Живопись барокко сообщение: Коротко о стилях: Барокко

Живопись барокко. Плафонная живопись. Взаимодействие тенденций барокко и реализма. | Презентация к уроку по МХК (11 класс):

Слайд 1

Живопись барокко. Плафонная живопись. Взаимодействие тенденций барокко и реализма. Выполнила: Мартакова Вера Сергеевна Учитель ИЗО и МХК ГБОУ школа №58 Приморского района г. Санкт-Петербурга

Слайд 2

Особенности живописи барокко К главным особенностям стиля следует отнести его торжественность, величественность, способность выразить наслаждение жизнью и ее полноту. Отличается барокко в живописи и своей выразительностью, контрастностью, необычайной фантазийностью . Для барокко характерна выраженная игра света и тени, цвета и оттенка. Чем же еще отличается эта прекрасная, яркая живопись? Художники, пишущие в стиле барокко, стремились к созданию произведений монументальных. Их творения полны динамизма, а богатство тщательно выписанных декораций поражает воображение даже посвященных ценителей живописи. Барокко в живописи имеет чаще всего тематику мифологическую или религиозную. Но часто можно встретить портреты представителей аристократии, удивительно красивые и пышные. —

Слайд 3

Искусство Голландии и Фландрии Ре́мбрандт Ха́рменс ван Рейн (1606—1669) — голландский художник, гравёр, великий мастер светотени, крупнейший представитель золотого века голландской живописи. Он сумел воплотить в своих произведениях весь спектр человеческих переживаний с такой эмоциональной насыщенностью, которой до него не знало изобразительное искусство. Работы Рембрандта, чрезвычайно разнообразные по жанровой принадлежности, открывают зрителю вневременной духовный мир человеческих переживаний и чувств.

Слайд 4

«Аллегория музыки» 1626 года — пример ластмановского влияния на юного Рембрандта «Христос во время шторма на море Галилейском » (1633).

Слайд 5

Рембрандт и Саския на картине «Блудный сын в таверне» (1635) «Даная» (1636/1643)

Слайд 6

«Ночной дозор» (1642)

Слайд 7

Пи́тер Па́уль Ру́бенс Пи́тер Па́уль Ру́бенс ( 28 июня 1577 — 30 мая 1640) — нидерландский (фламандский) живописец, один из основоположников искусства барокко, дипломат, коллекционер. Творчество Рубенса — органичный сплав традиций брейгелевского реализма с достижениями венецианской школы. Рубенс специализировался на религиозной живописи (в том числе алтарных образах), писал картины на мифологические и аллегорические сюжеты, портреты (от этого жанра он отказался в последние годы жизни), пейзажи и исторические полотна, делал также эскизы для шпалер и книжных иллюстраций. В технике масляной живописи Рубенс был одним из последних художников, использовавших деревянные панели для станковых работ, даже очень больших по размеру.

Слайд 8

Мадонна делла Валичелла . 1608 Святая Домицилла , поддерживаемая святым Нереем и святым Ахиллесом Римским. 1608

Слайд 9

В жимолостной беседке, 1609 Портрет Клары Серены Рубенс

Слайд 10

Искусство Италии Карраччи, семья итальянских живописцев из Болоньи начала XVII, основоположников академизма в европейской живописи. На рубеже XVI — XVII веков в Италии как реакция на маньеризм складывалось академическое направление в живописи. Основные его принципы были заложены братьями Карраччи — Лодовико (1555—1619), Агостино (1557— 1602) и Аннибале (1560—1609). Они стремились к широкому использованию ренессансного наследия, призывая наряду с этим к изучению натуры.

Слайд 12

Микела́нджело Меризи да Карава́джо Микела́нджело Меризи да Карава́джо (29 сентября 1571 — 18 июля 1610) — итальянский художник, реформатор европейской живописи XVII века, основатель реализма в живописи, один из крупнейших мастеров барокко. Одним из первых применил манеру письма « кьяроскуро » — резкое противопоставление света и тени. Не обнаружено ни одного рисунка или эскиза, художник свои сложные композиции сразу реализовывал на холсте.

Слайд 13

«Шулеры» (1594) «Корзина с фруктами» (1596) «Отдых на пути в Египет» (1597) «Призвание апостола Матфея» (1600)

Слайд 14

«Вакх» (1596)

Слайд 15

Искусство Испании Дие́го Родри́гес де Си́льва-и-Вела́скес (6 июня 1599 — 6 августа 1660) — испанский художник, крупнейший представитель мадридской школы времён золотого века испанской живописи, придворный живописец короля Филиппа IV. Среди его учеников — Эстебан Мурильо и Хуан де Пареха . Единственное высказывание художника, которое сохранилось — «Предпочитаю быть лучшим в изображении уродства, а не вторым в изображении красоты».

Слайд 16

Портрет поэта Луиса де Гонгора-и-Арготе , 1622 «Водонос из Севильи»

Слайд 17

«Портрет папы Иннокентия X», 1650 « Менины » 1656

Живопись Барокко Караваджо — презентация онлайн

ЖИВОПИСЬ БАРОККО
КАРАВАДЖО
М и к е л а н д ж е л о
М е р и з и
Микела́нджело Меризи да Карава́джо,
29 сентября 1571, Милан — 18 июля 1610, ПортоЭрколе
итальянский художник, реформатор европейской
живописи XVII века, основатель реализма в
живописи, один из крупнейших мастеров
барокко. Одним из первых применил манеру
письма «кьяроскуро» — резкое
противопоставление света и тени
Сын архитектора Фермо Меризи и его второй жены
Лючии Аратори, дочери землевладельца из
городка Караваджо, неподалёку от Милана.
Отец служил управляющим у маркиза Франческо
Сфорца да Караваджо. В 1576 году во время
эпидемии чумы умерли отец и дед, мать с детьми
переехала в Караваджо.
Первыми покровителями будущего художника
были герцог и герцогиня Колонна.
В 1589 году художник приезжает домой продать
свой земельный надел, по-видимому, нуждаясь в
деньгах. Последний раз он посещает дом после
смерти матери в 1590 году.
Осенью 1591 года он вынужден бежать из Милана
после ссоры за карточной игрой, завершившейся
убийством. Заехав сначала в Венецию, он
направляется в Рим.
В Риме Меризи заметил Пандольфо Пуччи,
пригласил его в свой дом, обеспечил
существование, поручив выполнять копии с
церковных картин.
Борромео, познакомившийся с Караваджо в пору
его римской жизни, описал его как «человека
неотёсанного, с грубыми манерами, вечно
облачённого в рубище и обитающего где
придётся. Рисуя уличных мальчишек,
завсегдатаев трактиров и жалких бродяг, он
выглядел вполне счастливым человеком».
Создание шедевров у Караваджо сопровождалось
разгульной жизнью, стычками и драками,
штрафами и заключениями. Он обвинялся в том,
что ранил шпагой человека, плохо отозвавшегося
о его картинах, в том, что написал
оскорбительные стихи о живописце Бальоне, в
избиении нотариуса Пасквалоне, в потасовке в
таверне. Каждый раз из тюрьмы его спасали
кардиналы и Джустиньяни.
29 мая 1606 года спор на площадке для игры в мяч
перерос в драку, в ходе которой был убит
Рануччо Томассони. В убийстве был обвинён
Караваджо. Павел V объявил художника «вне
закона», его теперь мог убить любой человек и
даже получить за это вознаграждение.
Неожиданно в июле 1607 года Караваджо
направляется в столицу Мальты — Ла-Валлетту.
Одна из картин, написанных им по заказу приора
мальтийского ордена в Неаполе Ипполито
Маласпина, понравился великому магистру
ордена. Караваджо пишет портреты Магистра, и
соратника магистра.

14 июля 1608 года Караваджо становится
кавалером мальтийского ордена без права
ношения мальтийского креста, так как он не был
дворянином.
Однако очередной инцидент привёл Караваджо в
мальтийскую тюрьму, он был посажен в каменный
мешок. Каким-то образом он сумел оттуда сбежать и в
октябре 1608 года приплыл на Сицилию в город
Сиракузы
В июле кардинал Гонзага начал вести с папой Павлом V
переговоры о помиловании Караваджо. Узнав об этом,
художник решил перебраться поближе к Риму и ждать
официального помилования. Он нанял лодку и отплыл
из Неаполя. Дальнейшие события покрыты тайной.
Вероятно, Караваджо был задержан в крепости Пало,
лодка уплыла, и он отправился пешком в Порто-Эрколе,
где и умер 18 июля.
31 июля в Риме был обнародован папский указ о
помиловании Караваджо и опубликовано сообщение о
его смерти.
Караваджо создаёт первый натюрморт в истории
итальянской живописи — «Корзина с фруктами».
Мальчик, чистящий фрукты
Вакх
Лютнист
Мальчик, укушенный ящерицей
Гадалка
Влюбленный Нарцисс
Спящий Амур
Иоанн Креститель
Святая Катерина
Принесение в жертву Исаака
Поклонение
Волхвов
Мадонна и
младенец со
святой Анной
Успение
Богоматери
Отречение Петра
Поцелуй Иуды
Ужин в Эмаусе
Апостол
Матфей
и Ангел

Исскуство Барокко в Италии реферат по культурологии

НОВОСИБИРСКИЙ ГОСУДАРСТВЕННЫЙ АГРАРНЫЙ УНИВЕРСИТЕТ ИЗОП КАФЕДРА ИСТОРИИ И ПОЛИТОЛОГИИ КОНТРОЛЬНАЯ РАБОТА ИСКУССТВО БАРОККО В ИТАЛИИ Выполнил: Студент 1 курса гр… МИННИ Шифр……………… Проверил (а): Новосибирск 2007 Тема №18 Искусство барокко в Италии План 1. Введение. 2. Архитектура барокко: Л. Бернини, Ф. Борромини. 3. Скульптура барокко. 4. Живопись барокко. Караваджо и караваджизм. 5. Заключение. 6. Список литературы. Введение Барокко — одно из главных стилевых направлений в искусстве Европы и Америки конца XVI — середины XVIII вв.

Итальянское «Barocco» буквально означает «причудливый, странный, вычурный, искаженный». Зародившись в конце XVI века, барокко, в сущности, было естественным продолжением ренессансного стиля. Его истоки восходят к эпохе Возрождения, в частности к творчеству Микеланджело, которого нередко называют «отцом барокко». PAGE 24 Архитектура барокко: Л.Бернини, Ф. Борромини Для архитектуры барокко (Л. Бернини, Ф. Борромини в Италии, Ф. Растрелли в России) характерны пространственный размах, слитность, текучесть сложных, обычно криволинейных форм. Коллизия чувств, внутренняя напряженность, дина мичное движение форм становятся характерными чертами обра зного содержания произведений. Архитектурные комп озиции теряют черты гармонического равновесия: цент рическое сменяется протяженным, круг — эллипсом, квадрат — прямоугольником, стабильность композиционного строя, ясность и четкость уравновешенных пропорций — сложными ритмическими построениями, движением масс, многообразием пропорций. При этом иррациональность форм сочетается с некоторыми рациональными чертами, явившимися следствием отражения в искусстве новейших достижений научной мысли.
Искания искусства в чем-то созвучны исканиям науки. В искусстве, в частности, нашли косвенное отражение сокрушающие привычные представления о мире идеи Джордано Бруно о бесконечности Вселенной: единичное целостное, завершенное, статичное стало уступать место непрерывности развития, движению в «бесконечность». Рациональное единоначалие выразилось в архитектуре барокко в господстве оси, симметрии, волевого принципа. Наиболее ярко черты барокко в архитектуре характеризуют храмы, строительству которых католицизм уделяет особое внимание. Их плану, как PAGE 24 правило, возвращается средневековая базиликальность (от греч. «базилике» «царский дом» — прямоугольное в плане здание, разделённое внутри столбами или колоннами на продольные части — нефы). Композиции придается фронтально-осевой характер с сильным акцентом на главном фасаде и глубинным развитием внутреннего пространства. Вместо спокойного равновесия ясно расчлененных, взаимно соизмеримых масс и пространств начинает преобладать пластичная монолитность и динамика масс.
Ордер, оставаясь основным средством расчленения, почти полностью теряет конструктивность: его трактовка подчеркнуто декоративная и пластичная. Как бы вырастающий изнутри стены, ордер становится неотъемлемой частью самого массива, средством его «скульптурной» пластики. Вместо соизмеримой с человеком масштабности часто появляется нарочитая преувеличенность размеров ордерных форм. В композиции фасадов раскрепованные элементы ордера обычно сгущаются к оси, акцентируя главный вход. Внутренняя напряженность обработанных ордером масс подчеркивается и элементами пластики — волютами, массивными, часто разорванными фронтонами, нишами, обрамлениями окон и ниш, скульптурой, картушами и т. п. К числу первых произведений, в которых уже ясно наметились черты барокко, можно отнести главную церковь ордена иезуитов Иль Джезу (Иисуса) в Риме (1575 г.), построенную архитектором Джакомо де ля Порта на основе проекта Виньолы. Глубинное развитие внутреннего пространства подчеркнуто на фасаде акцентированием входа.
Его выразительность достигается путем нарастания к центру ордерных форм, создания сильных контрастов света и тени, динамичным движением членений от краев к оси. Плоскость фасада воспринимается как массивный «экран», за которым главное — внутреннее пространство. Боковые фасады имеют второстепенное значение, их упрощенная композиция мало связана с основным фасадом. Особенно яркое выражение черты барокко получили в архитектуре церкви Сан Карло у четырех фонтанов (1638-1640 гг.), построенной одним из PAGE 24 крупнейших мастеров барокко Франциско Борромини (1599- 1667). Ее пышный и до предела насыщенный пластикой фасад в виде напряженно- изогнутой плоскости, расчлененной двумя ярусами ордеров, — своеобразная кульминация принципа острой эмоциональной выразительности, сконцентрированной в разработке форм, акцентирующих главный вход. Каменная стена благодаря волнообразной структуре и скульптурности обрела черты мягкого пластичного материала, из которого зодчий свободно «лепит» форму, не столько заботясь о ее логике и тектоничности, сколько о непосредственном чувственном восприятии образа, отражающего в значительной мере субъективное отношение художника к творческой задаче.
В этом проявился характерный для барокко архитектурный индивидуализм и обостренный психологизм, сочетавшиеся с общими, свойственными стилю формальными чертами. Одним из крупнейших мастеров римского барокко был Лоренцо Бернини (1598-1680). Построенная им в Риме церковь Сант Андрео аль Квиринале (1658 г.) особенно четко выявляет характерную для барокко тенденцию к выделению на фасаде торжественного портала. Обращенный к улице фасад в виде огромного портала, по существу, независим от расположенного в глубине участка эллипсовидного объема. Крупнейшая работа Л. Бернини в Риме — грандиозная колоннада перед собором св. Петра, завершившая в середине XVII в. формирование ансамбля. Идея создания центрической композиции собора, заложенная в проектах Браманте и Микеланджело в период развития барокко, была нарушена их преемниками. Путем удлинения собора композиции из центрической превратилась в глубинную, фронтально-осевую. Сильно возросло значение фасада, который в начале XVII в. был построен крупным мастером барокко К.
Мадерной. Его обработанная колоссальным ордером плоскость, равная по ширине 115 м, при высоте 45 м подавляет своим масштабом человека, который воспринимается крошечным рядом с гипертрофированными формами. Бернини создал обширную площадь перед фасадом собора. Дорическая колоннада высотой около 20 м кажется PAGE 24 В строительстве городских и загородных особняков Фландрии преобладало подражание итальянским палаццо. Порталы украшались изогнутыми фронтонами, балконы — скульптурой и поддерживались кариатидами или атлантами. Из Германии заимствовались формы трансформированного барочного картуша, напоминающего очертания волны, маски, хряща (кнорпельверк — от нем. knorpel- «хрящ» и were –«работа») или ушной раковины (ормушль). Они сочетались с сочным растительным скульптурным орнаментом и придавали порталам пышные, выразительные очертания. В Австрии особняки тоже были выдержаны в стиле итальянских барочных дворцов, но нижние этажи часто строились из гранёных каменных блоков (так называемый бриллиантовый руст), а верхние декорировались выразительными ордерными деталями-пилястрами, колоннами, арками со скульптурой. Несколько выделялись из общего ряда постройки голландского барокко. Богатый бюргерский дом здесь выглядел значительно скромнее, чем дворцы Франции, Австрии и тем более Италии. Из-за дороговизны земли в Голландии были распространены лишь крохотные садики позади здания. Традиционно высокий фронтон усиливал вертикальную вытянутость трёх — четырёхэтажного дома. Красный кирпич, из которого возводились постройки, дополняли ордерные детали из белого камня, использовавшегося в отделке. Скульптура барокко. Архитектуру барокко невозможно представить себе без скульптурного оформления. По своему предназначению барочная скульптура разделяется на культовую и светскую. Культовая скульптура — это отдельные статуи, PAGE 24 скульптурные группы, рельефные композиции, скульптурные надгробия. Их основная тема — изображение персонажей Священного Писания, сцен чудес и мученичества. Культовая скульптура барокко — это подобие земных страстей и аффектов, окрашенных духовным порывом. В качестве самого яркого образца можно привести пример скульптурной композиции Джованни Бернини “Экстаз святой Терезы”. Светская скульптура барокко представлена мону ментами разного типа и назначения: парадные стат уи монархов, портреты знати, скульптуры для горо дских фонтанов и садово-парковая пластика. Типи чный признак барочной скульптуры — потр ебность в среде, активное взаимодействие с ней, со стихией воды, воздуха, света. Произведения скул ьптуры барокко нуждаются в архитектурном или пейзажном обрамлении, поэтому впечатление от них теряется в музейной среде. Скульпторы барокко любят мрамор и бронзу, сочетание драгоценных декоративно выразительных материалов. Но в странах с крепкими традициями крестьянского ремесла (Бавария, Австрия, Польша, Прибалтика) дерево переживает блестящее возрождение в декоративных ансамблях церковного убранства. В барочных скульптурах мы видим подчинение материала художественной идее. Экспрессия движения в пластике барокко особенно ярко проявляется в скульптурных группах, созданных для фонтанов. Среди них — знаменитые работы Бернини — фонтан “Тритон” на площади Барберини в Риме, фонтан “Четырех рек” на площади Навона и др. Стержень их композиционного замысла — движение воды. Скульптура и вода образуют одно целое. Фигуры и необработанные глыбы камня своими несимметричными формами вторят движению воды, ее потокам и струям, бьющим в разных направлениях. Все соединено в сложном, как бы случайном ансамбле — порождении природной PAGE 24 стихии. Все вместе дает ощущение неукротимой жизни природы. В эпоху Ренессанса живопись тяготела к скульптурным принципам, в эпоху барокко скульптура стремится к живописности. Мастера гордятся своим умением уподобить скульптуру живописи. Этому эффекту помогают световые блики, играющие на поверхности скульптур. Замыслы скульпторов рассчитаны на восприятие нежнейших переходов света и тени на человеческом теле, поэтому воздушное пространство, окружающее фигуры, играет очень важную роль в искусстве барокко. Именно барокко открыло пейзажную, парковую эру светской скульптуры. В эпоху позднего барокко декоративная скульптура достигает полной свободы: статуи заполняют все пространство церквей и фасадов, садятся на выступы карнизов, взлетают до купола. В эпоху Возрождения скульптура служила украшением стен, в эпоху барокко она делается украшением пространства. Ярчайшим мастером культовой скульптуры барокко был Бальтазар Пермозер (“Отчаяние проклятого”, “Святой Амвросий”). Его работы отличает экспрессия, переходящая в большую внутреннюю силу, уникальность работ мелкой пластики, глобальные философские проблемы. Скульптор Антонио Канова известен своими работами в стиле барокко. Для его произведений характерен выбор сюжетов, связанных с библейской, мифологической тематикой героического или драматического плана. Его работы отличаются монументальностью, необычностью, вычурностью, динамикой ракурсов, общедраматическим звучанием (“Орфей”, “Геркулес и Лихас”). Постепенно Канова отходит от стиля барокко и лучшие его работы принадлежат к классицизму. PAGE 24 молились и от которых ждали чудесной помощи. Перед нами самые обыкновенные портреты, часто с самыми реалистическими и даже натуралистическими подробностями. Тем не менее, художники предпочитают писать образы Мадонны, Христа, Иоанна Крестителя, апостолов или изображать эпизоды евангельской истории (например, «Тайная вечеря» Леонардо да Винчи). Естественней было бы перейти к написанию портретов своих современников, а не скрывать портрет в библейском образе. В чем здесь дело? Едва ли живописцы Ренессанса стремятся только к тому, чтобы доказать, что под библейскими персонажами скрываются обыкновенные люди, с земными мелкими страстями. С точки зрения Возрождения в этом не было бы ничего привлекательного. Ренессанс стремится не принизить божественное, а наоборот, возвысить земное до божественного. Евангельские сюжеты придают возвышенный тон земным проявлениям человека, чего нельзя или гораздо труднее достичь, если на картине изображен сюжет из чисто земной жизни. «Небесный мир» и «земной мир», «рай» и «ад», «грехопадение», «искушение», «воскресение духа и тела» — эти и иные категории зримо и незримо присутствуют в картинах Возрождения. Они призваны показать, что глубины библейского сюжета вполне доступны всякому человеку. И одновременно, что земная человеческая личность достойна, быть причастной к божественному. Так, например, в образе Мадонны возвышается образ женщины, матери, а вместе с этим и земная человеческая любовь. Возрождение исключительно богато творческими личностями. Не случайно принято говорить о титанах и титанизме Возрождения. Одним из таких титанов был, несомненно, Леонардо да Винчи (1452—1519). Титанизм проявляется (как уже отмечалось) в страстном порыве к самоутверждению личности. Личность соизмеряет себя с творческими силами Космоса. Пока что это реализуется по преимуществу в художественно-эстетической форме; последующая эпоха Нового времени будет утверждать индивидуального и коллективного субъекта через научно-технический прогресс; речь пойдет о практическом преобразовании природы. Возрождение не ставит этих задач. PAGE 24 Далеко отстоит оно и от атеизма, и от культа научного разума, свойственных последующему времени западноевропейской культуры. Однако Возрождение прямо или косвенно подготовляет последующую эпоху. Уже в деятелях Возрождения заметно, что чрезвычайная внешняя активность, широта интересов, одержимость творчеством достигаются ценой утраты цельной личности. Личность активна, как никогда раньше. Одновременно она ощущает внутренний надлом, постоянную неудовлетворенность. Она разбросана, направляет свои титанические усилия то в одну, то в другую сторону; ни в чем она не находит утоления жажды самоутверждения, хотя всюду достигает результатов, невиданных ранее, — результатов, часто не доведенных до завершения. Таков был Леонардо — один из величайших деятелей Возрождения. Караваджо и караваджизм Караваджо (Caravaggio; собственно Мерзи да Караваджо, Merisi da Caravaggio) Микеланджело (28.9.1573, Караваджо, Ломбардия, — 18.7.1610, Порто-Эрколе, Тоскана), итальянский живописец. Основоположник реалистического направления в европейской живописи 17 века. Учился в Милане (1584—88) у С. Петерцано. Между 1589 и 1593 приехал в Рим, где работал до 1606, затем — в Неаполе (1607 и 1609—10), на острове Мальта и в Сицилии (1608—09). Творчество К., не принадлежавшего к какой-либо определённой художественной школе, возникло как оппозиция господствующим направлениям в итальянском искусстве конца 16 — начала 17 вв. (маньеризму и академизму). Ранние произведения Караваджо (между 1592 и 1598), с их звонким колоритом и прозрачной светотенью, обнаруживают связь с традициями североитальянской живописи 16 в. (Дж. Савольдо, Л. Лотто, А. Моретто и PAGE 24 др.). Вместе с тем уже в них появляется ряд существенно новых черт. Принципу идеализации образа Караваджо противопоставляет индивидуальную выразительность конкретной модели («Маленький больной Вакх», Галерея Боргезе, Рим), аллегорическому истолкованию сюжета — непредвзятое изучение натуры в простом бытовом мотиве («Юноша с корзиной фруктов», Галерея Боргезе, Рим). Полемизируя с художественными концепциями маньеризма и академизма, К. воплощает в античном сюжете празднично-игровое, народное начало («Вакх», 1592—93, Галерея Уффици, Флоренция), приходит к отрицанию господствующей системы жанров и вносит вклад в создание новых видов живописи — натюрморта («Корзина с фруктами», около 1596, Пинакотека Амброзиана, Милан) и бытового жанра («Гадалка», Лувр, Париж). Религиозная картина получает у него новую, интимно-психологическую интерпретацию («Отдых на пути в Египет», Галерея Дориа-Памфили, Рим). К концу 1590-х гг. складывается оригинальная живописная система К. Ярко освещенный лучом света передний план картины выделяется на погруженном в густую тень фоне, чем достигается подчёркнутая оптическая наглядность изображения и создаётся впечатление его непосредственной близости к зрителю («Лютнист», Эрмитаж, Ленинград). Зрелые произведения К. (1599—1606) — это монументальные по композиционному решению полотна, обладающие исключительной драматической силой. Мощные контрасты света и тени, выразительная простота жестов, энергичная пластичная лепка и звучный, насыщенный колорит отражают эмоциональное напряжение, возникающее при неожиданном проявлении идеально-возвышенного в обыденной жизни людей или в моменты духовного противостояния человека враждебному ему окружению («Призвание апостола Матфея» и «Мучение апостола Матфея», 1599—1600, церковь Сан — Луиджи деи Франчези, «Распятие апостола Петра» и «Обращение Савла», 1600—01, церковь Санта-Мария дель Пополо, «Мадонна ди Лорето», около 1603—06, церковь Сант-Агостино, — все в Риме; «Положение во гроб», 1602—04 (см. илл.), Пинакотека, Ватикан; «Смерть Марии», около 1605—06, Лувр, Париж). Подчёркнутая PAGE 24 Заключение. Барокко существовало не само по себе, а наряду с другими стилями — классицизмом, а в XVIII веке — с рококо. Причём последнее в дальнейшем явится завершением стиля барокко, и современники даже назовут его «плохим барокко». Имея в виду, с одной стороны, его совершенно новые черты, а с другой — выражая этим пиетет к уходящей эпохе великого стиля. Как мы уже говорили, пышное, патетическое барокко было призвано прославлять абсолютную власть монарха и возвеличивать церковь. С уверенностью можно сказать, что существует дух Барокко, так же как существовал имперский дух. Этот последний можно применить, перескакивая через столетия, к эпохам Александра Македонского, Карла Великого или Наполеона. В истории наблюдается постоянный возврат к имперскому духу, точно так же мы видим постоянный возврат к барочности в явлениях искусства на протяжении длительного времени. Эта барочность знаменует собой «кульминационную точку, расцвет определенной цивилизации». Даже если не согласиться с этим, то нельзя отрицать, что барочность как тенденция нарушения норм, границ, установленных тем или иным историческим типом, искусства, методом, художественным направлением, действительно проявлялась во все эпохи. Барочные здания, которые мы можем лицезреть сегодня — это старинные дворцы, ставшие в своем большинстве музеями. (Так, яркий образец пышного барокко — Зимний дворец (Ф.Растрелли)- бывшая резиденция русских царей. Сейчас здесь размещается всемирно известный музей Эрмитаж) Из-за своей «дворцовости», перегруженности сегодня барокко практически не используется как стиль для оформления жилых интерьеров. Лишь PAGE 24 отдельные барочные элементы и приемы (гирлянды, завитки, арки) применяются декораторами для создания атмосферы барокко. Известный французский ученый Жорж Луи Бюффон сказал: «Каждый человек — это стиль». Образ жизни людей очень часто определяет их стиль, оба эти понятия взаимосвязаны. Все искусство барокко пронизывает игра света и тени, призрачность, иллюзия, обман, кокетство, тонкая чувственность, а порой и бурные эмоции. Как вы увидели, им подчинена не только архитектура, но и живопись, скульптура, мебель, одежда, посуда и сам человек. Чувства, эмоции доминируют над разумом, который если не спит, то, по крайней мере — дремлет. Барокко — это состояние легкого опьянения, экстатического восторга. Но, в конце концов, такое состояние либо проходит, либо надоедает. Впрочем, если отнестись к барокко с известной долей иронии, если воспринимать его как пародию, то, как мне кажется, барокко в частной архитектуре стремительного и лаконичного XXI века может стать источником великолепной, тончайшей игры. PAGE 24 Список литературы: 1. Краткая история искусств. Дмитриева Н.А. – М., 1986 2. Искусство: живопись, скульптура, графика. – М., 1986 3. История зарубежного искусства. – М., 1983 PAGE 24

Художники работающие в стиле барокко. Итальянская живопись в стиле барокко

Барокко как стиль

Художники в стиле барокко сознательно работали над тем, чтобы отделить себя от художников эпохи Возрождения и периода маньеризма после него. В своей палитре они использовали интенсивные и теплые цвета и, в частности — основные цвета: красный, синий и желтый, часто помещая все три в непосредственной близости. Барочная живопись включает в себя широкий спектр стилей, так как наиболее важная и основная живопись в период, начинающийся примерно с 1600 года и продолжающийся в течение 17-го века, и в начале 18-го века, идентифицируется сегодня как барочная живопись. Наиболее типичными проявлениями барокко в искусстве являются: большой драматизм, насыщенный, глубокий цветом и интенсивные светлые и темные тени. Искусство барокко предназначалось для того, чтобы вызывать эмоции и страсть, а не спокойную рациональность, которая ценилась в эпоху Возрождения. В отличие от спокойных лиц картин эпохи Возрождения, лица в картинах барокко четко выражали свои эмоции. Художники часто использовали асимметрию, когда действие происходило вдали от центра изображения, и создавали оси, которые не были ни вертикальными, ни горизонтальными, а наклонялись влево или вправо, создавая ощущение нестабильности и движения. Они усиливали это впечатление движения, когда костюмы персонажей уносились ветром или двигались по собственной траектории. Общие впечатления были от движения. Другим важным элементом живописи барокко была аллегория . Каждая картина рассказывала историю и имела сообщение, часто зашифрованное аллегорическими символами, которые образованный зритель должен был знать и читать.

Теория искусств в эпоху барокко

Развитой художественной теории периода барокко не было создано ни в Италии, на его родине, ни в других странах. Только отдельные характерные черты барокко были описаны в сочинениях его современников: Марко Боскини (итал.) русск. , Пьетро да Кортона , Бернини , Роже де Пиля (фр.) русск. . В рассказах Боскини о достоинствах венецианской живописи принципы барокко не были чётко сформулированы, но сам характер сравнений и форма описания свидетельствуют о предпочтениях автора, выражаемых им не античной скульптуре и Рафаэлю , а Тициану , Веронезе , Веласкесу и Рембрандту . Боскини подчёркивал главенствующую роль барочного колорита, а также несовпадение живописной формы с пластической. В комментариях о выразительности возможности живописи пятном и об оптической иллюзии слияния мазков у Боскини проявился тип мировосприятия, близкий барочному .

Пьетро да Кортона сравнивает картины эпохи барокко не с трагедией, что характерно для картин классицизма, а с эпической поэмой и присущей ей широтой повествования, множеством разнородных сюжетов, красочностью и свободной композицией. В академических спорах с Андреа Сакки последователи Пьетро да Кортона отстаивали преимущества барочного изображения, которое не требовало от зрителя тщательного анализа каждой фигуры и внимательного «чтения» сюжета для раскрытия всех оттенков смысла, а развертывало перед смотрящим «сияющий, гармоничный и живой общий эффект, способный вызвать восхищение и изумление» .

В Италии

В итальянской живописи эпохи барокко развивались разные жанры, но в основном это были аллегории, мифологический жанр. В этом направлении преуспели Пьетро да Кортона , Андреа дель Поццо , Джованни Баттиста Тьеполо , братья Карраччи (Агостино и Лодовико). Прославилась венецианская школа, где большую популярность получил жанр ведуты , или городского пейзажа. Самый прославленный автор таких работ — Д. А. Каналетто . Не менее известны Франческо Гварди и Бернардо Беллотто . Каналетто и Гварди писали виды Венеции, тогда как Беллотто (ученик Каналетто) работал в Германии. Ему принадлежат многие виды Дрездена и других мест. Сальватор Роза (неаполитанская школа) и Алессандро Маньяско писали фантастические пейзажи. Последнему принадлежат архитектурные виды, и к нему очень близок французский художник Юбер Робер , работавший в то время, когда вспыхнул интерес к античности, к римским развалинам. В их работах представлены руины, арки , колоннады, древние храмы, но в несколько фантастическом виде, с преувеличениями. Героические полотна писал Доменикино , и живописные притчи — Доменико Фетти .

Во Франции

Во Франции барочные черты присущи парадным портретам Иасента Риго . Самая известная его работа — портрет Людовика XIV . Творчество Симона Вуэ и Шарля Лебрена , придворных художников, работавших в жанре парадного портрета, характеризуют как «барочный классицизм». Настоящее превращение барокко в классицизм наблюдается в полотнах Никола Пуссена .

В Испании

Более жесткое, строгое воплощение получил стиль барокко в Испании, воплотившись в работах таких мастеров как Веласкес , Рибера и Сурбаран . Они придерживались принципов реализма . К тому времени Испания переживала свой «Золотой век » в искусстве, находясь при этом в экономическом и политическом упадке.

Для искусства Испании характерна декоративность, капризность, изощренность форм, дуализм идеального и реального, телесного и аскетичного, нагромождения и скупости, возвышенного и смешного. Среди представителей:

  1. Франсиско Сурбаран (1598-1664) — «Отрочество Богоматери», «Младенец Христос». Главное в его картинах — ощущение святости, чистоты; простое композиционное решение, плавность линий, плотное цветовое решение, материальность, вещественность, богатство колорита, величавость, сдержанность, реальность жизни, соединенные с мистичностью веры, высокой духовностью, эмоциональной напряженностью.
  2. Хусепе Рибера (1591-1652). Основные сюжеты его картин — мученичество святых, портреты людей, проживших долгую жизнь. Но его работы не сентиментальны. Он более всего не хотел, чтобы его модели вызывали жалость. В них — истинно испанская народная гордость. Например, «Хромоножка», «Святая Агнесса », «Апостол Яков-старший».

Казалось, что испанская живопись никогда не выйдет из «стен» храмов. Но это сделал Диего Веласкес (1599-1660) — великолепный мастер психологического портрета, живописец характеров. Его картины отличаются многофигурной сложностью композиций, многокадровостью, предельной детализацией, прекрасным владением цветом. Веласкес — великий полифонист живописи. «Завтрак», «Портрет Оливареса», «Шут», «Сдача Бреды » («Копья»), «Пряхи».

Художником, завершившим «золотой век» испанской живописи, был

Сегодня давайте разберемся с интереснейшим художественным стилем барокко. На его возникновение повлияли два важных события Средневековья. Во-первых, это изменение мировоззренческих представлений о мироздании и человеке, связанных с эпохальными научными открытиями того времени. И во-вторых, с необходимостью власть придержащих имитировать собственное величие на фоне материального обнищания. И использование художественного стиля, прославляющего могущество знати и церкви, было как нельзя кстати. Но на фоне меркантильных задач в сам стиль прорвался дух свободы, чувственность и самоощущение человека, как деятеля и созидателя.

— (итал. barocco — причудливый, странный, склонный к излишествам; порт. perola barroca — жемчужина с пороком) — характеристика европейской культуры XVII-XVIII веков, центром которой была Италия. Стиль барокко появился в XVI-XVII веках в итальянских городах: Риме, Мантуе, Венеции, Флоренции. Эпоху барокко принято считать началом триумфального шествия «западной цивилизации». противостояло классицизму и рационализму.

В XVII веке Италия потеряла экономическое и политическое могущество. На ее территории начинают хозяйничать иностранцы — испанцы и французы. Но истощенная Италия не утратила высоты своих позиций — она все равно остается культурным центром Европы. Знать и церковь нуждались в том, чтобы их силу и состоятельность увидели все, но поскольку денег на новые постройки не было, они обратилась к искусству, чтобы создать иллюзию могущества и богатства. Так на территории Италии возникает барокко.

Барокко свойственны контрастность, напряжённость, динамичность образов, стремление к величию и пышности, к совмещению реальности и иллюзии. В этот период, благодаря открытиям Коперника, изменилось представление о мире как о разумном и постоянном единстве, а также о человеке как о разумнейшем существе. По выражению Паскаля, человек стал сознавать себя «чем-то средним между всем и ничем», «тем, кто улавливает лишь видимость явлений, но не способен понять ни их начала, ни их конца».

Стиль барокко в живописи характеризуется динамизмом композиций, «плоскостью» и пышностью форм, аристократичностью и незаурядностью сюжетов. Самые характерные черты барокко — броская цветистость и динамичность. Яркий пример — творчество и с их буйствами чувств и натурализмом в изображении людей и событий.

Караваджо, считают самым значительным мастером среди итальянских художников, создавших в конце XVI в. новый стиль в живописи. Его картины, написанные на религиозные сюжеты, напоминают реалистичные сцены современной автору жизни, создавая контраст времен поздней античности и Нового времени. Герои изображены в полумраке, из которого лучи света выхватывают выразительные жесты персонажей, контрастно выписывая их характерность.

В итальянской живописи эпохи барокко развивались разные жанры, но в основном это были аллегории, мифологический жанр. В этом направлении преуспели Пьетро да Кортона, Андреа дель Поццо, братья Карраччи (Агостино и Лодовико). Прославилась венецианская школа, где большую популярность получил жанр ведуты, или городского пейзажа. Самый прославленный автор таких работ — художник .

Рубенс сочетал в своих полотнах природное и сверхъестественное, действительность и фантазию, ученость и духовность. Помимо Рубенса международного признания добился еще один мастер фламандского барокко — . С творчеством Рубенса новый стиль пришел в Голландию, где его подхватили и . В Испании в манере Караваджо творил Диего Веласкес, а во Франции — Никола Пуссен, в России — Иван Никитин и Алексей Антропов.

Художники барокко открыли искусству новые приемы пространственной интерпретации формы в ее вечно изменчивой жизненной динамике, активизировали жизненную позицию. Единство жизни в чувственно-телесной радости бытия, в трагических конфликтах составляет основу прекрасного в искусстве барокко. Идеализация образов сочетаются с бурной динамикой, реальность — с фантазией, а религиозная аффектация — с подчёркнутой чувственностью.

Тесно связанное с монархией, аристократией и церковью, искусство барокко было призвано прославлять и пропагандировать их могущество. Вместе с тем оно отразило новые представления о единстве, безграничности и многообразии мира, о его драматической сложности и вечной изменчивости, интерес к среде, к окружению человека, к природной стихии. Человек предстаёт уже не центром Вселенной, а многоплановой личностью, со сложным миром переживаний, вовлечённой в круговорот и конфликты среды.

В России развитие барокко падает на первою половину XVIII в. Русское барокко было свободно от экзальтации и мистицизма, характерных для католических стран, и обладало рядом национальных особенностей, таких как чувство гордости за успехи государства и народа. В архитектуре барокко достигло величественного размаха в городских и усадебных ансамблях Петербурга, Петергофа, Царского Села. В изобразительном искусстве, освободившиеся от средневековых религиозных пут, обратились к светским общественным темам, к образу человека-деятеля. Барокко повсеместно эволюционирует к грациозной лёгкости стиля рококо, сосуществует и переплетается с ним, а с 1760-х гг. вытесняется классицизмом.

В конце XVI века появился новый стиль – барокко. Именно о нем пойдет речь в данной статье.

Барокко (итал. barocco — «причудливый», «странный», «склонный к излишествам», порт. p e rola barroca — дословно «жемчужина с пороком») – это стиль в искусстве вообще и архитектуре в частности.

Эпоха барокко

Условно считается (как и все исторические периоды), что эпоха барокко продолжалась в течение XVI-XVIII вв. Интересно, что все началось с , которая к 16 веку стала заметно ослабевать на международной арене в экономическом и политическом плане.

Французы и испанцы активно проводили свою политику в Европе, хотя Италия по-прежнему оставалась культурным центром европейского общества. А силу культуры, как известно, определяет ее умение приспосабливаться к новым реалиям .

Вот и итальянская знать, не имея денег на постройку богатых дворцов, демонстрирующих их мощь и величие, обратилась к искусству, чтобы с его помощью создать видимость богатства, силы и процветания.

Именно так наступила эпоха барокко, ставшая важным этапом в развитии мирового искусства.

Важно подчеркнуть, что жизнь людей в это время начала основательно меняться. Для эпохи барокко характерно много свободного времени. Горожане предпочитают рыцарским турнирам (см. ) прогулки на лошадях («карусели») и игру в карты, паломничествам – гуляние в парке, мистериям – театры.

Старые традиции, основанные на суевериях и предрассудках, отпадают. Выдающийся математик и философ выводит формулу: «Я мыслю, следовательно, существую». То есть общество перестраивается на другое мышление, где здраво не то, что сказал какой-то авторитет, а то, что можно математически точно объяснить любому разумному существу.

Интересен факт, что в профессиональной среде вокруг самого слова «барокко» происходит больше споров, чем об эпохе, как таковой. С испанского языка barroco переводится, как жемчужина неправильной формы, а вот с итальянского – baroco обозначает ложный логический вывод.

Этот второй вариант выглядит наиболее правдоподобным вариантом происхождения спорного слова, так как именно в эпоху барокко в искусстве наблюдалась какая-то гениальная нелепость, и даже причудливость, поражающая воображение своей напыщенностью и величием.

Стиль барокко

Для стиля барокко характерны контрастность, динамичность и напряженность, а также отчетливое стремление к пышности и внешнему величию.

Интересно, что представители данного направления чрезвычайно органично объединяли разные стили искусства. Одним словом, Реформация и учение сыграли ключевую роль в закладке фундамента стиля барокко.

Если для эпохи Возрождения свойственно было воспринимать человека, как меру всех вещей и разумнейшее из существ, то уже иначе осознает себя: «чем-то средним между всем и ничем».

Искусство барокко

Искусство барокко отличается, прежде всего, необыкновенной пышностью форм, оригинальностью сюжетов и динамизмом. В художестве преобладает броская цветистость. В живописи наиболее выдающимися представителями этого стиля были Рубенс и .

Глядя на некоторые картины Караваджо, невольно поражаешься динамичности его сюжетов. Игра света и тени невероятно тонко подчеркивает различные эмоции и переживания героев. Интересен факт, что влияние этого художника на искусство было столь большим, что появился новый стиль – караваджизм.

Некоторые последователи сумели перенять от своего учителя натурализм в передаче на холст людей и событий. Питер Рубенс, обучаясь в Италии, стал последователем Караваджо и Каррачи, освоив их технику и переняв стиль.

Видным представителем искусства барокко были также фламандский живописец Ван Дейк и голландец Рембрандт. В этому стилю следовал выдающийся художник Диего Веласкес, а во — Никола Пуссен.

К слову сказать, именно Пуссен начал закладывать основы нового стиля в искусстве – классицизма.

Барокко в архитектуре

Архитектура, выполненная в стиле барокко, отличается пространственным размахом и сложными, криволинейными формами. Множественные скульптуры на фасадах и в интерьерах, различные колоннады и масса раскреповок создают пышность и величественный вид.

Архитектурный ансамбль «Цвингер» в Дрездене

Купола приобретают сложные формы, и нередко имеют несколько ярусов. Пример может служить купол в соборе Святого Петра в Риме, архитектором которого был .

Наиболее значимыми произведениями барокко в архитектуре считаются Версальский дворец и здание Французской Академии в . К крупнейшим в мире ансамблям барокко относят Версаль, Петергоф, Цвингер, Аранхуэс и Шёнбрунн.

Вообще надо сказать, что архитектура этого стиля распространилась во многих европейских странах, в том числе и в , под влиянием Петра Великого.


Стиль «Петровское Барокко»

Музыка барокко

Говоря об эпохе барокко, невозможно обойти стороной музыку, так как она в этот период также претерпевала значительные изменения. Композиторы объединяли масштабные музыкальные формы, одновременно пытаясь противопоставлять хоровое и сольное пение, голоса и инструменты.

Возникают различные инструментальные жанры. Наиболее видными представителями музыки барокко являются Бах, Гендель и .

Подводя итог можно с уверенностью сказать, что эта эпоха породила гениев мирового значения, которые навсегда вписали свое имя в историю. Творчеством многих из них до сих пор украшены лучшие музеи разных стран.

Если Вы любите интересные факты обо всем на свете — рекомендуем подписаться на . С нами всегда интересно!

БАРОККО В ЖИВОПИСИ

Живопись Барокко (в пер. с ит. – «причудливый») принято называть художественный стиль, преобладавший в искусстве Европы в 16-18 веках.

Именно эта эпоха считается началом триумфа «западной цивилизации».

Оно возникло благодаря двум важным событиям Средневековья. Первоначально изменились мировоззренческие представления о человеке и мироздании, благодаря эпохальным научным открытиям того времени. В дальнейшем возникла необходимость власти создать имитацию собственного величия на фоне материального упадка. Для этого стали использовать художественный стиль, прославляющий могущество знати и церкви. Однако человек стал ощущать себя деятелем и созидателем и уже в сам стиль прорвались дух свободы и чувственность.

Этот художественный стиль возник в Италии, в частности в Риме, Мантуе, Венеции, Флоренции, и распространился в другие страны после эпохи Ренессанса. В 17 веке Италия потеряла свое могущество в политике и экономике. Ее территория начинает подвергаться нападению со стороны иностранцев – испанцев и французов. Однако истощенная невзгодами Италия не потеряла своих позиций. Культурным центром Европы все равно осталась Италия. Церковь и знать стремилась показать свою мощь и состоятельность, но так как денег на это не было, они обратились к сфере искусства. Благодаря ему была создана иллюзия богатства и могущества.

Основными чертами данного стиля являются торжественность, парадность, пышность, жизнеутверждающий характер, динамичность.

Искусство барокко обладает смелыми контрастными масштабами колористики, тени и света, совмещении фантазии и реальности. Живописи этого направления характерны прогрессивные идеи о сложности мироздания, безграничном и многообразном мире, его непостоянстве.

Святое Семейство, Антонис ван Дейк

Томас Говард, 2-й граф Арундель, Антонис ван Дейк

Портрет Филадельфии и Елизаветы Уортон, Антонис ван Дейк

Человек – это часть мира, сложная личность, которая переживает жизненные конфликты.

Интерьер стали украшать портретами, подчеркивающими положение человека в обществе. Также очень популярны портреты правителей, на которых они изображены с античными Богами. Для барокко также свойственны натюрморты с изображением даров природы.

Джованна Гарцони

Благая весть, Филипп де Шампень

Джованна Гарцони

ХУДОЖНИКИ НАПРАВЛЕНИЯ БАРОККО

Адриан ван де Вельде , Антонис ван Дейк , Бартоломе Эстебан Мурильо , Братья Ленен , Габриель Метсю , Гвидо Рени , Герард Терборх , Геркулес Сегерс , Давид Тенирс Младший , Джан Лоренцо Бернини , Диего Веласкес , Жан Батист Симеон Шарден , Жорж де Латур , Иван Никитин , Исаак ван Остаде , Каналетто , Караваджо , Клод Лоррен , Корнелис де Вос , Николя Пуссен , Николя Турнье ,Питер де Хох , Питер Пауль Рубенс , Пьетро да Кортона , Рембрандт , Теодор ван Тульден , Франс Снейдерс , Франс Халс , Франсиско де Сурбаран , Франческо Гварди , Хендрик Тербрюгген , Хосе де Рибера , Эсайас ван де Вельде , Юдит Лейстер , Якоб Йорданс , Ян Вермеер , Ян Сиберехтс , Ян Стен

Известными представителями барокко являются Рубенс, Ван Дейк, Снейдерс, Йорданс, Маульберч.

Немного художников, даже выдающихся, заслужили честь быть основоположниками этого стиля в искусстве живописи. Рубенс оказался исключением. Он создал волнующую, живую манеру художественного выражения. Этот способ письма присущ его раннему произведению «Святой Георгий, поражающий дракона». Стиль Рубенса характеризуется показом крупных и тяжелых фигур в действии – они возбуждены и эмоциональны. Его картины наделены огромной энергией.

Никому не удавалось изобразить людей и животных в смертельной схватке так, как Рубенсу.

Раньше художниками изучались прирученные звери, они изображали их вместе с людьми. Эти работы обычно демонстрировали анатомические знания о строении животных. Их образы брали из рассказов Библии или мифов. Воображение художника порождало реальные картины сражающихся людей и зверей в настоящей схватке.

К этому стилю относятся и другие мастера живописи, к примеру, Караваджо и его последователи. Их картины реалистичные и обладают мрачными цветами.

Караваджо – наиболее значимый творец среди итальянских художников.

Его картины основываются на религиозных сюжетах. Им создан контраст эпох между поздней античностью и Новым временем.

Марта и Мария Магдалина, Караваджо

Музыканты, Караваджо

Христос у столба, Караваджо

В Германии, Австрии, Словакии, Венгрии, Словении, Хорватии, Западной Украине, Польше, Литве стиль барокко переплетался с тенденциями рококо. Так, во Франции основным стилем 17 века считался классицизм, барокко же считалось до середины столетия побочным течением, но в дальнейшем оба направления объединились в один большой стиль.

В Российской Империи барокко появилось в первой половине 18 века.

Русское барокко не обладало мистицизмом и экзальтацией, характерными для стран Европы, а имело национальные особенности. Русский стиль обладал чувством гордости за государственные успехи и народа. Живопись освободилась от средневековья и религии и обратилась к темам светского общества, к образу человека-деятеля.

Портрет Екатерины I с арапчонком, Адольский И-Б.Г.

Портрет напольного гетмана, Никитин И.Н.

Портрет Петра I, Никитин И.Н.

Повсеместно эволюция Барокко пришла к грациозности и легкости рококо. Оно переплеталось с этим стилем. А с 1760-ых годов его полностью вытеснил классицизм.

Художниками барокко были открыты новые способы интерпретации формы в пространстве, ее постоянно изменяющейся жизненной динамики. Они активизировали мировоззрение и показали, что жизнь едина с чувственной и телесной сущностью бытия. А трагические конфликты в живописи барокко создавали основу прекрасного.

«Взгляни на этот лик; искусством он
Небрежно на холсте изображен,
Как отголосок мысли неземной,
Не вовсе мертвый, не совсем живой…»

М.Ю. Лермонтов. «Портрет».
Новый стиль, утвердившийся к концу XVI века в искусстве Европы, и названный Барокко (итальянский barocco — странный, причудливый), характеризуется парадностью, грандиозностью, доходящей до помпезности, обилием внешних эффектов и деталей, декоративностью и «пышностью» форм. Это сказывалось уже в творчестве упоминавшегося мною ранее (в части «Позднее Возрождение») Микела́нджело Меризи да Карава́джо (1571-1610), которого искусствоведы часто причисляют к разным стилям, в том числе и к барокко, как крупнейшего его представителя, основателя реализма в живописи.

Считается, что именно он впервые применил в своем творчестве прием, использовавшийся в цветной ксилографии — «кьяроскуро» (итал.- светотень) прием «распределения различных по яркости цветов или оттенков одного цвета, позволяющий воспринимать изображаемый предмет объемным». В искусствоведческом языке существует даже термин «караваджизм» — стиль эпохи барокко, для которого характерны прием «кьяроскуро» и подчеркнутый реализм.

Особенности стиля барокко, как пропагандистского, активно захватывающего зрителя, принято связывать с укреплением абсолютистских монархий, с Контрреформацией, и поэтому он имеет свои выраженные национальные особенности в разных странах Европы. В Голландии, например, где распространен протестантизм и итальянское влияние было не так сильно, барокко имеет более скромное выражение, в нем больше камерности и меньше парадности (если портреты не сделаны по заказу высокопоставленных вельмож), но очень сильно жизнеутверждающее начало. Вершиной развития искусства 17 века в Голландии безусловно является творчество Рембрандта ван Рейна (1606-1669), живописца, мастера рисунка и офорта, непревзойденного портретиста.

Если в групповых портретах, которые широко распространились в Голландии, и в заказных портретах вельмож художник тщательно передавал черты лица, одежду, драгоценности, то в автопортретах и портретах близких ему людей Рембрандт отступал от художественных канонов и экспериментировал в поисках психологической выразительности, использовал свободную манеру живописи, красочную гамму и игру светотени.

О его отношениях с еврейской общиной Амстердама и многочисленных портретах еврейских мудрецов, стариков и детей я писала уже раньше (), здесь приведу один из тех портретов, который является жемчужиной мировой живописи.

Рембрандта привлекают образы простых людей, стариков, женщин и детей, все чаще он сосредоточивает внимание на лице и руках, выхваченных из темноты мягким рассеянным светом, горячая красно-коричневая палитра усиливает эмоциональную выразительность, согревая их теплым человеческим чувством.

Влияние творчества Рембрандт не только на голландское, но и на мировое искусство огромно. Его непревзойденное мастерство, гуманизм и демократизм, интерес к человеку, его переживаниям и внутреннему миру оказали воздействие на развитие впоследствии всего реалистического искусства.
Ученик и последователь Рембрандта, проживший короткую жизнь, но успевший оставить свой след в искусстве, Карел Фабрициус (1622-1654)

глубоко усвоил творческий метод великого учителя, но сохранил свою свободную манеру письма, более холодную цветовую гамму и оригинальный прием выделения темных фигур первого плана на полном воздуха светлом фоне. Можно сказать, что Фабрициус был самым блестящим из учеников Рембрандта, однако он изменил манере учителя писать светлое на темном фоне и вместо этого писал темные предметы на светлом. Он трагически погиб при взрыве порохового склада в Делфте во время работы над одним из своих портретов.
Теперь уже в свою очередь творческая манера Фабрициуса оказала влияние на Яна Вермеера Делфтского (1632–1675).
«Жемчужина, вспышка, драма и квинтэссенция «золотого голландского века». Недолго живший, мало написавший, поздно открытый…» (Лосева.http://www.aif.ru/culture/person/1012671)

Большинство его работ скорее можно назвать жанровыми сценами, но суть их — обобщенные жанровые портреты, в которых особое внимание уделяется душевному состоянию персонажей, общему лирическому настрою всей сцены, тщательному выписыванию деталей, использованию естественного освещения, живой выразительности всей композиции.

Множество его работ изображают женщин за разными домашними занятиями, у него была возможность наблюдать свою собственную жену, постоянно занятую по дому и воспитывающую их многочисленных детей (она родила 15 детей, из которых четверо умерли). Обычно действие на его жанровых портретах происходит у окна, образы женщин полны обаяния и умиротворения, а игра оттенков и красочность бликов одухотворяют мир людей и сообщают им внутреннюю значительность.

Творчество Вермеера не было по достоинству оценено при жизни и было почти забыто вплоть до второй половины 19 века.
Еще одним выдающимся голландским художником, работавшим в Харлеме (Амстердам) и прославившимся во второй половине своей жизни как гениальный портретист был Франс Халс (Хальс, между 1581 и 1583 -1666). Он «радикально реформировал групповой портрет, порвав с условными системами композиции, вводя в произведения элементы жизненных ситуаций, обеспечивающие непосредственную связь картины и зрителя» (Седова Т.А. «Франс Халс» . Большая советская энциклопедия)

В творчестве Халса можно увидеть почти всех представителей общества — от богатых горожан и высшего офицерства до социальных низов, изображаемых художником обычными живыми людьми, воплощающими неистощимую жизненную энергию народа.

Часто его портреты производят впечатление выхваченного и моментально зафиксированного жизненного момента, настолько они воспроизводят живую естественность и неповторимую индивидуальность своих моделей, иногда даже неожиданно напоминая манеру импрессионистов.

Эта картина скорее всего не портрет в собственном смысле слова, а аллегория, говорящая о неизбежности смерти и скоротечности жизни, но она настолько живая, так передает движение благодаря жесту протянутой руки, что создает полное впечатление портрета конкретного юноши. Хальс прославился благодаря своему энергичному стилю письма, использующему быструю работу кистью, чтобы запечатлеть мимолетные, мгновенные жесты и выражения лица. Поздние произведения Халса выполнены в скупой цветовой гамме, построенной на контрастах чёрных и белых тонов. Ван Гог говорил, что у Халса «27 оттенков черного»[.
Пару слов о еще одном жизнерадостном и остроумном голландском живописце, писавшем в основном жанровые сценки, многие из которых вполне можно считать и жанровыми портретами. Ян Стен (около 1626-1679) изображал сцены из жизни среднего класса, описывая их с грубоватым народным юмором, иногда даже доходящим до сатиры, но всегда добродушные и мастерски выполненные.

Период расцвета фламандского барокко приходится на 1 пол. XVII века, его выдающимся представителем является великий Питер Пауль Рубенс (1577-1640), живописец, график, архитектор-декоратор, оформитель театральных зрелищ, талантливый дипломат, владевший несколькими языками, ученый-гуманист. Он рано посвятил себя живописи, побывал в юности в Италии и воспринял во многом манеру Караваджо, но сохранил любовь к национальным художественным традициям.

Рубенсом было написано большое количество парадных портретов по заказам европейской аристократии, в том числе и королевских особ, но и в них с исключительным мастерством и чувственной убедительностью он воссоздавал физический облик и особенности характера модели. Но особенно виртуозны, лиричны, написанные с большой любовью и задушевностью интимные портреты близких ему людей.

Интересны работы, в которых видны поиски художника, стремление передать разные позы, эмоции, выражения лица, достичь исключительного мастерства в передаче тончайших градаций света и цвета, в богатстве красочных оттенков, выдержанных в эмоционально насыщенной коричневой гамме.

Творчество Рубенса оказало огромное воздействие на развитие европейской живописи, особенно фламандской, и прежде всего на его
учеников, образовавших целую школу последователей, из которых самым талантливым был безусловно его помощник Антонис ван Дейк (1599–1641).

Восприняв «сочную»живописную манеру Рубенса, он уже в юности обратился к портрету, придавая героям своих картин более утонченный, более изящный, более одухотворенный и благородный облик. Вместе с тем он писал много парадных портретов, в том числе и конных, в которых уделял большое внимание позе, осанке, жестам, ему удалось объединить в парадном портрете «торжественную представительность образа с индивидуальной психологической характеристикой».

Последние 10 лет своей жизни Ван Дейк провел в Англии при дворе короля КарлаI среди аристократов, придворных и членов их семейств. Интересно наблюдать за тем, как меняется палитра художника, становясь вместо теплой и живой красновато-коричневой все более холодной голубовато-серебристой.

Творчество Ван Дейка, разработанные и доведенные им до совершенства типы аристократического интеллектуального портрета оказали в дальнейшем большое влияние на развитие английской портретной живописи.
Еще один выдающийся художник фламандской школы Якоб Йорданс (1593-1678) отразил в своем творчестве характерные черты именно фламандского барокко — свежее, яркое, чувственное восприятие жизни, радостный оптимизм, тела его моделей дышат здоровьем, движенья их порывистые, фигуры мощные, вообще мощь и внутреняя энергия для художника важнее красоты и грации.

Йорданс очень быстро писал, его наследие велико, хотя и меньше, чем у Рубенса — около 700 картин почти во всех музеях мира. Он любил большие картины, и даже портреты предпочитал делать в соответствии с ростом человека, с большим реализмом, не скрывая недостатки лиц и фигур.

И хотя он и не добился значительного признания как портретист, однако хорошо умел отображать характеры, был наблюдательным художником и оставил нам многочисленные свидетельства своей эпохи, целую галерею характерных народных типов.
«Золотым веком» испанской живописи является XVII век, расцвет живописи не совпал с периодом наивысшего экономического и политического могущества Испании и наступил несколько позднее. Реакционная внутренняя и внешняя политика испанских королей, разорительные войны, постоянные религиозные преследования, слабость буржуазии привели Испанию к потере своего могущества уже к концу XVI в. Для испанского искусства было характерно преобладание традиций не классических, а средневековых, готических, а также большое влияние мавританского искусства в связи с многовековым господством арабов в Испании. Самым известным художником испанского барокко был Диего Родригес де Сильва Веласкес (1599-1660).

Интересно, что у Веласкеса, типичнейшего испанца, родившегося в семье португальских евреев, принявших христианство, почти отсутствуют произведения на религиозные сюжеты, а те, которые он избирает, трактуются им как жанровые сцены. На его портретную живопись оказала огромное влияние жизнь при королевском дворе, она научила его раскрывать глубины человеческого характера, прячущиеся под маской холодного этикета, богатством одежд, великолепием поз, одежд, коней и пейзажа.

С большой теплотой, симпатией и непредвзятостью написана художником целая серия портретов придворных шутов и карликов, здесь с наибольшей полнотой сказались особенности его творческого метода — глубокое постижение жизни во всем богатстве и противоречивости ее проявлений.

Одна из последних работ Веласкеса — «Менины» — по сути является групповым портретом. Стоя у мольберта, сам художник (и это единственный достоверный автопортрет Веласкеса) пишет короля и королеву, отражение которых зрители видят в зеркале. На переднем плане изображена инфанта Маргарита, в дверях покоя художник поместил фигуру канцлера. В картине все пронизано воздухом, моделировано тысячью разных цветовых оттенков, мазками разного направления, плотности, величины и формы.

Влияние Веласкеса на все последующее испанское и мировое искусство огромно, он вдохновлял поколения художников, от романтиков до Сезанна и Матисса.
Еще один художник, оставивший свой след в искусстве эпохи испанского барокко, — Франсиско Сурбаран (1598-ок. 1664), выходец из крестьянской семьи с глубокими религиозными устоями. Потому и творчество его в большей своей части основано на религиозных сюжетах, среди его работ множество изображений святых, пророков, монахов и священников, он много пишет для храмов и монастырей. Иногда в религиозных сюжетах он в образе святых или библейских героев изображает своих друзей, знакомых или даже себя.

В середине 17 века в испанской живописи барокко происходят изменения, которым стареющий Сурбаран уже не мог соответствовать, он начал терять свою популярность и умер фактически в нищете.
Изменения в испанской живописи, о которых сказано выше, происходят в результате влияния творчества Бартоломе Эстебан Мурильо (1618-1682), одного из величайших живописцев религиозной тематики, в картинах которого канонические сюжеты представляют собой как бы повседневные сцены из жизни самых обыкновенных людей. Художник создал целую серию картин, с добродушным юмором, проникнутых лиризмом и добротой, изображающих жизнь севильских детей трущоб.

После смерти Мурильо испанская школа живописи практически перестала существовать, и хотя время от времени появлялись выдающиеся мастера (о которых мы еще поговорим в следующей части), но об испанской школе как о явлении в искусстве можно говорить лишь применительно к XVII столетию.
Упомяну еще одного итальянского художника — Гвидо Рени (1575-1642), изучавшего в Риме живопись Рафаэля и Караваджо и ставшего в зрелые годы фактическим главой римской школы барокко. Большинство его работ посвящены религиозным сюжетам, а в портретах присутствует некая нарочитая изнеженность, претенциозная грация поз, утонченная красота, как будто его герои — персонажи барочной мелодрамы.

И еще один в этой плеяде творцов эпохи Барокко — французский художник Матье Леннен (1607 — 1677), младший из трех братьев-художников. Многие работы приписывают разным братьям, иногда невозможно с достоверностью установить авторство. Но постепенно фамилия Ленненов стала связываться лишь с творчеством младшего из них, Матье, который принадлежал по существу уже другому поколению и в своих жанровых и портретных работах зависел от новых вкусов.

Заканчивая тему «портретная живопись эпохи барокко», главенствующем стиле в Европе конца 16-начала 18 века, приведу слова Сомерсета Моэма: «Барокко — трагичный, массивный, мистический стиль. Оно стихийно. Оно требует глубины и прозрения…». От себя посмею только сказать, что барокко — не мой любимый стиль, он меня утомляет…
В следующей части поговорим о Рококо. Продолжение следует.

И, как всегда, видеоролик в сопровождении музыки барокко.

ЖИВОПИСЬ БАРОККО — презентация на Slide-Share.ru 🎓

1

Первый слайд презентации: ЖИВОПИСЬ БАРОККО

КАРАВАДЖО Микеланджело Меризи

Изображение слайда

2

Слайд 2

Микела́нджело Меризи да Карава́джо, 29 сентября 1571, Милан — 18 июля 1610, Порто-Эрколе итальянский художник, реформатор европейской живописи XVII века, основатель реализма в живописи, один из крупнейших мастеров барокко. Одним из первых применил манеру письма «кьяроскуро» — резкое противопоставление света и тени

Изображение слайда

3

Слайд 3

Сын архитектора Фермо Меризи и его второй жены Лючии Аратори, дочери землевладельца из городка Караваджо, неподалёку от Милана. Отец служил управляющим у маркиза Франческо Сфорца да Караваджо. В 1576 году во время эпидемии чумы умерли отец и дед, мать с детьми переехала в Караваджо. Первыми покровителями будущего художника были герцог и герцогиня Колонна.

Изображение слайда

4

Слайд 4

В 1589 году художник приезжает домой продать свой земельный надел, по-видимому, нуждаясь в деньгах. Последний раз он посещает дом после смерти матери в 1590 году. Осенью 1591 года он вынужден бежать из Милана после ссоры за карточной игрой, завершившейся убийством. Заехав сначала в Венецию, он направляется в Рим.

Изображение слайда

5

Слайд 5

В Риме Меризи заметил Пандольфо Пуччи, пригласил его в свой дом, обеспечил существование, поручив выполнять копии с церковных картин. Борромео, познакомившийся с Караваджо в пору его римской жизни, описал его как «человека неотёсанного, с грубыми манерами, вечно облачённого в рубище и обитающего где придётся. Рисуя уличных мальчишек, завсегдатаев трактиров и жалких бродяг, он выглядел вполне счастливым человеком».

Изображение слайда

6

Слайд 6

Создание шедевров у Караваджо сопровождалось разгульной жизнью, стычками и драками, штрафами и заключениями. Он обвинялся в том, что ранил шпагой человека, плохо отозвавшегося о его картинах, в том, что написал оскорбительные стихи о живописце Бальоне, в избиении нотариуса Пасквалоне, в потасовке в таверне. Каждый раз из тюрьмы его спасали кардиналы и Джустиньяни.

Изображение слайда

7

Слайд 7

29 мая 1606 года спор на площадке для игры в мяч перерос в драку, в ходе которой был убит Рануччо Томассони. В убийстве был обвинён Караваджо. Павел V объявил художника «вне закона», его теперь мог убить любой человек и даже получить за это вознаграждение.

Изображение слайда

8

Слайд 8

Неожиданно в июле 1607 года Караваджо направляется в столицу Мальты — Ла-Валлетту. Одна из картин, написанных им по заказу приора мальтийского ордена в Неаполе Ипполито Маласпина, понравился великому магистру ордена. Караваджо пишет портреты Магистра, и соратника магистра. 14 июля 1608 года Караваджо становится кавалером мальтийского ордена без права ношения мальтийского креста, так как он не был дворянином.

Изображение слайда

9

Слайд 9

Однако очередной инцидент привёл Караваджо в мальтийскую тюрьму, он был посажен в каменный мешок. Каким-то образом он сумел оттуда сбежать и в октябре 1608 года приплыл на Сицилию в город Сиракузы В июле кардинал Гонзага начал вести с папой Павлом V переговоры о помиловании Караваджо. Узнав об этом, художник решил перебраться поближе к Риму и ждать официального помилования. Он нанял лодку и отплыл из Неаполя. Дальнейшие события покрыты тайной. Вероятно, Караваджо был задержан в крепости Пало, лодка уплыла, и он отправился пешком в Порто-Эрколе, где и умер 18 июля. 31 июля в Риме был обнародован папский указ о помиловании Караваджо и опубликовано сообщение о его смерти.

Изображение слайда

10

Слайд 10

Караваджо создаёт первый натюрморт в истории итальянской живописи — «Корзина с фруктами».

Изображение слайда

11

Слайд 11: Мальчик, чистящий фрукты

Изображение слайда

12

Слайд 12: Вакх

Изображение слайда

13

Слайд 13: Лютнист

Изображение слайда

14

Слайд 14: Мальчик, укушенный ящерицей

Изображение слайда

15

Слайд 15: Гадалка

Изображение слайда

16

Слайд 16

Изображение слайда

17

Слайд 17

Изображение слайда

18

Слайд 18

Изображение слайда

19

Слайд 19: Влюбленный Нарцисс

Изображение слайда

20

Слайд 20: Спящий Амур

Изображение слайда

21

Слайд 21: Иоанн Креститель

Изображение слайда

22

Слайд 22: Святая Катерина

Изображение слайда

23

Слайд 23: Принесение в жертву Исаака

Изображение слайда

24

Слайд 24: Поклонение Волхвов

Изображение слайда

25

Слайд 25: Мадонна и младенец со святой Анной

Изображение слайда

26

Слайд 26: Успение Богоматери

Изображение слайда

27

Слайд 27: Отречение Петра

Изображение слайда

28

Слайд 28: Поцелуй Иуды

Изображение слайда

29

Слайд 29: Ужин в Эмаусе

Изображение слайда

30

Последний слайд презентации: ЖИВОПИСЬ БАРОККО: Апостол Матфей и Ангел

Изображение слайда

Стили и направления живописи

Существует огромное разнообразие стилей и направлений в изобразительном искусстве. Часто они не имеют четко выраженных границ и плавно переходят из одного в другой, находясь в непрерывном развитии, смешении и противодействии. В рамках одного исторического художественного стиля всегда зарождается новый, а тот, в свою очередь, переходит в следующий и т.д. Многие стили сосуществуют одновременно и поэтому «чистых стилей» вообще не бывает. У нас вы можете заказать портрет по фотографии на холсте.

Абстракционизм

(произошло от лат. abstractio – удаление, отвлечение) – направление искусства, отказавшееся от приближенного к действительности изображения форм в живописи и скульптуре. Одна из целей абстракционизма – достижение гармонии, создание определённых цветовых сочетаний и геометрических форм, чтобы вызвать у созерцателя разнообразные ассоциации. Главными представителями абстракционизма были: Василий Кандинский (1866-1944), Пабло Пикассо (1881-1973).

Авангардизм

(произошло от фр. avant-garde – передовой отряд) – совокупность экспериментальных, модернистских, подчеркнуто необычных, поисковых начинаний в искусстве 20 века. Авангардными направлениями являются: фовизм, кубизм, футуризм, экспрессионизм, абстракционизм, сюрреализм, акционизм, поп-арт, концептуальное искусство.

Академизм

(от фр. academisme) – направление в европейской живописи XVI-XIX веков. Основывалось на догматическом следовании внешним формам классического искусства. Последователи характеризовали этот стиль как рассуждение над формой искусства древнего античного мира и эпохи Возрождения. Академизм восполнял в себе традиции античного искусства, в которых идеализирован образ натуры, компенсируя при этом норму красоты. В этом стиле писали Аннибале, Агостино и Лодовико Карраччи.

Акционизм

(от англ. action art – искусство действия) – хэппенинг, перформанс, эвент, искусство процесса, искусство демонстрации и ряд других форм возникших в авангардистском искусстве 1960-х годов. В соответствии с идеологией акционизма художник должен заниматься организацией событий, процессов. Акционизм стремится стереть грань между искусством и действительностью. Наиболее известный представитель акционизма – Джексон Поллок.

Алла прима

(аля прим) (произошло от итал. alla prima – в первый момент) – разновидность техники масляной живописи, предусматривающая выполнение картины (или её фрагмента) за один сеанс, без предварительных прописок и подмалевка.

Ампир

(произошло от франц. empire – империя) – стиль в архитектуре и декоративном искусстве возникший во Франции в начале XIX в., в период Первой Империи Наполеона Бонапарта. Ампир – финал развития классицизма. Для воплощения величества, изысканности, роскоши, мощи и воинской силы Ампиру характерно обращение к античному искусству: древнеегипетским декоративным формам (военные трофеи, крылатые сфинксы…), этрусским вазам, помпейской росписи, греческому и римскому декору, ренессансных фрескам и орнаментам. Главным представителем этого стиля был Ж.Л.Давид (картины “Клятва Горациев” (1784), “Брут” (1789))

Анималистика

(произошло от лат. animal – животное) – жанр изобразительного искусства, в котором основным предметом изображения являются животные.

Аппликация

(произошло от лат. applicatio – прикладывание) – способ создания орнаментов, изображений путём наклеивания на холст разноцветных кусочков какого-либо материала.

Анахронизм

(от греч. ana – обратно и hronos – время), другое название – гиперманьеризм – одно из направлений постмодернизма, предлагающее авторскую интерпретацию искусства прошлого. Анахронизм возник в конце 1970-х гг. в Италии, позднее и во Франции. Мастера анахронизма: Карло Мария Мариани, Омар Галлиани, Луиджи Онтани, Стефано ди Стасио, Убальдо Бартолини, Антонио Аббате, Жан Гаруй.

Андеграунд

(от англ. underground – подполье, подземелье) – ряд художественных направлений в современном искусстве, противопоставляющих себя массовой культуре, мейнстриму. Андеграунд отвергает и нарушает принятые в обществе политические, моральные и этические ориентации и типы поведения, внедряя в повседневность асоциальное поведение. В советский период в силу строгости режима почти всякое неофициальное, т.е. не признанное властями, искусство оказывалось андеграундом.

Арте повера

(от ит. arte povera – бедное искусство) – художественное направление, объединившее художников из Рима, Турина, Милана и Генуи во второй половине XXв. Художники арте повера визуализировали диалог между природой и индустрией, используя промышленные или нехудожественные материалы, хотели освободить творчество от ограничений традиционных форм искусства и художественного пространства, а также играли с политическим измерением индустриальных материалов. Движение стало заметным явлением на международной арт-сцене, находясь в противостоянии и диалоге с минимализмом в Америке, который также использовал индустриальные материалы. С точки зрения художников арте повера, минимализм занимался аспектами формы и не затрагивал поэтические, политические и исторические проблемы, которые были важны для арте повера. Арте повера не было объединением художников, имеющим свой манифест. Это было прежде всего движение, которое при помощи куратора и критика было признано и классифицировано в своей совокупности.

Ар нуво

(от фр. art nouveau, буквально – новое искусство) – распространённое во многих странах (Бельгия, Франция, Англия, США и др.) название стиля модерн. Самый известный художник этого направления живописи: Альфонс Муха.

Арт деко

(от фр. art deco, сокр. от decoratif)- направление в искусстве в середине 20 века, обозначившее синтез авангарда и неоклассицизма, пришло на смену конструктивизму. Отличительные признаки этого направления: усталость, геометрические линии, роскошь, шик, дорогие материалы (слоновая кость, крокодиловая кожа). Самым известным художником этого направления является Тамара де Лемпицка(1898-1980).

Аэрография

Техника живописного письма аэрографом (в переводе воздушная кисть – прибор для тонкого распыления краски сжатым воздухом) по трафарету.

Барокко

(произошло от итал. barocco – странный, причудливый или от порт. perola barroca – жемчужина неправильной формы, существуют и другие предположения о происхождении этого слова) – художественный стиль в искусстве позднего Возрождения. Отличительные признаки этого стиля: преувеличенность размеров, изломанность линий, обилие декоративных подробностей, тяжесть и колоссальность.

Бидермейер

(от нем. biedermeier – простодушный, обывательский) – направление в немецком и австрийском искусстве, распространённое в 1815-1848 годах. Стиль является ответвлением романтизма, пришедшего на смену ампиру, поэтому его иногда называют смесь ампира с романтизмом. В бидермейере формы стиля ампир преобразовывались в духе интимности и домашнего уюта. Для стиля характерно тонкое, тщательное изображение интерьера, природы и бытовых деталей. Представители бидермейера в живописи: Г. Ф. Керстинг, Людвиг Рихтер, Карл Шпицвег, Мориц фон Швинд и Фердинанд Вальдмюллер.

Батальный жанр

(произошло от фр. bataille – битва) – жанр изобразительного искусства, в котором изображаются темы войны: сражения, военные походы.

Бытовой жанр

(жанровая живопись) – жанр изобразительного искусства, в котором изображаются обыденные сцены из повседневной жизни человека без прикрас.

Ванитас

(от лат. vanitas, букв. – «суета, тщеславие») – жанр живописи эпохи барокко, аллегорический натюрморт, композиционным центром которого традиционно является человеческий череп. Подобные картины, ранняя стадия развития натюрморта, предназначались для напоминания о быстротечности жизни, тщетности удовольствий и неизбежности смерти. Наибольшее распространение получил во Фландрии и Нидерландах в XVI и XVII веках, отдельные примеры жанра встречаются во Франции и Испании.

Ведута 

жанр Венецианской живописи 18 века, в котором изображается городской пейзаж в виде панорамы, с соблюдением масштаба и пропорций. Великий представитель этого стиля в живописи – венецианский художник Каналетто (1697-1768). В России родоначальником архитектурной ведуты были живописцыФ.Я.Алексеев, М.Н.Воробьёв, С.Ф.Щедрин.

Веризм

(от итал. il verismo, от слова vero – истинный, правдивый) – реалистическое направление в итальянском изобразительном искусстве конца XIX века. Термин возник в XVII веке, употреблялся в изобразительном искусстве и обозначал реалистическую струю в живописи барокко. Затем термин возрождается во второй половине XIX века, являясь обозначением (весьма неопределёнными расплывчатым) реалистического и натуралистического направления в итальянском искусстве. Самыми известными художниками этого направления являютсяДж. Фаттори, С. Лега, Т. Синьрини, О. Боррани, В. Кабьянка,Дж. Аббати и др.

Возрождение

 или РЕНЕССАНС (от фр. renaissance, итал.rinascimento) – эпоха в истории культуры Европы, пришедшая на смену культуре Средних веков и предшествующая культуре нового времени. Примерные хронологические рамки эпохи – XIV-XVI века. Отличительная черта эпохи возрождения – светский характер культуры и её антропоцентризм (то есть интерес, в первую очередь, к человеку и его деятельности). Появляется интерес к античной культуре, происходит как бы её «возрождение» – так и появился термин. Рисуя картины традиционной религиозной тематики, художники начали использовать новые художественные приёмы: построение объемной композиции, использование пейзажа на заднем плане, что позволило им сделать изображения более реалистичными, оживленными. Это резко отличало их творчество от предыдущей иконографической традиции, изобилующей условностями в изображении. Наиболее известные художники этого периода: Сандро Боттичелли (1447-1515),Леонардо да Винчи (1452-1519), Рафаэль Санти (1483-1520),Микеланджело Буонарроти (1475-1564), Тициан (1477-1576),Антонио Корреджо (1489-1534), Иероним Босх (1450-1516),Альбрехт Дюрер (1471-1528).

Геометрический абстракционизм

вид абстрактного искусства, композиции которого построены из ограниченного набора правильных форм и основных цветов.

Гиперреализм

ФОТОРЕАЛИЗМ, СУПЕРРЕАЛИЗМ – стиль в живописи и скульптуре, основанный на фотореализации объекта. Гиперреализм возник в США в середине 20 века. Главная цель гиперреализма показать действительность.

Городской пейзаж

(архитектурный пейзаж) – жанр изобразительного искусства, в котором основным предметом изображения являются городские улицы, здания.

Готика

(произошло от итал. gotico – непривычный, варварский) – период в развитии средневекового искусства, охватывавший почти все области культуры и развивавшийся на территории Западной, Центральной и отчасти Восточной Европы с XII по XV век. Готика завершила развитие европейского средневекового искусства, возникнув на основе достижений романской культуры, а в эпоху Возрождения искусство средневековья считалось «варварским». Готическое искусство было культовым по назначению и религиозным по тематике. Оно обращалось к высшим божественным силам, вечности, христианскому мировоззрению. Готика в своем развитии подразделяется на Раннюю готику, Период расцвета, Позднюю готику.

Графика

 искусство изображения предметов контурными линиями и штрихами. Иногда в графике допускается применение цветных пятен, но здесь они играют вспомогательную роль.

Гризайль

(произошло от фр. grisaille, от gris – серый) – вид декоративной живописи, выполняемой в разных оттенках какого-либо одного цвета (чаще серого). Гризайль применяется с 17 века, широко распространена в росписях интерьеров классицизма, главным образом как имитация скульптурного рельефа.

Дадаизм

(произошло от фр. dadaisme, dada – деревянная лошадка; в переносном смысле – бессвязный детский лепет) – модернистское литературно-художественное течение 1916-1922 годов, для которого характерны сознательный иррационализм и демонстративный антиэстетизм. Зародился во время Первой мировой войны в Цюрихе (Швейцария), как реакция на последствия войны, жестокость которой, по мнению дадаистов, подчеркнула бессмысленность существования. Рационализм и логика объявлялись одними из главных виновников опустошающих войн и конфликтов. Исходя из этого, дадаисты считали, что современную европейскую культуру необходимо уничтожить через разложение искусства. Самые известные дадаисты: Ханс Арп (1886-1966), Марсель Дюшан (1887-1968),Макс Эрнст (1891-1976), Филипп Супо (1897-1990), Тристан Тцара (1896-1963).

Декоративная живопись

живопись, созданная с целью украшения интерьера или дополнения к дизайну помещения.

Дивизионизм

(от франц. division – разделение), пуантилизм – направление неоимпрессионизма, письмо раздельными четкими мазками в виде точек или мелких квадратов. Смешение цветов с образованием оттенков происходит на этапе восприятия картины зрителем. Самые известные художники, писавшие в этом стиле:Жорж Сёра (1859 – 1891), Поль Синьяк (1863-1935), Анри Матисс (1869-1954), Камиль Писсарро, Люсьен Писсарро, Анри Эдмон Кросс, Шарль Теофил Ангран, Максимилиан Люс, Ипполит Птижан, Жорж Леммен, Тео Ван Риссельберге, Джованни Сегантини, Николай Мещеряков.

Импрессионизм

(от фр. impression – впечатление) – направление в европейской живописи, зародившееся во Франции в середине 19 века. Импрессионисты избегали всяких подробностей в рисунке и пытались уловить общее впечатление от того, что видит глаз в конкретный момент. Этого эффекта они достигали при помощи цвета и фактуры. Самые известные художники этого направления живописи: Мане, Ренуар, Сезанн, Дега, Моне, Писсарро.

Караваджизм

стиль европейской живописи эпохи барокко, появившийся в Риме в конце XVI века. Основоположником этого стиля считается Караваджо. Караваджо оказал огромное влияние на развитие европейской реалистической живописи.
Революция Караваджо в области формы и иконографии живописи явилась результатом радикального изменения отношений между художником и внешним миром. Для караваджизма характерны: демократизм художественных идеалов; интерес к непосредственному воспроизведению натуры; драматизация изображения с помощью контрастов света и тени; стремление передать ощущение осязаемой материальности предметов; крупные планы; монументализация жанровых мотивов; бытовая трактовка религиозных и мифологических сюжетов.

Китч

 кич (от нем. kitsch – безвкусица) – термин, обозначающий одно из наиболее одиозных явлений массовой культуры, синоним псевдоискусства, в котором основное внимание уделяется экстравагантности внешнего облика, крикливости его элементов. По сути, китч – разновидность постмодернизма. Китч – это массовое искусство для избранных. Произведение, принадлежащее к китчу, должно быть сделано на высоком художественном уровне, в нем должен быть увлекательный сюжет, но это не настоящее произведение искусства в высоком смысле, а искусная подделка под него. В китче могут быть глубокие психологические коллизии, но там нет подлинных художественных открытий и откровений.

Классицизм

(произошло от лат. classicus – образцовый) – художественный стиль и эстетическое направление в европейской литературе и искусстве 17 – начала 19 вв., одной из важных черт которых являлось обращение к образам и формам античной литературы и искусства, как идеальному эстетическому эталону. Художественное произведение, с точки зрения классицизма, должно строиться на основании строгих канонов, тем самым, обнаруживая стройность и логичность самого мироздания. Интерес для классицизма представляет только вечное и неизменное. В каждом явлении он стремится распознать только существенные, типологические черты, отбрасывая случайные индивидуальные признаки. Эстетика классицизма придаёт огромное значение общественно-воспитательной функции искусства. Многие правила и каноны классицизм берет из античного искусства.

Клуазонизм

(от фр. cloison – перегородка) – термин, перенесенный в живопись из прикладного искусства. Суть данной системы заключается в том, что все полотно разделяется на несколько плоскостей разного цвета в соответствии с изображаемыми фигурами или предметами. Каждая из этих плоскостей очерчивается причудливо изгибающейся широкой контурной линией, как в  витражах свинцовыми перегородками. Главная роль в клуазонизме отводится чистым контрастным цветам, которые придают живописной плоскости особый декоративный эффект, поднимая линию горизонта и разрушая привычную перспективу натурного пространства. Фигуры уплощаются и становятся похожими на тени. Эта манера письма разработана Эмиль Бернаром и Л.Анкетеном в 1887 г.

Конструктивизм

направление в советском искусстве 20-х гг. ХХ в. Сторонники конструктивизма, выдвинув задачу конструирования окружающей среды, активно направляющей жизненные процессы, стремились осмыслить формообразующие возможности новой техники, ее логичных, целесообразных конструкций, а также эстетические возможности таких материалов, как металл, стекло, дерево. Показной роскоши конструктивисты стремились противопоставить простоту и подчеркнутый утилитаризм новых предметных форм, в чем они видели овеществление демократичности и новых отношений между людьми.

Космизм

(от греч. kosmos – организованный мир, kosma – украшение) – художественно-философское мировоззрение, в основе которого располагается знание о Космосе и представление о человеке как о гражданине Мира, а также о микрокосмосе, подобном Макрокосмосу. Космизм связан с астрономическими знаниями о Вселенной.

Кубизм

(от фр. cubisme, произошло от cube – куб) – модернистское направление в живописи начала ХХ века, которое выдвинуло на первый план формальную задачу конструирования объёмной формы на плоскости, сведя к минимуму изобразительно-познавательные функции искусства. Слово “кубисты” было употреблено в 1908 и 1909 французским критиком Л. Воселем как насмешливое прозвище группы художников, изображавших предметный мир в виде комбинации геометрических тел или фигур. Самый известный художник этого направления живописи: Пабло Пикассо (1881-1973).

Кубофутуризм

направление в искусстве авангарда в начале ХХ века, соединившее в себе наработки итальянских футуристов и французских кубистов.
Самые известные художники кубофутуризма: Казимир Малевич,Давид Бурлюк, Иван Клюин, Александра Экстер, Наталья Гончарова, Надежда Удальцова, Любовь Попова, Ольга Розанова, Иван Пуни.

Лоуброу арт

ПОП-СЮРРЕАЛИЗМ (от англ. lowbrow – малообразованный, непритязательный) – направление в изобразительном искусстве, возникшее в Лос-Анджелесе в конце 1970-х годов. На становление лоуброу арта повлияли панк-музыка, поп-искусство и другие субкультуры. У истоков движения стояли подземные карикатуристы Роберт Уильямс и Гэри Пэнтер, и художники Гэри Байсмэн и Тим Бискуп.)

Лучизм

живописное направление в русском искусстве 1910-х гг. Придумали этот стиль М. Ф. Ларионов и Н.С. Гончарова.
Лучизм это абстрактное искусство, основанное на вмещение световых спектров и светопередачи.

Маньеризм

(от итал. manierismo, от maniera – манера, стиль) – стиль в искусстве, основанный на усвоении манеры какого-нибудь большого мастера или определенной художественной школы.

Метареализм

(произошло от греч. meta – между, после, через и геalis – вещественный, действительный) – реализм многих реальностей, связанных непрерывностью метаболических превращений и перемен состояний. Есть реальность, открытая зрению муравья, и реальность, открытая блужданию электрона, и реальность, свёрнутая в математическую формулу. Метареальный образ, метаморфоза, метабола – способ взаимосвязи всех этих реальностей, утверждение их растущего единства.

Мизерабилизм

(от фр. miserable – несчастный) – направление изобразительного искусства, зародившееся во Франции после 1940-х годов. В рамках данного направления, на первое место выносятся принципы фигуративности, сюжетно-драматическое начало в живописи и графике, с подчеркиванием трагической обреченности, «покинутости» человека в мире. Основоположником мизерабилизма считается Франсис Грюбер.

Минимализм

(произошло от англ. minimal art – минимальное искусство) – художественное течение, исходящее из минимальной трансформации используемых в процессе творчества материалов, простоты и единообразия форм, монохромности, творческого самоограничения художника. Для минимализма характерен отказ от субъективности, репрезентации, иллюзионизма. Отвергая классические приемы и традиционные художественные материалы, минималисты используют промышленные и природные материалы простых геометрических форм и нейтральных цветов (черный, серый), малых объемов, применяют серийные, конвейерные методы индустриального производства. Минимализм возник в США в первой половине 60-х гг. Среди наиболее репрезентативных минималистов: К. Андре, М. Бочнер,У. Де Мариа, Д. Флэвин, С. Ле Витт, Р. Мэнголд, Б. Мэрден, Р. Моррис, Р. Раймэн.

Модерн

(произошло от фр. moderne – новейший, современный) – cтиль в европейском и американском иcкyccтвe нa pyбeжe XIX-XX вeкoв. Модерн переосмысливал и стилизовал черты искусства разных эпox, и выpaбoтaл coбcтвeнныe xyдoжecтвeнныe пpиeмы, ocнoвaнныe нa пpинципax асимметрии, орнаментальности и декоративности. Его отличительными особенностями являются: отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, природных линий. Этим oбъяcняeтcя нe тoлькo интepec к pacтитeльным opнaмeнтaм в пpoизвeдeнияx мoдepнa, нo и caмa иx кoмпoзициoннaя и плacтичecкaя cтpyктypa – oбилиe кpивoлинeйныx oчepтaний, oплывaющиx, нepoвныx кoнтypoв, напоминающих pacтитeльныe фopмы. Художники, писавшие в стиле модерн: Поль Гоген (1848-1903), Густав Климт (1862-1918).

Модернизм

(произошло от итал. modernismo – «современное течение») – общее название направлений искусства и литературы конца 19-20 века: кубизм, дадаизм, сюрреализм, модерн, футуризм, экспрессионизм, абстрактное искусство, функционализм, неоимпрессионизм, постимпрессионизм и т. п.

Натюрморт

(в переводе с фр. – мертвая, неодушевленная натура) – это художественное изображение различных предметов быта. Ими могут быть: посуда, домашняя утварь, фрукты, овощи, цветы, дичь или любое их сочетание. Самые известные школы в написание натюрморта – фламандская и голландская, в которых по-своему решили задачу передачи цвета и композиции.

Наив, наивное искусство

изобразительные виды народного искусства; творчество художников-самоучек; а также самодеятельное искусство.

Натурализм

(произошло от лат. naturalis – природный) – направление в литературе и искусстве последней трети 19 века, стремившееся к объективно точному и бесстрастному воспроизведению наблюдаемой реальности. Считается, что натурализм воспроизводит реальность без ее идейного осмысления, художественного обобщения, критической оценки и отбора.

Неоклассицизм

Де Стиль – термин, обозначающий художественные явления последней трети XIX-XX вв., которым присуще обращение к традициям античного искусства, искусства эпохи Возрождения или классицизма. Возникновение неоклассицизма обусловлено стремлением противопоставить некие “вечные” эстетические ценности тревожной и противоречивой реальности. Самый известный художник этого направления живописи: Адольф Вильям Бугро (1825-1905)

Неопластицизм

одна из ранних разновидностей абстрактного искусства. Создан к 1917 году нидерландским живописцем П. Мондрианом и др. художниками входившими в объединение “Стиль”. Для неопластицизма характерно, по словам его создателей, стремление к “универсальной гармонии”, выразившееся в строго уравновешенных комбинациях крупных прямоугольных фигур, четко разделенных перпендикулярными линиями черного цвета и окрашенных в локальные цвета основного спектра (с добавлением белого и серого тонов).

Неореализм

Неореализм

художественное направление, получившее развитие в изобразительном искусстве в середине XX века в ряде стран Европы и в США, представители которого на фоне модернистского искусства провозгласили возврат к реалистическим ценностям традиционных изобразительных форм.

Неоэкспрессионизм

направление в современной живописи, которое возникло в конце 1970-х и доминировало на арт-рынке до середины 1980-х. Неоэкспрессионизм возник в Европе как реакция на концептуальное и минималистическое искусство 1970-х. Неоэкспрессионисты вернулись к образности, фигуративности, живой и эмоциональной манере, ярким насыщенным цветам.

Ню

 (произошло от фр. nu – нагой, раздетый) – один из жанров изобразительного искусства, посвященный изображению нагого тела, преимущественно женского. В своём развитии ню тесно связан с изображением обнажённого человеческого тела и воплощает идеал красоты данной страны и эпохи. Ню зарождается в эпоху Возрождения в рамках мифологического, аллегорического, исторического и бытового жанров. Формирование ню как жанра происходит в 17 веке с распространением идей сенсуализма: изображения нагого тела проникаются откровенно чувственным началом.

Оп-Арт

(от англ. ор art, сокращение от optical art – оптическое искусство) – неоавангардистское течение в изобразительном искусстве, одна из поздних модификаций абстрактного искусства. В оп-арте эффекты пространственного перемещения, слияния и “парения” форм достигались введением резких цветовых и тональных контрастов, ритмических повторов, пересечения спиралевидных и решетчатых конфигураций, извивающихся линий.

Орфизм

(от фр. orphisme, от Orpһée – Орфей) – направление во французской живописи 1910-х гг. Название дано в 1912 французским поэтом Аполлинером живописи художника Робер Делоне. Орфизм связан с кубизмом, футуризмом и экспрессионизмом. Основные особенности живописи этого стиля эстетизм, пластичность, ритмичность, изящество силуэтов и линий.
Мастера орфизма: Робер Делоне, Соня Терк-Делоне,Франтишек Купка, Франсис Пикабиа, Владимир Баранов-Россине, Фернан Леже, Морган Рассел.

Парсуна

(искаженное лат. persona – личность, особа) – первоначально синоним современного понятия портрет вне зависимости от стиля, техники изображения, места и времени написания. Понятие парсуна в значении произведения переходного периода от иконописи к светской портретной живописи предложено И.М. Снегирёвым в 1854 году.

Пастораль

(произошло от фр. pastorale, пастушеский, сельский) – жанр поэтизирующий мирную и простую сельскую жизнь.

Примитивизм

стиль живописи, зародившийся в XIX-XX веках. Примитивисты намеренно упрощали картину, делая её формы примитивными, как народное искусство, творчество ребенка или первобытного человека. Основное отличие от наивного искусства: наив – живопись непрофессионалов, а примитивизм – стилизованная живопись профессионалов. Самыми известными художниками этого направления являются Марк Шагал, Нико Пиросмани.

Поп-арт

(произошло от англ. popular art – популярное, общедоступное искусство или от pop – отрывистый звук, лёгкий хлопок) – буквально: искусство, производящее взрывной, шокирующий эффект – неоавангардистское направление в изобразительном искусстве. Поп арт получил распространение со 2-й половины 1950-х гг. в США. Художники этого направления воспроизводят буквально типичные предметы современного быта (вещи домашнего обихода, упаковку товаров, фрагменты интерьеров, детали машин…), популярные печатные изображения известных личностей, вырезки из газет или включают эти предметы и изображения в композиции. Отличительная черта поп-арта – сочетание вызова с безразличием. Все одинаково ценно или бесценно, одинаково красиво или безобразно, одинаково достойно или недостойно. Самые известные художники поп арта: Джаспер Джонс, Роберт Раушенберг и Энди Уорхол.

(произошло от фр. слова portrait) – это художественное изображение человека с передачей его внутреннего мира. Делится на индивидуальный, групповой, парадный, автопортрет.

Постимпрессионизм

(произошло от фр. postimpressionisme, от лат. post – после и импрессионизм) – совокупность направлений, возникших во французском искусстве во второй половине 1980-х годов и пришедших на смену импрессионизму. Началом постимпрессионизма принято считать середину 1880-х, когда состоялась последняя выставка импрессионистов и был опубликован Манифест символизма (1886) поэта Жана Мореаса. Новые течения декларировали неприятие эстетики импрессионизма и реализма. Их объединяла готовность передавать в картинах не сиюминутные, но длительные, сущностные состояния жизни, как материальные, так и духовные. Поиски шли различными путями: это и пуантилизм (Жорж Сёра,Поль Синьяк), и символизм Поля Гогена.

Постмодернизм

(произошло от фр. postmodernisme – после модернизма) – новый художественный стиль, отличающийся от модернизма возвратом к красоте вторичной реальности, повествовательности, обращением к сюжету, мелодии, гармонии вторичных форм. Для постмодернизма характерно заимствование из разных эпох, регионов и субкультур стилей, образных мотивов и художественных приемов.

Прерафаэлитизм

(произошло от англ. pre перед и raphaelitism – Рафаэль) – эстетико-мистическое направление в английской поэзии и живописи во второй половине XIX в, образовавшееся в начале 50-х годов с целью борьбы против условности в английском искусстве викторианской эпохи, против академических традиций и слепого подражания классическим образцам.

Проторенессанс

(произошло (от греч. protos – первый и фр.Renaissance – Возрождение) – переходное направление в итальянском искусстве от эпохи Средневековья к эпохе Возрождения.

Пуантилизм

(дивизионизм) (произошло от фр. pointiller – писать точками) – направление неоимпрессионизма, письмо раздельными четкими мазками в виде точек или мелких квадратов. Смешение цветов с образованием оттенков происходит на этапе восприятия картины зрителем. Самые известные художники, писавшие в этом стиле: Жорж Сёра (1859 – 1891), Поль Синьяк (1863-1935), Анри Матисс (1869-1954).

Пуризм

(от фр. pur – чистый) – направление в живописи и архитектуре XX века, ищущее при создании своих произведений эстетической ясности, точности, подлинности в изображении. Это течение было создано французским художником Амеде Озенфаном и архитектором Ле Корбюзье в 1918 году с написанием ими художественного манифеста «После кубизма». Идеальной пропорцией в пуризме рассматривается золотое сечение и отвергается декоративность и манерность.

Реализм

(произошло от лат. геalis – вещественный, действительный) – направление в искусстве, характеризующееся изображением социальных, психологических и прочих явлений, максимально соответствующим действительности. Самые известные реалисты: Илья Репин, Иван Шишкин, Василий Поленов, Василий Суриков, Исаак Левитан.

Рококо

(происходит от фр. rococo, rocaille) – стиль в искусстве и архитектуре, зародившийся во Франции в начале 18 века. Отличался грациозностью, легкостью, интимно-кокетливым характером. Придя на смену тяжеловесному барокко, рококо явился одновременно и логическим результатом его развития, и его художественным антиподом. Со стилем барокко рококо объединяет стремление к завершённости форм, однако если барокко тяготеет к монументальной торжественности, то рококо предпочитает изящество и лёгкость.

Романтизм

(произошло от фр. romantisme) – идейное и художественное направление в европейской и американской живописи конца 18 – начала 19 веков, выдвигавшее на первый план индивидуальность, наделяя ее идеальными устремлениями. Романтизм выделял главенство воображения и чувств. Его основная социально-идеологическая предпосылка – разочарование в буржуазной цивилизации, в социальном, промышленном, политическом и научном прогрессе. Самые известные живописцы этого жанра: Э. Делакруа, И.К. Айвазовский (1817-1900).

Иппический жанр

(произошло от греч. hippos – лошадь) – жанр изобразительного искусства, в котором главным мотивом является изображение лошади.

Исторический жанр

 жанр изобразительного искусства, посвященный историческим событиям и деятелям, а также социально значимым явлениям в истории общества.

Каприччо

(произошло от итал. capriccio, буквально – каприз, прихоть) – архитектурный пейзаж-фантазия. Самые известные художники писавшие каприччо: Франческо Гварди, Антонио Каналетто.

Марина

МОРСКОЙ ПЕЙЗАЖ  (произошло от фр. marine, итал.marina, от лат. marinus – морской) – жанр изобразительного искусства, изображающий морской вид. Яркий представитель этого жанра – И.К.Айвазовский (1817-1900).

Сентиментализм

(произошло от лат. sentiment – чувство) – направление западного искусства второй половины XVIII., выражающее разочарование в цивилизации, основанной на идеалах разума. Сентиментализм провозглашает чувство, уединенное размышление, простоту сельской жизни “маленького человека”. Идеологом сентиментализма считается Ж.Ж.Руссо. Художники, писавшие в этом жанре: Я.Ф. Хаккерт, Р.Уилсон, Т.Джонс, Дж.Форрестер, С.Дэлон.

Символизм

(происходит от фр. symbolisme) – одно из крупнейших направлений в искусстве (в литературе, музыке и живописи), возникшее во Франции в 1870-80-х гг. и достигшее наибольшего развития на рубеже XIX и XX веков, прежде всего в самой Франции, Бельгии и России. Символисты радикально изменили не только различные виды искусства, но и само отношение к нему. Их экспериментаторский характер, стремление новаторству, космополитизм и обширный диапазон влияний стали образцом для большинства современных направлений искусства. Художники символисты: Обри Бердслей, Михаил Врубель.

Стрит-арт

(от англ. street art – уличное искусство) – искусство, получившее развитие на улицах и в городских публичных местах. Включает в себя граффити, тэги, трафаретное граффити, стикер-арт, постеры, видео проекции, флэш-мобы и уличные инсталляции.

Материал подготовлен студией Art-Spb

О концепциях стиля русского искусства XVII века в отечественном искусствознании

Похожие статьи

От музы до главной героини. Путь к признанию творческой… Публикуем перевод статьи Энн Тинг. Она известна как подруга Луиса Кана, но в то же время Тинг – первая женщина с лицензией архитектора в Пенсильвании и преподаватель архитектурной морфологии Пенсильванского университета. В статье на примере девяти историй рассмотрена эволюция личностной позиции творческих женщин от интровертной «музы» до экстравертной креативной «героини». Илья Лежава: в рамках контекста О значении городского контекста в студенческих конкурсных проектах, выполненных под руководством И. Г. Лежавы в 1970-е годы. Бетонный Мадрид Новая серия фотографа Роберто Конте посвящена не самой известной исторической странице испанской архитектуры: мадридским зданиям в русле брутализма. Реновация городской среды: исторические прецеденты Публикуем полный текст коллективной монографии, написанной в прошедшем 2020 году сотрудниками НИИТИАГ и посвященной теме, по-прежнему актуальной как для столицы, так и для всей страны – реновации городов. Тема рассмотрена в широкой исторической и географической перспективе: от градостроительной практики Екатерины II до творчества Ричарда Роджерса в его отношении к мегаполисам. Москва, НИИТИАГ, 2021. 333 страницы. Цензура в советской архитектуре Новая статья Дмитрия Хмельницкого – о том, что направляло крутые повороты в развитии советской архитектуры XX века. Мотивы Ле Корбюзье и Ивана Леонидова в позднем творчестве… Предлагаем вниманию читателя вторую часть исследования Петра Завадовского, посвященного эволюции стилистики позднего конструктивизма. Конкурсный проект комбината газеты «Известия» Моисея… Первая часть исследования «Иван Леонидов и архитектура позднего конструктивизма (1933–1945)» продолжает тему позднего творчества Леонидова в работах Петра Завадовского. В статье вводятся новые термины для архитектуры, ранее обобщенно зачислявшейся в «постконструктивизм», и начинается разговор о влиянии Леонидова на формально-стилистический язык поздних работ Моисея Гинзбурга и архитекторов его группы. Истоки и первые образцы стиля ар-деко в США Статья Андрея Бархина из сборника «Вестник МГХПА» №3. Стилевые тенденции в архитектуре США рубежа 1920-1930-х… Статья Андрея Бархина, опубликованная на «Вестнике МГХПА», №3 за 2020 год. Иван Леонидов: предполагаемые реализации в Кисловодске… Санаторий в Кисловодске и Дворец пионеров в Москве: о границах авторства Ивана Леонидова – во второй части статьи Петра Завадовского. Иван Леонидов в Кисловодске Статья Петра Завадовского к вопросу об уточнении авторства санатория Наркомтяжпрома им. Серго Орджоникидзе в Кисловодске. Ле Корбюзье в «Путешествии на Восток»: рождение архитектурного… Эссе Петра Завадовского о важности «Путешествия на Восток» для понимания истоков ключевых идей и тем творчества Ле Корбюзье, связи модернизма и античной классики. Леонидов и Ле Корбюзье: проблема взаимного влияния Памяти Юрия Павловича Волчка. Статья готовилась к V Хан-Магомедовским чтениям «Наследие ВХУТЕМАС и современность». В ней рассматривается проблема творческого взаимодействия Ле Корбюзье и Ивана Леонидова, раскрывающая значение творчества Леонидова и школы ВХУТЕМАСа, которую он представляет, для формирования основ формального языка архитектуры «современного движения». Ар-деко в творчестве Фрэнка Ллойда Райта 1910-1920-х Ко дню рождения гения. Неизвестный проект Ивана Леонидова: Институт статистики,… Публикуем исследование архитектора Петра Завадовского, обнаружившего неизвестную работу Ивана Леонидова в коллекции парижского Центра Помпиду: проект Института статистики существенно дополняет представления о творческой эволюции Леонидова. А есть ли города будущего после концов света? Архитектурная утопия с начала XVI века стремилась противопоставить себя образу антиутопии. Однако, на рубеже XXI века возникает новый игровой жанр «метаутопия», соединяющая в себе два крайних состояния. Ключевое слово: «телеработа» Архитекторы, профильные СМИ и вузы по всему миру реагируют на ситуацию пандемии, пытаясь обезопасить сотрудников и студентов, сохранив учебный и рабочий процесс. Говорим с руководителями нескольких московских бюро об их планах удаленной работы, а также рассказываем, как реагируют на эпидемию архитекторы мира. Чандигарх: фрагменты модернистской утопии Публикуем фотографии и эссе Роберто Конте об архитектуре Чандигарха – от прославленного Капитолия Ле Корбюзье до менее известных жилых домов, кинотеатров, вузовских корпусов авторства его соратников и последователей. Идентичность в типовом Архитекторы из бюро VISOTA ищут алгоритм приспособления типовых домов культуры, чтобы превратить их в общественные центры шаговой доступности: с устойчивой финансовой программой, актуальным наполнением и сохраненной самобытностью. Геометризация ордера в творчестве И.А.Фомина и В.А.Щуко… Статья, опубликованная в сборнике Декоративное искусство и предметно-пространственная среда. Вестник МГХПА. 2019. №4. Часть 1. Дом Советов Н.А.Троцкого и монументализация ордера… Статья, опубликованная в сборнике Декоративное искусство и предметно-пространственная среда. Вестник МГХПА. 2019. №4. Часть 1. Загадки Щусева Глава из будущей книги Дмитрия Хмельницкого. Ар-деко и стилевой параллелизм в архитектуре 1930-х Статья Андрея Бархина, опубликованная в журнале Проект Байкал – 2019, № 62. Магистральное направление: как реализовывалась программа… Эссе Сергея Кузнецова, главного архитектора Москвы, о реконструкции Тверской улицы в 1930-е годы: планировке, передвижении домов, благоустройстве. Леонид Павлов: собрание сочинений К 110-летию со дня рождения Леонида Павлова публикуем фотографии и эссе Константина Антипина о знаковых, а также и менее известных постройках великого архитектора. «Это не башня» Публикуем фото-проект Дениса Есакова: размышление на тему «серых бетонных коробок», которыми в общественном сознании стали в наши дни постройки модернизма. Что не так с офисами открытого типа Офисы свободного плана экономят деньги компаний-владельцев и помогают им выглядеть эффектней, но это практически единственное их достоинство. При этом работодатели любят «опен-спейс», а их сотрудники – не очень. «Седрик Прайс придумывал архитектуру, которая может… Саманта Хардингхэм – о британском архитекторе-визионере послевоенных десятилетий Седрике Прайсе и его самом важном проекте – Дворце развлечений. Ее лекция была частью конференции «Архитектор будущего», проведенной Институтом «Стрелка» в партнерстве с ДОМ.РФ. Как обустроить архитектуру в России Новое исследование, представленное на «Открытом городе», анализирует методы поддержки архитектурной отрасли в Европе и дает советы для России. Публикуем выдержки. «Работа с сопротивлением» Публикуем отрывок из книги Ричарда Сеннета «Мастер» о постижении сути мастерства – в градостроительстве, инженерном искусстве, стрельбе из лука. Книга вышла на русском языке в издательстве Strelka Press.

Технологии и материалы

Чувство города Бизнес-парк «Ростех-Сити» построен на Северо-Западе Москвы. Разновысотная застройка, облицованная затейливым клинкерным кирпичом разнообразных миксов Hagemeister, придаёт архитектурному ансамблю гуманный масштаб традиционного города. Великолепный дизайн каждой детали – Graphisoft выпускает… Обновления версии отвечают пожеланиям пользователей и обеспечивают значительные улучшения при проектировании, визуализации, создании документации и совместной работе в Archicad, BIMx и BIMcloud, что делает Archicad 25 версией, как никогда прежде ориентированной на пользователя Стильная сантехника для новой жизни шедевра русского… Реставрация памятника авангарда – ответственная и трудоемкая задача. Однако не меньший вызов представляет необходимость приспособить экспериментальный жилой дом конца 1920-х годов к современному использованию, сочетая актуальные требования к качеству жизни с лаконичной эстетикой раннего модернизма. В этом авторам проекта реставрации помогла сантехника немецкого бренда Duravit. Кирпич Terca из Эстонии – доступная европейская эстетика Эстонский кирпич соединяет в себе местные традиции и высокотехнологичное производство мирового уровня под маркой Wienerberger. Технические преимущества облицовочного кирпича Terca особенно ценны в нашем северном климате – благодаря им фасады не потеряют своих эстетических качеств, а постройки будут долговечными. Прочные основы декора. Методы Hilti для крепления стеклофибробетона Методы HILTI позволяют украшать фасад сложными объемными формами, в том числе карнизами, капителями, кронштейнами и узорными панелями из стеклофибробетона, отлично имитируя массивные элементы из натурального камня и штукатурки при сравнительно меньшем весе и стоимости. BRAER: возможности и особенности баварской кладки для… Компания BRAER предлагает разнообразные виды, оттенки и декоративные фактуры современной баварской кладки, как классические, так и уникальные. Кирпич BRAER отличается экологичностью и долговечностью. Дайте ванной право быть главной! Mix&Match – простой и понятный инструмент для создания «журнального» дизайна ванной комнаты. Воспользуйтесь концепцией от Cersanit с десятками комбинаций плитки и керамогранита разного формата, цвета и фактуры для трендовых интерьеров в разных стилях. Идеально подобранные миксы гармонично дополнят вашу идею и помогут сократить время на создание проекта. Современная архитектура управления освещением В понимании большинства людей управлять освещением – это включать, выключать свет и менять яркость светильников с помощью настенных выключателей или дистанционных пультов. Но управление освещением гораздо глубже и масштабнее, чем вы могли себе представить. Чистота по-австрийски Самоочищающаяся штукатурка на силиконовой основе Baumit StarTop – новое поколение штукатурок, сохраняющих фасады чистыми. Кто самый зеленый 14 небоскребов из разных частей света, которые достраиваются или планируются к реализации: уже не такие высокие, но непременно энергоэффективные и поражающие воображение. Материализация формы Три проекта, реализованные с применением объемных металлических панелей Gradas. Советы проектировщику: как выбрать плоттер в 2021 году Совместно с компанией HP, лидером рынка широкоформатной печати, рассматриваем тенденции, новые программные и технические решения и формулируем современные рекомендации архитекторам и проектировщикам, которым требуется выбрать плоттер. Energy Ice – стекло, прозрачное как лед Energy Ice – новое мультифункциональное стекло, отличающееся максимальным светопропусканием. Попробуем разобраться, в чем преимущество новинки от компании AGC Стать прозрачнее Zabor modern предлагает ограждения европейского типа: из тонких металлических профилей, функциональные, эстетичные и в достаточной степени открытые. Блестящая начинка для первого здания Нормана Фостера… В штаб-квартире компании РМК – первой постройке бюро Нормана Фостера в России – установлена дизайнерская сантехника Duravit. Башня превращается Совместно с нашими партнерами, компанией «АЛЮТЕХ», начинаем серию обзоров актуальных тенденций высотного строительства. В первой подборке – 11 реализованных высоток со всего мира, демонстрирующих завидную приспособляемость к характерной для нашего времени быстрой смене жизненных стандартов и ценностей. Baumit Life Challenge: семь лучших фасадов Европы Рассказываем об итогах премии Baumit Life Challenge – за лучший фасад, выполненный с использованием продукции Baumit. Прочность без границ Инновационный фибробетон Ductal®, превосходящий по прочности и долговечности большинство строительных материалов, позволяет создавать как тончайшие кружевные узоры перфорированных фасадов, так и бархатистые идеальные поверхности большеформатной облицовки. Обновление коллекции декоров ALUCOBOND® Design Коллекция декоров ALUCOBOND® Design от компании 3A Composites пополнилась несколькими новыми образцами – все они находятся в русле тренда на натуральность и отвечают самым актуальным тенденциям в дизайне. В единстве и гармонии с природой. Глазурованный керамогранит… Молодой, активно развивающийся керамический завод «Грани Таганая» дополнил ассортимент выпускаемой продукции новыми актуальными коллекциями глазурованного керамогранита GRESSE.

Сейчас на главной

Экологичный поворот История о том, как планы прокладки дороги по границе парка превратились в планы по сохранению экосистемы и благоустройства прогулочных маршрутов. Формула Шухова Выставка «Шухов. Формула архитектуры» до ноября проходит в нижегородском «Арсенале». Экспозиция – производная от одноименной выставки, показанной в Музее архитектуры имени А. В. Щусева два года назад. Куратор Марк Акопян назвал ее продолжением исследовательского проекта. И, действительно, самым разным зрителям есть над чем подумать и что исследовать в залах «Арсенала». Казимир из Кемерова Проект филиала Русского музея для Сибирского кластера искусств основан на идеях супрематизма: первофигурах, динамизме цвета и формы. Модернизм на Лазурном берегу Полностью завершена реставрация виллы Эйлин Грей E-1027 в Рокбрюн-Кап-Мартен на юге Франции, и она вновь открыта для посещения. «Технологический оптимизм» Бюро AL_A представило проект первой в мире электростанции на термоядерном синтезе: она заработает недалеко от Оксфорда в 2025. Технология разработана канадской компанией General Fusion. Предчувствие дома Предметы искусства, ирония, мрамор и природные аллюзии – четыре запоминающихся лобби в московских жилых комплексах. Феликс Новиков: «Где-то я прочел про себя, что я литературоцентричен…. Вчера Феликс Новиков отпраздновал 94 день рождения. Присоединяемся к поздравлениям и публикуем подборку «Итогов» – отчасти авторское резюме своих работ, отчасти воспоминаний о сотрудничестве с издательствами. Рассказ включает список проектов построек, составлен в первой половине 2021 года, и предваряется небольшим вступительным интервью. Крыша «фестонами» Бюро BIG представило проект транспортного узла для шведского города Вестерос: он свяжет разделенные железнодорожными путями части города. Памяти Серго Сутягина Несколько дней назад умер Серго Сутягин – один из ключевых авторов архитектуры модернизма в Узбекистане. Арктические опыты СПбГАСУ совместно с Университетом Хоккайдо провел Международную летнюю архитектурную школу, посвященную Арктике. Показываем проекты, придуманные участниками для Териберки, Земли Франца-Иосифа и Кировска. Поток и линии Проекты вилл Степана Липгарта в стиле ар-деко демонстрируют технический символизм в сочетании с утонченной отсылкой к 1930-м. Один из проектов бумажный, остальные предназначены для конкретных заказчиков: топ-менеджера, коллекционера и девелопера. Один раз увидеть 8 короткометражных документальных фильмов на околоархитектурные темы, в том числе: лондонская башня-кооператив 1970-х, японский скульптор Саграда-Фамилия, сборное жилье наших дней и подборка ярких архитектурных фрагментов из художественных лент последних 100 лет. Дом для ладьи Публикуем проекты победителей конкурса на концепцию нового здания музейного комплекса «Водные пути Севера» в Вытегре. Проект для неопределенного будущего Образовательный центр для детей с «органическим» садом и огородом в Мехико задуман как экономически самодостаточный и не просто ресурсоэффективный, а почти автономный. Кроме того, его можно разобрать и использовать все материалы повторно. Авторы проекта – бюро VERTEBRAL. Конкурсы и премии для архитекторов. Выпуск #245 Смотровая площадка на вулкане в Исландии, туалеты на Эвересте, «зеленая» застройка для Бейрута и жилые пространства для космического корабля. Лицо производства «Тепличное хозяйство Ботаника» доверила архитекторам ту область, где они, как правило, востребованы наименьшим образом – территорию современного производственного комплекса, где обычно царят утилитарные, нормативные и недорогие решения. Курс на развитие Рассказываем об итогах конкурса на разработку мастер-плана Астраханской агломерации, показываем проекты и презентационные ролики победителей. Старые-новые арки Напечатанный на 3D-принтере бетонный мост Striatus по проекту Zaha Hadid Architects и специалистов Высшей технической школы ETH Zürich благодаря своей традиционной сводчатой конструкции очень устойчив – в прямом и экологическом смысле. Арт-трансформер Art Barn, архив, хранилище работ и рисовальная студия британского скульптора Питера Рэндалла-Пейджа в холмах Девона, способен менять форму в зависимости от текущих нужд, а также сам себя обеспечивает электричеством. Автор проекта – Томас Рэндалл-Пейдж. Тиана Плотникова: «Наша миссия – разработать user-friendly… Говорим с основательницей стартапа Uflo – программы, помогающей конвертировать числовые данные в геометрию, о том, что побудило придумать проект, о карьере в крупных зарубежных компаниях и о страхах перед цифровыми технологиями Связь с прошлым и будущим Нидерландские мастерские Benthem Crouwel и West 8 выиграли конкурс на проект нового вокзала в Брно: этот архитектурный конкурс стал крупнейшим в истории Чехии. Авторский надзор: мытьем да катаньем Разговор на АрхПароходе 2021 со Стасом Горшуновым: о том, как ему удается добиваться качественной реализации проектов, какие проблемы приходится решать, когда жертвовать гонораром, а когда идти на компромиссы. Образ прощания Объект MAMA самарских архитекторов Дмитрия и Марии Храмовых стал единственным российским победителем конкурса фестиваля ландшафтных объектов SMACh3021, который проводится на северо-востоке Италии в Доломитовых Альпах. Новое качество Личного В Никола-Ленивце Калужской области в эти выходные проходит фестиваль Архстояние с темой «Личное». Главной постройкой фестиваля стал дом «Русское идеальное», спроектированный Сергеем Кузнецовым и реализованный компанией КРОСТ в короткие сроки. Рассматриваем дом и новые объекты Архстояния 2021. «Место для всех» Победителем международного конкурса на разработку концепции Приморской набережной в Сочи стал консорциум во главе с UNStudio. Пресса: «Непостижимое решение». ЮНЕСКО отобрало у Ливерпуля…

ЮНЕСКО решило исключить Ливерпуль из своего Списка всемирного наследия, поскольку городские власти ведут активное строительство в районе доков и порта — архитектурного ансамбля, которое агентство ООН считало важнейшим памятником. В Ливерпуле такое решение называют «непостижимым» и надеются на его пересмотр.

Главный манифест конструктивизма В Strelka Press выпущена основополагающая для отечественного авангарда книга Моисея Гинзбурга «Стиль и эпоха. Проблемы современной архитектуры» (1924): это совместный издательский проект Института «Стрелка» и Музея «Гараж». Публикуем главу «Конструкция и форма в архитектуре. Конструктивизм». На берегу очень тихой реки Проект благоустройства территории ЖК NOW в Нагатинской пойме выходит за рамки своих задач и напоминает скорее современный парк: с видовыми точками, набережной, разнообразными по настроению пространствами и продуманными сценариями «от 0 до 80». Труд как добродетель Вышла книга Леонтия Бенуа «Заметки о труде и о современной производительности вообще». Основная часть книги – дневниковые записи знаменитого петербургского архитектора Серебряного века, в которых автор без оглядки на коллег и заказчиков критикует современный ему архитектурно-строительный процесс. Написано – ну прямо как если бы сегодня. Книга – первое издание серии «Библиотека Диогена», затеянной главным редактором журнала «Проект Балтия» Владимиром Фроловым.

художников эпохи барокко

ИСКУССТВО БАРОККО: ХУДОЖНИКИ ПЕРИОДА БАРОККО

Когда я восхищаюсь шедевром барокко, я всегда помещаю художников того периода в мир кино. Насколько я понимаю, художников искусства барокко были бы режиссерами фильмов с эффектными спецэффектами.
Когда я вижу произведение искусства, я часто представляю себе, что художник, создавший его сегодня, мог бы быть художником, таким как Дэмиен Херст , или архитектором и дизайнером, таким как Заха Хадид , или кем-то еще.

К концу 16-го века -го и годов в Италии родилось поколение художников, создававших работы, которые развивали новый стиль, : Искусство барокко.
В руках церкви и европейских королевств искусство стало мощным инструментом пропаганды и убеждения, способным удивлять, но также и передавать религиозные догмы после протестантской Реформации.

Художники барокко

Джан Лоренцо Бернини (1598-1680) — один из ведущих художников эпохи барокко . Архитектор, художник, а также сценограф , он работал на кардинала Сципионе Боргезе, который заказал ему четыре скульптуры, которые до сих пор считаются шедеврами барокко: «Эней, Анхис и Асканий»; «Похищение Прозерпины»; «Давид» и «Аполлон и Дафна» (все сейчас выставлены в галерее Боргезе в Риме). Бернини был светским человеком, возможно, первым в истории звездным архитектором; он был столь же блестящим, сколь и высокомерным.

Франческо Борромини (1599-1667) — еще один великий архитектор в стиле барокко вместе с Бернини, с которым он работал над планами собора Св.Петровский Балдахин, но с которым Борромини будет спорить всю свою жизнь.
Перфекционист и интроверт, Борромини всю жизнь рисковал быть затмеваемым Бернини.

ЧИТАЙТЕ ТАКЖЕ: Что посмотреть в Риме.

Караваджо (1571-1610) — крупнейший художник эпохи барокко.
Его картины имеют уникальный стиль и оказали решающее влияние на все последующее искусство .
Хотя он никогда не основывал мастерскую и никогда не имел учеников, некоторые художники черпали вдохновение непосредственно из его художественного стиля, и по этой причине их называли «караваджистами» или «каравагесками».

Картина Караваджо характеризуется 3 элементами:

  1. реализм , который заставляет его рисовать сцены, заполненные персонажами, которые, кажется, в то время покидают улицы Рима;
  2. — использование светотени , что позволило ему создавать лица и тела, которые кажутся трехмерными;
  3. драматических сцен театральных , с особым вниманием к самому трагическому моменту.

ЧИТАЙТЕ ТАКЖЕ: Натюрморт Караваджо: Корзина фруктов Караваджо.

Караваджо, Deposizione nel sepolcro (1600–1604 гг.). Представьте себе da it.wikipedia.org.

Андреа Поццо (1642–1709) был архитектором, художником, декоратором, но прежде всего теоретиком итальянского барокко.
Его теоретическое эссе Perspectiva pictorum et architectorum ( Правила и примеры перспективы для художников и архитекторов ), написанное между 1693 и 1698 годами, было одним из первых руководств по перспективе для художников и архитекторов, и, по сути, это была отправная точка для создания всех архитектур и декораций, характеризующихся иллюзорными эффектами.

Пьетро да Кортона (1596–1669) был одной из ключевых фигур в возникновении архитектуры римского барокко вместе с Бернини и Борромини.
Он спроектировал Папский дворец в Кастель-Гандольфо таким, каким мы его видим сегодня.

Западная живопись | искусство | Британника

Полная статья

Западная живопись , история западной живописи от ее истоков в доисторические времена до наших дней.

Живопись, выполнение форм и форм на поверхности с помощью пигмента (но см. Также рисунок для обсуждения изображений мелками, чернилами, пастелью и мелками), непрерывно практиковалась людьми в течение примерно 20 000 лет. Наряду с другими видами деятельности, которые могли быть ритуальными по своему происхождению, но стали определяться как художественные (например, музыка или танцы), живопись была одним из первых способов, с помощью которых человек стремился выразить свою личность и свое новое понимание существования. за пределами материального мира.Однако, в отличие от музыки и танцев, до наших дней сохранились образцы ранних форм живописи. Современный глаз может получить эстетическое, а также антикварное удовлетворение от 15000-летних пещерных фресок Ласко — некоторые примеры свидетельствуют о значительном мастерстве рисования этих ранних художников. И живопись, как и другие виды искусства, обладает универсальными качествами, которые позволяют зрителям всех народов и цивилизаций легко понять и оценить.

Основные дошедшие до нас образцы ранней живописи в любой точке мира находятся в Западной Европе и Советском Союзе.Но около 5000 лет назад районы, в которых были выполнены важные картины, переместились в восточную часть Средиземного моря и соседние регионы. Таким образом, для целей данной статьи западная живопись должна рассматриваться как обозначающая живопись не только в Европе, но и в регионах за пределами Европы, которые разделяют европейские культурные традиции, — на Ближнем Востоке и в Средиземноморском бассейне, а затем и в странах Новой Зеландии. Мир.

Западная живопись в целом отличается концентрацией на изображении человеческой фигуры, будь то героический контекст античности или религиозный контекст раннехристианского и средневекового мира.Эпоха Возрождения расширила эту традицию путем тщательного изучения мира природы и исследования баланса, гармонии и перспективы в видимом мире, связав живопись с развивающимися науками анатомии и оптики. Первый настоящий прорыв в фигуративной живописи произошел с развитием пейзажной живописи в 17-18 веках. Пейзаж и изобразительные традиции развивались вместе в 19 веке в атмосфере, которая все больше была озабочена «живописными» качествами взаимодействия света и цвета и выразительными качествами обращения с краской.В 20-м веке эти интересы способствовали развитию третьей важной традиции западной живописи, абстрактной живописи, которая стремилась раскрыть и выразить истинную природу краски и живописи через действие и форму.

Получите подписку Britannica Premium и получите доступ к эксклюзивному контенту. Подпишитесь сейчас Редакторы Британской энциклопедии

Верхний палеолит

В период верхнего палеолита, незадолго до окончательного отступления ледников в конце последнего ледникового периода (15 000–10 000 до н. Э.), Большая часть Европы была населена небольшими группами кочевых охотников, охотившихся на мигрирующие стада северных оленей, крупного рогатого скота. , бизоны, лошади, мамонты и другие животные, тела которых давали им пищу, одежду и сырье для инструментов и оружия.Эти примитивные охотники украшали стены своих пещер большими изображениями животных, которые были так важны для их физического благополучия. Большинство сохранившихся примеров таких фресок было найдено во Франции и Испании (см. Каменный век), но аналогичные рисунки из пещер на Урале в Советском Союзе могут указывать на то, что эта практика была более распространенной, чем предполагалось.

С тех пор, как в конце 19 века были обнаружены первые образцы этих картин, они вызывали восхищение своей виртуозностью и живостью.Самые простые фигуры — это просто контурные рисунки, но большинство из них сочетают эту технику со сложной штриховкой и окраской, которые модулируют поверхность и предполагают различные текстуры шкурок, рогов и костей. Объем обозначается тщательно контролируемыми изменениями толщины мазков, а удивительно продвинутое мастерство передает значительное ощущение движения и жизни. Большинство животных изначально изображались как отдельные фигуры без повествовательного смысла, и то, что современному наблюдателю кажется сложным группированием фигур, на самом деле является конечным результатом длительного сложного процесса.

Отсутствие четкого повествовательного элемента в этих картинах вызвало проблемы в их интерпретации. Человека изображают редко, и изображения человеческих фигур, однозначно взаимодействующих с многочисленными фигурами животных, редки. Одно из немногих исключений из этого правила — сцена в Ласко на юге Франции, где бизон бодает падающую мужскую фигуру. «Колдун» в Les Trois Frères, также на юге Франции, более характерен. Хотя он задрапирован шкурой животного и, кажется, занят выслеживанием или ритуальным танцем, его полная изоляция от любой другой фигуры оставляет его точное значение неясным.Интересно также, что, в отличие от очевидной тщательности при детальном изображении животных, несколько человеческих фигур обычно выполнены поверхностно и схематично. Иногда единственный намек на человека дают изображения дротиков, ранивших или убивающих несколько фигур животных. Эти снаряды были интерпретированы как упражнения в симпатической магии, предназначенные для достижения успеха в будущей охоте. И наоборот, они могли бы так же легко вспомнить прошлые убийства. Но некоторые особенности предполагают, что такие простые объяснения не раскрывают всей истории: во-первых, такие изображения редки (обратно пропорционально количеству научных дискуссий, которые они вызвали), и, во-вторых, звери, которые показаны как раненые — действительно огромные Большинство видов, изображенных на стенах пещер, не входили в рацион пещерных художников.Современные жилые отложения указывают на то, что большая часть потребляемого мяса была получена от оленей, а олени встречаются на сохранившихся картинах почти так же редко, как и сам человек. Ясно одно: индивидуальная инициатива кажется первостепенной как при исполнении фигур животных, так и при записи действий изолированных людей. Отсутствует какой-либо намек на социальное взаимодействие, и предполагалось, что общество как таковое существовало на относительно низком уровне. Природа дала толчок к изменениям, и в искусстве следующего периода человек, наконец, превратился в часть сообщества.

Art Baroque Under the Big Top

Поскольку Национальная галерея в последние месяцы превратилась в цирк с тремя кольцами (Торопитесь! Спешите! Подойдите прямо и посмотрите на роскошные британские загородные дома, оклеветанных импрессионистов и настоящего Уинслоу Гомера под двумя большими вершинами. !), вполне уместно, что его последнее представленное мероприятие должно исходить от основателя Ringling Bros. и Barnum & Bailey Circus.

С освежающим отсутствием притворства «величайшим зрелищем на земле» 33 избранных «Картины в стиле барокко из Художественного музея Джона и Мейбл Ринглинг» представляют собой простое доказательство того, что Сарасота, штат Флорида., является домом для одной из лучших в Америке коллекций картин итальянского барокко, превосходящей даже Национальную галерею искусств.

Оказывается, это мало что говорит. Художники северного барокко, такие как Рубенс, Ван Дейк и Хальс, а также французы Пуссен и Вуэ — все они представлены здесь в превосходных образцах — всегда находили коллекционеров. Но живопись в стиле барокко из Италии, где все началось в конце 16 века, в значительной степени презиралась или игнорировалась, поскольку критик Джон Раскин назвал ее аморальной, а Бернард Беренсон назвал ее слишком яркой и театральной — последнее не без оснований.

Таким образом, находящиеся в немилости более века картины итальянского барокко собирались редко, хотя Галерея сакрального искусства Университета Боба Джонса Библейского пояса в Гринвилле, Южная Каролина, по причинам, не имеющим отношения к искусству, является заметным исключением. . Но вкусы непостоянны, и привычки к коллекционированию меняются, как показывает эта выставка: даже Национальная галерея ищет такие работы.

Еще в 1920-х у циркового магната Джона Ринглинга было мало конкурентов, поскольку он собрал более 625 пост-ренессансных картин для музея, который, как он надеялся, превратит зимний водопой его цирка в ведущий культурный центр Флориды.Комплекс Ринглинга — теперь это огромная розовая вилла с коллекцией, музей цирка, ювелирный театр, перенесенный из Азоло в Северной Италии, и роскошный дом Ринглинга в венецианском стиле — стал не только государственным музеем Флориды, но и лучшим местом для любитель искусства, чтобы оказаться в дождливом дне в штате Саншайн.

Ринглинг, яркий шоумен и иллюзионист, имел естественную тягу к живописи в стиле барокко, которая для него простиралась с 1550 по 1750 год, предлагая широко открытое, необработанное поле для амбициозного коллекционера.Этот период лучше всего запоминается и лучше всего выражается в скульптурах и фонтанах Бернини, а также в динамичных, украшенных фасадах и кружащихся иллюзионистских потолках римских церквей 17-го века.

Но была и некоторая великая живопись в стиле барокко, и хотя Караваджо и Аннибале Карраччи, которые положили начало этому стилю, к сожалению, не представлены, их глубокое влияние ясно видно в двух доминирующих направлениях, которые проходят через это шоу: земная, яркая драма Караваджо в незабываемой, почти причудливой «Юдифи с головой Олоферна» Франческо дель Каир; и более холодный натурализм и классические тенденции Карраччи, лучше всего иллюстрируемые в томной «Агарь и ангел» Пьетро да Кортона.»

Каким бы путем ни пошли эти художники, ясно, что религиозная живопись 17-го века была не такой, какой она была в эпоху Возрождения, когда ангелы были ангелами, а не уличными мальчишками или стариками. Религиозные или моралистические послания почти утеряны. в очень натуралистических картинах, таких как «Акт милосердия» Бернардо Строцци, который читается как не что иное, как жанровая сцена.

Тесная связь между религиозными верованиями и светскими идеями, которая пронизывала 17 век, монументальна в портрете тучного кардинала который сидит между Мадонной, похожей на Рафаэля, и настоящей битвой, наблюдаемой через окно.Представляя Церковь Контрреформации, кардинал явно полностью контролирует и то, и другое.

Но мирская, визуальная реальность побеждает в этом шоу, создавая чудесное мерцание шелковых платьев на фигурах в натуральную величину в великолепном «Отбытии Лота и его семьи из Содома» и любовный, почти эротический вид это проходит между двумя влюбленными в элегантном «Марсе и Венере» Вуэ. Увлечение видимым миром также внесло новое разнообразие в живопись барокко 17-го века, о чем свидетельствуют несколько пейзажей, портретов и натюрмортов.

Даже покойное «Святое семейство с младенцем святым Иоанном» великого художника-неоклассика Пуссена (недавно очищенное и сверкающее свежими красками) наполнено чувством нежности, даже несмотря на то, что Дева носит лицо, похожее на маску, прямо из классическая древность. Пожалуй, именно здесь барочная тяга между натуралистическими и классическими импульсами кажется наиболее яркой и странной.

На эту выставку можно смотреть двояко: как обозреватель первоклассных картин или как искатель идей, соединяющих воедино живопись в стиле барокко.Небольшая брошюра, написанная главным куратором Ринглинга Энтони Ф. Янсоном, помогает в любом случае, хотя необходимо сказать гораздо больше в качестве пояснения. Некоторая помощь доступна в только что опубликованных «Великих картинах из Художественного музея Джона и Мейбл Ринглинг».

«Эта выставка очень важна для меня по эгоистичным причинам», — говорит главный куратор Национальной галереи Сидней Фридберг, который договорился перевезти ее в Вашингтон, пока Ринглинг будет ремонтировать. «Наша собственная коллекция в итальянской области находится не на этом уровне, поэтому это образец для нас.. . Я надеюсь, что это ознакомит наших сотрудников с существующими возможностями ».

Когда сотрудники Национальной галереи научатся любить итальянскую живопись в стиле барокко, это, несомненно, упростит нам задачу сделать то же самое. До тех пор зрители могут судить о Независимо от того, будет ли величайшим наследием Ринглинга стать его цирк или искусство. Выставка продлится до 29 сентября наверху в Западном здании, примыкающем к собственным барочным галереям музея.

Особая техника живописи в стиле барокко

Вы когда-нибудь задавались вопросом, почему художники рисуют прямо на белом холсте? Ответ кроется в недалеком прошлом.Часто знаменитые импрессионисты (работавшие в 19 веке) предпочитали белые холсты, потому что им казалось, что цвета выглядят ярче, когда они рисуются на белой поверхности.

Импрессионисты также работали на открытом воздухе, пытаясь запечатлеть мимолетные моменты света. По этой причине они не строили свои картины слоями, а вместо этого пытались поместить «правильный» цвет в «правильное» место с каждым штрихом.

Взгляните на картину импрессионистов ниже и обратите внимание, как светлый холст влияет на полученное изображение…

Isaac Israels.«Мальчик на пляже» Холст, масло — XIX век


Изображение взято с Wikimedia Commons

Однако до импрессионистов большинство художников подходили к живописи совершенно иначе. Они работали в студии и часто использовали цвет только после завершения полностью отрендеренного монохроматического слоя краски, называемого подмалевком. Такой подход к живописи часто называют «непрямым» рисунком.

См. Также: Непрямая окраска акриловыми красками

У импрессионистов, конечно, не было времени на подмалевок, поскольку они мчались против меняющегося света вечно движущегося солнца.

Однако в истории живописи был замечательный период, когда художники не работали ни над подмалевком, ни над белыми полотнами, — период барокко.

Живопись эпохи барокко

В период барокко большинство художников использовали полотна или панно, окрашенные в темно-коричневый и даже черный цвет. Работа с темным базовым слоем дает несколько больших преимуществ, которые невозможно воспроизвести, работая на светлом фоне.

Самым большим преимуществом работы на темном холсте является экономия усилий.Все тени уже есть. Художнику просто нужно сосредоточиться на значениях света. Этот подход к рисованию очень похож на работу с черной поверхностью для рисования с использованием белого материала для рисования.

См. Также: Рисунок белым материалом на черной бумаге

Тени либо игнорируются, либо завершаются с использованием техники, называемой «scumbling». Скрабирование — это техника рисования, при которой тонкая полупрозрачная краска энергично втирается в холст, позволяя просвечивать часть нижнего слоя.

Готовая картина в стиле барокко кажется скульптурной, потому что светлые участки выделяются рельефом по сравнению с чрезвычайно тонким нанесением краски в тени.

Поскольку тени создаются путем оптического смешения полупрозрачных цветов на темной, тусклой поверхности, тени никогда не бывают такими красочными. Если вы предпочитаете более яркие картины в высоком ключе, эта характеристика живописи в стиле барокко будет недостатком. Однако из-за того, что тени такие тусклые, свет кажется более ярким по контрасту.

Прежде чем перейти к процессу создания живописи в стиле барокко, стоит взглянуть на несколько примечательных примеров, выполненных одними из самых известных художников всех времен.

Рембрандт

Посмотрите на изображение ниже. Эта менее известная работа Рембрандта под названием «Философ в медитации » является прекрасным примером того, как художники эпохи барокко позволили темному холсту работать в свою пользу.

Рассмотрим лестницу. Как лестница исчезает в темноте, исчезает и краска Рембрандта.

Он просто протер меньшее количество того же коричневого цвета от нижней части лестницы к середине, позволяя нижнему слою черного затемнить ценность каждой ступени. Многие из маленьких теней между соседними досками — это просто просвечивающий черный нижний слой. По мере того, как Рембрандт работал над самыми светлыми оттенками, он наносил краску более густо.

Питер Пауль Рубенс

Питер Пауль Рубенс наиболее известен своими большими вращающимися композициями, в которых изображены многочисленные люди и дикие звери.Однако на картине Святого Петра (ниже) мы можем оценить, как он использовал темный холст, чтобы создать сильную тень на голове и одежде Святого Петра.

Между волосами в тени и лицом есть полный промежуток. Удачно расположенные пряди волос плавают в пространстве, позволяя воображению зрителя заполнить пробел.

Диего Веласкес

Пожалуй, величайшим художником эпохи барокко (на мой взгляд) был Диего Веласкес. Он был плодовитым придворным художником, служившим Филиппу IV, королю Испании и Португалии.

Следующая картина показывает, насколько эффективно Веласкес использовал темный холст разными способами. На этой картине, озаглавленной La Aguador de Seville или The Water Carrier of Seville, Веласкес использовал темный холст, чтобы мастерски запечатлеть прозрачное стекло, трех человек с разной интенсивностью света и глиняные сосуды.

Посмотрите на стакан, который держат старик и мальчик. Красиво нарисованный, Веласкес действительно использовал очень мало краски.

Чрезвычайно небольшое количество белого было налетено от краев стекла к центру стекла.Разъединенные точки внизу и сильные блики по краю дают нам представление о деталях с минимальной работой со стороны художника. Экономия мазков Веласкеса — свидетельство его мастерства в живописи — все, что нужно, и ничего более.

Теперь посмотрите на человека в центре — тот, кто пьет воду, позади двух других фигур. Его голова была раскрашена только одним цветом. Краска самая тонкая там, где значения самые темные.

Его волосы совсем не окрашены, но на это указывает растрепанный фон вокруг его головы — простой, но эффективный.

Мужчина справа, водонос, изображен на рисунке ниже. Его мясистое, измученное временем лицо — отличный пример того, как рисование на черном холсте может сэкономить время и энергию.

Фактически, копия этой головы, показанная ниже поэтапно, является результатом всего лишь одного сеанса рисования. На этом давайте пройдемся по этапам рисования такой головы.

Этапы барочной живописи — пример

Следуйте или примените концепцию «следовать» к более личному для вас предмету.

Шаг первый. Набросайте объект на черной или темной поверхности

Карандашом или слабыми следами краски нарисуйте как минимум несколько жестких краев объекта. Поскольку пример является копией, я просто использовал метод переноса графита, чтобы перенести некоторые линии на холст, подготовленный черной акриловой краской.

Шаг второй — Значения облегчения слоев

Теперь, используя масляную краску, смешайте несколько оттенков света, используя цвета, которые классифицируются как непрозрачные или полупрозрачные.

Все пигменты масляных красок делятся на непрозрачные, полупрозрачные и прозрачные. Прозрачные пигменты идеально подходят для глазурования (техника, не описанная в этой статье), но их следует избегать при обмывке. При смешивании красок обязательно используйте титановый белила.

Титановый белый не был доступен художникам эпохи барокко, но это самый непрозрачный пигмент из всех и лучший выбор, доступный сегодня художникам. (Не забудьте смешать белый цвет с цветом — чистый белый будет выглядеть неестественно.)

Шаг третий — Разделите свет и тьму

Используя всего один или два цвета, отделите свет от темного, сначала очистив (протирая) светлые значения с помощью очень небольшого количества краски на кисти.

Можно начать с нанесения краски на кисть с жесткой щетиной, а затем вытереть ее тряпкой или бумажным полотенцем перед нанесением того, что осталось в кисти, на холст. Если краска полностью покрывает нижний слой черного цвета, значит нанесено слишком много краски.

Используйте ластик Pink Pearl (да, вы можете стереть тонкие слои масляной краски), чтобы вырезать морщинки на коже и точно сформировать тени вокруг глаз.

Шаг четвертый — Добавьте сложности к плоти

Смешайте еще несколько оттенков мясистого цвета и начните рисовать прямо и непрозрачно в областях, на которые попадает только свет. Будьте осторожны с переходами от оттенков к оттенкам. При необходимости протрите краску в этих областях тряпкой, делая переход не только от светлого к темному, но и от более густого к более тонкому.

См. Также: Как нарисовать портрет маслом

Шаг пятый — При необходимости применить более темные значения

Хотя это и не используется в этом примере, не стесняйтесь наносить также темные цветные метки. Присмотревшись к судну, построенному из змеевиков на дне The Water Carrier of Seville Веласкеса, можно заметить, что некоторые тени между витками создаются за счет того, что сквозь них просматривается фон, в то время как другие темные акценты окрашены поверх . цвет сосуда.

Заключение

В своем собственном путешествии по живописи вы можете выбрать работу с черными холстами, как художники эпохи барокко, или просто позаимствовать их, когда это будет наиболее подходящим. Мы всегда можем поучиться у мастеров, которые были до нас, и применить их отточенные техники к нашим картинам.

Представляем двенадцать великих женщин-художников раннего современности

Как и было обещано в предыдущем сообщении блога («Сестры Микеланджело: (пере) знакомство со старыми мастерами-женщинами»), вот пост, в котором освещаются имена и работы двенадцати старых мастеров женского пола.Эта дюжина имен представляет лишь небольшой процент женщин, которые были не только успешными художниками в шестнадцатом и семнадцатом веках, но и были знаменитыми своим искусством. В будущих публикациях будет представлена ​​информация о женщинах-художниках того времени и образцы их работ.

Плаутилья Нелли (1524

1588)

Родившаяся Пулисена Маргарита Нелли, Суор Плаутилья была монахиней во Флоренции и последовательницей Савонаролы. Она научилась рисовать, копируя других художников, особенно Фра Бартоломео.Ее картины, в том числе крупномасштабные религиозные работы, деревянные люнеты и миниатюры, вдохновили на создание организации «Advancing Women Artists», AWA, которая обеспечила реставрацию некоторых ее работ. Реставрация 22-футового холста Нелли с изображением Тайной вечери должна быть завершена в 2019 году; см. статью Джейн Форчун в номере The Florentine , опубликованную в 2017 году, об этой картине. Это единственная Тайная вечеря, созданная художницей эпохи Возрождения.

Расписанная Мадонна, 16 век, Плаутилья Нелли.Музей Тайной вечери Андреа дель Сарто. Источник: Викимедиа.

Прочтите здесь о книге Кэтрин Туррилл Лупи об этом художнике, выходящей из Лунда Хамфриса.

Катарина или Катерина ван Хемессен (1528

после 1565)

Как и многие художницы эпохи раннего модерна, Катарина ван Хемессен родилась в семье художников. Ее отец, Ян Сандерс ван Хемессен, был известным художником-маньеристом в Антверпене. Хотя она и написала несколько работ на религиозную тематику, по большей части Катарина ван Хемессен была художником-портретистом.Она привлекла покровительство Марии Австрийской; по приглашению Марии ван Хемессен переехал из Нидерландов в Испанию. После смерти Марии художник получил пожизненную пенсию. Показанный здесь автопортрет — самый ранний известный портрет художника (любого пола), работающего за мольбертом.

Автопортрет у мольберта, ок. 1548 год, Катарина ван Хемессен. Художественный музей Базеля. Источник: Викимедиа.

Софонисба Ангиссола (1532

1625)

Софонисба Ангиссола родилась в аристократической семье в Кремоне, Италия. Она была старшей из семи детей и была вундеркиндом.Еще при жизни ее талант отметили Микеланджело, Вазари и Ван Дайк. Что необычно для женщины, ей разрешили учиться на художника. В молодости она провела несколько лет при дворе Филиппа II в качестве фрейлины (во время этой службы она смогла продолжить рисовать). Ее сохранившиеся работы, которые хранятся в музеях по всему миру, включают не менее шестнадцати автопортретов со всех этапов ее жизни — от подростка до пожилой женщины. Согласно веб-сайту Бостонского музея изящных искусств, она «выполнила больше автопортретов, чем любой другой художник в период между Дюрером и Рембрандтом.”

Прочтите здесь о книге Сесилии Гамберини об этом художнике, выходящей из Лунда Хамфриса.

Лавиния Фонтана (1552

1614)

Художник-маньерист из Болоньи, Италия, Фонтана претендует на звание «первых». Ей приписывают то, что она была первой профессиональной художницей. Она была первой женщиной-художником, нарисовавшей обнаженные женские тела, и, возможно, первой женщиной, использовавшей живые обнаженные женские модели. Она была основным кормильцем для себя, своего мужа (также художника) и их одиннадцати детей.Она писала портреты, часто женщин, а также религиозные и мифологические сцены. Фонтана была избрана в Академию Сан-Лука в Риме, куда она и ее семья переехали по приглашению Папы Климента VIII. За свою жизнь она получила множество наград. Например, в 1611 году скульптор и архитектор Феличе Антонио Касони отлил бронзовый медальон с портретом этого художника! Узнайте больше о Фонтане в гостевом посте Лиз Лев в «Art Herstory».

Читайте здесь о выставке 20 Prado 2019 года работ Софонисбы Ангиссолы и Лавинии Фонтана « A Tale of Two Women Painters.”

Артемизия Джентилески (1593

ок. 1653)

Как и ее отец-художник Орацио Джентилески, Артемизия Джентилески была одной из Караваджистов, последователей Караваджо. Она родилась в Риме, где проходила обучение. На протяжении своей карьеры она также работала (по крайней мере) во Флоренции, Неаполе, Венеции и Англии. Она привлекла международную клиентуру, в том числе членов дома Медичи и Карла I. В начале своей карьеры она пережила не только травму от жестокого обращения со стороны учителя, но и травму, нанесенную последующим публичным судом.Она специализировалась на рисовании женщин как аллегории, а также на изображениях сильных и страдающих женщин из мифов и Библии.

Прочтите здесь о предстоящей выставке «By Her Hand: Artemisia Gentileschi and Women Artists in Italy, 1500–1800», которая откроется 30 сентября 2021 года в The Wadsworth Atheneum. В феврале 2022 года выставка переезжает в Детройтский институт искусств.

Прочтите здесь о книге Шейлы Баркер об этом художнике, выходящей в Лунд-Хамфриз в 2021 году.

Джованна Гарсони (1600

1670)

Сегодня Гарцони наиболее известна своими изящными акварельными рисунками растений, овощей и животных.Но она также рисовала религиозные, мифологические и аллегорические сюжеты, а также портреты. Считается, что она родилась в Асколи-Пичено, Италия. Если она вышла замуж, брак был недолгим и закончился расторжением. Неизвестно, чтобы у нее были дети. Она путешествовала и работала по всей современной Италии (включая Венецию, Неаполь, Рим, Турин и Флоренцию) и в Париже. Она оставила свое имение церкви Санта-Мартина, церкви Академии ди Сан-Лука, в том понимании, что она будет похоронена в этой церкви.

Читайте здесь о выставке Уффици в июне 2020 года работ Гарсони «« Величие Вселенной »в творчестве Джованны Гарцони ».

Джудит Лейстер (1609

1660)

Лейстер, одна из первых женщин, принятых в Гильдию Святого Луки в Харлеме, была художницей Золотого века Голландии, создававшей натюрморты, портреты и жанровые сцены. Спустя почти 200 лет после ее смерти эксперты приписывали ее работы Франсу Хальсу или ее мужу, художнику Яну Минсе Моленаеру.Многие были повторно приписаны ей после того, как была обнаружена ее подпись, отличительная монограмма ее инициалов, на которой изображена падающая звезда — игра слов с ее именем, поскольку Лейстер в переводе с голландского означает «живая звезда». Из своих сохранившихся работ она больше всего писала в юном возрасте, до замужества. Но недавно обнаружился автопортрет, который она написала позже в жизни.

Мальчик, играющий на флейте, начало 1630-х, Джудит Лейстер. Национальный музей, Стокгольм. Источник: Викимедиа. По состоянию на декабрь 2019 года эта работа входит в число 100 голландских / фламандских шедевров в новом каноне CODART.Это изображение воспроизводится на карточке Art Herstory.

Прочтите здесь о книге Фримы Фокс Хофрихтер об этом художнике, выходящей из Лунда Хамфриса.

Луиза Муайон (1610

1696)

Луиза Муайон родилась в семье художников — ее отец и отчим были художниками и торговцами произведениями искусства, а брат — художником. Она специализировалась на рисовании натюрмортов, особенно фруктов и овощей. Среди ее покровителей были представители французской знати, а также Карл I.Большинство из примерно сорока работ, приписываемых ей сегодня, датируются периодом до 1640 года, хотя некоторые из них относятся к 1670-м годам.

Прочтите здесь о книге Лесли Стивенсона об этом художнике, выходящей из Лунда Хамфриса.

Мэри Бил (ок. 1633

1699)

Мэри Бил, урожденная Крэдок, была одной из первых профессиональных художников-женщин в Англии. Она поддерживала свою семью своими заказами и учителем рисования. В первую очередь художник-портретист, Бил рисовал многих придворных Карла II.Ее муж Чарльз выступал в роли ее делового партнера. Его подробные записные книжки содержат уникальные записи о повседневной деятельности его жены, а также о ее деловой практике и расходах. Сама Бил является автором наблюдений , неопубликованного руководства по живописи.

Прочтите здесь о книге Хелен Дрейпер об этом художнике, выходящей из Лунда Хамфриса.

Элизабетта Сирани (1638

1665)

К моменту своей смерти в возрасте 27 лет Сирани была одним из самых известных художников Болоньи.Бывшую горничную судили, но оправдали за отравление художника. Историки теперь предполагают, что Сирани умерла от перитонита в результате разрыва язвенной болезни. Ее портреты, мифологические сюжеты и особенно изображения Святого Семейства и Богородицы с Младенцем снискали ей международную известность. В дополнение к своим художественным достижениям она основала академию женщин-художников в Болонье. Подробнее об этом художнике в гостевом посте Аделины Модести Art Herstory.

Прочтите здесь о книге Аделины Модести о художнице, выходящей из Лунда Хамфриса.

Луиза Игнасия Рольдан (1652

1706)

«Ла Рольдана» — первая женщина-скульптор, зарегистрированная в Испании. Она работала как в Англии, так и в Мадриде, работая придворным скульптором Карла II и Филиппа V. В конце жизни ее приняли в Академию Сан-Лука. Она вырезала деревянные религиозные скульптуры для церквей, которые затем расписали другие члены семьи. Она также создала небольшие полихромные терракотовые работы, популярные среди мелкой буржуазии. Сегодня многие из ее работ хранятся в церквях по всей Испании.

Прочтите здесь о книге Кэтрин Холл-ван ден Эльсен о художнице, выходящей в Лунд-Хамфриз в 2021 году.

Рэйчел Рюйш (1664

1750)

Рэйчел Рюйш родилась в Гааге и вела большую часть своей творческой деятельности в Амстердаме. Ее отец, Фредерик Рюйш, был профессором анатомии и ботаники. Его дочь использовала его коллекции, чтобы практиковать свои навыки рисования. В молодости она поступила в ученики к художнику-цветочнику Виллему ван Элсту (чья мастерская была похожа на мастерскую другой голландской художницы-цветочницы, Марии ван Остервейк).Рюйш вышла замуж за художника-портретиста Юриана Пул, от которого у нее было десять или одиннадцать детей. После замужества она продолжила рисовать, создавая заказы для международного круга покровителей. Перейдите по этой ссылке, чтобы послушать, как Нина Кэхилл из Лондонской национальной галереи рассказывает о творческой карьере Рюйша.

Для каждого из художников, описанных выше, существует несколько картин (или, в случае Рольдана, скульптур). В некоторых случаях посетители могут найти работы старых мастеров-женщин в музеях.В других случаях картины хранятся в частных коллекциях, но часто их можно посмотреть в Интернете. Посмотрите на этих старых мастеров женского пола, чтобы узнать больше об их жизни и творчестве!

Прочтите здесь о книге Марианны Берарди об этом художнике, которая выходит из Лунда Хамфриса.

Больше сообщений в блоге Art Herstory:

Еще одна дюжина великих женщин-художников давних времен

Два вида: Джованна Гарцони и Артемизия Джентилески (гостевой пост доктораМэри Д. Гаррард)

Есть ли у нас еще великие художницы? (Гостевой пост доктора Шейлы Фоллиотт)

Политика выставок старых мастеров-женщин (гостевой пост доктора Шейлы Баркер)

Анжелика Кауфман и Мэри Мозер: художницы-основательницы Королевской академии

Гезина тер Борх: Художник, а не любитель (гостевой пост доктора Николь Э. Кук)

Насекомые-протофеминисты Джованны Гарцони и Марии Сибиллы Мериан (гостевое сообщение проф.Эмма Стейнкраус)

Джудит Лейстер, ведущая звезда

Бесценное наследие Артемизии Джентилески: взгляд куратора (гостевой пост доктора Джудит В. Манн)

«Яркие души»: выставка в Лондоне, посвященная Мэри Бил, Джоан Карлайл и Энн Киллигрю (гостевое сообщение доктора Лауры Гоуинг)

Новые приключения в истории преподавания искусства (гостевой пост доктора Джулии Даббс)

Женщины эпохи Возрождения рисуют себя (гостевой пост доктора Кэтрин А.МакИвер)

Рэйчел Рюйш (1664–1750): День рождения

Почему старые любовницы имеют значение сегодня? (Гостевой пост доктора Мерри Визнер-Хэнкса)

Сестры Микеланджело: (пере) знакомство со старыми мастерами-женщинами

Композиция в стиле барокко | Мадди Цвета

— Автор Howard Lyon

Я люблю барокко. От Рубенса и Караваджо до Бернини и Баха. Я люблю страсть и движение. Я был в Метрополитен-музее в Нью-Йорке и рассказывал с женой о композиции в картинах и объяснял, как движение в стиле барокко берет пространства, которые обычно были очень твердыми и неподвижными, и помещает их по диагонали, придавая им динамическое движение.Мы вошли в комнату, полную великих произведений той эпохи, и каждая картина в комнате имела одну и ту же основную композицию.

Я сделал простую схему, чтобы показать основные линии этой композиции. По сути, это была четкая диагональ (синяя линия), идущая от одного угла к противоположному диагональному углу. От нее, часто под углом 90 градусов от этой главной диагонали, тянулись линии до других углов (красные линии). Он создает серию треугольников, которые никогда не кажутся неподвижными. Он используется перевернутым или повернутым, а иногда только с одной отдельной вторичной диагональю, но вы будете видеть, как это используется снова и снова.

Конечно, в любом большом произведении искусства много чего происходит за пределами этих линий, но подумайте о композиционных линиях, как о вешалках. Это форма, на которой висит картина.

На этом изображении есть две картины, изображающие похожие сцены. Левая, написанная Рафаэлем, относится к эпохе Возрождения, и для ее композиции используется проверенный временем треугольник. Он передает стабильность и силу, а также некоторую религиозную символику. Изображение справа Рубенса использует две диагонали и более динамичную композицию.Обратите внимание, как формы создают треугольную рамку для ребенка. Основная диагональ часто усиливается параллельными ей линиями. Посмотрите на все линии, образованные ногами, руками и тканью, которые перекликаются с основной диагональю.

Эта картина Рубенса с изображением Марса и Реи является прекрасным примером. Посмотрите, насколько очевиден объемный свет, исходящий из верхнего левого угла, в создании вторичной диагонали. Более темная область плаща Марса напротив более светлой части продолжает линию под подмышкой, над головой купидона и вниз до руки Реи.Рука Реи, статуя в правом верхнем углу, рука Купидона и нога Марса сзади следуют одной и той же линии, проходя по главной диагонали композиции. Вокруг этих форм расставлены красивые изгибы и акценты, играющие против диагоналей. Качественный товар.

Гвидо Рени — еще один мой абсолютный фаворит. Я люблю эту картину Святого Себастьяна. Мне нравится движение форм. Здесь подразумеваются диагонали, ваш взгляд продолжает их до краев картины, следя за его взглядом в левый верхний угол и ногой в правом нижнем углу.Обе эти линии отходят от главной диагонали.

Другой Гвидо Рени. Мощный! Вот еще несколько быстрых примеров:

Караваджо, Святой Франциск Ассизский в экстазе

Караваджо, ул. Матфея

Энтони ван Дайк здесь немного изменил композицию, создав менее правильные треугольники, но все же используя тот же базовый подход.

Мы закончим прыжком на пару сотен лет вперед к великолепному романтическому произведению в стиле барокко. Соломон Дж.Картина Соломона с изображением Самсона. Посмотрите, как
Соломон скрутил и согнул тела, чтобы вписаться в его композицию. Далила справа сжата в своем пространстве, когда она насмехается над Самсоном. Даже ось
перевернутого стола в правом нижнем углу идеально совпадает с главной диагональю. Сжатая фигура в нижнем левом углу помогает начать диагональные подъемы по позвоночнику скомканной фигуры слева. Здесь не бывает счастливых случайностей. Все эти формы и линии четко спланированы.

Это тоже интересно. Я поместил спираль Фибоначчи поверх этой картины, и я думаю, что Соломон, должно быть, уделил некоторое внимание концепции проектирования вокруг нее. Есть много элементов, которые изогнуты по спирали или перекликаются с ней. Мне нравится, как форма персонажей в левом нижнем углу усиливает форму спирали, как и коврик. Измученное лицо Самсона падает прямо на основную вертикаль, разделяющую картину по золотому сечению.

Так почему я сосредоточился на одной композиции со всеми этими картинами? Ну, во-первых, он отличный.Но также для повышения осведомленности в целом о том, насколько простыми могут быть основы успешной картины. Существует бесконечное множество решений того, как вы можете сочинять свою работу, но вы можете когда-нибудь попробовать это конкретное и посмотреть, есть ли у вас немного больше понимания великих художников, которые были до нас. Я знаю, что это для меня. Иногда я воспользуюсь возможностью по-настоящему изучить старого Учителя, выполняя поручение.

Обожаю прекрасную картину Караваджо. Мне было поручено посадить группу фигур за стол, и я решил превратиться в маловероятную дань уважения.

Из линий, наложенных мною, видно, что я использовал ту же композицию, что и в Караваджо и других картинах в этом посте. Это помогло мне получить немного больше признательности и понимания. Если вы решите попробовать, я надеюсь, вы дадите мне знать. Я хотел бы видеть его!

Реплики масляной живописи в стиле барокко на продажу

Начало XVII века было довольно насыщенным: философия Декарта посеяла семена вопросов в умах людей, Исаак Ньютон и Галилей — новые научные открытия, не говоря уже о самодержавном правительстве, щеголяющем своим экстравагантным богатством. .Религиозная сцена была напряженной, поскольку протестантская Реформация оказала давление на католическую церковь, которая ответила контрреформацией. Католическая церковь больше, чем когда-либо, вкладывала средства в искусство, чтобы воспроизводить библейские повествования, чтобы восстановить веру людей.

Спонсируемое в основном католической церковью, барокко было ответом на маньеризм, просуществовавший до конца XVI века. В искусстве барокко использовалась сложная композиция, с систематическими схемами, тяжелыми украшениями и переливом света и тени.Художники были заинтересованы в том, чтобы вызвать более непосредственное обращение к чувствам, придавая большее значение движению и драматичности работы.

Термин, приписываемый движению, как и многие другие, изначально был уничижительным, так как был дан более молодым поколением критиков, которые чувствовали необходимость дискредитировать творчество художников барокко. Этот термин использовался в смысле гротескного, искаженного и нелепого из-за текучести, которую художники приписывали движению.

В связи с продолжающимся ремонтом, спонсируемым церковью, Рим постоянно приглашает художников со всей Европы работать и учиться, в основном о мастерах эпохи Возрождения.Эта миграция приводит к богатому культурному обмену, и движение барокко распространяется по всей Европе. Аннибале Карраччи вместе со своим братом Агостино и двоюродным братом Лодовико основал художественную академию. В этой академии студенты черпали из реальных вещей, укрепляя приверженность истине. Они также изучали классиков художников эпохи Возрождения. В картинах Аннибале внимание уделяется движению и цвету. Его работа позже повлияет на Гверчино, поскольку он создает движение, играя с развевающимся плащом фигуры.

Караваджо — самый известный художник итальянского барокко, хотя о его жизни известно очень мало. Он хотел честно и верно изобразить мир, и этот смелый взгляд на реальность сделал его картины чрезвычайно откровенными. В своей технике он любезно развил светотень, впервые использованную Леонардо да Винчи, и усилил использование света и тьмы, как это видно в «Обращении святого Павла». Его работа была настолько влиятельной, что возникли школы последователей, вдохновленных его работой под названием Caravagesques .

Самой известной женщиной-художником XVII века, а также первой женщиной, поступившей во Флорентийскую Академию художеств, где учился тот же Микеланджело, была Артемизия Джентилески. Ее стиль живописи похож на Караваджо и несет в себе мощный посыл. Артемизию, которую всегда подрывали и часто отвергали за то, что она была женщиной в сфере, где доминируют мужчины, приписывали многие свои картины другим мужчинам, например, ее отцу. Только в 70-х годах исследователи поняли, что она была первым феминистским символом мира искусства.Представляя сильные женские фигуры из Библии, как это было в греческой мифологии, она, казалось, посылала послание силы. Художница была вынуждена выйти замуж после того, как ее репутация была запятнана изнасилованием в 18 лет; ее работы кажутся ее местью патриархальному и несправедливому обществу. В ее самой известной картине «Юдифь, убивающая Олоферна» Юдифь с помощью служанки обезглавливает своего обидчика.

Джан Лоренцо Бернини, скульптор и архитектор, смог определить в своих работах, что такое стиль барокко.Его пышные проекты были театральными, органичными и динамичными. «Экстаз Святой Терезы» — это захватывающее произведение искусства с почти эротическим чувством, в котором сочетаются архитектура и скульптура. Бернини работает с мрамором, бронзой, стеклом и фресками, чтобы завершить этот шедевр барокко. Другой влиятельный художник — Диего Веласкес, официальный художник королевской семьи. В «Лас Менинас» Веласкес рисует себя перед холстом, когда пишет портрет короля и королевы, которые находятся в позиции зрителя, другими словами, их нет на картине.Рядом с ним члены двора и королевской семьи.

В это время голландцы также переживали золотой век живописи. Не связанное с католической церковью и сумевшее стать самой богатой европейской страной, искусство барокко в Нидерландах развило другую тематику. С появлением среднего класса, который хотел потреблять искусство, не было необходимости в библейском повествовании, открывающем живопись натюрмортам, портретам, пейзажам и домашним сценам.

About Author


alexxlab

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *