синьковским (скрипка), Алексеем Любимовым (историческое фортепиано) и Александром Рудиным (виолончель, дирижер). Особый интерес в дискографии оркестра представляют записи с Александром Рудиным в качестве солиста. В их числе виолончельные концерты Жан-Бальтазара Триклира, Мясковского, Антонина Крафта, композиторов эпохи барокко (в том числе Иоганна Адольфа Хассе, Карла Филиппа Эмануэля Баха, Иоганна Вильгельма Хертеля и др.). «Григ-альбом» знакомит слушателей с Рудиным – мастером оркестровки: в записи представлены его оркестровые версии камерных сочинений норвежского классика.  

В сезоне 2018/19 оркестр Musica Viva отметил 40 лет со дня основания. В течение многих лет его деятельность поддерживается грантом Президента Российской Федерации.

Александр Рудин

Александр Рудин – виолончелист с мировым именем, дирижер, пианист, клавесинист, педагог, исследователь старинных партитур, автор оркестровых редакций камерных произведений и уникальных тематических циклов. 

Музыкант родился в 1960 году в Москве. В 1983 году окончил Государственный музыкально-педагогический институт (ныне Российская академия музыки) имени Гнесиных (класс виолончели Льва Евграфова, класс фортепиано Юрия Понизовкина), в 1989 – класс оперно-симфонического дирижирования Московской государственной консерватории (руководитель – Дмитрий Китаенко).

Лауреат международных конкурсов имени И. С. Баха в Лейпциге (1976), имени Гаспара Кассадо во Флоренции (1979), имени П. И. Чайковского в Москве (1978, 1982). Солист Московской государственной академической филармонии (1983). Художественный руководитель (с 1988) и главный дирижер Московского камерного оркестра Musica Viva. 

Получив академическое образование, Александр Рудин увлекся исторически информированным исполнительством и со временем пришел к органичному синтезу обоих направлений в исполнительском искусстве. Играет как на современной виолончели, так и на виоле да гамба, исполняет музыку романтиков, произведения эпохи барокко и раннего классицизма. Эта линия творчества привела Рудина и оркестр Musica Viva к тесному сотрудничеству с признанными мэтрами в области аутентизма, среди которых Кристофер Хогвуд, Роджер Норрингтон, Кристофер Мулдс, Андреас Штайер, Алексей Любимов и др. 

В репертуар музыканта входят произведения четырех столетий. Благодаря вниманию Рудина к забытым страницам музыкальной истории меломаны впервые услышали много неизвестных сочинений. В их числе Тема с вариациями для виолончели с оркестром Михаила Виельгорского, виолончельные концерты Антонина Крафта, Жан-Бальтазара Триклира, Иоганна Генриха Фациуса, Роберта Фолькмана, Первый виолончельный концерт Дворжака, авторские версии сочинений для виолончели с оркестром Чайковского – «Вариаций на тему рококо» и Pezzo capriccioso.  

Вместе с оркестром Musica Viva впервые в современной России Рудин исполнил произведения Сальери, Плейеля, Дюссека, Диттерсдорфа, Козловского, Пашкевича, Алябьева. Представив в столице уникальные концертные программы, маэстро зарекомендовал себя как блестящий интерпретатор оперных партитур и масштабных произведений кантатно-ораториального жанра. В частности, под его руководством состоялись российские премьеры ораторий «Торжествующая Юдифь» Вивальди, «Воскресение и Вознесение Иисуса» К. Ф. Э. Баха и авторской редакции оратории «Минин и Пожарский, или Освобождение Москвы» Дегтярёва. Прозвучали оратории Гайдна «Сотворение мира» и «Времена года», Симфония № 2 («Хвалебный гимн») Мендельсона, концертные версии опер «Идоменей» Моцарта и «Оберон» Вебера. В 2019 году под управлением Александра Рудина в Концертном зале имени П. И. Чайковского и Государственном театре оперы и балета Республики Коми в Сыктывкаре была представлена опера «Орфей и Эвридика» Глюка в парижской редакции с хореографическими сценами и световой партитурой.  

Значимую часть репертуара артиста составляют произведения наших современников – Валентина Сильвестрова, Вячеслава Артёмова, Родиона Щедрина, Андрея Головина, Александра Маноцкова. Он был первым исполнителем ряда сочинений для виолончели Дмитрия Кабалевского, Эдисона Денисова. 

Александр Рудин выступает со многими известными оркестрами, среди которых Заслуженный коллектив России Академический симфонический оркестр Санкт-Петербургской филармонии, Российский национальный оркестр, БСО имени П. И. Чайковского, Госоркестр России имени Е. Ф. Светланова, симфонические и камерные оркестры Норвегии, Финляндии, Турции. С сезона 2020/21 Александр Рудин – главный дирижер Симфонического оркестра Саратовской филармонии. 

Как солист и дирижер Рудин участвовал в международных фестивалях Les Pianos Folies (Франция), «Безумный день» (Франция, Испания, Япония) и других. Среди партнеров музыканта по ансамблю – Элисо Вирсаладзе, Николай Луганский, Алексей Любимов, Наталия Гутман, Энтони Марвуд, дирижеры Роджер Норрингтон, Михаил Плетнёв и др. Сольные концерты музыканта проходят в Германии, Финляндии, Нидерландах, Канаде, Великобритании, Венгрии, Словении, Турции и других странах. 

В дискографии артиста – более 30 дисков. Особую известность получили его записи шести виолончельных сюит Баха (Naxos), виолончельных концертов Триклира, Мясковского, произведений Алябьева и А. Черепнина, «Григ-альбом» (камерные сочинения Эдварда Грига в оригинальной оркестровой версии Рудина), а также запись концерта из Большого зала консерватории (Третья симфония Бетховена и Виолончельный концерт Крафта). Альбом виолончельных концертов композиторов эпохи барокко (Chandos, 2016) получил восторженные отклики ведущих западноевропейских критиков. В 2019 году фирма Naxos выпустила альбом симфоний Иоганна Стамица. В 2020-м состоялся релиз записи Тройного и Скрипичного концертов Бетховена с Дмитрием Синьковским (скрипка), Алексеем Любимовым (историческое фортепиано) и Александром Рудиным (виолончель, дирижер). В 2021 году под лейблом Naxos вышел сборник произведений Шуберта, записанный на исторических инструментах, где Рудин исполнил знаменитую Сонату Шуберта на арпеджионе.  

С 1989 года Александр Рудин преподает на кафедре камерного ансамбля и квартета Московской консерватории, с 2002 года – профессор, в 2021 году возглавил кафедру виолончели и контрабаса. Дает мастер-классы по всему миру, сотрудничает с молодежными коллективами в качестве дирижера (Симфонический оркестр студентов Московской консерватории, Молодежный симфонический оркестр Екатеринбурга и др.). Неоднократно был членом жюри международных конкурсов, в том числе X, XI и XII (председатель жюри виолончелистов) Конкурса имени П. И. Чайковского. 

Удостоен почетного звания «Народный артист России» (2001) и Государственной премии Российской Федерации в области литературы и искусства (2003).

Дмитрий Синьковский

Дмитрий Синьковский – скрипач, альтист, певец (контратенор) и дирижер, специализирующийся на исполнении музыки эпохи барокко. Окончил Московскую государственную консерваторию имени П. И. Чайковского (класс скрипки профессора Александра Кирова) и ассистентуру-стажировку МГК (класс камерного ансамбля профессора Алексея Любимова). 

Историческим исполнительством начал заниматься под руководством Марии Леонхардт, в дальнейшем участвовал в сольных и камерных мастер-классах Томаса Цетмайра, Сигизвальда Кёйкена, Рио Терракадо, Роджера Норрингтона, Андреаса Штайера и других знаменитых музыкантов. Обучался вокалу у Майкла Чанса, Яны Иваниловой и Мари Давалуи, дирижированию – у Томислава Фачини в Загребской академии музыки.

Лауреат международных конкурсов скрипачей Premio Bonporti в Роверето, имени И. С. Баха в Лейпциге, Musica Antiqua в Брюгге, имени Г. И. Ф. фон Бибера в Австрии и имени Г. Ф. Телемана в Магдебурге. 

Выступал в качестве солиста, приглашенного концертмейстера и дирижера с известными коллективами, среди которых Il Giardino Armonico, Accademia Bizantina, Musica Antiqua Roma, Il Rossignolo, La Risonanza (Италия), Concerto Köln, Ensemble 1700, Leipzig Baroque (Германия), Collegium Marianum (Чехия), B`Rock Orchestra (Бельгия), Arion Ensemble (Канада), Il Complesso Barocco (Нидерланды), Armonia Atenea (Греция), Baltic Baroque (Эстония), Il Pomo d`Oro, Барочный оркестр Бремена, Барочный оркестр Хельсинки, Барочный оркестр Севильи, Камерный оркестр Клайпеды, Национальный оркестр Испании, MusicAeterna, Musica Petropolitana, Pratum Integrum, Musica Viva, Камерный оркестр Новосибирска, Questa Musica, Австралийский Бранденбургский оркестр, симфонические оркестры Сиэтла и Дубровника и др.  

Выступал в ансамблях с Тревором Пинноком, Майклом Чансом, Эммой Кёркби, Робертой Инверницци, Альфредо Бернардини, Алексеем Любимовым, Александром Рудиным, Александром Галковским, Марселем Понселе, Юлией Лежневй и многими другими. 

Принимал участие в фестивалях во Франции (Nantes Printemps des Arts), Швеции (Nordmaling Baroque Festival), Германии (Tage Alte Music, Potsdam Sans-Soucci), Нидерландах (фестиваль старинной музыки в Утрехте), Бельгии (Musica Antiqua в Брюгге), «Декабрьских вечерах» в Москве, Earlymusic в Санкт-Петербурге и других. В 2018 году исполнил заглавную партию в опере «Луций Сулла» Генделя на Людвигсбургском фестивале (Ensemble 1700, дирижер – Доротея Оберлингер). 

Дмитрий Синьковский стал первым музыкантом, спустя сотни лет исполнившим и записавшим многие произведения композиторов XVII–XVIII веков: скрипичные концерты Телемана, Тица, Розетти, Концертную симфонию И. Х. Баха, три квартета Вёльфля. 

Записывается преимущественно на фирмах Naïve и Сaro mitis. Первый сольный альбом артиста (Per Pisendel) был удостоен премии Diapason d`Or. Среди последних по времени записей: альбомы Virtuosissimo с ансамблем il Pomo d’Oro (2019, Naïve), Discovery of Passion с флейтисткой Доротеей Оберлингер (2020, Harmonia Mundi) и Idylle heroïque с Московским камерным оркестром Musica Viva, Алексеем Любимовым и Александром Рудиным (2020, Glossa, концерты Бетховена на исторических инструментах). Два последних диска номинированы на премию ICMA (International Classical Music Awards). В дискографии Синьковского также – записи сочинений Монтеверди, Вивальди, И. С. Баха, Локателли, Тартини, Шумана и др. 

В числе ангажементов сезона 2020/21 – рождественский концерт в Юрмале с камерным оркестром Sinfonietta Rīga, выступления с программами La Follia и Virtuosissimo в городах Германии и Италии, концерты с Государственным академическим камерным оркестром России, оркестром Musica Viva и ансамблем La Voce Strumentale в Москве, Новом Иерусалиме и Красноярске, спектакль «1926» в Санкт-Петербурге, концертное исполнение оперы «Орест» Генделя в Зале Чайковского.  

Дмитрий Синьковский преподает в Московской консерватории (доцент). Играет на скрипке кремонского мастера Франческо Руджери (1675), предоставленной фондом Jumpstart (Нидерланды).

Скульптура и живопись барокко — презентация онлайн

1. Скульптура и живопись барокко

Питер Пауль Рубенс

2. Основные черты:

Парадность
Торжественность
Пышность
Динамичность
Жизнеутверждающий характер
Контрасты масштабов, света и тени
Совмещение реальности и фантазии
Стремление к синтезу искусств
Человек – часть мира, сложная личность

3. В живописи и скульптуре барокко преобладают:

Монументальные декоративные
композиции на религиозные или
мифологические темы
Парадные портреты,
предназначенные для украшения
интерьеров

4. Скульптуры барокко

Аполлон и Дафна.
Бернини
Вилла Палагония. Чудовища на крепостной стене. Италия
Мученичество святой Чечилии. Модерно
Экстаз блаженной Людовики Альбертони. Бернини
Экстаз Святой Терезы. Бернини
Секретер
в стиле барокко
Фонтан
Парадный вход в Екатерининский дворец. Растрелли
Памятник Петру Первому

13. Питер Пауль Рубенс

1577 – 1640 г.г.
Фламандский живописец
— Общее образование получил в
иезуитской коллегии;
— Художественное образование
получил в Италии;
— Выполнял заказы для церквей,
королевского двора, ордена
иезуитов, портреты знати;
— Был Испанским послом в
Голландии;
-Знал 6 иностранных языков;
— Переписывался с
коронованными особами;
— Возведен в рыцари;
— Произведен в почетные
доктора Кембриджского
университета

14. Темы произведений Рубенса

Мифологические
Религиозные
Портреты
Пейзажи

15. Портреты

Анна Австрийская
Портрет маркизы
Елена Фоурмен
2-я жена Рубенса
Коронация
Марии Медичи
Четыре
философа

20.

Религиозная тема Непорочное зачатие
Три распятия
Успение Пресвятой
Девы Марии
Воздвижение
распятого Христа

24. Мифологическая тема

Пригвожденный Прометей
Геракл
Союз Земли
и Воды
Самсон и
Далила
Геро и Леандр
Похищение
Ганимеда
Похищение детей
Левкиппа
Охота на гиппопотама

32. Пейзажи

Летний пейзаж
Пейзаж с радугой
Грозовой пейзаж

35. Вопросы

Особенности живописи и скульптуры
барокко
Тематика произведений барокко
Представители стиля барокко
Тематика произведений Рубенса
Послужной список Рубенса
Награды Рубенса

Искусство барокко — Энциклопедия Нового Света

Рождество Жозефы де Обидуш, 1669, Национальный музей античного искусства, Лиссабон

Стиль барокко начался как продолжение эпохи Возрождения. Позже, однако, ученые того времени начали замечать резкие различия между этими двумя стилями, поскольку стиль Возрождения уступил место искусству барокко . Архитектура барокко, скульптура и живопись драматического характера были мощными инструментами в руках религиозного и светского абсолютизма и процветали на службе католической церкви и католических монархий.Художники барокко были особенно сосредоточены на естественных формах, пространствах, цветах, свете и отношениях между наблюдателем и литературным или портретным предметом, чтобы произвести сильное, хотя и приглушенное, эмоциональное переживание.

Трентский собор (1545-1563), на котором Римско-католическая церковь ответила на многие вопросы внутренней реформы, поднятые как протестантами, так и теми, кто оставался внутри католической церкви, обратился к изобразительному искусству, потребовав, чтобы картины и скульптуры в церковный контекст должен говорить с неграмотными, а не с хорошо информированными.

Из-за этого искусство барокко имеет тенденцию сосредотачиваться на Святых, Деве Марии и других известных библейских историях. Религиозная живопись, историческая живопись, аллегории и портреты по-прежнему считались самыми благородными предметами, но пейзажи, натюрморты и жанровые сцены быстро приобрели известность.

Обзор живописи в стиле барокко

Характеристики барочной живописи

Искусство барокко отличается большой драматичностью, богатым цветом и интенсивными светлыми и темными тенями.В отличие от искусства эпохи Возрождения, которое обычно показывало момент перед событием, художники эпохи барокко выбирали самый драматический момент, момент, когда происходило действие: Микеланджело, работающий в эпоху Высокого Возрождения, показывает своего Давида, составленного еще до того, как он сражается. Голиаф; Барочный Давид Бернини пойман, когда он бросает камень в гиганта. Искусство барокко должно было вызывать эмоции и страсть вместо спокойной рациональности, которая ценилась в эпоху Возрождения.

Живопись в стиле барокко возникла из стилей художников высокого Возрождения, таких как Микеланджело, Рафаэль, Тициан и Корреджо.Вальтер Фридлендер ссылается на такие «элементы, как интерес к правдоподобию и натурализму (часто с сильным аллегорическим содержанием), представления крайних состояний чувств, желание предложить расширение в пространство, динамическое движение, интенсивное взаимодействие со светом (в его физическом и физическом отношении). духовные коннотации) и чувствительность к влиянию классических цивилизаций, как представляющих некоторые из характерных черт искусства барокко ». Хотя считается, что эпоха семнадцатого века весьма амбивалентна по отношению к какому-либо одному стилю, художники эпохи барокко проявили в своей живописи несколько характеристик, которые ясно дали понять, что работа была барочной: 1) живописные мазки, 2) рецессия плоскости, 3 ) открытая форма, 4) единство и 5) непонятность темы.

Архитектура

Санта-Сусанна: Карло Мадерно. Сицилийское барокко: Сан-Бенедетто в Катании.

Архитектурный стиль барокко проявился при строительстве Il Ges (церкви Иисуса). Здание было построено Джакомо да Виньола (проектировщик плана земли) и Джакомо Делла Порта, разработавшим фасад. Базовая схема фасада распространена во всех католических странах и использовалась в качестве модели более двух столетий. Барокко сыграло роль в спросе на архитектуру, которая, с одной стороны, была более доступной для эмоций, а с другой — наглядной демонстрацией богатства и могущества церкви. Новый стиль проявился, в частности, в контексте новых религиозных орденов, таких как Театины и Иезуиты, которые стремились улучшить народное благочестие. [1]

Характеристики

  • длинные узкие нефы заменяются более широкими, иногда круглыми формами
  • драматическое использование света, либо сильные светотеневые контрасты, светотени, эффектов (например, церковь Вельтенбургского аббатства), либо равномерное освещение с помощью нескольких окон (например,церковь аббатства Вайнгартен)
  • богатое использование украшений (путто из дерева (часто позолоченного), гипса или лепнины, мрамора или искусственной отделки)
  • потолочные фрески масштабные
  • Внешний фасад часто характеризуется эффектным центральным выступом.
  • интерьер часто бывает не более чем раковиной для живописи и скульптуры (особенно в позднем барокко)
  • иллюзорных эффектов, таких как trompe l’oeil и смешение живописи и архитектуры
  • В баварских, чешских землях, Польше и украинском барокко грушевые купола встречаются повсеместно
  • Колонны Марии и Святой Троицы возводятся в католических странах, часто в благодарность за прекращение чумы

Скульптура

Скульпторы в стиле барокко испытали чувство свободы комбинировать и создавать то, о чем они могли думать. Многие художники не стеснялись комбинировать разные материалы в одной работе и часто использовали один материал для имитации другого. Один из величайших шедевров барочной скульптуры, например, «Святая Тереза ​​из капеллы Корнаро» Джованни Бернини поддается экстатическому видению тусклого мраморного облака, в котором бронзовые лучи спускаются из скрытого источника света. Многие произведения скульптуры в стиле барокко расположены в сложных архитектурных декорациях, и часто кажется, что они выплескиваются из отведенных для них ниш или плывут вверх к небу. [2]

«Отличительными чертами статуй в стиле барокко являются: а) использование более чем одного блока мрамора, что позволяет использовать большое количество жестов; б) обработка драпировки, которая не падает обычным образом. , но перемещается своего рода ветром; в) использование пестрого / цветного мрамора или других мраморов; г) скручивание очень часто высокого и стройного тела «. [3]

Основные художники в стиле барокко и их влияние

Карраччи

Монументальная живопись в стиле барокко была создана Карраччи: братьями Аннибале и Агостино Карраччи и двоюродным братом Людовико Карраччи. «Карраччи стремились к синтезу силы и величия Микеланджело, гармонии и грации Рафаэля и цвета Тициана, не через прямое подражание этим художникам Высокого Возрождения, а через подражание их методу идеализации природы». [2] Другими словами, они пытались оживить искусство семнадцатого века идеалами природы эпохи Возрождения и своими идеями цвета и единства. Карраччи были связаны с Болонской академией, а их двоюродный брат Людовико был основателем школы.Предпосылка Болонской академии Карраччи заключалась в том, что «искусству можно обучать — основа любой академической философии искусства — и что учебные материалы должны основываться на традициях, античности и эпохе Возрождения, в дополнение к обучению и рисованию. из жизни «. [1]

Караваджо

Революционер Караваджо изменил курс европейского искусства. «Психологический реализм, проникший в глубины человеческих чувств, в некоторых отношениях сопоставимый с идеями его чуть более старшего современника, Уильяма Шекспира, и его необыкновенное ощущение твердой реальности, спроецированной в реальное пространство. « [2] Караваджо стал известен тем, что использовал светотени, своего самого эффективного устройства для пробуждения глубин души. Светотень был использованием контрастных светлых и темных цветов и теней.

Джентилески

Артемизия Джентилески, ученица и дочь Орацио Джентилески, построила свою картину вокруг бурного прошлого своей юности. После изнасилования учеником Орацио Агостино Тасси репутация Артемезии была подорвана.В результате значительная часть ее работ посвящена феминистским темам, которых мужчины обижают, и героической мести, которую они берут на себя. Понятно, что женщина во всех ее работах — автопортрет. [2]

Бернини

Влияние Джан Лоренцо Бернини на искусство барокко, особенно на последних этапах его развития, неоспоримо. Бернини написал основные произведения в области архитектуры, скульптуры, живописи, был драматургом и композитором. Фактически, он был модельным скульптором для всех, кто следовал за ним в исторической хронологии. Его стиль во всех средах демонстрировал непревзойденную интенсивность и яркость, которые, казалось, воплощали в жизнь все, что он создал.

Основные произведения стиля барокко в Италии

  • Карраси Роспись потолка в Палаццо Фарнезе (дворец Фарнезе)

Роспись потолка Аннибале Каррачи явно вдохновлена ​​Сикстинской капеллой Микеланджело. Типичный для искусства барокко, «для нашего понимания барокко важно, чтобы божественная любовь, задуманная как принцип, лежащий в основе вселенной, должна быть движущей силой, которая объединяет все элементы потолка и разрешает все конфликты в непредвиденном акт искупления.» [2] Энергия всех фигур контролируется, но при этом мощна и обильна. Чрезвычайно трудно отличить реальность от представления. Другими словами, стиль барокко характеризуется более чувственным, временами эротическим проявлением привязанности, не только в живописи, но и в скульптуре и архитектуре.

  • Пейзаж с бегством в Египет

В своих пейзажах Карраччи принципиально отклоняется от высокой точки обзора, так что фигуры в сцене находятся на одном уровне глаз со зрителем. Второй, более заметной характеристикой его пейзажных картин является то, что они не фантастичны или образны; Фактически, они основаны на реальных окрестностях Рима. В этом произведении это Тибр и Альбанские холмы: «Пейзаж на этой картине, как почти всегда в семнадцатом веке, был получен в результате исследований, сделанных на открытом воздухе, но созданных в студии». [2]

Использование теней для контраста светлого и темного в этом произведении наилучшим образом.Хотя тема призвания святого Матфея преобладает в истории искусства, никто другой не может волновать душу так, как произведение Караваджо. Христос озаряется светом, когда кончики его пальцев отражаются от луча света в затемненной комнате. Лица трех мальчиков озаряются изумлением, когда они видят видение Христа: «Фоном служит стена в римской таверне; окна, стекла которых сделаны из промасленной бумаги, обычной до повсеместного использования стекла, — единственное видимое изображение. фоновый объект.» [2]

  • Артемезия Джентилески Юдифь с головой Олоферна

Страсть и энергия вырываются из поверхности произведения, и единственный свет в произведении исходит от свечи (светотени), которая дает нам прямой обзор зловещей тени на лице Джудит: «Победоносная еврейская героиня бросает последний взгляд назад в затемненный шатер, когда ее служанка собирается обернуть отрубленную голову». [2]

  • Давид Джана Лоренцо Бернини

Если сравнить Давид Бернини с произведением Микеланджело и Донателло, становится ясно, почему это стиль барокко.Одна из ключевых особенностей скульптуры в стиле барокко, которая преобладает в этом произведении, — это изображение Бернини сцены именно в тот момент, когда Давид энергично крутится, когда он движется, чтобы высвободить камень: «Левая рука сжимает перевязь и камень вызывает резкое напряжение в мышцах и венах руки, пальцы правой ступни сжимают камень для… » [2] Вибрация исходит от этой работы, и ее легко отличить по эмоциям фигуры и искривлениям тело.

Другие влиятельные итальянские художники

  • Карло Мадерно
  • Франческо Борромини
  • Бартоломео Манфреди
  • Карло Сарачени
  • Баттистелло Караччоло
  • Гвидо Рени
  • Франческо Альбани
  • Доменикино
  • Guercino
  • Даниэле Креспи
  • Доменико Фетти
  • Пьетро Такка
  • Пьетро да Кортона
  • Алессандро Альгарди
  • Бачиччо
  • Андреа Поццо
  • Лука Джордано
  • Карло Маратти
  • Франческо Фурини
  • Карло Дольчи
  • Эваристо Башенис
  • Бернардо Строцци
  • Бернардо Каваллино
  • Маттиа Прети

Голландские художники

Caravaggesques

Из многих художников, которые были связаны обаянием Караваджо, были Хендрик Тербругген и Жерар ван Хонтхорст. Эти двое были известны как главные Караваджи, потому что «их религиозные картины показывают понимание нового видения Караваджо обычного человечества, достигнутого божественной любовью». [2] Хонтхорст в первую очередь сосредоточился на библейских сценах, сделанных в темноте, в то время как Тербругген, как и Караваджо, рисует с аурой неуверенности. Фон расположен, казалось бы, в глуши. Тербургген исследовал психологический аспект искусства Караваджо в стиле барокко. [2]

Галс

Франс Хальс был, пожалуй, самым блестящим из всех портретистов.Как подающий надежды художник, его мало что интересовало, кроме человеческого лица и фигуры. Он обладал непревзойденной способностью улавливать «момент действия, чувства, восприятия или выражения и фиксировать этот момент яростными, но безошибочными ударами». [2] Его использование света и тьмы менее интенсивно, чем у Караваджо, но его стиль портретной живописи оригинален. В The Laughing Cavalier фон определен и не важен. Все внимание сосредоточено на лице портрета.«Любовные наклонности молодого человека могут быть обозначены стрелами, факелами и пчелами Купидона, а также крылатым посохом и шляпой Меркурия, вышитыми красным, серебряным и золотым цветами на темно-коричневом разрезе его рукава. С его сияющим лицом. , опасные усы, снежный воротник и лихая шляпа, сюжет является самим символом барочной галантности; кульминацией картины является насмешливая улыбка, в которой сходятся все композиционные силы ». [2]

Рембрандт

Рембрандт ван Рейн занимался как светскими, так и библейскими темами; однако именно духовность его искусства отличает его от голландских современников, да и вообще от всех художников.Он был одним из немногих художников, подписавших свои работы своим именем. Живя в эпоху, когда художникам было запрещено показывать свои картины в церквях, Рембрандт обращался к человеку, используя «сияющий свет и яркую тень, восприимчивый к самым глубоким резонансам человеческих чувств». [1] В Ужине в Эммаусе, Рембрандт воскресил Караваджо в использовании света и тьмы с такой интенсивностью, которая внесла его в учебники истории. В этом произведении Рембрандт изображает откровение Христа как спасителя для своих учеников, что было почти автоматическим предметом в эпоху барокко.Смысл откровения для его учеников представлен внезапной вспышкой света из тьмы, намекающей на выход в небеса из этого мрачного материального мира. Внезапно место, где стоит Христос, превращается в апсиду, а стол превращается в жертвенник, оба из которых освещаются лучами из головы Христа. Рембрандт поднял шок сцены до новых высот в том, что все неподвижны, в пьесе нет движения.

Хонтхорст

Геррит ван Хонтхорст отличался от других художников тем, что специализировался на рисовании в темноте.В «Поклонение пастухов», Влияние Караваджо проявляется в таинственном фоне и неровностях посреди излучаемого света.

Другие влиятельные голландские художники

  • Питер Ластман
  • Ян Пинас
  • Дирк ван Бабурен
  • Ян Ливенс
  • Жерар Доу
  • Джейкоб Бэкер
  • Говерт Флинк
  • Фердинанд Бол
  • Карел Фабрициус
  • Самуэль ван Хогстратен
  • Гербранд ван ден Экхаут
  • Philips Koninck
  • Николаес Маес
  • Виллем Дрост
  • Aert de Gelder
  • Виллем Байтевех
  • Ян Моленар
  • Адриан ван Остаде
  • Исаак ван Остаде
  • Питер де Хуч
  • Жерар тер Борх
  • Габриэль Метсу
  • Франс ван Мирис Старший
  • Ян Стин
  • Гиллис ван Конинкслоо
  • Roelant Savery
  • Хендрик Аверкамп
  • Эсиас ван де Вельде
  • Геркулес Сегерс
  • Питер де Молин
  • Ян ван Гойен
  • Саломон ван Рейсдал
  • Якоб ван Рейсдал
  • Aert van der Neer
  • Франс Пост
  • Элберт Кейп
  • Meindert Hobbema
  • Паулюс Поттер
  • Philips Wouwerman
  • Виллем ван де Вельде Младший
  • Корнелис Врум
  • Симон де Влигер
  • Ян ван де Каппель
  • Майкл Свертс
  • Янв Оба
  • Николаес Берхем
  • Янв Веникс
  • Карел Дюжарден
  • Томас де Кейзер
  • Питер Саредам
  • Эмануэль де Витте
  • Геррит Беркхейде
  • Ян ван дер Хейден
  • Амброзиус Босхарт Старший
  • Питер Клас
  • Виллем Хеда
  • Ян Давидс де Хем
  • Виллем Кальф
  • Рэйчел Рюйш
  • Абрахам ван Бейерен

Фламандские художники

Питер Пауль Рубенс

Завершив слияние реалистической традиции фламандской живописи со свободой воображения и классическими темами итальянской живописи эпохи Возрождения, Питер Пауль Рубенс коренным образом возродил и изменил направление североевропейской живописи. [2] После смерти отца Рубенс отправился в Венецию, где попал под чары сияющего цвета и величественных форм Тициана. В течение восьми лет (1600-1608) Рубенса в качестве придворного живописца герцога Мантуанского, он усвоил уроки других мастеров итальянского Возрождения и совершил (1603) путешествие в Испанию, которое оказало глубокое влияние на развитие испанского искусства барокко. Он также провел значительное количество времени в Риме, где написал алтарь для церквей Санта-Кроче-ди-Джерусалемме и Кьеза Нуова, его первые широко признанные шедевры.Его репутация установилась, Рубенс вернулся (1608) в Антверпен после смерти своей матери и быстро стал доминирующей художественной фигурой в испанских Нидерландах.

Основные произведения
  • Воздвижение креста
  • Изнасилование дочерей Левкиппа
  • Падение Проклятых
  • Сад любви

Все работы Рубенса демонстрируют страстное изобилие, которое несколько противоречит его набожным библейским взглядам. В большинстве его работ фигуры обнажены, и происходит акт похоти. Неистовая энергия и движение лучше всего характеризуют его работу с быстрым круговым движением, напоминающим S-образную кривую классической скульптуры. Сияющий цвет и свет, который мерцает на конечностях и драпировках, привели к созданию спиралевидных композиций, таких как The Descent from the Cross , с характерным для барокко ощущением движения и силы.

Другие влиятельные фламандские художники

  • Адриан Брауэр
  • Йост де Момпер Младший
  • Пауль Бриль
  • Якоб Йорданс

Испанские художники

Диего Веласкес

Веласкес оказал колоссальное влияние на европейское искусство.Большая часть его работ была посвящена пейзажам, мифологии и религиозной живописи; однако большую часть своей жизни он провел в портретной живописи. Будучи художником при мадридском дворе, он на многих портретах изображает дворян. Веласкеса называли «самым благородным и самым властным человеком среди художников своей страны». [2] Он был мастером-реалистом, и ни один художник не превзошел его в способности уловить основные черты и зафиксировать их на холсте несколькими широкими, уверенными мазками. Сказано: «Его мужчины и женщины, кажется, дышат»; «его лошади полны действий, а его собаки — жизни.» [2]

Из-за большого мастерства Веласкеса в объединении цвета, света, пространства, ритма линий и массы таким образом, что все они имеют одинаковую ценность, он был известен как» художник художника «. [ 2] С тех пор, как Веласкес обучал Бартоломе Мурильо, Веласкес прямо или косвенно побуждал художников вносить оригинальный вклад в развитие искусства. Другие, на которые он оказал заметное влияние, — это Франсиско де Гойя, Камиль Коро, Гюстав Курбе, Эдуард Мане и Джеймс Эббот Макнил Уистлер.

Основные работы

  • Сдача Бреды (конный портрет Филиппа IV)
  • Спиннеры
  • Фрейлины
  • Папа Иннокентий X
  • Христос в Эммаусе

Другие влиятельные испанские художники

  • Фра Хуан Санчес Котан
  • Франсиско Рибальта
  • Бартоломе Эстебан Мурильо
  • Алонсо Кано

Французское барокко

Georges de La Tour

Волна психологического реализма, которую привел в движение Караваджо, в конце концов достигла Жоржа де Ла Тура, и он принял ее. Его картины напоминают Караваджо твердыми и полированными поверхностями и сильными контрастами света и тьмы, но содержание кардинально отличается. [2] Ла Тур искусно изображает Христа и Деву Марию, но на самом деле никогда не говорит читателю, что они такие, какие они есть. В то время как на большинстве картин, изображающих рождение Христа, есть лучи света, исходящие от ребенка, у Ла Тура акушерка несет свечу. Другими словами, за его картиной скрывается сюрреалистическое ощущение человечности и начало новой жизни, вызывающей трепет у зрителей.

Луи Лен

Луи Ленен почти величественно рисовал простых людей, занимающихся обычными делами. Фигуры на картине кажутся почитаемыми: «они спокойно стоят или сидят среди домашней птицы и свиней на ферме группами, сложенными с таким достоинством, что грубая повозка наделена монументальным величием». [2] В The Cart «богато раскрашенные цвета — приглушенные серые, желтовато-коричневые и коричневые цвета в одежде с редкими оттенками красного, мягкого серого и синего в жемчужном небе, серые и зеленые цвета в пейзаже — делают Этот маленький шедевр — достойный предок Шардена в восемнадцатом веке и Коро в девятнадцатом. « [2]

Другие влиятельные французские художники

  • Клод Лоррен
  • Николя Пуссен
  • Валентин де Булонь
  • Симон Воуэ
  • Жак Бланшар
  • Laurent de La Hyre
  • Любин Баугин
  • Филипп де Шампань
  • Николя Турнье
  • Гаспар Дюге
  • Eustache Le Sueur
  • Себастьян Бурдон
  • Шарль Лебрен
  • Антуан Койсевокс
  • Пьер Легро Младший
  • Пьер Миньяр
  • Франсуа Жирардон
  • Жан Жувене
  • Жан-Франсуа де Трой
  • Андре Ленотр

Банкноты

  1. 1.0 1,1 1,2 Хелен Гарднер, Искусство сквозь века, Шестое издание (Harcourt Brace Jovanovich, Inc. 1975, ISBN 0155037536).
  2. 2,00 2,01 2,02 2,03 2,04 2,05 2,06 2,07 2,08 2,09 2,10 2,11 2,12 2,13 2,14 2,16 2,17 2. 18 2,19 Фредерик Хартт, Искусство: История живописи, скульптуры и архитектуры, Третье издание (Энглвуд Клиффс, Нью-Джерси: Прентис-Холл; Нью-Йорк: Х.Н. Абрамс, 1989, ISBN 9780130486387).
  3. ↑ Скульптура барокко в Риме. Проверено 10 марта 2021 года.

Список литературы

  • Гарднер, Хелен. Искусство сквозь века, Шестое издание, Harcourt Brace Jovanovich, Inc., 1975. ISBN 0155037536
  • Hartt, Frederick, Искусство: история живописи, скульптуры, архитектуры. Нью-Йорк: Гарри Н. Абрамс, Inc., 1989. ISBN 0810918846
  • Хельд, Юлий Самуил и Даниэль Познер, Искусство 17-го и 18-го веков; Барочная живопись, скульптура, архитектура. Нью-Йорк: Х. Н. Абрамс, 1971. ISBN 978-0810
  • 5
  • Wittkower, Рудольф. Искусство и архитектура Италии 1600-1750 гг. Т. 1: Раннее барокко (Yale University Press Pelican History of Art) Yale University Press, 1999. ISBN 978-0300079395

Внешние ссылки

Все ссылки получены 10 марта 2021 г.

Кредиты

Энциклопедия Нового Света Писатели и редакторы переписали и завершили статью Википедия в соответствии со стандартами New World Encyclopedia . Эта статья соответствует условиям лицензии Creative Commons CC-by-sa 3.0 (CC-by-sa), которая может использоваться и распространяться с указанием авторства. Кредит предоставляется в соответствии с условиями этой лицензии, которая может ссылаться как на участников New World Encyclopedia , так и на самоотверженных добровольцев Фонда Викимедиа.Чтобы процитировать эту статью, щелкните здесь, чтобы просмотреть список допустимых форматов цитирования. История более ранних публикаций википедистов доступна исследователям здесь:

История этой статьи с момента ее импорта в Энциклопедия Нового Света :

Примечание. Некоторые ограничения могут применяться к использованию отдельных изображений, на которые распространяется отдельная лицензия.

Искусство барокко — Энциклопедия Нового Света

Рождество Жозефы де Обидуш, 1669, Национальный музей античного искусства, Лиссабон

Стиль барокко начался как продолжение эпохи Возрождения. Позже, однако, ученые того времени начали замечать резкие различия между этими двумя стилями, поскольку стиль Возрождения уступил место искусству барокко . Архитектура барокко, скульптура и живопись драматического характера были мощными инструментами в руках религиозного и светского абсолютизма и процветали на службе католической церкви и католических монархий. Художники барокко были особенно сосредоточены на естественных формах, пространствах, цветах, свете и отношениях между наблюдателем и литературным или портретным предметом, чтобы произвести сильное, хотя и приглушенное, эмоциональное переживание.

Трентский собор (1545-1563), на котором Римско-католическая церковь ответила на многие вопросы внутренней реформы, поднятые как протестантами, так и теми, кто оставался внутри католической церкви, обратился к изобразительному искусству, потребовав, чтобы картины и скульптуры в церковный контекст должен говорить с неграмотными, а не с хорошо информированными.

Из-за этого искусство барокко имеет тенденцию сосредотачиваться на Святых, Деве Марии и других известных библейских историях. Религиозная живопись, историческая живопись, аллегории и портреты по-прежнему считались самыми благородными предметами, но пейзажи, натюрморты и жанровые сцены быстро приобрели известность.

Обзор живописи в стиле барокко

Характеристики барочной живописи

Искусство барокко отличается большой драматичностью, богатым цветом и интенсивными светлыми и темными тенями. В отличие от искусства эпохи Возрождения, которое обычно показывало момент перед событием, художники эпохи барокко выбирали самый драматический момент, момент, когда происходило действие: Микеланджело, работающий в эпоху Высокого Возрождения, показывает своего Давида, составленного еще до того, как он сражается. Голиаф; Барочный Давид Бернини пойман, когда он бросает камень в гиганта.Искусство барокко должно было вызывать эмоции и страсть вместо спокойной рациональности, которая ценилась в эпоху Возрождения.

Живопись в стиле барокко возникла из стилей художников высокого Возрождения, таких как Микеланджело, Рафаэль, Тициан и Корреджо. Вальтер Фридлендер ссылается на такие «элементы, как интерес к правдоподобию и натурализму (часто с сильным аллегорическим содержанием), представления крайних состояний чувств, желание предложить расширение в пространство, динамическое движение, интенсивное взаимодействие со светом (в его физическом и физическом отношении). духовные коннотации) и чувствительность к влиянию классических цивилизаций, как представляющих некоторые из характерных черт искусства барокко.«Хотя считается, что эпоха семнадцатого века весьма амбивалентна по отношению к какому-либо одному стилю, художники эпохи барокко проявили в своей живописи несколько характеристик, которые ясно дали понять, что работа была в стиле барокко: 1) живописные мазки, 2) рецессия плоскости, 3) открытая форма, 4) единство и 5) непонятность темы.

Архитектура

Санта-Сусанна: Карло Мадерно. Сицилийское барокко: Сан-Бенедетто в Катании.

Архитектурный стиль барокко проявился при строительстве Il Ges (церкви Иисуса). Здание было построено Джакомо да Виньола (проектировщик плана земли) и Джакомо Делла Порта, разработавшим фасад. Базовая схема фасада распространена во всех католических странах и использовалась в качестве модели более двух столетий. Барокко сыграло роль в спросе на архитектуру, которая, с одной стороны, была более доступной для эмоций, а с другой — наглядной демонстрацией богатства и могущества церкви. Новый стиль проявился, в частности, в контексте новых религиозных орденов, таких как Театины и Иезуиты, которые стремились улучшить народное благочестие. [1]

Характеристики

  • длинные узкие нефы заменяются более широкими, иногда круглыми формами
  • драматическое использование света, либо сильные светотеневые контрасты, светотени, эффектов (например, церковь Вельтенбургского аббатства) или равномерное освещение с помощью нескольких окон (например, церковь аббатства Вайнгартен)
  • богатое использование украшений (путто из дерева (часто позолоченного), гипса или лепнины, мрамора или искусственной отделки)
  • потолочные фрески масштабные
  • Внешний фасад часто характеризуется эффектным центральным выступом.
  • интерьер часто бывает не более чем раковиной для живописи и скульптуры (особенно в позднем барокко)
  • иллюзорных эффектов, таких как trompe l’oeil и смешение живописи и архитектуры
  • В баварских, чешских землях, Польше и украинском барокко грушевые купола встречаются повсеместно
  • Колонны Марии и Святой Троицы возводятся в католических странах, часто в благодарность за прекращение чумы

Скульптура

Скульпторы в стиле барокко испытали чувство свободы комбинировать и создавать то, о чем они могли думать.Многие художники не стеснялись комбинировать разные материалы в одной работе и часто использовали один материал для имитации другого. Один из величайших шедевров барочной скульптуры, например, «Святая Тереза ​​из капеллы Корнаро» Джованни Бернини поддается экстатическому видению тусклого мраморного облака, в котором бронзовые лучи спускаются из скрытого источника света. Многие произведения скульптуры в стиле барокко расположены в сложных архитектурных декорациях, и часто кажется, что они выплескиваются из отведенных для них ниш или плывут вверх к небу. [2]

«Отличительными чертами статуй в стиле барокко являются: а) использование более чем одного блока мрамора, что позволяет использовать большое количество жестов; б) обработка драпировки, которая не падает обычным образом. , но перемещается своего рода ветром; в) использование пестрого / цветного мрамора или других мраморов; г) скручивание очень часто высокого и стройного тела «. [3]

Основные художники в стиле барокко и их влияние

Карраччи

Монументальная живопись в стиле барокко была создана Карраччи: братьями Аннибале и Агостино Карраччи и двоюродным братом Людовико Карраччи.«Карраччи стремились к синтезу силы и величия Микеланджело, гармонии и грации Рафаэля и цвета Тициана, не через прямое подражание этим художникам Высокого Возрождения, а через подражание их методу идеализации природы». [2] Другими словами, они пытались оживить искусство семнадцатого века идеалами природы эпохи Возрождения и своими идеями цвета и единства. Карраччи были связаны с Болонской академией, а их двоюродный брат Людовико был основателем школы.Предпосылка Болонской академии Карраччи заключалась в том, что «искусству можно обучать — основа любой академической философии искусства — и что учебные материалы должны основываться на традициях, античности и эпохе Возрождения, в дополнение к обучению и рисованию. из жизни «. [1]

Караваджо

Революционер Караваджо изменил курс европейского искусства. «Психологический реализм, проникший в глубины человеческих чувств, в некоторых отношениях сопоставимый с идеями его чуть более старшего современника, Уильяма Шекспира, и его необыкновенное ощущение твердой реальности, спроецированной в реальное пространство.» [2] Караваджо стал известен тем, что использовал светотени, своего самого эффективного устройства для пробуждения глубин души. Светотень был использованием контрастных светлых и темных цветов и теней.

Джентилески

Артемизия Джентилески, ученица и дочь Орацио Джентилески, построила свою картину вокруг бурного прошлого своей юности. После изнасилования учеником Орацио Агостино Тасси репутация Артемезии была подорвана.В результате значительная часть ее работ посвящена феминистским темам, которых мужчины обижают, и героической мести, которую они берут на себя. Понятно, что женщина во всех ее работах — автопортрет. [2]

Бернини

Влияние Джан Лоренцо Бернини на искусство барокко, особенно на последних этапах его развития, неоспоримо. Бернини написал основные произведения в области архитектуры, скульптуры, живописи, был драматургом и композитором. Фактически, он был модельным скульптором для всех, кто следовал за ним в исторической хронологии.Его стиль во всех средах демонстрировал непревзойденную интенсивность и яркость, которые, казалось, воплощали в жизнь все, что он создал.

Основные произведения стиля барокко в Италии

  • Карраси Роспись потолка в Палаццо Фарнезе (дворец Фарнезе)

Роспись потолка Аннибале Каррачи явно вдохновлена ​​Сикстинской капеллой Микеланджело. Типичный для искусства барокко, «для нашего понимания барокко важно, чтобы божественная любовь, задуманная как принцип, лежащий в основе вселенной, должна быть движущей силой, которая объединяет все элементы потолка и разрешает все конфликты в непредвиденном акт искупления.» [2] Энергия всех фигур контролируется, но при этом мощна и обильна. Чрезвычайно трудно отличить реальность от представления. Другими словами, стиль барокко характеризуется более чувственным, временами эротическим проявлением привязанности, не только в живописи, но и в скульптуре и архитектуре.

  • Пейзаж с бегством в Египет

В своих пейзажах Карраччи принципиально отклоняется от высокой точки обзора, так что фигуры в сцене находятся на одном уровне глаз со зрителем.Второй, более заметной характеристикой его пейзажных картин является то, что они не фантастичны или образны; Фактически, они основаны на реальных окрестностях Рима. В этом произведении это Тибр и Альбанские холмы: «Пейзаж на этой картине, как почти всегда в семнадцатом веке, был получен в результате исследований, сделанных на открытом воздухе, но созданных в студии». [2]

Использование теней для контраста светлого и темного в этом произведении наилучшим образом.Хотя тема призвания святого Матфея преобладает в истории искусства, никто другой не может волновать душу так, как произведение Караваджо. Христос озаряется светом, когда кончики его пальцев отражаются от луча света в затемненной комнате. Лица трех мальчиков озаряются изумлением, когда они видят видение Христа: «Фоном служит стена в римской таверне; окна, стекла которых сделаны из промасленной бумаги, обычной до повсеместного использования стекла, — единственное видимое изображение. фоновый объект.» [2]

  • Артемезия Джентилески Юдифь с головой Олоферна

Страсть и энергия вырываются из поверхности произведения, и единственный свет в произведении исходит от свечи (светотени), которая дает нам прямой обзор зловещей тени на лице Джудит: «Победоносная еврейская героиня бросает последний взгляд назад в затемненный шатер, когда ее служанка собирается обернуть отрубленную голову». [2]

  • Давид Джана Лоренцо Бернини

Если сравнить Давид Бернини с произведением Микеланджело и Донателло, становится ясно, почему это стиль барокко.Одна из ключевых особенностей скульптуры в стиле барокко, которая преобладает в этом произведении, — это изображение Бернини сцены именно в тот момент, когда Давид энергично крутится, когда он движется, чтобы высвободить камень: «Левая рука сжимает перевязь и камень вызывает резкое напряжение в мышцах и венах руки, пальцы правой ступни сжимают камень для… » [2] Вибрация исходит от этой работы, и ее легко отличить по эмоциям фигуры и искривлениям тело.

Другие влиятельные итальянские художники

  • Карло Мадерно
  • Франческо Борромини
  • Бартоломео Манфреди
  • Карло Сарачени
  • Баттистелло Караччоло
  • Гвидо Рени
  • Франческо Альбани
  • Доменикино
  • Guercino
  • Даниэле Креспи
  • Доменико Фетти
  • Пьетро Такка
  • Пьетро да Кортона
  • Алессандро Альгарди
  • Бачиччо
  • Андреа Поццо
  • Лука Джордано
  • Карло Маратти
  • Франческо Фурини
  • Карло Дольчи
  • Эваристо Башенис
  • Бернардо Строцци
  • Бернардо Каваллино
  • Маттиа Прети

Голландские художники

Caravaggesques

Из многих художников, которые были связаны обаянием Караваджо, были Хендрик Тербругген и Жерар ван Хонтхорст.Эти двое были известны как главные Караваджи, потому что «их религиозные картины показывают понимание нового видения Караваджо обычного человечества, достигнутого божественной любовью». [2] Хонтхорст в первую очередь сосредоточился на библейских сценах, сделанных в темноте, в то время как Тербругген, как и Караваджо, рисует с аурой неуверенности. Фон расположен, казалось бы, в глуши. Тербургген исследовал психологический аспект искусства Караваджо в стиле барокко. [2]

Галс

Франс Хальс был, пожалуй, самым блестящим из всех портретистов.Как подающий надежды художник, его мало что интересовало, кроме человеческого лица и фигуры. Он обладал непревзойденной способностью улавливать «момент действия, чувства, восприятия или выражения и фиксировать этот момент яростными, но безошибочными ударами». [2] Его использование света и тьмы менее интенсивно, чем у Караваджо, но его стиль портретной живописи оригинален. В The Laughing Cavalier фон определен и не важен. Все внимание сосредоточено на лице портрета.«Любовные наклонности молодого человека могут быть обозначены стрелами, факелами и пчелами Купидона, а также крылатым посохом и шляпой Меркурия, вышитыми красным, серебряным и золотым цветами на темно-коричневом разрезе его рукава. С его сияющим лицом. , опасные усы, снежный воротник и лихая шляпа, сюжет является самим символом барочной галантности; кульминацией картины является насмешливая улыбка, в которой сходятся все композиционные силы ». [2]

Рембрандт

Рембрандт ван Рейн занимался как светскими, так и библейскими темами; однако именно духовность его искусства отличает его от голландских современников, да и вообще от всех художников.Он был одним из немногих художников, подписавших свои работы своим именем. Живя в эпоху, когда художникам было запрещено показывать свои картины в церквях, Рембрандт обращался к человеку, используя «сияющий свет и яркую тень, восприимчивый к самым глубоким резонансам человеческих чувств». [1] В Ужине в Эммаусе, Рембрандт воскресил Караваджо в использовании света и тьмы с такой интенсивностью, которая внесла его в учебники истории. В этом произведении Рембрандт изображает откровение Христа как спасителя для своих учеников, что было почти автоматическим предметом в эпоху барокко.Смысл откровения для его учеников представлен внезапной вспышкой света из тьмы, намекающей на выход в небеса из этого мрачного материального мира. Внезапно место, где стоит Христос, превращается в апсиду, а стол превращается в жертвенник, оба из которых освещаются лучами из головы Христа. Рембрандт поднял шок сцены до новых высот в том, что все неподвижны, в пьесе нет движения.

Хонтхорст

Геррит ван Хонтхорст отличался от других художников тем, что специализировался на рисовании в темноте.В «Поклонение пастухов», Влияние Караваджо проявляется в таинственном фоне и неровностях посреди излучаемого света.

Другие влиятельные голландские художники

  • Питер Ластман
  • Ян Пинас
  • Дирк ван Бабурен
  • Ян Ливенс
  • Жерар Доу
  • Джейкоб Бэкер
  • Говерт Флинк
  • Фердинанд Бол
  • Карел Фабрициус
  • Самуэль ван Хогстратен
  • Гербранд ван ден Экхаут
  • Philips Koninck
  • Николаес Маес
  • Виллем Дрост
  • Aert de Gelder
  • Виллем Байтевех
  • Ян Моленар
  • Адриан ван Остаде
  • Исаак ван Остаде
  • Питер де Хуч
  • Жерар тер Борх
  • Габриэль Метсу
  • Франс ван Мирис Старший
  • Ян Стин
  • Гиллис ван Конинкслоо
  • Roelant Savery
  • Хендрик Аверкамп
  • Эсиас ван де Вельде
  • Геркулес Сегерс
  • Питер де Молин
  • Ян ван Гойен
  • Саломон ван Рейсдал
  • Якоб ван Рейсдал
  • Aert van der Neer
  • Франс Пост
  • Элберт Кейп
  • Meindert Hobbema
  • Паулюс Поттер
  • Philips Wouwerman
  • Виллем ван де Вельде Младший
  • Корнелис Врум
  • Симон де Влигер
  • Ян ван де Каппель
  • Майкл Свертс
  • Янв Оба
  • Николаес Берхем
  • Янв Веникс
  • Карел Дюжарден
  • Томас де Кейзер
  • Питер Саредам
  • Эмануэль де Витте
  • Геррит Беркхейде
  • Ян ван дер Хейден
  • Амброзиус Босхарт Старший
  • Питер Клас
  • Виллем Хеда
  • Ян Давидс де Хем
  • Виллем Кальф
  • Рэйчел Рюйш
  • Абрахам ван Бейерен

Фламандские художники

Питер Пауль Рубенс

Завершив слияние реалистической традиции фламандской живописи со свободой воображения и классическими темами итальянской живописи эпохи Возрождения, Питер Пауль Рубенс коренным образом возродил и изменил направление североевропейской живописи. [2] После смерти отца Рубенс отправился в Венецию, где попал под чары сияющего цвета и величественных форм Тициана. В течение восьми лет (1600-1608) Рубенса в качестве придворного живописца герцога Мантуанского, он усвоил уроки других мастеров итальянского Возрождения и совершил (1603) путешествие в Испанию, которое оказало глубокое влияние на развитие испанского искусства барокко. Он также провел значительное количество времени в Риме, где написал алтарь для церквей Санта-Кроче-ди-Джерусалемме и Кьеза Нуова, его первые широко признанные шедевры.Его репутация установилась, Рубенс вернулся (1608) в Антверпен после смерти своей матери и быстро стал доминирующей художественной фигурой в испанских Нидерландах.

Основные произведения
  • Воздвижение креста
  • Изнасилование дочерей Левкиппа
  • Падение Проклятых
  • Сад любви

Все работы Рубенса демонстрируют страстное изобилие, которое несколько противоречит его набожным библейским взглядам.В большинстве его работ фигуры обнажены, и происходит акт похоти. Неистовая энергия и движение лучше всего характеризуют его работу с быстрым круговым движением, напоминающим S-образную кривую классической скульптуры. Сияющий цвет и свет, который мерцает на конечностях и драпировках, привели к созданию спиралевидных композиций, таких как The Descent from the Cross , с характерным для барокко ощущением движения и силы.

Другие влиятельные фламандские художники

  • Адриан Брауэр
  • Йост де Момпер Младший
  • Пауль Бриль
  • Якоб Йорданс

Испанские художники

Диего Веласкес

Веласкес оказал колоссальное влияние на европейское искусство.Большая часть его работ была посвящена пейзажам, мифологии и религиозной живописи; однако большую часть своей жизни он провел в портретной живописи. Будучи художником при мадридском дворе, он на многих портретах изображает дворян. Веласкеса называли «самым благородным и самым властным человеком среди художников своей страны». [2] Он был мастером-реалистом, и ни один художник не превзошел его в способности уловить основные черты и зафиксировать их на холсте несколькими широкими, уверенными мазками. Сказано: «Его мужчины и женщины, кажется, дышат»; «его лошади полны действий, а его собаки — жизни.» [2]

Из-за большого мастерства Веласкеса в объединении цвета, света, пространства, ритма линий и массы таким образом, что все они имеют одинаковую ценность, он был известен как» художник художника «. [ 2] С тех пор, как Веласкес обучал Бартоломе Мурильо, Веласкес прямо или косвенно побуждал художников вносить оригинальный вклад в развитие искусства. Другие, на которые он оказал заметное влияние, — это Франсиско де Гойя, Камиль Коро, Гюстав Курбе, Эдуард Мане и Джеймс Эббот Макнил Уистлер.

Основные работы

  • Сдача Бреды (конный портрет Филиппа IV)
  • Спиннеры
  • Фрейлины
  • Папа Иннокентий X
  • Христос в Эммаусе

Другие влиятельные испанские художники

  • Фра Хуан Санчес Котан
  • Франсиско Рибальта
  • Бартоломе Эстебан Мурильо
  • Алонсо Кано

Французское барокко

Georges de La Tour

Волна психологического реализма, которую привел в движение Караваджо, в конце концов достигла Жоржа де Ла Тура, и он принял ее.Его картины напоминают Караваджо твердыми и полированными поверхностями и сильными контрастами света и тьмы, но содержание кардинально отличается. [2] Ла Тур искусно изображает Христа и Деву Марию, но на самом деле никогда не говорит читателю, что они такие, какие они есть. В то время как на большинстве картин, изображающих рождение Христа, есть лучи света, исходящие от ребенка, у Ла Тура акушерка несет свечу. Другими словами, за его картиной скрывается сюрреалистическое ощущение человечности и начало новой жизни, вызывающей трепет у зрителей.

Луи Лен

Луи Ленен почти величественно рисовал простых людей, занимающихся обычными делами. Фигуры на картине кажутся почитаемыми: «они спокойно стоят или сидят среди домашней птицы и свиней на ферме группами, сложенными с таким достоинством, что грубая повозка наделена монументальным величием». [2] В The Cart «богато раскрашенные цвета — приглушенные серые, желтовато-коричневые и коричневые цвета в одежде с редкими оттенками красного, мягкого серого и синего в жемчужном небе, серые и зеленые цвета в пейзаже — делают Этот маленький шедевр — достойный предок Шардена в восемнадцатом веке и Коро в девятнадцатом.» [2]

Другие влиятельные французские художники

  • Клод Лоррен
  • Николя Пуссен
  • Валентин де Булонь
  • Симон Воуэ
  • Жак Бланшар
  • Laurent de La Hyre
  • Любин Баугин
  • Филипп де Шампань
  • Николя Турнье
  • Гаспар Дюге
  • Eustache Le Sueur
  • Себастьян Бурдон
  • Шарль Лебрен
  • Антуан Койсевокс
  • Пьер Легро Младший
  • Пьер Миньяр
  • Франсуа Жирардон
  • Жан Жувене
  • Жан-Франсуа де Трой
  • Андре Ленотр

Банкноты

  1. 1.0 1,1 1,2 Хелен Гарднер, Искусство сквозь века, Шестое издание (Harcourt Brace Jovanovich, Inc. 1975, ISBN 0155037536).
  2. 2,00 2,01 2,02 2,03 2,04 2,05 2,06 2,07 2,08 2,09 2,10 2,11 2,12 2,13 2,14 2,16 2,17 2.18 2,19 Фредерик Хартт, Искусство: История живописи, скульптуры и архитектуры, Третье издание (Энглвуд Клиффс, Нью-Джерси: Прентис-Холл; Нью-Йорк: Х.Н. Абрамс, 1989, ISBN 9780130486387).
  3. ↑ Скульптура барокко в Риме. Проверено 10 марта 2021 года.

Список литературы

  • Гарднер, Хелен. Искусство сквозь века, Шестое издание, Harcourt Brace Jovanovich, Inc., 1975. ISBN 0155037536
  • Hartt, Frederick, Искусство: история живописи, скульптуры, архитектуры. Нью-Йорк: Гарри Н. Абрамс, Inc., 1989. ISBN 0810918846
  • Хельд, Юлий Самуил и Даниэль Познер, Искусство 17-го и 18-го веков; Барочная живопись, скульптура, архитектура. Нью-Йорк: Х. Н. Абрамс, 1971. ISBN 978-0810
  • 5
  • Wittkower, Рудольф. Искусство и архитектура Италии 1600-1750 гг. Т. 1: Раннее барокко (Yale University Press Pelican History of Art) Yale University Press, 1999. ISBN 978-0300079395

Внешние ссылки

Все ссылки получены 10 марта 2021 г.

Кредиты

Энциклопедия Нового Света Писатели и редакторы переписали и завершили статью Википедия в соответствии со стандартами New World Encyclopedia . Эта статья соответствует условиям лицензии Creative Commons CC-by-sa 3.0 (CC-by-sa), которая может использоваться и распространяться с указанием авторства. Кредит предоставляется в соответствии с условиями этой лицензии, которая может ссылаться как на участников New World Encyclopedia , так и на самоотверженных добровольцев Фонда Викимедиа.Чтобы процитировать эту статью, щелкните здесь, чтобы просмотреть список допустимых форматов цитирования. История более ранних публикаций википедистов доступна исследователям здесь:

История этой статьи с момента ее импорта в Энциклопедия Нового Света :

Примечание. Некоторые ограничения могут применяться к использованию отдельных изображений, на которые распространяется отдельная лицензия.

Какой самый популярный предмет в стиле барокко? — Mvorganizing.org

Какой самый популярный предмет в стиле барокко?

Хотя тематика и даже стиль могут варьироваться между картинами в стиле барокко, у большинства произведений этого периода есть одна общая черта: драма.В работах таких известных художников, как Караваджо и Рембрандт, интерес к драме проявляется в интенсивных контрастах между сияющим светом и надвигающимися тенями.

Как узнать картину в стиле барокко?

вещей, которые стоит искать в искусстве барокко:

  1. Изображения прямые, очевидные и драматичные.
  2. Пытается привлечь зрителя к участию в сцене.
  3. Изображения кажутся физически и психологически реальными.
  4. Экстравагантные декорации и украшения.
  5. Эффектное использование цвета.
  6. Драматический контраст между светом и тьмой, светом и тенью.

Как вы определяете архитектуру барокко?

Обычно дом в стиле барокко можно узнать по центральному пролету фасада, где находится дверь или ворота. Дизайн этого пролета обычно более сложен, чем остальная часть фасада. Многие дома, монастыри и богадельни Антверпена тогда и сейчас имеют такой типичный, эффектный вход.

Как узнать архитектуру барокко?

Другие характерные качества включают величие, драматизм и контраст (особенно в освещении), округлость и часто головокружительный набор богатых обработок поверхностей, скручивающих элементов и позолоченных скульптур.Архитекторы беззастенчиво применили яркие цвета и иллюзорно-ярко раскрашенные потолки.

Что такое французское рококо?

Картина в стиле рококо, зародившаяся в Париже в начале 18 века, отличается мягкими цветами и пышными линиями и изображает сцены любви, природы, любовных встреч, беззаботных развлечений и молодости. Слово «рококо» происходит от слова «рокайль», что по-французски означает «щебень» или «камень».

Что привело к неоклассицизму?

Неоклассицизм частично возник как реакция на чувственный и легкомысленно декоративный стиль рококо, который доминировал в европейском искусстве с 1720-х годов.Винкельманн увидел в греческой скульптуре «благородную простоту и тихое величие» и призвал художников подражать греческому искусству.

Каковы особенности искусства неоклассицизма?

Неоклассическая архитектура характеризуется величием масштаба, простотой геометрических форм, греческими — особенно дорическими (см. Порядок) — или римскими деталями, драматическим использованием колонн и предпочтением глухих стен. Новый вкус к античной простоте стал общей реакцией на излишества стиля рококо.

Как бы вы объяснили, что искусство требует опыта?

Понятие «Искусство как опыт» подразумевает, что создание искусства должно иметь личную и познавательную ценность. В этой концепции искусства создатель должен иметь тесную или субъективную связь со своим творением, чтобы и то, и другое имели силу.

Стили итальянского и голландского барокко

Статуя Бернини стоит в Фонтана дель Моро, Пьяцца Навона, Рим.

Барочный период истории искусства длился с 1600-х до середины 1700-х годов.В этот период художники отреагировали на сдержанное искусство, типичное для конца Возрождения, и начали создавать драматические и эмоциональные работы. Однако, если вы сравните искусство барокко из Нидерландов с искусством барокко из Италии, вы увидите, что художники из каждой страны выражали эти тенденции по-разному.


Характеристики искусства барокко

Независимо от того, где оно было создано, искусство барокко отличается повышенной эмоциональностью и драматической напряженностью.В живописи это означало сильный контраст между темным и светлым, называемый светотенью. Кроме того, художники в стиле барокко рисовали кружащимися мазками, чтобы передать ощущение энергии. В скульптуре это означало создание фигур, которые кажутся движущимися, с развевающейся одеждой и развеваемыми ветром волосами. Художники в стиле барокко часто пытались запечатлеть своих сюжетов в середине действия.


Различия между итальянским и

голландским барокко Искусство

Искусство итальянского барокко было заказано католической церковью.Естественно, влияние церкви означало, что искусство барокко из Италии почти всегда было предметом религии. Напротив, к 1600-м годам большинство людей в Нидерландах были протестантами. Вместо церкви художники полагались на дворян, богатых купцов и других покровителей для комиссионных. Искусство голландского барокко в первую очередь светское, часто состоящее из портретов людей, занимающихся своими повседневными делами.


Итальянское барокко Художники

Одним из самых выдающихся художников итальянского барокко был Микеланджело Меризи, известный как Караваджо.Работы Караваджо были известны своей крайней светотенью и часто жестокими сюжетами, такими как его картины Юдифи с отрубленной головой Олоферна. Джан Лоренцо Бернини был крупнейшим итальянским скульптором периода барокко. Он был известен интенсивными, динамичными скульптурами, которые помещали зрителя в центр действия. Например, когда вы приближаетесь к статуе Давида Бернини, кажется, что Давид бросает в вас камень.


Голландские художники барокко

Самым известным голландским художником барокко был художник Рембрандт ван Рейн.В характерных портретах Рембрандта объект всегда освещен на темном фоне. Вместо того, чтобы рисовать людей, сидящих тихо, Рембрандт часто рисовал их в действии. Даже когда его испытуемые сидят, кажется, что они собираются пошевелиться или заговорить. Франс Хальс был еще одним важным голландским художником. Он пропускал в свои картины больше света, чем Рембрандт, и использовал непринужденную манеру письма, чтобы оживить свои портреты.

Искусство 236: Произведение искусства в стиле барокко: Влияние Караваджо


В семнадцатом веке в Италии возник стиль, известный как искусство барокко, как ответ на католическую контрреформацию.После подъема протестантизма искусство было создано, чтобы вернуть людей в католическую церковь. Целью этого произведения искусства было подчеркнуть важность святых, научить мирян и подчеркнуть значение Евхаристии. Эти предметы были включены в произведения искусства, чтобы восстановить доверие к церкви. Искусство барокко подразделяется на такие черты, как драматизм, сильные диагонали, светлые и темные контрасты, участие зрителя, натурализм и иллюзионизм. Театральность этого произведения искусства должна была заставить зрителя вернуться в католическую церковь.

Одним из самых влиятельных художников эпохи барокко был Микеланджело Меризи да Караваджо. Его работы были невероятно драматичными и эмоциональными, акцентируя внимание на самом напряженном моменте сцены. Караваджо использовал монохромный фон, чтобы выдвинуть фигуры на передний план картины. Фигуры кажутся практически выпадающими из сцены в пространство зрителя. Караваджо очень интересовался натурализмом, поэтому фигуры были реалистичными и живыми. Люди далеки от идеализации, а его картины содержат грязные, грубые детали.Караваджо часто включает в себя источник света для создания тенебризма или интенсивных световых и темных контрастов цвета. Он также включает сильные диагонали во всю композицию своих картин. Сюжеты картин Караваджо обычно библейские и часто включают святых. Акцент на важности святых был пропагандой, чтобы вернуть людей в католическую церковь. Стиль живописи Караваджо оказывал влияние на художников Северной и Южной Европы на десятилетия вперед.

Итальянская художница Артемизия Джентилески явно находилась под влиянием Караваджо и вдохновлялась им.Между 1611 и 1612 годами Джентилески создал картину маслом Юдифь, обезглавливающая Олоферна . В этой сцене героиня Юдифь обезглавливает солдата, спасающего евреев от ассирийцев. Сцена изображает самый острый момент драмы, когда Юдифь подносит меч к шее Олоферна, и кровь льется на кровать. Джентилески включает в себя множество деталей в стиле Караваджа, таких как монохромный фон, сильные световые и темные контракты, диагонали и натурализм. Артемизия не создавала эту картину как часть контрреформации.Вместо этого эта картина может изображать возмездие мужчинам или расширение прав и возможностей женщин. Еще одним художником, находящимся под влиянием Караваджо, был голландский художник Геррит Ван Хонтхорст. Хотя католицизм был в основном объявлен вне закона по всей Голландии, Хонтхорст жил в преимущественно католическом городе. «Насмешки над Христом» , написанные между 1617 и 1620 годами, изображают группу людей, которые насмехаются над Иисусом Христом и мучают его. Факел в центре изображения создает невероятный контраст светлых и темных цветов.Это драматическое освещение вызывает у зрителя чувство умиления и мрачности. Изображенные мужчины очень натуралистичны и похожи на людей, которых вы можете видеть в повседневной жизни. Хонтхорст также использует монохроматический фон, чтобы выдвинуть фигуры вперед и создать иллюзию трехмерности.
Как видите, Микеланджело Меризи да Караваджо был невероятно влиятельным художником в период барокко. Его драматическая, театральная живопись вдохновляла художников для будущих поколений. Характеристики его картин можно найти в картинах, скульптурах и архитектуре по всей Европе.

Виктория и Альберта · Церковь и барокко

Стиль барокко процветал благодаря покровительству Римско-католической церкви. Этот стиль, пропагандируемый поколениями пап, кардиналов, священников, миссионеров и верующих, распространился по всему миру.

Религиозное искусство барокко можно было увидеть не только в церквях, но и на углах улиц и площадях, на святынях и общественных статуях, а также в процессиях. Хотя стиль барокко был тесно связан с силой и авторитетом католической церкви, он также был знаком многим протестантам.

В стиле барокко наряду с музыкой и поэзией использовались живопись, скульптура, архитектура и декоративное искусство, чтобы воздействовать на все органы чувств. Эти «произведения искусства» были созданы для того, чтобы произвести впечатление на зрителя и заинтересовать его. Религиозные предметы в стиле барокко не только вдохновляли преданность, но и приносили честь тем, кто их заказал, а также мастерам и художникам, создавшим их.

Рим в стиле барокко был штаб-квартирой римско-католической церкви.Подобно князьям, папы использовали свое покровительство для обладания властью. Они потратили огромные суммы на строительные проекты, художественные комиссии и создание коллекций. Некоторые папы устанавливают художественные тенденции, отдавая предпочтение конкретным художникам, художественным средствам массовой информации и предметам. Джанлоренцо Бернини (1598–1680) работал на смену пап и был особенно известен своим объединением скульптуры, живописи и архитектуры в таких произведениях, как капелла Корнаро и в его проектах для базилики Святого Петра в Риме.

Коллекция V&A включает два бюста итальянского скульптора Доменико Гуиди, представляющих Папу Иннокентия X (годы правления 1644 — 55) и Папу Александра VIII (годы правления 1689 — 91).Широкие облачения и натурализм в стиле барокко придают портретным бюстам грандиозное присутствие и силу. Папские бюсты такого типа регулярно изготавливались в литейной мастерской Ватикана.

(Слева) Папа Иннокентий X, Доменико Гуиди, около 1690 года, Италия. Музей № 1088–1853. © Музей Виктории и Альберта, Лондон; (Справа) Папа Александр VIII, Доменико Гуиди, около 1690 года, Италия. Музей № 1089–1853. © Музей Виктории и Альберта, Лондон

Внутри церкви в стиле барокко

Войдя в церковь в стиле барокко, молящийся встретил пространство драматической напряженности, которое выразило триумф католической церкви.Для украшения использовались самые разные материалы: бронзовые перила и освещение, серебряные церемониальные предметы, а также резное и украшенное дерево для сидения и обрамления картин. Почти все поверхности были окрашены или позолочены, вышитые ткани использовались в качестве занавесей, облачений и покрытий, а скульптуры из дерева, камня, металла, глины или гипса были установлены на жертвенниках и вокруг них.

Многие помещения в церкви были переданы под памятные нужды. Папы и их семьи соревновались друг с другом за получение престижных захоронений в самых важных церквях Рима и за возведение впечатляющих надгробных памятников.

Сложный характер погребальных памятников демонстрируется в дизайне из нашей коллекции памятника в честь леди Дороти Браунлоу (1665–99/1700), жены сэра Уильяма Браунлоу. Расположенный в английской церкви Святого Николая, Саттон, памятник описан Джоном Обри в его Естественной истории и древностях графства Суррей (1718) как:

-дюймовый красивый мраморный памятник, на котором лежит во весь рост Дама, опирающаяся на левую руку, и ее трое детей, двое плачущих и один указывающий на Славу, окруженную херувимами на занавеске, на двух верхних купидонах с золотыми трубами; по бокам две урны »

Надпись на памятнике устанавливает родословную леди Браунлоу.Социальные элиты использовали такие памятники для повышения своего социального статуса.

Проект памятника Дороти, леди Браунлоу, в церкви Святого Николая, Саттон, Уильям Стэнтон, около 1700 года, Англия. Музей № Д.1104-1898. © Музей Виктории и Альберта, Лондон

Производительность Mass

Спектакль был так же заметен в священных пространствах часовен и церквей, как и в театре. Во время мессы, совершаемой в память о жертве Христа на кресте, католики верят, что «Хозяин» (маленькая плоская вафля, символизирующая хлеб Тайной вечери) и вино чудесным образом стали телом и кровью Христа.В типичной манере барокко «Хозяин» демонстрировался прихожанам, помещая его в центральное окно («лунула») очень декоративного объекта, называемого дароносицей. Монстранцию ​​ставили на алтарь как центр поклонения или держали во время церковных процессий, чтобы прихожане могли ее увидеть.

Этот образец из нашей коллекции был изготовлен Иоганном Цекелем, одним из ведущих ювелиров того времени в Аугсбурге, Бавария. Он тщательно украшен изображениями, связанными с Христом.Мемориальная доска под центральным окном изображает Тайную вечерю, во время которой Христос делился хлебом и вином со своими учениками, говоря: «Это мое тело и кровь». Рога изобилия — рога по обе стороны от дарохранительницы — содержат виноградные лозы и початки кукурузы и символизируют вино и хлеб сервиза. Поскольку алтарь был центральным в этом ритуале, им часто уделялось значительное внимание покровителей и художников, например, бронзовый балдахин или балдахин, которые Бернини спроектировал для алтаря базилики Святого Петра в Риме.

Монстранс, Иоганн Цекель, 1705 год, Аусбург. Музей № M.3-1952. © Музей Виктории и Альберта, Лондон

Значение святых

В католической церкви святые считались важными образцами для подражания, действия которых могли просвещать и вдохновлять. Особое значение имели вновь созданные святые, бывшие миссионерами. В церквях производили священные сосуды, чтобы рассказывать их историю, а также защищать и демонстрировать телесные реликвии. Еще одним популярным мотивом была Дева Мария.Художники барокко разработали разные образы Марии в роли матери, сестры или дочери. Одним из ее самых популярных олицетворений 17-го века была «Дева скорбей», где она была изображена страдающей, страдающей и одинокой. Бюсты скорбящей Девы часто помещали в боковых приделах церквей в качестве места для личного поклонения, возможно, рядом с аналогичным бюстом Христа, демонстрирующим его раны. В нашей коллекции есть испанский бюст «Скорбящей девы», изобретательно сделанный из слоновой кости, стекла и расписной сосны, чтобы он выглядел максимально реалистично.Хотя часть первоначального цвета скульптуры была утеряна — следы слез могли когда-то быть видны на щеках — ее простая сила все еще осталась нетронутой. Бюст демонстрирует, как художники могли передать сильные эмоции с помощью очевидных простых, натуралистических форм. Его реалистичный вид побудил верующих представить горе Девы Марии по поводу страданий ее сына как свое собственное.

Мадонна Скорби, Хосе де Мора, ок. 1680 — 1700, Испания. Музей № 1284–1871.© Музей Виктории и Альберта, Лондон

Религиозный обряд за пределами церкви

Булава, серебро и позолоченное серебро, с гербом Папы Бенедикта XIV, ок. 1696 — 1710, Италия. Музей № 646-1906. © Музей Виктории и Альберта, Лондон

Религиозное поклонение происходило не только в церкви. Подобно тому, как процессии использовались для светской демонстрации власти, Церковь использовала их для значительных религиозных мероприятий, таких как празднование Страстной недели или дней святых, когда резные и расписные деревянные скульптуры несли по улицам.

В нашей коллекции есть церемониальная булава или орнаментальный посох, сделанный для кардинала при его назначении, чтобы символизировать его власть. Его мог бы носить специальный носитель во время церемониальных шествий, и он создан, чтобы произвести впечатление, его вес составляет почти десять килограммов. Первоначально булава включала в себя герб кардинала, которому она принадлежала, и назначившего его Папы. Такие булавы часто использовались повторно, а оружие менялось, чтобы отразить их новое владение. Эта булава включает в себя щит с именем Папы Пия VII, который освятил Наполеона I как императора в Париже в 1804 году, и герб кардинала Оппиццони, который принял видное участие в коронации Наполеона как короля Италии в Милане в 1805 году.Считается, что он использовался в обоих случаях.

христиан всех деноминаций поощрялись к духовному совершенствованию и обновлению. Многие религиозные упражнения проводились в частном порядке и сопровождались изображениями и другими произведениями искусства, которые могли включать в себя все, от простых деревянных крестов до дорогостоящих украшений.

Жуткая восковая рельефная картина Время и смерть в нашей коллекции была создана, чтобы напомнить зрителю о быстротечности жизни и мирской славе.Сцена изображает крылатую фигуру Отца Времени и коронованный скелет, представляющий Смерть, окруженный обесцвеченными и разлагающимися трупами на разрушающемся кладбище. В то время как воск широко использовался в Неаполе для лепки небольших вертепов, известно, что сохранились лишь некоторые из этих «маленьких театров смерти». Катерина де Джулианис, неаполитанская монахиня, которая специализировалась на восковой лепке — идеальном средстве для таких болезненных предметов — вероятно, сделала это жуткое изображение. Это показывает, насколько священное искусство было частью повседневной жизни, а не просто ограничивалось пространством церкви.

Время и смерть, Катерина де Джулианис, до 1727 года, Италия. Музей № А.3-1966. © Музей Виктории и Альберта, Лондон

Фоновое изображение: Мадонна Скорби, Хосе де Мора, ок. 1680–1700, Испания. Музей № 1284–1871. © Музей Виктории и Альберта, Лондон

Барокко

Фюрер, Хайдрун, Хавстин, Свен Рун и Минор, Вернон Хайд. «Барокко». Энциклопедия Библии и ее прием: Афина — Биркат ха-Миним , под редакцией Эрика Циолковски, Барри Дов Валфиш, Йенса Шретера, Томаса Кр.Ремер, Брайан Матц, Джоэл Маркус Лемон и Констанс М. Фьюри. Берлин, Бостон: De Gruyter, 2010. https://www.degruyter.com/database/EBR/entry/MainLemma_16876/html. Дата обращения 2021-10-03. Фюрер, Х., Хавстин, С. и Минор, В. (2010). Барокко. В E. Ziolkowski, B. Walfish, J. Schröter, T. Chr. Рёмер, Б. Мац, Дж. Лемон и К. Фьюри (ред.), Энциклопедия Библии и ее восприятие: Афина — Биркат ха-Миним . Берлин, Бостон: Де Грюйтер. https: // www.degruyter.com/database/EBR/entry/MainLemma_16876/html Фюрер, Х., Хавстин, С. и Минор, В. 2010. Барокко. В: Ziolkowski, E., Walfish, B., Schröter, J., Chr. Ремер Т., Матц Б., ЛеМон Дж. И Фьюри К. изд. Энциклопедия Библии и ее прием: Афина — Биркат ха-Миним [онлайн]. Берлин, Бостон: Де Грюйтер. Доступно по адресу: https://www.degruyter.com/database/EBR/entry/MainLemma_16876/html. [Дата обращения 2021-10-03] Фюрер, Хайдрун, Хавстин, Свен Рун и Минор, Вернон Хайд.«Барокко» В Энциклопедия Библии и ее восприятие: Афина — Биркат ха-Миним под редакцией Эрика Циолковски, Барри Дова Уолфиша, Йенса Шретера, Томаса Кр. Ремер, Брайан Матц, Джоэл Маркус Лемон и Констанс М. Фьюри. Берлин, Бостон: De Gruyter, 2010. https://www.degruyter.com/database/EBR/entry/MainLemma_16876/html Фюрер Х., Хавстин С., Минор В. Барокко. В: Ziolkowski E, Walfish B, Schröter J, Chr. Ремер Т., Мац Б., Лемон Дж., Фьюри С. (ред.) Энциклопедия Библии и ее восприятие: Афина — Биркат ха-Миним .Берлин, Бостон: Де Грюйтер; 2010. Доступно по адресу: https://www.degruyter.

About Author


alexxlab

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *